После просмотра фильма «Высоцкий. Спасибо, что живой», певица Алсу, полная вдохновения, вздумала нарисовать портрет великого барда, а после продавать творение на аукционе.

Как оказалось, помимо певческого таланта, Алсу довольно умело владеет кисточкой и красками, но неизвестно по каким причинам, девушка не выдавала своих талантов окружающим.

Но вот на днях, девушка посетила Филатовскую больницу и именно там она продемонстрировала свои достижения в живописи и показала портрет Высоцкого, нарисованный ее рукой.

Сама Алсу сказала, что в ее планах выставить работу на торги, и получить за нее деньги, которые пойдут на пожертвование больным детям. В том случае, если поклонникам Алсу не понравится работа девушки, и они не захотят покупать ее, близкие певицы поддержат ее в начинании и купят портрет на память.

А мы напомним, что для родственников Алсу купить портрет Высоцкого не составит большого труда, так как особой бедностью они не страдают.

По материалам: tv.ua; Фото: vkontakte.dj

В России металлические расписные подносы как модные предметы интерьера появились в XVIII в. Одной из причин появления в русской жизни железных подносов, украшенных цветочной росписью, было распространение традиции чаепития, которая со временем утвердилась в качестве русского национального обычая. Первые подносы начали изготавливать в 1-ой половине XVIII в. на уральском Нижнетагильском горном заводе промышленников Демидовых. Из листового железа (в основном бракованного) производили посуду, в том числе и подносы, украшенные росписью и покрытые лаком. Крепостной Демидовых Андрей Степанович Худояров изобрел особо прозрачный и необыкновенно прочный «хрустальный» лак на основе копаловой смолы с добавлением льняного масла и скипидара. По качеству он превосходил английский и французский, и приближался к китайскому. Ранние Нижнетагильские подносы были массивны и имели прямоугольную форму.

Живопись тушью (суйбокуга, или суми-э) - китайский стиль, заимствованный японскими художниками в XIV веке. Постепенно адаптируясь к японским вкусам, суйбокуга превратилась в конце XV века в основное направление японской живописи. Она абсорбировала некоторые элементы чисто японского стиля ямато-э и явилась, в свою очередь, тем фундаментом, на базе которого сформировался китайско-японский синтез школы Кано.

Суйбокуга монохромна. Она характеризуется использованием черной туши (суми), твердой формы древесного угля или производимой из сажи китайской туши, которая растирается в тушечнице, разбавляется водой и наносится кистью на бумагу или шелк.

Монохромность предлагает мастеру нескончаемый выбор тональных вариантов, которые китайцы давным-давно признали "цветами" туши. Суйбокуга иногда допускает использование настоящих цветов, но ограничивает его тонкими, прозрачными мазками, которые всегда остаются подчиненными линии, исполненной тушью. Живопись тушью разделяет с искусством каллиграфии такие существенные характеристики, как жестко контролируемая экспрессия и техническое мастерство формы. Качество живописи тушью сводится, как и в каллиграфии, к целостности и сопротивлению на разрыв проведенной тушью линии, которая как бы держит на себе произведение искусства, подобно тому, как кости держат на себе ткани.

Техника живописи тушью, которую использовали китайские художники, особенно творившие в эпоху танской династии (618 – 907 гг.), была впервые представлена японцам в VIII веке. Однако лишь после ознакомления с монохромной живописью мастеров, живших при сунской (960 – 1279 гг.) и юаньской (1279 – 1368 гг.) династиях - с живописью, поступившей в Японию из Китая и Кореи в эпоху Муромати (1333 – 1568 гг.) попутно с дзэн-буддизмом и прочими элементами китайской культуры, дзэнские монахи трансформировали ее в основное направление японского изобразительного искусства.

Среди первых дзэнских монахов, работавших в жанре суйбокуга в XIV веке, следует упомянуть Као Нинга и Мокуан Рэйэн. Мастер живописи тушью Сюбун, живший в XV веке, был связан с художественной академией при храме Сёкокудзи в Киото. Его более известный последователь Сэссю Тоё оставил чрезвычайно важное художественное наследие. Созданный им "Ландшафт Хабоку" ("Хабоку сансуйдзу", 1495 год) являет собой пример стиля "разбрызгивания туши" - стиля абсолютно свободной, экспрессивной живописи тушью, поначалу ассоциировавшегося с эксцентричным китайским художником VIII века Ван Мо.

Дзэнские монахи, которые проводили долгие часы, изучая классические образцы китайской литературы, идентифицировали себя с конфуцианскими мудрецами, отвергавшими вульгарный мир ради общения с природой и овладения такими изящными искусствами, как музыка, поэзия, живопись и каллиграфия. В числе самых ранних исполненных тушью картин эпохи Муромати имеется несколько идеализированных изображений уединенных в сельской местности приютов ученого (сёсайдзу). Картины эти, часто игравшие роль прощальных подарков, которые вручались в знак признания взаимных духовных целей и которые испещрялись стихами, принадлежат к категории сигадзику ("разрисованные свитки со стихами"). Выдающимся их образцом является работа Минтё "Домик у ручья" ("Кэйин сётику дзу”, 1413 год).

Ландшафт стал важным объектом живописи тушью. Ранние японские ландшафты, исполненные тушью, часто включают фантастично громоздящие горные вершины и глубокие ущелья, явно копирующие китайскую ландшафтную живопись и не имеющие ничего общего с местной топографией. Сэссю начал этот процесс, рисуя реальные японские ландшафты, как на то указывает его шедевр "Аманохасидатэ" (примерно 1501 год). Стиль ландшафтной живописи тушью еще более натурализировался в дальнейшем, появились словно бы водянистые пейзажи, а также стала развиваться портретная живопись в виде изображений бодхисатвы Каннон и Дарумы, легендарного основателя секты Дзэн. Более широкая категория дзэнской монохромной портретной живописи охватывает своими рамками животных, птиц, растения, овощи и фрукты.

На завершающих этапах эпохи Муромати живопись тушью постепенно отделилась от дзэн-буддизма. Начало этим подвижкам положили работы художников школы Ами - Ноами, Гэйами и Соами, - прикомандированных ко двору сёгуна. На ранних фазах эпохи Эдо (1600 – 1868 гг.)  китайско-японский синтез монохромной туши и полихрома растертого в порошок золота уже полностью отвечал вкусам ценителей из рядов вновь поднявшегося воинского сословия, которым наскучил аскетизм монохрома и которые настаивали на создании грандиозных композиций для крупных архитектурных комплексов.

Живопись тушью продолжала развиваться на протяжении всей эпохи Эдо как источающий бурную энергию жанр. К этому развитию приложили усилия художники таких резко отличавшихся друг от друга стилистических направлений, как Римпа и бундзинга. Сотацу, мастер школы Римпа, изобрел богато смотревшийся "капельный эффект" (тарасикоми), который достигался посредством нанесения капель туши на все еще сырые мазки и слои туши. Японские писатели-художники, например, Ёса Бусон и Урагами Гёкудо, подобно давним дзэнским монахам, продолжали изображать тушью ландшафты и прочие атрибуты китайской тематики. Хотя первое поколение писателей-художников базировало свои работы на китайских образцах, о которых они знали, главным образом, по руководствам, издававшимся в виде отпечатанных с досок гравюр, позднее им удалось освоить свои собственные идиосинкразические стили. После 1868 года традиции суйбокуга поддерживали такие художники японского стиля (нихонга), как Ёкояма Тайкан, Хисида Сюнсо и Симомура Кандзан.

http://sfw.org.ua

(1775, Лондон - 1802, там же) английский художник

Учился у Э. Дейеса, вместе с которым работал в 1792 для антиквара Дж. Мура. Сопровождая последнего, совершил поездку в Шотландию. В начале 1790-х зарабатывал раскраской гравюр для известного торговца Дж. Смита, у которого познакомился с Тернером. Ок. 1794 оба вошли в кружок доктора Т. Монро, где занимались копированием произведений Козенса, Каналетто и др. Гертин много путешествовал по стране, в 1796 он вновь едет в Шотландию и на север Англии, где были живы романтические воспоминания о Средневековье, сохранившиеся в образах нетронутой природы и архитектуры. В 1797— 1798 посетил Уэльс.)

Он использовал тёплые, коричневато - охристые заливки и вводил зеленоватые оттенки. В своём творчестве он объединил достижения своих предшественников классической акварельной школы. Его акварель "Запалный фасад собора в Питерборо" написана смело и живо. Как в акварели, так и в других видах живописи Т. Гёртин использовал контрасты тёплых и холодных тонов. Тёплыми тонами он обычно писал передние планы, сохраняя традиции английской школы.

Акварели Томаса Гёртина - иллюстрация метода акварельной школы Англии. Основой их живописи были предварительные прозрачные заливки тёплыми тонами. Этот метод типичен и для акварелистов, современников Гёртина. Не случайно первая прописка делалась тёплым тоном, а остальные - холодным, затемнённым. Возникал эффект просвечивания нижележащего красноватого цвета.Зрелость пришла к художнику рано. Он достаточно быстро преодолел ограниченность топографического пейзажа, уже к 1794 сложились основные черты его индивидуального стиля. Отметая каноны классицизма, часто отказываясь от разработки переднего плана, Гертин стремился запечатлеть незамкнутое пространство. Некоторым его композициям присуще свойство панорамности, когда взгляд зрителя беспрепятственно устремляется в просторы и дали. Старинная архитектура, всегда привлекавшая художника, трактуется им как неотъемлемая, естественная часть ландшафта, подобно холмам, рекам, перелескам и пастбищам. В 1802 мастер выставил написанную маслом грандиозную панораму Лондона и планировал то же самое для Парижа, города, в котором жил в 1801—1802. Сохранились многочисленные зарисовки с видами французской столицы, изданные посмертно в 1803. Гертин усовершенствовал технику акварели, впервые применив всасывающую отбеленную бумагу, отказавшись от монохромной подготовки листа, обогатив тонами чистого цвета и более свободной манерой размывок колорит акварельного пейзажа, наделив его качеством истинной живописности. Эмоциональные произведения художника проникнуты романтическим чувством природы, которое нашло развитие в творчестве Тернера, а затем Констебла.

Основные произведения: Собор в Дареме (1799, Манчестер, Художественная галерея Уитворт), Белый дом в Челси (1800, Лондон, галерея Тейт), Вид в Йоркшире (ок. 1800), Аббатство Керкстолл (1800, оба — Лондон, Музей Виктории и Альберта), Вид на Уорф Фарнли (ок. 1800—1802, собрание сэра Эдмунда Бэкона). Более 100 произведений Гертина хранится в Британском музее.

Не случайно первая прописка делалась тёплым тоном, а остальные - холодным, затемнённым. Возникал эффект просвечивания нижележащего красноватого цвета.

http://xe-korneva.narod.ru

От себя: всю жизнь считала и считаю из всех видов живописи акварель - самый трудный. Если работу маслом ещё можно попробовать исправить, по крайней мере просто соскоблить и написать заново, с акварелью такой трюк не удастся. Акварелисты - самые талантливые художники, и никто меня в этом не переубедит. А когда рисуют не только пейзаж но и архитектуру... тут вообще слов нет. Замечательные акварели, я просто счастлива, что они мне попались.

День рождения: 14.11.1840 года Место рождения: Париж, Франция Дата смерти: 05.12.1926 года Место смерти: Живерни, Франция Гражданство: Франция Портрет Клода Моне работы Огюста Ренуара

Пройдёт много лет, прежде чем Клод Моне сможет написать это письмо:

"Сегодня более чем когда-либо я вижу, насколько противоестествен тот незаслуженный успех, который выпал на мою долю. Я всегда стремился достигнуть лучшего, но возраст и неудачи истощили мои силы. Не сомневаюсь, что вы найдёте мои полотна совершенными. Я знаю, что, когда я их выставлю, они принесут мне большой успех, но мне это безразлично, поскольку сам я считаю их плохими..."

Долгая жизнь подходила к закату, художник ни в чём не нуждался и никого не хотел видеть. Впрочем, он и не смог бы увидеть никого из тех, кто был ему дорог, даже если бы захотел этого: все давно ушли, он остался последним – астероид XIX века, угодивший в XX. В XIX – кажется, в 63-м году, да и в 74-м тоже – он был нищ и счастлив, потому что рядом были все, кого он любил.

http://www.peoples.ru

«Не вздумайте стать новым Делакруа!» — предостерег его однажды преподаватель, посмотрев написанный маслом этюд. Но Ренуар не очень прислушивался к предостережениям. Он, как выразился один из биографов, был с самого начала захвачен «пороком цвета» и готов был испробовать все, что могло помочь ему овладеть искусством живописи.

На дискуссиях в кафе Гербуа он больше помалкивал, терпеливо выслушивая самые различные теории. Сидя за мольбертом, он пел. Его брат Эдмонд рассказывал, что едва Огюст начинает писать, его лицо светлеет.

Уже будучи известным художником, он «картавил и тянул слова, как простой рабочий». В богатых домах, где ему случалось бывать, слуги обращались с ним, как с равным, что, впрочем, нисколько его не смущало.

В нем не было ни тщеславия, ни гордости, он от души презирал все и всякие правила. Он говорил о себе, что «одержим болезнью исканий». К зрелым годам у него один глаз стал меньше другого от постоянного «прицеливания» к натуре. Когда его называли революционером в искусстве, он возмущался. Его неприязнь к системам и правилам и желание жить по-своему были так велики, что он сам называл себя «пробкой, брошенной в воду и уносимой течением». «Я никогда не знал сегодня, что буду делать завтра»,— говорил он. Продолжая его мысль, хотелось бы сказать, что течение, которое его уносило, было широким и сильным течением жизни; хотел того Ренуар или нет, оно несло его к новым берегам.

http://www.artvedia.ru

Судьба Тулуз-Лотрека трагична: после перелома обеих ног красивый, ловкий мальчик превратился в калеку — карлика с короткими ножками, большой головой. Искусство стало для него единственным прибежищем. Его учителями были Р. Пренсто (1879-81), в 1882-86 известные художники академической ориентации Л. Бонна и Ф. Кормон. Тулуз-Лотрек много рисует, особенно лошадей, которых любил с детства, мечтая стать наездником. Он делает портреты близких: матери — «Графиня де Тулуз-Лотрек»; бабушки — «Габриэль де Тулуз-Лотрек». Избегая жалости или насмешек, Тулуз-Лотрек сам первым смеется над своим увечьем; он остроумен, насмешлив, таково и его искусство. Он мастер гротеска: несколько стремительных, точных штрихов — и на листе возникает убийственно меткий, узнаваемый образ.Художник становится завсегдатаем ночных увеселительных заведений Парижа, кочуя по кафе, кабаре, публичным домам; альбом всегда при нем, ему охотно позируют, признавая за своего. Он воссоздает атмосферу ночного города, его обитателей. Беглые наброски передают не только характер, иногда в них прочитывается судьба, развязность прикрывает порой усталость, одиночество: «Пересохшая глотка»; «Салон на улице Мулен»; «Эти прекрасные дамы». Дерзкая энергичная линия выхватывает мгновения из пестрой жизни ночного Монмартра. У Тулуз-Лотрека есть излюбленные персонажи: певцы, танцовщики, отмеченные яркой индивидуальностью и талантом.

http://www.the-art.ru

Слава приходит к Сезанну в конце жизни. В Экс начинается паломничество художников, коллекционеров и критиков. Воздействие его искусства сказалось на творчестве П. Гогена и художников группы «Наби», фовистов и кубистов, русских «сезаннистов» из «Бубнового валета». Сезанна рассматривали порой как «художника для художников» и представителя «чистой живописи», иногда же, напротив, как создателя своего рода философской концепции мира и искусства.

http://art-assorty.ru

Лиза Мари Робинсон - английская художница из города Джарроу, рисует акварелью, акрилом и гуашью. Ее герои - очаровательные, восхитительные, милые коты и кошечки. Сюжеты из кошачьей жизни - очень добрые, теплые и позитивные...

http://rndnet.ru

Напала тут на живописный Клондайк по имени Катарина Кляйн. Знаю, что уже давно и многие знают прекрасные работы этой удивительной и плодовитой художницы. Но все равно, посмотрев ее работы, в очередной раз вспомнила о даче)) (больная тема наверное) и подумала, что эти работы прекрасно подойдут для принтов на фруктово-ягодно-цветочную тематику! Особенно на цветочную!
Ну, а если серьезно, то хочу попостить немного информации о самой художнице, поскольку такой труд и такого качества, заслуживает  как минимум того, чтобы о ней узнали!



Катарина Клейн (Catharina Klein, 1861-1929) - выдающаяся немецкая художница эпохи модерна.

Родилась Катарина в 1861 году в Eylau в Восточной Пруссии (ныне Россия - Калининград), после переезда в Берлин усиленно занимается изучением живописи и в скором времени становится самой известной "цветочницей" Германии. Однако ее картины не были широко и радушно восприняты критиками, посчитавшими, что она просто не дотягивает до уровня коммерческого художника. 
В настоящее время сохранилось очень малое количество ее полотен, поэтому судить о ее творчестве и стиле мы можем только на основе открыток, календарей и плакатов, 
которые печатались по мотивам ее работ. Некоторые из картин были уничтожены во время Второй мировой войны, некоторые разошлись по частным коллекциям, и еще больше их существует неидентифицированных.

Catharina Klein оказалась одной из очень немногих художниц, которые наряду с мужчинами зарабатывали себе на жизнь своими работами, используя весь свой талант и мастерство. Примечательным в ее творчестве является не то, что она писала свои работы с натуры, как и многие другие художники, а то, что многие из изображенных ею сортов цветов более не 
существуют - таким образом, сама не осознавая, Катарина Кляйн создала своеобразную коллекцию, которая имеет большую ботаническую ценность.

Ее работы, как правило, имеют подпись "C.Klein", но существуют и неподписанные образцы, которые нетрудно опознать из-за неповторимого стиля Катарины.
Умерла Катарина в 1929 году в Берлине.
Ниже представлены лишь немногие из ее работ, на основе которых можно сформировать четкое представление о манере письма и индивидуальном стиле Катарины Кляйн.

Ну, а теперь сами работы.

Сначала натюрморты и фрукты-ягоды:






 
Теперь цветы:

 
 



 




Теперь птички:






 http://blogs.mail.ru

Елена Калашникова родилась 1 октября 1958 года в г. Тюмени. В 1980 году с отличием закончила отделение ткачества Московского художественно - промышленного училища им. Калинина. С 1980 года по распределению работала художником Тарусского экспериментального завода в цехе росписи ткани. С 1990 года - Главный художник. В 1995 году закончила Московский технологический институт (факультет прикладного искусства, отделение ткани). Выставки: Москва - Галерея "Беляево" (1997 г.); ежегодные выставки тарусских художников в г. Протвино (Московской области); ежегодные выставки тарусских художников в г. Таруса.

http://artnow.ru/ru/gallery

Какие красивые, радостные по цвету работы!!!

Представляем Вам известного художника-акварелиста Владимира Александровича Золотова, работы которого занимают достойное место в частных коллекциях российских и зарубежных собирателей искусства. Его акварели отличаются легкостью и прозрачностью, а занятия интересны и насыщенны. Владимир будет вести занятия в мастерских по вторникам и пятницам. Великолепные работы художника можно приобрести в мастерской.

http://рисующие-ветер.рф

Обожаю акварельные работы, а когда талантливые, ...

Брукс Зальцведел (Brooks Salzwedel) родился в Калифорнии,ему чуть больше 30-лет.

При помощи графитных карандашей, пленки и смолы он создает оригинальные, глубокие изображения. В новых работах автор пытается использовать гелеобразные вещества для достижения прозрачного эффекта.

Едва ли его работы нуждаются в комментариях.

http://nnm.ru

Не знаю кто это, но рисунки понравились и я рискнула их показать. Ссылку на сайт даю, так что без обид.

http://alfor.ru