27 января 2016 года исполняется 175 лет со дня рождения мастера пейзажной живописи Архипа Куинджи. Художник родился в Мариуполе, в семье греческого сапожника. Дважды в начале 1860-х годов он неудачно пытался поступить в Петербургскую Академию художеств и лишь в 1868 году стал вольнослушателем. На его первые работы оказал влияние великий маринист Айвазовский. Ранние работы Куинджи написаны в духе классических передвижников, однако, в 1876 году он резко изменил свою манеру живописи, представив зрителям картину «Украинская ночь», в которой использовались необычные световые эффекты и интенсивные тона красок. Буквально каждая последующая его работа становились сенсацией. Критики обвиняли Куинджи в однообразии, злоупотреблении особым освещением при подаче картин и стремлении к чрезмерной эффектности.

http://www.aif.ru/culture/gallery/shedevry_peyzazh...isi_arhipa_kuindzhi#id=8449770

К сожалению, настоящие потрясающие краски картин репродукции не передают. Картины надо смотреть "живьём" в музее.

Мексиканская художница Фрида Кало — женщина со сложной судьбой, горькой любовью и жаждой жизни — вопреки всему.
В «голубом доме» — музее Фриды Кало в Мексике — можно увидеть ее рабочее место: стол, кисти, краски, зеркало. «Все ее картины — селфи» — шутят туристы, поскольку большинство ее произведений — автопортреты.

Ее творчество — это ее дневник, где художница, совершенно не стесняясь, практически выворачивает душу наизнанку.

В автопортретах Фриды — непрекращающаяся боль в позвоночнике, предательство мужа, прославленного художника Диего Риверы (который не просто постоянно изменял Фриде, но даже умудрился изменить ей с ее же сестрой), невозможность стать матерью (из-за слабого здоровья все ее беременности заканчивались выкидышами или абортами), потеря ноги и ощущение близости смерти. Тем не менее, люди, знающие Фриду, вспоминают: человека, более влюбленного в жизнь, в мире нужно было поискать.

В 6 лет Фрида перенесла полиомиелит, из-за чего одна нога стала короче другой, появилась хромота. Но Кало твердо решила доказать, что ничем не хуже других: не смотря на постоянную ноющую боль, она занималась боксом, футболом и плаванием. В повседневной жизни прятала ноги в длинные юбки.



В 15 лет прошла отбор в одну из лучших школ Мексики, собираясь изучать медицину. Параллельно начала писать картины, познакомилась с художником Диего Ривера, расписывающим стены школы. Ривера стал главной любовью ее жизни. Некрасивый полный человек, старше Фриды на 20 лет, он обладал каким-то гипнотическим обаянием и просто сводил женщин с ума: не устояла и Кало. Она твердо решила, что станет его женой. Для Диего же она была очередной влюбленной в него студенткой.

17 сентября 1925 года жизнь Фриды изменилась раз и навсегда. В обычный день она вместе с приятелем села в обычный мексиканский автобус (весьма «хлипкий», с деревянным стенками) и отправилась по своим делам. Автобус столкнулся с троллейбусом. В этой аварии больше всех пострадала Фрида: один из поручней практически пронзил девушку насквозь, повредил позвоночник, прошил насквозь тазовую кость, сломал ноги в нескольких местах.

Врачи больницы, куда привезли искалеченную Фриду, были уверены, что долго она не проживет. Но Фрида с детства привыкла бороться. Она не умерла, и даже медленно шла на поправку: обездвиженная, поскольку большая часть ее тела была скована гипсом, она могла шевелить руками, и тогда родители принесли ей краски, кисти и холст. А еще — зеркало. Фрида расписала собственный гипс, а потом написала свой первый автопортрет. Почему она изобразила себя? Потому что на тот момент ее мир сузился до больничной койки и собственного тела. «Я являюсь той темой, которую знаю лучше всего» — позже скажет художница.
Читать далее...

Родился в 1967 году в Ленинграде, живет и работает в Москве. С 1991 по 1997 годы занимался книжной графикой и работал художником-иллюстратором в научно-популярном журнале "Химия и Жизнь". С 1998 года член Творческого Союза Художников России и Международной Федерации художников при ЮНЕСКО. Участвовал в ряде художественных выставок в России и за рубежом (АртМанеж 2002, 2003, 2012, АРТ-салон 2007, Art Fair Tokyo 2013, Venezia 2014 и т. д.) В настоящее время занимается живописью, графическим дизайном и малыми формами пластики. Главное направление творчества - фантастический реализм. Картины находятся в галерее D`Vasko (Россия), Horizon (Нидерланды), а также в частных коллекциях в России, Швеции, Италии, Германии, Франции, Швейцарии, Японии и США.



Читать далее...

Karol Bak родился в 1961году в Польше.

В период с 1984 по 1989году учился в Государственной академии изящных искусств (ныне ASP)в Познани на факультете графики, который он закончил с отличием. Его работы - участники выставок в разных странах, как европейских, например- в Польше и Германии, в Нидерландах и в Великобритании, так и за океаном - в США. На сегодняшний день - очень известный живописец, художник, график.

Живет и работает в Познани.

Героини холстов художника – удивительные женщины из легенд и сказок. Таинственные, неземные, пленительные и опасные.

Современники о художнике: «Кротко сносил все удары, терпел от злобы и невежества всю жизнь. Был беден и голодал, случалось, мог месяц жить на 3 рубля, питаясь хлебом да водой. Однако видел лишь то, что значительно и высоко...»

160 лет назад, 17 марта 1856 г., в Омске в семье штабс-капитана Тенгинского полка родился сын. А Через 1,5 месяца был впервые полностью опубликован «Демон» - поэма покойного поручика Тенгинского полка Михаила Лермонтова. Новорождённого сына омского офицера тоже назвали Михаилом. Фамилия - Врубель. Но его «Демону» только предстояло появиться.

Ассоциация «Врубель - Демон» настолько прочна, что некоторые не брезгуют даже попенять художнику его личной трагедией и душевной болезнью: «Логичным финалом, расплатой за демонизм стали для него смерть ребёнка и сумасшествие».

Хотя современники оставили нам иной портрет Врубеля. Его товарищ художник Константин Коровин вспоминал: «Чистейший из людей. Кротко сносил все удары, терпел от злобы и невежества всю жизнь. Был беден и голодал, случалось, мог месяц жить на 3 рубля, питаясь хлебом да водой. Однако видел лишь то, что значительно и высоко. Не копил и не жалел ни работ своих, ни денег». А вот и сам Врубель стеснительно признаётся: «Людей деревни не люблю - они постоянно ругают мать. «Мать твою», «мать туда» - это отвратительно, это невыносимо... За границей мне иногда нравится - там больше равенства. Но там презирают бедность. Это несправедливо, неверно и нехорошо. А в России есть доброта...»



Михаил Врубель родился в семье военного офицера и детство провёл в разъездах. После школы Михаил поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Впрочем, учёба будущему художнику быстро наскучила – его увлекали философия, опера и живопись.



«Это гений!»

Неизвестно, впрочем, о какой именно доброте говорил художник. Максимум «доброты» продемонстрировал его современник критик Владимир Стасов: «Врубель очень хороший и милый человек, и даже отчасти небесталанен». Но эта жалкая похвала тут же перечёркивается следующей фразой: «Однако работы его до того нелепы и безобразны, что никакого терпения нет!»

Именно под такой аккомпанемент Врубель вошёл в высшую лигу художников своего времени. Произошло это довольно поздно - в 1891 г., когда было задумано юбилейное издание произведений Лермонтова, приуроченное к 50-летию его гибели. Для иллюстрирования отобрали 18 мастеров - Репин, Шишкин, Айвазовский... и Врубель, «до сей поры совершенно не известный широкой публике». Возможно, именно поэтому Врубелю достался самый скромный гонорар - всего лишь 800 рублей за 5 больших и 13 малых иллюстраций. Однако по-настоящему в этом проекте запомнился только он - после Врубеля больше никто и никогда не пытался иллюстрировать лермонтовского «Демона».

Зато заметили художника сразу. Пресса радостно взвыла: «Врубель - это грубость, карикатурность, уродливость, нелепость!» Даже учитель Врубеля, Илья Репин, отметил: «Михаил стал мне неприятен в этих иллюстрациях».



Надо сказать, что охлаждение было взаимным. Ещё будучи студентом, Врубель был неприятно поражён картиной Репина «Крестный ход в Курской губернии». Претензий было две. Первая - религиозная. Врубелю казался чудовищным сам сюжет: «Пьяная толпа, и нет ни одного верующего, даже среди священников! Неужели в России нет Бога?» Вторая профессиональная: «Репин срисовывает, а не рисует». Михаил Александрович не побоялся высказать это своему учителю в глаза. Одно из первых появлений Врубеля в доме мецената Саввы Мамонтова украсилось тихим скандалом. Никому не известный молодой человек, приведённый Коровиным, подошёл к Репину, который с блокнотом царствовал за столом, рисуя портрет хозяйки, и сказал: «Илья Ефимович, а ведь вы рисовать не умеете». Онемевший от такой выходки Мамонтов вытащил Коровина на террасу: «Костя, кого ты привёл?» На что получил простой ответ: «Савва Иванович, это гений».

«Рисуй и молчи»

Гений - да. Гений-труженик, не почивающий на лаврах. Неподражаемый. В прямом смысле этого слова - не замечено ни одной попытки писать «под Врубеля». Фанатичный работник. Он постоянно твердит одно и то же: «Всё время рисуй, каждый день, каждую минуту». «Ты рисуй и молчи; когда нарисуешь, тогда и говори об искусстве».

Художник Михаил Нестеров любил вспоминать такую историю. Однажды Врубель написал полотно «Моление о чаше». Гефсиманский сад, Христос, всё залито прозрачным лунным светом... Васнецов был в восторге, нашёл покупателя, тот купил картину, и оба умоляли Врубеля ничего с ней не делать. А он пошёл в цирк. Вернулся под впечатлением от номера одной наездницы, очень хотел написать её по памяти. Холста не было, и тогда он взял свой уже проданный шедевр. Когда стемнело, от «Моления о чаше» оставался незаписанным только уголок...

М.А. Врубель и его жена Н.И. Забела. Фото 1896 года.

Да, это похоже на одержимость. Но не демоном, а работой. Даже конечный результат для него был не так уж важен. Он мог изрезать рисунок, а то и вовсе его выбросить. Между прочим, именно с этого началось знаменитое врубелевское собрание Третьяковки. Художник нарисовал очередную «Голову Демона». Потом смял её и кинул на пол. Константин Коровин подобрал, сохранил и подарил Третьякову.

«Смять и выбросить» - эта судьба могла постигнуть и другие работы художника. Например, ставшие классикой панно «Микула Селянинович» и «Принцесса Грёза». Заказанные Саввой Мамонтовым в 1896 г. для павильона выставки в Нижнем Новгороде, они вызвали «ожесточённую ругань, ненависть и что-то звериное в жюри художников из академии». Их сняли и, если бы не заказчик, запросто могли бы уничтожить.

Спустя 14 лет после этого инцидента художник, поражённый душевной болезнью, полностью ослепший, умер в психиатрической лечебнице. По иронии судьбы гроб из церкви выносили те же люди, что убирали с выставки его панно.

http://www.aif.ru/culture/person/demon_zhivopisi

«Стили живописи делятся на классические и все остальные». Эта старая шутка со временем не теряет своей актуальности. Ведь действительно, отличить конструктивизм от абстракционизма, а модерн от импрессионизма сегодня смогут очень немногие.

Перед вами инфографика-шпаргалка на примере картины Петрова-Водкина «Купание красного коня»* , которая поможет разобраться в стилях живописи.



Абстракционизм (от лат. abstractio — удаление, отвлечение) — стиль XX века. Главные черты — отказ от приближённого к действительности образа, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Представители: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова, Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

Импрессионизм (от фр. impression — впечатление) — стиль XIX – начала XX веков. Основная идея — изображение реального мира в его наиболее естественной и живой форме, в подвижности и изменчивости, передача своих мимолётных впечатлений. Представители: Эдгар Дега, Огюст Ренуар, Клод Моне.

Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — стиль XVII–XIX веков . Его основные черты — это обращение к образам античности, логичный сюжет, ясная уравновешенная композиция. Представители: Виктор Васнецов, Исаак Левитан, Никола Пуссен, Клод Лоррен.

Конструктивизм (от лат. construction— построение) — направление в советском искусстве 1920-х годов. Основная идея — изображение чётких геометрических форм. Представители: Владимир Татлин, Александр Родченко, Любовь Попова.

Модерн (от фр. moderne — современный) — стиль XIX – начала XX века. Его отличительные особенности — отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» очертаний. Представители: Густав Климт, Фернан Кнопф, Лев Бакст, Михаил Врубель, Валентин Серов.

Поп-Арт (от англ. popular art — популярное искусство) — направление в искусстве Западной Европы и США конца 1950–1960-х годов. Отличительная деталь — использование в работах образов товаров массового потребления и сочетаний бытовых предметов, фотографий, отрывков печатных изданий. Вдохновители — глянцевые журналы, телевидение, реклама. Представители: Ричард Гамильтон, Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол, Тадаоми Шибуйя.

Примитивизм (от лат. primitive— упрощённый) — стиль живописи, зародившийся в XIX веке. Отличительные черты — обдуманное упрощение картины и примитивные, как творчество ребёнка, изображения. Представители: Анри Руссо, Нико Пиросмани, Катя Медведева.

Символизм (от фр. symbolisme — символика) — направление, возникшее во Франции в 1870–80-х годах и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков. Основные идеи — использование в работах символов, недосказанности, намёков, таинственности, загадочности. Представители: Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель, Кузьма Петров-Водкин, Гюстав Моро, Яцек Мальчевский, Обри Бердслей.

Сюрреализм (от франц. surrealisme — сверхреализм) — стиль, появившийся в 20-х годах XX века. Его главные идеи — это изображение образов, возникающих в человеческом подсознании, абсурд, парадоксальные сочетания форм, изменчивость фигур. Представители: Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт.

*«Купание красного коня» Петрова-Водкина была написана в 1912 году и принесла художнику мировую известность. Существует мнение, что картина была написана в селе Гусевка Волгоградской области. Коня Петров-Водкин писал с реального жеребца по имени Мальчик, обитавшего в имении, а для образа подростка сидящего на нём верхом, художник использовал черты своего ученика Сергея Калмыкова.

http://www.aif.ru/dontknows/infographics/1372571

В первый понедельник октября ежегодно отмечается Всемирный день архитектуры. Разобраться во всех этих барокко, рококо и конструктивизме могут лишь профессионалы, которые, впрочем, также могут иногда допускать ошибки. В рамках борьбы за ликвидацию архитектурной безграмотности АиФ.ru подготовил специальную инфографику-памятку, которая позволит вам всего за пару минут разобраться во всём многообразии основных стилей.



Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — стиль в европейской культуре XVII–XIX вв. Главная особенность — обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности.
Читать далее...

В 2016 году весь мир отмечает юбилей Василия Васильевича Кандинского — основоположника и теоретика абстрактного искусства, одного из самых влиятельных художников ХХ века. К 150-летию абстракциониста Третьяковская галерея на Крымском валу и Государственный Эрмитаж подготовили проект, включающий выставку двух главных шедевров художника «Контрапункт: композиция VI – композиция VII», которую можно посетить с 13 апреля по 13 июня.

Система беспредметной живописи Кандинского включает три типа картин, воплощающих три стадии удаления от первоначального импульса, который дал толчок к их написанию: импрессии, импровизации и композиции. Лучшими работами живописца признаны «Композиция VI» и «Композиция VII». В России эти произведения последний раз демонстрировались вместе 27 лет назад.



«Без названия (Первая абстрактная акварель)», 1910


«Композиция X», 1939

Что нарисовано на картинах Кандинского?

Когда речь заходит об абстракционизме, многие далёкие от искусства люди сразу выносят свой категоричный вердикт: мазня. После этого обязательно следует фраза о том, что любой карапуз наверняка нарисует лучше, чем эти художники. При этом само слово «художники» обязательно будет произнесено с демонстративным презрением, которое в ряде случаев даже будет граничить с брезгливостью.

Читать далее...

Картина 1909 года «Сидящая женщина» авторства Пабло Пикассо продана на лондонском аукционе Sotheby’s за рекордные 43,3 миллиона фунта (около 63,3 миллиона долларов). В аукционном доме сообщили, что картина стала самой дорогой в стиле кубизма, которую когда-либо продавали на торгах. Начальная стоимость лота составляла 28 миллионов фунтов (41 миллион долларов). Однако в мае 2015 года с молотка ушло другое кубистическое полотно Пабло Пикассо, причём почти втрое дороже.



1. В мае прошлого года Christie's удалось продать картину «Алжирские женщины (версия О)», которая относится к позднему периоду творчества художника, за $179,3 млн. В неофициальном рейтинге самых дорогих картин эта работа Пикассо лидирует.



Читать далее...

Автор известной картины «Сватовство майора» под конец жизни страдал тяжелым психическим расстройством. Своим знакомым он таинственно говорил о скором его «счастии», скупал драгоценные вещи для воображаемой свадьбы и подарки несуществующей невесте.

4 июля 1815 года родился Павел Федотов, чьи картины «Свежий кавалер» и «Сватовство майора» признаны шедеврами жанровой живописи. Его работы можно увидеть в Москве в Третьяковской галерее и в петербургском Русском музее. В последнем также хранятся рисунки, сделанные им в психиатрической больнице. Уважаемый художник, которого считают родоначальником критического реализма в русской живописи, умер в возрасте 37 лет.

Рисующий офицер

Человек, повлиявший на ход развития изобразительного искусства, родился в семье обедневшего титулярного советника, который во времена Екатерины II служил в армии. Для своего сына он хотел успешной военной карьеры и, когда тому исполнилось 11 лет, определил его в Первый Московский кадетский корпус. Врожденные способности быстро помогли мальчику стать одним из лучших учеников. По воспоминаниям людей, знавших Павла, он обладал отличной зрительной памятью, которая позволяла ему легко усваивать любой материал, а в будущем – рисовать лица незнакомых людей, которые случайно промелькнули перед ним.

В 19 лет, получив чин прапорщика, Федотов направился в Петербург служить в лейб-гвардии Финляндский полк. Жизнь в столице полностью перевернула его судьбу, помогла раскрыть удивительный талант, а, по мнению некоторых историков, - и погубила его. Борьба с материальными проблемами, постоянное переутомление и напряжение от работы спровоцировали страшный недуг. Но тогда, в начале 1834 года, все только начиналось.
Читать далее...

Выдающийся русский художник Василий Поленов ушел из жизни ровно 89 лет назад – 18 июля 1927 года.

Художник Василий Поленов вписал свое имя в историю русской живописи.

Вторая половина XIX века была рассветом отечественной живописи. Ярким представителем плеяды выдающихся мастеров стал уроженец Петербурга Василий Поленов. Его картины пленяют реализмом. Сам же художник неоднократно подчеркивал, что стремится дарить людям счастье и радость.

Перед вами пять выдающихся работ Василия Поленова, с которыми сегодня можно познакомиться в крупнейших музеях России.

«Московский дворик» (1878)

В Третьяковской галерее в Москве хранится одна из самых известных картин Василия Поленова - «Московский дворик». В 1877 году живописец перебрался в первопрестольную. К этому времени Поленов, благодаря родителям получивший прекрасное образование, уже успел в качестве пенсионера Академии художеств объехать половину Европы вместе с Ильей Репиным, а также побывать на русско-турецкой войне, где состоял в ставке цесаревича Александра. Там он занимал должность придворного художника.

В Москве Поленов начал преподавать в училище живописи. Его учениками здесь были Исаак Левитан и Константин Коровин. Художник в городе снимал квартиру в Дурновском переулке близ Спаса на Песках в доме Баумгартена. Прямо из окна своего жилища Поленов и написал этюд к пейзажу. Затем художник переписал его заново на холсте – расширил вид, добавил людей на полотно.

На картине изображен типичный старый московский дворик в начале лета. Солнце еще не взошло высоко над горизонтом. Во дворе играют дети, идет женщина с ведром, стоит запряженная в телегу лошадь. На заднем плане купола церкви.

Полотно Поленов направил в Петербург – на выставку художников-передвижников 1878 года. Там картину ждал большой успех.
Поленову же работа принесла известность, а позднее полотно для своей галереи приобрел и Павел Третьяков.



Картина Поленова дает возможность понять, какой была Москва в конце XIX века.
Читать далее...

15 мая 1848 года родился известный художник Виктор Васнецов. Перед вами история создания пяти шедевров мастера фольклорной живописи.

Васнецову было пожаловано «дворянское Российской Империи достоинство со всем нисходящим потомством». Репродукции картин Виктора Васнецова знакомы многим детям: они украшают учебники, сборники былин и сказок. Герои его полотен – богатыри, сказочные герои, райские птицы, гусляры и даже воины Апокалипсиса. Художник был убежден, что в жанровых и исторических картинах «сказывается весь облик народа», его прошлое, настоящее и будущее.

«Только больной и плохой человек не помнит и не ценит своего детства, юности. Плох тот народ, который не помнит, не ценит и не любит своей истории», - говорил он.

«Витязь на распутье», 1878 год



«Яркий облик великого русского художника-классика неразрывно связан с добрыми серо-голубыми глазами, длинной, сходящейся «долотом» светло-русой бородой, с огромной полукруглой палитрой, широкими кистями, муштабелем и длинным — когда-то синим, а теперь полинялым халатом, живописно замазанным неотмывающейся масляной краской», - вспоминал о нем художник и искусствовед Николай Прахов, чей отец был хорошим другом Васнецова.

Многие критики отмечали, что от работ Виктора Михайловича «пахнет Русью». Федор Шаляпин чувствовал, что от его творчества «веяло «Словом о полку Игореве», а один из основоположников группы «Мир Искусства» Сергей Дягилев ставил ему в заслугу то, что тот «не поддался влиянию Запада» и «не убоялся быть самим собой».

В конце 70-х – начале 80-х годах в творчестве Васнецова произошел переломный момент. От бытовых сюжетов («С квартиры на квартиру» (1876), «Книжная лавочка» (1876), «Балаганы в Париже» (1877) он перешел к былинно-историческим. Одной из первых знаменитых его картин в этом направлении стала работа «Витязь на распутье».
Читать далее...

Леон Бакст, один из виднейших деятелей объединения «Мир искусства» и проектов легендарного антрепренера Сергея Дягилева, родился 10 мая 1866 года.



Автопортрет, 1893 год.

Леон Бакст давал уроки рисования детям Великого князя Владимира, был зятем мецената Павла Третьякова, соратником легендарного Сергея Дягилева и учителем Марка Шагала. В эмиграции он создавал эскизы для шелковых тканей американского миллионера Артура Селига.

Этот материал о жизненном пути Леона Бакста, художника, который в начале XX века заразил Европу страстью к ориентализму и экзотике.

Фамилия бабушки

В Париже его имя и фамилия звучали вполне по-французски – Леон Бакст. В России же до 1889 года его знали как Лейба Хаима Израилевича Розенберга, талантливого молодого человека из религиозной еврейской семьи. Для участия в своей первой выставке юноша придумал себе псевдоним, урезав фамилию бабушки – Бакстер.



Первобытный ужас.

Вообще родители Лейба не поощряли его увлечения живописью. Его отец, занимавшийся мелкой коммерцией, видел в этом нечто греховное – противоречащее заповеди «не сотвори себе кумира». Но дедушка, большой поклонник театра, поддерживал внука в стремлении рисовать.
Читать далее...

21 августа 1911 года из Лувра исчез знаменитый шедевр Леонардо да Винчи.



Вы когда-нибудь задумывались о том, почему именно Джоконда стала одной из самых известных картин в истории человечества? Трудно себе представить, но когда-то о «Портрете госпожи Лизы дель Джокондо» кисти Леонардо слышали только самые искушённые любители искусства. Он был лишь одной из жемчужин Лувра, небольшой картиной, затерявшейся среди других полотен. За последнюю сотню лет многое изменилось: для нас и наших современников «Джоконда» — это, в первую очередь, бренд, знак качества и показатель хорошего вкуса.

Величайшая в истории искусства кража сыграла в этом далеко не последнюю роль.

Как украсть шедевр и остаться незамеченным?

Газеты того времени преподносили происходящее как настоящую детективную историю. Журналисты писали, что около семи утра понедельника некто выскользнул из тесного чулана. Он хорошо знал, где искать свою жертву и как вынуть холст из рамы, не повредив его. Грабитель действовал быстро. Он аккуратно завернул работу в белое покрывало, сбежал по винтовой лестнице и выскользнул во двор Сфинкса. Неслыханным везением стала для него встреча с сантехником, который совершал обход и выпустил преступника, подумав, что тот всего лишь очередной работник Лувра, которого закрыли в музее на ночь. Уже в половину восьмого он оказался во внутреннем дворе музея. Один на один с будущим шедевром мировой художественной культуры.

Спустя несколько часов в «Квадратный салон» Лувра пришёл художник, который намеревался сделать копию «Моны Лизы». Отсутствие картины его не смутило, он решил, что её забрали фотографы и вернут через несколько часов. Само собой, через несколько часов картину не вернули, тогда сотрудники музея решили поторопить медлительных фотографов, но картины в их мастерских не оказалось. Когда руководство музея наконец осознало, что из Лувра пропал шедевр, наступил вечер, и грабитель бесследно растворился в городской суете.



Так 21 августа 1911 года знаменитый холст оказался в центре грандиозного скандала, а в истории искусства началась новая эра.

Расследование в тупике

Преступление вызвало панику не только в музее, но и на территории всей Франции. На следующий день здание было закрыто для посетителей, сотрудники и полиция тщательно обыскали каждый уголок Лувра, но всё было безрезультатно. «Мона Лиза» пропала.
Читать далее...

Картины Караваджо невозможно отделить от его же грязного белья, или, если угодно, художеств по жизни.



Портрет Караваджо работы Оттавио Леони, 1621 год.

445 лет назад, 29 сентября 1571 г., родился знаменитый художник Микеланджело. Те, кто скажет, что Микеланджело к тому моменту уже лет семь как умер, будут правы. Просто новорождённый предпочитал своему звучному имени прозвище, данное по родному городу - Караваджо.

В России находится лишь одно его полотно - «Лютнист», купленное во времена Екатерины Великой. А ведь мы могли бы обладать значительной частью его наследия. Было время, когда картины Караваджо продавали по дешёвке - они казались современникам слишком грубыми и вульгарными: «Эти картины переполняют толпы мужчин и женщин с порочными и опухшими от беспробудного пьянства лицами». Иные «тонкие ценители» искусства презрительно цедили: «Кажется, что он жил в трущобах и кабаках».



«Лютнист», 1595 год, Государственный Эрмитаж

Правда жизни

Известно утверждение: «Биография художника - его картины». Мол, ворошить грязное бельё личной жизни великих - занятие гадкое, наслаждайтесь лучше полотнами. Однако картины Караваджо невозможно отделить от его же грязного белья, или, если угодно, художеств по жизни.

Вот в 1599 г. он получает первый крупный публичный заказ - две картины для капеллы, посвящённые евангелисту Матфею. И - скандал. Сюжет призвания апостола почему-то развивается... в кабаке. Ни разверстых небес, ни ангелочков - только продажный сборщик налогов Матфей, грязь и убожество. А ведь в этом и была правда. Правда Евангелия: «Более радости будет об одном грешнике кающемся, нежели о 99 праведниках».

Изучать искусство живописи и искусство фехтования он начал практически одновременно - ещё подростком. А поскольку всякий художник ещё и неплохой анатом, Караваджо знал, куда и как ударить наилучшим способом. Перерезанная глотка на картине «Юдифь и Олоферн», виртуозно пронзённая плоть Христа с картины «Уверование апостола Фомы» - всё это созвучно с протоколами допросов свидетелей типа: «Я видел человека с обнажённым оружием в руке - это был кинжал или охотничий нож… Раненый сказал, что это не может быть никто иной, кроме Микеланджело да Караваджо».



«Юдифь и Олоферн». Караваджо, 1599 год. Национальная галерея старинного искусства, Рим.

Ответить головой

Знание анатомии сыграет с ним злую шутку. 29 мая 1606 г. он смертельно ранил Рануччо Томассони, с которым играл в мяч. Пустяковая ссора из-за ставки в 10 монет переросла в поединок, в ходе которого Караваджо тяжко оскорбили. Томассони съязвил: «Эй, ты, я тебе сейчас посшибаю рога, которые наставила Лена!» Лена - прозвище Маддалены Антоньетти, куртизанки, в которую был влюблён Караваджо. Художник отреагировал молниеносно и жестоко - Караваджо в ответ нанёс удар шпагой в самый пах, поразив мужское достоинство обидчика.



Читать далее...

Бывает в жизни такое, что накатывает на тебя приступ вдохновения. Хочется взмахнуть кистью и создать что-нибудь эдакое, прекрасное. Или не очень прекрасное, но остроумное. Или совсем героическое. А получается только кривое солнышко, а под ним чахлый цветочек, и оба друг на друга смотреть без слез не могут.

Чтобы всем было хорошо, а вдохновение не таяло впустую, в этой подборке 28 сайтов, где вам расскажут, как быть и что делать.

Linteum.ru

Natasha Newton
Здесь собраны статьи о живописи, о перспективе и композиции, уроки рисования акрилом, гуашью, маслом, акварелью.

1000videourokov.ru

Никола Симбари
Видеоуроки рисования: романтические портреты, букеты, сельские пейзажи, пруд с кувшинками, основы штриховки.

Draw.demiart.ru

Галка Застава
Богатая библиотека уроков по рисованию практически во всех жанрах - от академической живописи до комиксов.

Drawing_lessons

Александр Лямкин
Группа ВКонтакте, где выкладываются видеоуроки по рисованию, рассказывают о полезных книгах и где можно просто пообщаться, посоветоваться.

Мастерская художников

Вероника Калачева
Мастерская объясняет, как правильно подобрать кисть для акварели, дает основы композиции и вообще много пишет о технике акварельной живописи.

Web-paint.ru

Сайт для желающих научиться рисовать. Он основан на переводах книги Марка Кистлера "Научиться рисовать за 30 дней". Если вы будете заниматься по 20 минут в день, последовательно выполняя все уроки, то Микеланджело, может быть, за месяц и не станете, но карандаш в руках держать научитесь точно.

Tehnika-risunka.ru

Читать далее...

Читать далее...