«Садко́» — опера Николая Римского-Корсакова в семи картинах. Либретто написано самим композитором на основе русских былин о гусляре Садко. Впервые поставлена в Частной опере Солодовникова в Москве под управлением Евгения Эспозито в 1897 году.
Содержание оперы главным образом заимствовано из различных вариантов былины «Садко богатый гость», в соединении со сказками из сборника Афанасьева «Народные русские сказки».

Содержание
 

Картина первая

Пир в богатых хоромах братчины (торговой артели) в Новгороде. Нежата, наигрывая на гуслях, поёт былину о Волхве Всеславиче. Входит Садко, гости обращаются к нему с просьбой спеть им про славу Новгорода. Но Садко корит купцов за пустую похвальбу. Он мечтает о странствиях, чтобы далеко по просторам земли разнести славу Новгорода. Одна часть присутствующих хвалит Садко за песню, другая, бо́льшая часть — возмущается похвальбой и смелым порицанием их жизни. Подымается шумный спор, многие подступают к Садко и гонят его с пира. Садко уходит и заявляет, что больше не станет петь им своих песен, пусть они живут по старине, как хотят. После его ухода пир продолжается. Скоморохи Дуда и Сопель поют потешную песнь про возгордившегося дурня (подразумевая Садко), который вздумал учить именитых гостей уму-разуму. Гости хохочут, общее веселье.

День смеха, День дурака — всемирный праздник, отмечаемый во всём мире первого апреля. Хотя праздник не является национальным, он отмечается во многих странах. Во время этого праздника принято разыгрывать друзей и знакомых, или просто подшучивать над ними. Традиционно, в таких странах, как Новая Зеландия, Ирландия, Великобритания, Австралия и Южная Африка, розыгрыши устраиваются только до полудня, называя тех, кто шутит после этого времени, «апрельскими дураками». Хотя происхождение его так ещё и не выяснено, но есть основание предполагать, что это остаток языческого, может быть, древнекельтского, праздника, отмечавшегося в связи с началом весны. В России первый массовый первоапрельский розыгрыш состоялся в Москве в 1703 году. Глашатаи ходили по улицам и приглашали всех прийти на «неслыханное представление». От зрителей отбоя не было. А когда в назначенный час распахнулся занавес, все увидели на подмостках полотнище с надписью: «Первый апрель — никому не верь!» На этом «неслыханное представление» закончилось. В произведениях многих писателей и поэтов с конца XVIII века появлялись строчки про первоапрельские розыгрыши. Например, Пушкин писал в письме А. А. Дельвигу

Брови царь нахмуря, говорил:

«Вчера повалила буря Памятник Петра».

Тот перепугался: «Я не знал!.. Ужель?»

- Царь расхохотался: «Первый, брат, апрель!» »

А. Н. Апухтин в своём стихотворении «Первое апреля» писал:

Денек весёлый! С давних пор обычай есть патриархальный

У нас: и лгать, и всякий вздор сегодня всем пороть нахально.

Хоть ложь-то, впрочем, привилась так хорошо к нам в самом деле,

Что каждый день в году у нас отчасти — первое апреля. …

Из википедии.

С днем смеха, уважаемые читатели. Улыбайтесь, пойте и танцуйте. Будьте здоровы !!!

Из классики театральных шуток.

Весной 1896 года директор Петербургских императорских театров И. Всеволожский заказал Глазунову музыку к балету «Раймонда». Срок, отпущенный на эту работу, был крайне мал: балет уже стоял в репертуаре сезона 18978/98 года. Несмотря на то, что Глазунов в это время был погружен в замысел Шестой симфонии, он согласился. «Приемлемые заказы на произведения не только не связывали меня, но, наоборот, воодушевляли», — писал он. Танцевальная музыка также не была для него чем-то новым: к тому времени им были уже написаны мазурка и два концертных вальса для симфонического оркестра, получившие широкую известность.
Сценарный план принадлежал Мариусу Петипа , ведущему русскому балетмейстеру 2-й половины XIX века, французу по происхождению, с 1847 года работавшему на петербургской сцене и поставившему более 60 балетов, многие из которых вошли в золотой фонд хореографического искусства. 
 Работал он с большим увлечением.  По ходу сочинения в либретто пришлось внести значительные изменения, чтобы связать концы с концами. 

Краткое содержание

Либретто «Раймонды» было основано на средневековой рыцарской легенде,

Действие I

Сегодня 26 марта день памяти величайшего, гениального композитора Людвига ван Бетховена. Когда я слушаю музыку Бетховена, мне кажется, что этот человек послан людям свыше. У него не земная музыка.  Не зря говорят "дар божий". И, действительно, музыка Бетховена-это "дар божий" для всего человечества.

Обозреватель знаменитой лондонской "The Guardian", так описывает свои ощущения от потрясшего его концерта: "Они выглядят как обычный хор, пока не запоют. Вдруг вас волной накрывает удивительный звук – необыкновенно богатый, мелодически мощный и при этом чрезвычайно искренний". "Этот хор звучит фантастически: отшлифованное пение и согласованный, совершенно безошибочный русский звук. Их голоса настолько хороши, что достойны самого пристального внимания" - вторит ему коллега из "San Francisco Classical Voice" - "Песнопения звучат живым органом. Переливы голосов и ритм, которые певцы слушают сквозь собственный пульс, завораживают – даже если слова непонятны..." - читаем мы в рецензии на одном из сайтов.
Что же это за уникальный коллектив, которому стоя аплодировали в Американском Конгрессе, в Кремле, в Ватикане, на многих самых знаменитых площадках мира: в зале Библиотеки Конгресса США в Вашингтоне, в Нью-Йорке (стулья, из-за обилия желающих, выставляли прямо на сцену), в Бостоне, в Центре искусств Торонто, в Симфони-центре Чикаго, в Сан-Франциско, Сиднее, Берлине, Лондоне, Париже? Мужской Сретенский хор ведет свои истоки из Сретенского монастыря, заложенного в Москве в конце XIV века. За шесть столетий своей истории хор довёл свое исполнительское мастерство практически до совершенства. Сретенский хор ведет активную концертную и гастрольную деятельность, записывает студийные музыкальные альбомы.
В 2005 году хор возглавил Никон Степанович Жила, выпускник Российской академии музыки им. Гнесиных. Художественный руководитель и дирижер говорит, что хор тепло принимают не только выходцы из стран СНГ, но все зрители, живущие в разных уголках мира: "Люди часто подходят к нам и благодарят со слезами на глазах. Наши программы мы всегда выбираем с учетом слушательской аудитории. Главной задачей нашего хора мы видим связь времен и поколений, осмысление великих песен XX века и общение со слушателями, на понятном для них языке, дабы призвать их к пониманию русской культуры так, как её понимают певцы". В составе хора 30 человек. Среди них - вокалисты из Московской академии хорового искусства, выпускники Московской консерватории и Академии музыки им. Гнесиных, студенты Сретенской семинарии.

Серенада в музыке (от итальянского слова sera — вечер) — музыкальное сочинение, возникшее в Испании и Италии, где существует обычай исполнять ночное пение или музыку под чьим-либо окном в знак любви или уважения. Серенада вокальная, небольших размеров, пишется в коленном складе, в размерах песни или романса; исполняется под аккомпанемент мандолины или гитары. Образцы таких серенад, получивших художественную форму, можно встретить, напр., в "Дон-Жуане" Моцарта  и "Севильском цирюльнике" Россини . Серенада перешла и в инструментальную область; пишут серенады для фортепиано, а также для нескольких инструментов — например, серенада Бетховена (ор. 8 для скрипки, альта и виолончели), заключающая в себе восемь небольших самостоятельных номеров, а также две серенады оп.41 и оп.42. Эти  два переложения бетховенских Серенад:- для фортепиано и флейты (Opus 41) и  для альта и фортепиано (Opus 42) не являются авторскими. В письме от 20 сентября 1803 года композитор сообщает своим издателям в Лейпциге: «Аранжировки (ор. 41 и ор. 42) сделаны не мной. Поэтому, хоть я их и просматривал, а местами очень основательно подправил, я никак не могу согласиться на то, чтобы Вы мне приписали их авторство; ибо Вы в этом случае солгали бы, а кроме того, у меня для подобной работы совершенно не хватило бы ни времени, ни терпения.»Оба переложения были сделаны Францем Ксавьером Кляйнхайнцем и предложены издателям братом Бетховена Карлом в мае 1803 года. Издатели, однако, не последовали инструкциям Бетховена и указали его в качестве автора в титуле обоих сочинений " Людвиг ван Бетховен (1770-1827)- немецкий композитор". Большие инструментальные серенады писали Гайдн, Моцарт, из новейших композиторов — Фолькман.

Венский хор мальчиков — австрийский хоровой коллектив, базирующийся в Вене.

Хор возводит свою историю к указу императора Священной Римской империи Максимилиана I, который 30 июня 1498 г., в связи с переездом императорского двора из Инсбрука в Вену, распорядился нанять, наряду с другими музыкантами, шестерых юных певчих для придворных богослужений и концертов; первым руководителем придворной капеллы стал священник Георг Златконя. На протяжении более 400 лет небольшой хор мальчиков существовал в составе придворной капеллы; некоторые из певчих стали в дальнейшем заметными музыкантами — прежде всего, композиторы Якобус Галлус, Франц Шуберт и Карл Целлер, дирижёры Ганс Рихтер и Феликс Мотль. В XVIII—XIX вв. численность хористов колебалась по большей части от 14 до 20, они выступали исключительно при императорском дворе.

ХХ век - время, когда технологии изменили мир. Музыка как неотъемлемая часть человеческой жизни также претерпела глобальные изменения. Композиторы опрокинули многие музыкальные правила прошлого и нашли новые, смелые темы и новые способы их выражения.Эти факторы привели к тому, что музыкальный язык симфонической музыки 20-го века становится сложным, и такая музыка теряет свою массовую аудиторию. Ее стали называть "серьезной", в противоположность появившейся в 20-м веке "легкой", эстрадной музыке.Музыка, признанная впоследствии классической, во все времена так или иначе вбирала в себя народное музыкальное творчество и, в свою очередь, оказывала влияние на профессиональную неакадемическую музыку. В XX веке многие композиторы работали одновременно в академических и неакадемических жанрах: это композиторы советской и пост-советской эпохи: Шостакович, Прокофьев, Кабалевский, Хачатурян, Щедрин, Свиридов, Губайдуллина, Денисов, Шнитке, Гаврилин и др…
Дмитрий Шостакович является автором не только симфоний, но и песен эстрадного характера; один из лучших современных симфонистов, Гия Канчели, для многих так и остался автором шлягера «Чито-гврито»; Андрею Петрову более широкую известность, нежели его симфонические сочинения, оперы и балеты, принесли песни и эстрадная музыка, в которых он использовал опыт работы в академических жанрах.
С другой стороны, оригинальные сочинения для кинематографа со временем стали классикой и прочно вошли в концертный репертуар, как музыка Сергея Прокофьева к фильмам «Александр Невский» и «Иван Грозный» или «Метель» Георгия Свиридова, изначально написанная для одноимённых фильмов.
Работал и Хачатурян в театре и кино; он написал музыку более чем к 20 кинофильмам широко известна его музыка к спектаклю Театра им. Вахтангова «Маскарад», созданная в 1941 году. Классикой стал и его танец с саблями из балета "Гаяне"
 

Концерт ансамбля Cordevento – это всегда своеобразное представление, наполненное импровизацией, юмором, блеском и отличающееся непревзойденным мастерством игры на инструментах эпохи барокко. Ансамбль( трио) `Кордевенто` был создан в 2006 году. Состав трио: Эрик Босграаф (блокфлейта), Изхар Элиас (гитара) и Алессандро Пьяну (клавесин).
Репертуар ансамбля включает в себя виртуозную музыку 17 века, которая являет собой искусство на грани профессиональной и народной музыки. Цель ансамбля – не только возродить эту традицию, но и сделать ее более доступной для современного слушателя, придать концерту атмосферу праздника, театрального действа, включая в процесс исполнения слушателей. Концерты ансамбля `Кордевенто` повсеместно вызывают восторженные отклики публики и превосходные отзывы прессы. Они неоднократно выступали на таких всемирно известных концертных площадках как Концерт Гебау в Амстердаме, Дворец Прекрасных Искусств в Брюсселе, Концерт Хаус в Берлине и на всемирно известном Фестивале Early Music в Утрехте. Все участники ансамбля являются неоднократными призерами Международных конкурсов и фестивалей. Мировым признанием отмечены их диски с записью музыки Вивальди и Баха, а также недавно выпущенный диск с испанской музыкой 17 века. В этом сообщении - концерт из произведений итальянского композитора эпохи Барокко - Андреа Фальконьери и соната Seхta Даниэля Персела


 

 Эдвард Григ.  Сюита "Пер Гюнт.

Великий норвежский композитор Эдвард Григ жил в конце XIX века. 
В 1875 году крупнейший норвежский драматург Генрик Ибсен предложил Григу написать музыку к театральной постановке пьесы «Пер Гюнт».
Есть такой жанр — прикладная музыка. Вы слышали прикладную музыку в любом фильме или театральном спектакле (не музыкальном). Она лишь аккомпанирует действию и часто не имеет самостоятельного значения. Вот такого типа музыку и заказал Григу Ибсен.
Когда великий музыкант берётся за сочинение прикладной, «второстепенной» музыки, она нередко выходит за рамки простого аккомпанемента и становится самостоятельным художественным произведением. Так и случилось с музыкой  Грига.

Комический балет "Тщетная предосторожность"

(Фрагменты.)

Основателем комедийного балета является Жан Доберваль- директор балетной труппы Парижской Королевской академии музыки. Персонажами его постановок стали не боги и древние герои, а представители народа, так называемого третьего сословия, самые простые люди с их недостатками и пороками, бытовой неустроенностью и без глобальных интересов и притязаний. Большую часть своих постановок Доберваль осуществил в балетной труппе музыкального театра Бордо, куда вскоре перебрался и где провинциальная публика благожелательно встречала его балеты о таких же простых людях, постоянно попадавших в комические ситуации и выходивших из них не при помощи высших сил или великих героев, а собственной находчивостью и веселостью, смекалкой и хитроватостью. Одним из таких его балетов стал двухактный балет «Тщетная предосторожность».

В театральном мире существуют разные легенды о зарождении сюжетной фабулы балета. Есть мнение, что Ж.Доберваль не сам придумал сюжет балета, а однажды подсмотрел эту вполне реальную, фактически произошедшую, историю в какой-то деревне. Балетмейстер, посмеявшись забавному случаю, решил воплотить его на сцене.

Опера А. С. Даргомыжского «Русалка»

Опера Даргомыжского — «Русалка» — стала значительным явлением в истории русской музыки — это первая русская опера в жанре бытовой психологической драмы. В ней автор воплотил одну из многочисленных версий легенды об обманутой девушке, превращённой в русалку и мстящей своему обидчику.

В основу сюжета легла неоконченная драма А. С. Пушкина, опубликованная после смерти поэта под названием «Русалка».
А. С. Даргомыжский начал работать над оперой со второй половины 40-х годов. Опера «Русалка» была окончена в 1855 г.
Премьера состоялась в мае 1856 года в Петербурге.
Отношение к опере было двойственным: аристократия — презрительно, демократически настроенные посетители театра — восторженно.

В середине декабря я посылала в сообщество пост о музыке эпохи Высокого Возрождения.  Хочу продолжить эту тему.   В этом сообщении - продолжение истории музыки, речь пойдет о музыке эпохи Барокко.

В конце 16 века композиторы начали раздвигать границы стилей эпохи Возрождения, на смену приходила эпоха Барокко со своими особенностями и новыми открытиями в музыке. Слово 'барокко' пришло из португальского языка и означает жемчужина неправильной формы, с итальянского языка это слово переводиться как странный, причудливый. Какими бы не были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западно-европейской цивилизации. Эпоха барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна быть неестественно бледной, в вычурной прическе, в тугом корсете и в огромной юбке, а мужчина в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен духами. В эпоху барокко произошел взрыв новых стилей в музыке. Дальнейшее ослабление политического контроля католической церкви в Европе, которое началось в эпоху Возрождения, позволило процветать не религиозной музыке. Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, что музыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров. Многие самые важные особенности классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко - концерт, соната, опера. Барокко - была эпохой когда идеи о том, какой должна быть музыка обрели свою форму, и эти музыкальные формы не потеряли актуальности и в сегодняшний день.

Несомненно, самым поэтичным инструментом современного оркестра может быть признана валторна. И это не случайно. Валторна или, как ее прежде называли, — рог, действительно звучит настолько обаятельно красиво, что она неизменно приковывает к себе внимание слушателя и невольно покоряет сердце композитора. Прародителем современной валторны был рог (Horn). С древних времен сигнал рога возвещал о начале сражения, в средние века и позже, - вплоть до начала 18 века, - он раздавался на охоте, состязаниях и торжественных придворных церемониях. В 17 веке охотничий рог стали изредка вводить в оперу, но лишь в следующем столетии он стал постоянным членом оркестра. И само название инструмента - валторна - напоминает о его прошлой роли: это слово происходит от немецкого "Waldhorn" - "лесной рог". По-чешски этот инструмент и сейчас называется лесным рогом. Металлическая трубка старинной валторны была очень длинной: в развернутом виде некоторые из них достигали 5м 90 см. Такой инструмент невозможно было держать в руках распрямленным; поэтому трубку валторны изогнули и придали ей изящную форму, похожую на раковину. Звук старинной валторны был очень красив, но инструмент оказался ограниченным в своих звуковых возможностях: на нем можно было извлечь лишь так называемый натуральный звукоряд, то есть те звуки, которые возникают от деления столба воздуха, заключенного в трубке. Как говорит предание, в 1753 году дрезденский валторнист Гампель случайно вложил руку в раструб и обнаружил, что строй валторны понизился. С тех пор этот прием стали широко применять. Звуки, полученные таким образом, называли закрытыми. Но они были глухими и сильно отличались от ярких открытых. Далеко не все композиторы рисковали часто обращаться к ним, удовлетворяясь обычно короткими, хорошо звучащими фанфарными мотивами, построенными на открытых звуках.

В 1830 году изобрели механизм вентилей - постоянную систему дополнительных трубок, позволяющих получать на валторне полную, хорошо звучащую хроматическую гамму. Через несколько десятилетий усовершенствованная валторна окончательно вытеснила старинную натуральную, которая в последний раз была применена Римским-Корсаковым в опере" Майская ночь" в 1878 году. Валторну считают самым поэтичным инструментом в группе медных духовых

  Адан.  Балет "Корсар." 

Корсар создали на основе поэмы Джорджа Гордона Байрона, которую он написал в 1814 году. Мировая премьера балета Корсар, в хореографической постановке Жозефа Мазилье состоялась больше века назад, в Парижской опере, в январе 1856 года. С тех пор кассовые сборы на этот балет были всегда довольно высоки. Балет пустился в путешествие по миру. Спустя два года его переносят в Россию и показывают в Санкт-Петербурге, на сцене Большого театра. Сначала балет принимает Жюль Перро, а позднее над Корсаром начинает работать Мариус Метипа. Работа по усовершенствованию балета продолжалась балетмейстером до конца его жизни. В конце концов, балет стал еще более зрелищным, нравился людям с разными вкусами и сочетал в себе большое разнообразие красивых танцев, интересный сюжет и великолепную постановку.

Адольф Адан – известный французский композитор является родоначальником этого балета, написавший музыку. В 1858 году, когда балет оказался в России, Цезарь Пуни внес  дополнения в музыкальное сопровождение и на петербургской сцене он был показан в обновленном варианте.

Безусловно, на протяжении такого долгого периода балет претерпел много изменений, но оставался любимым для миллионов зрителей и занимает достойное место в репертуаре многих театров.

Снегурочка. Музыка к спектаклю по пьесе А.Островского .

"Снегурочка" Чайковского стала его подлинным шедевром, одним из самых вдохновенных сочинений, наполненных светом, богатством красок, буйным цветением сказочных колоритных образов. Это сочинение - кульминация в творческом союзе великого композитора и великого русского драматурга. И, что самое примечательное, этот творческий союз состоялся по совершенно формальному поводу. В начале 1873 года Малый театр закрылся на капитальный ремонт. Все три труппы императорских московских театров, драматическая, оперная и балетная должны были выступать на сцене Большого театра. Понадобились спектакли, в которых все три труппы могли быть задействованы. С предложением сочинить такой спектакль Дирекция обратилась к А.Н.Островскому. Музыку же по личной просьбе драматурга заказали 33-летнему Чайковскому, молодому профессору Московской консерватории. Он уже начал свой композиторский путь как оперный композитор, был автором двух симфоний. "Снегурочка" стала на его творческом пути мостиком от первых композиторских опытов и гениальных прозрений к "Лебединому озеру", "Евгению Онегину".

В качестве сюжета "Снегурочки" Островский разработал и развил известную русскую народную сказку. Правда, Островский изложил известный сюжет не просто как поучительную притчу, а с огромным философским подтекстом. Как кредо драматурга звучит начало монолога царя Берендея: "Полна чудес могучая природа!". А вслед драматургу вторили хоры - гимны Чайковского великой и могучей силе природы, чистой и бесстрашной, самозабвенной любви девочки-Снегурочки, её чистоте и самопожертвованию.
И Островский, и Чайковский работали с огромным энтузиазмом и увлечением, постоянно общались, обменивались написанным, обсуждали сделанное. Островский выступал в роли заинтересованного заказчика, постоянно предлагал композитору для использования те или иные русские народные песни, наигрыши. Как признавался сам Чайковский, ему пьеса Островского так нравилась, что он без всяких усилий сочинил всю музыку за три недели.
На премьере дирижировал Н.Г.Рубинштейн. Участвовали знаменитые русские драматические актеры и певцы, хор и оркестр Большого театра.
о жизнь на сцене совместного творения Островского-Чайковского была недолгой. Спектакль вскоре перестал идти. А ставить в других театрах его было практически невозможно: ведь для его исполнения требовались огромные силы, которых не было в драматическом театре, а драматические актеры отсутствовали в оперных театрах. Музыка Чайковского постепенно стала звучать как самостоятельные музыкальные фрагменты на концертной эстраде, что продолжается и по сей день.
 

П. Е. Вайдман

Если есть искусство способное покорить без исключения сердце каждого, проникнуть в душу, наполнить её радостью, сопереживанием, заставить ликовать или плакать, захватив при этом весь зрительный зал – то это искусство балет.
Классический русский балет — это не только известные балерины , танцовщики, но и композиторы, писавшие специально для русского балета . По сей день, по всему миру российские балерины считаются лучшими, самыми стройными, выносливыми, работоспособными.

Ульяна Лопаткина – известная прима-балерина Мариинского театра. Вдохновленная творчеством Г.Улановой и М.Плисецкой, она навсегда связала свою жизнь с балетом и поступила в хореографическое училище. Однако, при поступлении ей дали весьма скромную оценку. Полностью она раскрылась в предвыпускном классе. Все увидели в ее танце не только безупречное техническое владение танцем, но и характер, изящество, изюминку. Талант или плоды огромной работы? Позднее, в одном из своих интервью, она признается: «Звездами не рождаются!», значит, все-таки, трудолюбие и воля определяют успех. Так и есть на самом деле. Ульяна Лопаткина – очень трудолюбивая ученица, только эта способность позволили ей стать настоящим виртуозом в балете.

Ульяна Лопаткина – статная балерина с индивидуальным стилем исполнения и с определенным отношением к герою, публике, себе. Может быть, поэтому у нее сейчас находится медальон Марии Тальони, находившийся на хранении у великой Галины Улановой и переданный Ульяне Лопаткиной, согласно завещанию.

Эпоха Высокого Возрождения.

(Из истории итальянской музыки с 1500 г.)

Эпоха Возрождения является периодом перемен во всех областях искусства - живописи, архитектуре, скульптуре, музыке. Этот период ознаменовал переход от средневековья к современности. Период между 1500 и 1600, называемый Высоким Возрождением, является наиболее революционным периодом в истории европейской музыки, это век, в котором была разработана гармония и родилась опера.

В 16 веке впервые распространилось нотопечатанье, в 1501 году венецианский книгопечатник Оттавиано Петруччи издал "Harmonice Musices Odhecaton" - первый крупный сборник светской музыки. Это была революция в распространении музыки, а также способствовало тому, что франко-фламандский стиль стал доминирующим музыкальным языком Европы в следующем столетии, поскольку будучи итальянцем Петруччи в свой сборник, главным образом, включил музыку франко-фламандских композиторов. Впоследствии он опубликовал множество произведений и итальянских композиторов, как светских, так и духовных.
 Италия становится центром создания клавесинов и скрипок. Открывается множество мастерских по созданию скрипок. Одним из первых мастеров был знаменитый Андреа Амати из Кремоны, положивший начало династии скрипичных мастеров. Он внес существенные изменения в конструкцию существовавших скрипок, что улучшило звучание, и приблизил её к современному виду.
Франческо Канова да Милано (1497 - 1543) - выдающийся итальянский лютнист и композитор эпохи Ренессанса, создал репутацию Италии как страны виртуозных музыкантов. Он до сих пор считается лучшим лютнистом всех времён. После упадка конца средневековья музыка стала важным элементом культуры.

Балет "Ромео и Джульетта" С.Прокофьева

Осенью 1938 года дирекция Кировского театра предложила Леониду Лавровскому ознакомиться с уже законченным клавиром балета «Ромео и Джульетта», написанного Прокофьевым. Из воспоминаний самого балетмейстера, это предложение он встретил с огромным волнением… и процитировал слова Виктора Гюго: «Шекспир — это жизнь и смерть, холод и жар, ангел и демон, земля и небо, мелодия и гармония, дух и плоть, великое и малое… но всегда истина». О своей работе в 1938 году Леонид Лавровский написал так:
«В создании хореографического образа спектакля я шёл от идеи противопоставления мира средневековья миру Возрождения, столкновения двух систем мышления, культуры, миропонимания. Это и определило архитектонику и композицию спектакля. Необходимо было поставить перед композитором вопрос о ряде изменений в музыкальной структуре балета, и переделать либретто. В результате большой совместной работы, появилась музыкально-драматургическая канва спектакля…
По словам Львова-Анохина, готовясь к постановке спектакля, Леонид Лавровский изучал произведения мастеров раннего итальянского Возрождения в Эрмитаже. Читая средневековые романы, он нашёл материал по танцам эпохи, так и родился знаменитый «Танец с подушками».
Так он описывал сцены из спектакля:
В сцене последней встречи Ромео и Джульетты восходит солнце, поёт жаворонок, напоминающий о наступлении утра и о том, что Ромео должен покинуть Верону, расстаться с Джульеттой. Но в музыке Прокофьева мы не слышим никакого намёка на утро, на нежный пробуждающий день. В оркестре звучит бас, кларнет и фагот, которые отнюдь не передают пение жаворонка. Репетиция „пошла“, когда артистам удалось увидеть сцену „глазами Прокофьева“, они поняли, что композитору важно было обрисовать не „утро“ и не „жаворонка“, а ощущение тревоги, горечи, любви и боли разлуки.


"Ромео и Джульетта"

 К концу XVIII века в Вене сложилось удивительное духовное сообщество музыкантов, получившее впоследствии название "венской классической школы". К ней обычно причисляют трех великих мастеров: Гайдна, Моцарта и Бетховена. Глюка, который вообще относился к другому поколению: он был на 42 года старше Моцарта и на 56 - Бетховена, по стилю и направленности его творчества можно также приобщить к этой группе. Классицизм венских композиторов не имел ничего общего с чинным придворным искусством. Это был классицизм, проникнутый вольнодумством, самоиронией и духом терпимости. Едва ли не главные свойства этой музыки - бодрость и веселость, основанные на вере в конечное торжество добра. Бог никуда не уходит из этой музыки, но центром ее становится человек.