Питер Пауль Рубенс. Галерея Медичи в Лувре

28 июня 2012 года - 435 лет со дня рождения Питера Пауля Рубенса (28 июня 1577, Зиген - 1640)

Питер Пауль Рубенс (1577–1640) Автопортрет. (1623, Royal Collection, Виндзорский замок)

В 1622 году Мария Медичи, вдова Генриха IV и мать Людовика XIII, заказала Рубенсу цикл картин для украшения западной галереи второго этажа Люксембургского дворца (ныне здание Сената). Контракт предусматривал создание 24 биографических полотен, иллюстрировавших жизнь и деяния королевы. Все картины должны были быть полностью нарисованы рукой мастера, работу предполагалось закончить к февралю 1625 года — дате бракосочетания французской принцессы Генриетты Марии и короля Англии Карла Стюарта.

Сюжеты картин были чётко определены Марией Медичи вместе с её советниками — будущим кардиналом, а тогда государственным секретарём Ришельё и казначеем королевы Клодом Можи (фр. Claude Maugis). В то же время художнику предоставлялась определённая свобода в выборе композиции и порядка следования картин.

В восточной галерее дворца предусматривалось разместить картины из жизни Генриха IV — едва начатый Рубенсом цикл, две незавершённые картины из которого находятся во Флоренции.

Картины были закончены Рубенсом в 1625 году. С 1815 года находятся в коллекции Лувра, сначала в Большой Галерее, затем (1900—1993 годы) в дворцовом зале, пропорции которого совершенно не были похожи на типично французскую (длинную и узкую с низкими потолками) галерею Люксембургского дворца, для которой создавались картины. С 1993 года цикл выставлен в зале № 18, пропорции которого повторяют скорее дворцовый зал Лувра, чем галерею Люксембургского дворца.

Рубенс Галерея Медичи (1622—1625, Лувр, Париж)

далее

Итальянский художник Tomasso Salini (1575–1625), прозванный "Мао".

Натюрморт с фруктами и ящерицей

Малоизвестный живописец Томаззо (Томмазо) Салини (или Солини,Salinas, Solini прозв.— Мао; ок. 1575—1625) - итальянский художник раннего барокко, работавший в Риме .Салини был первым учителем и родственником известного итальянского живописца цветов Mario Nuzzi (1603-1673).Салини оставил немало выдающихся произведений, среди которых преобладают натюрморты, пасторальные и религиозные темы.Хотя сегодня идентификации и хронология его работ, особенно натюрмортов, являются проблематичными, в семнадцатом веке его натюрморты были востребованы. Он присоединился к Римской Академии Св.Луки в 1605 году. Награжден орденом Золотой шпоры и стал членом общества "Виртуозы Пантеона". Салини известен в качестве свидетеля по судебному иску 1603 г. его друга, биографа и художественного наставника Джованни Баглиони /Giovanni Baglione/, против Караваджо /Caravaggio/.Этим он сыграл весьма неблаговидную роль в судьбе своего современника и соперника Караваджо, передав пасквиль Бальоне и назвав в числе его авторов Караваджо.

Далее...

Художник Джон Уильям Годвард

 

Художник Джон Уильям Годвард

 

Предполагаемый автопортрет

Джон Уильям Годвард (John William Godward) - последний крупный представитель английского неоклассицизма. Иногда его причисляют к поздним прерафаэлитам

Годвард  родился 9 августа 1861 года в Уимблдоне, пригороде Лондона, в обеспеченной консервативной семье, он был старшим из пятерых детей. Семейной традицией Годвардов было страхование, именно эту профессию прочили старшему сыну. Однако его душа лежала к живописи, семья же не воспринимала его занятия всерьез. Конфликт в семье привел к тому, что Годвард переехал в другой пригород Лондона - Челси, где арендовал дом. С юности художник был влюблен в Италию, он писал портреты прекрасных итальянок, которых он встречал в Англии. Случай сподвиг его посетить в 1905 году страну своей мечты. Дом художника располагался рядом со стадионом "Стэмфорд Бридж", долгие годы стадион практически пустовал, но в 1905 году стадион стал домашней ареной основанного в том же году футбольного клуба "Челси". Постоянный шум, доносящийся теперь со стадиона и мешающий спокойной работе, вынудил художника на время уехать в Италию.
Древнеримская тематика художника была актуальна в то время, Британская империя, переживавшая в то время расцвет, равнялась на древнеримскую империю. Картины Годварда покупали, его имя стало известным.
Начиная с 1910 года, Годвард всё чаще ездит в Италию и в 1912 году решает окончательно поселиться в Риме. Причин тому было несколько. Наряду с любовью к этой стране у Годварда была любовь к одной из моделей, переехавшей в Рим, к тому же ситуация в искусстве в те годы начала меняться. Классицизм переставал быть актуальным, в Англии начали набирать популярность новые направления в искусстве. Отец Годварда к тому времени давно умер, мать же не простила сына за то, что он уехал из Англии, увлекшись обычной итальянкой. 
Предположительно, Годвард работал в той же мастерской, которую незадолго до этого покинул И.Е. Репин. В 1913 году на Международной выставке в Риме его картина "Бельведер" была награждена золотой медалью, в то же время одна из любимейших работ самого Годварда - "Золотые часы", выставленная на той же выставке в том же году, осталась незамеченной.

 

 Золотые часы

 

Бельведер

В 1921 году художник понимает, что Рим утратил для него свою прелесть и возвращается в Англию, где после смерти в 1919 году президента Королевской академии Эдварда Пойнтера классическое искусство окончательно сдало свои позиции. Критики не щадили Годварда, называя его клоном Альма-Тадема, педантом, художником пресного мира и томных женщин.
Здоровье художника ухудшилось, у него развилась язвенная диспепсия из-за того, что он не уделял достаточное внимание своему питанию (Годвард брал в начале каждой недели горшок с рагу из говядины, потом питался этим рагу всю неделю). К диспепсии прибавились бессоница и депрессия. 
13 декабря 1922 года 61-летний Годвард покончил с собой, отравившись газом. Незадолго до смерти он сказал, что человек не должен жить после 60-ти лет. Также Годвард говорил, что мир не был достаточно большим для него и Пикассо. Годвард считал Пикассо сумасшедшим, а его искусство - источником зла.
Мать художника после самоубийства сына уничтожила все его бумаги и фотографии. Сама она умерла в 1935 году в возрасте 100 лет. 
Из родственников художника лишь сестра сохранила хорошее отношение к нему.
После смерти Годвард был практически забыт, интерес к нему возник лишь в 70-е годы ХХ века. Сейчас Годвард не уступает в популярности среди коллекционеров и издателей таким художникам, как Лоуренс Альма-Тадема, Адольф Вильям Бугро, Лейтон или Джон Уильям Уотерхаус.

Античная девушка

Прохладный приют

Гречанка

Греческая красавица

Водоём с лилиями

 Жрица

Тихий любимец

Римская матрона

Жертвоприношение Венере

В священном саду, Помпеи

Ворота храма (Жрица Вакха) 

 

В терме. Терма - античная баня

Афинянка

 Осень

Нет ничего слаще

Друзилла (сестра римского императора Калигулы)

 

Эндимион

Девушка в жёлтой драпировке

 

Греческая идиллия

Праздные мысли

Безделье

Ионийская танцовщица

Задумчивость

 

Во времена Сапфо

Девушка с острова Лесбос с воробьём

 

 Шалость

Нерисса

 

Сапфо

Летние цветы

 

Сладкие мечты

Дельфийский оракул

 

 Торговка фруктами

Зеркало

Новые духи

Павлиний веер

Девушка с тамбурином

Время роз

Тимпанистка

 

Венера во время купания

В фиалковом венке и одежде шафранного оттенка

 

http://ru.wikipedia.org/w

http://top-antropos.com/history/19-century/item/217-john-william-godward

Из жизни духовенства...жанровое

Ранее посты по тематике быле здесь:

Victor Marais-Milton                О, милый кардинал..

Richard Linderum

Otto Kirchner

Josef Wagner-Höhenberg

Читать далее...

"Vanitas" Хармена (1612 - 1659) и Питера (1615 - 1654) Стенвейков

Голландские художники братья Хармен (1612 - 1659) и Питер (1615 - 1654) Стенвейки  - сыновья Эверта Стенвейка, spectacle and lens maker, жили в Делфте с 1590 по 1654 гг.. Отец отправил из обучаться живописи к их дяде, известному художнику Давиду Байли, который жил и работал в Лейдене. Оба брата писали натюрморты, их работы часто путают. Особое предпочтение они отдавали жанру Vanitas, который был очень популярен в Лейдене, славящемся как город ученых.

В.Г.ван Фоккенброх(1630/35 - 1674/5). "Размышления в моей комнате":

Здесь, в отрешенной тишине,
Скрываюсь я от жизни шумной
С раздумьями наедине;
И мир, нелепый и бездумный,
Отсюда ясно виден мне.
Я вижу: на столе, меж книг,
Забыты мною флейта, скрипка -
Ведь звук еще едва возник,
А уж в пространстве тает зыбко
И гаснет в следующий миг.
Здесь, в комнате, забрезжил свет
Для моего земного взгляда,
Здесь понял я, что цели нет,
Что ничего желать не надо,
Что все - лишь суета сует

Перевод Е. Витковского

Для  братьев Стенвейков характерно включение в натюрморт Vanitas фрагментов, содержащих текст. Следует отметить любопытную особенность натюрморта с текстом: он не только предлагает вниманию зрителя изображенные предметы, но и позволяет часть из них использовать по назначению - страницы из книги или письмо можно прочесть, музыку, записанную в нотной тетради, - исполнить.

Многие мастера, создававшие натюрморты  Vanitas, эту тему осовременивали и даже придавали ей особую злободневность. Они незамедлительно откликались на важнейшие события, если те могли послужить подтверждением мрачного содержания этой темы. Таких событий в XVII столетии случалось немало: Тридцатилетняя война 1618- 1648 гг., возобновление войны с Испанией в 1621 г., англо-голландская война 1652-1654 гг., религиозные распри, неоднократные эпидемии болезней. После 1649 г. во многих "Vanitas" появляются портреты казненного Карла I Стюарта - конец английского короля подтвердил традиционную для темы бренности мысль о шаткости земной власти.

Яркий пример тому - натюрморт П. Стенвейка, созданный в 1653 г. или немного позднее.

Pieter van Steenwyck .Allegory on the Death of Admiral Tromp (1653, Leiden: Museum "de Lakenhal")

Картина не датирована, но время ее создания позволяет определить изображенные предметы: она посвящена гибели знаменитого нидерландского флотоводца, героя войны с Испанией М.Х. Тромпа (1598-1653). Художник изобразил на столе, покрытом сбившейся ковровой скатертью, потухший огарок свечи, книгу, прижимающую край помятого листа с гравированным потретом Тромпа, флейту, глобус, увитый лавровой ветвью, - символ всемирной славы, шпагу, на ветхой книге - череп в берете с пером, рядом - бутыль и раковину наутилуса. На первом плане по центру представлена тетрадь, на титульном листе ее хорошо виден текст - это речь, произнесенная при погребении Тромпа. В натюрморте использованы предметы, традиционные для лейденских "Vanitas", но особенности композиционного построения позволяют сообщить картине более конкретное содержание. Важнейшую роль при этом играет текст, благодаря которому предметы - символы бренности приобретают новое значение: глобус свидетельствует о всемирной славе погибшего, раковина наутилуса напоминает, что погибший был флотоводцем, а шпага говорит о его военных заслугах.

далее

Путешествие в прошлое | Старая Bена

Давненько мы с Вами не гуляли,приглашай на прогулку.

 

Friedrich Frank 

-город роскошных дворцов и величественных площадей, живописных улочек и многочисленных скверов. Вена - древний город с громким именем, пробуждающим мечты. Столица на Дунае представляет собой смесь старины и современности, высокого искусства и кича. Это город художников и ценителей искусства. 

При слове Вена сердце вдохновенно
ликует, задыхаясь от любви.
При слове Вена - музыка Шопена,
И Моцарта, и Штрауса, и, и…

Читать далее...

Прогулка в прошлое...акварельное - Старая Вена (2)

Первая часть путешествия смотрите ЗДЕСЬ

Город императоров и величайших композиторов,город роскошного барокко,огромных костёлов,родина Венского бала.В этом городе восхищает буквально каждый дом,памятник и сад...

Читать далее...

Притча: Солнечный свет.

Читать далее...

И жизнь хороша, и жить хорошо!!!Norman Rockwell.Часть 2.

Girl with Black Eye,1953

Читать далее...

Norman Rockwell


Норман Роквелл ( Norman Rockwell, 1894 - 1978) – художник, которого не считали при жизни серьезным художником. И зря!
Норман Роквелл (англ. Norman Percevel Rockwell) (3 февраля 1894, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк — 8 ноября 1978, Стокбридж, штат Массачусетс) — американский художник и иллюстратор. Его работы пользуются популярностью в Соединённых Штатах, на протяжении четырёх десятилетий он иллюстрировал обложки журнала The Saturday Evening Post (321 обложку).Норман Роквелл родился в 1894 году в Нью-Йорке, в 14 лет поступил в Нью-йоркскую школу искусств, а через два года перешёл в Национальную академию художеств. Очень скоро, однако, он перевелся в творческую группу Art Students League, где учился у Томаса Фогарти и Джорджа Бриджмана. Наставления Фогарти в области иллюстрирования подготовили Роквелла к его первому коммерческому заказу. У Бриджмана он научился техническим приемам, на которые он полагался всю свою долгую карьеру.

Тройной автопортрет, 1960

К Роквеллу успех пришёл рано. Свой первый заказ он рисовал, четыре рождественские открытки,
в пятнадцатилетнем возрасте. Будучи ещё подростком он был нанят ведущим художником в Boys’ Life, официальное издание бой скаутов Америки. Примерно в этот же период Роквелл начал успешную карьеру свободного художника, постоянно получая множество заказов на иллюстрации для молодежных журналов. Когда Роквеллу исполнился 21 год, он организовал собственную студию. Очень быстро ему стали заказывать работы такие издания, как Life, Literary Digest и другие. Спустя примерно год Роквелл создал свою первую журнальную обложку для издания The Saturday Evening Post. Иллюстратор всегда высоко ценил этот журнал, отзываясь о нем как о самом точном зеркале американской жизни. Период тридцатых-сороковых годов оказался самым плодотворным в карьере иллюстратора. Вместе с женой и тремя сыновьями Роквелл перебрался из Нью-Йорка в небольшой городок Арлингтон в штате Вермонт. Смена места проживания сказалась и на работах Роквелла: он стал все больше внимания уделять изображению американской жизни в небольших городках. В 1943 году, вдохновленный выступлением президента Франклина Рузвельта в Конгрессе, Роквелл создал свою знаменитую серию картин «Американские свободы» («Four Freedoms»). В распространившейся в США атмосфере приверженности к демократическим ценностям эти работы, принесшие Роквеллу еще большую известность, объездили с выставками всю страну, а полученные от выставок средства (130 млн долл.) пошли на военные нужды. Однако в этом же году у Роквелла случилось большое несчастье: его студия в Арлингтоне полностью сгорела, а вместе с нею и, большое количество его работ.



Читать далее...

Сербский Художник Павле (Пайа) Йованович

Деда-еу
Сербский Художник Павле (Пайа) Йованович


Сербский Художник Павле (Пайа) Йованович (16 июня 1859, Вршац – 30 ноября 1957, Вена)

Йованович родился в семье известного в Вршаце фотографа Стефана Йовановича и француженки Эрнестины Деот. По словам отца, их предки переехали в Вршац из Косово во время великого переселения сербов под предводительством карловицкого патриарха Арсения III.
Павле был первенцем родителей, после него в семье родились еще два сына - Светислав (1861-1935) и Милан (1863-1944). Когда мальчику исполнилось всего семь лет, мать после непродолжительной болезни в возрасте 28 лет умерла.
Через год после смерти матери отец женился на итальянке из французского Эльзаса Марии дель Понти, которая была хорошей и заботливой матерью. Она родила Стефану сыновей Александра (Шандора), Джуру, Ивана и самого младшего Тинку, а также дочь Софию, умершую в младенчестве. Таким образом, кроме Павле в семье воспитывались пять братьев.
Интерес к живописи проснулся у мальчика рано. Во-первых, работа отца требовала не только знания фототехники, но и опыта ретуширования. Кроме того, город Вршац был маленьким, но очень богатым городом с давними культурными традициями. Павле мог любоваться религиозной живописью великих предшественников Николы Несковича (1729 - 1785), Арсения - Арсе Теодоровича (1767-1826), Павла Бурковича (1772-1830) и Йована Поповича (1810-1864). Мальчик часто в студии отца копировал картины старых мастеров. Первые уроки рисования ему давал школьный учитель грамматики Вршацкой реальной гимназии Водецкий, хотя сам художник говорил, что он научился рисовать, проводя долгие часы в пустой церкви и копируя лики святых. Там талант мальчика и заметил наставник местной православной церкви Александр Токин. Он обратил внимание на то, как юный Павле успешно копирует фигуры святых с иконостаса церкви.
В начале 1870-х муниципалитет Вршаца заказал в Вене новый колокол для городской православной церкви, было решено украсить звонницу новыми картинами святых, тогда и стало известно о таланте молодого Йовановича. Токин выбрал рисунки четырнадцати-пятнадцатилетних учеников реальной гимназии. Так в четырнадцать лет Павле получил свой первый заказ и первые деньги за работу - двадцать флоринов, в расчете два флорина за рисунок. Благодаря общему признанию, отцу порекомендовали отдать сына в художественную школу. Павле получил своеобразную путевку для продолжения учебы в столице Австрии.

Павле (Пайа) Йованович (16 июня 1859, Вршац – 30 ноября 1957, Вена)

Переселение сербов

СЮРРЕАЛИСТИЧЕСКИЙ МИР МИХАЯ КРИСТЕ .

 

Читать далее...

К 150-летию Густава Климта

Портрет Адели Блох-Бауэр

14 июля 2012 года празднуется 150-летие со дня рождения гениального художника модерна Густава Климта.

Густав Климт (1862, Вена – 1918, там же), австрийский художник, один из основоположников стиля модерн. Обучался у отца, Эрнста Климта, гравёра и ювелира, в 1875–83 гг. – у Ф. Лауфбергера и Ю. В. Бергера в школе ремёсел при Австрийском художественно-промышленном музее в Вене, изучал технику фрески и мозаики. В возрасте 17 лет победил в конкурсе на лучший проект украшения города по случаю серебряной свадьбы императора Франца Иосифа, через год получил первый серьёзный заказ на роспись потолков в одном из венских дворцов («Четыре аллегории», 1880). С 1891 г. член «Союза изобразительных искусств». Один из основателей (1897) и президент (до 1905 г.) художественного объединения «Венский Сецессион». В 1890 г. за картину «Философия» получил золотую медаль на Всемирной выставке в Париже; в 1917 г. – звание почётного члена Академии искусств Вены и Мюнхена.

В ранний период творчества работал в академической манере (декоративные росписи венских дворцов и театров в Райхенберге, Фиуме и Карлсбаде, ныне Карловы Вары, 1879–85; совместно с младшим братом Эрнстом и Францем Матчем). В 1885–86 гг. оформлял вместе с братом и Матчем интерьеры Художественно-исторического музея и Бургтеатра в Вене. В это время творческая манера Климта начинает сближаться со стилистикой модерна. По окончании работ в Бургтеатре император Франц Иосиф наградил Климта Золотым крестом за заслуги в искусстве. В том же году художник исполнил для актового зала Венского университета настенные панно с аллегорическим изображением трёх факультетов: «Юриспруденция», «Философия» и «Медицина», возмутившие критиков «вызывающим эротизмом». В 1903 г., после путешествия по Италии (Равенна, Венеция, Флоренция) и знакомства с византийскими мозаиками, начинается «золотой период» творчества Климта. Художник писал символические композиции, портреты, пейзажи, подчиняя плоскостные изображения изощрённому орнаментальному ритму, дробному узору из мелких цветовых пятен, уподобляя их мозаикам или драгоценным инкрустациям («Портрет А. Блох-Бауэр», «Юдифь и Олоферн»; обе – 1907; «Дева», 1913; «Аллея в парке Шлосскаммер», 1912).

Читать далее...

Giovanni Battista Ruoppolo (1629–1693) - неаполитанский мастер барокко. - ч.1.

Натюрморт с фруктами и мертвыми птицами на фоне пейзажа

Giovanni Battista Ruopolo (1629 - 1693) был художником неаполитанский эпохи барокко, специализировался на живписи натюрмортов. Он был учеником Паоло Порпора (1617-1673), современником Сальваторе Роза. .Сын художника майолики, Ruopolo возможно и получил первоначальные художественные навыки от своего отца . Giovanni Battista Ruopolo в 1655 г. женился на Терезе, дочери керамического работника . В начале своей карьеры занимался торговлей глиняных изделий. Карьера живописца Ruopolo свершилась в Неаполе, где в 1665 году он стал одним из художников в списке учредителей общества неаполитанских художников, Конгрегации святых Луки и Аннаы.О художнике сохранилось слишком мало свидетельств. До последнего времени не были известны точно годы его жизни. По уточненным данным это 1629 - 1693 гг.Ученик художника Паоло Порпора. Художественная манера Руопполо складывалась на изучении произведений Порпоры, Джованни Рекко, Черквоцци. В отличие от Рекко, который рисовал рыб, трофеи охотников, цветы и овощи, Руопполо предпочитал изображения цветов, овощей рядом с животными или ракушками Его натюрморты отличает яркий колорит, который усиливает сильное боковое освещение. Ведь на художественную манеру мастеров Неаполя имел сильное влияние караваджизм. К тому же, в Неаполе некоторое время работал и сам Караваджо.Известно, что имел ученика- племянника Джузеппе Руопполо.Картины Руопполо разошлись миром от Италии до Украины и России. Непрестижность наюрморта как жанра живописи отразилась и на памяти о мастерах. Их забывали, несмотря на высокие художественные качества их картин.

Далее...

Giuseppe Battista Ruoppolo (1639-1710), племянник или брат? - ч.2.

Грибы, гранаты, виноград, вишня, инжир на каменном выступе

Неаполитанский художник Giuseppe Battista Ruoppolo (1631-1710) (или Ruoppoli) - один из самых проблемных художников неаполитанской живописи конца семнадцатого века. Отсутствие определенных подписанных работ и документальных данных сделало весьма трудным восстановление каталога художника и породило неопределенность атрибутивных прошлых, отчасти из-за совпадения его инициалов "G .B .R ." с инициалами других художников того времени - Джузеппе Баттиста Рекко (G. Recco ), своего учителя и дяди-Giovanni Battista Ruoppolo и родственника - родного брата Giovanni Battista Ruoppolo - Джерома (Gerolamo Ruoppolo ) . Первый этап своего художественного образования Giuseppe Ruoppolo получил от своего дяди Giovanni Battista Ruoppolo (1629-1693 ) (кстати, вопрос о родственных отношениях до сих пор остается неясным и запутанным- некоторые считают , что Giuseppe Ruoppolo был не племянником , а братом Giovanni Battista Ruoppolo , действительно, разница в возрасте у них не большая.В то же время есть источники, указывающие, что у Giovanni Battista Ruoppolo действительно был родной брат- Джером ( Gerolamo) , который также был талантливым художником,создал много хороших работ, он умер в 1720-м году...) , а привил ему как и Giovanni Battista Ruoppolo интерес к барокко Абрахам Брейгель ( Abraham Brueghel ), бывший в в Неаполе в 1675 году.

Далее...

Швейцарский художник-пейзажист Роберт Цюнд (1826-1909).

Дубовый лес 1882.

Собирая материал про швейцарского художника Александра Калама, ознакомилась и с творчеством его ученика Роберта Цюнда..И, пожалуй, пост про Р.Цюнда будет первым из них....Роберт Цюнд (Robert Zünd, род. 3 мая 1826 г. Люцерн — ум. 15 января 1909 г. Люцерн) — один из крупнейших швейцарских художников XIX столетия.Р.Цюнд родился в зажиточной городской семье. После окончания гимназии обучался рисованию в мастерской художника Якоба Швеглера. В 1848 году переезжает в Женеву, где учится у художников Франсуа Диде и, затем, у Александра Калама. В 1851 Р.Цюнд знакомится с живописцем Рудольфом Коллером, знакомство это переросло в дружбу, продолжавшуюся всю их жизнь.

Далее...

Джон Уильям Уотерхаус


Биография Уотерхауса

(1849-1917)

Джон Уильям Уотерхаус родился в Риме в 1849 в семье художников. В 1850-х его семья находилась в Англии.

Перед поступлением в Королевскую академическую школу Уотерхаус помогал отцу в его студии. Отец обучал его живописному мастерству. Затем, в академии, живописи и скульптуре Уотерхаус учился под руководством художника Пикерсгила.


Первые работы Уотерхауса в классическом стиле, в духе Лоренса Альмы-Тадема и Фредерика Лейтона, были показаны в Обществе британских художников и галерее Дадли. На своих картинах Уотерхаус часто изображал сцены из итальянской жизни. По ним видно, как он любил свою родину, куда часто в течение жизни возвращался.

Немного позже, основными героями основных сюжетов стали традиционные для прерафаэлитов персонажи мифов, преданий, поэтических произведений и историй из Библии.


В возрасте двадцати пяти лет, в 1874 году, на выставке появилась картина Уотерхауса «Сон и его сводный брат Смерть», которая пришлась по душе критикам.



"Гипноз и его брат Танатос" 1874

В 1880-х годах Уотерхаус совершил несколько поездок в Италию. В 1883 году, после брака с Эстер Кенуорти, Уотерхаус обосновался в Студиях Примроз Хилл.



"Любимцы императора Гонория" 1883

Вместе с ним проживали и художники Артур Ракхэм и Патрик Колфилд.



"Дама из Шалот"
Читать далее...

Налей, налей бокалы полней! ...

 

Emil Kuhlmann-Reher (1886 -1957)  Mitelalterische drinker full

Eduard von Grützner (1846 - 1925) Geniser full

20

Мастер "обманок" Кристофер Пирсон (1631 - 1714)

Кристофер Пирсон (Гаага, 19 февраля, 1631 - Гауда, 11 августа 1714) - голландский живописец и поэт. Он был сыном Paulus Pierson, бывшего военным и учителем фехтования, и Anneke Abrahams. Он стал родоначальником знаменитой династии торговцев, министров и банкиров (Allard, Hendrik en Nicolaas Gerard Pierson).

Arnoud van Halen (1673–1732)   Christoffel Pierson (1631-1714). Poet in Gouda. (1700 -1732, Rijksmuseum Amsterdam)

Хоубракен пишет, что Кристоферу была уготована карьера торговца, и родители воспитывали его в этом направлении. Он получил хорошее образование, в том числе изучал латинский и французский языки, и поступил на работу в контору, чтобы стать торговцем (в «Comptoir"), но у него оказался  большой талант к живописи, с которой его познакомил его друг Bartholomeus Meyburgh, который был всего на 3 года старше его. В 1551-1552 гг. Пирсон провел год, обучаясь у Meyburgh, а затем переехал в Schiedam, где жил несколько лет и писал портреты, жанровые сцены и исторические картины. 28 января 1652 г. он женился на Maria Willems, а 29 сентября того же года родился его сын Джеймс, и 9 ноября 1653 г. - дочь Анна. В 1653 году он путешествовал с Meyburgh в Германию. На обратном пути они путешествовали по Bremervoorde, где встретились со шведской армией, и Пирсон написал портрет фельдмаршала Карла Густава Врангеля. Фельдмаршал был так доволен, что предложил им стать придворными художниками королевы Кристины, но они отказались, Meyburgh, потому что не захотел, а Пирсон, потому что он только что женился 6 месяцев назад.

По возвращении в Нидерланды Пирсон переехал с семьей в Гауду и был приведен к присяге как гражданин 16 мая 1654 г. В Гауде, вдохновленный успехом Anthonie Leemans, стал неплохо зарабатывать написанием обманок с охотничьей атрибутикой, клетками для птиц, а также оружием, на обоях (в то время часто изготовленных из кожи). Они были настолько достоверны, что многие были обмануты, полагая, что эти объекты действительно висят на стене.

A trompe l'oeil of Hawking Equipment, including a glove, a net, and falconry hoods, hanging on a wall

далее

ЖЗЛ (ОКТАВИО ОКАМПО. МЕКСИКАНСКИЙ ВОЛШЕБНИК И ФАНТАЗЕР)

В детстве, помню, был очарован картинками, которые видоизменялись, если посмотреть на них, перевернув вверх ногами. Например, таинственная незнакомка превращалась в усатого генерала, а добрая молодая фея в злую колдунью-старуху. Вспомнили? У таких рисунков есть специальное название, которое сейчас не приходит в голову. Так вот, нечто подобное я испытал, просматривая работы современного мексиканского художника Октавило Окампо, но при этом даже картину переворачивать вверх ногами не надо было. Издалека картина представляет собой, предположим, портрет человека, а присмотревшись к изображению, видишь жанровую композицию бытового или религиозного содержания, иллюстрацию к литературному произведению или натюрморт с множеством фигур и деталей. Понятно, что это не "ноу-хау" в искусстве, тем более в ссюрреализме, вспомнить хотя бы известного итальянца Джузеппе Арчимбольдо (Giuseppe Arcimboldo, 1527, Милан - 11 июля 1593, Милан), представителя маньеризма, который, как считают историки, своим творчеством предвосхитил весь сюрреализм. Но того магизма и иллюзии картин "два в одном", которые видишь, знакомясь с творчеством Окампо, я давно не встречал. Впрочем, от слов к делу!

Октавио Окампо
Octavio Ocampo

Родился 28 февраля 1943 в городе Селайя, штат Гуанахуато



Мексиканский художник.
Октавио родился в семье дизайнеров, поэтому, естественно, с детства увлекался рисованием. Учась в художественной школе мальчик с увлечением делал фигуры из папье-маше для алтарей, рождественские игрушки и декоративные украшения для карнавалов. Уже в старших классах Октавио доверили сделать роспись стены в муниципалитете города Селайя и выполнить панно в здании подготовительной школы. Талант юноши был очевиден, поэтому его подруги - дочь художника Диего Риверы – Рут и Мария Луиза Мендоса посоветовали юноше заняться живописью профессионально. После окончания школы Октавио поступил в Школу живописи и скульптуры "La Esmeralda" при Национальном институте изобразительных искусств в Мехико, где учился с 1961 по 1965 год.
В 1972 году Окампо продолжил обучение в Институте искусств в Сан-Франциско, где проучился два года. Во время учебы художник не только изучал живопись, но и пробовал себя в театре и кино. Оказалось, что молодой мексиканец талантлив и в актерском мастерстве, и народных танцах. В том же 1972 году Окампо стал принимать активное участие в выставочной деятельности, с тех пор его картины экспонировались на коллективных и персональных выставках в Мексике, США, Канаде, Латинской Америке, Европе и на Ближнем Востоке.
Окампо участвовал в качестве художника-дизайнера и создал декорации более чем для 120 мексиканских и американских фильмов и театральных спектаклей.
С 1976 года Октавио Окампо работает в основном в своем любимом метафоричном стиле. Наиболее известен он своими иллюзорными картинами с двойными изображениями. Сам художник в одном из интервью говорил: «Я живу в горной местности на юго-западе от Мехико, которая считается одним из самых магических мест на планете. Как и в районе Бермудского треугольника, в горах Тепоцеко есть странное и необъяснимое, но чрезвычайно мощное слияние магнитных сил, которые мне помогают».
Окампо популярен и как портретист, изобразив в своем особом «метаморфическом» стиле таких известных людей, как Джимми Картер (портрет был написан в качестве подарка Картеру по заказу тогдашнего президента Мексики Хосе Лопес Портильо), Мигуэль Алеман Вальдес, сам Хосе Лопес Портильо, Джейн Фонда, Сезар Чавес и Шер (портрет был использован для обложки ее альбома «Heart Of Stone»). Выполнил художник и монументальные росписи для Национального дворца Мексики, ратуши и технологического института в Селайе и Дома правительства Гуанахуато.
Работы художника находятся в коллекции Национального института изящных искусств Мексики, Музея Джимми Картера в Атланте, Музея королевы Софии в Мадриде, в частных собраниях Джейн Фонды, Теда Тернера, Шер и др.Муниципалитет его родного города обещает в скором времени открыть в Селайе музей знаменитого земляка.


В ГАЛЕРЕЕ 15 КАРТИН

Эль Греко картины

 

Эль Греко картины

Эль Греко – великий испанский художник 16-17 в. Родился на острове Крит в 1541 году. При рождении мальчику дали имя Доменикос Теотокопулос. Большое влияние на всё его творчество оказали такие художники, как Микеланджело, Михаил Дамаскин, Бассано, Веронезе, Тинторетто и др. Эль Греко тяготел к венецианской школе живописи, большинство его работ выполнены в стиле маньеризм...

Полная биография и галерея картин: Эль Греко в виртуальной галерее Арт-Ассорти

Читать далее...

Живопись прерафаэлитов. Прерафаэлитское движение.

Современный американский портретист Джеффри Р. Уоттс (Jeffrey R. Watts)

Jeffrey R. Watts - современный американский художник,родом из Калифорнии, родился 17 Марта 1970 года в Сан-Диего в семье художников.
С детства проявлял любовь к искусству и спорту, однако травма в юношестве положила конец профессии спортсмена велосипедиста и Watts полностью посвятил себя искусству. Закончив California Art Institute в Calabasas, Jeffrey стал преподавать там и так же работать иллюстратором в индустрии кино, однако художника тянуло к более интимному подходу к искусству и вскоре он переехал обратно в Сан-Диего, где открыл маленькую студию под названием Watts Atelier of the Arts и посвятил себя искусству 19 века России и Европы.
Jeffrey рисует с натуры и предпочитает традициональные принципы в технике масла. Творчество художника критики часто сравнивают с Николаем Фешиным, чьи работы служили учебником для Jeffrey R. Watts и которого художник считает своим учителем.
Jeffrey R. Watts лауреат многих премий и призов, в том числе Первое место в потретной категории и второе место за лучший пейзаж от the Artist's Magazine, два Вторых приза в the Salon International Exhibition, Honor Award и Award of Exceptional Merit от Portrait Society of America, три приза от Oil Painters of America и множество различных призов и наград.

1.

Читать далее...

Голландская гавань и ветряные мельницы... Louis van Staaten (1836-1909)

далее...

Сценки из голландской жизни художника Корнелиса де Мена (1621 - 1706)

Корнелис де Мен (или Ман, Cornelis de Man) (Делфт, 1 июля 1621 - Делфт, 1 сентября 1706) - голландский живописец Золотого века.

Автопортрет (1646, Museum Het Prinsenhof)

Корнелис родился в Делфте в 1621 г., Жизнь в Делфте ему не нравилась и он уехал, как только достиг совершеннолетия и стал достаточно талантлив, чтобы заработать на дорогу и обучение живописи. Сначала он провел год в Париже. Он был там хорошо принят, но весной отправился в Лион, чтобы пересечь горы  Ломбардии до наступления зимы. Поселился и жил в течение двух лет во Флоренции, где у него был богатый покровитель, но дольше всего прожил в Риме. На обратном пути длмой остановился в Венеции. Все его путешествия длились в общей сложности девять лет.

Корнелис стал успешным художником в Делфте, где писал портреты известных людей. известен его групповой портрет гильдии анатомов

Корнелис де Мен. Урок анатомии, (1681, Collectie Museum Prinsenhof)  Вверху слева Antoni Molijn. Делфтский анатом Cornelis s’Gravesande (1631-1691)  дает урок. Справа от него находится известный ученый анатом  Антони ван Левенгук.

Также известна его картина, изображающая завод по переработке китового жира на Шпицбергене Амстердамской Noorsche Compagnie, северного филиала голландской Ост-Индской компании. Эта необычная картина представляет собой реконструкцию завода на Шпицбергене на основе датского оригинала. Художник добавил всякие арктические подробности, сам же он никогда не бывал севернее Дании.

Whale-Oil Factory of the Amsterdam Chamber of the Northern Company at Smerenburg (1639, Rijksmuseum, Amsterdam)
Завод по переработке китового жира работает на полную мощность. Слева, на берегу, лежит кит. Также на берегу кипят два котла..Жир разрезают на мелкие кусочки на деревянных столах и кипятят в медных котлах..Кипящее масло кита перемешивают большими ложками.Расплавленный жир заливают в деревянные лотки. Затем очищают и после охлаждения хранят в бочках. Этот жир использовался для изготовления свечей, смазки, масляных ламп и мыла. Справа на переднем плане находятся казармы, "палатки", где размещался персонал и оборудование.

далее

Художник-сюрреалист Tomek Setowski

далее  

сайт

Images from Kit Williams

Далее

Художник Абрам Архипов (1862 -1930)/

Портрет работы И. Репина

Абрам Ефимович Архипов (15 (27) августа 1862 года — 25 сентября 1930 года) — русский живописец, передвижник.
Родился в одном из глухих селений Рязанской губернии в бедной крестьянской семье. Впервые мальчик начал рисовать в местной школе. Родители всячески поощряли занятия сына и в 1876 году, с трудом собрав средства, отправили его учиться в Москву в Училище Живописи, Ваяния и Зодчества, где любимым педагогом будущего художника был В.Г.Перов. Уроки Перова, призывавшего художников изображать правду жизни, не боясь темных сторон, не пропали даром. Архипов начал свой творческий путь как явный последователь своего учителя («В лавке старьевщика», «Пьяница»). После смерти Перова он занимался у Поленова, чье искусство, полное света, радостного ощущения жизни, также оказало влияние на творчество Архипова. Во время учебы Архипов писал много этюдов, жанровых картин. Два учебных года (с сентября 1884 г. по февраль 1886 г.) занимался в Петербургской Академии Художеств. В 1887 г. за картину «Посещение больной» ему была вручена большая серебряная медаль и присвоено звание классного художника. Сотрудничал с Товариществом Передвижных Художественных Выставок, членом которого стал в 1891 г. В картине «На Волге» (1888-1889) художник подошел к решению одной из основных проблем пленэрной живописи — изображению человека на открытом воздухе, где эмоциональное состояние человека передается через пейзаж. В картинах «Радоница» (1892), «Лед прошел» (1894-1895), «На реке» (1898), «Проводы крестного хода» (конец 1890-х гг.) также хорошо видно слияние пейзажа и жанрового сюжета. Картина «Обратный» (1896) завершила цикл крестьянского жанра, и художник обращается к теме социального жанра. В картинах Архипова почти никогда нет острых ситуаций или активного действия. Основная мысль раскрывается через обстановку, в которой происходят события. Подобное решение жанровой картины стало характерным для мастеров конца XIX века. К числу наиболее известных и самых значительных произведений Архипова относится картина «Прачки».

Прачки. 1901. Государственная Третьяковская галерея
Читать далее...

Метаморфозы творений Густава Климта. Одежда и аксессуары.

 

150 лет назад родился один   из самых популярных художников эпохи Модерна - Густав Климт .

Живопись Густава Климта - прекрасная, чувственная, эротическая - рассказывает о мире неги и отдыха, который, кажется, бесконечно далёк от грубой обстановки, в которой мы живём. Затрагиваемые им темы - аллегории, портреты, пейзажи и эротические фигуры -  призваны создать мир, в котором правит красота.

Напряженность картин художника, почти неразличимая грань между реальностью и иллюзией, чувственность и эротичность способствовали росту популярности изображённых сюжетов, которые постепенно начали пытаться повторить не только на холсте, но и в произведениях декоративно-прикладного искусства.

Творчество Климта оказывало и продолжает оказывать  большое влияние на моду, это чуть ли не единственный художник, произведениями которого не просто вдохновляются, а можно сказать, используют в «чистом виде». Австрийский живописец вдохновляет великих кутюрье, и покоряет сердца модниц со всего мира...

Из его произведений в разное время черпали вдохновение Оскар де ла Рента, Карл Лагерфельд, Джон Гальяно и другие деятели моды.

Весенняя коллекция Christian Dior by John Galliano от кутюр 2008 года  наполнена яркими красками, мозаичными цветами, формами и извилистыми, витиеватыми линиями с полотен художника...По словам Джона Гальяно, "...дорога вдохновения привела его к картинам Густава Климта". 

Густав Климт "Медицина" и Christian Dior

вдохновение от Климта

Американский импрессионист Чарльз Уоррен Мунди (Charles Warren Mundy)

Charles Warren Mundy родился в 1945 году в Индианаполисе, штат Индиана.

Пожалуй, один из самых известных и титулованных импрессионистов современности.

 

 

1.

Читать далее...

10 заповедей счастливой женщины | Michael & Inessa Garmash

Почему она сияет, как королева, и идет по жизни походкой звезды? Потому что она – счастливая женщина. Над ней не властны пересуды соседок и стереотипы, потому что у нее есть собственные заповеди жизни.
Заповеди счастливой женщины!

Chris Spheeris - Magaya

1. Всё, что происходит – к лучшему.
Разбившаяся ваза все равно не вмещала всех цветов, а благодаря опозданию на киносеанс она познакомилась с удивительным мужчиной! Всё, что происходит, служит единому доброму замыслу судьбы счастливой женщины.

2. Собственная внешность всегда достойна похвалы и гордости.
Если и возникают небольшие огрехи во внешнем виде, то они служат лишь поводом для того, чтобы обратить внимание на замечательные достоинства счастливой женщины. Природа подарила прекрасный материал – тело, можно лепить из него красоту. И эта женщина уверена, что всегда выглядит наилучшим образом, потому что заботится о себе с любовью.

Читать далее...

Романтические импрессионисты Михаил и Инесса Гармаш (муж и жена)

Посмотреть работы

"Нюши" от американского иллюстратора Джо Боулера (Joe Bowler)

Джо Боулер родился в 1928 г в Форест-Хиллз, Нью-Йорке. Начал рисовать в 3-летнем возрасте. В 19 журнал "Космополитен" опубликовал его первые иллюстрации. Работая учеником в престижной Charles E. Cooper Studios, у Джо была возможность изучить ремесло у мастеров своего дела - таких, как Коби Уитмор.
Иллюстрации Боулера стали появляться в главных американских журналах. Коби Уитмор был наставником Джо в первые годы его карьеры, дружба с ним продлилась на многие годы.
Во время отдыха в Европе Джо заболел полиомиелитом. Все его мускулы были поражены болезнью, и для восстановления Боулеру потребовалось 7 долгих лет занятий с физиотерапевтом. Около 3 месяцев художник возвращал подвижность кистям рук, чтобы вновь приступить к работе. Это был поворотный момент в жизни Джо, касающийся не только его физических способностей, но и его отношения и подхода к живописи.

В 1992 г Джо был избран в Общество Иллюстраторов в 1952 и в Зал славы Иллюстраторов. В 1967 Гильдия Художников Нью-Йорка назвала Боулера художником года.
В 1972 г художник вместе с женой Мэрилин переехал Hilton Head Island, Южная Каролина. В его творчестве наметился переход от иллюстрации к портретной живописи.
10-ого марта 2008 скончалась Мэрилин, жена художника - верная соратница, подруга и помощница во всех делах. Их брак продлился 58 лет.

Сайт: http://www.joebowler.com/Bowler/Welcome.html

1.

Читать далее...

Синие сумерки / Евгений Лушпин

Помните "Синие сумерки" Алексея Бутырского (1974 г.р.)?
Вот вам ещё картины такого же замечательного плана.
Я не знаю, кто у кого черпал вдохновение, но Евгений Лушпин 1966 г.р. :))
и почему-то менее известен.


-= Синие Сумерки =-

Fine Art of Evgeny Lushpin (Евгений Лушпин). Still Life

"Искусство – есть самовыражение, но не всякое самовыражение – есть искусство!" "В творчестве самое главное ощущать себя абсолютно свободным. Однако художник обязательно выражает и своё время также, поэтому только на стыке этих двух понятий и может появиться настоящее произведение". "С юности я помню как многие называли живопись профессией, а художников – профессионалами.
Несколько лет назад тяжелая болезнь руки практически лишила меня возможности писать. Оказалось, что очень трудно, практически невозможно найти какую-то замену моей деятельности. Постепенно, в течении двух лет, болезнь отступила, и я вернулся к работе, но тогда я понял одно: художник– это все-таки не профессия, это - судьба".
Художник
Evgeny Lushpin (Евгений Лушпин) родился в Москве в 1966 году. Искусству живописи обучался в МГХПУ им. Г.С.Строганова, факультет художественное конструирование и дизайн и в Московском Государственном заочном Педагогическом институте, художественно-графический факультет. Лауреат конкурса "Золотая кисть". Постоянный участник международных арт-ярмарок в России, США, Норвегии. Член Творческого союза художников России. Работы художника находятся в собрании Государственного Исторического Музея, а также в частных коллекциях в США, Европе и России. Постоянная экспозиция в галерее "Арт-Яр", Москва. Живет и работает в Москве.
Натюрморт, холст,масло

Натюрморт, холст,масло
Still Life

Очаровательные работы молодого художника Andre Kohn (Андре Кон)

Очаровательные работы молодого художника Andre Kohn (Андре Кон) Родился в России(Волгоград) в 1972 году. Выехал в США в 1992. Сейчас проживает со своей семьей в Монтгомери, Алабама. Интересно, что все его образы повернуты к нам спиной, то есть лица не видно.

1.
Читать далее...

Художник Станислав Плутенко | Восточное...

Продолжение:


Девушка в красном сари

далее...

Художник Станислав Плутенко/Девичьи мечты

  

Читать далее