К100-летию Государственного музея Востока здесь работала выставка «Восток. Другая красота». Экспозицию посвятили женщине в традиционной культуре и пониманию канонов женской красоты. Зрители увидели более 400 экспонатов из разных уголков мира, среди которых украшения, одежда, обувь, предметы быта. О самых ценных из них порталу «Культура.РФ» рассказала куратор выставки, заведующая отделом искусства стран Ближнего и Среднего Востока, Южной Азии и Центральной Азии Евгения Карлова.

Туфли для бинтованных ног

Китай, XIX век

Около X века в Китае возник обычай бинтования женских ног, который продержался вплоть до начала XX века. Ступни нормального размера считались едва ли не уродством. Девушка, ноги которой были недостаточно малы, могла даже не выйти замуж.

Бинтование начиналось в возрасте с 3 до 12 лет. Обычно длина бинтованной ступни была около 13 см. Бывали случаи, когда ее длина составляла всего лишь 7 см. Женщина не могла выходить за пределы дома, поэтому ее носили в паланкине, или возили на специальной тележке, или хозяйку носила на спине служанка. Взрослые женщины на протяжении всей жизни бинтовали ступню с помощью длинной шелковой или хлопковой ленты, а сверху надевали миниатюрную туфельку. Часто на лодыжку повязывали тканое украшение — сику. Формой оно напоминало перевернутую воронку, которая прикрывала большую часть туфельки или вовсе скрывала ее.

В экспонате Музея Востока красная атласная ткань туфелек вышита шелковой гладью с цветами лотоса. Белая тесьма украшена тканым узором в виде бабочек — одним из наиболее распространенных благопожелательных символов в Китае.

Две девушки за туалетом

Индия, XVIII век

На миниатюре представлены наики — прекрасные, но безымянные девушки, которых изображают на всех видах индийской живописи. Действие происходит на женской половине дворца, потому что одна из девушек изображена с непокрытой головой. На девушках традиционные украшения замужней женщины: базубанд — браслеты на запястьях и предплечьях, серьги в мочках и в раковинах ушей, маанг тикка — специальное украшение для пробора, которое спускается на лоб и закрепляется по сторонам от лица по линии волос, а также натх — кольцо в носу.

Одеты наики в типичный для Северной Индии наряд лехенга-чоли. Чоли — короткая обтягивающая блузка, которая прикрывает грудь, оставляет живот открытым, но закрывает плечи, а лехенга — широкая яркая юбка. Важная часть костюма — широкий легкий шарф дупатта, которым прикрывают голову.

Накосные подвески гоша-асык

Туркмения, начало XX века

В старину женщины Туркмении заплетали свои волосы в косы. До замужества они носили четыре косички, две из которых свисали спереди, а две — на спину. В них вплетали косоплетки — длинные черные хлопчатобумажные нити с цветными бусинами, серебряными маленькими куполками и бубенчиками на концах.

Перед свадьбой девичьи шапочки заменяли на женский головной убор, украшенный изделиями из серебра, а косички переплетали в две косы. На каждую из них вешали серебряные парные подвески, а концы кос соединяли асыком (от туркм. «висящий») — накосной подвеской в виде сердца. Как правило, это делала родственница жениха.Такие украшения, были не только деталями декора костюма, но и оберегами. Они охраняли женщину от болезней и сглаза, особенно до и во время беременности.

Размер асыка был от 7 до 30 см в высоту и от 5 до 20 см в ширину. Украшение делали из серебра, декорировали золоченым орнаментом, инкрустировали вставками сердолика. Асык носили практически все этнические группы туркмен. Самые крупные пластины изготавливали ювелиры племени йомуд, самые маленькие — племени теке. Гоша-асык — это разновидность асыка; она представляет собой серебряную пластину из сдвоенных сердец, между которыми в нижней части прячется маленькое сердечко. Гоша-асык символизирует семью — мать, отца и ребенка в центре.

Амулетницы гуу

Буряты, XIX — начало ХХ века

Амулетницы гуу — атрибут и украшение верующих женщин Бурятии. Эти изделия были разнообразными по форме — от квадратных до прямоугольных, с овальным верхним краем и богатыми по декору и технике исполнения. Часто амулетницы привозили из Тибета и Монголии.

Застежка шнура тибетской подвески цилиндрической формы с рельефными слогами мантры «Ом мани падмэ хум», на котором висит амулет, изготовлена из монеты Австро-Венгрии 1894 года. Распространенными также были киоты, где под стекло помещали изображения разных персонажей буддийского пантеона.

Внутрь амулетниц вкладывали тексты молитв, лоскуты одежды лам и другие священные предметы. Эти украшения носили на груди или на широкой ленте, перекинутой через правое плечо, — орхимджи. Дополнительным оберегом на одежде бурят хоринских родов были наплечные украшения — мурэнгэй гуу. Они имели круглую или квадратную форму с небольшим «шпилем» — бусиной посередине и колечками, за которые их пришивали к плечам. Мурэнгэй гуу из музейной коллекции изображает извивающиеся тела парных драконов и три горы.

Рельеф с изображением небесной девы

Камбоджа, XII–XIII века

На рельефе изображена божественная дева тевода. Эти божества олицетворяли природные силы, охраняли стороны света, местности и поселения. В ангкорский период (IX–XIV века) в Камбодже фигуры небесных красавиц, высеченные из камня, украшали культовые сооружения. Часть из них изображают апсар — небесных танцовщиц царства Индры, призванных развлекать богов танцами и музыкой.

В знаменитом храме Ангкор-Ват исследователи нашли около 1800 фигур тевода, а в храме Байон — более 6000 изображений танцующих апсар. Каменные изваяния прелестных дев на протяжении многих веков служили идеалом красоты для камбоджийских женщин.

Фотографии предоставлены сотрудниками Государственного музея Востока

Беседовала Ирина Малахова

Ре́йксмюсеум  — художественный музей в Амстердаме (Нидерланды). Входит в первую двадцатку самых посещаемых художественных музеев мира

Музей основан в 1800 году братом Наполеона I, королём Голландии Луи Бонапартом в Гааге, а в 1808 году переведён в Амстердам и сначала располагался в Королевском дворце, а затем во дворце Триппенхюс и других зданиях. Новое здание было построено в 1877—1885 годах архитектором Питером Кёйперсом, победившим в конкурсе. Он был открыт для публичного посещения в 1885 году.

В 1890 году к Рейксмюсеуму был добавлен ещё один корпус к юго-западу от основного здания. Он был построен из фрагментов снесенных исторических домов и давал представление об истории голландской архитектуры (ныне крыло Филиппа). В 1906 был перестроен зал, специально для размещения картины «Ночной дозор». Между 1920-ми и 1950-ми в интерьере произошли изменения — были закрашены стены большинства разноцветно декорированных залов. В 1960-х экспозиционные залы и несколько этажей были встроены в два внутренних двора. В 1984, 1995, 1996 и 2000 здание музея подвергалось реставрации и мелкому ремонту.

В 2003—2013 годах полная экспозиция музея была закрыта, музей в это время выставлял свои шедевры на других площадках, а сам музей был подвергнут реконструкции. С 13 апреля 2013 после 10-летнего восстановления и ремонта на основе плана испанских архитекторов Антонио Круза (Antonio Cruz) и Антонио Ортиса (Antonio Ortiz) и почти полумиллиардной по стоимости реконструкции, музей вновь работает в полном объёме.

В музее имеется художественная коллекция (картины, скульптуры и декоративное искусство, искусство стран Азии), историческая коллекция (археологические артефакты, картины, скульптуры, одежда) и собрание рисунков, гравюр и фотографий.

Основу художественной коллекции составляют многочисленные работы голландских мастеров XV—XIX веков, в частности, представлены известные мастера XVII века, в первую очередь, Рембрандт, Вермеер и Халс, а также де Хох, Стен, Рёйсдал, ван дер Гельст, ван Скорел и другие.

Главное место в экспозиции отведено «Ночному дозору» Рембрандта (картина принадлежит городу Амстердаму, в музее находится на временном хранении). В 1906 году здание музея было перестроено ради размещения этой картины.

В 2019 году в музее представлена экспозиция под названием «All Rembrandts» Рембрандта.

Наиболее значемые картины.

Рембрант "Ночной дозор"

Картина была написана по заказу Стрелкового общества — отряда гражданского ополчения Нидерландов, пожелавшего украсить своё новое здание групповыми портретами шести рот. Рембрандту портрет заказала стрелковая рота капитана Франса Баннинга Кока и заплатила 1600 флоринов.

В XVIII веке полотно обрезали со всех сторон, чтобы картина поместилась в новом зале. Больше всего пострадала левая часть картины, где исчезли два стрелка. Сохранилась копия XVII века (Геррита Люнденса, хранится в Лондонской Национальной галерее), по которой можно судить об утраченной части картины.

Во время Второй мировой войны картина попала в руки нацистов. Она хранилась в свёрнутом виде в хранилище, устроенном в пещерах горы св. Петра[en] в Маастрихте.

Сейчас картина хранится в Государственном музее (Rijksmuseum) в Амстердаме. Несмотря на то, что часть полотна утрачена, это одна из самых больших картин музея (363 на 437 см). Как и большинство работ Рембрандта, её лучше всего рассматривать издали.

Рембрандт нашёл очень удачную композицию: мушкетёры выходят из тёмного дворика через арку на залитую солнцем площадь. Очевидна мастерская игра света и тени, характерная для стиля великого художника.

Рембрандт отступил от канона, согласно которому изображение должно было представлять собой статичный парадный портрет. Он изобразил тот момент, когда капитан Баннинг Кок отдал приказание о выступлении лейтенанту Рёйтенбюргу, и всё пришло в движение. Прапорщик разворачивает знамя, барабанщик выбивает дробь, на него лает собака, мальчик убегает. На картине движутся даже детали одежды стрелков.

Второй новаторский прием Рембрандта заключался в том, что он наполнил картину помимо 18 заказчиков другими персонажами, их 16. Легко объяснимо только появление барабанщика, который не числился в роте, его нанимали для участия в параде. Появление и предназначение других персонажей, символы, связанные с ними, породили десятки вопросов у исследователей, точные ответы на которые знал только сам Рембрандт. Наибольшее число загадок связано с появлением девочки в золотистом платье (в художественном плане она, размещённая в месте золотого сечения, в левой части картины, призвана, по-видимому, компенсировать яркий камзол Рёйтенбюрга в правой). Она окружена символами, традиционно относящимися к мушкетерам. На поясе у неё прикреплены пистолет и курица (или петух), в левой руке рог для вина. У ближайшего мушкетера на шлеме дубовые листья. Поэтому многие исследователи считают её талисманом отряда. Но загадки остаются. Так как в нидерландском языке слово кловенир (от кловен — разновидность мушкета) созвучно слову, обозначающему птичий коготь, то эмблемами стрелков обычно были лапки хищных птиц: соколов, ястребов, но не куриц.

Рентгенограмма картины показывает, что наибольшее число переделок в ходе создания полотна коснулось фигуры 

Возможно, Рембрандт изобразил на картине себя за правым плечом Яна Оккерсена, стрелка в цилиндре.

Картина три раза подвергалась попыткам порчи или уничтожения. Первый раз был вырезан кусок холста, во второй раз картине было нанесено более 10 ударов ножом, в третий раз картина была облита серной кислотой.

Рембрант "Синдики"

«Синдики» — групповой портрет из Рейксмюзеума, написанный в 1662 году Рембрандтом по заказу ежегодно избираемых членов амстердамской гильдии суконщиков, призванных следить за качеством тканей, произведенных и окрашенных в городе.

В доме, где собирались текстильные цехи (изготовители шелка, саржи, сукна) был свой зал совета. Синдики заказали Рембрандту портрет для зала суконщиков. Группа синдиков состояла из членов разных религиозных общин и включала в себя двух католиков, ремонстранта, кальвиниста и меннонита, избранных на свои должности со страстного четверга 1661 года по страстной четверг 1662 года.

Синдики пожелали, чтобы портрет был выполнен в традиционном стиле, когда все персонажи сидят за столом с непременным слугой и изображаются анфас. Рембрандт выполнил все требования заказчиков, и картина провисела в зале суконщиков больше века — до 1771 года, после чего она переехала в ратушу.

Однако художник, находясь в жестких рамках, сумел проявить своё мастерство. Сохранилось множество подготовительных рисунков, Рембрандт искал и нашёл необычное решение: стол развернут под углом, с него свешивается роскошное сукно. Синдики в шляпах с широкими полями и слуга расположены вокруг двумя треугольниками. Они заняты очень важным делом и только зритель заставил их всех повернуть головы и взглянуть на вошедшего.

Все лица тщательно выписаны и легко узнаваемы. В центре за бухгалтерской книгой председатель Виллем ван Дуйенбург (Willem van Doeyenburg 1616—1687). Вперед наклонился меннонит Волькерт Янс (Volckert Jansz 1605—1681). Крайний слева — католик Якоб ван Лоон (Jacob van Loon 1595—1674). Йохим де Неув (Jochem de Neve 1629—1681) держит страницу бухгалтерской книги. Кошель с монетами в руке Арнаута ван дер Мия (Aernout van der Mye 1625—1681). Слуга — Франс Бель (Frans Hendricksz. Bel 1629—1701).

На картине, помимо бухгалтерской книги и набитого кошеля, есть ещё один важный символ. На стене висит картина с изображением маяка, роль которого в гильдии играют синдики.

Яна Вермеер "Молочница".

Молочница» выделяется среди нидерландской живописи своей композиционной простотой. Тема повседневного быта уже поднималась ранее такими художниками, как Де Хох и Терборх, но Вермееру удалось создать неповторимое произведение.

Фигура женщины с кувшином резко контрастирует с пустой белой стеной на заднем плане. Контур спины молочницы выделен тонкой белой линией для дополнительной выразительности. При помощи рентгена удалось выяснить, что на стене изначально был размещён какой-то предмет — возможно, карта. Доподлинно неизвестно, что побудило Вермеера оставить стену пустой. Вероятно, он сделал это дабы не нагружать картину символикой, или же обычная белая стена показалась ему более выразительным фоном для женской фигуры.

В 1669 году картина была продана за большую по тем временам сумму — 175 флоринов. Дороже был оценён только «Вид Делфта» — в 200 флоринов. В каталоге аукциона 1719 года ей была дана характеристика: «знаменитая работа кисти Вермеера Делфтского, подлинное произведение искусства».

.Вермеер "Любовное письмо"

«Любовное письмо» — картина позднего периода творчества нидерландского художника XVII века Яна Вермеера.

В комнате состоятельной семьи, где недавно убирала служанка, произошло небольшое, но долгожданное событие — пришло письмо. И служанка, и хозяйка знают, что это письмо от любовника последней. Но реакция каждой на произошедшее разная. Служанка довольна, потому что ей надоело мрачное настроение госпожи, а та никак не придет в себя после длительного ожидания.

Чтобы усилить выразительность произведения, Ян Вермеер употребил средства сужения. Событие картины происходит в плотном пространстве, ограниченном порталом соседней комнаты, через который персонажей наблюдают художник и зритель. Справа виден стул с нотами, а за отверстием портала — несколько бытовых вещей: стоптанные домашние туфли, корзина с бельем. Только спустя некоторое время взгляд доходит до персонажей картины.

Эпоха барокко породила аллегории и насыщала ими стихи, гравюры, садово-парковую скульптуру, портреты, картины. Традицию видеть двойной смысл даже в бытовых вещах поддержало и голландское барокко XVII века. Так, стоптанные домашние туфли были признаком эротизма. На неустойчивые отношения с любовником намекает картина с морским пейзажем, — стихия беспокойная, непредсказуемая, как и отношения между дамой и её избранником. Даже долго ожидаемое письмо не принесло ей радости.

В 1971 году во время выставки голландских мастеров в Брюсселе картина была похищена Марио Роймансом (Mario Roymans). Оставив в музее раму, он вырезал холст при помощи обычного кухонного ножа для чистки овощей. Несколько дней спустя похититель связался с прессой и заявил, что он согласен вернуть картину в обмен на 200 миллионов франков. Ройманс также заявил, что намеревается провести обмен картины на деньги публично, так как не собирается скрываться от правосудия, а полученные деньги желает передать ассоциациям, помогающим беженцам из Бангладеш, где в это время бушевала гражданская война.

Вскоре похититель был арестован, найденная у него дома картина отреставрирована и возвращена владельцам

17 мая 2019 года в Синей спальне Зимнего дворца начинает работать выставка «Глиптика: прошлое и настоящее». В составе экспозиции около 200 произведений глиптики, ювелирного и камнерезного искусства из фондов Государственного Эрмитажа, а также предоставленных ювелирным домом «ТЕНЗО».

На примере экспонатов выставки можно увидеть разные периоды развития глиптики, и проследить преемственность традиций в этом виде искусства и в сопредельных с ним областях художественного творчества.

Глиптика ‒ искусство резьбы на миниатюрных полудрагоценных и драгоценных камнях принадлежит к числу наиболее древних. 

Камни с углубленным изображением – инталии (от ит. intaglio – резьба) – были известны уже в IV тыс. до н. э. и использовались как амулеты и личные печати. Рельефные камеи (от старофр. сamaïeu – драгоценность) появились позже, в эллинистическом Египте, в конце IV – начале III в. до н. э. в отличие от инталий, не имели никакого практического применения, определяющей в них была эстетическая ценность. Камеи как драгоценные реликвии хранились в сокровищницах храмов и в домах знатных владельцев, украшали одежду, предметы культового и светского назначения. В императорском Риме они служили и наградными знаками. Как правило, для инталий использовались одноцветные прозрачные и полупрозрачные камни (сердолик, сард), для камей – многослойные (ониксы, агаты), позволяющие благодаря своей полихромности достигать разнообразных колористических эффектов. Понятие геммы (от лат. gemma – драгоценный камень, резной камень, печать и прочее) объединяет оба вида резных камней: с углубленным (инталия) или выпуклым (камея) изображением. 

Античная глиптика прошла многовековой путь развития. Самые ранние образцы, представленные на выставке, относят к IV-III тыс. до н. э. Они представляют собой инталии, служившие личными печатями. В античном мире инталии-печати просверливались насквозь и носились на шнурке («Скарабей с резным изображением на основании», Этрурия. III в. до н. э.; «Скарабеоид с резным изображением на основании», Малая Азия, Иония (?). IV в. до н. э.), а также вставлялись в перстни или в печатки. 

В эпоху античности были выработаны технические приемы резьбы, сюжетный репертуар, законы композиционного и пластического решения, впоследствии определившие развитие постклассической глиптики. В Средние века изготовление гемм в Западной Европе не прекращалось, а античные геммы служили для украшения реликвий, нередко меняя толкование сюжета (языческие сюжеты легко связывались с христианскими легендами). 

Одно из самых знаковых произведений древней глиптики – камея Гонзага (III в. до н. э.) ‒ хранится в Государственном Эрмитаже. В сдвоенном портрете большинство современных исследователей видят правителей Египта Птолемея II Филадельфа и Арсиною II. Анонимный итальянский резчик XVII века – автор геммы «Александр Великий и Олимпиада», которую сегодня можно увидеть на выставке, не повторил камею Гонзага буквально, но создал вариацию на тему царственной пары, представив в характерной манере идеализированные образы македонского правителя и его матери. Такая схема парного портрета сохранялась и в конце XIX века («Брошь с камеей “Сдвоенный портрет Франца Иосифа I и Елизаветы Баварской”»); современный резчик В. Попович буквально повторил камею Гонзага, но в форме инталии. 

Расцвет европейской глиптики пришелся на эпоху Возрождения и вторую половину XVIII века. 

В Италии эпохи Возрождения искусство глиптики было поднято на невероятный уровень: ведущие резчики максимально приблизились к считавшемуся недостижимым классическому идеалу, обогатив его неведомыми древности жанрами: портретом, христианскими темами. Среди представленных произведений камеи: «Рождество» (Северная Италия, ок. 1500); «Благовещение», (Италия, первая половина XV в.); «Суд Соломона» (Германия, первая половина XVI в.) и другие. Античные геммы стали предметом страстного коллекционирования. Легендарные коллекционеры – Медичи, Гонзага, Фарнезе, папы Павел II и Лев X – были одновременно и меценатами, побуждавшими резчиков к созданию новых произведений. Ренессанс также дал мощный толчок к изучению и интерпретации сюжетов камей и инталий. 

Следующая пора повышенного интереса к глиптике пришлась на XVIII век. Резные камни собирали правители: Георг III, Фридрих II, Мария Терезия, им не уступали и представители аристократии и буржуазии, а также многие ученые, художники и писатели. Крупнейшим коллекционером резных камней была Екатерина II. Свое увлечение императрица называла «камейной болезнью»; благодаря ему в императорском собрании сформировалась богатейшее собрание европейской и восточной глиптики. К концу царствования Екатерины II в нем насчитывалось свыше 10 тысяч резных камней и 34 тысячи слепков. На выставке представлена инталия на аквамарине с изображением Екатерины Великой, исполненная придворным медальером К. А. Леберехтом (1755–1827). Царственная заказчица изображена в дорожном костюме, в котором она посетила Киев по пути в Крым в 1787 году. В состав экспозиции также вошли произведения российских резчиков XIX столетия П. Е. Доброхотова (1786 (?)–1831) ‒ камейный портрет А.В. Суворова и П. В. Кузнецова (до 1789 – после 1850) ‒ «Иисус Христос в терновом венце».

Издавна резные камни сами по себе воспринимались как драгоценность и имели чрезвычайно высокую стоимость. Ими декорировали предметы различного назначения, в том числе статусные вещи: вазы, табакерки, ювелирные украшения. Примером тому являются: «Панагия с камеей: Распятие»; «Табакерка с инталией: Триумф Галатеи»; «Табакерка с крышкой в виде камеи: Жертвоприношение Эскулапу и Пану» и другие.

Немаловажный элемент выставки ‒ печати XVIII и XIX веков, представляющие значительный интерес с точки зрения камнерезного искусства и с точки зрения ювелирного дела: большая часть экспонатов помещена в эффектные оправы: «Печать треугольная» (середина XVIII, Россия), вероятно принадлежавшая императрице Елизавете Петровне; «Печать с ручкой в виде женской головы» (Западная Европа, середина XVIII в.); «Настольная печать Александра II» (Россия, после 1856); «Настольная печать наследника цесаревича Николая Александровича» (Россия. 1850–1860-е), настольные печати Д.А. Бенкендорфа (1845–1917), действительного статского советника, члена правления Русского банка иностранной торговли. 

Современные мастера, отдавая должное великому прошлому резьбы по камню, ищут свой путь в этом виде художественного творчества. На выставке произведения современного камнерезного искусства вступают в диалог с историческими камеями и инталиями из собрания музея. Глиптика XX-XXI веков предстанет перед зрителем сквозь призму работ резчика Владимира Поповича. Сюжетный репертуар его произведений широк. В состав экспозиции вошли геммы с изображениями античных мифов, библейских сюжетов, портретов исторических личностей, великих мыслителей, императоров, полководцев («Диоген», 2010; «Александр Невский», 2015; «Портрет А. А. Ахматовой», 2004; «Портрет академика Д. С. Лихачева», 2005; «инталия “Камея Гонзага”», 2004 и другие).

На выставке также представлены произведения ювелирного искусства и мелкой каменной пластики с элементами резьбы как XVIII-XIX веков, так и ювелирные произведения, на которых специализируется дом «Тензо».

Экспозиция подготовлена Отделом западноевропейского прикладного искусства (Заведующая Ольга Григорьевна Костюк). Реставрационная подготовка экспонатов осуществлена Лабораторией научной реставрации драгоценных металлов (заведующий Игорь Карлович Малкиель) Отдела научной реставрации и консервации Государственного Эрмитажа (заведующая Татьяна Александровна Баранова).

Кураторы и авторы концепции выставки Светлана Викторовна Кокарева, заместитель заведующей Отделом западноевропейского прикладного искусства, хранитель постклассической глиптики и Игорь Карлович Малкиель, заведующий Лабораторией научной реставрации драгоценных металлов. 

К выставке выпущен научный иллюстрированный каталог «Глиптика: прошлое и настоящее» (Издательство Государственного Эрмитажа). Автор статей к каталогу Светлана Викторовна Кокарева. 

Венский музей истории искусств - один из крупнейших в Европе. Здание было построено правление императора Франца Иосифа I и открыло двери 1891г. Главный фасад выходит на площадь МарииТерезии, одну из самых больших и красивый площадей города, расположенную рядом с Рингштрассе.

1.

С момента открытия музея он стал местом хранения императорских коллекций, кроме того здание задумывалось как памятник меценатству Ггабсбургеров. Строительство столь величественного задания было порученно Гофриду Земперу (1803 - 1879 гг) и Карлу фон Хазенуэру (1833 - 1894 гг.), выбравшим в качестве источника вдохновения итальянский Ренессанс. 

Рогир ван дер Вейден.

Нидерланский живописец. Настоящее имя Роже де ла Пастюр. Треитих "Распятие".

2.

На центральном панно изображен иисус Христос , распятый на кресте, и у его ног  Дева марияи святой Иоанн. Спава от Христа - чета донаторв (заказчик или произведения искуства и архитектурного строения). Художник ограничел картину основными фигурами, исключив элементы бытоописательго характера. 

На бокавых панно триптиха изображены Мария Магдалина (слево) и святая Вероника (справо).Три пано объеденяет пейзаж на заднем плане. 

Религиозный пыл и страдания  отражаются на их лицах всех персонажей. Умение запечатлеть эмоциональное стояние - определяет успех работ художника.

В руках Марии Магдалины сосуд с благованиями, которыми   умастила тело  Христово  после снятия с креста. Это традиционный антребут ее изображения.

Скорбящая Вероника держит платок или убрус, на котгором изображенлик Христа. Как известно на пути на Голгофу Вероника вытерла лицо Иисуса платком, когда тот упалпод тяжестью креста.