Автопортрет, (1867)

Иван Николаевич Крамской

(27 мая [8 июня] 1837, Острогожск — 24 марта [5 апреля] 1887, Санкт-Петербург)

Русский живописец и рисовальщик, мастер жанровой, исторической и портретной живописи; художественный критик.

Крамской 10 лет вынашивал идею картины о Христе

«Да, дорогой мой, кончил или почти кончил „Христа“. И потащат его на всенародный суд, и все слюнявые мартышки будут тыкать пальцем в него и критику свою разводить…», - писал Иван Крамской пейзажисту Федору Васильеву.

В целом, так и вышло. Были, конечно, и те, кто замирал перед картиной в восторге. Но были и те, кто остался недоволен и даже возмущен. Что же произошло?



Сюжет
После крещения Иисус удалился в пустыню на 40 дней, где держал пост. И в минуту жизни трудную его искушал дьявол: голодом (уговаривая превратить камни в хлеб), гордыней (предлагая призвать ангелов и повелеть им нести Христа на руках) и верой (обещая неограниченную власть, если Иисус перейдет на сторону зла).

Иисус столкнулся с ситуацией нравственного выбора. И хотя мы знаем, чем закончилась история, полотно заставляет нас переживать — какое решение примет Христос. Удастся ли дьяволу искусить его? Или он останется верен богу?

Выражение лица, крепко сжатые кисти рук, сама поза Христа показывают его душевные переживания. Картина статична, наше внимание сконцентрировано на эмоциональном состоянии Иисуса, его внутренней борьбе. Он только божий сын, но и простой человек, который каждый день выбирает между добром илом.

«Я хотел нарисовать глубоко думающего человека, но не о потере состояния или какой-нибудь жизненной неудаче, а… не могу определить, но понимаете, что я хочу сказать», — так писал Крамской о замысле картины.

Пожалуй, большинство видели картину Репина "Запорожцы" (также известную под названием «Запорожцы пишут письмо турецкому султану») много раз. Но мало кто задумывался, почему человек на переднем плане изображён без рубашки. На самом деле ответ на этот вопрос кроется в самой картине.


Илья Репин Запорожцы. 1880—1891. Холст, масло
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Художник Илья Репин известен удивительно тщательным подходом к созданию своих картин - на его полотнах всё выверено до мелочей и каждая деталь имеет значение. Идеи свои будущих творений он вынашивал подолгу. Так, над картиной "Запорожцы" Репин работал 11 лет. И результат стоит того! Об истории создания этой картины можно было бы написать книгу, а рассматривать ей можно часами. Но сегодня мы сосредоточимся всего на одной весьма занимательной детали.

Одна из картин Владимира Егоровича Маковского (26 января (7 февраля) 1846 г. — 21 февраля 1920 г.) скромно и непритязательно названа им «На бульваре». Это, пожалуй,– шедевр художника, высшее проявление его таланта и по силе психологической характеристики и по живописному мастерству, произведение, в котором нашли себе концентрированное выражение все лучшие стороны его яркой творческой индивидуальности.


Владимир Маковский. "На бульваре", 1886-1887. Холст, масло.
Третьяковская галерея
Что скрыто в деталях картины Владимира Маковского "На бульваре"?
Как и в большинстве работ художника, ее подлинная суть и глубокий психологизм раскрываются только при детальном изучении картины.

Главная проблема картины – это отъезд крестьян в городе на заработки. Кормилец был вынужден покидать семью: родителей, жену, детей, жизнь без них нарушалась, родственная связь ослабевала и даже пропадала, а привычные устои деревенского мира рушились, как и патриархальный мир.

Именно этой теме и посвящена картина Маковского «На бульваре»: молодая жена приехала из деревни в Москву повидаться с мужем-мастеровым. На руках у нее младенец, которого, возможно, муж до этого и не видел. Но долгожданная встреча оказалась безрадостной: мужчина равнодушен и к жене, и к ребенку. Он скучает и тяготится этой необходимостью проводить выходной день не так, как обычно – в кабаке. Прежняя деревенская жизнь, так же, как и семья, стала для него далекой и чужой. Говорить им больше не о чем.

"На окне весна" 1954 г. Холст, масло. Государственный Русский музей

Paul de Senneville - Mariage d'amour

Я забыл погоду детства, Теплый ветер, мягкий снег. На земле, пожалуй, средства Возвратить мне детство нет. И осталось так немного В бедной памяти моей - Васильковые дороги В красном солнце детских дней.

Запах ягоды-кислицы, Можжевеловых кустов И душистых, как больница, Подсыхающих цветов. Это все ношу с собою И в любой люблю стране. Этим сердце успокою, Если горько будет мне.

Варлам Шаламов

К. Е. Маковский (1839-1915). Поцелуйный обряд (Пир у боярина Морозова), холст, масло 330 x 500 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Константин Егорович Маковский (1839-1915) – один из самых крупных живописцев и портретистов России 19 века, член творческого объединения передвижных художественных выставок, автор жанрово-исторических произведений, человек большого таланта и мастерства.

В 1880-1890-е годы Маковский часто обращался к русской истории 17 в., написав целый ряд пышных "боярских пиров" и "свадеб".
Благодаря обилию бытовых подробностей, антикварной красоте антуража, "благородным" цветам, приведенным в единство общим золотистым тоном, эти произведения пользовались неизменным успехом, как в России, так и на международных выставках.

Свою знаменитую картину "Поцелуйный обряд" художник К.Е. Маковский написал в 1895 году на сюжет исторического романа Алексея Константиновича Толстого «Князь Серебряный» (1863), посвященном эпохе Ивана Грозного (1547-1584).

Писатель описывает «поцелуйный обряд» в доме опального боярина Дружины Морозова, согласно которому его молодая жена Елена обязана была выйти к гостям — посторонним мужчинам — в праздничном одеянии и поднести каждому гостю на подносе чарку вина:

А.М. Дорогов "Корабль в бурю", 1848 г. Холст, масло.
Пермская государственная художественная галерея
Глядя на эту замечательную картину из собрания Пермской государственной художественной галереи, моментально думаешь: "Айвазовский". На самом деле её написал другой художник.

Автор картины «Корабль в бурю» – художник-маринист Александр Матвеевич Дорогов (1819 — 1850 г.) - мало известен даже специалистам. Ранняя гибель в возрасте 30 лет не позволили ему развить талант. Из небольшого творческого наследия художника картина «Корабль в бурю» - одно из самых значительных полотен.

Судьба живописца необычна. Он начал обучение в институте корпуса Горных инженеров, но желание стать художником было настолько сильно, что он вскоре оказался в Академии художеств вольнослушателем в пейзажном классе профессора М.Н.Воробьева. Вскоре успехи его были замечены и президент Академии художеств А.Н.Оленин обратился к директору Штаба корпуса Горных инженеров с просьбой «доставить совершенное увольнение от горного ведомства» Дорогову, чтобы художник мог посвятить себя живописи «совершенно и со временем мог стать живописцем, делающим честь и славу родине».

Василий Пукирев - русский живописец.
(1832 г. — 1890 г.)

Картина "Неравный брак" была написана в 1862 году, сразу после окончания Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
Картина «Неравный брак» (находится в Государственной Третьяковской галерее) доставлена на академическую выставку 1863 года, своей общей идеей, сильной экспрессией, необычайным для бытового сюжета размером и мастерским исполнением сразу выдвинувшая художника на одно из самых видных мест в среде русских живописцев.
За неё Академия наградила Василия Пукирева званием профессора.


Сюжет картины «Неравный брак» мало кого оставит равнодушным: полумрак церкви, падающий из окна свет ярко освещает трех главных героев картины — жениха, невесту и священника…
Юная, печальная невеста обреченно протягивают руку, на которую склоненный в льстивом поклоне священник сейчас наденет кольцо, и отдаст ее во власть старого богатого сластолюбца, чопорного жениха, держащего свечу.

Чтобы показать, каким был Григорий Журавлев, его земляки Утевцы нарисовали художника
В 1963 году в Югославии, в Сербской Православной Церкви в Боснии, реставраторами была обнаружена необычная икона. На доске средних размеров масляными красками изображены славянские первоучители — святые Кирилл и Мефодий.

Текст на иконе гласил:

«Сия икона писана зубами в Самарской губернии, Бузулукского уезда, Утевской волости, того же села, крестьяниным Григорием Журавлевым, безруким и безногим, 1885 год, 2 сентября».

Рисунок на иконе выполнен настолько тонко и тщательно, что невольно появились сомнения в правдивости текста. Может быть, это просто ошибка или подделка? Мог ли человек держав кисть зубами, достигнуть академического мастерства? Югославские реставраторы обратились в Государственный Архив СССР, и вскоре получили ответ, что Самарский крестьянин-иконописец Григорий Журавлев — не миф и не выдумка, а его картины и иконы признаны уникальными шедеврами и достоянием российского искусства, поскольку художник создавал свои шедевры без рук, держа кисточку в зубах.

Также выяснилось, что один из шедевров Григория Журавлева хранится в Эрмитаже. Это икона Святителя Николая Чудотворца, преподнесённая в дар цесаревичу, будущему императору Николаю Второму.


Икона Святителя Николая Чудотворца письма Григория Журавлёва

«Эх, тройка! птица тройка, кто тебя выдумал?»
В контексте сюжета полотна Перова слова Гоголя звучат по-новому: горько, жалостливо, обреченно. Картина «Тройка» часто встречается в учебниках истории, где используется как иллюстрация тяжелой крестьянской доли.
Но за художественным образом стоит реальная трагедия, которая словно бы сошла с холста и развернулась в жизни простой женщины.
Картина «Тройка» - это одно из самых значительных произведений
художника Василия Григорьевича Перова.


Сюжет
Морозная зима. Хозяин отправил своих мастеровых за водой. Совсем подростки, слабые, плохо одетые, тащат они тяжелую бочку, резкий холодный ветер раздувает их одежонку. Выливающаяся из бочки вода тут же превращается в сосульки. Как холодно детям, должно быть, в такой мороз! Видно, что дети совершенно выбились из сил. Какой-то добрый человек помогает им втащить бочку на пригорок. Повозку сопровождает собака, которая бежит немного справа перед детьми.
Нагнетают атмосферу и те цвета, которые выбрал художник: мрачные, приглушенные, серые. Улица, на которой в этот час уже нет никого, проходит мимо монастыря, чьи высокие крепкие стены давят и нависают.

С чем ассоциируются герои картины у зрителей? Само название ее говорит о том, что труд этих ребятишек можно сравнить с работой лошадей.
Глядя на картину, можно живо представить себе всю безысходность ситуации. Именно на это хотел обратить внимание общества художник. Произведение никого не оставит равнодушным, заставит быть добрее к людям и не позволит пройти мимо и не увидеть рядом с собой обездоленности и нищеты.

Кстати, полное название картины — «Тройка. Ученики мастеровые везут воду». Конечно, ничему их хозяин не учил. На зиму крестьяне — от мала до велика — отправлялись в города на заработки. Детей брали в мастерские, лавки, магазины и держали на побегушках, заставляя делать работу, которая по уровню тяжести больше подходила взрослым. И вот таких-то детей и называли мастеровыми и учениками.

«Он сумел отыскать в самом простом и обыкновенном те интимные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо действуют на душу»

Писал об Алексее Саврасове Исаак Левитан.

Почему эта картина так действует на зрителей почти 150 лет?


Алексей Кондратьевич Саврасов. Грачи прилетели. 1871, Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Сюжет
Где-то в российской глубинке стоит колокольня старой церкви. Дом покосился. Разливается река, тает снег, строят гнезда вернувшиеся из теплых краев грачи. «Природа вечно дышит. Всегда поет, и песнь ее торжественна. Земля ведь рай — и жизнь тайна, прекрасная тайна», — говорил Саврасов.

«Звучать» картину заставляют грачи. Их карканье и треск веток вместе с разлитым в воздухе спокойствием задевают, по выражению Ивана Крамского, «душевные нервы». И здесь при всем оптимизме полотна, при всем свете и воздухе, иной раз нет-нет, да и заплачешь от тоски. При всей многообещающей атмосфере весны чувствуется безысходность, при которой хочется бахнуть стакан да затянуть песнь.

"Явление Христа народу" — картина русского художника Александра Андреевича Иванова. Сюжет картины основывается на первой главе Евангелия от Иоанна и третьей главе Евангелия от Матфея.


Александр Иванов. Явление Христа народу. 1837—1857 холст, масло. 540 × 750 см
Третьяковская галерея, Москва
Иванов писал картину в Италии. Он работал над ней в течение 20 лет (1837—1857), и о ней знали все, кто интересовался живописью. Для этой картины Александр Иванов исполнил свыше 600 этюдов с натуры.
Иванов называл этот сюжет «всемирным», он стремился показать всё человечество в решающий, определяющий его судьбу момент.

Итак, в основе сюжета картины лежит библейский сюжет о первом появлении Христа в народе. Александр Андреевич считал этот момент наиболее важным, можно сказать, фундаментальным, в истории христианства. Именно после того, как люди увидели воочию Иисуса, началось нравственное совершенствование человечества, познание истинного смысла жизни.

Около 20 лет ушло у Виктора Васнецова на картину "Богатыри" (Три богатыря). 23 апреля 1898 года она была закончена и вскоре куплена П. М. Третьяковым для своей галереи.
А сколько людей ему позировало за это время - не счесть. Своих "Илью", "Добрыню" и "Алешу" художник искал повсюду: среди простого люда, друзей, меценатов и даже родственников. В результате получилась мозаика русских типажей.


Виктор Васнецов. Богатыри. 1881—1898. Холст, масло. 295,3 × 446 см.
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Сюжет
Сам В. М. Васнецов (в письме к П. П. Чистякову) описывал картину так:

«Богатыри Добрыня, Илья и Алёшка Попович на богатырском выезде — примечают в поле, нет ли где ворога, не обижают ли где кого?»

На картине изображены три богатыря — Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алёша Попович (главные герои русских былин).
Этим сюжетом Васнецов хотел на пороге ХХ века обозначить преемственность героического прошлого русского народа с его великим будущим. Богатыри здесь — это не конкретные былинные персонажи, но аллегория созидательных сил. При этом поле — не конкретное место на карте, а вся Русь.

Так уж произошло, что для упаковки конфет «Мишка косолапый» и их аналогов век назад дизайнеры выбрали картину Шишкина и Савицкого. И если Шишкин известен по лесным пейзажам, то Савицкий широкому зрителю запомнился исключительно медведями.


За редким исключением сюжет у картин Шишкина (если смотреть на этот вопрос широко) один — природа. Иван Иванович — восторженный, влюбленный созерцатель. И зритель становится очевидцем свидания живописца с родными просторами.

Шишкин был необыкновенным знатоком леса. О деревьях разных пород он знал все и замечал ошибки в рисунке. На пленэрах ученики художника готовы были в прямом смысле прятаться в кустах, лишь бы не слышать разнос в духе «Такой березы не может быть» или «эти сосны бутафорские».

Что же до людей и животных, то изредка они появлялись на картинах Ивана Ивановича, но были скорее фоном, нежели объектом внимания. «Утро в сосновом лесу» — пожалуй, единственное полотно, где медведи конкурируют с лесом. За это спасибо одному из лучших друзей Шишкина — художнику Константину Савицкому.

Виктор Васнецов - Алёнушка. 1881. Холст, масло. 173 × 121 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
За основу сюжета была взята сказка «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке». Аленушка, уставшая от безрезультатных поисков своего брата, сидит в сиротливой позе на большом камне у мрачного пруда, склонив голову к коленям. Тревожные мысли о братце Иванушке не покидают её. Тоскует Аленушка - не смогла уследить за братиком - а вместе с ней тоскует и природа вокруг…

Работу над картиной художник начал в 1880 году. Сначала он рисовал пейзажные этюды на берегу Вори в Абрамцеве, у пруда в Ахтырке. Сохранилось 3 этюда того времени.

"Дети, бегущие от грозы" – одна из самых обаятельных передвижнических картин Константина Маковского. В те годы он много путешествовал по России, привозил зарисовки, а иногда и готовые картины из Саратовской, Тверской, Тамбовской губерний. Но именно эту картину он заканчивал в Петербурге. У нее весьма интересная история.


Константин Егорович Маковский. Дети, бегущие от грозы 1872 г. Холст, масло.
Третьяковская галерея, Москва

Мы видим босоногую девочку, в переднике у нее завязаны собранные грибы, на плечах сидит маленький братишка, крепко обхватив сестру пухлыми ручками. Девочка одета в простенький сарафан. Она испуганно оглядывается туда, откуда идут тучи, прикидывая, успеют ли они добраться до дому, прежде чем хлынет ливень. Мальчик же уткнулся в нее, на тучи он не смотрит. Видно, что он тоже испуган, а сестренка ему кажется защитой.

В июне 2011года в рамках первой сессии аукциона русского искусства Christie’s в Лондоне шедевр Ильи Репина "Парижское кафе." был продан за 4 521 250 фунтов стерлингов (7 383 201 долларов).
Полотно побило рекорд стоимости произведений русской живописи, проданных в рамках русских торгов, проводимых международными аукционными домами.

По результатам этой продажи И.Репин вошел в топ-10 самых дорогих русских художников, в котором стал первым представителем классической живописи.


Илья Репин "Парижское кафе" 1875 г.
Текущее местонахождение: Частное собрание

Описание картины.
"Парижское кафе" передает блестящую, волнующую атмосферу городской жизни, которая напоминает театр, где все зрители и все актеры.
Репин выстраивает картину как мизансцену, где на переднем плане - красавица с соболиными бровями и вызывающе гордым видом. Собственно, она выглядит тем "солнцем", вокруг которого вращаются остальные герои. Для Репина герои прежде всего воплощение французского духа, это "парижские типы", говоря слогом "натуральной школы".

Илья Ефимович тщательно прорабатывает передний план. Внимание зрителя поочередно привлекают группы персонажей, занятые беседой, позированием, чтением. Но большинство героев обращает свои взволнованные взгляды на фигуру пришедшей в кафе без сопровождения женщины. Один из двух покидающих кафе мужчин безразлично зевает — скорее всего, он коренной парижанин, а вот его английский спутник пристально рассматривает даму через пенсне, не веря такой откровенной дерзости.
Прототипами персонажей являются представители культурной жизни Парижа.

Художник Касаткин Н.А. 1899 г. - Добрый дедушка.
Саратовский государственный художественный музей имени А.Н. Радищева
Картина "Добрый дедушка" была создана под влиянием учения о нравственном самоусовершенствовании Л.Н. Толстого, знакомство с которым произошло в начале 1880-х гг. С великим русским писателем Касаткина связывали долгие годы дружбы. Художник почти каждое лето гостил в Ясной Поляне, вёл оживлённую переписку с членами семьи писателя, выполнял различные его поручения. Теплые дружеские отношения были скреплены обоюдным интересом и вниманием к творчеству друг друга, к социальным аспектам жизни общества. Вероятно, этим можно объяснить и непременную литературность сюжетов произведений Касаткина.

В основу повествования картины "Добрый дедушка" положен мотив помощи ближнему. Картина представляет незначительный эпизод из городской жизни: старик покупает пару яблок у уличной торговки, которая радушно раскрыла перед ним корзины с товаром, предлагая всё для выбора. Само название картины подсказывает, что старик покупает яблоки не для себя, а чтобы угостить мальчика, во взгляде которого читается восторг и обожание. Касаткин основное внимание сосредотачивает не на типах, участвующих в рассказе, а на событии как таковом. Удачен образ благообразного старика: книга в руке, добротное, но поношенное пальто, представляют человека небольшого достатка, образованного и добросердечного.

Фирс Сергеевич Журавлев: "Перед венцом", (1874)
Государственный Русский музей, Санкт Петербург
Данное полотно, как и многие другие картины Журавлева, изображает драматичный и «закулисный» мир 19 века, отраженный в многочисленных пьесах Островского. Перед зрителем разворачивается очередная любовная драма – юная невеста в рыданиях сидит на коленях.

Брак по расчету – нередкое явление в те времена. Вот и этой юной барышне уготована роль жены нелюбимого ею человека. Скорее всего, ее будущий муж богат и весьма знатен, но, увы, стар и неприятен ей. Тем не менее, выгодный брак куда удобнее родителям невесты, которые решили таким образом значительно поправить их шаткое положение в обществе.

Золотая осень. И. Левитан, 1895 год.
Сегодня «Золотая осень» считается вершиной мастерства Исаака Левитана, а во времена создания картины к живописцу относились довольно предвзято и упрекали в желании писать пейзажи. Мол, негоже еврейскому художнику браться за дело исконно русских мастеров. Тем не менее, пейзажи, написанные Левитаном, занимают первые места в «золотом фоне» русской живописи.

Осеннее утро - Григорий Григорьевич Мясоедов. 1893. Холст, масло. 88х70
Музей: Третьяковская галерея

Арчибальд Джойс - вальс Осенний сон

Осенние пейзажи особо любимы художниками. Разноцветье, которое дарит природа в это время, отличается особой яркой грустью.

Перед нами лес, щедро раскрашенный осенью. Ручеек, спрятавшийся в опавших листьях, словно укрывается одеялом в ожидании зимних морозов. Островки летней зелени еще напоминают о теплой и сухой поре. Небо скрыто листвой и ветками, но, судя по всему, день будет ясным. Густое и тягучее осеннее солнце уже окрасило кору деревьев в красноватый цвет. Туман еще не полностью рассеян. Пока лишь буйство разноцветных осенних листьев делает лес нарядным, почти сказочным.

Теплый, желтый цвет занимает наибольшую площадь пейзажа. Подхватывает его красный, уравновешивает цветовую палитру - коричневый, бурый. Фиолетовые цветочные вкрапления довершают цветовой спектр работы.

О неком "присутствии" человека в пейзаже говорит только одна деталь - пенек на переднем плане, несомненно, остался от спиленного дерева.

Картина создает особую, сложную атмосферу: с одной стороны, осенний лес не может не восхищать своей разноцветностью, с другой стороны, автор ясно намекает, что совсем скоро яркие и веселые краски уступят место невыразительным и печальным. Приближение зимы ощущается в каждом ярком листе, в каждой травинке.

Взгляд зрителя бежит вслед за ручейком, уходящим дальше в лес. Туманная синева на фоне пейзажа кажется таинственной и притягательной.
Источник