Украшения из драгоценных камней люди начали создавать еще на заре своей истории. Всем известно, что пройти мимо красивогоизделия из натурального камня практически невозможно, поневоле хочется остановиться, взять его в руки и полюбоваться им. Во все времена обладание украшениями из самоцветов считалось показателем достатка и положения в обществе. В древности изделия из натуральных камней приносили в дар богам, как самое ценное, что было у людей. И до сих пор одним из лучших подарков можно считать украшения из камней. Существует великое множество как драгоценных, так и полудрагоценных камней. Давайте немного поговорим о том, какие они бывают.

Если подходить строго, то само понятие драгоценный камень скорее отражает наше эстетическое восприятие камня, например, еще в начале 20 века бытовало мнение, что показателем драгоценности камня являются - красота, долговечность и редкость. Согласитесь, это - далекое от научного трактование драгоценных камней. Но давайте все таки посмотрим, какие камни относят к драгоценным. Это - алмаз, рубин, сапфир, александрит - эти камни можно отнести к группе драгоценных камней. Однако как правило, стоимость их очень высока, и тогда на помощь приходят украшения из полудрагоценных камней: жемчуг, перламутр, коралл, янтарь, бирюза, аквамарин, агат и многие другие.

В обиходе мы называем все камни самоцветами, но что же такое самоцветы? На самом деле, самоцветы - "это цветные и бесцветные камни и окаменелости, применяемые в обработанном или естественном виде в украшениях из камня и художественных изделиях".

 

Миниатюра на эмали (или финифти, как ее часто называют в России)- один из наиболее интересных и ярких видов миниатюрной живописи, который всегда относился к элитарным видам искусства. Элитарный, эксклюзивный характер миниатюр определяется с одной стороны высоким живописным мастерством художника по эмали, а с другой - чрезвычайно сложным и трудоемким процессом их изготовления.

Миниатюра на эмали - техника художественного эмалирования, которая использует прием кистевой станковой живописи. Первую прописку изображения (подмалевок) выполняют на белом эмалевом фоне медной пластины-основы. После подмалевка пластину высушивают, обжигают в муфельной печи при 800 градусах и снова прописывают. Этот процесс для получения максимальной цветовой изысканности и детальности рисунка художник повторяет многократно. Чтобы получить миниатюру с яркой палитрой, художник должен в совершенстве владеть секретами технологии, обучение которым требует многих лет труда.

Миниатюра на эмали появилась в Европе в начале17 века. Широкое развитие она получила во Франции. Сегодня, например, знаменитые лиможские эмали известны не меньше, чем знаменитый лиможский фарфор.

Появление русской миниатюры на эмали относится к концу 17 века и связано с именем царя Петра I, чьи миниатюрные портреты, усыпанные драгоценными камнями, служили высшей наградой России и вручались лично государем за большие заслуги перед государством.

Эмали во все времена были дороги и ценились на уровне драгоценных камней, с которыми спорили по цвету, прозрачности и блеску. Они являлись достоянием, главным образом, высших слоев общества, представители которых всегда живо откликались на перепады скоротечной моды, на требования которой необычайно чутко реагировало искусство эмали.

Русская эмаль имеет богатую историю. За многовековую историю своего существования она не только сохранилась (в отличие от многих других стран), но и превратилась в драгоценную жемчужину русского и мирового искусства.

Расписная (живописная) эмаль - техника художественного эмалирования, использующая живописный прием письма эмалями при помощи кисти. Тонкую пластину серебра, меди или сделанную из этих материалов объемную форму покрывают с двух сторон белой эмалью. На лицевой стороне эмалевой краской насыщенного цвета прописывают контур изображения и его детали, например лицо, волосы, складки одежды. Для нанесения контура рисунка применяют также способ перевода рисунка с бумаги, так называемый "припорох", когда контур изображения накалывается на бумажном листе и припорашевается сверху толченым углем или голландской сажей, которые, проходя через наколотые отверстия, образуют точечный контур. Затем его обводят эмалевой краской, подвергают обжигу и расписывают контурное изображение разноцветными эмалями, которые располагают одну рядом с другой, создавая из отдельных цветовых пятен эмали единую красочную гамму. Так как эмаль накладывается локальными фрагментами, то обжиг делают по 10-15 раз, учитывая разный уровень температуры плавления используемых эмалей. В расписной эмали используют цветные прозрачные и непрозрачные эмали. Применяют также бесцветную прозрачную эмаль (фондон), которой перед последним обжигом покрывают рисунок для предохранения росписи от повреждений. В русской художественной эмали расписную эмаль стали применять в последней четверти 17 века. В этой технике работали мастера- эмальеры Оружейной Палаты Московского Кремля, а также Великого Устюга и Сольвычегодска. Сольвычегодские расписные эмали часто называли "Усольскими", так как старое название Сольвычегодска было Усольск.

Резьба по кости - Россия, Russia Искусство резьбы по кости - яркое проявление народной художественной культуры России. Обработка кости имеет древние традиции, что подтверждается многочисленными предметами, найденными в результате археологических исследований. Косторезным промыслом в Нижегородском крае занимались давно. Еще в XVIII веке мастера Павлова и Ворсмы украшали ножи костяными рукоятками в виде объемной небольшой скульптуры. Фигурки львов, драконов, птиц, воинов выполнены с тонким пластическим мастерством. Они являются образцами мелкой пластики в Нижегородской народной резьбе по кости. Возрождение промысла в XX веке связано с именем мастера Парфена Черникова, который был приглашен в Нижний Новгород из всемирно известного центра косторезного искусства г. Холмогоры Архангельской области. В 1973 году в поселке Варнавино Нижегородской области была организована фабрика художественной резьбы по кости.

Золотая хохлома-разное

Труд иконописца - труд для Бога. В этом труде человек целиком забывает себя, полностью полагаясь на Волю Божию. Ведь икона рождается только там, где есть духовное делание. И все суетные заботы оставляет истинный иконописец за приделами его дерзаний. Ради истины в жертву приносится все временное, и ценится все то, что не в ущерб совести. Любовь к Богу и будет любовным деланием. Совершается оно с молитвой, устраняющей все преграды. Икона, творимая любовным деланием, как сокровенное искусство, постигается только внутренними очами, то есть богомысленно. Всмотрись в Образ и почувствуй к Нему свою любовь. Такой взор и будет богомысленным. Он умудрит твою кисть творить церковно и жить в Боге.
Живописная картина изображает земной мир, видимый глазами и по-своему прочувствованный художником. Иконописец входит в духовный мир, полагаясь на благодать Святого Духа, не доверяя поиск своему несовершенному внутреннему видению, как доверяет ему обыкновенный художник. Иконописец вверяет себя Иисусу Христу, Который и ведет его благодатной стезей предания и откровения.
Земной мир - это наш временный дом. Несомненно, что мы должны его знать и любить, и живописцы нам в этом помогают. Иконописцы уважают труд художника, но они предпочитают быть осторожными к красотам земного мира, чтобы не впасть в соблазн безблагодатного изображения естества.
Духовный мир - это мир верующего сердца. И окном в этот мир служит икона. Она является зримым изображением образа Спасителя, Его земной и Божественной сути. Это же относится и к образу Богородицы, а так же к образам Апостолов и святых Божиих угодников. За каждым образом стоит Первообраз: неспроста же Иисус Христос дал людям первую Свою нерукотворную икону, приложив плат к Своему лику. Апостол Лука создал первые рукотворные иконы, одухотворенные Святым Духом. А благовестник Божественного откровения Апостол Иоанн Богослов также неспроста покровительствует иконописцам.
Около двух тысячелетий иконы исцеляли и спасали не только отдельных людей, но целые города и страны. Будем надеяться, что и нам, при теперешних наших бедах, поможет задушевная молитва перед святыми иконными образами.

История жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) - Жостове, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других - возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Первым лакировальным заведением в Подмосковье была фабрика купцов Коробова-Лукутиных, основанная в конце XVIII века в селе Федоскине, в 7 км от Жостова.

Наряду с табакерками и другими небольшими предметами портсигарами, кошельками, коробочками и другими, в 1830-1840-х годах в отдельных мастерских стали изготавливаться и подносы, овальные или круглые, орнаментированные довольно скромно - чаще всего лишь золотыми бордюрами. Материалом для них служило папье-маше.

В середине и особенно во второй половине XIX века производство подносов в Жостове и окрестных селениях увеличилось, причем папье-маше заменило железо. Железные подносы постепенно вытеснили табакерки и другие "бумажные" поделки из мастерских Троицкой волости.

Выгодное расположение вблизи столицы обеспечивало промыслу постоянный рынок сбыта и позволяло обходиться без посредничества скупщиков. В Москве же приобретались и все необходимые для производства материалы.

Подобно другим народным промыслам 1910 - е годы Жостово переживало кризис. Спрос на подносы упал, производство сокращалось. Мастера уходили в сельское хозяйство, в отхожие промыслы. Оставшиеся организовали в 1912 году в деревне Новосильцево Трудовую артель, но она скоро распалась.

Лишь в 1920 - е годы с общим подъемом народного искусства и возрождением артелей во многих местностях возникли они и вокруг Жостова, а в 1928 году объединились в одну - "Металлоподнос", с 1960 года переименованную в существующую и поныне Жостовскую фабрику декоративной росписи.

1920 - 1930 - е годы были нелегкими в истории Жостова. Общие для советского искусства тенденции прямолинейного утверждения современности и реализма приводили к тому, что ведавшие народными промыслами организации пытались изменить традиционное направление их развития и внедряли в жостовскую живопись образцы орнаментальных и тематических композиций, созданные художниками - профессионалами без учета специфики местного искусства и несущие черты станковизма и натурализма. Ведущие художники Жостова понимали чужеродность подобных новаций самой сущности народного творчества, умели противостоять им и направить новые идеи на углубление традиционного мастрества.

Жостовская Эмаль

 Художественные изделия из глины были распространены достаточно широко. Среди них встречаются фигурные рукомойники, всевозможные лепные сосуды, в том числе фигурные переносные фляги, детские игрушки, поливные чаши, плитки и многое другое.

В изготовлении художественной керамики также выделялись некоторые крупные центры, продукция которых расходилась широко по стране и имела свои отличительные черты (Гжель, Скопин, Ярославль, Липецк и др.). Гончарные изделия украшали цветной глазурью, а также гравировкой, тиснением.

Особый вид художественной керамики составляла глиняная игрушка, имевшая большой спрос на внутреннем рынке. Наибольшую известность получила вятская (дымковская - из слободы Дымковской) игрушка-свистулька из слабо обоженной глины, отличавшаяся красочной нарядностью и остро бытовым и социальным содержанием. Среди вятских игрушек чаще всего встречались фигурки животных, птиц, всадников, женщин ("барыни", "няньки"). Филимоновская игрушка (Тульская губерния) отличалась производством коней и всадников, крашенных красными и зелеными полосами. В Гжели выделывали мелкую скульптуру в виде птиц, животных, крестьян, занятых различным трудом. В скопинской керамике преобладали изображения змей, медведей, хищных птиц и т.д.

Керамика (др.-греч. κέραμος — глина) — изделия из неорганических материалов (например, глины) и их смесей с минеральными добавками, изготавливаемые под воздействием высокой температуры с последующим охлаждением.^[1]

В узком смысле слово керамика обозначает глину, прошедшую обжиг.

Самая ранняя керамика использовалась как посуда из глины или из смесей её с другими материалами. В настоящее время керамика применяется как индустриальный материал (машиностроение, приборостроение, авиационная промышленность и др.), как строительный материал, художественный, как материал, широко используемый в медицине, науке. В XX столетии новые керамические материалы были созданы для использования в полупроводниковой индустрии и др. областях.

Керамика3

Береста1

 Художественные изделия из глины были распространены достаточно широко. Среди них встречаются фигурные рукомойники, всевозможные лепные сосуды, в том числе фигурные переносные фляги, детские игрушки, поливные чаши, плитки и многое другое.

В изготовлении художественной керамики также выделялись некоторые крупные центры, продукция которых расходилась широко по стране и имела свои отличительные черты (Гжель, Скопин, Ярославль, Липецк и др.). Гончарные изделия украшали цветной глазурью, а также гравировкой, тиснением.

Особый вид художественной керамики составляла глиняная игрушка, имевшая большой спрос на внутреннем рынке. Наибольшую известность получила вятская (дымковская - из слободы Дымковской) игрушка-свистулька из слабо обоженной глины, отличавшаяся красочной нарядностью и остро бытовым и социальным содержанием. Среди вятских игрушек чаще всего встречались фигурки животных, птиц, всадников, женщин ("барыни", "няньки"). Филимоновская игрушка (Тульская губерния) отличалась производством коней и всадников, крашенных красными и зелеными полосами. В Гжели выделывали мелкую скульптуру в виде птиц, животных, крестьян, занятых различным трудом. В скопинской керамике преобладали изображения змей, медведей, хищных птиц и т.д.

Художественная ковка 2

Кузнечное дело, как известно, самое древнее ремесло, связанное с металлом. Впервые человек начал обрабатывать ударом, т.е. ковать, еще в каменном веке самородные и метеоритные металлы. Многие музеи имеют в своих фондах "кузнечные инструменты" тех далеких времен: небольшие камни-молоты и массивные плоские камни-наковальни со следами металла. И уже тогда, создавая различные предметы быта или охоты (ножи, кресала, топоры, наконечники стрел и копий), человек старался отковать их красивыми по форме.

История не сохранила имен умельцев тех далеких времен, и только мифы и легенды рассказывают нам о художниках-кузнецах древности: так знаменитый Гефест отковал прекрасные медные чертоги для богов Олимпа, боевые доспехи для легендарного героя Ахилла, молнии для Зевса, различные атрибуты для других небожителей.

Художественная ковка на территории нашей страны широко применялась уже в VII в. до н.э. в районах Причерноморья, северного Кавказа, Южного Урала. Достаточно полно известна нам культура древних скифов, у которых наряду с художественным литьем было хорошо налажено изготовление золотых и серебряных украшений и всевозможной утвари методом чеканки, штамповки с "эластичной средой" и ковки.

Кузнецы Скифии, кроме изготовления различных художественных изделий, владели секретами кузнечной сварки для производства высококачественного режущего и рубящего оружия. В дальнейшем кузнечная сварка легла в основу изготовления холодного оружия из многослойной стали, так называемого сварочного булата. Особенно больших успехов добились мастера из Дамаска. Поэтому такая многослойная сварная сталь впоследствии стала называться дамасской.

Начиная с XVII в. в крупных городах страны разворачивается строительство дворцово-парковых ансамблей, и многие кузнечные мастерские переходят на изготовление больших и малых оград. Старые русские мастера не только отлично знали технологию ковки, но и обладали большим художественным вкусом. Созданные ими ограды и решетки не терялись на любом фоне, были выразительны в архитектурном окружении и производили впечатление как вблизи, так и на расстоянии. Красота этих решеток заключалась в соразмерном сочетании художественных элементов и их ритмичности.

В последнее время потребность в кованых изделиях растет все выше и выше. И это не удивительно, ведь каждая из них является произведением искусства, созданное вручную мастерами своего дела.

Название этого небольшого поселка в центральной России известно не только в нашей стране, но и далеко за ее пределами. И это вполне заслуженно. Ни с чем несравнимая образность и характерный стиль палехского искусства обязаны глубоким традициям древнего искусства - иконописи, традициям народно-прикладного творчества. После Октябрьского переворота палехские иконописцы, столетиями передававшие свой опыт и стиль нашли новое приложение своему таланту и умению. Художник учится всю жизнь. Сначала это детская художественная школа. Потом Палехское художественное училище, обучение в котором длится пять лет. Но и после защиты диплома проходят многие годы кропотливого труда и выработки собственной духовности, глубины и широты художественной культуры, прежде чем художник достигнет высот своего творчества и художественной зрелости. Сюжеты и формы палехских произведений очень многообразны. Это и традиционные шкатулки строгих линий, и изящные миниатюрные ларцы, и совсем крохотные бисерницы, женские броши и украшения, мужские портсигары, очешники, письменные приборы, поражающие своей изысканной обработкой. И для каждой из этих форм находится свое неповторимое решение. Возможности палехского искусства неограниченны только маленькой, традиционной коробочкой, тончайшую роспись которой иногда приходится рассматривать сквозь увеличительное стекло. Это и книжная графика, и стенная роспись в технике яичной темперной фрески, оформление интерьера залов, камерных кабинетов и деловых офисов лаковыми панно и холстами. Это оригинальные по манере и технике исполнения портреты, поздравительные и юбилейные адреса, открытки, значки и многое другое. Палехское искусство таит в себе неисчерпаемые возможности. Цена подлинных палехских произведений на первый взгляд может показаться недешевой. Но написание одной вещи требует много труда, мастерства, фантазии и времени. Все начинается с того, что темперные краски накладываются тонким слоем, чем достигается легкость и прозрачность цветовой гаммы. Эти краски готовятся каждым художником самостоятельно. На эмульсии, приготовленной из яичного желтка и уксуса. Благодаря именно этой эмульсии, использовавшейся еще иконописцами из Византии при росписях храмов, краски приобретают необходимую твердость и прочность. Следующая стадия - роспись золотом. Золото для росписи приготавливает так же сам художник. С помощью пальцев тонкие листы сусального золота разбиваются и перетираются с гуммиарабиком. Приглядитесь как тонки золотые штрихи и завитки на орнаментах. Для достижения этого художник использует самодельные, с тончайшим кончиком кисти из беличьих хвостов. Теперь вы понимаете, как сложно и многоэтапно рождение палехской шкатулки. В последнее время рядом с настоящими произведениями палехского искусства появилось множество безобразных, некачественных подделок. Благодаря Интернету появилась возможность непосредственного общения художника со своими зрителями, что поможет по настоящему ощутить всю глубину и красоту настоящего искусства. Желаем вам счастливого путешествия в мир прекрасного

Палех1

ЩЁЛКНУТЬ ПО ИЗОБРАЖЕНИЮ!

Художественное стекло.  Один из первых созданных человеком искусственных материалов, было изобретено в древности в Восточном Средиземноморье. В качестве материала декоративно-прикладного искусства стекло применялось лишь в периоды экономического процветания, и поэтому история художественно стекла тесно связано с историей каждой цивилизации. Египет и Сирия. С древнейших времен, начиная примерно с 4000 до н.э., египтяне использовали в качестве украшений множество мелких декоративных предметов со стекловидным покрытием. Эти предметы делались из мыльного камня или смешанного керамического материала и покрывались непрозрачной стеклянной поливой, окраска которой варьировалась от бирюзового до синего цвета. Вряд ли стекло использовалось для изготовления самих сосудов, а не только стекловидных покрытий, до XVIII династии (ок. 1575–1320 до н.э.), эпохи экономического расцвета и прогресса; с этого времени и в истории стекла началась эра художественных и технических достижений, закончившаяся с падением XXI династии (ок. 950 до н.э.). В этот период египтяне открыли, что стекло можно использовать и для изготовления бус и амулетов или для инкрустации. Стекло стало ценным материалом, который нередко применялся в сочетании с золотом или полудрагоценными камнями. К давно известным красителям – глубокому синему и плотному бирюзовому – добавились новые непрозрачные цвета: красный, оранжевый, зеленый, желтый, фиолетовый, пурпурный и белый, а сам материал приобрел новые функции. Из стекла делали вставки для ювелирных украшений и плакеток, сосудов для питья, литых и резных фигурок или голов царских скульптурных изображений, выполненных из нескольких материалов. Разнообразные сосуды и склянки для мазей и бальзамов (унгуэнтарии), имевшие определенную форму в зависимости от вида косметики, составили самую большую группу предметов из стекла. Стеклянные туалетные банки обычно были небольшими, по причине трудоемкой технологии их изготовления, однако сохранилось и несколько крупных полых сосудов. Для создания сосуда к формованной на металлическом пруте глиняной основе добавляли голубое непрозрачное стекло. Изделие обвивали контрастного цвета стеклянными нитями, уложенными в пестрые волнистые узоры и сплавленными с поверхностью. В законченном виде эти сосуды очень изысканны

Миниатюры из стекла 1    ЩЁЛКНУТЬ ПО ИЗОБРАЖЕНИЮ!

Миниатюры из стекла 2   ЩЁЛКНУТЬ ПО ИЗОБРАЖЕНИЮ!

Лучшие традиции мастеров народного творчества получили развитие в достижениях современного декоративно-прикладного искусства. Здесь представлены произведения ведущих народных художественных промыслов (игрушка, резьба по дереву, кости и камню, обработка металлов, роспись по дереву, лаковая миниатюра, кружево и вышивка) и художественной промышленности. С лучшими образцами этой коллекции знакомит экспозиция, размещенная в этой программе. Особенно интересны народные художественные промыслы, многие из которых зародились еще в XVIII-XIX вв. Одним из древних является производство игрушки - деревянной и глиняной. Как крупные центры изготовления разнообразных игрушек известны многие села, деревни и небольшие городки Московской, Нижегородской, Кировской, Архангельской и Тульской областей. Современная народная игрушка, сохранив лучшие старые традиции (лаконичность форм, выразительность силуэтов, бережное отношение к материалу), привлекает внимание качественно новым ярким образным решением. Всемирную славу получила деревянная игрушка богородских резчиков Сергиево-Посадского района Московской области. Не менее известна и глиняная игрушка дымковских мастериц (Кировская область), отличающаяся архаичностью форм и особым красочным колоритом.

Миниатюры2

Миниатюры3

Костяной фарфор представляет собой известный компромисс между твердым и мягким фарфором. Его состав открыт в Англии, и там же около 1750 года началось его производства. Кроме каолина и полевого шпата, он содержит фосфат извести из пережженной кости, делающий возможной более легкую плавку. Обжигается костяной фарфор при 1100-1500°С. Здесь речь идет по существу о твердом фарфоре, но таком, который путем примешивания пережженной кости делается мягче. Его глазурь в основе та же, что на мягком фарфоре, но содержит, кроме окиси свинца, некоторое количество буры для лучшего соединения с черепком. При соответствующей температуре эта глазурь плавится и прочно соединяется с черепком. По своим свойствам костяной фарфор занимает промежуточное положение между твердым и мягким.

Твёрдый фарфор применен в 1748 году в Бау Томасом Фраем.Различаются два принципиально отличных вида декора: рельефный или же пластическим образом налепливаемый декор и роспись. Рельефный декор вделан непосредственно в материал самого предмета - граверным путем, перфорацией или посредством рельефообразных завышений. Предмет либо отливается в формах вместе с рельефом, либо рельеф или же пластические части декора (цветки, почки, листья, фигурки в качестве рукоятей и т.д.) формируются отдельно и потом наклеиваются. Красочный декор исполняется либо под глазурью, либо над ней. Во время подглазурной росписи, особенно часто встречающейся на китайском фарфоре, окиси металлов способные вынести большой жар (кобальт, гематит) наносятся непосредственно на черепки и затем обжигаются вместе с глазурью. Старейшая надглазурная техника - это роспись эмалевыми красками, палитра которых довольно ограничена. На твердом фарфоре краски часто пластически выделяются на поверхности глазури, так как обжигаться при высокой температуре они не могут и поэтому не соединяются с глазурью. На мягком же фарфоре они нередко расплавляются вместе с глазурью и сливаются с ней. Так называемые муфельные краски и позолоты также наносятся на глазурь.

Фарфор - благороднейший и наиболее совершенный вид керамики. От всех других видов он в то же время отличается некоторыми особыми свойствами, например, тем что его масса не только на поверхности, но и в изломе абсолютно бела. Характерна также прозрачность в наиболее тонких местах черепка. Состоит фарфор из смеси различных сортов глины и просвечивающей глазури, которой покрыт черепок. Если дважды обожженная фарфоровая масса оставляется без глазури, как было принято на некоторых фарфоровых заводах при изготовлении мелкой пластики, медальонов, реже посуды - такой фарфор называется бисквитным.

КЛИКАБЕЛЬНО!

Культура камня древних кочевых племен выплескивалась в сопредельную степь в виде каменных изваяний раннего и позднего средневековья. Отношение к камню кочевых племен - это тот фон, на котором впоследствии развивалось русское камнерезное искусство Сибири - искусство колыванских камнерезов.
В предгорьях Алтая есть озеро Белое. Озеро примечательно тем, что посредине его расположен небольшой каменистый островок. Над ним и до наших дней иногда пролетает легкое облачко народного предания о том, как основатель Колыванского медеплавильного завода, расположенного неподалеку, приказал своим подневольным горнякам насыпать посреди девственного озера искусственный островок, на котором он готовился принимать русскую императрицу и пировать с нею без свидетелей. Этим заводчиком, впоследствии знаменитым российским предпринимателем, был Акинфий Никитич Демидов.
К 1725 году Акинфий Демидов открыто и уверенно начинает разработку алтайских руд, но алтайская медь это щит, за которым на протяжении двадцати лет он прятал свое настоящее дело, свой интерес к далеким Колыванским горам. Колывано-Воскресенский завод, второпях поставленный на речке Локтевке, позже был перенесен в долину реки Белой - на то самое место, удивительно уютное и живописное, где и поныне располагается Колыванский камнерезный завод.
Демидовское медеплавильное дело на Алтае - это прелюдия к той симфонии камнерезного искусства, которую исполнили русские мастера XIX века в глубинах сибирских гор, но звуки которой и до сего дня не затихают в музейных залах Москвы и Петербурга.

Так уж складывались события и обстоятельства на Алтае, что первые опыты обработки самоцветов были произведены не в Колывани, а на Локтевском заводе.
Именно там, где река Алей круто поворачивает к востоку, более двухсот лет назад петергофский каменодельный мастер Петр Бакланов давал алтайским ученикам первые уроки обращения с твердым камнем, о приемах обработки которого сибиряки не имели никакого представления.
Именно там, на Локтевском заводе свершился поворот в судьбе горного ученика Филиппа Стрижкова - ему повезло встретиться с мастером Баклановым и таким образом петергофская школа камнерезного дела нашла в Сибири своего достойного продолжателя. В 1791 году Бакланов умер, но пяти лет совместной работы хватило для того, чтобы уроки были усвоены.

КЛИКАБЕЛЬНО!

КЛИКАБЕЛНО!

КЛИКАБЕЛЬНО!

КЛИКАБЕЛЬНО!

Древнейшее искусство художественной обработки дерева в виде скульптуры и резьбы было распространено у русских в первую очередь в лесистых районах. Украшения жилища в виде тесанного топором объемного изображения головы коня, реже оленя, а также птиц (утки, гуся, лебедя) широко бытовали в севернорусских (Вологодская, Архангельская, Пермская) и соседних центральных (Ярославская, Тверская, Костромская) губерниях более всего в виде коньков на крыше, иногда парных. Была распространена у русских на севере вплоть до 20 в. и округлая деревянная скульптура религиозного содержания чаще всего на тему "Страсти Христовы". С религией было связано и вытесывание и украшение деревянных крестов-часовен (надмогильных и обетных).

КЛИКАБЕЛЬНО!

Еще большее распространение, чем деревянная скульптура, получила плоскорельефная или долбленая резьба, которой украшали не только фасады домов, но и другие деревянные поверхности (ворота, наличники, прялки и т.д.). Принадлежа к древнейшему слою восточнославянской резьбы, она производилась первоначально топором, ножом, затем - долотом. Треугольники, ромбы, розетки составляли многочисленные вариации разных композиционных решений. По своей технике и стилистическим особенностям можно выделить поволжскую высокорельефную резьбу - "корабельную резь", перенесенную с кораблей в 19 в. в область народной архитектуры

КЛИКАБЕЛЬНО!

. По своим узорам, изображавшим ветвь аканта или винограда, фантастических "сиринов", "берегинь" и львов, она была сходна со старинной белокаменной резьбой и часто сочеталась с раскраской. В последней четверти 19 в. глухая долотная резьба была вытеснена более легкой и дешевой пропильной, выполнявшейся с помощью лобзика.Производство расписной деревянной посуды было налажено во многих городах и селах. Наибольшую известность получила работа хохломских мастеров (Нижегородская губерния). Изготовление и роспись токарной деревянной посуды, сложившиеся здесь в 16-18 вв., во второй половине 19 в. дополняется лакировкой. Хохломские изделия с характерным для них старинным "травным" орнаментом и золотисто-красно-черной гаммой, сверкавшие лакированной отделкой под металл, через ярмарки и базары расходились по всей стране.

КЛИКАБЕЛЬНО!