«Это случилось на рассвете. Бог обнял каждого из своих двенадцати детей и прошептал каждому из них один очень важный секрет жизни. Каждый малыш подошел к нему, чтобы получить свой назначенный ДАР»…

Чарли Чаплин говорил, что знал всего три гения: Эйнштейна, Черчилля и её – пианистку Клару Хаскил. Страдая от опухолей и сколиоза, чудом уцелев в годы Холокоста, она играла Баха и Моцарта так, что все заливались слезами.

Джованни Баттиста Виотти (12 мая 1755, Италия - 3 марта 1824, Лондон) - итал. скрипач и композитор. Ученик Г. Пуньяни. Совместно с Пуньяни турне по европейским странам, в 1781 концертировал в Петербурге. В сезоне 1782/83 дебютировал с большим успехом в "Духовных концертах" в Париже, где жил до 1791. Был аккомпаниатором Марии Антуанетты, капельмейстером герцога Субиза.

После Великой французской революции, подозреваемый в роялистских симпатиях, эмигрировал в Англию. Выступал в Лондоне в концертах, организованных нем. скрипачом И. П. Заломоном, а также совм. с Заломоном и Й. Гайдном в 1795 - в Opera concerts.
Был выслан в 1798 из Англии как революционный агент; жил в Шёнфельде, близ Гамбурга, с 1802 поселился в Лондоне, выезжая иногда в Париж. В дальнейшем оставил исполнительскую деятельность, занялся оперными антрепризами, принесшими ему разорение. В 1819-22 жил в Париже, где возглавил "Театр искусств" ("Гранд-Опера").
Виотти - крупнейший представитель эпохи героического классицизма в скрипичном искусстве, предшествовавшей появлению на концертной эстраде Николло Паганини. Блестящий исполнитель, игра к-рого отличалась широтой стиля, глубокой эмоциональностью и виртуозным размахом, видный композитор, он оказал решающее влияние на формирование и развитие в скрипичном искусстве 19 в. "школы парижской консерватории", возглавлявшейся П. Роде (его ученик), П. М. Байо и Р. Крейцером.
Автор многих инструментальных сочинений (29 концертов для скрипки. с оркестром, 21 струн. квартет, 36 струнных трио, 54 дуэта для 2 скрипки. и др.). Фрагменты скрипичной школы ("Mйthode de violon", 1803), написанные Виотти, опубликованы Ф. Хабенеком в его "Теоретической и практической методе скрипки" ("Mйthode thйoretique et pratique de violon", 1835). На родине Виотти в Верчелли проводятся междунар. конкурсы музыки и танца его имени основанные в 1950.

Концертный квартет No. 3 in G-Flat Major: 1.Ларгетто - Аллегро модерато

Концертный квартет  No. 3 in G-Flat Major, 2. Менуэт, 3.Андантино, 4.Аллегретто 

Текст из энциклопедии

Август

Еще горят лучи под сводами дорог,
Но там, между ветвей, все глуше и немее:
Так улыбается бледнеющий игрок,
Ударов жребия считать уже не смея.

О, русский вальс, изящных нот движенье,

Волшебных звуков царственный полёт,

Немой восторг до самопостиженья,

И красота, что за душу берёт.

А. Андронов

Русский вальс - явление уникальное. Он имеет свое особое звучание. Многие вальсы тесно связаны с русской литературой и историей страны.

Начало истории русского вальса положил Александр Грибоедов, блестящий дипломат и автор классической комедии в стихах «Горе от ума». Грибоедов был еще и прекрасным композитором.

Одно из его самых знаменитых произведений - Вальс №2 ми минор.

А первым "классическим" русским вальсом стал Вальс-фантазия Михаила Глинки. Именно он стал образцом в последствии для многих русских композиторов.

М. Глинка, Вальс-Фантазия

Михаил Иванович Глинка написал "Вальс-Фантазию" в 1839 году. Немногие знали тогда, что это музыкальная исповедь, которая обращена к Екатерине Ермолаевне Керн. Любовь Глинки к Е. Керн (дочери Анны Керн) стала прекрасной, но трагичной страницей его биографии.

Композитор вспоминал: «…я увидел в первый раз Е. К. Она была нехороша собой, даже нечто страдальческое выражалось на ее бледном лице… Мой взор невольно останавливался на ней: ее ясные, выразительные глаза, необыкновенно стройный стан и особенного рода прелесть, разлитые во всей ее особе, все более меня привлекали…»

Именно этот образ, чувства к девушке и препятствия, которые их разделяли, выразил Глинка в этой музыке.

"Вальс-фантазия" Глинки - не совсем танец, а скорее поэтический образ русского вальса, демонстрация тончайших оттенков чувств и эмоций русской души.

П. И. Чайковский, Сентиментальный вальс

Чайковский часто бывал в Каменке, небольшой деревушке под Киевом. Там он обретал спокойствие и счастье. Сестра композитора Сашенька с мужем принимали Чайковского очень тепло и были для него семьей.

В 1882 году Чайковский написал там сборник произведений для для фортепиано. Он посвятил его семье своей сестры и ее знакомым, гостившим в то лето в их доме.

Последняя, пьеса, «Сентиментальный вальс», была посвящена Эмме Гентон, приятной женщине, гувернантке-француженке.

Но сама мелодия вальса не связана с посвящением. Она выражает чувство спокойной грусти и возможно сожаления о прошедших годах молодости композитора.

А. Хачатурян, вальс из "Маскарада"

Этот вальс знают все. Его мелодия нравится и профессионалам и простым меломанам. Написанный в 1940 году как музыка к постановке драмы Лермонтова "Маскарад" , он давно стал мировой классикой.

С первых же нот вальс мгновенно захватывает вас. В нем есть что-то демоническое, что-то загадочно-прекрасное, властная энергия, так подходящая лермонтовской поэзии. Эта музыка идеально вписалась в романтическую драму Лермонтова.

Арам Хачатурян создал не просто вальс, а схватил саму суть романтической музыки, изобразил ее самыми густыми музыкальными красками.

Евгений Дога, вальс из "Мой ласковый и нежный зверь"

К 1978 году, когда был создан вальс к фильму «Мой ласковый и нежный зверь», Евгений Дога был уже известным композитором и был очень популярен среди кинематографистов.

Эмиль Лотяну начал сотрудничать с композитором в начале 70-х годов. К моменту создания фильма «Мой ласковый и нежный зверь» они уже успели успешно поработать.

Интересно, что Лотяну работал над своими картинами под фонограмму уже записанной музыки. За полгода до съёмок Эмиль сообщил композитору, какая нужна музыка, но особенно акцентировал внимание на свадебном вальсе.

Сначала Дога обращался за вдохновением к вальсам конца XIX века, так как фильм готовился по произведению Чехова «Драма на охоте», но ничего интересного для себя так и не нашёл. Так что к началу съемок вальса еще не было.

Режиссер на на шутку разволновался. Тогда Евгений сел за инструмент и наиграл одну за другой несколько мелодий. Одна из них "зацепила" режиссера. К полуночи, оставшись один, композитор доработал произведение. Уже к утру знаменитый вальс был готов.

Впоследствии все участники съёмочной группы, словно заворожённые, прослушивали вальс снова и снова. Они не могли поверить, что этот шедевр был создан композитором за одну ночь.

Евгений Гринько, Вальс

Хотелось добавить в подборку одного из современных российских композиторов.

Евгений Гринько — композитор-минималист и мультиинструменталист из подмосковного Жуковского. Его музыка прозвучала в фильмах «Generation P», «Обитаемый остров» , «Шапито Шоу» и др.

Долгое время композитор не решался показывать аудитории свои произведения, считал их не оригинальными и слишком простыми. Но по совету друга выложил на Youtube. Первый ролик – любительское видео к номеру “Valse” к удивлению музыканта стал невероятно популярным в Азербайджане и Турции.

К настоящему времени музыкант выпустил альбомы: “Ice for Aureliano Buendia”, “Тише Воды” и видео “Graying Pt 1 & 2”, удостоенное приза на итальянском фестивале CinemaDaMare.

ГУСЛИ - САМЫЙ ЗАГАДОЧНЫЙ РУССКИЙ ИНСТРУМЕНТ
 

Большинство современников, услышав слово «гусли», вспомнят разве что новгородского Садко, или Волка из «Ну, погоди!». А ведь этот удивительный инструмент старше современной России, и прошёл с ней всю трудную и непростую историю.

Шлемовидные гусли

Символом России часто называют балалайку, но история русских гуслей гораздо древнее. Если повсюду известная ныне «андреевская», треугольная балалайка распространилась в России только в конце девятнадцатого века, то первые упоминания о гуслях, в связи с древними славянами, встречаются в греческих текстах шестого века. Но сами гусли ещё старше: в древней Греции этот инструмент называли кифАрой, или псалтЕрием, и он часто использовался в богослужениях. Кстати, книга «Псалтирь» называется так потому, что священные гимны исполняли под аккомпанемент «псалтЕрия», то есть древних гуслей. Простая и эффективная форма гуслей заслужила признание у многих народов и выдержала испытание десятками веков.

Древние русские звончатые гусли 

Чиприан Порумбеску, настоящая фамилия Голембиовский,14 октября 1853, Шипотеле-Сучевей, уезд Сучава, ныне село Шепот, Черновицкая область, Украина — 6 июля 1883— румынский композитор.
Биография
Сын священника Румынской Православной Церкви Ираклия Голембиовского  вместе с отцом в 1881 году поменял фамилию, «переведя» её с польского языка на румынский.
Начал заниматься музыкой под руководством Кароля Микули, гостившего в летние месяцы у его отца. Затем занимался в городке Илишешть у местного скрипача Симона Майера. В 1863—1873 гг. учился в школе в Сучаве, беря уроки музыки у композитора Штефана Носевича и у местного органиста Антона Валентина. Во второй половине 1860-х гг. сильное влияние на юношу оказал народный скрипач и лэутар Григоре Виндирэу. В 1873 г. поступил в богословское училище в Черновцах, в 1875 г. выступил одним из учредителей патриотического общества «Арбороаса» (старинное румынское название Буковины), сочинил его гимн. Руководил студенческими и рабочими хоровыми кружками. Некоторое время изучал гармонию и хоровое дирижирование у Сидора Воробкевича. В 1879—1881 гг. учился в Венской консерватории. Одновременно изучал историю в Венском университете.

Баллада для скрипки и оркестра

Во время обучения опубликовал «Сборник социальных песен для румынских студентов».
Получив консерваторский диплом, преподавал в музыкальном училище в Брашове, руководил хором в церкви святого Николая в пригороде Брашова. Там же в 1882 г. состоялось главное событие в прижизненной музыкальной карьере Порумбеску — премьера оперетты «Новолуние».
Умер в возрасте 29 лет от туберкулёза в селе Ступка, куда был переведён священником его отец. В настоящее время село носит его имя.
Чиприан Порумбеску был самым известным румынским композитором своего времени.
Произведения Порумбеску отличаются развитой мелодикой, ярко выраженным национальным румынским колоритом. 
 Румынская рапсодия

15 августа исполнилось 233 года со дня рождения композитора Александра Алябьева

Александр Алябьев с детства увлекался музыкой, брал уроки фортепиано и изучал композицию. Он писал романсы на стихи известных поэтов и вокальные миниатюры, произведения для оркестра и оперы для столичных театров. Алябьев пережил сибирскую ссылку, однако и там не оставлял свои занятия музыкой.

Офицер-композитор
Алябьев родился 15 августа 1787 года в Тобольске в семье гражданского губернатора. Дом Алябьевых был музыкальным, здесь играли и родители, и гости — ссыльные, которым покровительствовал отец будущего композитора. В 1796 году семья переехала в Петербург, где отец получил должность в Берг-коллегии — Горном ведомстве, а Александр Алябьев брал уроки музыки у Иоганна Генриха Миллера. Спустя несколько лет он переехал в Москву, где поступил в пансион при Московском университете и стал изучать основы композиции.
После номинальной службы, на которую он как «недоросль из дворян» был зачислен еще в 14 лет, Александр Алябьев приступил к службе действительной. Работу в московской Берг-конторе он совмещал с музыкальными занятиями. В 1810 году были изданы первые сочинения Алябьева — романс и вальсы.
Когда началась Отечественная война, Александра Алябьева зачислили в казачий полк и отправили на Украину. Он познакомился с Денисом Давыдовым и поступил в его партизанский отряд, а после был направлен в Иркутский гусарский полк, который стоял тогда в белорусском Кобрине. Там он подружился с Александром Грибоедовым и Николаем Толстым — отцом Льва Толстого.

Джованни Паизиелло (9 мая 1741, Роккафорцата, Таранто — 5 июня 1816, Неаполь) — итальянский композитор и педагог.

Начальное музыкальное образование Джованни Паизиелло получил в школе иезуитов в Таранто, в 1754—1763 годах учился в Неаполе, в консерватории,где одним из его учителей был Франческо Дуранте.

Успех оперы-буффа «Болтун», поставленной в 1764 году в Болонье, вдохновил Паизиелло на продолжение работы преимущественно в этом жанре. В следующие годы его оперы после премьеры в Неаполе, где композитор жил с 1766 года, с неизменным успехом ставились и в других городах Италии. В 1776 году Паизиелло был приглашён Екатериной II в Петербург и стал, после Б. Галуппи и Т. Траэтты, третьим выдающимся итальянским композитором, возглавлявшим музыкальную жизнь столицы Российской империи.

При жизни Бах был больше всего известен как первоклассный органист, преподаватель и сочинитель органной музыки. Он работал как в традиционных для того времени «свободных» жанрах, таких как прелюдия, фантазия, токката, пассакалия, так и в более строгих формах — хоральной прелюдии и фуги.

В своих произведениях для органа Бах умело соединял черты разных музыкальных стилей, с которыми он знакомился в течение жизни. На композитора оказала влияние как музыка северогерманских композиторов так и музыка южногерманских композиторов. Помимо того, Бах копировал сочинения французских и итальянских композиторов, чтобы лучше понять их технику; позже он переложил несколько скрипичных концертов Вивальди для органа. В течение наиболее плодотворного для органной музыки периода Иоганн Себастьян не только написал много пар прелюдий, токкат и фуг, но и «Органную книжечку» — сборник из 46 прелюдий, в котором демонстрировались различные методы и техники инструментальной обработки протестантских хоралов. После отъезда из Веймара Бах стал меньше писать для органа; тем не менее, после Веймара были написаны многие известные произведения. Всю жизнь Бах не только сочинял музыку для органа, но и занимался консультированием при постройке инструментов, проводил экспертизу новых органов и хорошо ориентировался в особенностях их настройки.

Двенадцать органных концертов

Творчество Гектора Берлиоза (1803-1869) – ярчайшее воплощение новаторского искусства. Каждое из его зрелых произведений открывало пути в будущее, дерзко «взрывало» основы жанра; каждое последующее непохоже на предыдущее. Их не слишком много, как и жанров, привлекавших внимание композитора. Основные среди них – симфонические и ораториальные, хотя Берлиоз писал и оперы, и романсы.

Во французской музыке XIX века этот композитор занимает особое, даже исключительное место – первого французского симфониста мирового масштаба. Если в немецкой музыке симфония уже давно была одним из основных музыкальных жанров, то Франция вплоть до последней трети XIX века была страной театральной, оперной, а не симфонической. Когда 27-летний Берлиоз «ворвался» в музыкальную жизнь Парижа своей необычной «Фантастической симфонией», здесь всего лишь два года существовал симфонический оркестр, и публика впервые слушала симфонии Бетховена, причем слушала с недоумением, неприятием, даже возмущением.

Храм Воскресения в Сокольниках,

Москва

А С Пушкин.

Зорю бьют...

из рук моих Ветхий Данте выпадает,

На устах начатый стих

Недочитанный затих

- Дух далече улетает.

Звук привычный, звук живой,

Сколь ты часто раздавался

Там, где тихо развивался

Я давнишнею порой.

<1829>

 «Пушкинский венок» это

Концерт для хора

(сл. А. Пушкина)

в 10 частях (1979)

1 Зимнее утро

2 Колечушко, сердечушко…

3 Мери

4 Эхо

5 Греческий пир

6 Камфара и мускус

7 Зорю бьют…

8 Наташа

9 Восстань, боязливый…

10 Стрекотунья белобока…

В «Пушкинском венке» Свиридов

использовал форму русского хорового концерта, соединив в нем черты больших эпических полотен и лирических камерных хоровых миниатюр.

«Пушкинский венок» — это и венок из прекрасных цветов пушкинской поэзии, и лавровый венок поэту. В нем одновременно множество отдельных соцветий и стеблей — множество разнообразных тем и мотивов. Каждое мгновение они предстают во все новых сочетаниях, рождают все новее контрасты, в то же время созидая поразительное единство.

Первое исполнение концерта для хора «Пушкинский венок» состоялось 5 апреля 1979 года в Большом зале Московской консерватории в год празднования 180-летия со дня рождения поэта.

Многие оперы Сальери имели успех не только в ставшей ему родной Вене, но и в Париже, Лондоне, Праге, Варшаве, Лиссабоне и Милане. Современники Сальери восторженно отзывались о его сочинениях.

“Десятки раз я проливал слезы. Это было слишком сильным потрясением для меня”, – такую запись в своем дневнике сделал поэт Генрих фон Герштенберг после “Армиды” в Гамбурге (1776 год). Эрнст Гофман в 1795 году так отозвался об “Аксуре, царе Ормузском”, поставленном в Кенигсберге:

“Музыка Сальери как всегда прекрасна: богатство идей и вокальное совершенство – на том же уровне, что и у Моцарта… Если бы я мог написать одну такую оперу, это бы стало успехом всей моей жизни”.

Е.Д. Спасский (1900-1985). Людвиг ван Бетховен.

«Знаешь ли ты, что такое рококо?» —

спросил однажды Чайковский у Вильгельма Фитценхагена, своего друга, профессора класса виолончели Московской консерватории. Тот кивнул. Композитор сказал:

«Это беззаботное чувство радости» –

и напел изящную тему. «Вариации на тему рококо» для виолончели с оркестром стали жестом преклонения Чайковского, человека мятущейся романтической души, перед гением Моцарта, гармоничностью его эпохи и стиля.

Вариации впервые исполнены 18 ноября 1877 года в Москве под управлением Николая Григорьевича Рубинштейна, солировал Вильгельм Фитценхаген, а затем триумфально исполнялись в Европе. В издательство Фитценхаген послал свою редакцию сочинения, где в партии виолончели нетронутыми остались лишь 11 авторских тактов. Чайковский гневался, но велел оставить, как есть.

«Вариации на тему рококо» для виолнчели с оркестром являются тонким и привлекательным произведением концертного типа. Условность названия, данного композитором своему сочинению, уже отмечалась много раз: простая безыскусственная тема вариаций мало напоминает жеманную манерность стиля рококо, сочетая типично русскую напевность с моцартовской ясностью и чистотой рисунка.