Название «Английский рожок» до сих пор является загадкой, и вызывает много споров и догадок у музыкантов и музыкальных историков. Ниже перечислены несколько версий интерпретации названия английского рожка.

По видимому слово «рожок» говорит нам о ссылке на первоначально дугообразную форму инструментов ранних гобоев теноров и особенно гобоя da caccia, которые использовались в качестве инструментов сопровождавших охоту. Имя прилагательное - «Английский» - вероятно результат лингвистической деформации слова, которая образовалась от исходного французского словосочетания " cor angle " (угловатый рожок, согнутый под углом рог) и преобразовалась в «cor anglais» (английский рожок).
Другая версия: французы, назвав новый инструмент «Английским» указывали на его якобы иностранное (английское) происхождение, чем хотели привлечь внимание публики и композиторов к новому инструменту.
Третья версия гласит о том, что если современный английский рожок, был развит в Силезии - исторической области Центральной Европы (современные Польша, Чехия и Германия), то название инструмента скорее всего имеет немецкие корни, а на немецком языке слово engelisch имеет два значения: первое религиозное: еnglische - ангельский (der Englische Gru - ангельское приветствие, молитва); и второе разговорное: еnglische - английский (английский язык).
В результате всего перечисленного следует, что название инструмента может звучать как «Английский рожок», «Ангельский рожок» или «Угловатый рожок». Самостоятельные партии для английского рожка начали появляться с 1740-х годов. Одним из первых композиторов, использовавших этот инструмент, был Глюк, в том числе в опере «Орфей и Эвридика». В симфонической музыке английский рожок появился впервые у Гайдна. Среди других композиторов, писавших для английского рожка во второй половине XVIII века, ― Йозеф Штарцер и Михаэль Гайдн, а также сами исполнители ― Йозеф Фиала, Игнац Мальцат и др.
Одним из наиболее выдающихся исполнителей на английском рожке в XVIII веке был Филипп Таймер, младший из трёх братьев, игравших на гобое. Для их трио написан ряд произведений композиторов-современников, в том числе, возможно, Трио, op. 87, Бетховена. Другим известным исполнителем был Джузеппе Ферлендис, игравший на инструментах работы венецианского мастера Андреа Форнари.

Георг Отс... Человек-легенда. Прекрасный, бархатный баритон, проникающий прямо в душу. Красивый, обаятельный мужчина. Талантливый актер. Его искусство было необыкновенно одухотворенным и гармоничным. Немногие артисты, подобно ему, с равным успехом пели в опере, оперетте и на концертной сцене. При всей своей многогранности Отс был поразительно цельным художником, с какой-то врожденной естественностью он переходил из одного жанра в другой, всегда оставаясь самим собой.

Три Государственные премии, орден Ленина и почетное звание народного артиста СССР. Причиной столь безусловного признания послужила, прежде всего, масштабность и глубина дарования художника, его широкий жанровый диапазон.
Георг Отс одинаково серьезно относился к своим выступлениям и в опере, и на эстраде. Он говорил, что при смене жанров забывал свое бытие в первом и целиком концентрировался на задачах второго. На оперной сцене это был прежде всего поющий артист, способный создать яркий сценический образ. Выступление на эстраде, в обычном костюме, без декораций и грима, требовало иных изобразительных средств: здесь поза, мимика и жесты Отса были выдержаны в полутонах, нюансы едва заметны, главное — текст и музыка.
Когда Отс был уже народным артистом, его спросили: "Вам, наверное, забавно видеть, как нервничают дебютанты, Вы ведь чувствуете себя на сцене словно рыба в воде?" "Ничего подобного, - ответил Отс совершенно серьезно, - я волнуюсь перед каждым выходом, иной раз до того переживаю, что становлюсь чуть ли не больным". В исполнительской манере Отса не было ничего деланного, он не стремился ошеломить зрителя блеском своих вокальных возможностей, не допуская ни малейших излишеств, а был сосредоточен на проникновении в глубину, в суть содержания исполняемого произведения.
Высокое мастерство Отса явилось одним из секретов творческого долголетия артиста. Не поражая слушателей особыми эффектами, его пение было настолько проникновенным, так сильно подкупало, было столь убедительным, что мало, кто мог остаться равнодушным, услышав голос этого выдающегося певца. Талант такого рода выходит за временные рамки и становится объектом восхищения для нескольких поколений слушателей.
Георг Отс писал: "Я буду счастлив, если хотя бы один человек, слушая мои песни, испытает потребность сделать что-нибудь полезное и доброе людям. Пусть всегда будет солнце!"

Вебер. Балет "Видение розы"

В 1910 году Дягилев, организатор Русских сезонов в Париже, объявил комитету Сезонов о своем намерении сформировать постоянную труппу «Русский балет». Ее балетмейстером был назначен М. Фокин, в 1898 году окончивший Петербургское театральное училище по классу Н. Лerapa и быстро завоевавший огромный авторитет. Фокин сразу же стал формировать репертуар, отличавшийся оригинальностью и новаторскими решениями. В него вошли, в частности, ранее поставленные им «Карнавал», «Половецкие пляски» и «Шехеразада». Для премьера труппы Вацлава Нижинского, отличавшегося удивительной пластикой, поэт Жан-Луи Воудайе предложил создать балет на тему стихотворения Теофиля Готье 

У Раневской  спросили, любит ли она Рихарда Штрауса, и услышали в ответ: -как Рихарда я люблю Вагнера, а как Штрауса - Иоганна.

Из афоризмов Фаины  Георгиевны Раневской.

По Вагнеру, музыкальная драма — произведение, в котором осуществляется романтическая идея синтеза искусств (музыки и драмы), выражение программности в опере. Для осуществления этого замысла Вагнер отказался от традиций существовавших на тот момент оперных форм — в первую очередь, итальянской и французской. Первую он критиковал за излишества, вторую — за пышность. С яростной критикой он обрушился на произведения ведущих представителей классической оперы (Россини, Мейербер, Верди, Обер), называя их музыку «засахаренной скукой».

Стараясь приблизить оперу к жизни, он пришёл к идее сквозного драматургического развития — от начала до конца не только одного акта, но и всего произведения и даже цикла произведений (все четыре оперы цикла «Кольцо нибелунга»). В классической опере Верди и Россини отдельные номера (арии, дуэты, ансамбли с хорами) делят единое музыкальное движение на фрагменты. Вагнер же полностью отказался от них в пользу больших сквозных вокально-симфонических сцен, перетекающих одна в другую, а арии и дуэты заменил на драматические монологи и диалоги. Увертюры Вагнер заменил прелюдиями — короткими музыкальными вступлениями к каждому акту, на смысловом уровне неразрывно связанными с действием. Причём, начиная с оперы «Лоэнгрин», эти прелюдии исполнялись не до открытия занавеса, а уже при открытой сцене.

Википедия.

Концерт для колоратурного сопрано с оркестром. Создан в 1943 году. Шла вторая мировая война. Тем неожиданнее появление этого нежного, необычайно красивого, воздушного сочинения. Даже, если Глиэр не написал бы более ни одного сочинения, Концерта было бы достаточно, чтобы войти в историю мирового музыкального искусства. По сегодняшний день Концерт для голоса Глиэра остается редчайшим раритетным сочинением. Он крайне сложен для исполнительниц. И не только в силу технических трудностей, но и потому, что техника здесь носит подчеркнуто вторичный характер, оставаясь при этом невероятно сложной для исполнительниц. На первом плане – открытая чистая душа, великая красота музыки. Именно это и делает Концерт сочинением, исполнение которого доступно только безупречным в техническом плане колоратурным сопрано и безупречным в интерпретационных нюансах певицам мирового класса.
Малейший сбой, малейшее несоответствие и происходит то, что очень точно и безжалостно описано в рецензии на концерт известной сильной американской певицы Лоры Клейкомб: «По всему видно: не надо было ей браться за Концерт для голоса с оркестром Глиэра – практически уникальный в мировой оперной литературе вокализ такой удивительной красоты и такой невероятной сложности! В результате его исполнение превратилось в настоящую пытку и для певицы, и для слушателей. Но видит Бог, ни Российский национальный оркестр, ни Максим Венгеров, стоявший в тот вечер за его дирижерским пультом абсолютно не виноваты в этой непредвиденной «вокальной некондиции»… Игорь Корябин (Belcanto.ru). 19 сентября 2010 года.
Первое исполнение Концерта Глиэр доверил Надежде Казанцевой, которая впоследствии спела его с различными дирижерами и оркестрами более шестидесяти раз.

www.classic-online.ru

Каждое искусство говорит на своем языке. Музыкa — язык звуков и интонаций — отличается особой эмоциональной глубиной. Именно эта эмоциональная сторона содержания классической музыки ощущается слушателем в первую очередь. Классическая музыка замечательно точно рисует и человеческие характеры, обладает яркими звуковыми и изобразительными возможностями. Она несет в себе целостное миросозерцание. Целостное, каждый раз своеобразное мировоззрение пронизывает классическую музыку всех великих композиторов. Маленький ребенок, начиная свое знакомство с шедеврами классической музыки с относительно простых мелодий, пробуждающих в нем чувство радости, стремления двигаться, улыбаться, незаметно для себя оказывается на пути, который приведет его к пониманию всего лучшего, что передумало и пережило человечество. Пройти этот путь человеку позволяет тесная связь классической музыки с жизнью, с другими видами искусства.

Патетическая соната» (№ 8) написана Бетховеном в 1798 году. Заглавие «Большая патетическая соната» принадлежит самому композитору. «Патетическая» (от греческого слова «pathos» — «пафос») означает «с приподнятым, возвышенным настроением». Это название относится ко всем трем частям сонаты, хотя «приподнятость» эта выражена в каждой части по-разному.

Первая часть «Патетической сонаты» написана в быстром темпе и наиболее напряженна по своему звучанию. Обычна и ее форма сонатного аллегро.
Необычно уже начало сонаты. Музыке в быстром темпе предшествует медленное вступление. Мрачно и вместе с тем торжественно звучат тяжелые аккорды. Из нижнего регистра звуковая лавина постепенно движется вверх. Все настойчивее звучат грозные вопросы:
Им отвечает нежная, певучая, с оттенком мольбы мелодия, звучащая на фоне спокойных аккордов:
Начинается стремительное сонатное аллегро. Главная партия напоминает бурно вздымающиеся волны. На фоне беспокойного движения баса тревожно взбегает и опускается мелодия верхнего голоса:

Интересные факты об операх.

Название жанра «опера» восходит к латинскому «опус» или «работа». Словосочетание «мыльная опера» впервые появилось в 1939 году в качестве издевательского названия для дневных развлекательных радиопередач, которые спонсировались

производителями мыла.

В XVIII веке в «opera seria» (серьезная опера), главным певцам приходилось стоять в третьей балетной позиции, с согнутыми дугой коленями и сведенными вместе пятками. Одна из лодыжек в этом положении должна была находиться слегка впереди другой. Они находились в этой позиции до конца песни.

В течение 17 века, женщинам не разрешалось петь на сцене, даже в хоре. Партии сопрано, меццо и альт исполнялись кастратами. Первым из великих кастратов (castrati) был Бальдассаре Ферри (1610-1680). Он был настолько знаменит, что люди встречали его за три километра от города и заполняли его экипаж цветами.

Сочинители оперы иногда нанимали группу людей для поддержки собственных произведений или для подвергания обструкции работ своих конкурентов. Эта группа называлась «клака» и была вполне обычной на европейских оперных спектаклях.

Первое представление оперы Пуччини «Мадам Баттерфляй» было одним из самых больших провалов всех времен. Публика издавала крики птиц, мычание овец и блеяние коз. Тем не менее, со временем «Мадам Баттерфляй» стала одной из самых знаменитых опер в истории жанра.

После того как Папа Иннокентий 12 (1615-1700) услышал о скандальном поведении публики на опере в Tor di Nona (в одном из районов Рима), он объявил оперный театр аморальным и велел сжечь его дотла.

Алесса́ндро Калио́стро, граф Калиостро, настоящее имя — Джузе́ппе Джова́нни Бати̒ста Винче́нцо Пье́тро Анто́нио Матте́о Франко Ба́льсамо; (2 июня 1743, Палермо — 26 августа 1795, замок Сан-Лео, Эмилия-Романья, Римини, Италия) — итальянский мистик и авантюрист, называвший себя разными именами. Во Франции также был известен как Жозе́ф Бальзамо́ .

Джузеппе Бальсамо (Калиостро) родился предположительно 2 июня 1743 года в семье мелкого торговца сукном Пьетро Бальсамо и Фелиции Браконьери. В детстве будущий алхимик был непоседлив и склонен к авантюрам, больше интересовался фокусами и чревовещанием, чем науками. Из школы при церкви святого Рокка его выгнали за богохульство. Для перевоспитания мать отправила его в бенедиктинский монастырь в городе Кальтаджироне. Один из монахов — аптекарь, сведущий в химии и медицине, — заметив склонность юного Джузеппе к химическим исследованиям, взял его к себе в ученики. Но обучение длилось недолго — Джузеппе Бальсамо уличили в мошенничестве и изгнали из монастыря. Впрочем, сам он утверждал, что долго изучал в монастырской библиотеке древние книги по химии, лекарственным травам и астрономии. Вернувшись в Палермо, Джузеппе занялся изготовлением «чудодейственных» снадобий, подделкой документов и продажей простакам якобы старинных карт с указанными на них местами, где спрятаны клады. После нескольких таких историй ему пришлось покинуть родные края и отправиться в Мессину. По одной из версий, именно там Джузеппе Бальсамо превратился в графа Калиостро. После смерти его тетки из Мессины — Винченцы Калиостро, — Джузеппе взял её благозвучное фамильное имя, а заодно наградил себя и графским титулом.

Калиостро много путешествовал, возможно, владел гипнозом (искусством «животного магнетизма»), знал химию настолько, чтобы успешно одурачивать современников. Например, он чертил на полу «магический круг», который начинал светиться таинственным зеленоватым светом, хотя секрет был прост – Бальсамо применял фосфор. На глазах у пораженной публики он во много раз «увеличивал» бриллианты, ловко заменяя настоящие камни на граненые стекляшки. В книге «От магов древности до иллюзионистов наших дней» А. А. Вадимов и М. А. Тривас рассматривают Калиостро прежде всего как талантливого иллюзиониста, творящего «чудеса» в корыстных целях.
«Женщины не могли оставаться равнодушными, видя, с какой легкостью он превращал пеньковую мешковину в драгоценный шелк (трюк из репертуара средневековых ярмарочных фокусников). Он показывал сосуд с магической жидкостью и опускал в него до половины гвоздь, обыкновенный большой железный гвоздь, выбранный одним из зрителей из груды точно таких же, – пишут Вадимов и Тривас. – Несколько таинственных заклинаний – и та часть гвоздя, которая была опущена в жидкость, становилась золотой.

Знатоки мифологии называют легенду об Орфее одним из самых древних мифов в истории человечества. Она родилась во Фракии. Население фракийского побережья славилось своими легендами, оказавшими плодотворное влияние на мир фантазии греков и подарившими человечеству в числе других и миф об Орфее, говорящий многое и о многом. Орфей, — так гласит старинное предание, — своей нежной лютней и чарующим пением покоряет сердце прекрасной Эвридики, которая становится подругой его жизни. Но молодую женщину кусает змея, и она умирает. Смолкает чудесная лютня скорбящего Орфея, песнь его больше не завораживает людей, она не взывает больше ни к диким зверям, ни к деревьям, ни к цветам. А ведь раньше искусство Орфея не только разгоняло плохое настроение людей, но укрощало свирепых зверей, очаровывало деревья и даже приводило в движение скалы. В живой природе никто и ничто не могло устоять против его чарующей музыки. Но теперь его лютня нема, безмерны его уста. Мир, казалось, вымер, ведь музыка покинула его.

Вебер по справедливости считается чисто германским композитором, глубоко понимавшим склад национальной музыки и доведший немецкую мелодию до высокого художественного совершенства. Он в течение всей своей деятельности остался верен национальному направлению, и в его операх лежит тот фундамент, на котором Вагнер построил «Тангейзера» и «Лоэнгрина». . Вебер является блестящим представителем романтического оперного направления, которое в двадцатых годах XIX столетия было в такой силе и которое в позднейшее время нашло последователя в Вагнере.
Даровитость Вебера бьёт ключом в его трёх последних операх: «Вольном стрелке», «Эврианте» и «Обероне». Она чрезвычайно разнообразна. Драматические моменты, любовные, тонкие черты музыкального выражения, фантастический элемент — все было доступно широкому дарованию композитора. Самые различные образы очерчены этим музыкальным поэтом с большой чуткостью, редким выражением, с большой мелодичностью. Патриот в душе, он не только разрабатывал народные мелодии, но и создавал свои в чисто народном духе. Изредка его вокальная мелодия в скором темпе страдает некоторой инструментальностью: она как будто написана не для голоса, а для инструмента, которому технические трудности более доступны.

Владимир Спиваков

Родился 12 сентября 1944 года в местечке Черниковск Башкирской АССР, сейчас вошедшем в состав города Уфы. Мать – Екатерина Осиповна Вайнтрауб, пианистка, окончила Ленинградскую консерваторию и всю жизнь концертировала. Отец, Теодор Владимирович Спиваков, по специальности инженер-технолог, ушел добровольцем на фронт и был тяжело ранен. От родителей – отца-фронтовика и матери-блокадницы – Спиваков с детства воспринял дух жертвования и помощи страждущим.
После окончания войны семья переехала в Ленинград. Первыми музыкальными впечатлениями мальчика была игра матери на фортепиано. С шести лет Володя начал учиться на скрипке у Б.Э.Крюгера. Поступил сначала в районную музыкальную школу, затем, в 1955 году, – в среднюю специальную музыкальную школу при Ленинградской консерватории. . В целях самозащиты начал заниматься боксом, получив впоследствии 2-й разряд.
В 1957 году 13-летний скрипач впервые принял участие в конкурсе, на ленинградском фестивале «Белые ночи», где получил первую премию. Далее, еще учась в музыкальной школе при консерватории, Спиваков выступил на Всероссийском конкурсе юных исполнителей. Его способности были замечены, и ему предложили перевестись для продолжения учебы в Москву. Не закончив школы при Ленинградской консерватории, в 1961 году Спиваков зачисляется как скрипач в Центральную среднюю специальную музыкальную школу при Московской консерватории, в класс Ю.И.Янкелевича.
В 1963 году Владимир Спиваков поступает в Московскую государственную консерваторию им. П.И.Чайковского по скрипке в класс Ю.И.Янкелевича, своего прежнего педагога.1965 год. Студент 3-го курса Владимир Спиваков выступает на первом зарубежном состязании – Международном конкурсе скрипачей и пианистов имени М.Лонг и Ж. Тибо в Париже и занимает третье место, получив звание лауреата.

Русская балалайка..

Русская балалайка! Это - загадочный инструмент. Когда она играет, то создается какой то особый дух, как писал Пушкин: "Там русский дух, там Русью пахнет". Такое впечатление, что в ней есть душа. Когда слушаешь балалайку,то перед глазами рисуется тихий теплый вечер где-то на берегу речки и поневоле вспоминаются слова из песни: " как упоительны в России вечера". Интересна и история балалайки.

История появления балалайки уходит корнями в глубину веков. Правда, здесь имеются некоторые неточности, так как существует множество документов и сведений о появлении этого инструмента. Одни считают, что балалайку придумали на Руси, другие уверены, что она произошла от киргизского народного инструмента – домбры.
Есть еще одна интересная версия, что балалайку придумали во времена татарского владычества. И что заимствовали ее у татар. Сложно назвать и точную дату происхождения этого инструмента. Это еще один спорный вопрос. Считается, что этот музыкальный инструмент появился в 1715 году, но есть и более ранние упоминания о балалайке, датированные 1688 годом.
Вероятнее всего, балалайку придумали крепостные, чтобы скрасить свою жизнь. Вскоре балалайка распространилась среди скоморохов и крестьян, которые разъезжали по нашей огромной стране. Скоморохи веселили народ на ярмарках, зарабатывая себе на пропитание и на выпивку, и даже не задумывались, что они играют на необычном инструменте. Но, великий князь русский, своим указом повелел собрать и сжечь все инструменты, а тех, кто не подчинится его указу, высечь и отправить в Малороссию. После смерти царя, о запрете постепенно забыли, и балалайка снова заиграла по стране, но опять ненадолго. Популярность сменилась практически полным забвением вплоть до XIX века.

О музыке Берлиоза

Что сказал Берлиоз своей музыкой? - ничего; но как потрясающе он это сказал.
Джеймс Хьюнекер)
 

Композитор, дирижер, критик, Берлиоз во всех сферах музыкальной деятельности с молодых лет находился в конфликте с окружающим миром и никогда не знал покоя. Его дерзкое новаторство встречало насмешки, непонимание и, несмотря на поддержку передовых музыкантов, так и не получило настоящего признания прежде всего на его родине, во Франции. Кумиры Берлиоза типичны для романтиков. Первый из них — Бетховен. Однако для французского композитора даже это оказалось вызовом общепринятым вкусам: ведь первое знакомство Парижа с симфониями Бетховена через год после смерти автора вызвало недоумение, неприятие и даже возмущение. Берлиоз пропагандировал творчество Бетховена как дирижер и критик и вместе с Листом дал благотворительный концерт в фонд памятника Бетховену в его родном Бонне.
Цитаты
Бог- это Бог, а Бах - это Бах.
У меня хватает скромности признавать, что нескромность — один из моих недостатков.
Время — великолепный учитель, но, к сожалению, оно убивает своих учеников.
Мало счастья иметь талант. Надо ещё, чтобы талант имел счастье>
Надо собирать камни, которые в вас бросают. Это основание будущего пьедестала.
Ах! Как талантлив буду я завтра!
К сожалению, должен сказать, что вы не обладаете минимальными музыкальными способностями. Пока не поздно избрать другую профессию, (начинающему композитору, попросившему оценить его сочинения).Сказать по правде, когда я был в вашем возрасте, мой профессор говорил мне то же, что я сейчас.
Во Франции все обожают музыку, но никто ее не любит.

А.Моцарт. Второй скрипичный концерт. 

"Моцарт – это молодость музыки, это вечно юный родник, несущий человечеству радость весеннего обновления и душевной гармонии. Бездонная глубина его человечнейших образов, поразительная смелость его новаторских открытий, двинувших на десятилетия вперёд музыкальное искусство, совершенная гармоничность и стройность формы – вот сила Моцарта, вот величие его искусства, не увядаемого в веках. Вот почему
мы так горячо, так нежно любим этого удивительного композитора".

Моцарт. Второй скрипичный концерт.

Возникший в Польше около 15 века ,полонез был исключительно свадебным танцем. Затем несколько видоизменившись стал народным .К концу 16 века произошло первое знакомство с полонезом в Западной Европе, а  в 17 веке он стал популярен  и во всей  Европе. В России этот танец был известен еще в допетровские времена.С середины правления Екатерины 2 популярность танца увеличивается, он получает повсеместное распространение и становится как торжественный танец- шествие в умеренном темпе. Как правило исполнялся в начале балов, подчеркивая торжественный возвышенный характер праздника.

ДВОРЖАК, АНТОНИН (Dvoбk, Antonнn) (1841–1904), крупнейший чешский композитор 19 в. Дворжак родился 8 сентября 1841 в деревне Нелагозевес (под Прагой) в семье мясника, владельца постоялого двора. Хотя мальчику было предназначено продолжать отцовское дело, он усердно занимался игрой на скрипке и в возрасте 16 лет отправился в Прагу с целью продолжить музыкальное образование. Там он зарабатывал на жизнь игрой в городских оркестрах. В конце концов он получил место альтиста в оркестре Чешского национального театра, которым руководил известный композитор Б.Сметана. В 1875 благодаря содействию И.Брамса Дворжаку удалось получить государственную стипендию; Брамс помог молодому композитору и в публикации его сочинений у известного венского издателя Зимрока. Вскоре Дворжак завоевал достаточно широкую известность: его неоднократно приглашали с концертами в Англию, а в 1892 он стал директором Национальной консерватории в Нью-Йорке и занимал этот пост в течение трех лет. Однако тоска по родине заставила Дворжака вернуться в Прагу, где он возглавил местную консерваторию в 1901.  Кульминационным в творческом отношении стали для композитора три

50-е  годы  20-го века. Годы моего детства. Как раз в эти годы у нас в стране был очень популярен духовой оркестр. В выходные дни люди ходили в городской парк развлечься и отдохнуть от трудовых будней .В парке обязательно был фонтан, павильон с читальным залом, киоски, где продавали мороженое и газированную воду с сиропом и обязательно танцевальная площадка, где играл духовой оркестр.Танцующих всегда было много. Люди танцевали не только на площадке, но просто на аллеях парка, где тоже играл духовой оркестр. Оркестр играл танго, фокстрот и конечно же вальс. В то время вальс танцевали все. Все таки это очень красивый и радостный танец и всегда приятная музыка. Под звуки вальса ноги сами начинают танцевать. Предлагаю послушать замечательные старинные вальсы, под которые танцевали наши родители. 

Вальс "Дунайские волны"

Вальс «Дунайские волны» был написан румынским композитором сербского происхождения Иосифом Ивановичем в 1880 г., это одна из наиболее известных и знаменитых румынских мелодий в мире. Иванович написал вальс в г. Галац (на р. Дунай), где занимал должность капельмейстера духового оркестра 6-го румынского пехотного полка. Вальс был впервые опубликован в Бухаресте в 1880 г. с посвящением жене музыкального издателя Константина ГебауэраЭмме.

Вальс "Осенний сон"

Вальс Арчибальда Джойса, опубликованный в 1908 году. На Западе особенно известен тем обстоятельством, что, возможно, именно его играл оркестр тонувшего «Титаника». Историю вальса и его русского текста исследовал Ю. Е. Бирюков. Обычно относимый к условной категории старинных, он утратил связь со страной происхождения и конкретным автором.

Случайный вальс.

Музыка композитора Марка Фрадкина на стихи Евгения Долматовского

9мая 2012 года, полдень, Рязань, пл. Ленина. "Вальс Победы. Весна 45-го года" - проект Школы танцев Губернского бала и Управления культуры г. Рязани.

Вальс был написан Максом Авельевичем Кюссом в 1909 году, в период его службы капельмейстером 11-го Восточно-Сибирского полка, расквартированного во Владивостоке с 1906 года. Считается, что вальс посвящён дальневосточной общественной деятельнице Вере Яковлевне Кирилленко, в которую, как утверждают некоторые источники, композитор был влюблён. Изначально вальс назывался "Волны Амурского залива". Именно на берегу Амурского залива находится Владивосток. Потом залив выпал из названия, и вальс стал ассоциироваться с рекой Амур. 

Ш.Гуно.Фауст. Арии Маргариты, Мефистофеля и балетные сцены,, Вальпургиева ночь,,

Фауст- опера Шарля Гуно, написана на сюжет трагедии Гете ,, Фауст. Первая постановка оперы состоялась в 1859г в Париже. Сначала она не имела успеха. Постановщик оперы настоял на некотором сокращении и введении балетных сцен.    С тех пор опера стала часто исполняемой в течении многих лет. Много лет назад мне посчастливилось слушать ее в театре. Опера понравилась, но особенно мне запомнились арии и балетные сцены. В этих сценах танцевали самые знаменитые балерины, Майя Плисецкая,Екатерина Максимова, Наедежда Павлова. В этих сценах прекрасная музыка и замечательная хореография.