Фридрих Дюрренматт - художник, которого все считали писателем

Вчера, 26.03.2016 года, побывали в "Театре на Васильевском", где была премьера нового спектакля "Ромул Великий".

У нас появился повод поговорить и о живописи, и о литературе, и об истории, и о театре. 

Исторически недостоверная комедия "Ромул Великий" была написана великим швейцарским драматургом Фридрихом Дюрренматтом в 1949 году. Пьеса, поставленная в Базеле, успеха не имела. Исторический сюжет, в данном случае падение Западной Римской империи, заинтересовал его не сам по себе, а лишь своим сходством с недавними событиями — 12-летим существованием и падением Третьего рейха, и лишь в той части, в которой это сходство можно было уловить. По отношению к истории Рима пьеса Дюрренматта представляет собой откровенную пародию; соответственно, он не стремился к исторической достоверности характеров главных героев. Так, Ромулу Августулу, который в 476 году был ещё ребёнком, у Дюрренматта — «за пятьдесят» (соответственно, Орест из отца Ромула превращается в его преданного полководца); предводитель германцев Одоакр в его пьесе не имеет со своим историческим прототипом ничего общего, кроме имени. Но о спектакле мы поговорим потом.

 

Сначала познакомимся с личностью его создателя. 

Фридрих Райнхольд Дюрренматт (нем. Friedrich Reinhold Dürrenmatt; 5 января 1921, Конольфинген — 14 декабря 1990, Невшатель) — швейцарский немецкоязычный прозаик, драматург и публицист, один из крупнейших писателей и драматургов послевоенной Европы. Наиболее широкую известность он завоевал в качества автора таких пьес, как «Ромул Великий» (1949), «Визит старой дамы» (1956), «Физики» (1962). Дюрренматт

Дюрренматт сам себя называл «самым мрачным комедиографом из всех существующих». Сочинения Ф. Дюрренматта переведены на более чем 40 языков мира. Классик литературы очень редко давал интервью, однако в 1978 году швейцарскому национальному телевидению удалось поговорить с ним о тайнах его творческой кухни и записать разговор на пленку. Предлагаем Вам посмотреть отрывок из этого уникального интервью (SRF, swissinfo.ch). Предлагаю Вам для начала послушать это интервью.

 

 

 

Кто такой Дюрренматт, писатель, или художник? 

Первые 25 лет своей жизни Дюрренматт находился в состоянии некоей раздвоенности, он никак не мог сделать окончательный выбор в пользу одного или другого вида искусства.

В итоге перо победило кисть, и в историю мировой культуры Фридрих Дюрренматт вошел как выдающийся мастер слова. Тем не менее, рисовать он никогда не прекращал, пусть даже для себя, пусть даже публика долгое время не имела доступа к его рисункам и картинам.

Сегодня наследие из области живописи великого швейцарца собрано и тщательно изучается в городе Невшатель, в специальном «Центре Фридриха Дюрренматта», расположенном на высоком горном склоне. С террасы центра открывается изумительный вид на озера и долину Швейцарского плато. Всего в центре собрано около одной тысячи единиц хранения: картин, рисунков, набросков, творческих штудий и неоконченных этюдов.

Очень часто основой сюжетов этих работ, колеблющихся в промежутке от абсурда до гротеска, становились заимствования из греческой и библейской мифологии.

Дюрренматт говорил, что он мыслит образами. Перенесенные на полотно в виде картины или рисунка, они позволяли ему выражать то, о чём он был не в состоянии написать. Можно сказать, что живопись была его страстью. Выставлялся он очень редко. Он разработал свой собственный художественный язык, на который много чего повлияло. Познакомьтесь с Фридрихом, как с художником. Вот только несколько его работ.

 

Путь Наполеона

 

Черное вознесение

 

Пейзаж

 

Жена

Дюрренматт - прозаик

Первыми литературными опытами Дюрренматта были рассказы — «Рождество» (Weihnacht), «Палач» (Der Folterknecht), «Сын» (Der Sohn) и другие, написанные ещё в годы войны: самые ранние из них были опубликованы в 1943-м. Мир этих ранних рассказов страшен своими фантастическими несообразностями. «Тут движутся качающиеся автобусы, похожие на чудовища, воздух клейкий, а тяжесть предметов кажется такой непомерной, что сравнивается со стонущим земным шаром». Этот мрачный колорит был вполне в духе времени: ужасы Второй мировой войны значительную часть европейской интеллигенции повергли в отчаяние, уже пережитое однажды — после первой «мировой бойни», и настроили на метафизический лад, побуждая искать причины происшедшего в «извечной» природе человека. Второе рождение переживал экспрессионизм, в моду вошёл не оценённый при жизни Франц Кафка с его мрачными параболами; в европейской литературе появились многочисленные эпигоны Кафки, — его влияние отмечают исследователи и в ранних рассказах Дюрренматта. Сам Дюрренматт считал эти рассказы «опытным полем» для своих драм. Первым его драматическим опытом стала радиопьеса «Двойник» (Der Doppelgänger), написанная в 1946 году.

В 1947 году Дюрренматт написал свою первую пьесу для театра — «Писание гласит…» (Es steht geschrieben…). Действие её происходит в Германии XVI века, в Мюнстерской республике анабаптистов, и хотя сюжет пьесы был основан на реальных событиях и герои её сохраняли некоторое сходство со своими историческими прототипами, Дюрренматт в предисловии специально оговаривался, что не следовал документам, с которыми к тому же и знаком плохо: его тронуло давнее происшествие — старинная мелодия, взятая им и инструментованная по-новому. В любом случае, и эта пьеса, и следующая, написанная в том же году драма «Слепой», действие которой также происходит в Германии XVI века, были навеяны Второй мировой войной.

Пьеса «Ромул Великий» была поставлена в Городском театре Базеля в 1949 году, однако и после этой премьеры автор не проснулся знаменитым; зарабатывать на жизнь в конце 40-х годов Дюрренматту приходилось главным образом театральной критикой в еженедельнике «Weltwoche» и скетчами для кабаре.

Популярность к Дюрренматту пришла во второй половине 50-х — начале 60-х годов.

В начале 60-х в Ленинградском театре Комедии я, помню, смотрел странную пьесу Дюрренматта "Физики". Действие происходит в течение одного дня на старой вилле частного психиатрического санатория «Вишнёвый сад», основанного доктором медицины, старой девой Матильдой фон Цанд. Все остальные её пациенты («выжившие из ума аристократы, поражённые склерозом политики — за исключением тех, кто всё ещё держит в своих руках бразды правления, — а также дебильные миллионеры, писатели-шизофреники, магнаты индустрии, страдающие депрессивно-маниакальным психозом, и т. д., короче говоря, душевнобольная элита чуть ли не всей Европы») давно переселены в новые корпуса лечебницы. На старой вилле остались только три пациента, и все трое — физики, «безобидные, симпатичные и милые психопаты, сговорчивые, послушные и непритязательные». Три месяца назад пациент, воображающий себя Ньютоном, задушил медсестру; теперь то же самое сделал пациент, считающий себя Эйнштейном.

«Ньютон» совершённое убийство объясняет инспектору полиции тем, что он и медсестра любили друг друга и это отвлекало его от мыслей о всемирном тяготении. Тем же объясняет своё преступление и «Эйнштейн»: они любили друг друга, убитая медсестра хотела выйти за него замуж и уехать вместе с ним в деревню. Инспектор полиции не может арестовать душевнобольных, но от имени прокурора настаивает на том, чтобы пациентов в клинике обслуживали санитары-мужчины.

Третий физик, Иоганн Мёбиус, находится в клинике уже 15 лет; он никем себя не воображает, но ему постоянно является царь Соломон и открывает тайны природы, связь всех вещей, систему всех возможных научных открытий. Мёбиус и его сиделка, сестра Моника, тоже любят друг друга; именно поэтому физик убеждает медсестру немедленно покинуть клинику: здесь ей грозит смертельная опасность, — но узнаёт, что сестра Моника считает его совершенно здоровым и уже получила от доктора фон Цанд разрешение покинуть клинику вместе с ним. Мёбиус убивает медсестру.

В санаторий вновь прибывает полиция; тем временем сиделок уже заменила интернациональная бригада санитаров, и все — чемпионы своих стран по боксу в тяжёлом весе. Мёбиус тяжело переживает случившееся, но совершённое убийство объясняет приказом царя Соломона. Он готов понести заслуженное наказание, однако полиция и его не может арестовать.

За ужином Мёбиус узнаёт, что «Ньютон», живущий в санатории под вымышленным именем, в действительности — известный физик, он поселился у доктора фон Цанд, чтобы следить за Мёбиусом, и медсестру задушил потому, что она о чём-то догадалась, а главное — не считала его сумасшедшим: пришлось таким образом доказывать своё безумие. Ровно то же самое сообщает Мёбиусу и «Эйнштейн». Оба физика получили от своих спецслужб приказ вывезти гениального коллегу из санатория, что полагают возможным и теперь, когда в отношении пациентов принимаются усиленные меры безопасности: санитары превращают клинику в тюрьму.

Мёбиус, однако, никуда бежать не хочет; пока физики-шпионы мучительно делят его между собой, выясняется, что он сжёг все свои рукописи: «Существует такой риск, на который человек не имеет права идти: риск гибели всего человечества», — собственно, поэтому он и надел на себя шутовской колпак и выдумал царя Соломона. Мёбиус призывает коллег сообщить своим правительствам (благо у них имеются секретные радиопередатчики), что он действительно безумен, и остаться вместе с ним в санатории. В конце концов физики-шпионы соглашаются.

Но тут появляется Матильда фон Цанд; все разговоры физиков, как выясняется, прослушивались, их радиопередатчики уже у доктора. Матильда фон Цанд открывает физикам свою тайну: ей тоже все эти годы являлся царь Соломон; он хотел, чтобы Мёбиус его именем правил на всей земле, но Мёбиус его предал, и царь повелел Матильде править миром вместо него. Это она натравила на физиков сиделок, чтобы подтолкнуть их к убийству и таким образом обезвредить. На протяжении многих лет она снимала фотокопии с рукописей Мёбиуса, и теперь все его гениальные открытия в её руках. Под эти открытия она давно уже основала гигантские предприятия и объединила их в могущественный трест.

Режиссер, поставивший эту пьесу в театре комедии Н.Лифшиц говорил, что "Великие физики нашей эпохи, нашедшие пути для расщепления атома, как показала действительность, не только принесли человечеству великую победу гения над тайнами природы, но и, к несчастью, поняли, что их открытия поставили человечество на грань самоуничтожения."

В этой пьесе Дюрренматт по-своему отвечает на вопрос о неустранимом конфликте между наукой, мыслителями и монополистическим капиталом. Он выступает с острым памфлетом, который одновременно содержит глубокие раздумья о месте независимого ученого в современном мире.

В психиатрической лечебнице ученые-физики пытаются спрятаться от жизни, подстерегающей их, от тех, кто претендует на их открытия. Ученому, владеющему такой страшной силой, как расщепленный атом, нет иного пути, как притвориться безумным, чтобы стать недосягаемым. Дюрренматт показывает, что и в психиатрической больнице нет для них спасения. Если один выдает себя за сумасшедшего, чтобы остаться честным перед самим собой, то другие играют в безумие, чтобы выполнить задание своих хозяев: атмосфера слежки и обмана царит во внешне респектабельном и благоустроенном лечебном заведении Матильды фон Цанд.

Главный тезис пьесы сводится к следующему: всякая власть является врагом науки, обладающей секретом столь великой и в то же время разрушительной силы. Ученые, владеющие тайной атома, вынуждены тщательно скрывать свои открытия ото всех и вся. Пьеса Дюрренматта пессимистична, так как автор не видит выхода из тупика для свободной научной мысли. Я в конце 60-х закончил отделение ядерной физики физфака ЛГУ, и все эти мысли были для меня откровением. 

Сцена из спектакля "Физики"

Пьеса "Физики" создавалась в годы, когда в условиях усиливающейся гонки вооружений и накопления средств массового уничтожения участились дискуссии о нравственной ответственности учёных-физиков за возможные последствия их ошеломляющих открытий. Дюрренматт выдвигает парадоксальный тезис о том, что человечество просто не в состоянии употребить без вреда для себя научные открытия, сделанные опередившими своё время гениями. В мире, который у Дюрренматта ассоциируется с сумасшедшим домом, нравственные терзания осознавшего губительность для человечества своих «озарений» учёного лишены смысла. Безумные устремления к господству над миром и логика выживания несовместимы. В одиночку с надвигающейся катастрофой не справиться. Значит, человечеству не остаётся ничего другого, как преодолеть идеологические, политические, этнические и прочие разногласия и объединиться в борьбе за выживание. Такой вывод не вытекает из пьесы, в которой преобладают мотивы безысходности. 

Это был конец 60-х годов. И вот теперь мы обращаемся к "Ромулу великому". На дворе 2017 год. Наука в загоне, ученые, если они не приносят деньги никому не интересны.... Опять наступает эпоха безумия. Распалась последняя Империя - СССР.

Импе́рия (от лат. imperium — власть) — могущественная держава, опирающаяся в своей внутренней и внешней политике на военные сословия (организованную армию) и действующую в интересах военных сословий. Как правило империя объединяет разные народы и территории в единое государство с единым политическим центром, играющая заметную роль в регионе или даже во всем мире. Самыми известными империями являлись Римская Империя, Священная Римская Империя, Османская Империя, Российская Империя, Британская Империя. По официальному мнению СССР, США также являлись империей. По состоянию на 2016 год, формально единственной в мире империей является Япония.

Исторические периоды:

Древний мир — до 476 года (падение Западной Римской империи)

Средние века — с 477 года — по 1453 год (падение Константинополя)

Новое время — с 1454 года — по 1918 год (конец Первой мировой войны)

 

Новейшее время — с 1919 года

 

Хронологические рамки существования Римской империи охватывают период времени начиная с правления первого императора Октавиана Августа, до раздела империи на Западную и Восточную и последующего падения Западной Римской империи, то есть с 27 года до н. э. по 476 год. Восточная часть Римской империи с центром в Константинополе существовала ещё 977 лет — до 1453 года.

При императоре Траяне Римская империя достигла своих максимальных размеров.

1622 года назад, 17 января 395 г., Римская империя разделилась на Восточную и Западную. Эпоха Римской империи подошла к концу. В этот день скончался последний император единой Римской империи Феодосий I Великий. Перед смертью император Феодосий осуществил мирный раздел Римской империи между сыновьями. Старшему сыну Аркадию досталась в управление Восточная часть империи со столицей в Константинополе, она известна в современной историографии как Византия. Младшему Гонорию отошла Западная часть Римской империи. Малолетнего императора Гонория Феодосий передал под опеку доверенного полководца Флавия Стилихона, которого женил на своей племяннице Серене. Стилихон фактически стал правителем Западной Римской империи.

Период внешней экспансии, который давал Риму приток золота, другой добычи и рабов, подошел к концу. Паразитировать на других народах уже не получалось. В Центральной и Восточной Европе отпор римлянам давали предки современных немцев и славян. Вторжения хозяев причерноморских степей – скифов и сарматов (прямых предков русских), всадников одетых в броню и пронзавших противников длинными копьями, поставили Рим на грань военного поражения. Многие города были обращены в руины. На Ближнем Востоке римлян остановила Персия.

Население также деградировало. Военная служба перестала быть основой римского общества. Римляне перестали быть народом-воином. «Коренные» римляне даже не хотели самовоспроизводиться. Жизнь ради удовольствий не оставляет место детям. Империю накрыл демографический кризис.

Военный, социально-политический кризис дополнял разлом в культуре и религии. Древние языческие культы постепенно уступали место молодому христианству. Само христианство уже тогда не было единым и делилось на ряд враждующих течений. Императорская власть нуждалась в поддержке народа и бога (богов), в которых верили люди. Императоры выбирали между Митрой (Солнцем), который был популярен на Востоке, Юпитером и Христом. В итоге выбрали Христа. По легенде, во время борьбы за трон преемнику Диоклетиана Константину (306 - 337) явилось видение креста, окруженного сиянием и надписью: «Сим победиши». Император приказал водрузить крест на знамена своих легионов и одержал победу. С этого момента императорская власть стала оказывать покровительство христианам.

Надо сказать, что победа христианства спасла восточную часть Римской империи. Христианство мобилизовало общество, укрепило моральные устои. Государство использовало церковь для контроля над обществом. Церковь стала символом единения, братства и милосердия. Она не только давала утешение, но и кормила бедных. Императоры сделали церковь богатейшим землевладельцем, передали ей огромные средства, множество домов и земельных участков. На эти средства создавались больницы, дома для приёма странников, любой нищий мог получить в церкви тарелку похлебки или монетку на пропитание. Церковь взяла на себя роль системы социального обеспечения.

Ещё император Диоклетиан (правил в 284 – 305 гг.) ввел систему тетрархии (с греч. «правление четырёх, четверовластие»). Власть в империи была разделена между двумя августами, которые имели младших соправителей - цезарей. Диоклетиан хотел, чтобы после 20-летнего правления августы уходили в отставку, а их заменяли цезари, которым на смену придут новые цезари. Однако система была неустойчивой и привела к междоусобной войне, между претендентами на императорский престол. В войне победил Константин. В правление Константина могущество державы было восстановлено и противоречия временно сглажены. Но уже его сыновья развязали новую междоусобную войну. В итоге два брата погибли, победил Констанций, который правил до 361 года. Констанций был сторонником арианства. Ариане считали, что Христос не равен Богу-Отцу. Никониане подвергались гонениям.

После Констанция был Юлиан, Это был император-философ. Юлиан объявил о веротерпимости, и планировал провести реставрацию язычества. При этом он хотел обновить язычество на основе философии (неоплатонизма) и заимствования некоторых черт христианства (иерархия, благочестие, благотворительность и т. д.). Однако правил он не долго, поэтому реформы не были завершены. В 363 г. Юлиан погиб. 

Рим быстрыми темпами шел к своему закату.  В 410 году готы Алариха взяли Рим. «Вечный город» был взят врагами впервые за 800 лет.  В 455 году в Рим ворвались вандалы. Город подвергли страшному разгрому. После их ухода в Италии хозяйничали вожди наемников, которые возводили на престол и свергали императоров. В остальных провинциях создавали свои государственные образования «варвары». В Восточной части империи правили свои императоры, которых судьба Рима особо не заботила. «Вечный город» надолго утратил свою славу.

Рим окончательно пал в 476 году, когда полководец Одоакр отстранил от власти Ромула Августа и провозгласил себя королем Италии. Восточная часть Римской империи (Ромейская империя) просуществовала ещё почти тысячу лет и пала в 1453 г. под натиском новых «варваров» – османов. 

Иной раз в истории можно наблюдать невероятные совпадения. Известно, что первым античным императором, правившим в Константинополе, был Константин Великий. Последнего константинопольского императора тоже звали Константин (XI Палеолог). Как мы знаем, первого представителя дома Романовых на русском престоле звали Михаил – как и последнего, правившего со 2 по 3 марта 1917 года. То же можно сказать и об античном Риме – первым его правителем был царь Ромул, последним – малолетний император Ромул Август.

В 475 году нашей эры Западно-Римская империя трещала по швам. В то время у кормила власти в Равенне, где располагался императорский двор, находилось два человека, это варвар, вождь герулов Одоакр и римлянин, в прошлом – секретарь Аттилы Флавий Орест. У них было разное представление о том, как управлять остатками империи. Одоакру было всё равно, что будет с Римом, Орест же мечтал возродить былое величие государства. В 475 году Орест и Одоакр свергли ставленника Константинополя Юлия Непота, и поставили сына Ореста, подростка Ромула Августа. Своего сына Флавий Орест назвал в честь знаменитого героя, основателя Рима и питомца Капитолийской волчицы. Именно Ромул провёл священную борозду у семи холмов на берегу реки Тибр, положив начало не просто новой общине, а могучей цивилизации, объединившей в будущем весь цивилизованный Западный мир. Датой основания Рима считается 753 год до нашей эры.

Правление Ромула Августа проходило в обстановке мятежей солдат империи, состоявших в основном из варваров-федератов (союзников) Рима. У Флавия Ореста не было денег для того, чтобы платить им жалование. Жители Равенны прозвали малолетнего императора «Августул» («Августёнок»). Безусловно, подросток едва ли мог каким-нибудь образом исправить положение. Встав во главе войск, Одоакр двинулся на Равенну, убил Флавия Ореста и низложил Ромула Августа. Свергнутый император был отправлен в ссылку в Кампанию. День низложения Ромула Августула – 4 сентября 476 года – считается формальной датой распада Западно-Римской империи.

Что касается Ромула Августа, после низложения его следы теряются. Никто из современников не интересовался его дальнейшей судьбой. Впервые о нем вспомнил Дюрренматт, и написал пьесу. Но историю Дюрренматт знал плохо, а потому не это было главным в его произведении.

Он начал писать пьесу сразу после окончания 2 мировой войны. Распался 3-й рейх.

Вот таким был 3-й рейх

С крахом национал-социалистического мира 8 мая 1945 года появилась возможность разработать новый мир. Искусство и культура, и в этом державы-победительницы были единодушны, должны были сыграть в реабилитации немцев важную роль, точно также как и театр. 

Философская пьеса, насыщенная политическими проблемами, была потребностью того времени. Приблизительно до середины 50-х годов на сценах западноевропейских театров преобладала драматургия, превращавшая театральные подмостки в трибуну для страстного обращения к зрителям по общественным, нравственным и философским вопросам.
Считалось в то время, когда творил Б.Брехт, что зритель больше не принимает мир, а создает его сам. Театр больше не пытается затуманить его разум… Теперь театр бросает его в схватку с миром». Таким образом, Брехтом была создана «теория драматического театра», в основе которой лежит эффект «отчуждения», благодаря которому достигается активация зрителя. 

Творчество Дюрренматта отличается от творчества Брехта. Дюрренматт творил в Швейцарии, а Швейцария во время войны сохраняла нейтралитет. А что такое нейтралитет? нейтральности не существует, т. к. отказ от выбора, невмешательство, пассивность всегда есть форма позиционирования. Политическая воздержанность, безразличие или бездействие всегда имеют определенные последствия, а в частности, они выражаются, как правило, в укреплении существующего положения власти. Дюрренматт считал нейтральность Швейцарии циничным средством политики. «Швейцария политически холодная и расчетливая, т. к. она допускает, в зависимости от ситуации, политическое участие или политическую передачу».

«С точки зрения политики, Швейцария решала одну единственную политическую задачу, которая делала все остальные политические задачи второстепенными: избежать войны с помощью своей политики, и она избегала ее с помощью своей политики. Другой вопрос, конечно, каким образом она ее избегала. Нейтральность это политическая, а не моральная тактика. Нейтральность представляет собой искусство, вести себя как можно выгоднее и безопаснее. Мы вели себя также и по отношению к Гитлеру: как можно выгоднее и безопаснее». Как упомянул сам Дюрренматт, его страна, «которая сформировала нейтральность по-разному и, вероятно, также деформировала ее, стала страдалицей, даже соучастницей национал-социализма» 

После окончания Первой Мировой войны австрийский драматург Гуго фон Гофмансталь сказал следующее: «После проигранных войн нужно писать комедии». После окончания Второй Мировой войны, американский драматург Юджин О'Нил, предсказывал: «Сейчас пришло время комедиям. Это будут очень горькие комедии». Точно также говорил в этом смысле и сам Дюрренматт: «нам остается только комедия.».. Вот Дюрренматт и написал комедию, которую поставил театр на Васильевском сегодня, когда закончилась одна холодная война, за окончание которой М.С.Горбачев получил серебрянную медаль Конгресса США, и началась новая холодная война, которую западные ястребы мечтают перевести в горячую. Активно им помогают всякие навальные, явлинские, которые напоминают "Великого Ромула" из пьесы Дюрренматта. Зачем поставил сегодня театр эту пьесу? Чтобы быть современным!

Как мы говорили, одним из первых драматургов, стремящихся к активации зрителя в театре, был Б. Брехт. Он разработал принцип «отчуждения», благодаря которому театр больше не пытается затуманить разум зрителя, наполнить его иллюзиями, а также смириться со своей судьбой. 

Ф.Дюрренматт тоже разработал свою концепцию, направленную на управление публикой, назвав ее драматургией мысли. Дюрренматт дал четкое объяснение понятию мысль: «Посредством мысли, посредством комедии, анонимная публика становится публикой, реальностью, с которой нужно считаться, но и которая должна быть оценена. Мысль легко превращает количество театральных зрителей в массу, которую можно атаковать, соблазнить, перехитрить для того, чтобы донести до нее те вещи, которые она бы иначе так легко не стала слушать. Комедия это мышеловка, в которую аудитория постоянно попадает, и будет попадать».

С падением Римской империи Дюрренматт намекает на падение Запада. С помощью бегающих кур Дюрренматт пародирует время; курица, которая каждый день должна снести яйцо. Место действия пьесы, куриная ферма, является гротеском, потому что у зрителя абсолютно другое представление об императорском дворе. Падение империи «показывается зрителю из куриного двора» и, таким образом, выглядит как посмешище. Как время и место, действие тоже едино, и эта классическая структура забавно контрастирует с хаотическим миром куриц на сцене. Действие пьесы разворачивается на вилле императора Ромула в Кампанье в течение одних суток, с утра 15 до утра 16 марта 476. Германцы приближаются к Риму. В столице мира царит запустение. На императорской вилле всё завалено хламом и поросло плющом и бурьяном. Министр финансов сбежал вместе с казной, которая, впрочем, давно пуста. Ромул добывает деньги, распродавая бюсты великих представителей Рима и листки со своего золотого лаврового венка Театр на Васильевском поставил спектакль о закате Западной Римской империи. Здесь есть атакующие Империю германцы и есть сам император Ромул - куровод, пацифист и по большому счету пофигист. Играет его народный артист Юрий Ицков, и эта постановка - подарок ему к 45-летию творческой деятельности. Подарок хороший - Ицкову есть где развернуться и продемонстрировать все грани своего таланта.

 

10 цитат из произведений Ф.Дюрренматта:

Что такое «менеджерская болезнь», всем хорошо известно: беспокойство, шум, суматоха, расстроенный брак и расшатанные нервы. («Авария»)

Нельзя шутить с идеалами, за идеалы люди проливают кровь. («Визит старой дамы»)

То, что случилось, не имеет значения, потому что оно уже случилось. Случившееся надо отбрасывать, кто не умеет забывать, тот бросается под колеса времени и дает себя раздавить. («Правосудие»)

Чем духовнее мотив какого-нибудь акта насилия, тем злее само насилие, тем осознаннее, тем меньше ему оправданий. Оно принимает черты бесчеловечности. Святотатства. («Правосудие»)

Лучше быть нищим, чем палачом. («Визит старой дамы»)

Не надо стыдиться своей любви, а любовь к отечеству — хорошая любовь. Правда, она должна быть строгой и критичной, иначе это будет обезьянья любовь. Если в отечестве открываешь пятна и грязные места, то их нужно почистить. Из всех двенадцати подвигов Геракла мне больше всего понравилось, как он вычистил авгиевы конюшни; сносить же весь дом, а затем в этом бедном испорченном мире строить другой бессмысленно и неумно. («Подозрение»)

Богатство только тогда имеет ценность, когда оно покоится на милосердии, а милосердия достоин только тот, кто жаждет милосердия. («Визит старой дамы»)

Гуманизм, господа, — бизнес миллионеров. С моими же капиталами устраивают мировой порядок. Мир сделал из меня публичную девку, теперь я сделаю из него бордель. («Визит старой дамы»)

За последнее столетие мы столько раз жертвовали собой ради государства, что пора бы государству пожертвовать собой для нас. («Ромул Великий»)

Причина, которая пробуждает в нас страх, спрятана в нашем сердце, гнездится в наших грехах; поймите это, и тогда вы поборете то, что вас мучит; найдете оружие, чтобы победить свой страх. («Визит старой дамы»)

Вот таким у нас получился разговор после спектакля. 

  

 

Комментарии излишни

 

Каждая звезда – это пробоина в небесной сфере,
сделанная чьей-то душой и несущая по Вечности её Имя.......

Музыка опять бередит мне душу. Мы поговорим о музыке 

Вчера Виктор Лисняк пригласил в Малый зал Филармонии на концерт квартета им.Стравинского, в котором он играет более 25 лет.

 

Струнный квартет в камерной музыке является самой популярной и престижной формой, так же как симфония для оркестра. Струнный квартет пишется для двух скрипок, альта, виолончели и, как правило, состоит из четырех частей. Зарождение этой формы относят к середине 17-го века, но "отцом струнного квартета" считается Йозеф Гайдн (1732-1809), который сочинил 83 квартета и установил его классическую структуру. Каждый великий композитор выражал свои самые сокровенные личные чувства хотя бы в нескольких произведениях этой высшей формы камерной музыки.

                     Александр Шустин                                Даниил Меерович                               Семен Коварский  

«Архангельский прислушивался к тем таинственным глаголам,
которые звучат в душе человека, обуреваемой волнами житейского моря.
В своих лучших произведениях он вводит нас в тайники души страдающей
и ищущей смирения в Боге».

 Александр Андреевич Архангель­ский – выдающийся русский духов­ный композитор и хоровой дирижер. Хоть он прожил более 20 лет в XX в., все же он остается ярким представителем Петер­бургской композиторской школы конца XIX в.

 

В сочинениях Архангельского проявляется знание возможностей сочетания отдельных голосов и хоровых групп, нередко встречаются полифонические эпизоды. Александр Андре­евич одним из первых русских композиторов трактовал песнопения Литургии и всенощного бдения как единый цикл, имеющий гармо­нические и интонационные связи. Мелодика его сочинений близка обиходным распевам и народной песне. Переложения древних рас­певов выполнены в строгом диатоническом стиле гармонии с ограничением диссонансов.

По оценкам исследователей, составить пол­ную «картину» жизнедеятельности Александра Андреевича не удастся уже, видимо, никогда: к великому сожалению, часть архива Архангельского была утеряна при разграблении его петербургской квартиры в 1924 г.

«Мне редко приходилось встречать людей, так радостно, до конца своих дней воспри­нимавших жизнь. Тот, кто, как я, видел нежный свет в глазах Александра Андреевича в нерадостную пору бо­лезни, поймет, почему он никогда не заканчивал музыкальную мысль на печальном стихе псалма, а всегда приводил ее к успокаивающему разреше­нию. Поэтому не кажется случайностью, что многие из своих сочинений Александр Андреевич начинал простой и умилительной молитвой: "Господи, воззвах к Тебе, услыши мя"» (из воспоминаний современников).

Александр Андреевич Архангельский родился 11 (23) октября 1846 г. в селе Старое Тезиково Наровчатского уезда Пензенской гу­бернии, в семье священника Андрея Иванови­ча Архангельского. Мать, Елизавета Федоровна, устраивала дома в минуты отдыха домашние концерты. Кроме младшего Александра в семье было еще двое детей.

 

Крестьянский быт и внезапная потеря отца с раннего детства приучили будущего регента и композитора к постоянной упорной работе. В детстве и начал проявляться главный интерес Александра – к музыке.

В возрасте десяти лет мальчик поступил на обучение в Краснослободское духовное училище. К концу первого года обучения в училище прибыл епи­скоп Пензенский и Саранский Варлаам (Успен­ский). Певческие способности юного Алексан­дра привлекли внимание Владыки – осенью 1859 г. талантливого юношу перевели сразу во II класс Пензенского губернского духовного училища и зачислили его певцом-солистом в архиерейский хор. А после успешного оконча­ния училища в 1862 г. Архангельского перевели в Пензенскую духовную семинарию. Архангельский быстро приобрел необ­ходимые профессиональные навыки и уже в шестнадцать лет успешно заменял заболевше­го регента, но, несмотря на это, остро ощущал недостаток знаний. Для того чтобы восполнить пробелы, он активно занимался самообразованием и тратил свой скромный заработок на уроки по теории музыки, композиции и гармонии; в течение семи лет учился играть на скрипке у концертмейстера оперного театра Рубиновича. В это же время он познакомился с известным пензенским музыкальным деятелем и композитором духовной музыки Николаем Михайловичем Потуловым. Летом 1870 г., на 24-м году жизни, молодой регент отправился в Петербург и осенью этого же года стал вольнослушателем хирургическо­го отделения Военно-медицинской академии. Но не забывал и о музыке, параллельно нака­пливая и углубляя свои музыкально-профессиональные знания. Он брал частные уроки по фортепиано и сольному пению. Архангельский считал, что регент-дирижер должен сам петь профессионально, знать правила постановки голоса, дабы «не портить» голоса певчих. Не проучившись и года в Медицинской академии, Александр Архангельский перешел в Техно­логический институт. Но и тут он понял, что такая жизнь не соответствовала его духовным интересам и физическим возможностям. И тогда 26-летний студент подал прошение ди­ректору Певческой капеллы Николаю Ивано­вичу Бахметеву о сдаче экстерном экзамена на звание регента. После получения аттестата повышенного разряда Архангельский устроился на должность регента Саперного батальона, потом – Конногвардейского полка и наконец – Придворно-конюшенной церкви. В связи со сложными материальными условиями регент­ство приходилось сочетать с государственной службой бухгалтера при Контрольной палате Министерства путей сообщения.

С середины 1870-х гг. Архангельский думал об организации собственного хора. Благодаря помощи своего земляка, министра путей сооб­щения Ф. Неронова, Архангельский в 1880 г. соз­дает собственный хор из 16-ти человек 4 , и уже через три года впервые состоялось публичное его вы­ступление, которое сразу привлекло к себе вни­мание публики и музыкальных деятелей.

В 1885 г. Александр Андреевич воплотил давно задуманное решение – произвел пере­мены в хоре, заменив мальчиков женским со­ставом, что явилось нововведением в практике исполнения хоровых произведений. Это позво­лило иметь постоянный состав хора и достигать вершин исполнительского мастерства.

С началом концертной деятельности хора связаны и успехи Архангельского как компо­зитора. В его творчестве духовные сочинения занимали значительное место. Исследователи его жизненного пути отмечают, что он, наряду с такими авторами, как Дмитрий Бортнянский, Алексей Львов, Николай Римский-Корсаков, сделал «крупный шаг вперед» по пути создания своей русской самобытной церковной музыки. Духовные сочинения Архангельского (а это и есть основное в его творчестве – около ста) от­личались высоким профессиональным уров­нем.

Концертная деятельность хора Архан­гельского стала яркой страницей в истории мирового музыкального искусства. Лучшие образцы песнопений Православной Церкви были открыты широкой публике. Благодаря таланту и организаторским способностям Ар­хангельский руководил хором 43 года – явле­ние уникальное в истории русского искусства. Александр Андреевич много внимания уделял регентам церковных хоров, помогая им расши­рять и обогащать репертуар.

 

Хор Архангельского совершал поездки как по России, так и за рубежом, его популярность была необычайной. Александра Андреевича называли лучшим хоровым дирижером мира. Из рецензий того времени можно прочитать: «Господин Архангельский не только серьезный музыкант, но и замечательный знаток того дела, которому он служит с любовью и редкой энергией... Вся Россия любит молиться под музыку А.А. Архангельского».

Революционные события Александр Андре­евич принял как православный христианин – со смирением, разделяя скорбный удел своего народа. В 1918 г. небольшое имение композито­ра в костромском селе Каликино было разгра­блено. «Народная» власть объявила, что музыкант лишен прав на свое имущество. Репертуар хора теперь утверждал Наркомат просвещения, изгнав всю православную музыку, а сам хор переименовали в Государственный хоровой коллектив. Несмотря ни на что, Архангельский продолжил работать и зимой 1921 г., во время празднования 50-летия хоровой деятельности Архангельского, ему – первому из хоровых ди­рижеров – присвоили звание заслуженного ар­тиста республики.

О своей жизни в Петрограде ничего осо­бенного не могу сказать; хор мой (в уменьшен­ном составе) функционирует, но все окружа­ющее до того тяготит... А что делать? Разруха полная и общая...»

В связи с переименованием Петербургской придворно-певческой капеллы в Государствен­ную академическую капеллу было сочтено «не­совместимым» существование в одном городе двух государственных хоров, Архангельскому предложили организовать Государственную ка­пеллу в Москве. Однако от этого предложения Архангельский отказался, ссылаясь на болезнь и преклонный возраст.

В 1923 г. через Александра Гречанинова ком­позитор получил приглашение поработать в Праге. Вместе с супругой Пелагеей Андреевной переехал он в Чехословакию. Здесь Александр Андреевич успешно работал с Общестуденче­ским русским хором7. Репетиции вновь создан­ного коллектива прерывались в связи с болез­нью руководителя. Летом 1924 г. Архангельского пригласили на лечение в Италию. Почувствовав улучшение, он возвратился в Прагу. Вместе с тем последствия октябрьского переворота на родине оставили тяжелый след в душе компо­зитора. 16 ноября 1924 г. он назначил очередную спевку хора, однако за час до ее начала сердце великого композитора навсегда остановилось...

 

В октябре 1925 г. прах Александра Анд­реевича, согласно высказанной им воле, был перевезен его женой в Ленинград, и там после соборно совершенной заупокойной Литургии в Казанском соборе, при пении «бывшего» хора любимого регента России, его предали по­гребению на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры. На надгробии начертаны слова: «Внуши, Боже, молитву мою».

Наталия Кузина, руководитель таллинн­ского хора «Радуга», следующими словами охарактеризовала творчество Александра Анд­реевича Архангельского: «Музыкальный язык Архангельского естественен, как естественна и выразительна речь человека. Его сочинения отличаются необыкновенной мягкостью, ясно­стью, теплотой в музыке, молитвенностью».

 

По наблюдению одного из современников Александра Архангельского, «молящийся оча­ровывается не только красотой голосоведения, но, что самое главное, загорается под влиянием музыки Архангельского еще более сильным ре­лигиозным чувством. Причина этого влияния в глубоком религиозном чувстве самого автора...»

Источник: mepar.ru

Не случайно я вспомнил об этом великом русском композиторе. 6 апреля состоится очередное выступление нашего хора. И мы будем петь одно из его песнопений. "Помышляю день страшный". 

Духовный концерт «Помышляю день страшный» был создан в 1898 году. Музыкальный гармонический язык Архангельского естественен, как естественна и выразительна речь человека. Его сочинения отличаются необыкновенной мягкостью, ясностью, теплотой в музыке, молитвенностью. Послушайте великолепное исполнение этого произведения мужским хором Святотроицкой лавры в Москве.

 

 

Сольный запев басов символизирует мысль, гнетущую человека всю жизнь – «помни о судном дне». Эта мысль о неизбежности расплаты за содеянные грехи в масштабе всего человечества выражены унисонным звучанием всего хора и только в 13-ом такте голоса расходятся на уменьшённый септаккорд, подчёркивая зловещее звучание слова «страшный». Интонации плача на словах «и плачу деяний моих лукавых» переданы с помощью секундовых попевок и имитационными вступлениями голосов. Кульминация произведения достигается за счет ускорения темпа, нарастания динамики, высокой тесситуры, красочного звучания малого вводного терцквартаккорда на словах «или коим дерзновением воззрю на Судию». Резкий спад динамики и звучание хора в низком регистре образно выражают смущение человечества перед грозными очами Творца, и осознанием своих грехов. Спокойный, величественный хорал – мольба о спасении и прощении завершает концерт. В музыке слышны интонации просьбы – скачок в партии сопрано вверх – и в то же время покорности Господу – приглушённое звучание хора в низкой тесситуре на заключительных словах «помилуй мя»

Один из величайших скрипичных концертов в исполнении скрипача №1 в мире с невероятным оркестром под управлением дирижера-звезды, на скрипке, созданной легендой.

Итак для начала нашего разговора послушайте и погрузитесь в музыку, которая всегда бередит мне душу.

Музыка - Ян Сибелиус, концерт для скрипки с оркестром d-moll, op.47 (1903 год)

Солист - Максим Венгеров

Оркестр - Chicago Symphony Orchestra

Дирижер - Дэниел Баренбойм

Инструмент - конечно, Страдивари!

Скрипка была любимым инструментом Яна Сибелиуса. В юности композитор мечтал о блестящей карьере скрипача-виртуоза. Увы, этим мечтам не суждено было сбыться: его занятия на этом инструменте начались слишком поздно, вдобавок Сибелиус перенес травму плеча, которая заставила его окончательно отказаться от своих честолюбивых намерений. в 1903 году Сибелиус приступил к работе над своим единственным скрипичным концертом, в который вложил всю свою любовь к инструменту. Концерт знаменит своей сложностью: в нем ярко выражено стремление композитора выявить беспредельные выразительные возможности скрипки – те, что для него самого как исполнителя не были доступны. Первое исполнение Концерта для скрипки с оркестром состоялось 8 февраля 1904 года в Хельсинки под управлением автора.

Ян Сибелиус - это знаковая фигура для Финляндии. Он является основоположником финской музыки, его музыка сыграла важную роль в процессе становления независимой Финляндии. Появление Сибелиуса на свет в 1865 г. произошло в самый удачный момент. Финляндия, чья вековая связь со Швецией была оборвана в 1809 г., теперь искала свою собственную национальную индивидуальность, будучи частью Российской империи. Началось развитие своего языка и культуры.

Ян Сибелиус родился 8 декабря 1865 году в Тавастгусе в Великом княжестве Финляндском. Был вторым из троих детей доктора Кристиана Густава Сибелиуса и Марии Шарлотты Борг. Он рано потерял отца, провёл детские годы с матерью, братом и сестрой в доме бабушки в своём родном городе. В семье говорили на шведском языке и поддерживали шведские культурные традиции. Однако родители отдали Яна в финноязычную среднюю школу. С 1876 года по 1885 он учился в лицее Хямеэнлинны.

Следуя семейной традиции, детей обучали игре на музыкальных инструментах. Сестра Линда занималась на рояле, брат Кристиан -- на виолончели, Ян -- вначале на рояле, но после предпочёл скрипку. Уже в десять лет Ян сочинил небольшую пьесу. Впоследствии, его влечение к музыке возрастало и он начал систематические занятия под руководством руководителя местного духового оркестра Густава Левандера. Полученные практические и теоретические знания позволили написать юноше несколько камерно-инструментальных сочинений. Уроки игры на скрипке под руководством местного военного дирижера начались, лишь когда Сибелиусу было около 16 лет, и с самого начала, как вспоминал сам композитор, скрипка всецело захватила его. «Десять последующих лет моим самым искренним желанием, моей самой честолюбивой целью было стать великим скрипачом-виртуозом». Фортепиано «не поет», как комментировал сам  композитор, и этот инструмент был для Сибелиуса главным образом средством для сочинения. С помощью скрипки, помимо собственно скрипичного репертуара, он познакомился с классическим и романтическим камерным репертуаром.

В 1885 году поступил на юридический факультет Императорского университета в Хельсинки, но его не привлекала профессия юриста, и вскоре он перешёл в Музыкальный институт, где стал самым блестящим учеником Мартина Вегелиуса. Многие из его ранних сочинений для камерных ансамблей исполнялись студентами и преподавателями института.

В 1889 году Сибелиус получил государственную стипендию для обучения композиции и теории музыки у Альберта Беккера в Берлине. В следующем году брал уроки у Карла Гольдмарка и Роберта Фукса в Вене.

Вена также оказала еще одно важное влияние на Сибелиуса: в нем неожиданно проснулся интерес ко всему финскому и к финскому языку. Сибелиус заинтересовался «Калевалой» и открыл для себя ее таинственный мир: «Я думаю, что «Калевала» очень современна. По- моему, она – самая музыка: тема и вариации». Основная тема симфонической поэмы «Куллерво» родилась, когда композитор находился под влиянием пылкого, исконно финского настроения.

Калевала – гордость Финляндии, её национальное достояние, признанное уникальным народным эпосом, не имеющим аналогов в мировой литературе.

Руны, составляющие эпос, не имеют единой сюжетной линии, повествование перескакивает с одного на другое, в нём содержатся нестыковки и неувязки. «Калевала» - это название одной из двух стран (вторая страна называется Похьёла), в которых живут и по которым путешествуют герои эпоса: Вайнямёйнен, Айио, Ильмяринен, Лемминкяйнен, Куллерво.

Эпос открывается сказанием о творении мира и рождении главного героя «Калевалы» − Вайнямёйнена, сына Илматар (дочери воздуха) и его неудачной попытке жениться на Айно, сестре шамана-самоучки Йоукахайнена, проигравшего ему битву. Далее руны повествуют о путешествии героя за невестой в страну Похьёла – некий «нижний мир», в который погружается солнце. В этой части повествования нет батальных сцен, Вайнямёйнен предстаёт перед читателем в роли певца- заклинателя, который при помощи знаний и магии преодолевает трудности, вставшиеся на его пути, а благодаря кузнецу Ильмяринену, создает для возлюбленной мельницу Сампо.

Вернувшись летом 1891 г. из Вены в Финляндию, Сибелиус продолжил работу над «Куллерво». Хотя позднее Сибелиус отрицал этот факт, осенью 1891 г. он встретился со сказительницей Ларин Параске, находившейся в то время в Порвоо. Аутентичное исполнение рун и причитаний решающим образом повлияли не только на темы и композиционные формы «Куллерво», но и на формирование собственного музыкального языка Сибелиуса. Премьера «Куллерво» 28 апреля 1892 г. имела огромный успех.

По возвращении Сибелиуса в Финляндию состоялся его официальный дебют как композитора: была исполнена симфоническая поэма «Куллерво» (Kullervo), ор. 7, для солистов, мужского хора и оркестра — по одному из сказаний финского народного эпоса Калевала. Это были годы невиданного патриотического подъёма, и Сибелиуса немедленно провозгласили музыкальной надеждой нации. В июне 1892 года Сибелиус женился женился на Айно Ярнефельт, отцом которой был знаменитый генерал-губернатор, возглавлявший национальное движение. С течением лет в семье родилось шестеро дочерей, из которых одна умерла во младенчестве. Чтобы обеспечить семью, вплоть до рубежа веков Сибелиус вынужден был преподавать игру на скрипке и теоретические дисциплины в музыкальном училище и в оркестровой школе, основанной Каянусом.

В 1896 г. Сибелиус участвовал в конкурсе на должность преподавателя музыки в Хельсинкском университете. В связи с этим он прочитал свою знаменитую открытую лекцию на тему «Некоторые аспекты народной музыки и ее влияние на классическую музыку». Это было его единственное письменное изложение своих взглядов как композитора. По мнению Сибелиуса, народная музыка служит отправной точкой в работе композитора, даже если в конечном итоге он должен подняться над уровнем национального. После серии не вполне благовидных апелляций место досталось Каянусу, что, к счастью, не разрушило их дружеские отношения. В качестве компенсации Сибелиус, к своей радости, получил годичную стипендию, которая позднее стала его пожизненной пенсией. Романтический период творчества Сибелиуса закончился в 1899 г. написанием Первой симфонии, выдержанной в духе Чайковского. Вместе с тем, обращение к симфонии привело Сибелиуса к идеалу абсолютной музыки.

«Туонельский лебедь» стал одним из самых популярных сочинений Сибелиуса. Туонела – это царство мертвых у финского народа. Безмолвные воды омывают остров. По водной глади скользит поющий лебедь. Кто услышит его песню, того охватывает желание умереть… Идея книги в том, что мечту и реальность невозможно соединить в жизни. Иллюзия часто недостижима и оторвана от жизни. Кто слишком увлечен иллюзорным пленом желаний и погоней за мечтой, кто не видит красоты в повседневной жизни, тот обречен, потому что жизнь никогда не даст ему того, о чем он мечтает. Сама интонация романа напоминает плавное скольжение лебедя по воде, и автор призывает читателя видеть красоту в повседневной жизни, потому что только так мечта может стать явью, а реальность раствориться в мечте.

"Туонельский лебедь" заставляет Вас почувствовать, что впереди - многообещающее будущее. Какую бы боль ты ни ощущаешь, не хочется сдаваться. Хочется надеяться. Слушая музыку, представляешь, как жизнь становится ярче и светлее.

Примечательно, что в Первой симфонии, как и во Второй симфонии (1902), кое-кто поспешил также подметить черты борьбы за национальную независимость. В так называемый «период угнетения» Сибелиус и его музыка естественным образом стали символом национального движения.

В конце 90-х гг. Сибелиус создает симфоническую поэму «Финляндия» (1899) и Первую симфонию (1898-99). В это же время он создает музыку к театральным спектаклям. Наибольшую известность получила музыка к спектаклю «Куолема» А. Ярнефельда, в особенности «Грустный вальс» (мать главного героя, умирая, видит образ своего умершего мужа, который как бы приглашает ее на танец, и под звуки вальса она умирает). Мелодия этого вальса навсегда проникает в сердце. Я люблю ее с самого детства.

Итак, поговорим о Грустном вальсе.

Главный герой Паавали убежден, что смерти нет. Но на протяжении спектакля он хоронит всю семью: смерть уносит мать, жену, детей и вынуждает Паавали смиренно склониться перед ее властью. В первой сцене участвуют мать и сын. Умирающая мать рассказывает, что видела во сне, будто она собирается на бал. Когда сын засыпает, за матерью приходит Смерть, но та принимает ее за своего умершего мужа, который увлекает ее в вальсе. Проснувшийся Паавали видит, что мать мертва.

К этой сцене Сибелиус написал краткую, всего в 202 такта, пьесу для струнного ансамбля, большого барабана и колокола «в темпе медленного вальса», как обозначено в партитуре. Пьеса очень понравилась публике, в 1904 году была пересмотрена автором и вскоре издана с французским названием Valse triste (Грустный вальс) в двух вариантах — для струнных и духовых и в переложении для фортепиано. Красивые, несложные, сразу запоминающиеся мелодии принесли Грустному вальсу широчайшую популярность не только на концертной эстраде, но и в быту: он сделался любимейшей пьесой для домашнего музицирования в самых разных аранжировках.

Музыка вальса завораживает. Неустойчивые аккорды струнных с сурдинами пиццикато вводят в тревожную атмосферу вальса. Экспрессивную хроматизированную тему поют первые скрипки и виолончели в октаву. Затем остается только ритмический фон, вызывающий у исследователей самые разные ассоциации: то ли отголоски траурного марша, то ли яркий в своей четкости и легкости контраст мрачной скованности начальной кантилены. Новая тема, в которой впервые возникает тембр духовых инструментов, окрашена в мажорные тона; певучая мелодия излагается в светлом высоком регистре. В постоянном сопоставлении тем звучность нарастает, темп ускоряется, танец приобретает все более увлеченный, страстный характер. Особенно настойчиво интонирует первую, хроматизированную тему весь оркестр на фоне тремоло литавры и упорно повторяющихся ходов виолончелей и контрабасов. Внезапно танец обрывается долгой паузой. Допевает тему, уже в медленном темпе, кларнет в унисон с виолончелями в низком регистре. Им отвечают истаивающие аккорды четырех солирующих скрипок пианиссимо.

Вот так звучит этот вальс в исполнении оркестра под управлением В.Ашкенази

В 1904 г. Сибелиус вместе с семьей переехал в спроектированный Ларсом Сонком дом в Туусула, в настоящее время Ярвенпяя. Свой вклад в строительство дома, получившего название Айнола, внес Аксель Карпелан (1858–1919), обедневший дворянин и любитель музыки, имевший к тому же свободное время. Он неоднократно приводил финансовые дела Сибелиуса в порядок, взывая к совести предпринимателей-патриотов, и был, возможно, самым глубоким ценителем искусства Сибелиуса. Начиная с концерта на Всемирной выставке 1900 г. в Париже, Сибелиус постоянно получал от Карпелана предложения относительно новых сочинений, а также дружескую критику. «Для кого же я теперь буду сочинять?» – спросил Сибелиус после смерти своего друга в 1919 г.

Третья симфония (1907) отражает совершенно новую ситуацию в жизни Сибелиуса: «Несмотря ни на что, в жизни много мажорного, III (симфония) написана в До-мажоре!» Сибелиус также одерживал победы за рубежом, и его музыка заняла прочное место в Англии, куда он приезжал в 1905 г. Приверженцами музыки Сибелиуса там стали Генри Вуд, Роза Ньюмарч и Эрнест Ньюмен. В 1906 г. Сибелиус побывал в Петербурге, дирижируя своей симфонической поэмой «Дочь севера».

Весной 1908 г. у Сибелиуса вырезали опухоль в горле, и на восемь лет он полностью отказался от сигар и алкоголя. Вероятно, не случайно, что к этому периоду относятся его наиболее содержательные и самые сложные для понимания публики произведения. Душевный кризис просматривается в темных красках музыки, в отказе от внешней эффектности, в сдержанности языка, в экспрессионизме.

В начале 1910-х гг. Сибелиус много концертировал, посетив, в частности, Гетеборг, Ригу, Копенгаген и Берлин. Его международная известность начала закрепляться. В 1912 г. ему предложили профессуру в Венской Музыкальной академии, от которой он, однако, отказался. То же произошло в 1921 г., когда Сибелиуса пригласили преподавать в Школу музыки Истмана в Рочестере, штат Нью-Йорк. Сибелиус в глубине души понимал, что не рожден быть педагогом. Самые приятные впечатления оставила о себе поездка Сибелиуса в Америку в 1914 г., когда ему была присуждена степень почетного доктора Йельского университета. Во время американского турне он давал концерты, на которых, в частности, прозвучала написанная по заказу импрессионистская симфоническая поэма «Океаниды», а также совершил поездки в Бостон и на Ниагарский водопад. Мировая война 1914–1918 гг. была для Сибелиуса трудным временем, как в душевном, так и в материальном плане. Сложности с передвижением привели к изолированности, государственная пенсия уменьшилась из-за инфляции, не поступали авторские гонорары от его немецкого издателя Breitkopf & Hartel. Для Сибелиуса, с его образом жизни, и его семьи это означало бедность, настоящее жалкое существование. Чтобы хоть как-то поддержать семью, он вынужден был сочинять небольшие произведения: песни, сочинения для форте- пьяно, а также произведения для скрипки и фортепьяно. Среди этих сочинений, которые сам Сибелиус называл «бутербродными», тем не менее, встречаются превосходные жемчужины – композитор умел соединить общедоступность с высоким качеством.

В 1917 г. Финляндия обрела независимость, но за этим последовала жестокая гражданская война. Жизнь Сибелиуса не находилась под угрозой, даже несмотря на то, что в 1917 г. он написал «Марш егерей». Тем не менее, красные совершали в Айноле обыски, и Сибелиус вместе с семьей на всякий случай с помощью друзей укрылся в Хельсинки, где его безопасность можно было гарантировать с большей вероятностью. Тяготы военного времени отразились и на болезненном процессе создания Пятой симфонии. Работа над ней длилась полдесятилетия: хотя симфония впервые была исполнена в 1915 г. на концерте в честь 50- летнего юбилея Сибелиуса, лишь в 1919 г. была готова та редакция, которую исполняют сейчас. Трудный процесс написания симфонии отражает также изменения, происходившие в творческом мышлении Сибелиуса: он стремился заменить «симфонию» и «симфоническую поэму» на более свободную форму симфонической фантазии, которая объединяла бы эти две формы.

Пятая симфония Сибелиуса в исполнении Венского филармонического оркестра под управлением Леонарда Бернстайна.

Заказ на Пятую симфонию композитор получил от финского правительства к своему 50-летнему юбилею, объявленному национальным праздником. Эта симфония считается самой жизнеутверждающей в творчестве Сибелиуса.

Тяготы военного времени отступили лишь в 1919 г., когда Сибелиус с женой поехали в Копенгаген на Дни музыки северных стран. Наконец-то Сибелиус получил возможность вновь «дышать воздухом Европы». Он познакомился с Карлом Нилсеном, но близкие дружеские отношения между ними не установились, прежде всего, потому что пресса называла Сибелиуса «величайшим музыкальным деятелем Севера настоящего времени», что было неучтиво по отношению к его коллегам.

После творческого перерыва 1920–1922 гг. начался поздний симфонический период Сибелиуса. Он продолжал свои зарубежные выступления и написал Шестую (1923) и Седьмую симфонию (1924). Вместе с тем, он испытывал трудности стареющего композитора: «Работа теперь идет не с той скоростью, что прежде, а самокритика растет вне всяких пределов».

Затем в 1929 г. появились Опусы 114–116, сочинения для фортепьяно, а также для скрипки и фортепьяно, но после этого из-под пера Сибелиуса уже практически ничего не вышло. Над созданием восьмой симфонии Сибелиус бился вплоть до 1943 г., но в конце 1940-х гг. композитор сжег целый ряд произведений, и это стало неоспоримым доказательством загадочной «тишины Ярвенпяя». И лишь «Траурная музыка», написанная на похороны многолетнего друга Сибелиуса, художника Аксели Галлен-Каллелы (1865–1931), указывает на то, что потерял мир с уничтожением Восьмой симфонии. Должно быть, много трагичного пришлось на эти последние годы, даже если они приносили почести и уважение. В конце жизни Сибелиуса общепризнанно относили к числу вели- чайших композиторов его времени. Его музыка исполнялась повсе- местно, в его честь устраивались фестивали. Даже в старости Сибелиус сохранял интерес к новейшим течениям в музыке. Поток посетителей в Айнола не прекращался, а когда композитору исполнилось 90 лет, бывший премьер-министр Великобритании сэр Уинстон Черчилль послал Сибелиусу коробку его любимых гаванских сигар.

Два года спустя, 20 сентября 1957 г., Сибелиус скончался в результате мозгового кровоизлияния.

 

Хотя Сибелиус и не создал свою школу, у него были последователи, как на родине, так и за рубежом.

Для многих исследователей и историков музыки было совсем не просто определить место Сибелиуса в истории музыки. Одной из причин было представление о необходимости прогресса, господствовавшее в 20 в. и понимаемое весьма ограниченно: атональность трактовалась как элемент современности, при этом тональность клеймилась как признак консерватизма. Таким образом, музыку Сибелиуса можно было считать реакционным продолжением позднего романтизма.

Таким образом, будучи лидером молодой нации и молодой композиторской школы Сибелиус смело преодолел рамки национального романтизма и стал одним из тех лидеров, кто в сложный период кризиса западной культуры шел вперед, постигая творческий опыт прошлых эпох.

Знаменитый автор семи симфоний и музыкальных композиций, таких как «Финляндия», сюита «Карелия» и «Грустный вальс», Ян Сибелиус был и остается самым почитаемым и известным финским композитором всех времен.

Возможно, никогда раньше не было другого такого композитора, который бы так живо и достоверно мог отобразить природу, историю и мифологию своего народа в музыке. Музыка Сибелиуса сыграла большую роль в процессе обретения Финляндией независимости.

В конце давайте совершим прогулку по памятным местам Финляндии, связанным с именем Сибелиуса и посмотрим фотографии с сайта http://www.visitfinland.com/ru/stat-ya/sibelius-finland-3/

Памятник Сибелиусу в Хельсинки — одна из самых посещаемых и обожаемых достопримечательностей финской столицы. Он расположен в парке Сибелиуса в районе Тёэлё всего в двух шагах от моря. Абстрактный, вызвавший дискуссию памятник, был открыт в 1967 году. Этот величественный монумент выражает суть музыки Сибелиуса — многие согласятся, что она наполнена надеждами.

Идеальное место, с которого начинается прогулка по жизни Сибелиуса, это его родной город Хямеэнлинна, расположенный в 98 км к северо-западу от Хельсинки. Здесь Сибелиус пошел в школу, исследовал леса, часами рыбачил на озере и катался на лыжах зимой.

Подростком Сибелиус особенно любил лес в Ауланко, являющийся ныне природным заповедником.

ДОМ, ГДЕ БЫЛ РОЖДЕН СИБЕЛИУС

 

Он родился в причудливом маленьком деревянном домике, построенном в 1834 году недалеко от старой церкви и главной рыночной площади. Сейчас это музей и место паломничества поклонников Сибелиуса. И хотя он прожил здесь совсем недолго, он часто рассказывал об одном из его любимых детских воспоминаний: аромате отцовской сигары в доме.

На одной из стен музея висит рисунки из детской Сибелиуса. Его пианино также представлено на выставке. Студенты расположенного в Хамеэнлинна колледжа имени Сибелиуса часто дают концерты в музее.

УСАДЬБА АЙНОЛА

 

В 1904 году Ян Сибелиус и его жена Айно переехали в усадьбу Айнола на берег озера Туусуланъярви. Покупка земли обошлась недешево, но Сибелиус нуждался в уединении и душевном спокойствии, чтобы сконцентрироваться на работе.

Дом был спроектирован Ларсом Сонком – одним из самых передовых архитекторов того времени. Айнола стала домом Сибелиуса более чем на полстолетия, и здесь было создано большинство его произведений. Первые значительные музыкальные произведения, написанные им в Айнола — «Концерт для скрипки» и «Симфония №3».

Посетители будут поражены великолепными усадебными садами Айнола, которые были гордостью, отрадой и особенно любимым уголком Айно Сибелиус. Именно её заслугой стала планировка садов и воплощение их в жизнь. Сад был разделен на три части: садовый участок, огород и цветочный сад перед домом. Сибелиусы стремились сами обеспечивать себя овощами и фруктами.

Долгие ежедневные прогулки Яна Сибелиуса по садам и лесам Айнола, которую он называл своим храмом, были для него источником вдохновения. Эту связь с природой он пронес через всю жизнь.  Усадьбу Айнола ( в переводе с финского «земля Айно» ), ежегодно посещают более 30 000 человек. Согласно завещанию, Ян и Айно Сибелиус были похоронены в Айнола.

В конце февраля наш хор поедет на гастроли в Петрозаводск для участия в хоровом фестивале. В наш репертуар мы включили одно из произведений Сибелиуса, которое он написал в 1897 году и назвал сборник из 9 хоров "Университетская кантата 1897 года".

Сложно определить, когда именно возникла традиция сопровождать торжественные события музыкой, однако она оказалась весьма устойчивой. На определенном этапе истории эту роль взяла на себя одна из разновидностей жанра кантаты, получившая название кантата «на случай». Кантата, как жанр, родилась в Италии в XVII веке. Синтез поэзии и музыки, выразительность сольного голоса были главными чертами кантаты, отразилось это и в этимологии названия жанра: кантата – от cantare (лат.) – петь, (в отличие от sonare (лат.) – звучать). В начале XVIII в. начинается «международная экспансия» кантаты: она выходит за пределы Италии и начинает свою историю в разных национальных европейских школах. В Англии, во Франции, в Германии кантата адаптировалась к местным традициям, возникали национальные варианты жанра, однако, кантата «на случай» оказалась востребованной повсюду. Ряд кантат В. А. Моцарта были сочинены для различных масонских церемоний (например, кантата KV 623 на освящение нового масонского храма в 1791 году). В творчестве Л. Бетховена также видим ряд кантат «на случай» – в Бонне в 1790 году были написаны кантаты «На смерть австрийского императора Иосифа II» и «На воцарение императора Леопольда II». Кантату «Счастливое мгновение» (вместе с симфонической фантазией «Битва при Виттории») Бетховен написал по случаю Венского конгресса в 1814 году. Как видим, кантаты классиков немногочисленны, однако традиция исполнения кантаты во время торжественных событий весьма устойчива. Поводы для написания кантаты разнообразны, приведем еще несколько примеров: две кантаты Э. Грига созданы для исполнения на открытии памятников норвежскому композитору X. Хьерульфу в Кристиании в 1874 и норвежскому писателю X. Хольбергу в Бергене в 1884, Я. Сибелиусу принадлежит кантата «По случаю Коронации Николая II» (1895) "Университетская кантата" (1897), Ш. Гуно написал кантату «Галлия» на открытие международной выставки (1871), кантата А.Дворжака «Американский флаг» (1893) посвящена Соединенным Штатам Америки. Заканчивая краткий обзор зарубежной кантаты, отметим, что жанр к концу XIX века в Европе оказывается на периферии композиторского творчества, однако кантата «на случай» остается востребованной и одной из самых стабильных его разновидностей.

В России кантата появилась в 30-е годы XVIII века во время царствования Анны Иоанновны, в период наиболее интенсивного европейского влияния на русскую культуру. Первое известное исполнение кантаты состоялось в 1731 году, это была кантата Дж. Ристори, написанная по случаю годовщины коронации Анны Иоанновны. Началом классического периода в истории русской кантаты можно считать 1865 год – год создания Чайковским оды «К радости» – когда этот жанр был «уравнен в правах» с другими масштабными жанрами и превратился, наряду с оперой и симфонией в форму значительную и содержательную. Эта кантата, написанная Чайковским при окончании петербургской консерватории, ставшая первой в России экзаменационной консерваторской кантатой. В 1890 году Чайковский писал П. Юргенсону в ответ на предложение об издании этого произведения: «Рукопись кантаты в консерватории в Петербурге. Печатать ее я не желаю, ибо это юношеское произведение без будущности». Для Чайковского в дальнейшем жанр кантаты остался произведением «на случай», по заказу он создал кантату «В память двухсотлетней годовщины рождения Петра I» на открытие Политехнической выставки в Москве (1872) и Коронационную кантату «Москва» (1883). кантата «Иоанн Дамаскин» (1884) стала первым сочинением, в котором жанр кантаты поднялся на новый уровень. Не связанная с каким-либо событием, посвященная философским проблемам, кантата «Иоанн Дамаскин» не имела аналогов в русской музыке. В ней отразились и баховские традиции, и русские православные корни. С этого времени кантата из жанра долгое время периферийного превращается в жанр значимый, отражающий существенные явления, происходящие в русской культуре.

Вслед за Танеевым кантаты создают Н. А. Римский-Корсаков («Свитезянка», 1897, «Песнь о вещем Олеге», 1899 и «Из Гомера», 1901), С. В. Рахманинов («Весна», 1902), И. Ф. Стравинский («Звездоликий», 1912), А. Д. Кастальский («Братское поминовение», 1916), С. С. Прокофьев («Семеро их», 1917). Поиск новых средств художественной выразительности, кардинальный пересмотр концепции жанра приводят этих композиторов к созданию новаторских сочинений. Мы встречаемся с новыми вариантами кантаты, раскрывающими возможности жанра; эксперименты по жанровому синтезу и расширению образного содержания кантат, связанные с общей тенденцией искусства этого периода, несут яркий отпечаток авторского стиля. Какие «случаи» становились поводом для написания кантаты в России во второй половине 19 века? В исследуемый период состоялись две коронации – Александра III в 1883 году и Николая II в 1896 году. В обоих случаях коронационная кантата была исполнена на трапезе в Грановитой палате в день торжества. В 1883 г. это была кантата «Москва» П. И. Чайковского, в 1896 г. – кантата А. К. Глазунова. Наибольшее число кантат было посвящено А. С. Пушкину, чье столетие праздновали в 1899 г. Пушкинские кантаты в числе других создали А. К. Глазунов, И. В. Прибик и М. М. Ипполитов-Иванов. Исполнение кантаты было традицией на открытии памятника, так в Санкт-Петербурге во время открытия памятника М. И. Глинке в 1904 г. прозвучала специально написанная для этого случая кантата М. А. Балакирева. После 1917 года жанр "кантата на случай" приобрел особое значение. Массовый и доступный, направленный на возвеличивание кого-либо или чего-либо, он стал важным средством идеологической пропаганды. Кантаты, прославляющие коммунистическую партию, написанные к годовщинам октябрьской революции писали все композиторы, это было необходимым условием сосуществования художника и власти (назовем кантаты С. С. Прокофьева «Здравица», «Расцветай, могучий край», «К 20-летию Октября»). В настоящее время традиция сочинения и исполнения кантаты «на случай» практически исчезла.

 Мы будем петь 8 песню из Университетской кантаты Сибелиуса.

"Kuin virta vuolas"
di Aukusti Valdemar Forsman (Koskimies) (1856-1929)

Kuin virta vuolas, niin vapauden vuo 
käy halki haittain eikäpä esty vaan, 
jos kuinka valta, viekkauskin, 
rientoa koittaa riistää siltä. 
Nuo vetten orhit, vankamot vaahtosuut, 
kun niitä kosken telkimet kahlitsee, 
ne hirnakoiden, hyrskyellen 
korskina kuohuvat poikki paatten. 
Ja voitokkaina vyöryvät eellehen 
tuonne poispäin työntyvät tyynelään, 
miss' armahaiset rauharannat 
päilyvät kirkkaan virran kalvoon. 
Niin hetkeks hiltyy myös vapauden vuo, 
jos siltä pakko pystyhyn taittaa tien, 
mutt' kohta voimin kahtamoiduin 
korskana katkovi sorron salvat. 
Sen lyy on tyynehen lahdelmaan, 
miss' oisi turva taattuna soutajain; 
miss' ihmiskunnan rauha väikkyy 
kaukana kuin kesäpilven rusko.

 

Блокада Ленинграда
8 сентября 1941 - 27 января 1944

В этот день в Актовом зале университета наш хор будет выступать перед ветеранами, которых мало осталось среди нас.

 

В концерте прозвучит песня "О Ладоге".

Песня была сложена в декабре 1942 г. в войсках Ленинградского фронта. Автор первоначального текста — капитан Петр Богданов, авторы мелодии — старшина Павел Краубнер и сержант Лев Шенберг.

Текст впервые был опубликован в газ. «Фронтовой дорожник» 17 декабря 1942 г. 

 

Песня о Ладоге Сквозь шторм и бури, через все преграды Ты, песнь о Ладоге, лети! Доро́га здесь пробита сквозь блокаду, Родней доро́ги не найти! Эх, Ладога, родная Ладога! Метели, штормы, грозная волна… Недаром Ладога родная Доро́гой жизни названа. Пусть ветер Ладоги поведает народу, Как летом баржу за баржо́й Грузили мы и в шторм и в непогоду, Забыв про отдых и покой. Зимой машины мчались вереницей, И лёд на Ладоге трещал, — Возили хлеб для северной столицы, И радостно нас Ленинград встречал. И знаем мы, кровавая блокада Исчезнет скоро, словно тень: Растут и крепнут силы Ленинграда, Растут и крепнут каждый день! Когда пройдут года́ войны суровой, Залечит раны город мой, Народ вздохнёт и песню с силой новой Споёт о Ладоге родной. Эх, Ладога, родная Ладога, Метели, штормы, грозная волна… Недаром Ладога родная Доро́гой жизни названа. <Декабрь 1942>

Авторы этой песни никогда не были профессиональными композиторами, поэтами. И уж подавно, создавая эту песню, не думали они о том, что она переживёт года. Всё, что связывало их - общее место службы - Ленинградский фронт, 526 отдельная рота связи (позже - 544 отдельный батальон связи 123 стрелкового корпуса 1 ударной армии).
Но так ли уж мало означала тогда эта связь?

Политрук роты связи - Пётр Леонидович Богданов,

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 радиотелеграфист Павел Петрович Краубнер.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Фотографии экспедитора Льва Романовича Шенберга я не нашел

Конец 1942 года, декабрь.
Зима в том году началась крайне поздно, недостаточно прочный лёд Ладожского озера уже не давал возможности осуществлять судоходство, но в то же время ещё исключал возможность открытия автодороги.
Важность этих перевозок для выживания блокированного Ленинграда - города-фронта, ни у кого не вызывает сомнений.
Тяжёлое время, тревожное.

Политрук 526-й отдельной фронтовой роты связи капитан Богданов с группой работников политотдела управления дороги едет в воинские части - надо посмотреть программу художественной самодеятельности.

.... Солдатские концерты проходили с неизменным успехом - вроде бы политруку только радоваться, а он все никак не может освободиться от беспокойной мысли: "Почему у героев Ладоги - шоферов, речников, грузчиков, связистов - нет своей песни?" Едва вернулся в казарму, засел за стихи. Нет, капитан Богданов вовсе не был поэтом, до войны работал в конструкторском бюро. Потом - ополчение, бои на Невском пятачке, служба здесь, на Ладоге. Но ладожская эпопея затронула в сердце солдата такие струны, что первые строчки возникли сразу:

Сквозь шторм и бури, через все преграды
Ты, песнь о Ладоге, лети!
Дорога здесь пробита сквозь блокаду -
Родней дороги не найти!

Эх, Ладога, родная Ладога!
Метели, штормы, грозная волна...
Недаром Ладога родная
Дорогой жизни названа...

Итак, первый куплет и припев готовы. Не дожидаясь, пока появятся остальные, Богданов вызвал сержанта Льва Шенберга, протянул стихи: "Сможешь написать к ним музыку?" Почему политрук обратился за помощью именно к нему? Потому, что был сержант исключительно музыкален: пел, играл на банджо, гитаре - и все самоучкой, на слух... Вот и сейчас, только пробежал глазами по строчкам, почувствовал: музыка получится! Мелодия уже жила в стихах, ее нельзя было не услышать, не ощутить. А может, сержанту, бывшему фэзэушнику, выучившемуся на лекальщика, уже на второй день войны ушедшему добровольцем в бой за родной город, просто очень хотелось помочь сложить песню о битве за Ленинград...
Скорее взял гитару. Мелодия родилась быстро. Попробовали дуэтом с баянистом - хорошо! Друзья услышали, подхватили:
Эх, Ладога, родная Ладога!..
Тем временем политрук дописал остальные куплеты, и через несколько дней солдатский хор в сопровождении оркестра (баян, две гитары и две балалайки) впервые исполнил этот мужественный марш:
Пусть ветер Ладоги поведает народу,
Как летом баржу за баржой
Грузили мы и в шторм, и в непогоду,
Забыв про отдых и покой...
Песня имела успех, и от политрука последовало новое задание: "Немедленно сделать нотную запись музыки, размножить ее и разослать по близлежащим частям". Для этого в помощь сержанту был придан старшина Павел Краубнер, который хорошо разбирался в нотной грамоте: до войны, работая на Петродворцовом часовом заводе, этот, что называется, душа-парень играл в местном оркестре.
Поручение было выполнено, и 17 декабря песню напечатал "Фронтовой дорожник". Она имела такой отклик, что уже следующий номер газеты открывался передовой "Оружием искусства", где, в частности, говорилось: "Мы наблюдаем первые удачные ростки подлинного массового творчества. В наших частях родилась "Песня о Ладоге", написанная бойцами и командирами части тов. Лебедева..."
Песню приняли! И скоро счастливые авторы услышали, как из кузова грузовика, следовавшего к Кобоне, рванулось в свинцовое небо:

Когда пройдут года войны суровой,
Залечит раны город мой,
Народ вздохнет и песню с силой новой
Споет о Ладоге родной...

Да, сегодня эта песня звучит с новой силой. А тогда ею неизменно начинался каждый из почти трех тысяч концертов Ладожского Краснознаменного ансамбля.
В самые последние дни войны погиб Павел Краубнер, а Петр Леонидович Богданов и Лев Романович Шенберг еще долго жили в городе, который они мужественно защищали от врага и в честь которого суровой порой счастливо сложили свою единственную песню...


НИКТО НЕ ЗАБЫТ, И НИЧТО НЕ ЗАБЫТО - так верили те, кто выжил, выстоял, победил. 

БУДЕМ ВЕЧНО ПОМНИТЬ ПОДВИГ ЛЕНИНГРАДЦЕВ!

ПРИХОДИТЕ НА НАШ КОНЦЕРТ!!!

 

31 декабря перед Новым годом кто-то ходит с друзьями в баню, ну мы, как всегда, ходим в театр.

В этот раз мы решили побывать в Александрийском театре на спектакле "Укрощение строптивой" поставленном 6 лет назад молодым, талантливым литовским режиссером Оскаром Коршуновасом.

Ему 47 лет - это возраст зрелого мастера, известного во всем мире.
"Театр консервативное место по своей природе. В театр приходят услышать то, что хотят услышать, увидеть то, что хотят увидеть, узнать то, что уже знают. Публика никогда не собирается для встречи с неожиданным. Театр – это инструмент познания окружающего мира. Мы всегда будем видеть его взглядом современного человека.Театр это такое место... То есть так - театр это искусство отношений со временем. "- вот как определяет мастер свое место в современном театре. Оскарас пытается определить свое место во времени.

Театр Оскараса Коршуноваса был основан в 1999 году. Кредо театра можно сформулировать так: ставить классические произведения как современные и современные как классические. Театр привлекает молодые таланты, гастролирует по многим знаменитым мировым фестивалям, отмечен и признан. Основное направление театра — это поиск современного театрального языка, который будет соответствовать нынешнему ритму жизни.

 

Оскарас Коршуновас окончил Литовскую консерваторию. С 1990 года ставил спектакли в Национальном драматическом театре Литвы. В 1999 году основал собственный театр. Сегодня он один из самых известных и значимых молодых режиссеров Европы, обладатель достойной коллекции фестивальных наград. Главный приз Эдинбургского Фестиваля фестиваля 1990 года, полученный Коршуновасом, когда он еще был студентом режиссерского факультета, стал символическим началом в длинной череде череды международных наград. Самой Самая престижной престижная среди них – стала награда «Европейский театр – новая реальность», присужденая Коршуновасу в (2006) году. В 2009 году Оскарас Коршуновас стал Кавалером кавалером ордена Почетного Легиона (Франция) в области литературы и искусств, а в следующем году был награжден главным призом ежегодной Мейерхольдовской Ассамблеи. Практически ни одна церемония вручения наград международных фестивалей, в которых принимает участие студия ОКТ, не обходится без упоминания имени Оскараса Коршуноваса.

14 и 15 сентября 2010 года на сцене Александринского театра состоялась премьера  литовского режиссера, который поставил пьесу Шекспира «Укрощение строптивой».  До этого три года назад он поставил этот спектакль в Комеди Франсез. Во Франции делают спектакль на сезон. Но этот спектакль был успешен настолько, что его оставили на несколько сезонов. И вот не случайно Оскарас оказался в новом театре Валерия Фокина. 

Более 10 лет назад пришел Фокин в один из старейших театров России. Задача нового худрука Александринки - помочь театру меняться. Театр должен меняться. Новая экономическая ситуация, возникшая после кризиса, все сильнее влияет на искусство и на театр, в частности. Сокращается все: гонорары режиссерам, расходы на постановки, гастрольная деятельность. Залы многих российских театров полупусты. Очевидно, что театров в нашей стране в недалеком будущем станет меньше. 

Почему это должно случиться? Кто будет решать, каким театрам жить, а каким – умирать? Количество зрителей и денег в кассе – надежный ли это измеритель качества театра? Как получилось, что коммерческие, по сути, театры пользуются финансовой поддержкой государства? Почему из театра невозможно уволить актеров, давно потерявших форму, а значит – крайне трудно обновить труппу? Когда надо было проводить жесткую реформу театра и возможно ли это сделать сейчас?  Не будем здесь обсуждать позиции Фокина на обновление театра. Кому интересно узнать, за каким театром будущее, можно почитать здесь.

Как получилось, что Оскарас Коршуновас оказался в Александринском театре? 

Сам Оскарас отвечает, что, честно говоря, короткий ответ ему дать сложно. Творческие отношения у него с Фокиным существовали давно. "На фестивалях за рубежом мы встречались. Не знаю, как так вышло, что я здесь... Сам не понимаю. Особенно если учесть, что я всегда себя считал и продолжаю считать таким, как бы точнее выразиться... представителем левого авангарда, что ли... То, что делает Фокин, и то, как он организует Александринский театр, – это тоже стремление к обновлению, поиск. А когда приходят такие, как я, происходит что-то вроде ревизии, обновление традиции. В таких театрах отказаться от традиций полностью невозможно, да и не надо. Пока я репетировал в Александринке, я заметил в ней очень много сходства с «Комеди Франсез». Вся история России и Франции была напрямую связана с этими театрами.История, аура этого театра безумно интересны, они чувствуются. К тому же Фокин подготовил сильную и мобильную труппу. Ты не сталкиваешься с некими предвзятостями, не надо тебе рушить какие-то академические... как бы это сказать лучше... стереотипы. Эти актеры очень пластичны, отзывчивы"- говорит Оскарас.

«Укрощение строптивой» у литовского режиссера -это пьеса именно о театре, а не о том, как крутой мужик обломал крутую женщину. У него получился спектакль об игре, о театре и о любви. Но главное, об игре. И о том, что когда игра кончается, кончается любовь. Пьесу эту действительно ставят редко, это правда. А те, кто ставит, вычеркивает интермедию. Для Оскараса же главное – именно она. Потому как именно в интермедии он задает тон: история, которую видит зритель, – не настоящая. Она – придумана. Все начинается с того, что лорд находит в кабаке пьяного Слая и задумывает сыграть с ним шутку. Принести этого пьяницу к себе, чтобы он проснулся у лорда в его постели, в шикарных апартаментах... То есть он создает другую реальность для Слая. Об этом вся пьеса. О том, что можно сотворять играя. Сотворять любовь, себя другими делать, мир другим. Соприкосновение фантазии и реальности и есть самое интересное. Строптивая может стать нестроптивой, пьяница может стать лордом, слуга – господином, господин – слугой, паж – женщиной и так далее. Все в пьесе «Укрощение строптивой» меняют свои ипостаси. А главное действующее лицо, конечно, любовь. Она меняет людей. "Любовь и есть творчество", - говорит режиссер,-"Любовь неподвластна никому и ничему, зато все и все подвластны ей. В наше время институт брака потерпел полное фиаско. В сегодняшнем мире больше никто не хочет никаких обязательств. Ни перед Богом, ни перед чем-то еще. Раньше был еще экономический момент, что всегда было очень важно в семье. Не мог один мужчина прожить без женщины, а женщина без мужчины. Этого теперь тоже нет. И что остается? Только любовь. Без любви что остается? Не знаю. Именно поэтому тема мужчины и женщины, связи между ними, которую мы затрагиваем в спектакле «Укрощение строптивой», – это то, что витает в воздухе. Эта пьеса в таком контексте получает новую актуальность. Что часто происходит с Шекспиром. В этой пьесе присутствует настоящий лорд, который как раз-таки показывает, как можно играть с огнем. Да, он играет, но игрой он не игнорирует реальность. Он показывает нам способ ухода от проблем – творчество. При желании ведь можно сотворить себе даже счастье. Только Слай не понимает реальности. Но спектакль-то ведет лорд. То есть человек, который контролирует ситуацию. И зрителю преподается через эту пьесу некий урок, как надо видеть реальность, как можно творить и что делает любовь, как она меняет реальность и во что она ее может превратить. В этом много правды.".

Созданные три с лишним века назад трагедии, исторические хроники и комедии Шекспира живут до сих пор, волнуют и потрясают воображение зрителей.

О жизни великого драматурга сохранилось мало сведений. Шекспир не писал воспоминаний и не вел дневника. Нет у нас и его переписки с современниками. Не сохранились и рукописи пьес Шекспира.

Практически все комедии Шекспира были написаны в первый период его творчества - с 1592 по 1600 годы. Для этого периода характерным было оптимистическое мироощущение и вера в торжество гуманного начала.

В эпоху Шекспира под комедией понималась пьеса, способная повеселить зрителя, доставить ему радость и имеющая счастливый конец. В сюжете же сочетались комические ситуации, с трагическими событиями. Но драматурга в не меньшей степени, чем комизм ситуации, интересуют характеры героев. Комедии Шекспира -- это, прежде всего, комедии характеров. Среди действующих лиц комедий главное место принадлежит героиням. Именно они ведут интригу, смело защищают свое право самим решать свою судьбу. Комедии Шекспира отличаются непринужденностью развития действия, живостью диалога, истинно народным юмором. При этом в них ставятся серьезные общественные проблемы. Комедии утверждают право человека на счастье, выступают за раскрытие всех возможностей человеческой личности. Ощутима здесь также и социальная критика: Шекспир подвергает осмеянию испорченность и пустоту дворянства, скудоумие буржуазии и корыстолюбие духовенства.

Но в целом атмосфера комедий говорит об оптимизме Шекспира, о его вере в благополучное разрешение противоречий.

Комедия "Укрощение строптивой" была написана Шекспиром в 15(93?) г., но впервые она вышла в свет только после его смерти - в 1623году. По поводу источников этой комедии до сих пор есть нерешенные споры.

В «Укрощении строптивой» Шекспир проявил тонкое понимание человеческой природы. Среди комментаторов этой пьесы существуют противоречия по поводу ее морали. Одни пытались видеть в пьесе защиту средневекового принципа безусловного подчинения женщины мужчине, другие рассматривали ее просто как шутку, лишенную идейного содержания.

Из всех персонажей пьесы лишь трое представляют собой яркие, хорошо разработанные характеры: это Катарина и Петруччо, и Бьянка. Герой комедии Петруччо - типичный человек нового времени, смелый, свободный от предрассудков, полный сил. Он жаждет борьбы, успеха, богатства, и встречает достойную противницу в лице Катарины. Катарина, усмиренная своим умным женихом Петруччо, превратилась в идеальную по благонравию жену. Двуличие чопорной Бьянки противопоставлено искренности строптивой Катарины. В финале пьесы, когда происходит своеобразное испытание жен, оказывается, что Бьянка, раньше кроткая по натуре, превратилась в сварливую капризницу, тогда как сама Катарина стала воплощением кротости и приветливости. Пьеса заканчивается ее знаменитым монологом, в котором она утверждает природную слабость женщин и призывает их к покорности мужьям.

Все остальные герои пьесы - условные фигуры, шаблонные гротески. Этому соответствует фарсовый характер действия: всевозможные проделки, потасовки, сплошной хохот.

Шекспир разделяет общепринятое в его эпоху мнение, что мужу должно принадлежать главенство в семье. Но в то же время показом богатства натуры Катарины он подчеркивает гуманистическую мысль о внутренней равноценности женщины и мужчины. Однако главным в пьесе можно назвать одно условие, на котором стоит вся комедия. Это условие Баптисты.

Он объявляет женихам Бьянки, что не выдаст Бьянку замуж, пока не найдет мужа для старшей дочери. Он просит помочь найти для Бьянки учителей музыки и поэзии, чтобы бедняжка не скучала в вынужденном затворничестве. Гортензио и Гремио решают временно забыть о своем соперничестве, чтобы найти мужа для Катарины. Это задача не из легких, поскольку сам черт не сладит с нею, так зловредна и при всем упряма главная героиня.

Однако, как уже было отмечено выше, финал оказывается непредсказуемым. Катарина занимает место Бьянки, удивляя всех своей кротостью и приветливость.

Правда, чувств - вот главный эстетический принцип Шекспира. Никакой ложной фальши, никакой ложной патетики, поэтому так впечатляет все то, что вышло из-под его пера.

Об этом спектакль в блестящей постановке Оскараса Коршуноваса. Спектакль нам понравился. Решили познакомиться подробнее с творчеством Валерия Фокина. Следующим спектаклем на очереди будет, я думаю, "Ревизор". Если в БДТ у Могучего я увидел только потуги прослыть последователем Мейерхольда, то у Валерия Фокина это должно получиться лучше.

 

 

 

В 5 классе дети изучают Древний мир, а потом он живет в воспоминаниях. 

Пальми́ра (греч. Παλμύρα, калька с арамейского תַּדְמוֹר, Тадмор, «город пальм») — некогда цветущий город, сейчас место в Сирии, знаменитое развалинами величественных сооружений, памятниками последней поры древнеримской архитектуры. На полпути между Евфратом и Средиземным морем. В 64 г до н.э. Сирия стала Римской колонией, а Пальмира оставалась независимой. Но вскоре и она попала под влияние Рима. Пальмира - оазис в пустыне - город пальм стоял на перепутье караванных путей.

Согласно Библии, Пальмиру основал царь Соломон, основал, как передовой оплот, чтобы Пальмира защищала границы соломонова  государства.

Навуходоносор разорил город, однако  выгодное положение – пересечение торговых путей вновь возродило город. К  моменту, когда в Пальмиру  пришли римляне (I век  до нашей эры), Пальмира была процветающим, богатым  городом. Через город  шли бесчисленные караваны, груженные  драгоценностями и шелком, восточными пряностями, вином, коврами и пшеницей. Они проходили через безжизненные пустынные просторы, и Пальмира, этот райский оазис в пустыне, всегда встречал путников вожделенной  влагой, давал  возможность набраться сил и немного отдохнуть….

Время наивысшего процветания Пальмиры совпало с третьим столетием нашей эры. Купцы Пальмиры поддерживали торговые отношения с городами Южной Месопотамии, Скифии, Средней Азии, Южной Аравии. Через нее проходили караванные пути поставляющие шелка и рабынь со всего Кавказа в Римскую империю. Процветающая область пользовалась автономией, но налоги в пользу Рима оскорбляли самолюбие населения.

В 212 году, в период правления династии Северов, Пальмира официально становится римской провинцией и остается ею до 260 года, когда персидский царь Шапур разгромил легионы императора Валериана, а самого его захватил в плен. Персидские войска подошли к самым стенам Пальмиры, и тогда римляне обратились к пальмирскому правителю Оденату с мольбой о помощи. И произошло то, что потом будет вызывать недоуменное восхищение летописцев и историков: Оденат, собрав лучших пальмирских лучников, разгромил персидскую армию.

Оденат

Оправившись от разгрома, персы вновь выступили против римлян, и опять решающая роль в разгроме врага принадлежала пальмирцам. В благодарность римский император назначил Одената вице-императором Востока – вторым человеком в Римской империи. Однако правитель Пальмиры понимал, что любая его попытка возвыситься вызовет в Риме страх и озлобление. Однако уже независимо от его воли и Пальмира, и он сам приобретали все большее влияние на Ближнем Востоке. И действительно настало время, когда Рим стал бояться своего союзника. Лишить Одената титула и армии было не за что – он оставался верен присяге, объявить его врагом Рим уже не смел.

И тогда Рим прибег, как это случается весьма часто, к проверенному и испытанному средству – убийству. Римские власти страны Сури в 267 году пригласили Одената для обсуждения текущих дел в Эмессу и там убили его вместе со старшим сыном Геродианом. 



Власть в стране перешла к его вдове царице Зиновии (или Зенобии). Римляне были твердо убеждены, что войска Пальмиры откажутся идти в бой под командованием женщины. И сильно просчитались! Пальмирские начальники присягнули на верность Зенобии, а перешедшая на ее сторону армия вскоре овладела Сирией, Палестиной, Египтом, а на севере достигла проливов Босфор и Дарданеллы. 

Военные победы Зенобии встревожили Рим, и император Аврелиан решил выступить против ее армии. После поражения при Эмессе Зенобия решила отсидеться в Пальмире, но длительную осаду выдержать не удалось. Оставалось только вывезти из города все богатства и отступить за Евфрат, а там спасут ширина реки и меткость прославленных пальмирских лучников. Но конница императора Аврелиана следовала по пятам, и у самой реки Зенобию захватили в плен. Осенью 272 года т. е. спустя почти два года после вооруженного восстания Зиновии против Рима Пальмира была взята войсками Аврелиана, который лично руководил осадой города. 

Микеланджело «Зенобия»

(Образ легендарной царицы Пальмиры, потерпевшей поражение в соперничестве с Римом, привлекал внимание многих Ренессансных художников. Высокообразованная свободолюбивая красавица прекрасно владела греческим, латинским и древнегреческим языками. Организованный ею культурный кружок посещали греческие литераторы и философы. Своё восхищение прекрасным образом «царицы пустыни» Микеланджело выразил в подарочном рисунке «Зенобия».)

Какова была судьба образованной и честолюбивой царицы, славившейся также своей красотой? Согласно античным источникам, Зиновия в цепях была отвезена в Рим - пленная царица должна была придать блеск триумфу Аврелиана в столице империи. 

Спустя два года в Пальмире поднялось восстание против Рима. Оно было жестоко подавлено, римляне разрушили город, и он перестал существовать. 

Пальмира уже не смогла вернуть своего былого могущества. Постепенно городская знать покинула город, лишенные связей с Востоком ушли купцы, без дела остались водители караванов, чиновники, искуснейшие ремесленники… И Пальмира начала чахнуть, постепенно превращаясь в заурядный пограничный пост и место ссылок.

После римлян сюда пришли арабы, и город без сопротивления сдался войскам Халеда ибя-ал-Валида, одного из военачальников первого халифа Абу Бекра. Жители были изгнаны. Впрочем, они и так уже давно и не жили в городе, а сбились за стенами святилища бога Бэла, налепив там множество темных и тесных глинобитных лачуг. Потом сюда на долгие годы пришли турки, которые и сами ничего не хотели знать о культуре подвластных им народов, и другим не давали ее изучать.

Никому не было дела до блистательной истории умирающего города, а многочисленные землетрясения довершили разрушения уцелевших храмов, дворцов и колоннад, и наступавшие пески Сирийской пустыни окончательно поглотили развалины Пальмиры.

Руины Пальмиры впечатляют. С северо-запада на юго-восток, вдоль древней караванной дороги, примерно на 3 километра, протянулись останки  разнообразных сооружений, где особенно выделяется Ваала - храм солнца. Главная магистраль Пальмиры  производит поистине неизгладимое впечатление – во времена расцвета Пальмиры на этой магистрали располагалось, выстроившихся в четыре ряда,  тысяча четыреста  колонн. Развалины дворцов, храмов, акведуков и  алтарей, колоннад и  башен-гробниц относятся к разным величественным эпохам – Древняя Пальмира и сегодня, как много веков назад,  поражает грандиозностью замыслов  всех, кто ее видел...

Почему исламисты ИГИЛ разрушают древние святыни и реликвии? 

Чем конкретно не угодили археологические древности многотысячелетней давности именно современным исламистам в Сирии и Ираке? - такая постановка вопроса более корректна. Ответить можно примерно так: это памятники материальной культуры эпохи язычества, поэтому к великолепным фрескам и скульптурам все фанатики относятся как к идольским капищам, которые в аврамических религиях (иудаизме, христианстве и исламе) не вызывают никакого почитания. Мысль о том, что эти скульптуры уже много тысячелетий подряд никто не видит как объекты для поклонения, что современных людей интересует лишь их эстетический аспект и культурная значимость, фанатиков не интересует. Отличительная черта любого фанатика - разрушать во славу какой-либо идеи. 

Коль кто-либо не ведает о каком-либо деле,

то легко становится его противником.

 

Изречение, приписываемое Али ибн Абу Талибу

Где-то было видео, в котором игиловец объясняет смысл своих деяний: "Эти памятники являются истуканами которым поклоняются люди, некоторые у них что то просят, некоторые даже приносят жертвы, хоронят там своих умерших и даже молятся им. Если некоторым из них сейчас не поклоняются, то поклонялись ранее и они являются памятниками человеческого греха и не являются назиданием, а потому могут использоваться в ритуальных целях в будущем. Эти памятники (истуканы) ни чем и ни кому не помогут, а являются самым тяжелым грехом в Исламе, грехом многобожия, так как поклонение в любой форме чему либо и кому либо, кроме Аллаха, является самым тяжким грехом, грехом который Аллах не прощает ни когда и ни кому". Это их слова плюс минус, не дословно, но суть примерно такова. Но все равно их можно сравнивать с вандалами, которые в 455 году разграбили древний Рим.

«Вандал — тот, кто намеренно или вследствие невежества разрушает собственность, принадлежащую другому лицу или обществу».

В данном случае для всего мира это выглядит как вандализм. Но ИГИЛ это воспринимают как борьбу со злом у себя дома, на своей собственной территории. Как в известном анекдоте про рояль на крыше - мой рояль, куда хочу туда и поставлю.

Вся история цивилизации - борьба добра со злом, беда только в том, что каждый по-своему трактует эти понятия. 

Развитие, Созидание, Совершенствование, Творчество, Умение понять и Обьединить....вот Мудрость...

А Борьба даже во имя великих идей... это Разрушение... это такое же Зло.... Поэтому Добро не может бороться со Злом. Нужно развивать самого Человека. Он должен находить счастье в Развитии, созидании, совершенствовании, творчестве - это смысл существования Человека. 

 

 

 

 

В 5 классе дети изучают Древний мир, а потом он живет в воспоминаниях. 

Пальми́ра (греч. Παλμύρα, калька с арамейского תַּדְמוֹר, Тадмор, «город пальм») — некогда цветущий город, сейчас место в Сирии, знаменитое развалинами величественных сооружений, памятниками последней поры древнеримской архитектуры. На полпути между Евфратом и Средиземным морем. В 64 г до н.э. Сирия стала Римской колонией, а Пальмира оставалась независимой. Но вскоре и она попала под влияние Рима. Пальмира - оазис в пустыне - город пальм стоял на перепутье караванных путей.

Согласно Библии, Пальмиру основал царь Соломон, основал, как передовой оплот, чтобы Пальмира защищала границы соломонова  государства.

Навуходоносор разорил город, однако  выгодное положение – пересечение торговых путей вновь возродило город. К  моменту, когда в Пальмиру  пришли римляне (I век  до нашей эры), Пальмира была процветающим, богатым  городом. Через город  шли бесчисленные караваны, груженные  драгоценностями и шелком, восточными пряностями, вином, коврами и пшеницей. Они проходили через безжизненные пустынные просторы, и Пальмира, этот райский оазис в пустыне, всегда встречал путников вожделенной  влагой, давал  возможность набраться сил и немного отдохнуть….

Время наивысшего процветания Пальмиры совпало с третьим столетием нашей эры. Купцы Пальмиры поддерживали торговые отношения с городами Южной Месопотамии, Скифии, Средней Азии, Южной Аравии. Через нее проходили караванные пути поставляющие шелка и рабынь со всего Кавказа в Римскую империю. Процветающая область пользовалась автономией, но налоги в пользу Рима оскорбляли самолюбие населения.

В 212 году, в период правления династии Северов, Пальмира официально становится римской провинцией и остается ею до 260 года, когда персидский царь Шапур разгромил легионы императора Валериана, а самого его захватил в плен. Персидские войска подошли к самым стенам Пальмиры, и тогда римляне обратились к пальмирскому правителю Оденату с мольбой о помощи. И произошло то, что потом будет вызывать недоуменное восхищение летописцев и историков: Оденат, собрав лучших пальмирских лучников, разгромил персидскую армию.

Оденат

Оправившись от разгрома, персы вновь выступили против римлян, и опять решающая роль в разгроме врага принадлежала пальмирцам. В благодарность римский император назначил Одената вице-императором Востока – вторым человеком в Римской империи. Однако правитель Пальмиры понимал, что любая его попытка возвыситься вызовет в Риме страх и озлобление. Однако уже независимо от его воли и Пальмира, и он сам приобретали все большее влияние на Ближнем Востоке. И действительно настало время, когда Рим стал бояться своего союзника. Лишить Одената титула и армии было не за что – он оставался верен присяге, объявить его врагом Рим уже не смел.
И тогда Рим прибег, как это случается весьма часто, к проверенному и испытанному средству – убийству. Римские власти страны Сури в 267 году пригласили Одената для обсуждения текущих дел в Эмессу и там убили его вместе со старшим сыном Геродианом. 

Власть в стране перешла к его вдове царице Зиновии (или Зенобии). Римляне были твердо убеждены, что войска Пальмиры откажутся идти в бой под командованием женщины. И сильно просчитались! Пальмирские начальники присягнули на верность Зенобии, а перешедшая на ее сторону армия вскоре овладела Сирией, Палестиной, Египтом, а на севере достигла проливов Босфор и Дарданеллы. 

Военные победы Зенобии встревожили Рим, и император Аврелиан решил выступить против ее армии. После поражения при Эмессе Зенобия решила отсидеться в Пальмире, но длительную осаду выдержать не удалось. Оставалось только вывезти из города все богатства и отступить за Евфрат, а там спасут ширина реки и меткость прославленных пальмирских лучников. Но конница императора Аврелиана следовала по пятам, и у самой реки Зенобию захватили в плен. Осенью 272 года т. е. спустя почти два года после вооруженного восстания Зиновии против Рима Пальмира была взята войсками Аврелиана, который лично руководил осадой города. 

Микеланджело «Зенобия»

(Образ легендарной царицы Пальмиры, потерпевшей поражение в соперничестве с Римом, привлекал внимание многих Ренессансных художников. Высокообразованная свободолюбивая красавица прекрасно владела греческим, латинским и древнегреческим языками. Организованный ею культурный кружок посещали греческие литераторы и философы. Своё восхищение прекрасным образом «царицы пустыни» Микеланджело выразил в подарочном рисунке «Зенобия».)

Какова была судьба образованной и честолюбивой царицы, славившейся также своей красотой? Согласно античным источникам, Зиновия в цепях была отвезена в Рим - пленная царица должна была придать блеск триумфу Аврелиана в столице империи. 

Спустя два года в Пальмире поднялось восстание против Рима. Оно было жестоко подавлено, римляне разрушили город, и он перестал существовать. 

Пальмира уже не смогла вернуть своего былого могущества. Постепенно городская знать покинула город, лишенные связей с Востоком ушли купцы, без дела остались водители караванов, чиновники, искуснейшие ремесленники… И Пальмира начала чахнуть, постепенно превращаясь в заурядный пограничный пост и место ссылок.

После римлян сюда пришли арабы, и город без сопротивления сдался войскам Халеда ибя-ал-Валида, одного из военачальников первого халифа Абу Бекра. Жители были изгнаны. Впрочем, они и так уже давно и не жили в городе, а сбились за стенами святилища бога Бэла, налепив там множество темных и тесных глинобитных лачуг. Потом сюда на долгие годы пришли турки, которые и сами ничего не хотели знать о культуре подвластных им народов, и другим не давали ее изучать.
Никому не было дела до блистательной истории умирающего города, а многочисленные землетрясения довершили разрушения уцелевших храмов, дворцов и колоннад, и наступавшие пески Сирийской пустыни окончательно поглотили развалины Пальмиры.

Руины Пальмиры впечатляют. С северо-запада на юго-восток, вдоль древней караванной дороги, примерно на 3 километра, протянулись останки  разнообразных сооружений, где особенно выделяется Ваала - храм солнца. Главная магистраль Пальмиры  производит поистине неизгладимое впечатление – во времена расцвета Пальмиры на этой магистрали располагалось, выстроившихся в четыре ряда,  тысяча четыреста  колонн. Развалины дворцов, храмов, акведуков и  алтарей, колоннад и  башен-гробниц относятся к разным величественным эпохам – Древняя Пальмира и сегодня, как много веков назад,  поражает грандиозностью замыслов  всех, кто ее видел...

Почему исламисты ИГИЛ разрушают древние святыни и реликвии? 

Чем конкретно не угодили археологические древности многотысячелетней давности именно современным исламистам в Сирии и Ираке? - такая постановка вопроса более корректна. Ответить можно примерно так: это памятники материальной культуры эпохи язычества, поэтому к великолепным фрескам и скульптурам все фанатики относятся как к идольским капищам, которые в аврамических религиях (иудаизме, христианстве и исламе) не вызывают никакого почитания. Мысль о том, что эти скульптуры уже много тысячелетий подряд никто не видит как объекты для поклонения, что современных людей интересует лишь их эстетический аспект и культурная значимость, фанатиков не интересует. Отличительная черта любого фанатика - разрушать во славу какой-либо идеи. 

Коль кто-либо не ведает о каком-либо деле,

то легко становится его противником.

 

Изречение, приписываемое Али ибн Абу Талибу

Где-то было видео, в котором игиловец объясняет смысл своих деяний: "Эти памятники являются истуканами которым поклоняются люди, некоторые у них что то просят, некоторые даже приносят жертвы, хоронят там своих умерших и даже молятся им. Если некоторым из них сейчас не поклоняются, то поклонялись ранее и они являются памятниками человеческого греха и не являются назиданием, а потому могут использоваться в ритуальных целях в будущем. Эти памятники (истуканы) ни чем и ни кому не помогут, а являются самым тяжелым грехом в Исламе, грехом многобожия, так как поклонение в любой форме чему либо и кому либо, кроме Аллаха, является самым тяжким грехом, грехом который Аллах не прощает ни когда и ни кому". Это их слова плюс минус, не дословно, но суть примерно такова. Но все равно их можно сравнивать с вандалами, которые в 455 году разграбили древний Рим.

«Вандал — тот, кто намеренно или вследствие невежества разрушает собственность, принадлежащую другому лицу или обществу».

В данном случае для всего мира это выглядит как вандализм. Но ИГИЛ это воспринимают как борьбу со злом у себя дома, на своей собственной территории. Как в известном анекдоте про рояль на крыше - мой рояль, куда хочу туда и поставлю.

Вся история цивилизации - борьба добра со злом, беда только в том, что каждый по-своему трактует эти понятия. 

Развитие, Созидание, Совершенствование, Творчество, Умение понять и Обьединить....вот Мудрость...
А Борьба даже во имя великих идей... это Разрушение... это такое же Зло.... Поэтому Добро не может бороться со Злом. Нужно развивать самого Человека. Он должен находить счастье в Развитии, созидании, совершенствовании, творчестве - это смысл существования Человека. 

 

24 декабря 2014 года в 18.30 в СПбГУ в здании Двенадцати коллегий прошёл концерт хоровой музыки, посвященный 20-летию академического хора имени Г.М.Сандлера. Солист московского театра "Геликон опера" Дмитрий Янковский в сопровождении хора исполнил произведение "Да исправится молитва моя"

28 января 2015 года в Смольном соборе состоялся концерт, посвященный 71-й годовщине освобождения Ленинграда от фашистской блокады. В составе сводного хора третьего Открытого хорового турнира выступил Академический хор имени Г. М. Сандлера СПбГУ. Прозвучала кантата руководителя хора Ильи Кузнецова «Блокадный дневник» на стихи Ольги Берггольц. Во второй части концерта прозвучала кантата Сергея Прокофьева «Александр Невский» для меццо-сопрано, смешанного хора и оркестра. Солисткой выступила Светлана Степанова (меццо-сопрано), руководитель Городского методического объединения любительских хоров ветеранов.

14 октября 2016 года состоялся концерт нашего хора на юридическом факультете СПбГУ.

Вниз по матушке по Волге





А в заключение концерта мы спели Гаудеамус

 

На телевидении идет новый сериал София, в котором сделана робкая попытка переосмыслить нашу историю, попытаться понять великую роль государства Российского в современном мире через обращение к тем временам, когда Иван III стал собирать земли русские вокруг княжества Московского. Есть повод еще раз поговорить о России.

Исторический опыт России свидетельствует о том, что в переломные моменты ее бытия каждый раз неизбежно пе­ред ней вставал вопрос об отношении к духовному насле­дию Византии.

Первоначально эта проблема возникла  в X в., когда киевский князь Владимир оказался на распутье перед выбором веры. Так было во времена Василия II Темного, в период становления Московского государства, когда после Флорентийской унии (1439 г.), соглашения об объединении католической и пра­вославной церквей, русскому церковному и государственно­му руководству нужно было самому решать вопрос о том, куда идти дальше, и оно, отвергнув унию, в противовес Константинопольской Матери-Церкви оказалось верным ви­зантийскому наследию. В середине XVII в. проблема отно­шения к византийскому наследству расколола русское об­щество: часть его, абсолютизировавшая национальный религиозный опыт и противопоставив его опыту вселенской церкви, уклонилась в раскол.

Византийское влияние в большей степени обнаружилось в московский период рус­ской истории, в XV—XVI в., когда сама Византия уже пала под ударами турок. Поэтому византийское влияние на Рос­сию шло прежде всего через культуру. Но именно это и не удалось показать авторам нового фильма о Софье Палеолог, которая 12 ноября 1472 года стала женой московского князя Ивана III. Были попытки восстановить Византийскую Империю. В 1459 году папа римский Пий II созвал в Мантуе собор для обсуждения Крестового похода с целью освобождения Константинополя. Но поход так и не состоялся.

С падением Византии на востоке в молодом Московском княжестве стала распространяться теория «Москва — Третий Рим». Её правители считали себя как духовными, так и политическими преемниками павшей Византии. Чтобы закрепить за собой этот титул был заключен брак между Русским князем Иваном III Васильевичем и Софией Палеолог.

Именно с этого момента стала формироваться Российская Империя, строительство которой завершил Петр I. 

Римские папы старались поднять московских государей против турок, пропагандируя мысль, что русские цари — законные наследники Византии. 

Римская Империя зарождалась долго и развивалась 

Византийская Империя возникла после падения Римской Империи в 395 году и просуществовала до 1453 года. В 395 году возникла и Западная Римская Империя, которая просуществовала до 476 года. Была еще попытка возродить великую Римскую Империю. 

 

Идея империи, единого государства, объединявшего весь цивилизованный и христианский мир, восходящая ко временам Древнего Рима и пережившая второе рождение при Карле Великом, сохранялась и после крушения Франкской империи Каролингов. Империя в общественном сознании представлялась как земное воплощение Царства Божьего, наилучшая модель организации государства, при которой правитель поддерживает мир и спокойствие в христианских странах, охраняет и заботится о процветании церкви, а также организует защиту от внешних угроз. Раннесредневековая концепция империи предполагала единение государства и церкви и тесное взаимодействие императора и папы римского, осуществлявших верховную светскую и духовную власть. Хотя столицей империи Карла Великого был Ахен, имперская идея была связана прежде всего с Римом, центром западного христианства и, согласно «Константинову дару», источником политической власти во всей Европе. 

 

Священная Римская империя — средневековое европейское государственное образование, основанное в 962 г. германским королём Отгоном I и просуществовавшее до 1806 г. И осталась только Российская Империя, существование которой вот уже много десятилетий не дает покоя Западному миру, который всячески стремится разрушить ее величие. 

Византия и Русь были тесно связаны на протяжении нескольких столетий. Византийское государство являлось не просто наследником культуры античности и Римской империи, оно самостоятельно обогатилось православной верой и впоследствии обогатило ею весь мир. Православная культура пришла в Болгарию, Сербию, Албанию и многие другие страны, именно благодаря Византии.  Русские вместе с верой приняли также ее каноны и догматы, но в большей степени наши предки переняли от греков красоту богослужения — церковное пение, храмоздательство, иконопись, а также принципы христианской подвижнической жизни. Новокрещеная Русь была более всего привлечена именно этими аспектами православия, которые, попав на благодатную почву, развивались самостоятельно и с высокой активностью.

 В 1492 г. митрополит Зосима впервые официально провозглашает Москву «Новым Гра­дом Константина».

Свое наиболее полное выражение эта идея нашла в тео­рии «Москва — третий Рим», разработанной псковским монахом Филофеем в 1524—1547 гг. Согласно данной тео­рии, «Рим» — это христианское царство, которое пребывает под защитой Провидения, но лишь постольку, поскольку оно способствует осуществлению божественного замысла — человеческого спасения. Быть «Римом» — не привилегия, а тяжкий груз ответственности. Древний Рим не справился с нею, изменив православию. Поэтому достоинство «христи­анского царства» перешло на Константинополь — Новый Рим. Но и грекам эта ответственность оказалась не по пле­чу. Они пошли на соглашение с папой на Флорентийском соборе, за что были наказаны гибелью своего царства. До­стоинство Рима наследуется Москвой: «Два Рима падоша, а третей стоит, а четвертому не быти!»

Русским философом В. Иконниковым была предложена интерпретация, укрепляющая имперские притязания и идеологию России: Москва после падения Византии заняла подобающее ей место в международных отношениях, она – спасительница христианства и человечества, потому что «четвертого Рима не будет». В этом ее историческая роль, ее миссия, на этом основании она вправе быть мировой империей. 

С этого момента Третьим Римом называют Россию как оплот человечества, приписывая ей великую миссию. Особенно для укрепления этой идеи постарались славянофилы и панславинисты. В. Соловьев, например, считал, что у России ключевая роль в объединении Востока и Запада, всех христиан под эгидой Русского православия. Историк И. Кириллов писал, что теория Москвы, как Третьего Рима, это та самая русская идея, национальное самоопределение, самосознание, которого стране так не хватало все это время. Православные должны не только объединить вокруг себя все братские народы, но и ударить по мусульманской Османской империи, чтобы она не напала первой. Во времена освободительных войн на Балканском полуострове идеи стали крайне популярны в народе. 

Теория интерпретировалась по-разному во время становления Советского государства, но уже с приходом Сталина были проведены исследования, изучены летописи и предания. Было доказано, что концепция Ромейских царств касалась только духовных дел. Это и понятно. Великому Советскому государству не нужны были другие теории, помимо победы коммунизма во всем мире, чтобы сплотить вокруг себя соседние народы. Да и религия была под запретом. Сказания псковского монаха даже изымались из учебников.

Как сегодня следует понимать «Москва – Третий Рим»? Как и по поводу всех остальных исторических идей, каждый должен самостоятельно решить, считать ли это порождением того времени или объяснять теорией современное положение вещей. Но почему вдруг стали снимать этот фильм? Нет ответа....

Ну а в заключение я предлагаю Вам посмотреть интересный фильм об истории Византии.

 

 

 

В этом году в декабре исполняется 150 лет со дня рождения Василия Кандинского. Сегодня побывали на выставке "Кандинский и Россия", которая в очередной раз открылась в Русском музее. Выставка не впечатлила. Не потому, что мне не нравится Кандинский. Его картины волнуют мою душу. Об этом я писал еще в 2012 году, посетив в Эссене выставку авангардизма, и в марте 2011 года после посещения выставки "Синий всадник" в Вене. Кандинский не может не бередить душу. 

.

Но выставка в Русском музее получилась какая-то небрежная, без особой любви к художнику со стороны устроителей. Не получилось праздника, открытия. Так, дежурная выставка. Не получилось у организаторов показать русские корни авангардизма Кандинского. 

 

И еще один фильм о Кандинском.

«Величайшая свобода, являющаяся вольным и необходимым дыханием искусства, не может быть абсолютной. Каждой эпохе дана своя мера свободы. И даже наигениальнейшая сила не способна перескочить через границы этой свободы. Но эта мера во всяком случае должна быть исчерпана, и в каждом случае и исчерпывается…»

Кто хоть однажды видел картины Кандинского, — яркие, шокирующие, непонятные — скажет, что художник, написавший эти, по сути, правильные слова, сам дерзнул перескочить через границы свободы. Это поняли его современники, в начале прошлого века увидевшие акварели неизвестного тогда художника. Картины казались ничем иным, как хаотичным размещением красочных пятен и линий, ничего не изображавших и не обозначающих, но в то же время притягивающих взгляд, рождающих образы — необыкновенные, загадочные. Это поняли и потомки, которые спустя годы назвали Василия Кандинского великим творцом, одним из основоположников современного абстракционизма. Критики изобразительного искусства на протяжении многих лет будут пытаться разгадать феномен художника, понять, что натолкнуло его на такие странные образы и их воплощение. И придут, в конце концов, к выводу: понять Кандинского сложно. Это то же, что, слушая музыку — либо представлять себе что-то волнующее, прекрасное, либо слышать просто беспорядочный набор звуков.

С 31 октября по 4 ноября в Санкт-Петербурге прошел XI Международный фестиваль научно-популярных и образовательных фильмов «Мир знаний». В программе фестиваля – 27 научно-популярных фильмов из России, США, Франции, Израиля и других стран. Фестиваль проходил в помещении студии документальных фильмов на Крюковом канале.

Я сходил 3 ноября 2016 года на фильм

The singular tale of Einstein and general relativity | Удивительная история Альберта Эйнштейна и общей теории относительности режиссера Quentin Lazzarotto.

Мы поговорим об этом фильме, об Эйнштейне и об его теории относительности. Но сначала неприятная новость.

Федеральное агентство по управлению государственным имуществом (Росимущество) издало распоряжение от 29 апреля 2016 года о приватизации Санкт-Петербургской студии документальных фильмов («ЛенДок»), расположенной на набережной Крюкова канала, д. 12. Здание является выявленным объектом культурного наследия. Первый раз была попытка приватизации Лендока еще в 2007 году. Уже десять лет идет разговор о приватизации студии,  одним и, пожалуй, главным привлекательным активом которой является особняк на набережной Крюкова канала, 12, находящийся под охраной государства.

 

В Петербурге 80 лет назад появилась Ленинградская студия документальных фильмов. Сегодня это культурный центр под названием «Открытая киностудия «ЛенДок», которым с 2008 года руководит Алексей Тельнов. «Лендок», как компания со стопроцентным государственным капиталом не фигурирует в строках федерального бюджета.Каково будущее у этой студии? «Если государству нужен инструмент пропаганды, то оно будет поддерживать документальное кино», - считает генеральный директор Санкт-Петербургской студии документальных фильмов «Лендок» Алексей Тельнов. Но государству до сохранения настоящего для будущего нет дела. Документальное кино не приносит прибыли. И как ему существовать в обществе, где все - на продажу. Вот и Лендок стал снимать на своих площадках художественные фильмы.

Почему умирает документальное кино? "Сегодня режиссеры начинают отходить от чернухи, - говорит Алексей Тельнов, - еще лет пять тому назад это был весьма популярный мотив для того, чтобы попасть на западные фестивали и кинорынки. Ведь там в большинстве своем до сих пор интересуются лентами, снятыми по принципу «чем хуже, тем лучше». Иностранному зрителю интересны истории на грани экзотики и трэша. Образы русской глубинки, портреты дряхлых старушек, развалившиеся избы — эта фактура чрезвычайно интересна, она воспринимается как дикость. Позитивное кино на Запад не идет. Единственный возможный компромисс — скандальные или иронические ленты." С 2004 года Лендок является  государственным унитарным предприятием (ГУП). Сегодня это коммерческое предприятие, акционером которого является государство в лице Росимущества и Министерства культуры. При этом студия находится на полном самообеспечении. В частности, студия берет на себя оплату коммунальных расходов. Ситуация сложилась парадоксальная: вроде бы компания принадлежит государству, но на самом деле она никому не нужна. Говорить о прибыльности производства сегодня практически не приходится. Как выживают студии документальных фильмов на Западе? Тельнов рассказывает: " В глобальном смысле без господдержки документальное кино существовать не может. Имеется в виду нормальный уровень, на котором работы могут участвовать в фестивалях, закупаться каналами и поступать в кинопрокат. Проблема в том, что на Западе в отличие от России достаточно эффективно отработана система проката и игрового, и документального кино. Если взять в качестве примера систему проката в «Каро-фильм», то для того, чтобы получить прибыль, нужно очень серьезно вложиться. Рекламная кампания, в среднем, обходится в 1—1,5 миллиона долларов. Кроме того, для проката фильма в российских кинотеатрах нужно получить достаточное количество копий, при этом печать каждой стоит полмиллиона рублей. Чтобы зритель увидел фильм хотя бы в городах-миллионниках, нужно несколько десятков копий. А количество кинотеатров в России по сравнению с Америкой в десять раз меньше. Прокатный бизнес, конечно, не наша сфера, но получается, что чуть менее коммерческие проекты обречены на провал. В этой ситуации единственный выход — продажа лент телеканалам. В распоряжении студии находится архив, который насчитывает более 50 тысяч единиц хранения. Но сейчас архивы не принадлежат студии. Когда произошла капитализация производства, назовем это так, государством был поднят логичный вопрос: что делать с архивами? Изначально государство совершенно справедливо решило передать их в отдельную организацию — Фильмофонд. Фактически они хранятся на студии, но нам не принадлежат. У нас ценный архив, мы его должны содержать, разбирать, но мы не можем ни использовать, ни продавать. Этим занимается руководство Фильмофонда." Сегодня в техническом плане производство документального кино во многом упростилось, можно снимать хоть на айфон, есть даже фестиваль фильмов, снятых на мобильные телефоны. Интересных и очень талантливых авторов сейчас также много. Что делать дальше? Между тем на киностудии надеются на государственную поддержку. В свою очередь культурные деятели удивляются, что чиновники все еще не замечают Лендок. Это неправильная тенденция, когда инициатива все время исходит от самих создателей, от людей, которые сами что-то ищут, что-то делают. Почему это не инициируют те, от кого зависит принятие решений. Кино — это мощный инструмент, формирующий массовое сознание, атмосферу, поэтому странно, что инициатива идет снизу, а не сверху. Создание из Лендока некого арт-пространства, которое может стать местом, где будут созревать и обсуждаться новые идеи, — это очень важное событие.

И мы поговорим об Альберте Эйнштейне и об истории создания теории относительности.

Альберт Эйнштейн родился в 1879 году в Баварии. Отец – Герман Эйнштейн – занимался торговлей. Мать – Полина Кох – была дочерью богатого штутгартского хлеботорговца.

Как пишут биографы великого физика, в детские годы «будущая гениальность Эйнштейна внешне никак не проявлялась». Он долго учился говорить, и в семилетнем возрасте «мог лишь повторять короткие фразы». С шести лет обучался игре на скрипке. Правда, тоже без особого успеха. Десяти лет поступил в гимназию. Был равнодушен к учёбе. Хотел взять полугодовой отпуск по справке от психиатра. Но начальство гимназии предложило ему за год до окончания покинуть гимназию. Оканчивал обучение Эйнштейн в другой гимназии. Со второй попытки Эйнштейн поступил в Цюрихский политехнический институт. Там же он познакомился со своей будущей женой Милевой Марич. В 1900 году Эйнштейн окончил Цюрихский институт со средним баллом 4,09 и оценкой за диплом 3,75 в переводе на пятибалльную систему. В Германии то время использовалась шестибалльная шкала. Мать Эйнштейна была против его брака с Милевой Марич из-за её сербского происхождения. Однако с Милевой Эйнштейн прожил более 10 лет. И у них родились дочь и двое сыновей. Вскоре после окончания Цюрихского института, т.е. в 1902 году, Эйнштейн поступил на работу в патентное бюро в Берне.

А в 1905 году в сентябрьском номере немецкого журнала «Анналы физики» появилась статья «К электродинамике движущихся тел», написанная 26-летним экспертом швейцарского патентного бюро Альбертом Эйнштейном. В ней излагалась теория относительности. Статья не содержала ни одной литературной ссылки. При чтении статьи создавалось впечатление о полной оригинальности как постановки, так и решения задачи, о первооткрытии всех изложенных там результатов. Не сохранилось никаких черновиков первых работ Эйнштейна. Рукопись этой статьи, поступившей в редакцию тремя месяцами раньше, была подписана Эйнштейном и его женой Милевой Марич. О Милеве Марич Эйнштейн говорил друзьям: «Математическую часть работы за меня делает жена». Статья Эйнштейна в момент появления была практически не замечена в научном мире. Его теория относительности была признана научным сообществом, начиная с 1915 года, когда он опубликовал её развитие на явления тяготения: общую теорию относительности. Альберт Эйнштейн показал, что гравитация есть искривление пространства-времени, вызванное материей, а спустя несколько месяцев немецкий астроном и физик-теоретик Карл Шварцшильд использовал её для решения конкретной астрономической задачи. Он исследовал структуру искривленного пространства-времени вокруг Солнца и заново открыл феномен чёрных дыр. Почему заново?

Первая гипотеза существования такого явления, как чёрная дыра, была выдвинута в 1783 году английским учёным Джоном Мичеллом. В своей теории он объединил два творению Ньютона — оптику и механику. Идея Мичелла была такова: если свет — это поток мельчайших частиц, то, как и все другие тела, частицы должны испытывать притяжение гравитационного поля. Получается, чем массивнее звезда, тем сложнее свету противиться её притяжению. Через 13 лет после Мичелла, французский астроном и математик Лаплас выдвинул (скорее всего, независимо от британского коллеги) схожую теорию.

1967 г. Американский физик Джон Уилер обрисовал пространство, которое можно скомкать, подобно листику бумаги, в бесконечно малую точку и обозначил термином "Чёрная дыра".

1974 г. Британский физик Стивен Хокинг доказал, что чёрные дыры, хоть и поглащают метерию без возврата, могут испускать излучение и в конце концов испаряться. Такое явление получило название "излучение Хокинга".

Наше время. Новейшие исследования пульсаров и квазаров, а также открытие реликтового излучения, наконец сделали возможным описать само понятие чёрных дыр. В 2013 году газовое облако G2 приблизилось на очень близкое расстояние к Чёрной дыре и скорее всего будет поглощено ей, наблюдения за уникальным процессом даст огромные возможности для новых открытий особенностей чёрных дыр.

 

 

 

 

Французский фильм вполне мог бы конкурировать с этими фильмами.

Черные дыры - очень интересные объекты.

Чёрная дыра - точка невозврата во Вселенной.

Чем на самом деле являются чёрные дыры?

Лаконичное объяснение феномена звучит так. Чёрная дыр — это пространственно-временная область, чье гравитационное притяжение настолько велико, что её не может покинуть ни один объект, в том числе световые кванты.

Когда-то чёрная дыра была массивной звёздой. Пока термоядерные реакции поддерживают в её недрах высокое давление, всё остаётся в норме. Но со временем запас энергии истощается и небесное тело, под действием собственной гравитации, начинает сжиматься. Завершающий этап этого процесса — схлопывание звездного ядра и образование чёрной дыры.

Черные дыры - самые загадочные физические объекты нашей Вселенной.