Зависть — вот фундамент демократии.
При демократии дураки имеют право голосовать, при диктатуре – править.
Б.Рассел

Мы с моим народом пришли к соглашению: они будут говорить, что пожелают, а я буду делать, что пожелаю.
Фридрих Вильгельм II (Фридрих Великий)

Демократия не может стать выше уровня того
человеческого материала, из которого составлены ее избиратели.
Б.Шоу

Почти чудовищно, как люди могли дойти до такого состояния сознания, что во мнении и воле большинства увидели источник и критерий правды и истины!
Н.Бердяев

Демократия есть одурачивание народа при помощи народа ради блага народа.
О.Уайльд
 

Когда занимаешься преподаванием, то трудно уйти от прямых вопросов своих учеников. Они верят тебе, а мне больно за них. Не хочется, чтобы они были баранами. Мы начинаем разбираться с ними вместе в тех вопросах, которые ставит перед ними жизнь. Я знаю, как они смотрят на наше поколение - через призму телевидения. Раз мы жили в те годы, значит мы были НЕ СВОБОДНЫМИ, у нас не было своего мнения. За нас все решала партия, комсомол, общество. (В СССР даже секса не было!) Ну что им сказать?!

Вот и сейчас. Как трудно им сделать выбор. Им втюхали, что ОНИ СВОБОДНЫЕ, что демократия - это панацея от всего. Из лозунга первых французских революционеров (СВОБОДА, РАВЕНСТВО и БРАТСТВО) они, новые "революционеры" выбрали только свободу. Посмотрите сериал "Школа", который снимала "великая" ... режиссерша Гай Германика за государственные деньги в год учителя! Какая мерзость этот Эрнст, который не противился против показа этого шедевра (67серий, где учителя - дебилы, родители - недоумки..., и для молодого нет альтернативы). Нынешние студенты - ЗА ДЕМОКРАТИЮ, ЗА ЧЕСТНЫЕ ВЫБОРЫ!!! Вот и приходится им без нажима, объяснять, ЧТО ТАКОЕ ДЕМОКРАТИЯ.

А поскольку у молодежи во многом авторитарное мышление, то приходится иногда цитировать великих. Если вы уже прочитали афоризмы великих, которые я использовал вместо эпиграфа, то вперед.

Я вспомнил старую заметку из советского журнала "КВАНТ", она так и называется "Демократия глазами математика". И пересказал своим ученикам. Им было интересно. Может быть и другим это будет интересно, особенно в связи с современными событиями на Болотной?...

Многие мысли не мои, но в моей интерпретации. Итак, вперед!

Демократические принципы всем кажутся самоочевидными: как большинство решит, так тому и быть! Vox Populi — Vox Dei — «Глас народа — глас Божий» - говорили древние греки. И я вспомнил Бернарда Шоу: «При демократии решения принимаются не горсткой развращенных верхов, а большинством невежественных низов».

Уинстон Черчилль
«Демократия – худшая форма правления до тех пор, пока вы не сравните ее с остальными»
“Democracy is the worst form of government unless you compare it to all the rest.” Winston Churchill

В древней Элладе неограниченная власть принадлежала форумам или, иначе говоря, толпе, которая часто бывает неразумна. Наиболее красноречивый пример коллективной слепоты — смертный приговор, вынесенный форумом Сократу за то, что он своими речами «возмущал» общественное спокойствие, вследствие чего был объявлен «врагом демократии». Спустя недолгое время приговор был признан ошибочным, выяснилось, что Сократ врагом демократии не был, а только критиковал некоторые из ее аспектов, он был оправдан, и демократия «восторжествовала» вновь. Да только Сократа уже нельзя было вернуть...

Давайте попытаемся доказать, что объективные причины запрещают создание идеальной демократической системы. Посмотрим на демократическую систему с точки зрения математики.

Начнем наши размышления со стихотворения Николая Гумилева "Слово" во славу математики.

Математика — мать всех наук
«А для низкой жизни были числа,
Как домашний, подъяремный скот,
Потому что все оттенки смысла

В XVIII в. — веке Просвещения — некоторые французские аристократы совмещали приятное с полезным: их увлеченность азартными играми породила важный раздел математики — теорию вероятностей.Маркиз де Кондорсеанализировал тактику игроков, которые в процессе игры вынуждены были заключать ситуативные союзы. Он первым описал парадокс, носящий его имя и позволяющий меньшинству на вполне демократических принципах навязать волю большинству, проведя либо непопулярного кандидата, либо непопулярное решение. Эффект Кондорсе основан на том, что непопулярные вещи у разных избирателей непопулярны по-разному.

В новейшей истории лучшей иллюстрации к парадоксу Кондорсе, чем Ельцин, не найти. Так, одна часть избирателей России Ельцина ненавидела за развал СССР, другая — за «прихватизацию» государственной собственности, третьи презирали бывшего секретаря Свердловского обкома за алкоголизм; четвертым не нравилось его холуйское следование указаниям из Вашингтона, пятых тошнило от его бесконечного вранья и т. д. Но в итоге умело проведенной политтехнологами избирательной кампании, где Ельцину в нужной последовательности и нужных комбинациях оппонировали Зюганов, Лебедь и прочие менее рейтинговые кандидаты, Ельцин повторно был избран президентом. Дружная, казалось бы, неприязнь разных слоев электората к Ельцину (его стартовый рейтинг был убийственно мал — 5%, Гайдар публично умолял его снять свою кандидатуру) не аккумулировалась в виде оглушительного поражения, а была взаимно скомпенсирована благодаря использованию эффекта Кондорсе (о других, далеких от науки «грязных» методах мы здесь не говорим). На языке математики эффект Кондорсе еще называется парадоксом нетранзитивности. За этим мудреным термином скрывается очень простое содержание. Транзитивность в переводе с латыни означает что-то вроде переходности. Элементарный пример транзитивности: если отрезок A равен отрезку B, а отрезок B равен отрезку C, отсюда однозначно следует, что отрезок A равен отрезку C. А вот пример нетранзитивного отношения: Иванов дружит с Петровым, Петров дружит с Сидоровым, но отсюда не следует, что Иванов с Сидоровым тоже являются друзьями. Они, может, даже терпеть не могут один другого, в то время как гибкий и толерантный Петров умеет ладить с каждым из них по отдельности. Эффект Кондорсе долгое время считался математическим курьезом.  

Так какое отношение к реальной жизни в эпоху абсолютизма XVIII в. имело одно из его проявлений — феномен «циклического голосования»? При нем три или более кандидата попарно голосуются по принципу простого большинства, но при этом ни один из них не может перевесить все остальные. Это явление очень напоминает каверзный вопрос экзаменаторов по правилам дорожного движения: «На перекрестке равнозначных дорог встретились четыре автомобиля. Согласно ПДД автомобиль, находящийся справа, имеет приоритет. Как автомобилистам разъехаться на перекрестке, не нарушив правил?» Ответ — никак. Либо кто-то должен тронуться первым и взять на себя грех нарушителя со всеми вытекающими последствиями, либо кто-то должен поступиться приоритетом и любезно пропустить соседа слева. Так и в случае циклического голосования: разорвать в нужном месте цикл означает привести к власти нужного кандидата. Собственно говоря, похожее и делается на двухступенчатых выборах, когда Ельцину вместо Лебедя на втором туре подставили Зюганова, а Кучме вместо Мороза — Симоненко. Кто победил известно, как и то, что в парных комбинациях Ельцин — Лебедь, Кучма — Мороз (без наличия оттягивающих голоса избирателей других кандидатов) победителями могли стать Лебедь и Мороз.

Веком позже эффект Кондорсе переоткрыл специалист по математической логике Чарльз Доджсон (он же писатель Льюис Кэрролл) из Оксфордского университета. Он описал его в своих едких памфлетах о демократических выборах. Тогда британские политики, равно как и вдохновленные ими народные массы, еще только начинали борьбу за повсеместное внедрение пропорционального представительства в парламенте и не задумывались, что навязываемая ими человечеству система порочна по сути. В отличие от сказки «Алиса в Стране Чудес», эти работы Кэрролла не получили широкой известности и в конце концов были надолго забыты.

«Демократия — это возможность самим выбирать себе рабовладельцев».

Но все это были лишь отдельные озарения. Момент истины наступил позднее. И связан он с выходом в свет эпохальной работы Кеннета Джозефа Эрроу, экономиста, уроженца Нью-Йорка, — «Социальный выбор и индивидуальные ценности» в 1951 г. В ней Эрроу постулировал пять условий, общепризнанных в мире как необходимые для демократии, при которой социальные решения принимаются путем выявления предпочтений отдельных личностей, иными словами — по результатам голосования. Используя математический аппарат, Эрроу доказал, что эти условия внутренне противоречивы. То есть невозможно создать избирательную систему, которая бы не нарушала как минимум одного из них. Причем не по чьей-то злой воле, а принципиально, в силу изначальной и неустранимой порочности. Невозможность одновременного соблюдения требований разумности и равенства, невозможность эффективного ранжирования социальных приоритетов получила название теоремы невозможности, или теоремы Эрроу. Результат, полученный Эрроу, поразителен: всем пяти аксиомам демократии отвечает только диктатура! Иными словами, нужно выбрать какого-нибудь произвольного члена общества и осуществлять общественный выбор в соответствии с его предпочтениями подобно тому, как кто-то должен тронуться на перекрестке равнозначных дорог первым. Работы Эрроу были удостоены в 1972 г. Нобелевской премии по экономике. Так что же мы так ратуем за демократию? Попробуйте поразмыслить над следующим примером.

Назовем его "парадоксом", примерив его к трем нашим политическим лидерам в Государственной думе: Иванов, Петров и Сидоров. Их нечетное количество, им удобно голосовать, поскольку не будут возникать коллизии вроде «50 на 50». Пусть откуда-то сверху к этой троице на голосование поступает предложение: а что, если бездельника Сидорова посадить в тюрьму, а его зарплату поровну и «справедливо» поделить между тружениками Ивановым и Петровым? Предложение со счетом 2:1 «демократически» проходит. Сидоров отправляется на нары, а довольные Иванов с Петровым заметно поправляют свое материальное положение. Затем поступает новое предложение: а не посадить ли в тюрьму и разоблаченного взяточника Петрова, а сэкономленные средства пустить частично на повторное повышение зарплаты Иванова, а остальное из гуманных соображений — на увеличение тюремной пайки Сидорову? Вновь со счетом 2:1 предложение проходит. Печальный Петров переезжает к злорадно-повеселевшему Сидорову в камеру, а торжествующий Иванов вновь увеличивает свои доходы. Но радоваться ему предстоит недолго: поступает новое предложение посадить и его (чем он, собственно говоря, лучше?), а освободившиеся средства израсходовать на благоустройство камеры. Предложение голосуется и принимается с неизменным счетом 2:1. В итоге все трое оказываются в тюрьме вопреки своему желанию, но в полном соответствии с их демократическим и свободным волеизъявлением.

Или еще один пример "справедливого" демократического голосования, когда все зависит от председателя собрания.

Пусть надо избрать ПЕТРОВА президентом, но есть Иванов, за которого может проголосовать больше "за". Тогда в связке должно быть не 2, а три кандидата. Третьего мало, кто должен знать.

Тогда можно предугадать, что голоса распределятся так

Если председатель сначала объявит "Кто за", то выберут Иванова, а Сидоров сразу выпадает

Если председатель сначала объявит "Кто против", то выпадет из голосования Иванов, а выберут Петрова

Вот что может произойти, если лелеять групповой эгоизм и «дружить против кого-то». Но это уже из области морали, а не права. Главное же заключается в том, что все формальные демократические принципы и процедуры были соблюдены и не было никакого обмана голосовавших.

Всегда надо помнить, что ДЕМОКРАТИЯ - ЭТО ПУТЬ К ДИКТАТУРЕ

"В ноябре в дни пятилетия немецкой революции (1923) нацисты вышли на улицы с оружием....

Отряды парней в брезентовых куртках с красно‑белыми черносвастиковыми нарукавными повязками маршируют по Мюнхену, разбивают лагеря в городских парках, на площадях, поют воинственные песни, задирают прохожих. Но они орут не только «Долой Версаль!», «Долой Антанту!», «Смерть евреям!», «Бей коммунистов!», «Бей социал‑демократов!..» Они орут еще: «Долой процентное рабство!», «Долой банки!», «Смерть спекулянтам‑шиберам!», «Работы и хлеба!», «Да здравствует национальная революция!», «Да здравствует германский социализм!»"

Немецкий драматург Бертольд Брехт в ответ на это написал пьесу (ее поставил в 1963 году Ю.Любимов в театре на Таганке под названием "Добрый человек из Сычуаня". Там играет В.Высоцкий). есть пародия на Германию 30-х годов

Вот как звучит эта песня в исполнении В.Высоцкого в спектакле Ю.Любимова

Посмотрите фильм, где дело дело происходит на мясокомбинате. Там скот убивают электричеством. Есть в фильме могучий "Баран-Провокатор",- это профессия. Такой баран ведёт скот на бойню. Животные идут за ним.. Он Лидер. Скот ему доверяет. А он в последний момент уходит в маленькую дверь. В другой раз он поведёт на убой очередную партию скота... Но время от времени Барана-Провокатора меняют на нового. И в одной комнатке бойни на стенке висят рожки отработавших своё и ликвидированных Баранов-Провокаторов.

Толпа людей ведет себя наподобие стада баранов, заявляют ученые: она слепо следует за одним или двумя лидерами, которые, вроде бы, знают куда идти. Исследователи из Университета Лидса считают, что их открытие может иметь большое значение, особенно в условиях чрезвычайных ситуаций. Группа ученых во главе с профессором Йенсом Краузе провела серию экспериментов: добровольцев попросили случайным образом бродить по большому залу, не разговаривая друг с другом. Среди участников выбирали несколько человек, которым давались более четкие инструкции, какого маршрута следует придерживаться. Опубликованный отчет демонстрирует, что задать направление группе людей численностью не менее 200 человек может "информированное меньшинство", составляющее всего 5%. Оставшееся "стадо" - 95% - бессознательно следует за лидерами. "Наблюдаются четкие параллели с поведением групп животных", - объясняет профессор Краузе, опубликовавший в журнале Animal Behaviour Journal статью на эту тему в соавторстве с Джоном Даером и коллегами из Оксфордского и Валлийского университетов. "Всем нам доводилось оказываться в ситуации, когда толпа несет нас. Но что интересно: в ходе экспериментов испытуемые вырабатывали общее решение, хотя им не разрешалось ни разговаривать друг с другом, ни общаться при помощи жестов", - рассказывает профессор. "В большинстве случаев участники эксперимента не осознавали, что их кто-то ведет", - отмечает ученый. Нынешняя работа перекликается с исследованием доктора Саймона Ридера из Утрехтского университета. Он доказал, что большинство людей предпочитает следовать за лидером, даже если проводник сам не знает, куда идти. Но есть еще более поразительный факт: если человеку показать более короткий путь, он все же предпочтет старую дорогу, и той же дорогой поведет за собой остальных

Впрочем, не следует впадать и в излишний пессимизм по поводу грустных выводов из теоремы Эрроу. Во-первых, как и всякая математическая теорема, она является абстракцией, упрощением, то есть описывает работу не реального социального механизма, а его математическую модель.

Вспомните великого Александра Сергеевича Пушкина

"Паситесь, мирные народы!
Вас не разбудит чести клич.
К чему стадам дары свободы?
Их должно резать или стричь.
Наследство их из рода в роды
Ярмо с гремушками да бич."

Не следует абсолютизировать бесспорные достижения западной демократии, поспешно объявляя их «общечеловеческими ценностями». Нужно глубже понимать и уважать и иные культуры и традиции. Вестернизация традиционных обществ не является единственным путем их социального и экономического прогресса, более того, она чревата их деградацией, утратой идентичности и гибелью как целостности. Знаменитый французский философ-структуралист, социолог и этнограф Клод Леви-Стросс описывает поразительные примеры неприятия т. н. примитивными обществами западной конкурентной борьбы и «честной» победы в ней. Так, аборигены Новой Гвинеи охотно научились у миссионеров игре в футбол. Но вместо стремления к победе одной из команд они играют до тех пор, пока количество забитых голов не сравняется. Им не нужна победа, важен сам процесс и мир после игры. Вы высокомерно спросите: зачем нам равняться на каких-то полудикарей! Но даже в постиндустриальной американизированной Японии при голосовании советов директоров корпораций не жалеют времени и сил на согласование всех вопросов, чтобы окончательное решение принималось не большинством голосов, а единогласно. Ритуал демонстрации единства — древний. В отличие от установок западного мира в традиционных обществах Востока идея принятия решений демократическим большинством голосов немыслима, поскольку консолидация и добрые отношения внутри членов социума являются ценностью более высокой, чем любая новация. Поэтому принимаются лишь единодушные решения. Вам это нравится?

И если вас заинтересовали мои мысли, то советую посмотреть статью В.Пахомова "Демократия сточки зрения математики", которая была в 1992 году была опубликована в журнале для школьников "Квант"

А еще мне попадалась мне когда-то давно книжка  полковника ФСБ, действительного члена Академии информатизации, специалиста по информационной войне Сергея Павловича Расторгуева "ФИЛОСОФИЯ ИНФОРМАЦИОННОЙ ВОЙНЫ" там много любопытного можно найти.

ЛЮДИ! НЕ БУДЬТЕ БАРАНАМИ !!!

Ведь мы, казалось бы, вполне счастливые люди гонимся за деньгами, успехом, карьерой, хотим что-то купить и радуемся от этого, не понимая, что счастье в чем-то другом, для каждого в чем-то своем: в детской улыбке, в луче солнца, в закате, в грозе, в шелесте моря, в тихом дуновении ветра на берегу моря…..
В погоне за материальными благами мы забываем о духовном мире. Интересного в мире много, но много скучной работы. Молодежь сегодня хочет побыстрее обрести себя, вернее свое материальное благосостояние, но миру нужны и простые рабочие, и работники умственного труда, и музыканты, и художники, и полицейские. Мир должен вертеться, развиваться, и что было бы, если бы все остановились и начали слушать только  свой внутренний мир, и стали бы жить только для себя?

Человек должен понять свое истинное предназначение и, что если он живет, значит он нужен на этой земле, и что нужно жить, возможно, не для себя, а для кого-то другого. Нужно исполнить свое предназначение. А для этого надо получить образование. Пойми свое предназначение и найди человека, который в тебе нуждается. Так можно ли жить только для самого себя? В погоне за материальным мы не думаем о других, о тех, кто ждет помощи. А это так хорошо, что ЖИЗНЬ ПРОДОЛЖАЕТСЯ!

И еще немного размышлений о демократии предлагает Сергей Белкин

  Клод Дебюсси  (150 лет со дня рождения)
Сегодня состоялся
Концерт в Малом зале филармонии, посвященный 150-летию великого французского композитора Клода Дебюсси. 

Сюита для фортепиано 
Детский уголок. Остров радости
Прелюдии
Игорь Урьяш фортепиано

Струнный квартет соль-минор

Струнный Квартет им. И.Ф.Стравинского
Александр Шустин скрипка
Виктор Лисняк скрипка
Даниил Меерович альт
Семен Коварский виолончель
 

Я пытаюсь найти новые реальности... дураки называют это импрессионизмом.
К. Дебюсси

Французского композитора К. Дебюсси часто называют отцом музыки XX в. Он показал, что каждый звук, аккорд, тональность могут быть услышаны по-новому, могут жить более свободной, многокрасочной жизнью, как бы наслаждаться самим своим звучанием, его постепенным, таинственным растворением в тишине. Многое действительно роднит Дебюсси с живописным импрессионизмом: самодовлеющая красочность неуловимых, текуче-подвижных моментов, любовь к пейзажу, воздушная трепетность пространства. Не случайно Дебюсси считается основным представителем импрессионизма в музыке. Однако он дальше, чем художники-импрессионисты, ушел от традиционных форм, его музыка устремлена в наше столетие гораздо глубже, чем живопись К. Моне, О. Ренуара

Дебюсси считал, что музыка подобна природе своей естественностью, бесконечной изменчивостью и многоликостью форм: «Музыка — как раз то искусство, которое ближе всего к природе... Только музыканты обладают преимуществом уловить всю поэзию ночи и дня, земли и неба, воссоздать их атмосферу и ритмически передать их необъятную пульсацию». И природа, и музыка ощущаются Дебюсси как тайна, и прежде всего тайна рождения, неожиданного, неповторимого оформления капризной игры случая.

Клод Ашиль Дебюсси родился 22 августа 1862 года в предместье Парижа Сен-Жермен. Его родители -- мелкие буржуа -- любили музыку, но были далеки от настоящего профессионального искусства. Случайные музыкальные впечатления раннего детства мало способствовали художественному развитию будущего композитора. Он учился в Парижской консерватории. Уже в консерваторские годы проявилась нетрадиционность его мышления, что вызвало столкновения с преподавателями гармонии. В 1881 г. Дебюсси в качестве домашнего пианиста сопровождал в поездке по Европе русскую меценатку Н. фон Мекк (большого друга П. Чайковского), а затем по ее приглашению дважды посетил Россию (1881, 1882). Так началось знакомство Дебюсси с русской музыкой, очень повлиявшее на формирование его собственного стиля. «Русские дадут нам новые импульсы для освобождения от нелепой скованности. Они... открыли окно, выходящее на простор полей». Однажды Дебюсси познакомился в Швейцарии с вдовой крупного промышленника, строителя железных дорог, Надеждой Филаретовной фон Мекк, покровительницы Чайковского и страстной любительницы музыки. Семнадцатилетний Дебюсси был учителем музыки в семье Надежды Филаретовны фон Мекк,  Дебюсси занимался с детьми миллионерши фортепиано, аккомпанировал певцам, участвовал в домашних музыкальных вечерах. Хозяйка души не чаяла в юном французе, подолгу и с упоением беседовала с ним о музыке. Однако когда юный музыкант без памяти влюбился в ее пятнадцатилетнюю дочь Соню и попросил у Надежды Филаретовны ее руки, разговоры о музыке мигом прекратились...Зарвавшемуся учителю музыки было немедленно отказано от места.
- Дорогой месье, - сухо сказала фон Мекк Дебюсси, - не будем путать Божий дар с яичницей! Помимо музыки я очень люблю лошадей. Но это вовсе не значит, что я готова породниться с конюхом...

Сонечка фон Мекк потом дважды выходила замуж по выбору маменьки, а любила Клода Дебюсси, также, как и он обожал свою первую любовь и посвятил ей много произведений.
 

Посмотрите удивительный фильм о фон Мекк и Дебюсси

Музыкальный гений Клода Дебюсси и его характер человека, постоянно погруженного в мрачное раздумье, производили неизгладимое впечатление на многих женщин. Его глубоко любили обе его жены и любовница, а две женщины даже стрелялись из-за него.

После возвращения из России в Париж "опозоренный" Дебюсси не долго оставался без внимания женщин. Дебюсси начал работать аккомпаниатором молодой певицы мадам Васнье , муж которой и не подозревал, что происходило во время репетиций в отдельном зале их дома, предназначенном для проведения музыкальных занятий. Потом Дебюсси на два года уезжает в Рим, но когда вернулся в Париж, мадам Васнье сказала ему, что их связь осталась в прошлом, и он должен забыть о ней. Два года у Дебюсси не было постоянного адреса до тех пор, пока он не поселился у молодой блондинки по имени Габриэль Дюпон. В течение 10 последующих лет Габриэль работала, чтобы материально поддерживать Дебюсси, который занимался сочинением гениальных музыкальных произведений. Дебюсси постоянно изменял ей, но она оставалась верной ему и продолжала жить с ним даже тогда, когда Клод уже был помолвлен с певицей Терезой Роже. Эта помолвка была разорвана после их совместной поездки в Брюссель, где Тереза узнала о том, что Дебюсси провел ночь с другой женщиной. Терпение Габриэль было просто потрясающим, но и ему пришел конец, когда она случайно нашла любовную записку, написанную Клоду какой-то его знакомой. Габриэль попыталась застрелиться, но осталась жива и попала в больницу. После выхода из больницы она жила с Дебюсси еще несколько месяцев, и он вел себя так, как-будто этого эпизода вообще не было в их жизни. Габриэль подружилась в это время с Розали "Лили" Тексье, молодой темноволосой красавицей, работавшей в небольшом парижском магазинчике. Подружки часто встречались, пили вместе кофе и проводили время за дружескими беседами. Габриэль огорчало лишь то, что Лили не нравилась Клоду, и он часто смеялся над ней. Насмешки, впрочем, вскоре уступили место комплиментам, и Дебюсси и Лили поженились в октябре 1899 года. Их семейная жизнь началась в полном безденежье. В день свадьбы Дебюсси дал урок игры на пианино, чтобы заплатить за их завтрак.
Лили была абсолютно предана Дебюсси, но ее молодость, преданность и красота были явно недостаточны, чтобы удержать Дебюсси. Через четыре года после свадьбы Дебюсси начал встречаться с Эммой Бардак, певицей и женой преуспевающего банкира. 14 июля 1904 года композитор вышел на свою утреннюю прогулку и не вернулся домой. Через несколько недель Лили узнала от друзей, что Эмма тоже ушла от своего мужа и живет с Дебюсси. 13 октября Лили не выдержала и дважды выстрелила в себя. Ее нашел вернувшийся Дебюсси, которому она успела послать записку о своем решении покончить с собой. Лили спасли врачи, но одну из пуль не извлекли, и Лили носила ее в своей груди до конца своей жизни. 2 августа 1904 года Дебюсси развелся с Лили, а осенью 1905 года у Эммы от него родилась дочь. Эмма развелась со своим мужем в 1908 году и вышла замуж за Дебюсси. Их семейная жизнь оказалась счастливой, хотя некоторые несправедливо обвиняли Дебюсси в том, что он женился на деньгах. Эмма была немолодой и некрасивой, но очень умной женщиной и заботливой женой. Она была опорой для Дебюсси и всячески опекала и поддерживала его до самой смерти Дебюсси. Он умер от рака 25 марта 1918 года, прожив всего 55 лет.

Одно из первых произведений Дебюсси - кантата Блудный сын. История создания великолепной кантаты «Блудный сын», которая принесла Клоду Дебюсси Большую Римскую премию весьма интересна. Это была дипломная работа в Парижской консерватории. Создавалась она в России, когда он служил домашним пианистом у Надежды Филаретовны фон Мекк.  Дебюсси очень рано обратился к Богу. Покаявшись в юности, он стал совершать грехи, надеясь на любовь божью.

Надо сказать, что Притча о блудном сыне -  самое глубокое место в Святом Писании, самое близкое сердцу грешника. Думается, если бы в Евангелии была только эта притча, из нее одной можно было бы получить полное представление о любви Бога к человеку. Такое непосредственное и сострадательное участие Бога в судьбе грешника не оставляет места греху; от такой отеческой любви покаяние становится как бы необходимостью. Это дивное уважение Бога к человеку, находящемуся в грехах, исключает всякое равнодушие к святости и чистоте жизни.
Сколько многоразличных суждений о природе греха, о его "законности и необходимости" породило грешное человечество... И все эти домыслы перечеркивает Любовь Бога-Отца к младшему сыну, соблазнившемуся мнимой радостью внешней свободы и еще не познавшему истинной радости свободы внутренней - свободы от грехов и безумия, которую человек получает, только возвратившись к Богу. В любви - вся суть жизни, и только в ней - настоящая свобода. Тайна жизни ставит всех нас на грань искушений, и порой тяжких. Каждый из нас проходит свою школу жизни и стремится увидеть, пережить в ней по возможности все. Мы ввергаем себя в безконечный круг желаний, и от ненасытности, от неудовлетворенности, от непонимания часто приходим в уныние, а порой - в отчаяние. Это знает Отец наш Небесный и потому сострадает нам, и потому с любовью ждет нашего возвращения в Отчий Дом, откуда увел нас сатана в свое дикое царство.

Исполнение «Блудного сына» произвело фурор в Парижской консерватории. Кумир публики тех лет, Шарль Гуно, обнял 22-летнего автора, Клода Дебюсси, со словами: «Друг мой! Вы – гений!»

Послушайте арию Лили из этой кантаты

Невозможно представить Дебюсси без фортепианной музыки. Сам композитор был талантливым пианистом (а также и дирижером); «играл он почти всегда на „полутонах“, без всякой резкости, но с такой полнотой и густотой звука, как играл Шопен», — вспоминала французская пианистка М. Лонг. Именно от шопеновской воздушности, пространственности звучания фортепианной ткани отталкивался Дебюсси в своих колористических поисках. Старинные жанры из «Бергамасской сюиты» и Сюиты для фортепиано (Прелюдия, Менуэт, Пасспье, Сарабанда, Токката) представляют своеобразный, «импрессионистский» вариант неоклассицизма. Дебюсси вовсе не прибегает к стилизации, а создает свой образ старинной музыки, скорее впечатление от нее, чем ее «портрет».

Сегодня в исполнении замечательного питерского пианиста Игоря Урьяша прозвучали Сюиты для фортепьяно.

Фортепианная сюита «Детский уголок» посвящена дочери Дебюсси. Стремление раскрыть в музыке мир глазами ребенка в привычных ему образах — строгого учителя, куклы, маленького пастуха, игрушечного слона — заставляет Дебюсси широко использовать как бытовые танцевальные и песенные жанры, так и жанры профессиональной музыки в гротескном, шаржированном виде.

Эта композиция называется "Снег танцует"

Одна из композиций "Детского уголка" называется "Кукольный кек-уок". А что это такое? Буквально это cakewalk, («прогулка с пирогом») - негритянский танец под аккомпанемент банджо, гитары или мандолины с характерными для рэгтайма ритмическими рисунками: синкопированным ритмом и краткими неожиданными паузами на сильных долях такта. Название танца было связано с первоначальным обычаем награждать лучших танцоров пирогом, а также с позой танцовщиков, как бы предлагающих блюдо.

Почему Дебюсси называют отцом музыки 20 века? Начало века характеризуется усиленными поисками новых, "экзотических" средств музыкальной выразительности. Многим казалось, что классические и романтические темы исчерпали себя. В поисках нового интонационного фона, новой гармонии композиторы 10-х - 30-х годов заинтересовались музыкой, сформировавшейся за пределами европейской культуры. Этим устремлениям был созвучен джаз, который открыл Дебюсси, Равелю, а также композиторам группы "Шести" уникальные возможности обогащения системы музыкально-выразительных средств.  Дебюсси рассматривал джаз, как экзотическую новинку и не более того, но именно с его легкой руки джаз покорил Европу и она стала второй родиной джаза.

Главный синкопированный мотив кекуока — ударные акценты на слабой доле; паузы, вместо ожидаемых тонов; нарушение ожидаемых акцентов; аккорды, воспроизводящие звучания банджо; неожиданные последовательные ударения при окончании краткой фразы — подобные (и другие) ярко обыгранные моменты возвращают слушателя к импровизациям менестрельных банджоистов [Дебюсси назвал свое произведение не “Кукольный кекуок”, как у нас переводят, а “Кекуок Голливога” (“Golliwog's Cakewalk”). Голливог— название гротесковой черной куклы мужского пола. Такое прозвище носили и персонажи в спектаклях черных менестрелей. Кстати, на обложке первого издания “Детского уголка” изображена менестрельная маска.].

В последние годы XIX столетия кекуок, отпочковавшийся от менестрельной эстрады, стал властной модой не только на Американском континенте. Он распространился в виде салонного танца и в Европе, внедряя в музыкальную психологию современности новое для той эпохи полиритмическое мышление. Громадная сила воздействия кекуока была очевидно связана с тем, что он оказался носителем общественной психологии Запада, отвергнувшей “викторианство”. Самые разные формы американской бытовой музыки на рубеже столетий поддались его воздействию. Ритм кекуока обнаруживается и в салонных фортепианных пьесах, и в эстрадных номерах для традиционного инструментального состава, и в маршах для духового оркестра, а подчас и в бальных танцах европейского происхождения. “Даже в вальсах появилось синкопирование, о котором и не снилось Вальдтейфелю и Штраусу”.

Любовью светится композиция Дебюсси «Лунный свет». Клод Дебюсси вообще любил свет серебристой спутницы Земли. Ему лучше сочинялось в лунные ночи. Может, потому что в юности лунной ночью он влюбился в дочку русской миллионерши и меценатки Надежды Филаретовны фон Мекк – восторженную красавицу Сонечку?..

Соня… Непредсказуемый золотоволосый ангел… То она фанатично разучивала гаммы, то дулась, отказываясь садиться за рояль. Она таскала Клода на прогулки, каждый вечер она тайком водила Клода в лес, на луга, к озеру. Волшебный лунный свет освещал дорогу. Золотоволосая Соня улыбалась как русалка:
 – Ты должен научить меня всему французскому – языку и поцелуям! – и первая целовала Клода.

Стихотворение К.Бальмонта очень созвучно музыке Дебюсси.

Когда луна сверкнет во мгле ночной
Своим серпом, блистательным и нежным,
Моя душа стремится в мир иной,
Пленяясь всем далеким, всем безбрежным.

К лесам, к горам, к вершинам белоснежным
Я мчусь в мечтах; как будто дух больной,
Я бодрствую над миром безмятежным,
И сладко плачу, и дышу - луной.

Впиваю это бледное сиянье,
Как эльф, качаюсь в сетке из лучей,
Я слушаю, как говорит молчанье.

Людей родных мне далеко страданье,
Чужда мне вся земля с борьбой своей,
Я - облачко, я - ветерка дыханье.

Композитор Н. Я. Мясковский писал о творчестве Дебюсси: "...В моментах, когда он (Дебюсси) берется запечатлеть свое восприятие природы, происходит что-то непостижимое: человек исчезает, точно растворяется или превращается в неуловимую пылинку, и над всем воцаряется точно сама вечная, изменчиво неизменяемая, чистая и тихая, всепоглощающая природа, все эти бесшумные, скользящие "облака", мягкие переливы и взлеты "играющих волн", шелесты и шорохи "весенних хороводов", ласковые шепоты и томные вздохи беседующего с морем ветра - разве это не подлинное дыхание природы! И разве художник, в звуках воссоздавший природу, не великий художник, не исключительный поэт?"

В его произведениях часто отсутствует мелодия в привычном понимании, она сужается до нескольких звуков, порой двух-трех.

В фактуре Дебюсси большое значение имеет движение параллельными комплексами (интервалами, трезвучиями, септаккордами). В своем движении такие пласты образуют с другими элементами фактуры сложные полифонические сочетания. Возникает единая гармония, единая вертикаль.

Не менее своеобразны мелодика и ритмика Дебюсси. В его произведениях редко встречаются развернутые, замкнутые мелодические построения – господствуют краткие темы-импульсы, сжатые фразы-формулы. Мелодическая линия экономна, сдержанна и текуча. Лишенная широких скачков, резких «выкриков», она опирается на исконные традиции французской поэтической декламации. Соответствующие общему стилю качества обрел и ритм – с постоянным нарушением метрических устоев, избеганием четких акцентов, темповой свободой. Ритмика Дебюсси отличается капризной зыбкостью, стремлением к преодолению власти тактовой черты, подчеркнутой квадратности (хотя обращаясь к народно-жанровому тематизму композитор охотно применял характерные ритмы тарантеллы, хабанеры, кек-уока, марша-шествия).

Прелюдия «Девушка с волосами цвета льна» (Ces-dur) принадлежит к. числу самых популярных произведений Дебюсси. Подчеркнуто простая фортепианная фактура этой прелестной пьесы соединяется со свежестью мелодических очертаний и гармонического языка.

"Когда мы впервые слушаем музыку Дебюсси, то испытываем странное состояние...

Его звуки словно повисают в воздухе. Они бесплотны.
Это музыка созерцания. Она живет не движениями.
Всплесками.
Она - круги на воде. Она созерцание капли росы, в которой отражается солнце...
Эта музыка- изображение не явлений, но их отблесков.
Не выражение чувств, а скольжение..."

А вот как в интерпретации известного американского скрипача Джошуа Белла звучит эта мелодия

Единственный струнный квартет Дебюсси является результатом экспериментов с революционным стилем, названным импрессионизм. Отличительной чертой импрессионизма является новое сочетание звуков, которые как бы существуют ради самих себя и не вытекают, и не продолжаются другими звуками. Премьера квартета прошла неудачно, но поколения исполнителей совладали с его чрезвычайной технической и музыкальной сложностью и сейчас зрители могут наслаждаться ошеломляющим количеством текстур и эффектов.

Вот этот квартет и звучал сегодня в исполнении квартета имени Стравинского.

Особенно мне понравилась пицикатто во 2 части

и лиричность 3 части квартета

И несколько слов о пианисте. Игорь Урьяш - имя для меня новое. Ему около 50 лет. Играет он очень неплохо.

Игорь Урьяш — один из ведущих пианистов России. Участник ансамблей "Нева-трио", "St. Petersburg Chamber Players", "Санкт-Петерс-Трио". В качестве солиста, участника симфонических программ и камерных ансамблей Игорь Урьяш много гастролирует по России, Западной Европе, странам Дальнего Востока, США и Канаде. Им сделан ряд записей, получивших самую высокую оценку. Игорь Урьяш успешно сотрудничал с выдающимся виолончелистом Мстиславом Ростроповичем, выступая с ним в дуэте как в Санкт-Петербурге, так и в гастрольных поездках. С 1996 года пианист работает со всемирно известным скрипачом М.Венгеровым.

Не хочется прощаться с музыкой Дебюсси.

Дебюсси поразителен в своей неповторимости!.. Его музыка напоена страстью, но не пронзительной, а завораживающей; искры там чудесным и странным образом смешиваются со льдинками, а тайна, на секунду мелькнув возможностью разгадки, никогда не откроется до конца...

Я откопал совершенно дивную ссылку на письма Дебюсси. В них содержатся рецензии и статьи, посвященные музыке и музыкантам. Почитайте - очень интересно.

Вчера посетили выставку "Гений Леонардо да Винчи" в Артиллерийском музее. Приятно видеть, что несмотря на ОЧЕНЬ дорогие билеты, посетителей очень много, хотя выставка работает уже не один месяц.

«Я создал тебя существом не небесным, но и не только земным, не смертным, но и не бессмертным, чтобы ты, чуждый стеснений, сам себе сделался творцом и сам выковал окончательно свой образ. Тебе дана возможность пасть до степени животного, но так же и возможность подняться до степени существа богоподобного- исключительно благодаря твоей внутренней воле…» - так говорит бог Адаму в трактате итальянского гуманиста Пико делла Мирандола «О достоинстве человека». В этих словах сжат духовный опыт эпохи Возрождения, выражен сдвиг в сознании, который она совершила.

Леонардо да Винчи - наш современник, и он останется современником для грядущих поколений, мысли которого до сих пор заставляют людей восхищаться его гением.

МЫСЛИ ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ

* Кто спорит, ссылаясь на авторитет, тот применяет скорее не ум свой, а память. .

* Хорошая ученость родилась от хорошего дарования, и так как надобно более хвалить причину, нежели следствие, больше будешь ты хвалить хорошее дарование без учености, чем хорошую ученость без дарования. .

* И хотя природа начинается с причины и заканчивается опытом, нам надобно идти путем обратным, то есть начинать с опыта и с ним изыскивать причину. .

* Опыт не ошибается, ошибаются только суждения наши, которые ждут от него вещей, не находящихся в его власти… Оставьте опыт в покое и обратите жалобы свои на собственное невежество, которое заставляет вас быть поспешными….

* Тот, кто порицает высшую точность математики, кормится за счет путаницы и никогда не отступится от уловок софистических наук, порождающих бесконечную болтовню. .

* Никакой достоверности нет в науках там, где нельзя приложить ни одной из математических наук, и в том, что не имеет связи с математикой. .

* Две слабости, опираясь одна на другую, рождают силу. Так половина мира, опираясь на другую, делается устойчивой. .

* Счастливы будут склоняющие свой слух к словам мертвых: читать хорошие произведения и соблюдать их. .

* Люди будут разговаривать друг с другом из самых отдаленных стран и друг другу отвечать.

Музеев и институтов, посвящённых творчеству Леонардо да Винчи, в мире несколько.

В Милане есть Национальный музей науки и техники "Леонардо да Винчи" - в нём Леонардо представлен прежде всего как изобретатель. Во Франции это усадьба Клу, где художник провёл последние годы и где всё сохранилось почти в том же виде, как и при его жизни.

Средневековый замок Кло-Люсе занимает одно из первых мест в списке самых посещаемых и популярных замков долины реки Луары. Внешне достаточно скромный, небольшой замок из розоватого кирпича знаменит не столько своей архитектурой или интерьерами, сколько своим известным постояльцем. Здесь более трех лет в начале 16 столетия довелось прожить великому Леонардо да Винчи, посетившему Францию по приглашению короля Франциска I. Сейчас тысячи посетителей стремятся в Кло-Люсе, чтобы посетить дом-музей Леонардо да Винчи.

Бережно хранят память о Леонардо в национальном музее науки в Милане

В США Центр по изучению творчества Леонардо является подразделением Калифорнийского университета в Лос-Анжелесе. Основателем этого исследовательского института был американский нефтепромышленник и коллекционер Арманд Хаммер (1898-1990). В 1980 году, на аукционе в Лондоне, Хаммер приобрёл манускрипт Леонардо за 2,4 миллиона фунтов стерлингов. Его 72 страницы содержат мысли Леонардо по гидравлике и космологии. Этот текст после аукциона получил название Кодекса Хаммера. Сегодня он известен как Кодекс Гейтса, поскольку был перекуплен на нью-йоркском аукционе 1994 года Биллом Гейтсом, владельцем гигантской корпорации "Майкрософт". Цена покупки снова оказалась рекордной - 30 миллионов долларов.

Калифорнийский Центр по изучению творчества Леонардо спонсирует новый музей Леонардо - Музео Идеале Леонардо да Винчи, - открытый в родном городе художника, Винчи, в 1993 году. Музей расположен в средневековом замке, центральная башня которого давно стала одной из главных городских достопримечательностей.

Во Флоренции также собрана богатейшая коллекция инженерных работ Леонардо да Винчи.

И вот теперь мы знакомимся с гением Леонардо дома, не выезжая за рубеж. Выставка в Артиллерийском музее открылась 1 октября и будет работать до 31 января. Выставка создавалась как передвижная более 10 лет.

 «Выставка создавалась с целью воздать должное великим работам Леонардо да Винчи и собрать их все в одном месте, чтобы пришедшие смогли восхититься этим блестящим и великим умом, -  заявил г-н Брюс Петерсон (Bruce Peterson), основатель и управляющий компании «Гранд Экзибишнс». - Возможно, Леонардо да Винчи является величайшим из всех известных миру гениев, и наша выставка со всей очевидностью показывает, почему такое предложение, по сути, неоспоримо».

 Под руководством Модесто Веччиа (Modesto Veccia) - президента ассоциации «Антропос», а также куратора и основателя музея Il Genio di Leonardo Da Vinci Museo в Риме – группа итальянских специалистов провела последние десять лет за изучением и толкованием дневников да Винчи и созданием изобретенных им машин для показа на выставке. Этими мастерами реализованы более 120 придуманных да Винчи механизмов, 65 из которых представлены на выставке и выполнены - там, где это было возможно - с помощью технологий и материалов, доступных в Италии XV-го века, в том числе: дерева, хлопка, меди, железа, холста и веревок.  Большая часть макетов изготовлена в натуральную величину.

 Научные идеи да Винчи преимущественно известны по его дневникам. Считается, что им было написано не менее 24.000 страниц, из которых на сегодняшний день сохранилось лишь около 6.000. В этих записных книжках он делал заметки и рисунки по геометрии, технике, фауне и флоре, математике, физике и философии. Им созданы невероятно подробные анатомические наброски и спроектированы в высшей степени новаторские конструкции зданий и механических приспособлений, большинство из которых так и не материализовались при жизни да Винчи.

 Дополнительной сложностью в реализации идей да Винчи на практике стала изобретенная им своеобразная тайнопись и использование «зеркального письма» справа налево. Мастера, воплотившие придуманное да Винчи, провели бесконечное количество часов за переводом старого флорентийского диалекта и расшифровкой  системы письма да Винчи.

Потрясающая конструкция арочного моста без единого гвоздя.

Арочный мост Леонардо предлагал построить турецкому султану через Босфор, но тот отказался. Мост Леонардо был придуман Леонардо да Винчи в 1502 году, а построен лишь в Норвегии в 2001 по оригинальным чертежам мастера.

Это танк, который мог двигаться в любом направлении, а внизу - пушки могли стрелять

Паровая пушка стреляла железными ядрами

Парашют

Водолазный костюм, спасательный круг

Деревянный велосипед

Целый зал был посвящен тайне Джоконды

Помню, как я 40 минут стоял в Лувре в 1975 году, изучая эту картину. Кстати надо заметить, что...

Над разгадкой тайны улыбки Моны Лизы исследователи бьются уже много лет. Едва ли не каждый год находится ученый, сообщающий: "Тайна раскрыта!" Некоторые считают, что разница восприятия выражения лица Джоконды зависит от личных психических качеств каждого. Кому-то оно кажется грустным, кому-то задумчивым, кому-то лукавым, кому-то даже злобным. А некоторые считают, что
Джоконда вовсе даже и не улыбается!

Другие ученые считают, что дело в особенностях художественной манеры автора. Якобы Леонардо так по-особому накладывал краски, что лицо Моны Лизы постоянно меняется. Многие настаивают на том, что художник изобразил на полотне себя в женском обличье, оттого и получился такой странный эффект.
Есть версия, что художник, который якобы был бисексуалом, нарисовал не себя, а своего ученика и помощника Джиана Джакомо Капротти, который находился рядом с ним в течение 26 лет. В пользу этой версии приводят тот факт, что Леонардо оставил эту картину ему в наследство, когда скончался в 1519 году.
Отдельного внимания требуют мнения медиков. Стоматолог и по совместительству эксперт по живописи Джозеф Борковски считает, что выражение лица Моны Лизы типично для людей, потерявших передние зубы. А японский доктор Накамура обнаружил поражение уголка левого глаза Джоконды и сделал вывод, что она предрасположена к сердечным заболеваниям и страдает астмой.

Еще одну версию -- о параличе лицевого нерва -- выдвинули отоларинголог Азур из Окленда и датский врач Финн Беккер-Христиансен, который предложил обратить внимание на то, что Джоконда правой стороной улыбается, а левой гримасничает. Однако, по мнению британского врача Кеннета Кила, на портрете просто-напросто передано умиротворенное состояние беременной женщины.

Говорят...
...что именно модели Джоконды великий художник обязан своей смертью. Что многочасовые изнурительные сеансы с ней извели великого мастера, поскольку сама модель оказалась биовампиром. Об этом говорят и поныне. Как только картина была написана, великого художника не стало.

А в другом зале рассказывалось о фреске Тайная вечеря в Милане

Тайная вечеря - это единственное большое законченное произведение Леонардо да Винчи. Он выбрал необычный вид росписи - масляными красками, а не темперой, что позволило сохранить более медленный темп работы, с возможностью дополнений и изменений. Стиль, которым написано произведение, создаёт впечатление, что мы смотрим на него через запотевшее стекло. Многочисленные пятна сливаются между собой в единую картину.

Освящение, которое изобразил мастер на фреске, даёт впечатление реального света, поскольку из соседнего с фреской окна (перпендикулярной стены) просачивается слабый свет и картина предстаёт в глазах зрителей реальностью. К сожалению, в настоящее время это окно полностью затемнено, чтобы не испортить хрупкой работы.

Казалось бы, что "Тайная вечеря" должна была тщательно сохраняться, между тем на деле все обернулось иначе. Виной тому отчасти сам великий да Винчи. Создавая фреску, Леонардо применил новый (им самим изобретенный) способ грунтовки стены и новый состав красок. Это позволяло ему работать медленно, с остановками, внося частые изменения в уже написанные части произведения. Результат сначала оказался прекрасным, но уже через несколько лет на росписи появились следы начинающегося разрушения: проступили пятна сырости, небольшими листиками стал отставать красочный слой.

В 1500 году, через три года после написания "Тайной вечери", вода залила трапезную, коснувшись и фрески. Через 10 лет ужасная чума постигла Милан, и монашествующая братия забыла о том, какое сокровище хранится в их обители. Спасаясь от смертельной опасности, они (может быть, и против собственной воли) не могли надлежащим образом позаботиться о фреске. К 1566 году она была уже в весьма жалком состоянии. Монахи прорубили посреди картины дверь, которая нужна была для сообщения трапезной с кухней. Эта дверь уничтожила ноги у Христа и у некоторых апостолов, а потом картину обезобразили огромным государственным гербом, который прикрепили над самой головой Иисуса Христа.

В дальнейшем австрийские и французские солдаты как будто соперничали между собой в вандализме по уничтожению этого сокровища. В конце XVIII века трапезная монастыря была превращена в конюшню, испарения конского навоза покрыли фрески густой плесенью, а заходившие в конюшню солдаты забавлялись, швыряя кирпичи в головы апостолов.

Во время II Мировой войны, когда английская авиация бомбила Милан, крыша и три стены знаменитого здания оказались полностью снесёнными. И представьте себе, осталась стоять только та, на которой сделал свою роспись Леонардо да Винчи. Это было настоящее чудо!

Только в 1999 году эту фреску отреставрировали. И я помню, с каким благоговением 4 года назад я стоял в трапезной монастыря Санта Мария делле Грация в Милане. Сокровище церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане одно из самых хрупких сокровищ мировой живописи, и оно должно быть сохранено для потомков

Самый интересный и самый веселый экспонат - зеркальная комната: заходишь в нее и видишь собственное отражение сразу с восьми сторон.

Ну ,наконец, устроители выставки заставляют поразмыслить над идеальными пропорциями Витрувианского человека.

Витрувианский человек - рисунок, сделаный Леонардо да Винчи примерно в 1490-92 годах, как иллюстрация для книги, посвященной трудам Витрувия. Рисунок сопровождается пояснительными надписями, в одном из его журналов.. На нем изображена фигура обнаженного мужчины в двух наложенных одна на другую позициях: с разведенными в стороны руками, описывающими круг и квадрат.

Рисунок и текст иногда называют каноническими пропорциями. При исследовании рисунка можно заметить,
что комбинация рук и ног в действительности составляет четыре различных позы.
Поза с разведенными в стороны руками и не разведенными ногами, вписывается в квадрат ("Квадрат Древних").
С другой стороны, поза с раскинутыми в стороны руками и ногами, вписывается в круг. И, хотя, при смене поз, кажется, что центр фигуры движется, на самом деле, пуп фигуры, который является настоящим её центром, остается неподвижным.

В соответствии с сопроводительными записями Леонардо, он был создан для определения пропорций (мужского) человеческого тела, как оно описано в трактатах античного римского архитектора Витрувия (Vitruvius), который написал следующее про человеческое тело:

• длина от кончика самого длинного до самого низкого основания из четырёх пальцев равна ладони
• ступня составляет четыре ладони
• локоть составляет шесть ладоней
• высота человека составляет четыре локтя (и соответственно 24 ладони)
• шаг равняется четырём локтям
• размах человеческих рук равен его высоте
• расстояние от линии волос до подбородка составляет 1/10 его высоты
• расстояние от макушки до подбородка составляет 1/8 его высоты
• расстояние от макушки до сосков составляет 1/4 его высоты
• максимум ширины плеч составляет 1/4 его высоты
• расстояние от локтя до кончика руки составляет 1/4 его высоты
• расстояние от локтя до подмышки составляет 1/8 его высоты
• длина руки составляет 2/5 его высоты
• расстояние от подбородка до носа составляет 1/3 длины его лица
• расстояние от линии волос до бровей 1/3 длины его лица
• длина ушей 1/3 длины лица
• пупок является серединой окружности

В Средние века в центр мира был поставлен Бог, а человек стал считаться неким уродливым и униженным придатком Вселенной. Разумеется, в искусстве в те времена на человека да и вообще на земную суету никто не обращал внимания.

В эпоху Возрождения человек вернулся в центр мира, и художники обратили свои взоры к античности, в поисках учения и вдохновения, то есть к той эпохе, которая воспевала человеческое тело и человеческие отношения.

Вот и закончилось наше путешествие в мир Леонардо да Винчи.

Этот необыкновенный человек всё знал и всё умел - всё, что знало и умело его время; кроме того, он предугадывал многое, о чём в его время ещё не помышляли. Так, он обдумывал конструкцию летательного аппарата и, как можно судить по его рисункам, пришёл к идее геликоптера. Леонардо был живописцем, скульптором, архитектором, писателем, музыкантом, теоретиком искусства, военным инженером, изобретателем, математиком, анатомом и физиологом, ботаником… Легче перечислить, кем он не был. Причём в научных занятиях он оставался художником, так же как в искусстве оставался мыслителем и учёным. Легендарная слава Леонардо прожила столетия и до сих пор не только не померкла, но разгорается всё ярче: открытия современной науки снова и снова подогревают интерес к его инженерным и научно-фантастическим рисункам, к его зашифрованным записям. Особо горячие головы даже находят в набросках Леонардо чуть ли не предвидение атомных взрывов. А живопись Леонардо да Винчи, в которой, как и во всех его трудах, есть что-то недосказанное и всё, что он делал, он делал сознательно, с полным участием интеллекта. Но он едва ли не с умыслом набрасывал покров таинственности на содержание своих картин, как бы намекая на бездонность, неисчерпаемость того, что заложено в природе и человеке. Леонардо как бы прерывается на полуслове; взамен ожидаемого окончания доносятся со стороны или из вечности его слова: «Тот, кому покажется, что это слишком много, пусть убавит; кому покажется мало, пусть прибавит». Первоначально имелась ввиду его анатомия, но высказывание можно толковать и в том смысле, что каждая жизнь есть часть общей жизни, а если кто чего не успел, другие за него постараются.

Из книг Леонардо да Винчи

О ПОЛЁТЕ ПТИЦ О ЗРЕНИИ, СВЕТЕ, ТЕПЛЕ И СОЛНЦЕ О ПРИРОДЕ, О ЖИЗНИ И СМЕРТИ О СИЛЕ, ДВИЖЕНИИ, ВРЕМЕНИ И БЕСКОНЕЧНОМ О ЗРЕНИИ И СВЕТЕ О РАСПРОСТРАНЕНИИ ОБРАЗОВ О ЗВЕЗДАХ ВОДА И ЖИЗНЬ ЗЕМЛИ О ПОЛЕТЕ Вазари. Жизнеописание Леонардо

Внука повели на Иоланту в Михайловский театр. Мы уже были с ним в этом театре 2 раза. Первый раз смотрели скучнейший балет  на прекрасную музыку Чайковского "Лебединое озеро". А во второй раз он слушал "Волшебную флейту" Моцарта. Ему очень понравился Папагено и музыка.

И вот сегодня Иоланта.

«Иоланта» П. И. Чайковского — одно из самых лирических и поэтических произведений композитора. Либретто было создано Модестом Чайковским по пьесе датского поэта и драматурга Г. Герца «Дочь короля Рене», основанной на старинной легенде.

Слепая от рождения дочь короля Прованса не знает о своем несчастье, но молодой рыцарь, которого она полюбила, открывает ей страшную правду.

Желание Иоланты увидеть мир, усиливаемое притворной угрозой короля казнить рыцаря, если попытка врача восстановить ее зрение окончится неудачно, приводит к счастливой развязке: Иоланта прозревает.

Великолепное либретто оперы вы найдете здесь

Я помню прекрасный фильм-оперу Иоланта, где поют непревзойденный король Рене - Иван Петров, Павел Лисицыан, Зураб Анджапаридзе и Галина Олейниченко.

Этот фильм для меня с юности был эталоном. Мне интересно было как меняются эталоны.

Раньше в искусстве эталоны определяли люди, понимающие хоть что-то в искусстве. А теперь во главе музыкальных театров стали менеджеры. Вот и теперь с 2007 года С.Л. Гаудасинского (народного артиста России, лауреата Государственных премий России, профессора консерватории) сменил на должности директора Михайловского  театра известный российский бизнесмен В.А. Кехман - председатель совета директоров компании по импорту фруктов JFC (фруктовый король). Он теперь создает эталоны в искусстве.

В опере, которую мы слушали в Михайловском театре, главные партии исполняли Мария Литке и Фёдор Атаскевич

Они пели неплохо, но Рене и остальные исполнители были не на высоте. Понравились декорации.

Плохо звучал оркестр. Он заглушал певцов и иногда звучал не в унисон. Многое в музыкальном театре зависит от музыкального руководителя.

В 1940—60-е годы главными лидерами театра стали дирижеры. За пультом стояли прекрасные музыканты — Б.Хайкин (сменивший на посту главного дирижера С.Самосуда, многолетнего сподвижника и единомышленника Н.Смолича), К.Кондрашин, Э.Грикуров, Ю.Темирканов, К.Зандерлинг. Но как это ни парадоксально, при длительном дефиците полнопенной и планомерной режиссерской работы и, как следствие, неизбежном спаде актерского мастерства не смогло удержаться на должной высоте и музыкальное качество спектаклей.
 Возвращение к режиссерскому театру наметилось в 70-е годы, когда в театр пришел Эмиль Евгеньевич Пасынков ( Смотрите интереснейшую статью об этом человеке, который долгое время возглавлял еще и кафедру режиссуры музыкального театра в Ленинградской Консерватории).  Очень осторожно режиссер длолжен вторгаться в структуру музыкального произведения, - говорил Пасынков своим ученикам. Этому должна предшествовать огромная научно-исследовательская работа.

Потом пришел С.Гаудасинский. Гаудасинскому, возглавившему театр с 1981 г. удалось восстановить традиции «театра певца-актера», которыми славился Малегот в пору своего становления. Повседневную репетиционную работу режиссер направил на сценическое осмысление пения, на выработку у певцов органичного синтеза телесной пластики и вокальной речи. Совершенно преобразился хор, из недифференцированной людской массы вдруг превратившийся в необычайно мобильный многоликий коллектив актеров. Сцена театра стала настоящей школой актерского мастерства для солистов. Потом была Елена Образцова, которую сменил словацкий дирижер Петер Феранец .

Здесь вы подробнее прочитаете о становлении Михайловского театра.

Сегодня стало правилом то, что в Михайловском театре художественные руководители надолго не задерживаются. Ответов на вопрос почему так происходит, может быть несколько, поскольку речь идет о театре, который пытается совмещать государственные и частные интересы, вырабатывая свою финансово-экономическую модель существования.

С 1 января 2012 года музыкальным руководителем и главным дирижёром Михайловского театра  стал Михаил Татарников, до этого пять лет проработавший в  Мариинском театре , Он сменил на этом посту дирижера Петера Феранеца, который занимал должность музыкального руководителя с июня 2009 года.  

Михаил Татарников окончил Санкт-Петербургскую государственную консерваторию имени Римского-Корсакова по классу скрипки, а затем обучался на факультете оперно-симфонического дирижирования. Впервые Татарников вышел дирижировать на большую сцену в 2006 году в Мариинке  Как долго продержится этот молодой дирижер? Хватит ли у него мудрости и терпения? Не закружится ли голова от такого взлета? Ведь он еще очень молод. А у молодых очень много амбиций Будет ли он уважать музыкальные традиции театра? Или пойдет вслед за Бархатовыми, Черняковыми, которые ломают оперу через колено?...

Оперу убивают режиссеры, сказал однажды в интервью Ю.Темирканов. Дирижер несет равную ответственность за развал этого жанра, если он участвует в спектакле, где Хозе выезжает на мотоцикле, или если действие "Пиковой дамы" происходит на кладбище. Многие думают, что это современно. Но у дирижера должно хватать смелости говорить, что это плохо.  Хватит ли у молодого дирижера авторитета и мужества противостоять банановому королю и не дать убить оперу и способствовать развитию русского национального искусства?

Кехман Владимир Абрамович, по мнению бывшего музыкального руководителя театра Петера Ференца, "так увлекся балетом, что практически перестал уделять внимание оперной труппе. Если вы посмотрите на афишу театра, то увидите, что в декабре назначено семь оперных спектаклей, в январе — одиннадцать, в феврале — снова семь. Эта статистика говорит сама за себя. Если мой сменщик сможет вернуть интерес Михайловского театра к опере, я буду только счастлив. Если у него получится сделать что-то лучше, чем у меня, — буду счастлив еще больше". 

Продолжается соперничество между Мариинским и Михайловским театром. Великолепное исполнение и безобразная режессура проявилась в полной мере в постановке Иоланты в Мариинском театре.

Концепция прочтения оперы «Иоланта» польским режиссером Мариушем Трелиньским показалась многим критикам неоправданно мрачной, полной пессимизма и довольно запутанной. Режиссер был вдохновлен обстоятельствами биографии Чайковского, он объяснял в интервью, что концепция «Иоланты» не могла быть оптимистичной, поскольку он где-то читал, что у композитора были большие сложности с женщинами и в связи с этим даже попытки самоубийства.

«Иоланту» в Мариинском театре поставила иностранная команда постановщиков (режиссер М. Трелинский, художник Б. Кудличка), что само по себе уже явилось смелым экспериментом. Но, как выяснилось, на этом эксперименты только начинались. Вместо павильона в готическом стиле и красивого сада с роскошной растительностью озадаченной публике было явлена некая комната-клетка с кроватью и единственной стеной посреди местности, переживающей последствия ядерной катастрофы.

Эта комната, больше похожая на больничную палату, и есть жизненное пространство слепой от рождения Иоланты. Вдоль её несуществующих стен она бродит, опекаемая любящим отцом и заботливыми сиделками, которых она принимает за подруг. Лишь один шаг отделяет Иоланту от незнакомого ей мира. Но какого? Мира оставленного, бездыханного, с висящими в воздухе голыми стволами деревьев и колючей проволокой вместо травы. Чёрно-белого мира, где о полевых цветах и звёздном небе напоминает лишь скудная видеографика.

И вот в этот апокалипсический ужас вторгаются двое юношей. Они не в скафандрах, но в легкомысленных спортивных курточках и с лыжами в руках, они – с другой планеты. Своей молодой энергией они преображают безжизненное пространство, привнося туда главное – любовь. Иоланте открывается истина, в ней просыпается желание совершить прыжок за пределы тщательно огороженного мирка, чтобы увидеть свет...

Главная героиня спектакля в Мариинке – Анна Нетребко – украсила спектакль и не разочаровала своих поклонников, создав трепетный и нежный образ Иоланты. Голос певицы после рождения ребёнка стал более объёмным, не утратив полётности. 

Экспериментальная постановка оперного шедевра соответствует духу сегодняшнего дня, и в этом заключается, пожалуй, единственное её достоинство. В ней есть многие черты катастрофы, которую почему-то именуют кризисом. Она дёшева и неэстетична, не имеет национальности; логика и взаимосвязи происходящих событий ведомы лишь её создателям. Но если от кризиса нам, в силу объективных обстоятельств, никуда не деться, то постановки подобного рода вполне можно обойти стороной. Даже Мариинка вслед за Большим театром близка к разрушению оперы, как жанра. 

А под конец послушайте, как звучит голос Галины Вишневской

Пусть живет опера!

Иксановы, Кехманы, Бархатовы, Черняковы - не убивайте оперу! 

С Новым годом!

У нас появилась традиция - 31 декабря ходить в театр. 2011 год мы завершили походом в театр им. В.Ф.Комиссаржевской.

Признаюсь, я не был в этом театре уже более 30 лет, хотя мне нравились актеры этого театра. Здесь начинали Игорь Дмитриев, Алиса Фрейндлих. С этим театром я связываю имя Ивана Краско. Здесь с 1966 по 1991 год театром руководил Рубен Агамерзян и я помню поставленную под его руководством трилогию А.Толстого о царствовании последних Рюриковичей «Царь Фёдор Иоаннович», «Смерть Иоанна Грозного», «Царь Борис». Жестко и зримо здесь была показана трагическая судьба России в смутное время. Мы погружались в атмосферу глубоких раздумий о месте человека в истории, о тяжкой доле тех, кто оказывался ответственным перед Отечеством на сломе эпох за его будущее. Я уверен - это было выдающееся театральное свершение. В моей памяти навсегда останутся главные герои трилогии в прекрасном исполнении Владимира Особика, Станислава Ландграфа, Елизаветы Акулечевой, Тамары Абросимовой, Ивана Краско и многие, многие другие персонажи. Интересные декорации тоже остались в моей памяти.

.

Интересна история театра. Он находится в здании Пассажа. Счастливая идея построить крытую торговую галерею – пассаж – каких было множество в Лондоне и Париже, пришла в голову коллежскому советнику графу Якову Эссен-Стенбок-Фермору. Высочайшим указом разрешение на строительство Пассажа было получено. Так, в мае 1848 года по уникальному проекту архитектора Рудольфа Желязевича Невский проспект был соединен с Итальянской улицей крытой стеклом трехъярусной галереей, где разместились магазины и кондитерские, кабинет восковых фигур, «механический и анатомический театр», «живые картины» в верхних этажах, ресторан в подвале и большой зрительный зал. С той поры петербуржцы не зависели от скверной балтийской погоды и любовно называли Пассаж «гостиной, где сходятся знакомые». Здесь, в 1860-х годах в театральном зале устраивались лекции и проводились литературно-драматические вечера, где выступали великие писатели А. Островский, Н. Некрасов, И. Тургенев, Я. Полонский, А. Писемский, а также университетские профессора истории. В театральном зале любительские труппы играли спектакли. В одной из постановок комедии А. Н. Островского «Свои люди - сочтемся» принимал участие сам автор.

В 1901 году Пассаж был перестроен по проекту зодчего Сергея Козлова. Стараниями новых владельцев Пассажа Барятинских Пассаж вновь обрел статус культурного центра. Именно 1901 год считается официальной датой открытия театра. Теперь вход в театр и кассовый вестибюль подверглись реконструкции: прежде зрители попадали в него из торгового зала «Пассажа».

Вид на Пассаж из окна вестибюля театра

С 1959 года театр носит имя В.Ф.Комиссаржевской.

Комиссаржевская открыла собственный Драматический театр в здании петербургского «Пассажа». Театр открылся 15 сентября 1904 года.

 Опаленная бурной эпохой великая актриса строила «театр свободного актера, театр духа». В кулисах театра смешались многие художественные события, но память обо всех работавших на этой сцене актерах и режиссерах бережно хранится и поныне. 
    Здесь давали концерты симфонической и камерной музыки, в том числе, знаменитые «Беляевские концерты». Беляевский кружок возглавлял Н. А. Римский–Корсаков. 27 марта 1905 г. на сцене Пассажа студенты Консерватории впервые исполнили запрещенную цензурой оперу «Кащей Бессмертный». Проект помогла осуществить В. Ф. Комиссаржевская, дирижировал А. К. Глазунов.

В 1906 г. В.Ф. Комиссаржевская пригласила Мейерхольда в Петербург главным режиссёром своего театра. Здесь за один сезон Мейерхольд выпустил 13 спектаклей, вызвавших оживленные дискуссии. В «Гедде Габлер» Ибсена и «Сестре Беатрисе» Метерлинка режиссёр продемонстрировал найденные им структурные принципы символистского спектакля: неглубокая сцена, декорация в виде живописного панно, замедленные движения актёров, скульптурная выразительность жестов и поз, холодная внеэмоциональная интонация. В «Жизни человека» Л. Андреева Мейерхольд разработал изощрённую световую партитуру спектакля. В «Балаганчике» А. Блока Мейерхольд иронически переосмыслил символистскую образность. Комиссаржевской непросто работалось с Мейерхольдом, и в 1907 г. она предложила режиссёру покинуть театр. Мейерхольд создавал свой "условный театр" в противовес сценическому натурализму Станиславского. Он объявил в 20-е годы войну Малому театру и МХАТУ в Москве, так как они не могут найти общий язык с новой действительностью. В 1920 г. в программе «Театрального октября» режиссёр сформулировал основные задачи театра: служение революции и полное обновление сценического искусства.

В 1930-е началась травля режиссёра в прессе, его искусство было названо чуждым советскому народу и враждебным советской действительности. В 1938 г., когда Театр Мейерхольда был закрыт, Станиславский пригласил опального режиссёра в руководимый им оперный театр: так завершилась их многолетняя творческая полемика.

В июле 1939 г. Мейерхольд был арестован, а в феврале 1940 г. расстрелян. В 1955 году Верховный суд СССР посмертно реабилитировал Мейерхольда.

Вернемся в театр Комиссаржевской С 1906 года режиссером-постановщиком в Драматическом театре Комиссаржевской работает В. Я. Брюсов, но и это сотрудничество не было удачным.

Александр Блок также был связан с театром Комиссаржевской: он писал для него («Балаганчик», «Незнакомка», «Роза и Крест»), в юности хотел быть актёром. Вот что поэт писал о Комиссаржевской в предисловии к поэме «Возмездие»: “1910 год — это смерть Комиссаржевской, смерть Врубеля и смерть Толстого. С Комиссаржевской умерла лирическая нота на сцене, с Врубелем — громадный личный мир художника, безумное упорство, ненасытность исканий — вплоть до помешательства, с Толстым умерла человеческая нежность — мудрая человечность”. Ставя Комиссаржевскую в один ряд с Толстым и Врубелем, Блок подчёркивает значимость личности актрисы, оставившей свой неизгладимый след в истории культуры. А “лирическая нота” звучит в его стихотворении «На смерть Комиссаржевской» пронзительней других. С театром Комиссаржевской Блока связывала горячая и безоглядная любовь к  молодой актрисе театра Наталье Николаевне Волоховой. Об этом приобщении к “тёмной и страшной стихии – стихии любви” рассказывает книга поэта “Снежная маска”, изданная в 1907 году. Пришедшую любовь Блок сравнивает с вьюгой, с петербургской зимней стихией. Никто в русской поэзии не передал вьюжную пляску, сверкание и сияние снега в ночи. И никто из поэтов не соединял описание зимнего холода, вьюги с любовью к женщине. И это Блок пишет всего через 4 года после свадьбы с Любой Менделеевой!

В 1909 году разочарование Комиссаржевской собственным театром заставило принять ее непростое решение: уйти из театра. У Веры Федоровны появилась новая мечта — создать театральную школу.  А в 1910 году она умерла.

На кончину великой актрисы Александр Блок написал:
 

Что в ней рыдало? Что боролось?
Чего она ждала от нас?
Не знаем. Умер вешний голос,
Погасли звезды синих глаз…

Так спи, измученная славой,
Любовью, жизнью, клеветой...
Теперь ты с нею - c величавой,
С несбыточной твоей мечтой.

Почему же большевики решили увековечить ее имя?

Комиссаржевская косвенно участвовала и в революционном движении. Она не могла быть в стороне от общественной жизни. Время было бунтарское. Театр открылся накануне революции 1905 года. Театр Комиссаржевской сразу жеоказался связанным с общественными страстями и брожениями.Совсем нельзя сказать, что Комиссаржевская исповедовала какуюлибо партийную революционность. Но так сложилась ее личная  жизнь и творческая судьба, что ее антибуржуазность, стремительность, желания преобразований жизни были всем очевидны. И быломного зрителей, разделяющих такое романтическое бунтарство.

В основе спектакля – история одного неженатого великовозрастного бизнесмена. Перед его матерью стоит одна из важнейших жизненных проблем — женитьба единственного сына! Мама ищет для сына женщину, которая не промотает капиталы, не пустит его по миру, умея, как минимум, приготовить шесть блюд из одной курицы?

Что можно приготовить из одной курицы?

Из одной курицы можно приготовить следующие блюда:
1. Солянка сборная мясная
2. Заливное из курицы
3. Рулет куриный
4. Фаршированные окорочка
5. Куриные рулетики с сыром
6. Салат «Восточный»

Приятного аппетита!

С НОВЫМ 2012 ГОДОМ!

ЧТО ТАКОЕ НОВЫЙ ГОД ?

С Новым годом, дорогие мои читатели и почитатели!

День начала очередного нового года связан с календарем. Точнее с принятой календарной системой. А их, широко распространенных, несколько. Например, привычный григорианский календарь (иногда именуемый христианский), восточный (китайский) календарь. Существуют еще мусульманский, еврейский, персидский, … А во времена французской революции новую эпоху решили ознаменовать введением собственного новоиспеченного календаря.

Чтобы разобраться во всей этой путанице необходимо обратиться к сухой астрономической информации.

Календари обычно основаны на астрономических событиях, а два самых важных астрономических объекта - это Солнце и Луна. Их циклы (периоды) очень важны для создания и понимания календарей.

Наше понятие года основано на движении Земли вокруг Солнца. Время от одного значимого момента, такого как солнцестояние или равноденствие, до следующего называется тропическим годом. Его продолжительность в настоящее время составляет 365.242190 суток, но она изменяется. Изменяется непрерывно и очень медленно. В 1900 году продолжительность составляла 365.242196 суток, а около 2100 года будет равна 365.242184 суток.

Обратите внимание! Год то составляет нецелое количество суток! Так потихоньку, год за годом, накапливается лишний день. И тогда мы отмечаем високосный (366-дневный) год, чтобы «восстановить временную погрешность». И так через каждые 4 года… Почти через каждые. Ведь в дробном остатке года мы имеем не ровно четверть суток, а чуточку меньше. И потихоньку накапливается один «недостающий» день в году… И тогда один високосный год просто пропускается. Как все запутано, верно?

Далее ситуация еще более запутывается. Наше представление о месяце связано с движением Луны вокруг Земли, хотя эта связь и была нарушена в используемом сейчас календаре. Время от одного новолуния до другого называется синодическим месяцем, и его продолжительность в настоящее время 29.5305886 суток, а около 2100 года она составит 29.5305891 суток.

При 12 месяцах в году соотношение между месяцами календаря и Луной (лунным месяцем) не может поддерживаться. Однако, 19 тропических лет равны 234.997 синодическим месяцам, что очень близко к целому числу. Поэтому каждые 19 лет фазы Луны приходятся на те же даты (если не принимать во внимание искажения, вносимые високосными годами). 19 лет называют циклом Метона (Метон - афинский астроном, живший в 5 веке до н.э.)

Таким образом, подводя итог: необходимо запомнить три важных числа:

Тропический год - 365.24219 суток
Синодический месяц - 29.53059 суток
19 тропических лет составляют почти целое число синодических месяцев.

Христианский календарь основан на движении Земли вокруг Солнца, а месяцы уже не связаны с движением Луны.

С другой стороны, восточный и мусульманский календари основаны на движении Луны, а год не связан с движением Земли вокруг Солнца.

В еврейском календаре оба принципа объединены: годы связаны с движением Земли вокруг Солнца, а месяцы - с движением Луны.

И наконец, в майянском календаре учтены не только периоды Солнца и Земли, но и более длительные периодики, учитывающие их глобальные изменения.

Юлианский календарь был введен Юлием Цезарем в 45 г. до н.э. Он повсеместно использовался до 1500-х годов, когда многие страны начали переходить на григорианский календарь.

В юлианском календаре длина тропического года принята равной 365 1/4 дня = 365.25 дня. Это дает ошибку в 1 день примерно через 128 лет.

Приближение 365 1/4 достигается введением одного високосного года на каждые 4 года.

В григорианском календаре длина тропического года аппроксимирована числом 365 97/400 суток = 365.2425 суток. Таким образом, тропический год сдвинется относительно григорианского календаря на один день через 3300 лет.

Приближение 365 97/400 достигается введением 97 високосных лет на каждые 400 лет.

Как Дионисий датировал рождение Христа

Об этом существует несколько теорий. Многие из теорий преподносятся так, будто они являются неоспоримым историческим фактом.

Вот две теории, которые лично я считаю наиболее вероятными:

1. Согласно Евангелию от Луки (3:1 и 3:23) Иисусу было "около тридцати лет" вскоре после "пятнадцатого года правления императора Тиберия". Тиберий стал императором в 14 г.н.э. Если вы сравните эти числа, то получите год рождения Иисуса, поразительно близкий к началу нашего отсчета годов. Возможно, это было основой для вычислений Дионисия.

2. Первоначальной задачей Дионисия было вычисление пасхальных таблиц. В юлианском календаре даты Пасхи повторяются через 532 года. Первым годом в пасхальных таблицах Дионисия был 532-й. Совпадение ли это, что число 532 встречается здесь два раза? Или Дионисий так зафиксировал год рождения Иисуса, чтобы его собственные пасхальные таблицы начались точно в начале второго пасхального цикла после рождения Иисуса?

Восточный (китайский) календарь

В Японии, Китае, Тибете, Монголии, в некоторых странах Европы пользуется популярностью цикличный календарь, возникший в Древнем Китае. В нем исчисление ведется не столетиями, а циклами по 60 лет. Каждый цикл состоит из пяти периодов по 12 лет; каждому 12-летнему периоду присвоен символ животного: мышь или крыса, корова или бык, тигр, заяц или кролик, дракон, змея, лошадь, овца или баран, обезьяна, курица или петух, собака, свинья или кабан.

Древний Восточный лунный календарь — это своеобразная летопись, которая создавалась с 2637 года до нашей эры по 61 год нашей эры.

По старинной легенде, Будда пригласил на Новый год всех животных, населяющих планету. Тем, кто придёт к нему первым поздравить и выразить своё уважение, он пообещал подарить по целому году, которые впредь будут называться их именами. Первой к Будде пришла мышь, потому что сидела на спине коровы и в конце пути соскочила на землю, сумев обогнать ее.

Получив во владение собственный год, каждое животное как бы передало ему типичные черты своего характера, а человек обрёл свойства, присущие тому животному, в год которого он родился. Через 11 лет человек вновь оказывается в "своём" году, который становится для него особенно удачным.

В каждом 60-летнем цикле году дается название, состоящее из двух частей:

Первая часть - это небесная ветвь:

Эти слова не имеют аналогов в других языках.

Вторая часть - это земная ветвь:

                                               
  В скобках приведены названия соответствующих животных из зодиакального цикла 12-ти животных.

Новый год по восточному (лунному) календарю является "переходящим" праздником и приходится на 1-е число 1-го лунного месяца, что в переводе на григорианский календарь происходит не ранее 21 января и не позднее 19 февраля.

И в конце моего повествования я хочу дать ссылочку на интересную и мало кому известную заметку, написанную Василием Татищевым
о календаре и счислении времени

2012 год — год Дракона.

• Китайское название Дракона: Лун.
• Пятый знак китайского Зодиака
• Время суток под управлением Дракона: 7:00 — 9:00
• Соответствующий знак западного Зодиака: Весы
• Элемент: Дерево.
• Полярность:Положительная

Дракон является символом годов: 1940, 1952, 1964, 1976, 1988, 2000, 2012, 2024.

Год Дракона вступит в свои права с 23.01.2012 и продлится по 09.02.2013 г.

Космический элемент года — вода, цвет — чёрный.

Таким образом, талисман 2012 года — Черный водяной Дракон.

              Черный цвет — это Космос, полярная ночь, «тьма над бездной». Это цвет глубины вод, цвет цивилизации древнейших племен монголо-тюркского корня, пришедших в евразийские лесостепи с северо-востока. Черный Дракон — это всесокрушающая первобытная стихия потока воды. Символ этого года несет людям решительные, но не всегда желанные перемены.

 Как встречать 2012 год (год Дракона)                                                                                          

2012 год — год черного водяного дракона — лучше встречать активно, позитивно, и в семейном кругу; должно быть побольше движения, азарта и игры.

В отличие от всех других животных восточного календарного цикла, драконы — животные мифические; правда, так называют и некоторых земноводных и ящериц. Между тем, астрологи считают зодиакального Дракона олицетворением кармы, круга воплощений, воздаяния. А потому жизнь людей, родившихся под этим знаком, и само их появление в этой жизни всегда связано с кармическими событиями.

Человек, родившийся в год водяного Дракона, доступен, дружелюбен, с ним легко иметь дело. Он остроумен и редко упустит удачу из рук. Он не настолько терпелив, как другие типы Дракона, и более склонен ждать результатов, чем требовать их немедленно. Ему понятны человеческие слабости, свойственна готовность поделиться с друзьями и близкими своими мыслями. Основным недостатком является тенденция перескакивать с одного на другое, неумение сконцентрироваться на какой-то одной цели. У него плохо развито чувство юмора, но он прекрасный оратор

2012 — особый кармический год. Его советуют встречать по-особому. За несколько минут перед боем часов оставьте суету, мысленно поблагодарите уходящий год Зайца, вспомните как можно больше хорошего, что связано с уходящим 2011 годом. Когда часы известят о начале Нового года, с первых же секунд думайте о хорошем, мысленно взывайте к добру и справедливости. Вообще астрологи призывают дарить свою любовь людям —в  этом году она будет обязательно возвращаться, как отпущенный по водам хлеб, обогащенная новой силой и мощью других людей. Всеобщей любовью станет наполняться все пространство. В итоге души людей станут чище, богаче, а миг — крепче и сильнее.

На празднике может быть много яркой современной музыки. Танцевальные движения, соответствующие знаку Дракона, многообразны — от резких и ломаных до замедленно-гипнотических. Говорят, что даже если встретить этот день гимнастикой, тем самым можно включиться в ритмы предстоящего года, главное — не быть пассивным. Среда Дракона — открытые пространства; вот почему не рекомендуется встречать Новый год в лесной чаще или на ограниченном пространстве садового участка.

  Что надеть при встрече года Дракона?

Астрологи и прорицатели несколько расходятся в рекомендациях по поводу цвета наряда, в котором надо встречать Новый год: некоторые говорят, что в праздничном одеянии обязательно должен присутствовать черный цвет, другие говорят, что это что-то среднее между черным и желтым (золотым). Но главное и общее для всех рекомендаций, надо обязательно блистать — кто чем может, это могут быть сверкающие драгоценности, искрометный юмор, ослепительная красота или потрясающее жизнелюбие. Причем обязательно надо постараться в новогоднюю ночь «схватить свою удачу за хвост» и не выпускать ее весь год.

 Предпочтительны яркие и сочные цвета. Можно одевать самые вызывающие платья, но в одежде должна быть хотя бы одна ниточка черного цвета. Дракон — животное карнавальное, и хотя он предпочитает зеленый и красный цвета, понравится ему прежде всего яркий и фантастичный наряд. Драконы любят драгоценности — в древних сказках и легендах они выступают в качестве стражей кладов и сокровищ. Если есть драгоценности — можете их надеть, и на протяжении всего года Дракон поддержит своей силой и мудростью. Впрочем, другие полагают, что яркие, блестящие бусы, колье и броши лучше оставить для украшения ёлки, а больше уделить внимания созданию фантазийного макияжа и изысканного маникюра.

 Предыдущий год был годом Зайца, символа мягкости и любви. А в 2012 году цвет — черный, если во внешнем виде будет черный цвет и немного золота, это будет замечательно. Тем самым активируется вся мощь дракона, и год 2012 выйдет мощным, энергичным и удачным. Если представления о прекрасном не позволяют надеть ярко-красную кожаную юбку, можно ограничиться чем-то более привычным, подобрав к скромному костюму яркое дополнение.

Прическу в угоду Дракону можно украсить яркими прядями, а для ее закрепления использовать лаки с золотыми, серебряными и бронзовыми блестками. Если у платья смелое декольте и вам есть что в нем показать, то блестящими могут быть не только волосы, но и плечи.

Постарайтесь в течение новогодней встречи и всего Нового года не потерять (а лучше с ним не расставаться вовсе) того самого «сияния», которое вы выберете основным в новогоднюю ночь. Это я о тех самых красоте, юморе, драгоценностях или любых других Ваших блестящих достоинствах. Если не побоитесь, сделайте ставку именно на них в следующем году. Дракон любит яркое и блестящее, но он не терпит непостоянства. А если вы еще не выбрали, на чем остановиться, то поторопитесь и помните: в одних и тех же драгоценностях будет скучно ходить целый год, а «сияние души» не надоест долгие годы.

Что должно быть на столе в новогоднюю ночь?

Все, что может позволить кошелек хозяина стола — от банальных куриных окорочков до изысканных восточных блюд. Главное — хорошенько приправить блюда душистым перцем и базиликом, кардамоном и мускатным орехом, имбирем и корицей, гвоздичкой и перцем «чили». «Огнедышащее» меню хорошо дополнить мясным блюдом, облитым горящим спиртным. Этот же фокус можно проделать с фруктами или мороженым — выглядит эффектно и необычно. А фруктовые салаты позволят хозяйке с максимальной пользой проявить фантазию.

При сервировке стола очень уместны будут зажженные свечи. Однако, предаваясь в новогоднюю ночь развлечениям, надо соблюдать меры предосторожности. По многолетним наблюдениям врачей-травматологов, наибольшую опасность в новогоднюю ночь, кроме зажженных свечей, взрывающихся петард и искрящихся бенгальских огней, представляют пробки от шампанского, которые обычно попадают в глаз сидящему напротив гостю. Также надо опасаться переедания, так как покушать хочется много, а организм иногда не проявляет должного понимания.

Не стоит заранее заготавливать полуфабрикаты. Чем меньше пища подвергается термической обработке, тем приятнее она для Дракона. Рыба — непременный представитель водной стихии на новогоднем столе. Рекомендуется рыба ценных сортов: стерлядь, бестер, некоторые сорта форели. Все, что было приготовлено заранее и не съедено, не должно вновь появляться на столе.

Как украсить дом

Поскольку стихия 2012 года — вода, расставьте по квартире ракушки и морские звезды, изображения рыб и осьминогов. Не забудьте купить фигурки дракона и подарить их близким. Дракон может быть сделан из керамики, хрусталя или дерева. Драконы, выполненные из золота, эмали или других металлов, не приветствуются, поскольку по фэн-шуй элемент «металл» уничтожает элемент «дерево». Оставьте фигурку и себе, поставьте ее на полку или прикрепите к холодильнику, чтобы угодить приходящему году (но не оставляйте ее в спальне).

Я дарю вам любимую мою новогоднюю песню

ABBA - Happy new year (русская версия)

Столы пусты,
Фейерверки сожжены,
Вот и все, вот и мы
Стали чуточку грустны.
И пустым все веселье
Нам покажется с утра -
Все не так как вчера,
Значит нам сказать пора:

Припев:Happy New Year!
Happy New Year!
Этот мир может станет чуть добрей,
И в толпе случайной мы найдем друзей.
Happy New Year!
Happy New Year!
Будет мир нам надеждою сиять,
Где найдем иначе радость бытия
Ты и я?

Вот новый день,
Каждый новый все смелей,
Он цветет, как репей
На кострище прежних дней.
Что же, глуп человек -
Он в движенье ищет суть,
В новый день держит путь,
Все придет куда-нибудь,
Не решаясь, повернуть.

Припев:

Счастья мгновенья
Не растратить бы в пути,
Но собрать и спасти,
Словно горстку конфетти.
Как летят наши годы,
Ты мне крикнешь "Ну-ка, стой!"
Что найдет за чертой,
Новый год очередной?
Что готовит нам с тобой?

Припев:

В корпусе Бенуа Русского музея мы посетили вчера две выставки.

Начать свой экскурс мне хочется с высказывания математика, академика Игоря Шафаревича:

«Принадлежность к своему народу делает человека причастным истории, загадкам прошлого и будущего. Если же эта связь разрушена – исчезает интерес человека к труду и судьбам своей страны, жизнь становится бессмысленным бременем, молодежь ищет выхода в (иррациональных) вспышках насилия, мужчины превращаются в алкоголиков или наркоманов, женщины перестают рожать, народ вымирает…».

Выставка "Праздники по-русски" этим летом гостила в Царицино под Москвой, а с 8 декабря она открыта у нас. 125 произведений, среди которых картины известных живописцев – В.Г.Шварца («Угощение боярина»), К.Е.Маковского («Поцелуйный обряд»), В.И.Якоби («Ледяной дом»), «Демонстрация на площади Урицкого…»), К.Ф.Юона («Праздничный день»), А.Н.Самохвалова («С.М.Киров принимает парад физкультурников»), П.П.Кончаловского («А.Н.Толстой у меня в гостях»), А.А.Пластова («Колхозный праздник»), Б. М. Кустодиева («Масленица», «Красная площадь»), И.Е. Репина («Крестный ход»), графические работы таких мастеров, как А.И.Лебедев, И.Я.Билибин, В.М.Васнецов, А.Н.Бенуа, декоративно-прикладное и народное искусство XVIII–XX веков. Почему эта выставка интересна?

Праздники, а также сопровождавшие их обряды и обычаи во все времена исполняли роль главных хранителей духовного единства народов, их религии, истории, бытовых и нравственных устоев. Повторяясь из века в век, из поколения в поколение с заданной периодичностью, они являлись носителями закодированного в них опыта предков. Строгое следование праздничным традициям имело во многом практические цели: праздники, как правило, были связаны с годовым циклом и выражали народную мудрость. Важной являлась также их религиозная составляющая: общая вера превращала совокупность отдельных индивидуумов в сплоченное целое, способное придать государству социальную устойчивость, военную и политическую силу. В русских праздниках, как общих, так и личных, семейных, сплелись христианство и язычество, крестьянская и городская культура, духовное и плотское, свое и иноземное. Развиваясь, обогащаясь, меняясь с течением веков, они, вместе с тем, никогда не теряли неповторимое национальное своеобразие.У нас сейчас все меньше и меньше остается праздников. Никто не празднует 7 ноября, 1 мая. Пока общепризнанным является только Новый год. А так как у народа отняли другие  светские праздники, то даже неверующие люди отмечают Рождество и Пасху. Массовых гуляний в день народного единства 4 ноября что-то не наблюдается, не прививаются современные праздники День Конституции, День России. Пока еще отмечают 9 мая, но ветеранов уже не осталось, а молодежь уже не очень помнит великую Победу. Им внушают, что роль Сталина в этой Победе была ничтожна. Про великого маршала Жукова пишут вслед за военными историками Кигано и Уиткрофтом из Великобритании, что Жуков соединял в себе черты великого полководца, обладая тем, в чем больше всего нуждалась Россия во время войны с Гитлером - явным равнодушием к ужасающей цене, которую могла заплатить армия за проводимые Жуковым боевые операции. Кстати, на выставке День Победы никак не отмечен как Праздник.

Остановим взгляд только на трех картинах.

Борис Кустодиев. "Праздник в честь открытия II конгресса Коминтерна 19 июля 1920 года. Демонстрация на площади Урицкого". 1921.

В 1920 году Б. М. Кустодиев получил заказ от Петроградского Совета: написать картину, отражающую ликование народных масс по случаю состоявшегося 19 июля — 7 августа Второго конгресса Коминтерна. Картина была закончена Борисом Михайловичем в 1921 году.  В журнале "Наука и жизнь" №10 за 2011 год приоткрыта тайна, которую долго никто не мог разглядеть в этой картине. Все видят в ней что-то агитационно-революционное. И мало внимания обращают на две центральные фигуры.

Это же портрет П.Л.Капицы и Н.Н.Семенова, двух нобелевских лауреатов по физике. Но в 1920 году они еще были мало-кому известными физиками, которые работали в Ленинградском физико-техническом институте, организованном в 1918 году А.Ф.Иоффе.

Как эти ученые оказались на картине знаменитого художника?

В 1920 году Кустодиев, работал не только над этой картиной, но и написал портрет Ф.И.Шаляпина и, что совсем непонятно - отдельный портрет этих двух ученых.

А вот знаменитый портрет Шаляпина, над которым работал Кустодиев в 1920 году.

 (Сейчас кустодиевский «Портрет Ф.И. Шаляпина» находится в Париже, а в Русском музее выставлен портрет-повторение 1922 г.)

Кстати, здесь тоже изображена Масленица - праздник по-русски, и устроители выставки могли бы выставить и этот портрет.

Но причем здесь Конгресс Коминтерна, Шаляпин и молодые физики?

В мастерской Кустодиева портреты Шаляпина и физиков стояли рядом. Молодые учёные, приходя к Кустодиеву, видели огромное незаконченное полотно с Шаляпиным. И когда Шаляпин однажды встретил у Введенской церкви Капицу и тот поздоровался, Фёдор Иванович поделился с Кустодиевым:
—Знакомое лицо, а где я его видел — шут знает.
— А не этот? — спросил Кустодиев и показал стоявший на мольберте портрет двух физиков.
— Он! Кто же это?
Кустодиев засмеялся и рассказал Шаляпину, как начал писать портрет этих молодых людей.
— Пришли и говорят: “Вы знаменитых людей рисуете. Мы пока не знамениты, но станем такими. Напишите нас”. И такие
они бровастые, краснощёкие (им и голод нипочём), такие самоуверенные и весёлые были, что пришлось согласиться. Притащили они рентгеновскую трубку, с которой работали в своём институте, и дело пошло.

Однако какое отношение имеет этот портрет Капицы и Семенова к картине «Праздник в честь 2-го конгресса Коминтерна на площади Урицкого»? Я вслед за автором статьи в журнале "Наука и жизнь" начинаю думать, что эта картина надоумила М.К. Булгакова написать роман "Мастер и Маргарита" (роман был написан в 1929-30 гг). Разве не похож Семенов на Воланда, а Капица на Коровьева?

Воланд-Семёнов, изящным жестом указывая на карнавально-балаганное веселье окружающих, как будто говорит Коровьеву-Капице: «Горожане сильно изменились, внешне, я говорю, как и сам город, впрочем. О костюмах нечего уж и говорить…Но меня, конечно, не столько интересуют автобусы, телефоны и прочая… аппаратура, сколько гораздо более важный вопрос: изменились ли эти горожане внутренне?»

На что Коровьев-Капица, слегка ухмыляясь, отвечает: «Они — люди как люди… в общем, напоминают прежних… квартирный вопрос только испортил их…»

Проходят годы, века, тысячелетия, меняются эпохи, меняется мир вещей, окружающий человека, но сами люди остаются прежними, – вот мысль, к которой упорно подводит читателя М.Булгаков. К этой же мысли подводит зрителя Борис Михайлович Кустодиев в картине «Праздник в честь 2-го конгресса Коминтерна на площади Урицкого»

С 1916 года и до самой своей смерти в 1927 году Борис Кустодиев прикован к коляске (туберкулез позвоночника).
Кустодиеву не было и пятидесяти лет, когда его не стало".

Действительно, все познается в сравнении, и понять и оценить добро мы можем лишь зная о существовании зла. Так, может быть, стоит принять мир таким, каков он есть или, если это невозможно, хотя бы отказаться от попыток насильственного вмешательства в жизнь с целью ее улучшения? Великие писатели и художники об этом предупреждали нас. Когда же люди откажутся от всякого рода социальных экспериментов и утопий? В романе Булгакова и в творчестве Кустодиева нельзя не заметить критики идей о возможности построения идеального общества.

Издавна людей волновал ответ на вопрос: кто творит историю? В ХХ столетии в общественном сознании утвердилась мысль о том, что творцом истории является человек. Развенчанию этой точки зрения М.Булгаков посвящает немало страниц своего романа.
 Начинается «Мастер и Маргарита» с разговора Берлиоза и Ивана Бездомного с Воландом. На вопрос сатаны: «ежели Бога нет, то, спрашивается, кто же управляет жизнью человеческой и всем вообще распорядком на земле?» Иван Бездомный, как нечто само собой разумеющееся, отвечает: «Сам человек и управляет»  Наивные коммунисты считали со времен Кампанеллы и Томаса Мора, что можно построить справедливый мир. Невозможность достижения гармонии и стремление к ней является главными чертами творчества великих писателей и художников.

Теперь поговорим о представителе соцреализма П.Д. Бучкине. По утверждению художника  А.А. Рылова, «бойкий штрих» Бучкина «безжалостно передаёт сходство». Посмотрите на его картину, которая была представлена на выставке под названием "Всероссийский праздник труда 1 мая 1920 г." .

Петр Дмитриевич Бучкин. Имя этого художника мало известно в широких кругах. В 1899 году он в 13-летнем возрасте поступил в Центральное училище технического рисования барона Штиглица в Петербурге, а в 1904 в Академию Художеств (окончил в 1912). В 1921 – 1930 Бучкин заведует художественно-технической редакцией детского издательства «Радуга». С 1936 по 1940 преподавал в Академии художеств, был доцентом, а затем профессором кафедры рисунка. С 1947 года и до конца жизни П.Д. Бучкин заведовал кафедрой монументальной живописи Ленинградского высшего художественно-промышленного училища имени В.И. Мухиной.

Петру Дмитриевичу было трудно сохранить себя в то бурное время на заре 20 века, когда рождался абстракционизм, супрематизм и прочие измы. Всё же имеет смысл взглянуть на эпоху более внимательно, чтобы понять, как трудно отстоять себя ...... борьба классовых идей,....... идёт ломка в идеологии искусства и культуры....это многое объясняет...там был поиск новых выразительных форм.... Малевич, Кандинский, Лисицкий, Родченко, Ларионов... В те годы утверждался единственно верный по мнению партийного начальства  метод творчества в советском искусстве – метод социалистического реализма. Бучкина смело можно причислить к этому направлению и забыть о нем, как талантливом художнике, особенно в свете современной критики идей социализма и всего, что было с ним связано. Об этом времени принято писать черными красками. Но ведь это было радостное время, несмотря на ГУЛаги, полунищенское существование, голод.

Начиная с «Ленинского плана монументальной пропаганды» (1918) советская власть требовала от художника одного: быть «верным помощником партии в деле коммунистического воспитания трудящихся», следовать единому творческому методу. Лояльности этим императивам режим добивался средствами организационного контроля, постоянного идеологического и экономического давления, а кроме того – громкими политическими кампаниями. В 30-е гг. разжигается кампания по борьбе с «формализмом»; в 40–50-е – с недобитыми ранее «формалистами» под именем «импрессионистов» и «космополитов», она опускает над советским искусством «железный занавес»; в 60–70-е – с «модернизмом» и «ревизионизмом». Насколько хватало сил, власть продолжала бороться с любыми ересями.

Однако ресурсы власти, ее контроль над духовной жизнью общества, и в частности над художественной ситуацией, после Сталина чем дальше, тем больше слабеют. В СССР «подпольно» прорастают творческие течения, альтернативные официозу. Так возникает «другое искусство» – андеграунд 60–70-х гг. В послесталинские десятилетия ширится резкая оппозиция официальной политике власти в искусстве, однако и в 30–40-е гг. имели место коллизии между «генеральной линией» и органическим развитием художественного сознания. В самом творчестве они выражены не столь определенно и потому относительно сложны для анализа, тем не менее расшифровать их важно для адекватного понимания духовно-психологического климата той эпохи. Собственно говоря, анализ практики соцреализма 30–40-х гг. затруднен тем, что в отличие от инновационных течений начала XX в., и прежде всего авангарда, она не предполагала никаких формальных открытий, тем более радикальных трансформаций художественной ткани. Переваривая визуальный материал различных традиций, она словно бы избегает любых неожиданных, непривычных средств выражения, способных отпугнуть мало подготовленных зрителей. Соответственно «ноу-хау» соцреализма приходится искать в области специфической интерпретации привычного, знакомого массам искусства прошлого. Для исторического анализа соцреализма принципиальным моментом оказывается кропотливое различение его «фирменных» произведений и творческих прецедентов реализма дореволюционной эпохи. С другой стороны, «открытия» соцреализма должны мыслиться за пределами искусства: это его «положительный герой», пресловутый «новый человек» советской эпохи.

Конечно же, в рамках коммунистической утопии мировой революции, чаяний нового Золотого века для человечества соцреализм выступает преемником жизнестроительного пафоса революционного авангарда (что не мешает им значительно расходиться относительно методов жизнестроительной деятельности). Помимо этого, идеалы соцреализма во многом имеют неоромантическую окраску. Лев Троцкий в своих размышлениях второй половины 20-х гг. о «новом человеке» идет по стопам Фридриха Ницше, сочетавшего мифотворческий культ «сверхчеловека» с мифотворческой грезой о «человеке будущего», которому дано преодолеть трагический, полный противоречий опыт истории. Между тем проблема «нового человека», поиски образа современного героя как раз и становятся одним из центральных аспектов латентного становления соцреализма в искусстве 20-х гг. и его теоретически оснащенного развития в 30-е гг. И если говорится о «коммунизме как фабрике мечты», то справедливо считать соцреализм некой «фабрикой нового человека» (для сравнения – Казимир Малевич, «О новых системах в искусстве», 1919 г.: «...и не мой ли мозг образует собой плавильную фабрику, из которой бежит новый железный преображенный мир и... летят жизни, которые мы называем изобретениями»), поскольку он ставит перед художником задачу социально-практического воспитания нового человека посредством стимулирующего воздействия сотворенного искусством «положительного примера».

К этому подводит слушателей М.Горький в своем докладе I съезду писателей, утверждая: если «взять реализм» и еще «дополнить его» тем, что возможно по логике коммунистической гипотезы, получится «романтизм, который лежит в основе мифа и высоко полезен тем, что способствует возбуждению революционного отношения к действительности, отношения, практически изменяющего мир». Устав Союза советских писателей, предложенный съезду Ждановым, давая хрестоматийное определение соцреализма как «изображения действительности в революционном развитии», ставит целью подобного изображения, по сути, то же: «идейную переделку и воспитание трудящихся в духе социализма».

Термин же «социалистический реализм» появляется лишь осенью 1932 г. в общении Сталина с Горьким и советской писательски-художнической элитой. После съезда писателей 1934 г. «метод» обретает статус государственной доктрины. В 1936 г. властью принимаются меры к его безоговорочному, тотальному насаждению в искусстве СССР. Если вспомнить о задачах самостроения соцреализма, оговоренных выше, – решение каждой из них имеет свою кульминацию. Сложение его тематического репертуара в изобразительном искусстве наиболее активно происходит еще между юбилейными выставками к 10-летию и 15-летию Октября (1927 и 1932 гг.). Творческие возможности его поэтики в виде некой гипотезы стиля наиболее щедро раскрывает первая половина 30-х гг. Однако свои канонические стилевые формы соцреализм обретает во второй их половине, к выставке «Индустрия социализма» (1939), когда многие из художественных начинаний более ранних лет оказываются безжалостно сломаны и отброшены.

Что касается тематического отбора, он выстраивается как четкая иерархическая система тем и сюжетов, описывающих – в идеале – «труды и дни» советского человека.Критика охотно говорит в этой связи о «родных сыновьях нашего сегодня», вытесняющих из поля художественного зрения «не наши» типажи прошлого. При этом основные акценты делаются на факторах биологической и душевной молодости героя, его социальном статусе (рабочий, красноармеец, студент-рабфаковец или вузовец), а также гармонических качествах личности, ее здоровье, физическом и духовном. Отсюда особая любовь к физкультурникам, изображению всякого рода спортивных занятий. Чрезвычайно характерно стремление наделить всеми этими качествами «нового» женские образы. В отличие от угнетенных русских крестьянок дореволюционной поры, мрачно озабоченных передвижнических «курсисток», сострадающих подруг интеллигентов-демократов на тернистом пути их борьбы с царизмом советский художник выводит на авансцену «председательницу», «делегатку», «девушку в футболке» и «девушку с веслом», счастливую молодую работницу-мать и, наконец, «осоавиахимовку», девушку с винтовкой за плечами, «готовящуюся к труду и обороне» советской страны.

Образы, полные мажорного пафоса и в то же время по-своему сюрреального, почти «мифологического» обаяния; это своего рода таинственные современные богини, окруженные романтическим ореолом создавались в годы соцреализма такими художниками, как Самохвалов А.Н., Дейнека, Рылов. Самохвалову принадлежит знаковое произведение советского искусства 1930-х годов — «Девушка в футболке» (1932), в котором наиболее полно воплотилось стремление художника к созданию образа молодого современника. Задача художника - сохранить для потомков дух времени, в котором он живет.

На выставке в Русском музее была представлена работа А.Самохвалова «С. М. Киров принимает парад физкультурников» (1935).

Соцреализм программно отрицает культуру психологической характеристики модели. Копание в душевных противоречиях персонажа, да и сам факт внутренней неоднозначности человеческого индивида, все эти «гамлетовские самокопания», «психоложество» – приметы, изобличающие «врага».

В 1936 г. завершается институционализация официальной машины советского изобразительного искусства. Готова теория «единого творческого метода» и руководство по ее применению: газета «Правда» печатает обширный цикл статей, для назидания поименно критикуемых еретиков-формалистов. Перекроена система художественного образования. Работают «единые творческие союзы» с их бдительными «парткомами». И наконец, взамен аморфного Наркомпроса создан Комитет по делам искусств. Одной из первых его громких акций как раз летом 1936 г. стало выдворение из музейных экспозиций искусства революционных «левых». Надо знать, что именно теперь из Третьяковской галереи выносят «Черный квадрат» Малевича и всю его школу. В той же мере, в какой достраивалась и активизировалась эта машина, завершается перерождение соцреализма из относительно вольной гипотезы коммунистического искусства в имперский стиль агитации и пропаганды господствующего режима.

Стоя перед картинами соцреализма, мы теперь учимся дистанцироваться от их политической подоплеки. Мы начинаем реагировать на элементы художественности, мастерства, которые присутствуют в некоторых из них. Не во всех и даже не очень во многих! Но не надо отвергать весь соцреализм. Он должен находить отклик в наших сердцах.

Как писал поэт Павел Коган, погибший в годы войны, о будущих поколениях...

Они нас выдумают снова -
Косая сажень, быстрый шаг,
И верную найдут основу,
Но не сумеют так дышать, как мы дышали,
Как жили мы, как впопыхах плохие песни мы сложили
О поразительных делах.

Мы были всякими, любыми,
Не очень умными подчас.
Мы наших девушек любили,
Ревнуя, мучаясь, горячась.
Мы были всякими. Но, мучась,
Мы понимали: в наши дни
Нам выпала такая участь,
Что пусть завидуют они.

Они нас выдумают мудрых,
Мы будем строги и прямы,
Они прикрасят и припудрят,
И все-таки пробьемся мы!
Но людям Родины единой,
Едва ли им дано понять,
Какая иногда рутина
Вела нас жить и умирать.

И пусть я покажусь им узким
И их всесветность оскорблю,
Я - патриот. Я воздух русский,
Я землю русскую люблю,
Я верю, что нигде на свете
Второй такой не отыскать,
Чтоб так пахнуло на рассвете,
Чтоб дымный ветер на песках...
И где еще найдешь такие
Березы, как в моем краю!
Я б сдох как пес от ностальгии
В любом кокосовом раю.
Но мы еще дойдем до Ганга,
Но мы еще умрем в боях,
Чтоб от Японии до Англии
Сияла Родина моя.

Вот он, советский патриотизм, соцреализм. И запомните - 
Я - патриот. Я воздух русский,
Я землю русскую люблю, - вот то, ради чего стоит жить.


И нельзя пройти мимо картины Петра Петровича Кончаловского, деда кинорежиссера Андрея Кончаловского -
портрет Алексея Толстого. Алексей Толстой, такой русский аристократ, гениальный писатель, превратившийся
в какого-то надменного официозного индюка в галстуке, сидит на фоне деревянных досок, на столе перед ним
изящный старинный штоф и сталинское современное мясо- огромный окорок с отрезанными лиловатыми ломтями. 

Изображение красноречивее всяких слов. 

Очень странная картина. Алексей Толстой в каком-то напряжении.

Кончаловский сперва написал Толстого, а потом перед ним на первом плане написал чудеснейший натюрморт. Это были блюда, кушанья, бокалы. Это был Алексей Толстой за обедом. Этот портрет как будто опрокидывал все традиции русского писательского портрета. Казалось, в нем нет ничего от литературы. Прибавка к портрету была сделана заочно, без ведома Толстого.
      Когда портрет был готов, Толстой обомлел. Ему показалось - не выпад ли это против него? Посмотрел на Кончаловского как на злоумышленника... Провел ладонью по лицу, точно умываясь (свойственный ему жест), и вдруг фыркнул и хлопнул Кончаловского по плечу:
      - Это здорово! Это черт знает что, Петр! - Он прищелкивал пальцами, подыскивая определение. - Это, это... Поедем обедать!

Садясь за стол, за обед, Толстой чувствовал себя мастеровым, рабочим человеком, который хорошо поработал и поэтому имеет право поесть. Но здесь нет удовольствия от обеда, нет прадника, и почему устроители выставки включили в экспозицию этот портрет?

________________________________________________________

Вторая выставка называется "От Москвы до самых до окраин"

Очень интересная выставка, так как заставляет понять, а что такое провинция? Без провинции нет России! Когда же наши правители поймут это? Когда-то провинция была честью и совестью всей России.  А сейчас разрушается провинция, значит разрушается Россия. Русская жизнь почему-то так распорядилась: всех расслоила до неузнаваемости? Средний класс исчез, ибо то, что у нас называется средним классом, на самом деле является верхним: тысяча долларов для провинциала -- это не нижняя граница среднего класса, а очень часто верхняя граница высшего. Средней культуры, то есть мейнстрима, тоже нет: все, что не попса, уже претендует на элитарность. Вместо Москвы и провинции, каковы они были в конце восьмидесятых (когда в провинции как раз ключом била духовная жизнь, плодились рок-группы и цвела словесность), у нас есть полтора современных мегаполиса и девяносто процентов территории, живущей в духовном, интеллектуальном и финансовом болоте. У этих людей остался один инстинкт -- выживание; и если они уж дорываются до Москвы, то никакая московская солидарность, никакая непробиваемая мафиозность их не остановит.

Посмотрите, как всякая власть -- днепропетровская, ставропольская, свердловская, петербургская -- тянула на верха своих. Сегодняшний провинциал -- не чета тогдашнему: нет у него той хваленой несуетной духовности, которая вдали от столичной круговерти тихо вызрела в родниковой душе. Круг его интересов страшно узок. Нет той особенной глубинной России, которая была сутью и совестью страны. Ведь Россия и впрямь всегда была очень провинциальна в лучшем смысле слова:  ее называли деревенской, долгопятой... Провинциальна -- значит традиционна, нетороплива, задумчива, умна без претензий. Но так случилось, что эта составляющая русской жизни оказалась самой уязвимой.

Провинциальная интеллигенция -- лучшая, чистейшая, не испорченная никакими соблазнами, следящая за жизнью столиц зорко, доброжелательно и придирчиво, -- в результате перемен вымерла первой. Когда-то она так же стремительно вымирала во времена революции: на местах ведь творился зверский беспредел круче московского, в Москве хоть какая-то власть была. А опереться нестоличному интеллигенту совсем не на что, потому что общий культурный уровень этой самой провинции стократно ниже московского и отличаться от массы тут куда опаснее. Сожрут при первом же катаклизме. И тем, что душу русской глубинки, ее интеллигенцию, опять сожрали, лишний раз подтверждает диагноз Льва Аннинского: в 1985 году на волю вырвались те же подпочвенные разрушительные силы, что и в 1917-м. Лозунги были другие, а мишень одна: сложность. Все мало-мальски сложное и неоднозначное рухнуло; и если в Москве на его месте уже созидается что-то новое, то в худосочной провинции для этого попросту нет ресурсов. (Кто такой Лев Аннинский? - великий мыслитель современной России, тот самый интеллигент из провинции, который очень любит Россию. Его недавние размышления о "юбилее" августовских событий очень интересно почитать. (Москва из столицы великого национального государства (а столиц у нас — две, соответственно двум сторонам русского характера, где нерасчетливое сердце и свирепый расчёт ума компенсируют друг друга) — Москва превращается в гигантский сверхнациональный мегаполис, перемешивающий в адскую смесь все, что сюда попадает. И все, кто сюда попадают, рискуют потерять лицо. А попадают сюда именно те, кто сюда стремится и кто может здесь зацепиться… Это хорошо или плохо?)

Какой была провинция, такой и осталась

А это город Арзамас, каким он был.

Почему в Арзамасе так много церквей? Интересный факт откопали местные краеведы.

«Лета 1719 июня 4 дня» в обширном Арзамасском уезде разыгралась сильнейшая буря. По свидетельствам очевидцев, «день стал как ночь». Невиданный до сей поры ураган сносил крыши, дома, выкорчевывал столетние деревья, поднимал в воздух домашнюю скотину и людей. Одновременно очень крупный град побил все сады в округе и посевы. Вышеперечисленного урона вполне бы хватило, чтобы это бедствие надолго осталось в людской памяти. Но ко всему этому добавилась очень странная находка. После небывалого смерча неподалеку от крепости было обнаружено странное существо, которое не походило ни на одно известное людям животное. В документе написали, что это был «змий, Божьим гневом опаленный, и смердел отвратно». Естественно, находка вызвала в народе переполох. Первое, что могло прийти на ум нашим предкам, - сказки и былины про страшного и кровожадного Змея Горыныча, и в связи с этим поползли слухи о «последних временах». А потому и церквей было заложено здесь множество.

Мельников-Печерский, побывавший здесь в 30-х годах XIX столетия, восторженно отзывался: «В России немного и губернских городов, которые бы при таком счастливом местоположении были так красивы, как Арзамас...». Еще бы: на 11 тысяч населения в нем было построено 36 церквей и соборов да четыре монастырских ансамбля! При всей очевидности культового назначения этих архитектурных сооружений они являлись бесспорным свидетельством извечной тяги русского человека к прекрасному, творческих сил народа, замечательных культурных традиций арзамасцев! Не случайно здесь, в глуши Нижегородской губернии, была открыта в 1802 году первая в России провинциальная школа живописи.

Писатель К. Паустовский (1892-1968) писал: «Есть сотни маленьких городов в России. Никто даже толком не знает об их существовании. А вот Арзамасу повезло. Он вошел в народную пословицу: «Один глаз на нас, другой – в Арзамас».

«…До сих пор я не видел еще таких уездных городков, как Арзамас, типично русских, вплоть до причудливых резных наличников, неизменной герани на окнах и древних звонков, дребезжащих на заржавленной проволоке.

Старый Арзамас остался в памяти как город яблок и церквей. Базар был заставлен корзинами с желтыми крепкими яблоками, и куда ни взглянешь – всюду  было такое обилие золоченых, похожих на эти яблоки куполов, что казалось, этот город был вышит в золотошвейной мастерской  руками искусных женщин». А потом в Арзамасе создавалась первая  советская ядерная бомба.

Стоит думать о будущем России, бродя по выставке в Русском музее. Впереди у нас — возникновение новых народов на территории  бывсего СССР. Какой из них станет называться русским — это открытый вопрос. Русскими будут те, кто захочет себя так называть и отстоит среди других это имя… говорил замечательный политолог Глеб Павловский.  Четко сегодня не определено понятие "русскость", отнюдь не сводящееся к этнической великорусской принадлежности. Если русскость — это не голос крови, не этническая формула, тогда это некое имперское, вечно строящееся, видоизменяющееся понятие, определяющее набор духовных констант. "Тот, кто любит Россию, тот и русский". Но я не согласен с Ильей Глазуновым, который так определил "русскость". Есть много людей, которые любят Россию, но русскими себя не считают. Русскость — это не голос крови, не этническая формула, тогда это некое имперское, вечно строящееся, видоизменяющееся понятие, определяющее набор духовных констант.

Тем-то и интересна эта выставка, что она рождает эти мысли. Все, что создано на русском языке, — часть нашей истории и культуры. Сегодня периферия заняла центр, из-за этого и произошел спад интереса к русской культуре. Русская культура потеряла свою духовность! Это страшит меня. А что такое русскость? Пушкин - русский поэт, Левитан - русский художник, Б.Пастернак - тоже русский поэт.
 Русскость, как неотъемлемое качество нашей культуры — понятие более подвижное, чем русскоязычность, более мистическое и авангардное на каждом переломе истории, ибо дает новые национальные характеры, новых героев, новое понимание России. И одновременно это понятие мистически незыблемое, некая вечная константа.

Не могу под конец не процитировать моего любимого философа современности Льва Аннинского:

Как нам сохранить нашу культуру? Надо  — работать, А мы работать не привыкли, не настроены. Захватывать, удерживать, оборонять, отстаивать, делить, распределять — это да. Стоять насмерть. Культура у нас соответствующая: героическая, трагическая, мистическая, воинственно-религиозная, воинственно-атеистическая.

Гибнет такая культура? Гибнет. Не от «ударов» — от соблазнов. От мировых дискотек. Как ее спасти?

Никак. Никакими усилиями «писателей» и «музыкантов» вообще не спасешь культуру, если народ не вернется к делу. Если русские не возродятся — и не дай бог как народ воюющий, а как народ работающий. Если не будут при первой возможности высаживаться шеренги «нищих», а пойдут эти люди что-нибудь делать; если не будут шататься по улицам толпы молодых людей в клубах мата, а будут искать себе работы; Молодежь в 90-е годы обманули, мол стране нужны как воздух юристы и экономисты, а сегодня они не нужны в таком количестве. Если бы они стали настоящими экономистами, то поняли бы, что надо что-то производить. Но для них привычнее ничегонеделание, это стало них «образом жизни».

Культура рождается из образа жизни — «писатели», "художники" и «музыканты» ее только фиксируют. Родилась русская культура из  составных слагаемых; все шли сюда, и никто не спрашивал ни «чей ты родом», ни «откуда ты», а только: хочешь ли жизнь положить за эту страну?

Теперь что спрашивать? Хочешь работать? Хочешь строить эту страну? Хочешь ее разворовывать?

Шок бездействия поставил все на грань распада. Пустая земля. Переполненные города. «Рабсила», нанимаемая из-за границы (восточной), потому что тут «некому работать», а работники рвутся через другую границу (западную), потому что там «больше дадут».

Жалко разваливающуюся Россию! А чего нас жалеть, если мы сами не хотим спасения?

Мне Имени жалко, Пушкина жалко, Толстого. Общего дела жалко, в которое вколотили себя люди, ставшие русскими.

Можно и исчезнуть. Мало ли прошло народов… Где филистимляне? Одно утешение, что в нынешних «палестинцах» отзвук имени можно разобрать.

Кто сейчас русские? Сто миллионов «человеков», ищущих места? Мировая задача, на которую не хватило сил? Кто подберет наше имя, если мы его уроним? Смотрите правде в глаза: это будет другой народ.

Кому «все равно», тому и жалеть не о чем. Мне — не «все равно». Я не хочу, чтобы имя было поднято «кем-то». Я хочу продолжения судьбы, а не «конца».

Или, как в финале своего интервью, говоря о работящем и соображающем народе, который будет жить на этой земле после нас, добавил, дрогнув, железный Павловский: «Я хочу, чтобы эти люди еще и говорили по-русски». Как минимум!

Вот какая это выставка!

По мнению газеты Коммерсант "Выставка создает образ России как бесконечной окраины".  Пройдем еще раз по выставке.

Экспозиция начинается с закономерного противопоставления: по правой стене зала "Москва и русские города", по левой — "Санкт-Петербург и окрестности". С этим не поспоришь — Питер явно не русский город. Отечественное искусство начала XIX века это с удовольствием подтверждает: в Москве такие "подлинные" стены и башни Кремля, в Питере — "фасадная архитектура" набережных и площадей. В Москве — народные гулянья, в Питере — парады. В древней столице — люди, в новой — военные. Разница между мирискусниками и бубнововалетовцами тут говорит сама за себя, а вот разговор о русских городах иногда ставит зрителя в тупик: понятно, что акварельные панорамы Нижнего Новгорода — это очень про богатую российскую провинцию, а дворы-колодцы Добужинского и последователей — классический Петербург. Но вот многочисленные кособокие домишки с мезонинами и без — это ведь может быть и сама Москва, и уж совсем Урюпинск какой-нибудь.

Не столько тяготы, сколько тоску другого народа — еврейского — кураторы выставки решили выделить в отдельный рассказ. "Местечко" — это, конечно, Шагал, это Витебск Добужинского, это амбивалентный "Оскорбленный еврейский мальчик" Крамского, несколько пейзажей и еврейских свадеб и в качестве ценнейшего бонуса мини-экспозиция, собранная как комната еврейского дома из вещей из дома Шагала в Витебске, переданных в музей в 1996 году племянницей художника.

Подробнее: http://www.kommersant.ru/doc/1826890

...И.Н. Крамской в своем богатом творчестве отдал дань и еврейству, создав очень интересную картину "Оскорбленный /обиженный/ еврейский мальчик" /1874/. На ней изображен сидящий в уединенном месте, ушедший от обидчиков мальчик, тяжело переживающий свое горе. Красивое детское личико, чуть припухлые губы, налитые обидой глаза. Коротенькие детские штанишки под коленками перетянутые шнурками, на голове ермолка, поверх нательной рубашки традиционный арбаканфот - четырехугольный кусок белой ткани с прорезью для головы, ко всем четырем углам прикреплены кисти белых шерстяных нитей. Картина написана очень выразительно, с большой теплотой, исключительно лирична. По манере живописи она отличается от всех других работ Крамского, исполненных несколько грубоватой кистью. Но в этой работе нет ни единого грубого мазка, она в высшей степени деликатна и закончена. С первого взгляда в ней даже трудно узнать Крамского.

На выставке представлена работа Исаака Львовича Аскназия, художника из Витебска, который стал академиком русской живописи. Картина называется "Еврейская свадьба", 1893г. «Еврейская свадьба» своим подходом к решению бытовой сцены и повествовательностью близка к жанровой живописи передвижников. По небольшой улице с маленькими домиками идет свадебная процессия с музыкантами во главе. Действие разворачивается на фоне пейзажа. Чувствуется, что Аскназию близки и дороги обычаи предков, переданные им с такой щемящей грустью. Это тоже окраина России.

Вся выставка про ту Россию, которая и вчера, и сегодня, и завтра была, есть и будет страной столь же бескрайней, сколько дикой. Про то, что жирная Москва никакая не Россия, а Россия вся есть бесконечная окраина.

Кто предал Россию? Самый страшный предатель -это само Государство .За которое мы воюем и работаем и которое любим больше своей жизни под названием- РОДИНА. НО все таки она нам нравится.

Родина.
Еду я на родину,
Пусть кричат - уродина,
А она нам нравится,
Хоть и не красавица,

Перемен! - требуют наши сердца.
Перемен! - требуют наши глаза.
В нашем смехе и в наших слезах,
И в пульсации вен:
"Перемен! Мы ждем перемен!"

Почему-то мне вспомнился Виктор Цой.

Листая старую тетрадь
Расстрелянного генерала,
Я тщетно силился понять,
Как ты смогла себя отдать
На растерзание вандалам.

Из мрачной глубины веков
Ты поднималась исполином,
Твой Петербург мирил врагов
Высокой доблестью полков
В век золотой Екатерины.
Россия...

Священной музыкой времён
Над златоглавою Москвою
Струился колокольный звон,
Но, даже самый тихий, он
Кому-то не давал покоя.

А золотые купола
Кому-то чёрный глаз слепили:
Ты раздражала силы зла
И, видно, так их доняла,
Что ослепить тебя решили.
Россия…

Разверзлись с треском небеса,
И с визгом ринулись оттуда,
Срубая головы церквям
И славя нового царя,
Новоявленные иуды.

Тебя связали кумачом
И опустили на колени,
Сверкнул топор над палачом,
А приговор тебе прочёл
Кровавый царь – великий гений.
Россия…

Листая старую тетрадь
Расстрелянного генерала,
Я тщетно силился понять,
Как ты смогла себя отдать
На растерзание вандалам.

О, генеральская тетрадь,
Забытой правды возрожденье,
Как тяжело тебя читать
Обманутому поколенью.
Россия...

Вселенский опыт говорит,
что погибают царства
не оттого, что тяжек быт
или страшны мытарства.
А погибают оттого
(и тем больней, чем дольше),
что люди царства своего
не уважают больше.

Булат Окуджава, 1968

Зачем я это все пишу? Ведь вся теперешняя жизнь, включая культуру и те методы понимания всех явлений, которыми мы пользуемся, очень скоро разрушатся. Мне обидно, что удалась массированная попытка подавить независимость русского сознания, унизить его и смешать с грязью. Наши политические противники, говоря о заслугах горбачевской перестройки, утверждали, что "перестройка не только должна демонтировать то, что называется тоталитарным социализмом, но и изменить духовный строй русского человека, приблизить его к западному складу сознания". Должна произойти "мутация русского духа"! Нужно "русского человека выбить из традиции". Нам внушалось, именно внушалось без доказательств, что человеческая история имеет характер движения в определенную сторону. Это движение и называется "прогрессом". В нем западные страны ушли далеко вперед, они "передовые", "прогрессивные". А Россия очень отстала, может быть, безнадежно, благодаря как раз той "традиции русского человека", из которой его и надо "выбить". И вот сейчас очень важно определиться, кто мы? Пора спросить "Quo vadis, Russia?"

И хочется Западу
Хлеба, и зрелищ
Их толпы собрались
И жаждут распятья
И люди наверно
Совсем озверели
И крест на Голгофе
И гвозди в запястьях

"Quo vadis, Russia?"

На этом и закончим.

P.S. Размышляя о том, куда идешь Россия? Хочу обратить Ваше внимание на интереснейшее интервью В.М.Фалина, профессора МГИМО, который был с1971-1978 гг послом СССР в ФРГ, потом работал в ЦК КПСС, в газете "Известия", при Горбачеве работал заведующим Международным отделом ЦК КПСС, В 1991-92 годах В.М.Фалину пришлось пережить немало неприятностей, связанных с выдвижением в его адрес несостоятельных обвинений и инсинуаций со стороны новых российских властей. Его, по собственному признанию Фалина, пытались "выпихнуть в эмиграцию", но это не удалось.

На вопрос Ритмы истории России пульсировали: замирания, всплески, опять замирания. У меня сложилось мнение, что нации и народности, которые взлелеяли нынешних мировых правителей, например, англосаксов, достойны более печальной участи и сожаления, чем мы с нашей историей. (Подробности: http://www.regnum.ru/news/polit/1475019.html#ixzz1gi7qbdqh)  Что Вы об этом думаете?

Валентин Михайлович Фалин ответил: "В.И.Ленин ошибся, назвав империализм высшей ступенью развития капитализма. На деле его высшей ступенью является олигархизм. Миром заправляют сегодня примерно 150-160 олигархических объединений. У олигархов нет национальности.

Напомню, в конце первой мировой войны Черчилль говорил: "Мы плыли к победе на потоках нефти". Французский премьер Клемансо в том же 1918 г. провозгласил: "Капля крови равна капле нефти". США приняли в 1944-1945 гг. программу установления контроля над важнейшими месторождениями нефти. Приметим эту дату. Памятуя о ней, проще объяснить, что творится в Ираке и Ливии и почему готовятся атаки на Сирию и Иран. После развала СССР усилиями "либералов" Россия превратилась в сырьевой придаток олигархического капитала. 53% бюджета страны формируется за счет продаж за рубеж нефти и газа. Прежде говаривали: на штыках не усидишь. Можно ли бесконечно долго сидеть на углеводородной игле, растрачивая природные богатства, принадлежащие будущим поколениям? Не хочу пугать ни себя, ни других. Но есть даже нечто худшее, чем растрата наших минеральных богатств. Еще больший урон наносит нашему настоящему и будущему исход из страны интеллекта. В советскую пору из-за нехватки рабочей силы и свободных средств реализовывалось в среднем одно из семи изобретений. В процессе развала СССР американские службы охотились за архивами, в которых осел невостребованный разум. Новые властители страны этому никак не препятствовали. Хуже того, фактически поощрялась утечка мозгов. В итоге на сегодня осталось чуть больше трети от числа ученых, а по КПД исследовательских институтов мы теперь едва дотягиваем до дюжины процентов от былой отдачи.

Пару лет назад у меня была длительная беседа с бывшим канцлером ФРГ Г.Шмидтом, приезжавшим в Москву с прощальным визитом. "Я не понимаю, - говорил собеседник, - зачем вы, китайцы, Арабские Эмираты поддерживаете на плаву США. На сегодня Штаты главный должник и возмутитель спокойствия в мире. Без иностранных вливаний их экономика давно бы лопнула". Только из Российской Федерации американцы выкачали за 20 лет от 400 до 600 млрд. долларов. Что, вам некуда их дома приложить, рассуждал Шмидт.

Из откровений Ялмара Шахта, главного нацистского финансиста, мне лично запомнился такой пассаж: "Гитлер завел страну в тупик. В 1939 г. он должен был начинать войну либо объявлять Германию банкротом". Не прослеживается ли здесь некая параллель? Ныне американцы жмут на силовую педаль. Все громче бряцают оружием. Реформы "младодемократов" зарубежной закваски гнали Россию в бездну или, как выражался Чубайс, к "точке невозврата. Что касается М.С.Горбачева, то в последнюю пору правления его заботило одно - как остаться президентом, пусть номинальным. Растратив доверие внутри страны, он уповал на поддержку извне и ради этого "прореживал" наши оборонные арсеналы больше, чем от него ждали".

Вот на такой грустной ноте я и закончу, хотя приведу еще один пассаж из интервью Фалина.

Фалину был задан вопрос: "Вы несколько раз упомянули А.Н.Яковлева. Нельзя ли поподробней об этой фигуре? Я читал, что некий западный человек, стоявший за пражской весной 1968 г., завербовал Яковлева, когда тот был послом в Канаде."

На что Фалин ответил: "Вскоре после командирования А.Н.Яковлева в Канаду Центр получил данные о том, что он "в кармане у американцев". Весьма почтенный британский господин предупредил давнего знакомца, сотрудника советского посольства в Оттаве: "Будь осторожен с новым шефом". Аналогичные сведения поступили от другого источника с уточнением, что Яковлев попал в тенета американских спецслужб во время стажировки в Колумбийском университете США.

Ю.В.Андропов распорядился установить за Яковлевым плотное наблюдение, при удобном случае отозвать из Канады, но в аппарат ЦК, где тот ранее работал, не пускать. Его определили на должность директора Института мировой экономики и международных отношений. Уже при Горбачеве КГБ получил документальное подтверждение компрометирующих Яковлева данных. Об этом мне известно от В.А.Крючкова, которому было поручено встретиться с фигурантом, обрисовать суть донесений и посмотреть, какой будет реакция. Яковлев, по словам Крючкова, не проронил ни слова и вопрос, что доложить генсеку, обошел молчанием.

Заслушав доклад В.А.Крючкова, Горбачев спросил и сам себе ответил: "Яковлев полезный для перестройки человек? Если полезный, то простим его. У кого в молодости грехов не было!" Так и разрешили каверзный вопрос."

В Интернете отыскалась даже любопытная фотография

Это стажеры Колумбийского университета в 50-е годы.

Второй слева - генерал КГБ СССР, по выражению Беллы Курковой, настоящий демократ, который эмигрировал после перестройки в США и теперь получает пенсию от ЦРУ, О.Д.Калугин.

Крайний справа - заведующий отделом идеологии ЦК КПСС при Горбачеве, автор перестройки, советник Ельцина А.Н.Яковлев.

И чего только не найдешь в Интернете?

Истинные причины развала СССР

Содержание

• Основные тезисы – коротко о главном
• Конституция СССР и развал страны строго по закону
• Кто создал условия для развала СССР - Ленин или Сталин?
• Американские банкиры и финансирование русской революции
• Сотрудничество большевиков и американцев после 1917 года
• Лаврентий Берия и первая советская «перестройка»
• Иван Серов и агент «Володя». КГБ против Хрущёва
• Зачем инструктора ЦК КПСС Яковлева послали в Америку
• КГБ против КПСС. Кто и зачем создал диссидентское движение
• Зачем товарищ Косыгин послал своего зятя в Римский клуб
• Как Михаил Горбачёв сделал карьеру с помощью КГБ
• Почему Леонид Ильич Брежнев казался маразматиком
• Подготовка кадров для будущей «перестройки» продолжается
• Люди Андропова, агент «Болек» и революция в Польше
• Андропов завершает подготовку к «перестройке» в СССР
• Война во Вьетнаме. Зачем убрали Хрущёва и Кеннеди
• Афганистан и Никарагуа. Как договорились ЦРУ и КГБ
• План ЦРУ по развалу СССР - миф или реальность?
• Почему Советский Союз оказался больше не нужен Америке ^{(скоро появится)}
• Кто сделал М.С. Горбачёва Генеральным секретарём ^{(скоро появится)}
• Почему Горбачёв не торопился начинать «перестройку» ^{(скоро появится)}
• Как борьба Ельцина против Горбачёва ускорила развал СССР ^{(скоро появится)}
• Кто создавал «народные фронты» в союзных республиках ^{(скоро появится)}
• Кто устроил «бархатные революции» в Восточной Европе ^{(скоро появится)}
• Почему в августе 1991 года Ельцин победил, а ГКЧП проиграл ^{(скоро появится)}
• Борьба за влияние на Россию после развала СССР ^{(скоро появится)}

Вот какие мысли разбудила живопись.

В ДК им. Ленсовета сегодня звучал ОРКЕСТР ШЕНБРУНСКОГО ЗАМКА под управлением маэстро Гвидо Манкузи. "ВЕЧЕР ВЕНСКОГО ВАЛЬСА", так назывался этот концерт, который мы посетили. С оркестром выступили артисты венской оперетты Себастьян Хаппман (баритон) и Патрисия Несс (сопрано),

Венский вальс – это самый старый и самый элегантный из стандартных танцев. Годом создания венского вальса считается 1775 год.
А знаете ли Вы историю создания вальса?

Музыка, по ритму и характеру совпадающая с современными мелодиями венского вальса, появилась в 1770 году. Танцы, «похожие на вальс», впервые исполнялись в Париже в 1775 году.
«Waltzen», как и вольта, не соответствовал нормам морали того времени, в 1779 году появился памфлет некоего «Волка» (Wolf) под названием: “Доказательства того, что вальсирование – основной источник слабости тела и вырождения нашего поколения”.

Танец вальс австрийского происхождения, хотя он был известен как народный еще в XVI в. Бальная публика заинтересовалась вальсом после того, как в 1787 г. в поставленной в Вене опере "Редкая вещь, или Красота и добродетель" композитора В. Мартин-и-Солера его станцевало несколько пар. "Испанский Моцарт", как в Вене называли  Висенте Мартин-и-Солера, был замечательным композитором, мастером своего времени, собственно Моцарт "цитировал" его Редкую вещь в своём "Доне Жуане" и не просто так, тут действительно есть что цитировать, это блестящая опера, знаковая для своего времени и очень популярная в Европе того времени. Мартина-и-Солера пригласили в Петербург, где он прожил до самой смерти.

Первоначально вальс танцевали довольно медленно; постепенно ритм его ускорился. То, что во время танца кавалер брал даму за талию, было очень необычным на взгляд человека XVIII в. - ведь в большинстве танцев той эпохи партнеры соприкасались лишь кончиками пальцев. Из-за этого поначалу многие сочли вальс "безнравственным" танцем.

Когда вальс появился в России, ни Екатерина II, ни Павел I, ни особенно его жена Мария Федоровна его не одобрили. Взойдя на престол, Павел специальным указом запретил танцевать вальс в России, и вплоть до самой смерти его жены (а умерла Мария Федоровна только в 1830 г.) дорога вальсу к русскому двору была закрыта. Оба сына Марии Федоровны - и Александр I, и Николай I - не осмеливались перечить матери.
   Зато на частных балах после Отечественной войны 1812 г. вальс стал одним из любимейших танцев. В особую моду его ввел Венский конгресс {1814-1815), на котором решалась судьба Европы, Днем дипломаты решали важные проблемы послевоенного устройства, а вечерами вели активную светскую жизнь и танцевали на балах, где вальс был коронным танцем. Много людей съехалось тогда в Вену: короли и императоры, целые европейские дворы, журналисты и писатели, великосветские красавицы, и все с упоением вальсировали. Естественно, что участвовавшие в Конгрессе русские привезли вальс в Петербург.

Молодежь, была от вальса без ума, и к этому времени без него не обходился уже ни один провинциальный, а тем более столичный бал.

Однообразный и безумный,
Как вихорь жизни молодой,
Кружится вальса вихорь шумный,
Чета мелькает за четой.

                             (А.С. Пушкин. "Евгений Онегин")

После 1830 г, вальсировать стали и на придворных балах, а вскоре мода на этот танец обрела второе дыхание. В Вене появился "король вальса" Иоганн Штраус, музыка которого облагородила и усовершенствовала хореографию танца. Он стал исполняться более красиво и грациозно, а темп его еще ускорился.
   К середине XIX в. европейские путешественники признавали, что русские - настоящие мастера вальса и танцуют его с такой быстротой, ловкостью, почти воздушностью, каких не выдержат ни англичанин, ни немец, ни француз.

"Король вальса" Иоганн Штраус неоднократно посещал с гастролями Россию в 40-50-х годах XIX в. и давал концерты в Павловске и Петербурге.

Вот как много я ждал от встречи с Венским вальсом.

Я ожидал встречи с большим Венским филармоническим оркестром, который летом играет прямо у стен замка в Шёнбрунне.

Но звучал сегодня почти камерный оркестр Шёнбруннского замка. Играли неплохо, Примерно также, как во время итальянских гастролей.

И под конец В исполнении этого оркестра прозвучал Голубой Дунай

Должен заметить, что про этот оркестр и дирижера в Интернете написано мало, зато разнообразие информации о королях вальсов.

В 19 веке существовала целая династия венских композиторов. и дирижеров, авторов оперетт и множества вальсов, полек, маршей, галопов, кадрилей. Ну, конечно это династия Штраусов. Самый известный среди них Иоганн (сын), так.как отца тоже звали Иоганном.

Иоганн(отец), прежде чем стать скрипачом, перепробовал несколько профессий, и в конце концов именно на музыкальном поприще добился больших успехов. Женившись, Штраус-отец организовал собственный оркестр, игравший танцевальную музыку для увеселения богатых жителей Вены, при необходимости сам сочинял, стал знаменит и получил титул "короля вальса". Штраус-отец много гастролировал со своим ансамблем - выступая в Берлине, Париже, Брюсселе, Лондоне. Своими вальсами он оказывал магическое действие на публику - даже такие маэстро, как Лист и Берлиоз выражали ему свое восхищение.

Тем временем жизнелюбивый Штраус-отец стал жить на две семьи, и к семи детям от первого брака у него прибавилось еще семь.

Но известность получили только трое Иоганн-сын, Йозеф и Эдуард.

Отец был для Иоганна-сына кумиром, и все-таки юноша лелеял мечту когда-нибудь подняться еще выше. В девятнадцать лет Иоганн Штраус-сын собрал небольшой ансамбль и получил в венском магистрате официальное право зарабатывать на жизнь дирижированием. Его дебют состоялся 15 октября 1844 года в качестве капельмейстера и композитора в знаменитом казино в предместье Вены. Публичное выступление молодого Штрауса с собственным оркестром стало для венской публики настоящей сенсацией. Само собой разумеется, что все увидели в честолюбивом сыне конкурента отцу. На следующее утро газеты написали: "Добрый вечер, Штраус-отец. Доброе утро, Штраус-сын". Отцу же в ту пору было всего лишь сорок лет. Поступок сына привел его в ярость, и вскоре для сына, еще упивающегося своим триумфом, начались жестокие будни - борьба за выживание. Отец по-прежнему играл на светских балах и при дворе, на долю же сына во всей Вене оставалось лишь два небольших заведения - казино и кафе. К тому же, отец затеял бракоразводный процесс со своей первой женой - история эта на все лады смаковалась прессой, и обиженный сын не удержался от публичных нападок на отца. У этой истории был печальный конец - отец, пользуясь своими связями, выиграл судебный процесс, лишив первую свою семью прав на наследство и оставив ее без средств к существованию. Оркестр Штрауса-сына влачил довольно жалкое существование. Однако осенью 1849 года отец неожиданно умирает, и для сына все разом переменилось. Знаменитый оркестр Штрауса-отца без лишних разговоров избрал Штрауса-сына своим дирижером, и почти все увеселительные заведения столицы возобновили с ним свои контракты. Проявляя недюжинные дипломатические способности, зная, как польстить сильным мира сего, Штраус-сын вскоре стремительно пошел в гору. В 1852 года он уже играл при дворе молодого императора. Летом 1854 года к И.Штраусу явились с деловым предложением представители русской железнодорожной компании, владевшей пригородной линией, связывавшей С.-Петербург с Царским селом и Павловском. Маэстро получил приглашение выступать вместе со своим оркестром в роскошном Павловском вокзале и в парке, где располагались дворцы царя и великого князя Константина. Деньги предлагались немалые, и Штраус немедленно согласился. 18 мая 1856 года начался его первый сезон под русским небом. Публика сразу же была покорена его вальсами и польками. На его концертах бывали члены императорской семьи. В Вене же Штрауса не без успеха заменял его брат - Йозеф, тоже талантливый дирижер и композитор. В России Штраус пережил немало романов, однако супружеское счастье нашел в Вене, женившись в августе 1862 года на Етти Трефц, уже имевшей до него трех дочерей и четырех сыновей.

Младший брат Иоганна, Йозеф первоначально не рассчитывал стать музыкантом: он учился в Венском политехническом институте, получил специальности инженера-строителя и архитектора, сделал ряд изобретений. Среди этих изобретений известна машина для уборки улиц. Весной 1853 брат Иоганн, чувствуя переутомление, попросил Йозефа присмотреть на некоторое время за оркестром. Тот согласился неохотно, но в итоге посвятил музыке всю оставшуюся жизнь. Йозеф написал 250 музыкальных произведений. Я представлю вам польку-мазурку Йозефа Штрауса, которая называется Мельничка.

Младший из братьев, Эдуард, родился 14 февраля 1835 и дирижировал Капеллой Штрауса в течение трех десятилетий, вплоть до ее роспуска в 1901. У Эдуарда не было сколько-нибудь заметного творческого дарования, однако он сочинил около двух сотен танцевальных пьес. В 1906 он опубликовал воспоминания – весьма субъективную, мстительную и недостоверную хронику семейства Штраусов. Вальсы ему мало удавались: он жил в другом ритме, имел другой темперамент нежели Иоганн и Йозеф.

У Эдуарда было три сына, но они не обладали никакими талантами и вели разгульный образ жизни, оставив отца почти без средств к существованию. И Эдуард лишил их наследства. Но самое низкое, что он совершил перед всем человечеством - он уничтожил нотный архив семьи Штраусов. Дело было так.

Пережив обоих своих братьев, окончательно порвав с семьёй и прекратив свою концертную деятельность, Эдуард вспомнил о договоре, заключённом в далёкое время, когда ещё все три брата здравствовали и обсуждали своё будущее. Согласно этому договору, если в семье Штраус не оставалось достойного наследника для продолжения дела, то последний, остававшийся в живых должен был уничтожить весь нотный материал, по которому играла штраусовская капелла. Этим последним стал Эдуард и посчитал, что именно ему выпала эта тяжёлая обязанность. Он был человеком строгим и аккуратным, очень решительным и не знающим сентиментальных слабостей, так что вся операция по уничтожению нотного архива капеллы была им хорошо продумана и организована. Для этого были выбраны две венские фабрики по обжигу керамических изделий, - фирмы Карла Рауса и Бернхарда Эрндта. Ими была определена и цена: две кроны за сжигание каждых 100 кг макулатуры. И вот в осенние дни 1907 года в печах этих обеих фабрик, находящихся в сердце Вены, было уничтожено 2 547 пакетов подлинников нотных партитур и оркестровых голосов капеллы семьи Штраус. Этот архив, собиравшийся в течение 80 лет ещё со времён отца Иоганна, включал в себя произведения 270 композиторов, среди них находились и уникальные аранжировки, начиная с народной музыки и кончая симфоническими сочинениями. И всё это богатство, находившееся в употреблении вплоть до 1901 года,- до момента, когда Эдуард окончательно прекратил свои выступления,- было уничтожено за несколько часов в печах под личным наблюдением последнего оставшегося в живых свидетеля былых триумфов семьи. Всё это время Эдуард сидел в отдалении от печи на складном стуле и наблюдал, как музыкальные сокровища целой эпохи превращались у него на глазах в пепел и пыль. Как говорят музыковеды, это было самым большим самосожжением музыки, известным за всё время её существования.

А дотошные музыковеды, до сих пор разгадывающие удивительный феномен трёх братьев и их отца, путешествуют по всему свету и собирают по крупицам копии того, что некогда по их мнению могло входить в те 700 000-1 000 000 листов нотной бумаги, сожжёных сто с лишним лет назад в городе на голубом Дунае.

В России всегда любили вальс.

Это из кинофильма "Адмирал"

Закончим мы наше повествование замечательным стихотворением Евгения Евтушенко, которое
навсегда связано с именем великой Клавдией Ивановной Шульженко.
 

"Вальс о вальсе"

Вальс устарел, говорит кое-кто смеясь,
Век усмотрел в нем отсталость и старость,
Робок, несмел наплывает мой первый вальс,
Почему не могу я забыть этот вальс?
Твист и чарльстон, вы заполнили шар земной,
Вальс оттеснен, без вины виноватый,
Но затаен он всегда и везде со мной,
И несет он меня, и качает меня, как туманной волной.

Смеется вальс над всеми модами века,
И с нами вновь танцует старая Вена,
И Штраус где-то тут сидит, наверно,
И кружкой в такт стучит,
На нас не ворчит, не ворчит.

Вальс воевал, он в шинели шел запылен,
Вальс напевал про Маньчжурские сопки,
Вальс навевал нам на фронте "Осенний сон",
И как друг фронтовой не забудется он.
Вальс у костра где-то снова в тайге сейчас,
И Ангара подпевает, волнуясь,
И до утра с нами сосны танцуют вальс,
Пусть проходят года, все равно никогда
Не состарится вальс.

Поет гармонь, поет в ночном полумраке,
Он с нами, вальс, в ковбойке, а не во фраке,
Давай за вальс поднимем наши фляги,
И мы ему нальем, нальем,
И споем, и споем.

Робок, несмел наплывает мой первый вальс,
Никогда не смогу, никогда не смогу
Я забыть этот вальс.

Вы узнали Клавдию Ивановну Шульженко?

Уникальная исполнительница!
За три с небольшим минуты - сыграть спектакль длиною в жизнь... Не просто певица, великая актриса!
Вечная слава и любовь зрителей!

А закончить я хочу самым моим любимым Домбайским вальсом в исполнении Юрия Визбора

Есть оперы, которые составляют золотой фонд человечества. Среди них "Евгений Онегин" стоит на одном из первых мест.
Мы возьмем одну из величайших арий и послушаем, как она звучит в исполнении разных певцов.

Опера «Евгений Онегин» написана Петром Ильичом Чайковским в мае 1877 (Москва) — феврале 1878 в Сан-Ремо. Композитор работал над ней также и в Каменке. В мае 1877 года певица Е. А. Лавровская предложила композитору написать оперу на сюжет пушкинского «Евгения Онегина». Вскоре Чайковский увлекся этим предложением и за одну ночь написал сценарий и принялся за музыку. В письме к композитору С. И. Танееву Чайковский писал: «Я ищу интимную, но сильную драму, основанную на конфликте положений, мною испытанных или виденных, могущих задеть меня за живое». Первая постановка 17 (29) марта 1879 на сцене Малого театра силами учащихся Московской консерватории, дирижёр Н. Г. Рубинштейн, партия Ленского — М. Е. Медведев. Постановка в московском Большом театре 11 (23) января 1881 (дирижёр E.-M. Beviniani).

Михаил Медведев (настоящее имя — Ме́ер Ха́имович Бернште́йн) был первым исполнителем партии Ленского в опере Чайковского"Евгений Онегин» (ученический спектакль студентов Московской консерватории в 1979 году, поставленный Чайковским) и Германа в опере «Пиковая дама" в Большом театре. Чайковский подарил певцу клавир оперы, надписав: «Лучшему Герману»

Начнем, пожалуй не с самого лучшего исполнителя этой арии - Николая Баскова. Он спел эту арию впервые на сцене Новосибирского оперного театра в 21 год (1997 г).
С этой арии Николай Басков начинал в Большом театре, пока не затянул его шоу-бизнес. А втянул его туда его будущий тесть, Борис Иссаакович Шпигель. Понятно, что талант – это как драгоценный камень. Чтобы он засиял, нужна огранка. А огранку Баскову дал продюсерский центр «Музыка. Совершенство. Красота», который работал на деньги фармацевта Б.И.Шпигеля. Публику не заставишь полюбить бездаря, какие деньги ни вложи. Но и талантливого исполнителя нужно грамотно вести, чтобы он стал известен. Без помощи пробиться очень сложно. Таковы уж законы шоу-бизнеса.
Басков не понимал, что Культура и бизнес не совместимы! Когда Басков наскучил Шпигелю, певец развелся со своей женой Светланой, которая в 2006 году родила ему сына Бронислава. Сын носит теперь фамилию деда и ничего не знает о своем отце.(см."Комсомольскую правду")

В 1999 году Басков спел в восстановленном спектакле Большого театра "Евгений Онегин" Ленского. Вот что писали газеты об этом событии: "Вряд ли кто-то станет отрицать, что знаменитая ария Ленского «Куда, куда вы удалились» в исполнении Николая Баскова – вокальная жемчужина спектакля. Он сидит на сцене один – маленький и одинокий. Ему не нужны ни жесты, ни мимика, ни сценические соревнования с более опытными партнерами. Здесь царствуют его голос и его лирическая душа. И никакие «Браво!» клакеров, никакие воспоминания о репликах Шута из «Королевских игр» на ТВЦ («Это круто!») уже не затмят наших нежных воспоминаний об очаровательном юноше-теноре на фоне зимней «пушкинской» Черной речки перед смертельной дуэлью в Большом театре…" Но были и другие высказывания. С этой роли началось нисхождение Баскова. Сначала послушайте его, а потом давайте разбираться, как же Басков оказался ненужным оперной сцене в России?

Как же Басков дошел до жизни такой? В 1999 году Шпигеля познакомил с Басковым Г.Селезнев, Председатель нашей Гос. Думы.

Сам Басков сказал, что "...На самом деле моя карьера началась благодаря ему (Селезневу). Александр Морозов, композитор, услышал меня в военном госпитале и решил, что его песни должен запеть певец с классическим голосом. Мы стали что-то пробовать, а потом я выступил в Театре Советской армии, где были Геннадий Селезнев и мой будущий продюсер Борис Шпигель. И тогда по просьбе Геннадия Николаевича Борис Исаакович решил заняться моей творческой карьерой."

Басков понравился дочке Шпигеля, Светлане, а в 2000 году появилась СЕРИЯ любопытная рецензий на восстановленную Б.Покровским в Большом театре оперу Чайковского "Евгений Онегин"

В одной из них газета Коммерсант писала   " Восстановили постановку 1944 года в декорациях Петра Вильямса. В этой постановке в 1944 году прославились Лемешев и Козловский. Нынче партию Ленского спел стажер Большого театра Николай Басков, более известный в качестве кассового эстрадного певца.

Восстановили декорации, но сложнее было восстановить на том же уровне музыкальную часть. Хотя Николай Басков и сидит в той же позе и в том же костюме, что сидел Лемешев, - на этом сходство и заканчивается. У молодого певца есть неплохой вокальный материал и отчетливая дикция, но не хватает школы, которую никак не могут заменить выступления с микрофоном. Его коллеги поют не лучше и не хуже; всем недостает элементарной точности, яркости, блеска, актерской энергии; исключение - безупречный Айк Мартиросян в партии Гремина. Опытный дирижер Марк Эрмлер ведет оперу весьма непоследовательно: он то убирает звучность оркестра до предела, то глушит певцов; темпы вязки, а контрасты излишне откровенны.

"Евгений Онегин", первая полупремьера сезона, целиком идет по ведомству заслуг прежнего руководства. Геннадий Рождественский, ставший в сентябре художественным руководителем театра, не вычеркнул эту постановку из планов сезона. Значит, "Онегин" будет идти, радуя глаз и огорчая слух. Уровень оперной труппы в ближайшее время станет главной проблемой новых хозяев первой сцены страны."

Заметка была названа - "Онегину починили платье, но голос вложить не смогли."

И все газеты, откликнувшиеся на премьеру восстановленной оперы сходились в негативной оценке пения Баскова.

" Сегодня Ленского в восстановленном спектакле Бориса Покровского (1944 года) «Евгений Онегин» поет 23-летний Басков. И никуда не деться от ощущения впавшей в детство, в старательность школьных лет «императорской» сцены. Не восполнить истошными криками «Бис!» отсутствие у кумира настоящей вокальной школы, не заглушить то и дело прорывающуюся манеру пения солиста какого-нибудь армейского ансамбля. Неужто сцена Большого не спасет этого самородка от пошлятины навязываемых ему низких вкусов, от самоупоения с неба свалившейся славой? На протяжении всего спектакля в Баскове—Ленском словно борются непрерывно противоположные начала: талант с заурядностью, оперный профессионализм с самодеятельностью, артистической беспомощностью. Басков поет напыщенно и играет неинтересно" 

Басков очень обиделся и сказал:"...Я иногда поражаюсь, когда критик, например, пишет о певце, о дирижере или о балетном человеке. Вот если бы, например, Монтсеррат Кабалье писала рецензию. Вот это я понимаю! Или Хосе Каррерас. А люди, которые никогда не стояли на сцене, не открывали рта, даже не знают, куда дохнуть и откуда выдохнуть, почему-то считают, что обоснованно имеют право писать и иногда влиять на судьбы людей."

Корреспондент спросил Баскова однажды: "Вам самому нравилось, как вы пели Ленского в Большом?"

 - Конечно, нет.

 - Вас тогда сильно критиковали.

 - И правильно делали. Просто меня очень жестко критиковали. Даже не критиковали, уничтожали. Обидно было. Но зато я благодаря критикам стал таким, каким стал.

Баскова поддержал продюсерский центр Шпигеля и сделал из него эстрадного певца. В 2001 году Светлана Шпигель и Николай Басков поженились. Вот такая история.

А начинал Басков как музыкант в Кызыле (Тыва), где служил его отец, закончил музшколу при Новосибирской консерватории В 12 лет он дебютировал в «Волшебной флейте» Моцарта.  Проучившись год в ГИТИСе, Николай поступил в Российскую академию музыки имени Гнесиных, которую с отличием окончил в 2001 году, и продолжил свое образование в аспирантуре при Московской консерватории. А потом ушел в шоу-бизнес.

В одном из своих интервью в 2009 году Басков сказал: в нашей стране, когда ты становишься звездой, то неожиданно понимаешь, что попал в жуткую…

- Задницу?

- Да, из которой надо все время выбираться: что-то придумывать, радовать людей, эпатировать. Мне просто очень повезло. У меня есть в кустах рояль, я его вытащу на сцену и, в любом случае, в филармонии, в оперном театре, для меня всегда будет работа. У моих коллег, в большинстве своем, такого выхода нет: они живут так, как они могут жить на сегодняшний день.

Мы ругаем Баскова, а он в апреле 2011 года пел в лучшем зале мира - Музикферайн в Вене, а там поют только великие исполнители.

Российские артисты если и выступали в “Музикферайне”, то лишь в гала-концертах и единицы из избранных уровня Дмитрия Хворостовского и Анны Нетребко. Сольный концерт “Золотого голоса России, тенора Николая Баскова” (так резюмировали афиши, расклеенные по городу) стал, таким образом, событием экстраординарным. Общественного резонанса, о чем с почтительным уважением говорила вся Вена, добавлял благотворительный статус мероприятия.

Концерт Николая Баскова в святая святых “музыкального мироздания” — венском зале “Музикферайн” (Musikverein) — мог показаться вопиющим надругательством над всеми ценностями и традициями. Но австрийцы, к удивлению “нашего брата”, признающего Баскова в основном за “Шарманку” и “Натурального блондина”, испытали неподдельный восторг, даже не подозревая, что аплодируют, не щадя ладоней, артисту, “запятнанному” на родине репутацией поп-звезды. Г-н Басков, впрочем, эту репутацию не афишировал, умело, как Штирлиц, скрыл подноготную, “притворившись” ”истинным арийцем” — то бишь тенором высшей пробы в ранге “золотого голоса России”.

Но в Вене по сей день умело и трепетно берегут “вечные ценности”, сохраняя блеск исторического титула “мировой столицы музыки”.

Конечно, поп- и рок-звезды здесь отнюдь не персоны нон грата. Но всяк сверчок знай свой шесток! Это у нас Кремль можно отдать на растерзание блатному шансону. А там ту же Мадонну, не говоря о Леди Га-Га, в “Музикферайн”, конечно, ни за какие деньги не пустят (в смысле — на сцену, в партер — пожалуйста). Вовсе не для этого Венское музыкальное общество построило в 70-е годы XIX века этот уникальный зал — храм вечной музыки, где каждая декоративная деталь интерьера (даже барочные кариатиды из дерева) создана с учетом физических законов безупречной акустики. Получить право выступить здесь уже означает “сертификат качества”, за чем бдительно следит наблюдательный совет. Даже признанные Staatsoper и Volksoper не столь строги в своих правилах. Да, как теперь относиться к золотому голосу России?

Венские снобы-критики, которые, невзирая на лица и титулы, беспощадны к артистам, удивительным образом тоже сошлись в простой мысли, обнаружив в Николае “яркого тенора, которого уже давно не знала оперная сцена”. Все колкости в этот раз достались лишь оркестру, который почему-то “не смог соответствовать исполнительскому уровню солиста”. Вдохновленный Басков приготовил тем временем сюрприз — помимо излюбленных классических арий, в которых давно “набил голос”, он исполнил с десяток русских народных песен в академической, конечно, обработке: “Ах ты, душечка”, “Запрягу я тройку”, “Бубенцы”, “Коробейники”, романсы “Дорогой длинною”, “Очи черные”… Венчалось сие раздолье “Калинкой”, и весь “Музикферайн”, заполненный вперемежку русскими и австрийцами, готов был в финале пуститься в пляс.

Другим сюрпризом стали две новые партнерши “золотого голоса России” — Мария Максакова и Агриппина Росси. Мария — дочь прославленной артистки Людмилы Максаковой и внучка великой оперной певицы Марии Максаковой. Изменил себе великий Музикферайн. А может и нам надо меняться?

После феноменального концерта Николай Басков поделился в интервью “МК” любопытными подробностями произошедшего чуда.

— Русская культура — великая культура! А возможности моего творчества многогранны. Я же артист, а артист всегда должен стремиться к росту, к освоению новых вершин. Это полет фантазии. Художник, когда рисует картину, использует разные краски, в зависимости от задачи, которую ставит. Я считаю, что русская музыка очень колоритна, но в мире ее не очень хорошо знают. И сегодняшний концерт показал, насколько востребованны прекрасные русские народные песни. Классическая же обработка придала им особенный блеск. Я безумно счастлив, что публика на концерте так приняла эту программу! Хочу сделать из русской музыки такой же узнаваемый и популярный бренд, как у итальянской или испанской музыки. В конце концов на афише было написано “Золотой голос России”, и мне очень хотелось этим голосом представить именно русскую музыку. В мире почти не осталось теноров, которые могли бы исполнять русские народные песни. Все это остановилось, можно сказать, на Суржикове, Лемешеве и Иване Реброве, певце из Германии русского происхождения, который был очень популярен на Западе в 70-е годы прошлого века.

а России не нужен академический певец Николай Басков, о котором с таким восторгом пишет западная критика?

— Надеюсь, что нужен., ответил Н.Басков. Думаю, все впереди. Я ведь не останавливаюсь, я расту — и творчески, и как певец, и как человек. Для меня важна не погоня за иллюзорной славой, а профессиональная состоятельность. После сегодняшнего концерта я сел в гримерке и сказал сам себе: все-таки не зря я прожил эти 34 года! Я соответствовал уровню этого зала! Я оправдал внимание очень взыскательной публики! Я испытываю гордость за самого себя. Я развиваюсь, развивается мой голос.

Наступит ли настоящий успех и признание?

— Как оперный певец я лучше буду лет через пять. Это как выдержанный коньяк — чем старее, тем лучше. Физически для оперного певца самый расцвет — от 38 до 52 лет. И Каррерас, и Доминго, и Паваротти свои самые знаменитые концерты дали именно в зрелом возрасте. Так что у меня есть еще время.

Басков поет сейчас в оперном театре Барселоны, а вРоссии он нужен только шоу-бизнесу!

РОЛАНДО ВИЛАНЗОН - в этом же зале.

Виланзона вывел в люди Пласидо Доминго,

Послушаем действительно великих.

 В историю иск-ва вошли имена многих выдающихся теноров-исполнителей. В Италии громкой славой пользовались Дж. Рубини, Дж. Марио, в 20 в. - Э. Карузо, Б. Джильи, М. Дель Монако, Дж. Ди Стефано, среди немецких оперных артистов (в частности, исполнителей вагнеровских сочинений) выделялись чешский певец Й. А. Тихачек, немецкие певцы В. Виндгассен, Л. Зутхауз; среди русских и советских певцов-теноров - Н. Н. Фигнер, И. А. Алчевский, Д. А. Смирнов, Л. В. Собинов, И. В. Ершов, Н. К. Печковский, Г. М. Нэлепп, С. Я. Лемешев, И. С. Козловский.

ПЛАСИДО ДОМИНГО





СЕРГЕЙ ЛЕМЕШЕВ непревзойденный!





ИВАН КОЗЛОВСКИЙ - очень интересная запись





ЛЕОНИД СОБИНОВ





ВЛАДИМИР АТЛАНТОВ
Получил Первую премию на конкурсе имени Чайковского в Москве (1966).
Дебютировал в 1961 году (Ленинград, Мариинский театр, с 1963 года - солист).
Солист Большого театра в 1967-88 гг.
В 1988 году, в первые годы перестройки Владимир Атлантов покинул Москву и Большой театр, продолжив оперную карьеру за границей.





ЗУРАБ СОТКИЛАВА
Он известен был, как лучший футболист тбилисского "Динамо", а 30 декабря 1973 года он дебютировал на сцене Большого театра. Про него говорят, что Зураб Соткилава — одаренный певец, крайне музыкален, его звук, необычайно красивого тембра, не оставляет слушателя равнодушным. Вокалист эмоционально и ослепительно передает нрав исполняемых произведений, полно раскрывает проект композитора. И самая замечательная черта его характера — это трудолюбие, стремление постичь все тайны искусства. Он занимается любой день, у нас без малого такое же «расписание уроков», как и в студенческие годы





ФРАНКО ТЕНЕЛЛИ. Есть такой замечательный певец, музыкант и педагог Франко Тенелли, он как-то написал две важные мысли: " ...надо слушать певцов которые подходят и по голосу и по тембру и по темпераменту, но прежде всего надо научится слушать себя; чем раньше это придет тем лучше для певца".
"Творческий человек рано или поздно понимает, что самый большой учитель - это жизнь, это он сам, если сможет понять себя. Хороший учитель лишь правильно направляет талант, но не в коем случае производит его". Басков не услышал себя!





Нил Шикофф - еще одно имя немолодого уже тенора (он родился в 1949 году). Долго работал в Метрополитен опера, пом его вынудили уехать из-за развода с оперной дивой в Европу, где он и скитается из театра в театр. Даже Михайловскому театру удалось его пригласить его спеть в опере Галеви "Иудейка". В 2011 году Нил Шикофф стал лауреатом российской премии 'Золотая маска' за лучшую мужскую роль, Елеазара в 'Иудейке'. А вот как он поет арию Ленского в Парижском оперном театре.

ВИКТОР КОМПАНЕЕВ начинал свой звездный путь в Сыктывкаре, где закончил музучилище, а потом пел в местном хоре, затем закончил Нижегородскую консерваторию, пел в Перми, во Владимире и теперь в Питере





Может ли ансамбль контрабасов заменить оркестр?
В сопровождении этого ансамбля неплохо поет какой-то мальчик (не обращайте внимания на ансамбль - это для экзотики)






Ну может быть и такое исполнение Ариозо Ленского (Александр Иванов). Можно ли шутить над Чайковским? А почему бы нет?
Вспомните, как Хиндемит издевается над Вагнером!






Начали мы с Баскова, и закончим им.

Николай Басков ушел из Большого летом 2006г, из-за того, что отказался участвовать в глумливой постановке «Онегина» Дмитрия Чернякова.. Галина Вишневская была в шоке после премьеры 1 сентября 2006г, не спала несколько ночей, задавалась вопросом «Для чего я учу?», решила отказаться от празднования своего юбилея 25 сентября, на этой оскверненной Новой сцене. Написала об этом письмо директору Большого, на что получила от него письменный ответ в грубой, хамоватой форме, с намеком на то, что, мол некоторые отмечают свои юбилеи дома.

Вместо Баскова Дмитрий Черняков взял Андрея Дунаева. История Андрея просто уникальна: сельский парень пел в ресторанах, после двадцати лет поехал покорять Москву и добился там колоссального успеха. Сейчас о Дунаеве снимают передачи ведущие телеканалы и пишут солидные газеты. Сегодня Андрей - солист двух театров: Большого и оперного театра в Дюссельдорфе. Он является лауреатом целого ряда международных конкурсов, в том числе - имени П. И. Чайковского, где он стал обладателем Первой премии. Дунаев за роль Ленского был номинирован на самую престижную театральную премию России - «Золотую Маску». Кроме того, артист был удостоен почетного титула «Золотой тенор России». В Дюссельдорфе режиссер Джанкарло Дель Монако предложил свою трактовку образа Ленского, которого сыграл и спел Дунаев. Этакий современный клубный тусовщик в рваных потертых джинсах и с бутылкой виски в руке. К концу действа он напивается и... убивает сам себя. Здесь в Большом он выглядит несколько иначе. Послушайте его.

Посмотрите эту постановку прямо из Парижа, где в 2008 гастролировал Большой театр. И делайте выводы сами. На мой взгляд, Дмитрий Черняков.- враг русского искусства и русского народа. Главный герой постановки - сервированный стол...

СТРАСТИ ПО ЧАЙКОВСКОМУ - так назвала свою статью-рецензию на спектакль Евгений Онегин в Большом театре некая Елена Третьякова. Она начала свою статью так: "Опера Чайковского в столичном театре не меняла облик с 1940-х годов, а имя Чернякова давно уже действует на общественность как красная тряпка на быка (хотя, говорят, быки — дальтоники)."

Вот он, Дмитрий Черняков собственной персоной.

Кто такой Дмитрий Черняков?

Дмитрий Черняков родился в 1970 году в Москве.

Где и чему учился: По собственному признанию

«Я немного учился в архитектурном институте, перед тем – на подготовительных курсах, вот и все…»
Окончил Российскую академию театрального искусства (ГИТИС), по специальности режиссура.

«Я никогда не имел никакого отношения к опере. Ни я, ни мои родители. Но так сложилось случайно, что в каком-то сознательном возрасте, уже в начале 1980-х, я ходил постоянно на оперные спектакли. И, видимо, как-то это отложилось во мне».

 

Премьера поставленной Черняковым оперы Чайковского «Евгений Онегин» в Большом театре в 2006 году вызвала большой скандал. Певица Галина Вишневская была возмущена этой постановкой и отказалась отмечать свой 80-летний юбилей в Большом театре, в котором она впервые спела именно в «Онегине».

Галина Вишневская, оперная певица: «Я сходила на премьеру "Евгения Онегина" в Большом театре, и меня охватило отчаяние от происходящего на сцене. Я двое суток не спала и написала письмо директору. О том, что я отказываюсь от празднования юбилея в этом театре. Выходит, зря прожита жизнь и зачем дальше вообще учить, если Большой театр выпускает такое...»

Анатолий Иксанов, генеральный директор ГАБТа: «С большим удивлением я прочитал письмо Галины Павловны Вишневской. Больше всего меня удивило именно то, что такое письмо написала наша великая примадонна, которая сама многие годы страдала от эстетических штампов и ярлыков. Человек, который помнит политические процессы над Пастернаком и Бродским, который принимал живое участие в судьбе Солженицына. Она наверняка защищала Альфреда Шнитке после печально-знаменитой статьи о его версии "Пиковой дамы"».

Вот такие люди, как Черняков, Иксанов определяют теперь российскую Культуру. Они убивают ее, вернее добивают.

В одном интервью Дмитрий Черняков сказал что "...время изменилось - и то, что не меняется вместе с ним, попросту медленно устаревает, т. е. деградирует." А самое забавное -- то, что время потом опять изменится, и все великое, заплеванное и загаженное извращениями смутного времени, вновь очистится и обретет свою силу. А все наносное и мерзкое сгниет и смоется временем. Так что и запаха не останется. И более того: никто даже не вспомнит о том, как это было "свободно" и "устремленно вперед" в том смутном, якобы "изменившемся" времени. Ибо не временщиков и не извращенцев, а великих творцов помнят! Как быть, Дима? Вы сами Западу потакаете - да русские такие и есть- пьяницы и опустившиеся люди. И никогда у русских не было возвышенной души - сказки все этопо-вашему. Вот новая Ваша премьера в Большом - Руслан и Людмила Глинки лишена всякой тайны и романтики. Не любите вы Дима Россию. Великая музыка вам нужна, чтобы опошлить великий народ. В «Евгении Онегине» Черняков показал, что классике необязательно быть пыльной и скучной. В Руслане и Людмиле он вывернул Пушкина наизнанку. Я всегда считал, что это детская сказка, но оказываетсяэто сказка для взрослых. У меня такое чувство, что богатые хозяева России хотят опустить культуру до своего уровня. Бог им судья!  

Бывший художественный руководитель Большого театра Борис Покровский сказал: « Не политика, не экономика, а культура поднимет Россию».

Но культуру России должны поднимать не Черняковы и не Шпигели.

Скачать музыку:

• Александр Федин (13.22 Мб)
• Владимир Атлантов (15.29 Мб)
• Георгий Виноградов (2.76 Мб)
• Зураб Соткилава (6.75 Мб)
• Иван Жадан (12.80 Мб)
• Иван Козловский (14.33 Мб)
• Леонид Собинов (9.58 Мб)
• Николай Гедда (16.68 Мб)
• Николай Огренич (7.41 Мб)
• Плачидо Доминго (16.88 Мб)
• Роландо Вильясон (6.17 Мб)
• Сергей Лемишев (11.78 Мб)
• Фритц Вундерлих (15.87 Мб)
• Чезаре Валлетти (14.24 Мб)
• Энрико Карузо (5.68 Мб)
• Юсси Бьерлинг (9.76 Мб)

вы можете на сайте

На примере Николая Баскова мы убедились, что

Сегодняшний оперный мир зачастую бывает жесток и несправедлив. Пробиться в него, особенно без влиятельных покровителей, почти невозможно. Одними только вокальными данными здесь не обойтись. Надо обладать хорошей фигурой, приятной внешностью, да при этом еще иметь стальной характер и огромную силу воли.

А как Басков хорошо начинал с Л.Казарновской в 2000 году (Призраку оперы Вебера)!

А вот так Басков спел с Казарновской 15 октября 2011 года

Великолепно Басков спел арию Канио в опере Паяцы в 2008 году в Греции. (У нас его воспринимают только в шоу паяцем)

Если хватит силы воли у Баскова противостоять пошлости, то не раз он еще будет петь в Вене в моем самом любимом зале "Музикферайн"

После того, как Басков стал ведущим телешоу "Брачное агенство" ему НИКОГДА не уйти от пошлости. И он НИКОГДА не должен петь в этом великом зале. Как слаб человек!

Но самую нетрадиционную постановку Евгения Онегина в Москву на сцену Большого театра привез Латвийский национальный оперный театр. Но это в порядке вещей. Латыши всегда ненавидели все русское, ну и переиначили шедевр Чайковского на современный лад.

Противно жить, когда вместо культуры… политика! - написал в своем блоге наш юморист М.Задорнов., говоря об этой постановке ЛНО.

Современное прочтение оперы Чайковского на сцене Большого театра – ход уже проверенный. На постановке «Евгений Онегин» Дмитрия Чернякова" — аншлаги уже седьмой год. Латвийская версия в Риге не менее популярна, увидеть ее приезжают со всей Балтии. Она и не менее оригинальна: Евгений ходит на модные презентации, Татьяна ведет блог. Если в постановке Чернякова главное действующее лицо - стол, то Главный образ латвийской сценографии – огромная кровать-трансформер, которая может быть и столом, и деревянным помостом, и полем для битвы. Именно на ней происходит дуэль Онегина и Ленского. "Человек проводит значительную часть своей жизни в постели, - пояснил режиссер. - Там зачинают детей, рожают, спят, видят хорошие и дурные сны, это место для радости, но в то же время и для одиночества. И еще это место смерти. Постель в нашем "Онегине" - символический образ". говорит Андрейс Жагарис, директор ЛНО. Личность интересная, он был и киноактером, и предпринимателем, а теперь стал постановщиком оперного спектакля.

Интересно, что Михайловским театром теперь рулит "банановый король" Кехман. Театр, Университеты, Нанотехнологии, Медицина теперь в руках менеджеров. Куда они заведут нашу культуру?

По словам постановщика латвийского варианта Андрейса Жагарса, через 50 лет появление на сцене Большого театра Онегина с последней моделью телефона в руках будет вполне закономерно. Это будет означать, что перевернулась еще одна страница «энциклопедии русской жизни». (Как хорошо, если бы вообще закатилась русская культура - это имел ввиду Андрейс) Его «Евгений Онегин» хоть и живет в XXI веке, но переживает то же, что и в XIX. «Мы говорим о той Татьяне и Онегине, которые живут сейчас. Я думаю, что в обществе есть такой образ Онегина, которому родители создали материальную среду, чтобы человек мог учиться где-то в Лондоне, Париже, Америке, там себя не реализовал, вернулся обратно», — поясняет режиссер.

Что касается исполнительского состава, то он в рижском "Онегине" совершенно замечательный. В одном из первых постановок в рижском театре Татьяну пела звезда из Азербайджана Динара Алиева.

Вы можете послушать всю оперу в исполнении артистов Латвийской национальной оперы, а потом поговорим.

В Москву из Риги привезли очень интересный состав исполнителей. В партии Татьяны выступит звезда мирового класса Кристина Ополайс, только что с успехом дебютировавшая в Метрополитен-опере. В заглавной партии - молодой латвийский певец Янис Апейнис. Ленского поет чешский тенор Павел Чернох, чья международная карьера в последние годы становится все более впечатляющей. В роли Ольги занята польская певица Малгожата Панько.

Этот спектакль родился еще на сцене Нового Рижского театра, его поставил Алвис Херманис, режиссер нового толка, который заявляет:"Шекспир для меня вообще не авторитет. Его интересует проявление человеческой природы только на уровне инстинктов. Он не поднимается выше трех нижних чакр. Месть, зависть, убить-любить – все замешано на животных инстинктах. Что у него за истории? Если у мальчика мама вышла замуж, то зачем через двадцать минут начинать убивать родственников? Или "Отелло"? Это все называется "бытовой криминал". Про него имеет смысл делать спектакли в тюремном драмкружке. Может, там были бы понятны эти пьесы, где герои душат и убивают друг друга, когда у них возникают проблемы. Обычно люди так себя не ведут. Мне непонятна логика их поведения. Она мне абсолютно чужая." Так зачем берут и уничтожают классику? Какие цели преследуют эти люди от культуры? В спектакле Алвиса Херманиса "Онегин" - это не классическая и не новаторская постановка пушкинского романа в стихах, а иронические этюды, низвергающие великого классика с пьедестала. Александр Сергеевич предстает в виде сексуально озабоченного примата с бакенбардами. Но на стихи Пушкина никто покушаться не стал — они звучат в латышском театре на русском языке. Не безобидно все это! Алвис Херманис — мастер провокаций. Он работает на зрителя, которому претит нафталиновый театр. Смелые, ироничные, зачастую обескураживающие интерпретации — в таком русле работают в этом театре. Иначе зачем бы он назывался новым? Понятно, что об академическом прочтении классики здесь не может быть и речи. Гарри Гайлит, театральный критик из Латвии пишет в своей рецензии на спектакль Херманиса, что это пародия на русских. Да уж, НЕ ТРОГАЙТЕ РУССКУЮ КУЛЬТУРУ, пожалуйста.

29-го июля (день премьеры) 2007 г. в Зальцбурге представили очередное фестивальное убожество. Это был Евгений Онегин. В ролях: Онегин - Петер Маттеи Татьяна - Анна Самуил Ленский - Йозеф Кайзер Ольга - Екатерина Губанова Ларина - Рене Морлок Филиппьевна - Эмма Саркисян Гремин - Феруччио Фурланетто Венский филармонический оркестр Дирижер - Даниэль Баренбойм Режиссер - Андреа Брет

В музыкальном плане постановка выглядит неплохо. Очень хороша Анна Самуил в партии Татьяны, убедительно звучит Екатерина Губанова в роли Ольги. Онегин - шведский баритон Петер Маттеи - едва ли не лучший на сегодня из иностранцев, кто отваживается петь эту партию. Знаменитый бас Феруччио Фурланетто, поющий Гремина в форме советского генерала, весьма колоритен.

Что касается режиссуры и сценографии... ну вот такими они нас видят. Не хватает только медведя, пьющего водку из самовара, а всего остального имеется в достатке Считается, что действие оперы перенесено в 70-е годы 20 века. Смотрите и судите сами

Ну и совсем нетрадиционную трактовку оперы "Евгений Онегин" предложил польский режиссер Криштоф Варликовский, известный своим высказыванием о современном театре:." Искусство спасут гомосексуалы и евреи: они смотрят на все как бы со стороны, это очень творчески плодотворно. В этом есть драма — не в психиатрическом, а в сугубо театральном смысле.".

Польский режиссер Кшиштоф Варликовский, взявшись за постановку "Евгения Онегина", то ли из личных убеждений, то ли для привлечения внимания наделил пушкинского героя нетрадиционной сексуальной ориентацией.

Теперь для немецкого зрителя "заветный вензель" ОЕ должен означать инициалы русского гея, убившего своего возлюбленного на дуэли.

Именно из-за этой досадной детали у Онегина и Татьяны в Баварской опере не складываются отношения. Пока бедная дева скорбит по несбывшейся мечте об охваченном тоской гомосексуалисте, герой ее романа, очевидно, тоже не радуется, терзаясь воспоминаниями о любимом мужчине Ленском, которого пришлось убить, чтобы, как рассказал режиссер корреспонденту НТВ, совершить "акт самоутверждения". "Он как бы кричит: я не гомосексуалист!" - объясняет польский режиссер русскому человеку истинный смысл, заложенный в "Евгении Онегине". Интересно, не хочет ли он назвать себя идеальным читателем, для которого великий русский поэт писал свой роман в стихах? И таким ли представлял себе Александр Сергеевич поклонника своего творчества ХХI века (если вообще его представлял)?

Видимо, к счастью, Пушкин не мог представить себе хотя бы обстановку, в которой сложится любовный треугольник (!) почти через два века после написания книги.

Помимо современных одежд и телевизора на сцене, которые должны создать непринужденную обстановку, раскованности придает еще и интерьер мужского стрип-клуба на балу у Лариных. И все это - под "геевскую" музыку Чайковского.

Ну чем не красивая и правильная трактовка произведения о загадочной русской душе?

Но и это еще не все. Второй акт, по словам несчастных очевидцев, помимо всего прочего, включает еще и полонез в исполнении ковбоев, отсылающий зрителя к гей-вестерну "Горбатая гора". Очевидно, по мнению Варликовского, именно этот шедевр должен полностью разъяснить немцам смысл "Евгения Онегина".

Кшиштоф Варликовский создает мир, только что вкусивший плодов сексуальной революции и весь пронизанный ее токами (что весьма гармонирует с чувственной музыкой Чайковского). Татьяна, грезя об Онегине, буквально катается по полу, теребя короткую ночную рубашку. Объясняясь с Онегиным в саду, она не метафорически, а буквально вешается ему на шею, обхватив ногами торс. Для развлечения гостей, собравшихся на именины Татьяны, Ларина-мама приглашает ансамбль стриптизеров. Их номер с раздеванием заводит женщин (хозяйка дома засовывает гонорар в трусы артистов, одобрительно их похлопывая) и возбуждающе действует на Онегина.

Кшиштоф Варликовский в Евгении Онегине предлагает любовь между Онегиным и Ленским с дуэлью в двуспальной кровати и к ним в придачу Татьяну, помешанную на сексе и курящую марихуану (последняя мюнхенская премьера).

В немецком спектакле Евгений (Михаэль Фоле) отвергает любовь Татьяны не из-за пресыщенности женскими прелестями, но потому, что его привлекают мужчины. Он откровенно ревнует Ленского к Ольге, пытаясь расстроить увлечение друга. А в момент решительного объяснения Онегин залепляет в губы Ленского пылкий и долгий поцелуй. Дуэль происходит на двуспальной кровати. За окном бравые ковбои развлекаются с надувной женщиной. Дуэлянты долго снимают пиджаки и рубашки, садятся на кровать. Ленский неловко тянется к другу. Выстрел. И Онегин долго с недоумением рассматривает тело убитого друга, зажавшего в последнем нежном объятии его колено. Огромные прозрачные окна задергиваются синими бархатными шторами. А вокруг Онегина танцуют под звуки полонеза ковбои с обнаженными торсами. Потом они же будут дразнить героя, устроив эротическое дефиле в дамских нарядах – от вечерних платьев до купальников.

Это сцена "дуэли" Онегина и Ленского.

Ленский стал любовником Онегина до начала оперы, а затем почему-то переметнулся к Ольге, на которой намерен жениться. От ревности Онегин совсем теряет голову и решает мстить, ухаживая за Ольгой. Понятно, что в такой ситуации ему совершенно нет дела до чувств Татьяны. Дуэль, если ее можно так назвать, происходит в гостиничном номере, как раз рядом с кроватью.

Стоит ли гадать, по какой причине Онегин отверг «души доверчивой признания, любви невинной излиянья»? Здешний Евгений (Михаэль Фолле) - рыжий, ухоженный, с бакенбардами - с гримасой неподдельного отвращения отпихивает запрыгнувшую на него Татьяну, да еще и сопровождает это ханжескими поучениями: «Учитесь властвовать собой». Во время ссоры в доме Лариных Онегин пытается примириться с Ленским (Кристоф Штрель) при помощи жаркого поцелуя взасос, а дуэль между друзьями проходит на двуспальной кровати гостиничного номера.

После убийства Ленского Онегин меняет свою сексуальную ориентацию и влюбляется в Татьяну.

А это пьяные ковбои сразу после дуэли. Изображают, по всей вероятности, совесть Онегина.

Выстрел. И Онегин долго с недоумением рассматривает тело убитого друга, зажавшего в последнем нежном объятии его колено. Огромные прозрачные окна задергиваются синими бархатными шторами. А вокруг Онегина танцуют под звуки полонеза ковбои с обнаженными торсами. Потом они же будут дразнить героя, устроив эротическое дефиле в дамских нарядах – от вечерних платьев до купальников.

Так что мы видели, что в ряду "убивателей" культуры Черняков еще занимает не самую верхнюю позицию.

Музыкальный театр сегодня перестает быть музыкальным — это еще одно, уже явное тяжкое заболевание. Это особенно ярко выражается в критических статьях, где дирижеров теперь лишь упоминают и качество постановки определяется, прежде всего, именем режиссера и наличием эффектно-эпатажного сценического действия. Режиссер идет не от музыки. Музыка иногда ему просто мешает. Ему неважно, кто поет и как. И публика стала ходить на режиссеров, а не на исполнителей. Главным в театре стал режиссер-менеджер. А оперный театр превращается из репертуарного в антерпризный. Показателен и тот факт, что критика приветствует ситуацию, когда сценическая и музыкальная интерпретации вообще не имеют точек соприкосновения и существуют параллельно. Равнодушие, которое проявляют сегодня к музыкальному содержанию и культуре оперного спектакля, подвигло дирижеров к смирению и уходу в тень.

Мы говорили о тенорах, но я думаю, что под конец уместно показать вам мою самую любимую финальную сцену из оперы "Евгений Онегин" в исполнении Дмитрия Хворостовского и Рене Флеминг в Метрополитен-опера. Лучше никто не может это исполнить.

Рекомендую посмотреть эту оперу целиком Удачная запись из Метрополитен-опера.

Рене Флеминг, Дмитрий Хворостовский, Рамон Варгас в опере П.И.Чайковского "Евгений Онегин" Запись - Метрополитен Опера (2007). Исполнители: хор и оркестр театра "Метрополитен-опера". В главных партиях: Онегин - Дмитрий Хворостовский. Татьяна - Рене Флеминг, Ленский - Рамон Варгас. Вступительное слово Святослава Бэлзы.

А влюбился в музыку Чайковского благодаря фильму "Евгений Онегин" в конце 50-х. Тогда же я послушал эту оперу в Одессе, в знаменитом оперном театре, где Ленского пел незабвенный Лемешев.

Сегодня все разговоры о будущем оперного театра часто сводятся к проблеме привлечения молодого зрителя в оперу. И здесь четко нарисовалась еще одна болезнь современного оперного театра, выражающаяся в настойчивом желании нравиться молодым, причем любым способом. Если суммировать все тенденции в моде и торговле, в индустрии развлечений, в теле- и радиовещании, то давно очевидно, что все сегодня ориентировано на возраст до 25 и сильно младше, будто все остальные уже умерли и не нуждаются в одежде, еде и внимании. Тинейджеровский «прикид» проник в интонацию и лексику, пластику и мимику. Коммуникации стали по-тинейджеровски стремительны: сленг, спецтерминология, sms, chat — все лишено «сложносочиненности» и «сложноподчиненности». И все это вместе отличается поразительным снобизмом, основанным только на ощущении приоритета молодости. Хотя до новейших времен основанием для снобизма считались, прежде всего, знания. Как-то даже стало стыдно и неприлично сдерживать свои инстинкты и желания, взрослеть и мудреть, оперировать знаниями и эмоциональным опытом. Круг тем и представлений сузился до подросткового энергично-бодрого, лишенного вибрации светотени, ощущения жизни. На фоне всевозможных индустрий театр тоже сменил свою ориентацию — содержательную (не воспитывать, а развлекать) и формальную (ни в коем случае не говорить ни о чем сложно, длинно, пространно). Главное — привлекательно, занимательно, экстравагантно и узнаваемо, как бренды известных фирм. Сценическая форма модного оперного спектакля, включая сценографию, сегодня напоминает послание к публике в стиле даже не sms, а чата, не требующего ответа, а по форме — витрину модного бутика. И еще чаще постановка становится поводом для яркой самопрезентации, нацеленной не на диалог и живой отклик у публики, а на желание стать мгновенно узнаваемым, согласно законам глянца. Грустно это. Поневоле вспоминается Закат Европы Шпенглера, где он говорит, что когда раждается новая цивилизация, то погибает старая культура. :-(

Давно собирался посмотреть нашумевший фильм АВАТАР. 

Мало кто знает, что такое аватар. "Аватар" – или "аватара" на санскрите – это буквально воплощение кого-то.

АВАТАРА (санскр.) — в мифологии индуизма понятие, посредством которого обозначается феномен нисхождения божеств (Вишну, Шивы и других богов) на землю и воплощения их как в людей, так и в других смертных существ. Боги, не лишаясь в полном объеме собственной божественной природы, одновременно фрагментарно приобретают мирские черты и характеристики.

Например, Иисус - это "аватар" Яхве.

В индуизме этих аватар бога Вишну штук девять – это только широкоизвестных, включая Кришну и Будду.

История возникновения аватаров покрыта сплошной тайной. Так точно и неизвестно кто первый начал использовать аватар, и как пришла ему данная идея. Можно отметить, что само название аватар несет в себе божественное создание, а, как известно всё, что связанно с богом для человека является тайной. Вот как объясняется слово аватар в книге "Мифы народов мира":

Аватара нисходит на Землю ради спасения мира, восстановления закона и добродетели или защиты своих приверженцев.

Мне давно была интересна личность создателя фильма Аватар Джеймса Камерона (р. в 1954 г.). Он поначалу хотел стать физиком, поступил даже на физический факультет Калифорнийского университета, но он понял свое предназначение на Земле-перевоплотиться в создателя таких великих фильмов, как Терминатор, Титаник и Аватар. Все эти фильмы были удостоены высших премий киноакадемии "Оскар". Так несостоявшийся физик состоялся как режиссер.

Джеймс Камерон

Джеймс Камерон родился в 1954 году в городе Капускасинг, Канада однако детство его прошло в другом городе - Чиппава, что неподалеку от Ниагарских Водопадов. Его отец - Филип Камерон - работал инженером электриком, а мать - Ширли - была художницей ( она научила Джеймса рисовать и однажды даже устроила небольшую выставку его работ)

У ребенка с детства была хорошо развита фантазия - еще в школе он начал писать фантастические рассказы, а также был горазд на всякие выдумки - так, он вдохновил друзей на строительство настоящей, работающей катапульты в натуральную величину; соорудил небольшой подводный аппарат, чтобы послать в нем мышь в путешествие по дну реки и др.

Когда Джеймсу было 15 лет, он посмотрел "Космическую Одиссею 2001 года" Стенли Кубрика и, оставшись под сильнейшем впечатлением, решил связать свою жизнь с кино. Решив не откладывать это дело в долгий ящик, он вскоре начал экспериментировать с отцовской кинокамерой. Однако в то время мечта стать кинорежиссером казалась недостижимой - мальчик считал, что великими режиссерами рождаются и никакому подростку из провинциального канадского городка это не по силам.

Поступив в Калифорнийский Государственный Университет, Камерон решил посвятить себя изучению физики - он очень увлекался наукой и планировал стать по окончании университета биологом-океанологом. Проучившись некоторое время на этом направлении, Джеймс решил переключиться на изучение литературы, однако вскоре понял, что и это далеко от того, чем бы он на самом хотел заниматься. С этой мыслью он бросил учебу и начал зарабатывать себе на жизнь - был водителем грузовика, рисовал картины, водил школьный автобус, работал в автомастерской, а по ночам продолжал придумывать фантастические сюжеты.

В 1977 году на экраны вышел первый эпизод легендарных Звездных Войн. Камерон был поражен - это было так похоже на фильм, который он мечтал снять! Его мечта показалась ему ближе, и он твердо решил сделать все, чтобы воплотить ее в жизнь.

Способ объединить свои интересы к науке и кино Джеймс нашел, ознакомившись с книгой "Сценарии", после прочтения которой он и несколько его друзей решили написать сценарий и снять его на 35мм камеру. Они накопили денег, взяли в аренду камеру и прочую необходимую для съемок технику и стали пытаться самостоятельно со всем этим разобраться. Ребята пошли в библиотеку и начали штудировать всю литературу на тему кино, которую смогли только найти. Продолжая изучать премудрости кинотехники, Джеймс устроился на студию Роджера Кормана, сначала в качестве изготовителя мини моделей (мини декораций), а вскоре продвинувшись и до арт-директора - в этом качестве он принимал участие в работе над лентой Battle Beyond the Stars (1980). Также он работал над созданием спецэффектов для "Побега Из Нью-Йорка" Джона Карпентера. Он консультировал создателей фильма "Андроид" (Android) и "Галактика Террора" (Galaxy Of Terror). Камерон был настолько увлечен своей идущей в гору карьерой, что личная жизнь в тот период отошла на второй план, положив конец его первому браку.

Образ Терминатора привиделся Кэмерону во сне, во время болезни гриппом. В бреду он увидел женщину, спасающуюся от кошмарного существа, изменяющего свою форму в зависимости от обстоятельств и имеющего светящиеся красные глаза. Сценарий приглянулся многим кинокомпаниям, однако никто не хотел связываться с начинающим режиссёром. В итоге он был продан будущей жене Кэмерона продюссеру  Гэйл Энн Херд за символическую плату в один доллар при условии, что она не будет снимать этот фильм с другим режиссёром.

В центре сюжета — противостояние солдата и киборга, прибывших в 1984-й год из постапокалиптического 2029 года.Цель киборга: убить Сару Коннор — девушку, чей ещё нерождённый сын выиграет войну человечества с машинами. Влюблённый в Сару солдат Кайл Риз пытается помешать киборгу. В фильме поднимаются проблемы путешествий во времени, вопросы судьбы, создания искусственного интеллекта, поведения людей в экстремальных ситуациях.

Терминатор получил признание по всему миру, собрав в мировом прокате более 100 млн долларов, дав толчок как карьере самого Камерона, так и карьере Шварценеггера.

После такого успеха Камерону предложили стать режиссером "Чужих", автором сценария для которого он являлся. Он дал свое согласие, однако при условии, что продюсером ленты станет Гейл Анна Хард - их творческий союз постепенно перерастал в союз несколько иного порядка и вскоре закончился браком.

Следующей женой Камерона стала Кетрин Бигелоу, ставшая режиссером в его следующем проекте - "На Гребне Волны" /Point Break/, собравшем в прокате более 100 млн долларов и возглавившему топ видеопроката.  Каме

В процессе съемок бюджет второго Терминатора начал медленно, но верно выбиваться из всех приемлемых рамок - фильм становился самым дорогим за всю историю кино (на тот момент), однако в последствии он стал также и самым прибыльным за карьеру Камерона (на тот момент), собрав в прокате более 500 млн долл. Терминатор 2, как и предыдущие ленты Камерона, не был обойден вниманием киноакадемии США - 6 номинаций и 4 награды - за лучший грим, звук, визуальные и звуковые эффекты.

В этот период Джеймс основал собственную кинокомпанию Lightstorm Entertainment и в очередной раз сменил жену, в этот раз остановив выбор на звезде "Терминатора" - актрисе Линде Гамильтон. В 1984 году она родила ему дочь, Жосефин Арчер.

Однако самая значительная киноработа Камерона была на тот момент еще впереди. К съемкам "Титаника" он подходил как никогда серьезно, периоду съемок предшествовал довольно длительный период изучения останков корабля, к которым сам Камерон спускался на специальных батискафах около 10 раз. Камерон выступил при создании ленты не только в качестве режиссера, но и в качестве продюсера и монтажера. Бюджет фильма раздулся до гигантских 200 млн, эксперты предрекали крах ленте, считая что она даже не окупится. В результате, Титаник стал самым кассовым фильмом всех времен, оттеснив с пьедестала почета "Звездные Войны" Лукаса, собрав более 1 млрд долларов по всему миру. Кроме того, лента была удостоена 11 Оскаров, в том числе за лучшую картину и режиссуру. Бесспорно, это был звездный час Камерона - на церемонии вручения, получив заветную статуэтку, он выкрикнул знаменитую фразу из "Титаника" - I'm the king of the world!

Настоящим триумфом для Кэмерона стала эпическая картина «Титаник», снятая в 1997 году, с Леонардо Ди Каприо, Кейт Уинслет и Билли Зейном в главных ролях. «Титаник» до начала 2010 года являлся самым кассовым фильмом в истории кино.

В 2000 г. Камерон в очередной раз женился на американской актрисе Сьюзи Амис. У них трое детей: Клэр (2001 г. рожд.), Квинн и Элизабет (2006 г. рожд.).

И вот в 2009 на экраны вышел новый фильм Камерона Аватар

Коротко о сюжете фильма написано так:

Бывший десантник Джейк Салли получает предложение отправиться на далекую планету Пандора, где добывается редкий минерал. Проблема в том, что Джейк не может ходить после тяжелого ранения. Но ее удается решить за счет так называемого Аватара - клона наделенного необходимыми для выживания на негостеприимной планете качествами, которым можно управлять посредством специального интерфейса. Прибыв на Пандору, Джейк все больше погружается в ее жизнь, и через некоторое время понимает, что чужая планета и формы жизни стали для него важнее дома. К тому же, случай свел его с прекрасной туземкой. Ему придется сделать выбор: отказаться от прежней жизни и принять участие в борьбе с людской экспансией, или вернуть назад и оставить свою любовь и возможность ходить.

Для начала я предлагаю посмотреть небольшой ролик, составленный из фрагментов фильма, а потом послушать интервью с создателем этого фильма.

фильм напоминал сказку — чудесную, волшебную, похожую на сон сказку, которую зрителю разрешили увидеть и почувствовать.

Кэмерон охарактеризовал «Аватар» как «фантастическую историю, происходящую на другой планете через двести лет» и «старомодное приключение в джунглях с экологическим подтекстом, выходящее на мифический уровень повествования».

Кэмерон осью сюжета назвал поиск смысла своей жизни выходцем из очень простой среды. В этом отношении он подобен всякому человеку, и каждый может поставить себя на его место. В мире на’ви Джейк (в начале фильма не занятый чем-либо определённым) находит свой новый дом, именно там он чувствует себя востребованным. При этом на’ви, по словам Кэмерона, — это не нечто чуждое людям. Наоборот, они воплощают лучшее в людях, то, что, по нашему мнению, мы сейчас теряем — близость к природе, жизнь в постоянном движении. Для зрителя естественно сопереживать им, желать стать одним из них.

Фильм «Аватар» - это прорыв в области технологии производства фильмов благодаря стереоскопическим камерам, специально сконструированным для съёмок фильма. Некоторые критики полагают, что значение этого фильма Джеймса Кэмерона для киноиндустрии сравнимо с появлением цветного кино.

Сюжет пропитан философией от начала до конца.. Построена целая система некой разумности природы, общения между живыми существами, животными, между «видимым» и «не видимым нам».

Главный герой фильма встает перед выбором: на чьей он стороне.
“… теперь время великого разделения и все люди распределяются по полюсам Света и мрака. …Это и есть Суд, который каждый творит над собою сам. …Время великого разделения и есть время Суда. От решения и выбора человека стать на сторону Света или тьмы зависит все его будущее, так как человечество находится на сломе старого мира и перехода от Кали Юги, Юги тьмы, к Сатиа Юге, Юге Света.” -

В фильме Аватар рассказывается в иносказательной форме о конце “тёмной эпохи”, и зрители вместе с главным героем делают выбор в пользу Светлых сил и принимают участие в финальной битве.
С точки зрения энергетики кинолента имеет огромное значение, так как мысль обладает энергией, а зрители погружаясь в образ Аватара (что означает “нисхождение божества”) и становясь на сторону Светлых Сил выделяют позитивную энергию в поле Земли.

И еще на одну магистраль этого фильма мне хочется направить Ваши мысли.

Грэйс Огустин — ученая, управляющая программой «Аватар». Будучи квалифицированным ботаником, Грэйс живет на Пандоре уже пятнадцать лет, давным-давно покинув Землю из-за того, что на перенаселенной планете с разрушенной экологией уже не осталось биологического разнообразия, достойного изучения. На Пандоре Грэйс совмещает научную работу на базе землян под названием «Врата Ада» и работу в виде аватара в тропическом лесу Пандоры. Грэйс пытается установить доверительные отношения с На'ви, но ее деятельность все время саботируют солдаты базы.

Грэйс любит Пандору и На'ви всем сердцем и надеется, что сможет как-то защитить их от вооруженных сил индустриальной Земли.

Грэйс недовольна появлением на Пандоре Джейка, который должен присоединиться к программе «Аватар». Она считает его плохо подготовленным или вообще неспособным стать частью элитной команды ученых. "Грэйс злит то, что Джейк должен стать аватаром, — говорит Уивер. — Она думает: «Неужели он здесь только потому, что ему подошел костюм?!», имея в виду полное совпадение его ДНК с бывшим оператором аватара, погибшим братом Джейка, занимавшимся наукой.

Грэйс меняет свое отношение к Джейку, который производит впечатление на своего нового начальника, все больше и больше проникаясь теплыми чувствами и уважением к На'ви.

Еще на один аспект фильма обращают внимание церковники.

На Пандоре живут в идеальной гармонии с природой и друг с другом. Единственное, что их реально беспокоит – это «небесные люди» (земляне), которые ведут странную деятельность, что-то разведывают и разнюхивают. Проводя месяцы среди аборигенов, Джейк начинает любить этот прекрасный мир, а когда по вечерам аватар выключают, он возвращается в опостылевшую реальность – в свое больное тело, в среду людей, одержимых жаждой наживы и желающих разрушить всю эту гармонию. В конечном итоге, Джейк решает предать интересы землян и жить среди местного племени, тем более что он по уши влюбился в местную аборигенку. Ему так и не удаётся уговорить Оматикайя уйти, потому что они привязаны к «Древу души», которому аборигены поклоняются как божеству, считая его связующей нитью между ними, Эйвой (Матерью всего живого), и духами предков. Земляне узнают о предательстве Джейка и бесполезности переговоров – им просто нечего предложить местному населению, кроме «дешевого пива и джинсов». Начинается война, Джейк возглавляет объединенную армию кланов На’ви. «Синие человечки», понеся крупные потери, в тяжелом бою побеждают землян и изгоняют их с планеты. Фильм заканчивается тем, что объединенной молитвой Эйве под руководством главной жрицы Тса-хик, Джейк навсегда переселяется в свой аватар, и больше не зависит от «железного ящика» и сверхсложного оборудования (которое к тому же, по словам руководителя проекта, «глючит»).
Вот такая сказка для взрослых. Современная сказка не может обходиться без науки. Даже у Папы Римского под сутаной есть мобильник. Ватикан не может обходиться без компьютеров. Правда, Аватар явно антихристианский фильм. Он призывает нас другими глазами посмотреть на язычество древних. Что говорит Библия о возможности «пересадки» человеческого духа в другое тело? Учение Библии на этот счет однозначно и недвусмысленно: «И как человекам положено однажды умереть, а потом суд, так и Христос, однажды принеся Себя в жертву, чтобы подъять грехи многих, во второй раз явится не для очищения греха, а для ожидающих Его во спасение» (Евреям 9:27,28). Апостолы и пророки Ветхого и Нового завета учат о том, что человеку даётся только одна жизнь на земле в одном физическом теле – мы единожды рождаемся и единожды умираем. Будет еще «смерть вторая» - окончательное разлучение человеческой души с Богом, когда после великого Суда и вынесения приговора человек будет отправлен в озеро огненное. Конечно, Богу возможно всё – Ему нетрудно было бы совершить «пересадку» человеческого духа в другое тело, тем паче что апостол Павел пишет об опыте восхищения «до седьмого неба, в теле или вне тела». К слову сказать, мы, верующие Нового завета, в момент воскресения мёртвых, получим новые тела. Апостол Павел учит об этом так: «Говорю вам тайну: не все мы умрем, но все изменимся вдруг, во мгновение ока, при последней трубе; ибо вострубит, и мертвые воскреснут нетленными, а мы изменимся. Ибо тленному сему надлежит облечься в нетление, и смертному сему облечься в бессмертие» (1 Коринфянам 15:51-53). Другими словами, когда ангел вострубит, тогда те святые, которые жили в предыдущих поколениях, воскреснут в новых «нетленных» телах, а те христиане, которые доживут до пришествия Господа, «изменятся», то есть получат такие же славные, неветшающие, вечные обиталища, взамен теперешним земным телам.
Это что касается учения Библии. Какое же учение, какую идею продвигает режиссёр «Аватара»? Он утверждает, что наука к середине 22-го века достигнет такого успеха, что сможет «пересаживать» человека в другое тело. Это уже попахивает не наукой, а религией, причем религией совсем не христианской, а скорее антихристианской. По сути, это гимн всемогуществу науки, величию его величества Человека. Идея эта стара как мир. Ещё в саду Эдемском, сатана, искушая первых людей, предлагал им стать «как боги». Возможность «пересадки» в другое тело (если бы наука реально могла осуществить подобный проект) дала бы возможность открыть человеку двери в… вечную жизнь. Без веры в Бога, без креста Христова, без страданий и смерти. Знай себе – пересаживайся из одного «скафандра» в другой. Пожил в одном теле, надоело, - пожил в другом. Захотел побыть мужчиной – побыл. Захотел побыть женщиной – на-те вам, пожалуйста. Захотел жить вечно – живи в разных искусственных телах.
К счастью, такого не будет. Если человек, как нас учили материалисты, всего-навсего материальный объект без духа и души, то такой проект нереален в принципе. Человек-  это дух, живущий в теле и имеющий душу. Поэтому человеческая плоть, несмотря ни на какие старания, никогда не сможет совершить «пересадку» духа, ибо «невозможное человекам возможно Богу». Джеймс Камерон сочинил  красивую сказку, подав её под соусом «науки», которая (наука) давно заменяет многим людям Бога и, веруя в которую, люди отворачиваются от своего Создателя.
Наряду с явной сказкой про «пересадку» человека в другое тело, «Аватар» содержит ещё один посыл, на этот раз куда более серьёзный – откровенную апологию язычества, причём язычества самого что ни на есть натурального, «махрового». Это касается жизни аборигенов-гуманоидов На’ви посреди природы их планеты. Лазание по лианам, охота, полеты верхом на летающих ящерах сопровождается идеологической подоплёкой постоянной «связи с природой». Причём эта связь представлена так, что каждое живое существо (звери, птицы, ящеры, деревья и сами гуманоиды) имеют специальный орган Тса’хэйлу – набор ворсинок, растущих из волос. При соединении физическим образом этой связи с животным или деревом, живое существо становится «продолжением» самого гуманоида, после чего им можно управлять с помощью мозговых импульсов, слышать «голоса предков» и т.д. А это, с христианской точки зрения, уже очень серьёзно и чревато последствиями. Героиня фильма, Грэйс Огустин – руководитель проекта «Аватар», с пеной у рта доказывает, что связь На'ви с их божеством Эйвой это не религия, а научно доказуемый факт.

Грейс учёный, которая верит только тому, что можно измерить и исследовать. В течении нескольких лет она изучает Природу Пандоры. Накопленный материал сам приводит к определённым выводам, которые с точки зрения землян похожи на фантастику. И к каким же выводам пришла Грейс? Основное – это то, что все формы жизни этой уникальной планеты представляют собой единый живой организм, обладающий сознанием. Даже изучая деревья, она обнаружила наличие единой взаимосвязи между ними, очень напоминающую связи между клетками мозга. К такому заключению она пришла в результате использования находящихся в её распоряжении приборов. Местные жители планеты называют всё то, что она обнаружила, одним словом – Эйва, и в последние минуты своей жизни и Грейс смогла убедиться в том, что Эйва существует.

Исходный посыл язычества, берущий свое начало из древней индуистской философии, звучит примерно так: «все сущее едино, всё есть Бог». В этом фильме мы имеем дело с антихристианской идеей «божественности» всего и вся, превозношением возможностей человеческих технологий, прославлением человека и Матери-Природы как единого «божества». Налицо явная и неприкрытая апология (защита) язычества. Фильм «Аватар» изобилует сценами языческих обрядов поклонения «Древу души», колдовства, магии и фетишизма. Персонаж, который не верит в связь «синих человечков» с Матерью-Природой (по сценарию это олигарх Селфридж – владелец всего проекта разработки месторождений, и самого проекта «Аватар»), выставляется наивным неверующим глупцом, которому группа учёных пытается доказать глубокую «научность» языческих ритуалов На’ви.

Один священник написал о фильме Аватар так: "...При тотальной вере современных людей во «всемогущество» науки и движущую силу «единого божества» - Природы, у зрителя происходит сдвиг «матрицы сознания» в сторону «научности» язычества. Я бы назвал это «наукообразное неоязычество», а по сути – псевдонаучный бред. Остается только гадать: режиссер действительно неоязычник, или выполняет чей-то заказ по изменению сознания? Нам, христианам, нужно быть внимательными и в беседах с неверующими, когда речь будет заходить об этом фильме (Джеймс Кэмерон намерен снять еще две части-сиквела), объяснить, что наука не столь всемогуща, как хочется в это верить. Необходимо дать понять, что человек это больше чем просто тело, - это дух и только Бог даёт ему тело для жизни. Никакие проекты клонирования, создания искусственных тел, не могут сравниться с силой Божьей, явленной Им в тот момент, когда Иисус Христос воскрес из мертвых. Посему, необходимо уповать на Бога и терпеливо ждать того момента, когда Господь «уничиженное тело наше преобразит так, что оно будет сообразно славному телу Его, силою, которою Он действует и покоряет Себе все» (Фил.3:21)."

Вот такие мысли возникли у меня после просмотра этого фильма. Фильм получился,на мой взгляд, антиамериканским, хотя создан в Голливуде. Почему Америка должна диктовать всем, куда идти человечеству? На каком основании Америка бомбила Югославию, Ирак, Ливию?

Успешный прокат фильма "Аватар" убедил Джеймса Кэмерона в необходимости снять продолжение.

Сюжет нового фильма Аватар 2: Недовольные исходом битвы за освобождение планеты, в которой туземцы сумели отстоять свое право на свободную жизнь, главы Корпорации на земле решают вернуть себе контроль над ценными ресурсами Пандоры и с помощью взяток и шантажа получают разрешение на карательную операцию с применением оружия. В Фильме Аватар 2 Готовится внезапный удар, после которого на Пандоре не должно остаться разумной жизни. Разрабатывается план нападения, в результате чего первая группа диверсантов высаживается на планету и создает плацдарм для высадки основных сил. По счастливой случайности в составе отряда есть бывший сослуживец Джейка – Алекс, который и выходит на контакт с другом, раскрывая ему планы врагов. Пандора начинает готовиться к отражению атаки всеми имеющимися у На’ви средствами. Но смогут ли туземцы противостоять на равных солдатам врага, вооруженным по последнему слову техники, получится ли у них предотвратить предательство в своих рядах? Или им придется покинуть Пандору, чтобы нанести неожиданный удар по врагу?

 

И в заключение еще раз о фильме Аватар.

Фильм хороший, добрый фильм с удивительно захватывающим содержанием. Показанный нам мир захватывает настолько и главное так, что когда главный герой наговаривает в дневнике, что землянам просто нечего предложить аборигенам, то с этим соглашаешься! Поскольку видишь, что у на':ви есть такие радости, которых за деньги не купить! И эта мысль при всей внешней сюжетной простоте подается именно красочной реалистичностью мира и эмоций его жителей!

Немного удивляет меня чрезмерное восхищение людей этим фильмом. Конечно, картина взяла зрелищностью. Это история перерождения человека, который осознает, что его народ — агрессоры, что земляне погубили свою Мать — Природу. Не надо бояться сражаться за справедливость и гуманизм.  Второй раз не пойду смотреть Аватар, но Аватар 2 посмотрю обязательно.

Я не могу не отметить, что женщины играли в жизни Джеймса Камерона большую роль. То, что их у него было много, говорит, что работа для него была превыше семейной жизни, а женщины были просто его украшением.

Личная жизнь режиссера всегда была тесно переплетена с кинематографом. Из пяти жен Кэмерона, только его первая жена Шерон Уильямс, с которой он пробыл в браке с 1978 по 1984 год, не была связана с миром кино. С 1985 по 1989 год его женой является продюсер Гейл Анна Херд, с которой они создали первую часть «Терминатора». В 1989 году Кэмерон женится на режиссере Кэтрин Бигелоу. Но спустя несколько лет он разводится и связывает свою жизнь с актрисой Линдой Хэмилтон, которая исполнила роль Сары Коннор в обеих частях «Терминатора». В 1993 году на свет появляется их ребенок Жозефина арчер Кэмерон. Последней женой режиссера становится актриса Сьюзи Эймис, на которой он женится в 2000 году. Этот брак является самым продолжительным и дарит культовому режиссеру троих детей

Вторая жена Камерона . Гейл Анна Херд,была продюсером его фильма.

Г.А.Хард

Хард в буквальном смысле подарила Кэмерону путевку в новую жизнь. После многочисленных отказов от финансирования картины «Терминатор» Джеймс продал Гейл свой сценарий всего за 1 доллар, но при условии, что та даст ему полную свободу действий на съемочной площадке. Поверив в силы Джеймса, Хард согласилась, и не прогадала. Вложенные средства с лихвой окупились, принеся славу как Кэмерону, так и Хард. После успешного старта влюбленные вместе работали над следующей картиной Джеймса — «Чужие». Вскоре их рабочий союз перерос в брак. Фильм «Чужие» оказался даже успешнее своего предшественника — собрав в прокате более 180 миллионов долларов, фильм получил семь номинаций на премию «Оскар». После такого успеха на Кэмерона стали сыпаться предложения одно за другим. Супруги успели поработать вместе и над лентой «Бездна». Но практически сразу после окончания съемок закончилась и супружеская жизнь Хард и Кэмерона.

Едва успев оформить развод, 17 августа 1989-ого года, Кэмерон вновь женится. На этот раз его избранницей становится режиссер Кэтрин Бигелоу. С Кэтрин Джеймс прожил до 1991 года. Кетрин Бигелоу была режиссером его фильма - первая женщина-режиссер, удостоенная Оскара, как "Лучший режиссер" за фильм "Повелитель бури". Правда, это произошло в 2008 году когда она уже рассталась с Камероном.

К.Бигелоу

Вот нравы у бывших жён! Даже через 20 лет после развода они спешат перейти дорогу экс-благоверным. В Лондоне в феврале 2010 года  прошла торжественная церемония вручения премий BAFTA – Британской киноакадемии. Неожиданно для всех Кэтрин Бигелоу унесла с собой шесть наград за картину "Повелитель бури", оставив Джеймсу Кэмерону, создателю "Аватара", всего две "технических" премии.

В 1991 году Кэмерон уходит к своей новой возлюбленной — актрисе Линде Хэмилтон. Познакомились они на съемках первого "Терминатора". Роль Сарры Коннор принесла Линде первый успех. Только через два года Бигелоу и Кэмерон официально оформляют развод.15 февраля 1993 года на свет появляется дочь Линды и Джеймса — Жозефина Арчер Кэмерон. Но официально оформить брак с Хэмилтон Джеймсу удается только в 1997 году.

Л.Гамильтон

Но и рождение дочери не спасает Кэмерона от новой интрижки: на съемках своего культового фильма «Титаник» Кэмерон знакомится с актрисой Сьюзи Эймис, исполнившей в фильме эпизодическую роль внучки Розы. В 1999 году Джеймс разводится с четвертой женой. А 4 июня 2000 года он женится на Эймис. В этом браке у него рождается дочь Клэр Кэмерон (4.04.2001) и близнецы Элизабет Роуз Кэмерон и Куинн Кэмерон (29.12.2006).
Также у Джеймса есть пасынок Джаспер Робардс — сын Сьюзи Эймис от первого брака с актером Сэмом Робардсом.

С 3 по 27 ноября в Манеже проходит персональная выставка Ильи Сергеевича Глазунова, ректора Российской Академии живописи ваяния и зодчества, действительного члена Российской академии художеств, профессора, Народного художника СССР, Почетного члена Королевских Академий художеств Мадрида и Барселоны, Кавалера "Золотой медали Пикассо", награды ЮНЕСКО за вклад в мировую культуру, Лауреата премии Джавахарлала Неру, Лауреата Государственной премии Российской Федерации. И.С.Глазунову всегда хотелось, чтобы имя его звучало и в нашей стране, и во всем мире. Выставка называется "Художник и время".

Сегодня мы посетили эту выставку с большим трепетом, ожидая реминисценции впечатлений прошлого. В предыдущий раз я был на выставке Ильи Глазунова в Манеже в 1979 году. Тогда очередь окольцовывала здание два раза, это был успех запретного явления, к которому проявлен аномальный интерес. а сегодня на выставке народ был, но ажиотажа не было. Да, у меня тоже выставка не оправдала ожиданий.

И почему вечно цепляются к творчеству Ильи Глазунова? Что это все таки за загадочный феномен – Илья Глазунов?
 

В те далекие 80-е известно о Глазунове было мало, но то, что тут мы имеем дело с индивидуальным отклонением от социалистического реализма и партийности, было ясно сразу. Взамен художник получил избыток народности. Фрондерство в те годы было в моде ( Фрондерство - Недовольство кем-, чем-л.; стремление противоречить кому-л., критиковать кого-л.  ) Как сложились идеологические взгляды Глазунова, его антикоммунистическая фронда?

По линии отца Глазунов был из семьи царскосельских купцов с крепкими монархическими убеждениями. Один из дядей по отцовской линии ушел во время войны с немцами и работал с типографии НТС. В 1960-е годы Глазунов установил с этой организацией контакты, сотрудничая с А. П. Столыпиным, который рассказывал о сути Октябрьской революции как погроме России масонами. Семейные идеологические традиции сыграли существенную роль в формировании Глазунова, который в 1960 - 1970-е резко высказывался по поводу Ленина («Сифилитика») и всей его банды: Лейбы Бронштейна, Янкеля Свердлова, Железного Феликса, «Гуталина» (Сталина) и др. Отмечена и роль жены Глазунова, Н. Виноградовой-Бенуа (1936 – 1986), которая имела крайние политические убеждения.[ см. статью Золотоносова ]. Ниже я процитирую несколько выдержек из этой статьи, которая ближе всего отражает мое отношение к увиденному сегодня в Манеже.

А уж окончательно взгляды Глазунова сложились в семье его покровителя Сергея Михалкова, православного дворянина, сочувствовавшего русским националистам. Жена С. Михалкова содержала салон, в котором эти националисты паслись. Это было целое течение, которое принято именовать «русской партией». Она имела опору и в верхах КПСС, и в верхах ВЛКСМ. Примыкая к этому течению, Глазунов ощущал единомышленников, его живопись встраивалась в эту систему взглядов.

Вместе с идеологией Глазунов шлифовал и свою эстетическую доктрину, опиравшуюся не только на скандальный антисемитский роман Ивана Шевцова «Тля» (завершен в 1956 году, опубликован в 1964-м), направленный против живописи авангарда как «дьявольской еврейской проделки», но и на идеи Макса Нордау из его основополагающего труда «Вырождение» (1892), в котором он выступил против дегенеративного искусства. Причем высказывания Глазунова об авангардной живописи очень быстро и очень четко приобрели ту характерность, которую «дегенеративное искусство» приобрело в нацистской пропаганде, где оно стало синонимом авангарда и понималось как антиклассическое, еврейско-большевистское и потому опасное для арийской нации. К дегенеративным причислялись импрессионизм, дадаизм, кубизм, фовизм, сюрреализм, экспрессионизм.

Иными словами, в подтексте реалистической приверженности Глазунова оказалось идеологически фундированное неприятие любой нефигуративной живописи, у которой подразумевались (хотя и не всегда назывались вслух) определенные национальные корни. И отношение к этим корням и «нерусской» живописи было агрессивным.

Возвращаясь к началу, следует сказать, что аномальный интерес к ленинградской выставке 1979 года был вызван именно аномальностью тогдашней идеологии художника. Тогда это было необычно, и все понимали, что если организована экспозиция в Манеже, значит, во-первых, среди идеологов КПСС нет единства, а у художника рука в ЦК и/или в КГБ; во-вторых, у «русской партии», у националистов, которых попытался было осудить А. Н. Яковлев (за что был изгнан из отдела пропаганды ЦК КПСС, где в 1970 – 1973 годы служил заведующим), влияние очень сильное. Таким образом, в 1979-м к Глазунову сформировался интерес как к явлению инакомыслия, отклонению от обязательной для всех нормы.

Что касается собственно живописи, то Глазунов закрепил за собой несколько качеств, которые специалистам позволили уверенно отнести его к явлению кича. Стиль слащавый, изображение искусственно приукрашенное, нарядное; одинаковые огромные глаза; очень много компиляций чужих полотен и фотографий; обилие примитивных, легкочитаемых политических/идеологических аллегорий, легко сползающих в плакатность; тяга к гигантским полотнам аллегорического свойства при одновременном неумении выстроить многофигурную композицию, превращающуюся в винегрет; демонстративный отказ от решения пластических и живописных задач – в общем пафосная идеологическая клюква, которая, естественно, легче воспринимается девственным сознанием, чем Брак, Кандинский, Дали, Филонов или Фальк.

Можно еще долго перечислять все эти свойства, но это давно сделано – могу, например, сослаться на статью Марии Чегодаевой 1980-х годов, тогда циркулировавшую в самиздате, или на заметки Дмитрия Хмельницкого, написанные в 2004-м ( http://den.olgin.ru/public.php?public=121). Я лишь бегло напомнил об этих кичевых свойствах работ Глазунова потому, что на нынешней выставке они, естественно, тоже присутствуют. (из нем. Kitsch — "поделка, дешевка").

Дмитрий Хмельницкий, исследуя феномен Глазунова сказал просто. "...Он принес в русскую живопись то, чего безуспешно добивались от нее теоретики и идеологи соцреализма. Он дал ей вульгарность. Живопись Глазунова вульгарна со всех точек зрения: прямолинейно вульгарны его сюжеты, вульгарен стиль - многозначительно-слащавый, вульгарен метод - примитивно-компилятивное перерисовывание чужих композиций и фотографий. Полотна Глазунова о-о-чень красивы, идеологически насыщены, понятны всем и зовут к борьбе. Они полностью свободны от совести и вкуса. Можно сказать, что его творчество - это полная и окончательная, хотя и слегка запоздалая, победа соцреализма Впрочем, может и не запоздалая вовсе. Может быть, на роду было соцреализму написано, что его стиль и метод обретут истинное воплощение в сочетании не с коммунистической идеологией, а с национал-патриотической."

Перед окончанием Ленинградского художественного института имени Репина Глазунов выдвинул в качестве дипломной картину «Дороги войны», в которой он отразил свои личные воспоминания. Руководство в полном составе отказало студенту, поместив произведение в категорию «антисоветщины». Разве можно изображать не победу, а поражение и отступление советской армии? Таким образом, уже студентом Глазунов выпал из обоймы художников «советского» искусства.Что оставалось делать Глазунову? - Искать свой собственный стиль, который бы ублажал власть. Выставить свою работу Илья Сергеевич сумел лишь в 1964 году, в Манеже, после чего экспозицию закрыли, а картину уничтожили. Безумное сожаление вызывает тот факт, что мы не в состоянии теперь увидеть оригинала, но посмотреть на воссозданную картину возможно: в 1980-х гг. Глазунов восстановил это поистине монументальное произведение.

Дороги войны

На мой взгляд, эта групповая картина-портрет довольно достоверно отображает драматическую обстановку военного времени: когда вражеские войска активно наступали и оккупировали огромные территории страны; когда не было еще ни победы под Сталинградом, ни Курской дуги и в душе царили ужас и тревога за свое будущее, будущее своих детей; когда главным было - спастись в этой страшной сумятице и не попасть под оккупацию, где жизнь обесценивалась до нуля. Вот такую дорогу - дорогу войны, отступления и надежды изобразил в своем произведении Глазунов. Вряд ли официальная идеология могла назвать подобную картину отвечающей принципам соцреализма, если сюжета картины не должно было быть в реальности... Зато сейчас с уверенностью можно сказать, что работа художника полностью отвечает морально-нравственным принципам, принципам правды и настоящего реализма. Но эта картина определила его дальнейший путь.

В 1979 году картина «За ваше здоровье» (1974) стала сенсацией.Меня она тоже поразила. Добрые глаза старика, орден Славы на груди уже никому ненужного ветерана. Теперь другие герои!

Меня тогда много лет назад эта картина чем-то тронула.

А потом где-то в период перстройки я увидел картину И.С. Глазунова "Мистерия ХХ века"

И честно говоря, ничего не понял. Откуда какое-то некрофильство? Зачем Глазунов выкопал из могил по его мнению великих, и смешал в кучу и Ленина, и Гитлера (у него он в самом центре), и Эйнштейна, и Маяковского, и Хемингуэя, и Чарли Чаплина, и Мао Цзе-Дуна? Себя он тоже не забыл изобразить (Как хочется Глазунову причислиться к лику великих). Кстати, из художников на этой картине он изобразил только себя.

Самого главного тирана и убийцу ХХ века - ГИТЛЕРА, унесшего более 20 миллионов человеческих жизней, он написал на почетном месте в самом центре полотна с нацисткой символикой над головой, да еще стоящим и возвышающимся над гробом Сталина, как над поверженной Россией.И вообще все это выглядит,как торжество фашизма. И это тоже не случайно. Может, и Сталину отведена такая же роль в истории?

До Мистерии ХХ века Глазунов собрал мертвецов еще на одной картине, которая называлась "Вечная Россия".

Эта картина не такая мрачная, как Мистерия ХХ века, но именно эти две картины являются апофеозом творчества Глазунова.

И на выставке в Манеже в Петербурге художник представил еще две картины того же сомнительного качества, которые я бы объединил под одним названием - ПЛАЧ  РОССИИ.

Одну из них он назвал – «Рынок нашей демократии» (1999) и «Раскулачивание» (2010). Первая из них – «самая идеологическая». Фактически она подводит итог правлению Ельцина, который изображен на картине в состоянии алкогольной интоксикации, дирижирующим, но почему-то не сделан композиционным центром, а затерт обилием прочих изображений. Рядом с Ельциным – Павел Грачев, лучший министр обороны всех времен – очевидно, намек на войну в Чечне и коррупцию в армии. Справа, у края картины – сам Глазунов с плакатом на шее: «Где вы, России верные сыны?» Понятно, что, кроме Глазунова, таковых нет. На первом плане объявление: «Продаем русских детей. 1. На трансплантацию…» Слева у края картины некто с опущенной головой, чтобы не видно было лица, в очках в золотой оправе и в черном костюме. На шее плакат: «Куплю Россию». Пенсионерки шепчут друг другу: «Березовский!..» Тут же на картине какие-то несчастные люди с плакатом на груди: «Помогите русским беженцам. В России нас миллионы». Публика радостно рокочет, разговоры сворачивают на величину пенсий, рост квартплаты и цен в магазинах. Это изобразительный аналог смеси из «Советской России» и прохановского «Завтра».

На мой взгляд, это не живопись, а набор комиксов с плакатами на груди вместо пузырей изо рта, только комиксы представлены не на журнальной странице в последовательности, а на одном холсте. Однако умения построить многофигурную композицию у Глазунова не было никогда, тем более нет и сейчас. Нет центра, нет «флангов», гомогенная масса голов и туловищ, каждое по отдельности со своей подписью-плакатом.

Вторая большая картина, представленная на выставке - «Раскулачивание»  - это 4 или 5 картин в одной, которые механически соединены на одном полотне, в одной раме. Несмотря на гигантские размеры и всякие сценки, ощущения трагизма не возникает, вообще никаких ощущений не возникает, потому что без композиции, т.е. без визуального центра, без соблюдения принципов визуального обхода и прочей живописной премудрости нет картины. Это даже не кич, это просто  бессистемное собрание отдельных иллюстраций. Кстати, безэмоциональная иллюстративность – неотъемлемая принадлежность кича.

Мне больше нравится иллюстрации Глазунова к  Достоевскому.

Блок с Незнакомкой «сфоткались» на фоне Зимнего дворца, в проеме арки Главного штаба. Место совсем не блоковское, но зато «туристическое», продаваемое и узнаваемое, открыточное. Тяга к визуальным стандартам так сильна, что Глазунов ее даже не осознает.

Послушайте стихотворение Блока о Незнакомке. Разве картина не должна отражать стихи?

И веют древними поверьями
Ее упругие шелка,
И шляпа с траурными перьями,
И в кольцах узкая рука.
И странной близостью закованный,
Смотрю за темную вуаль,
И вижу берег очарованный
И очарованную даль.
Глухие тайны мне поручены,
Мне чье-то солнце вручено,
И все души моей излучины
Пронзило терпкое вино.

Раз уж заговорили про Блока, то в ряду картин еще одна была навеяна стихотворением Блока "Христос! Родной простор печален!"

Христос, родной простор печален
Изнемогая на кресте
И будет челн ли твой причален
К моей распятой высоте

А еще одна странная картина называется "Закат Европы"
И нет конца! Мелькают версты, кручи...
Остановись! Идут, идут испуганные тучи,
Закат в крови! - это тоже Блок

"Закат Европы", где изображен печальный Пьеро, а за его спиной

Эта картина напомнила мне одну книгу, которую я читал с удивлением лет 30 назад.

В своей книге «Закат Европы», наделавшей когда-то много шума, чрезвычайно неординарный философ и историк первой трети прошлого столетия Освальд Шпенглер ничего хорошего континенту не предвещал. И дело не только в том, что книга увидела свет в 1918 году, что называется в отблесках пожара Первой мировой. Шпенглер имел в виду вовсе не политическую составляющую европейского апокалипсиса, а прежде всего историко-культурные метаморфозы (впрочем, этот подход философ-историк использовал для анализа всех предыдущих цивилизаций).

Еще никто толком не оприходовал европейские ценности, и потому в их число каждый волен включать всё в меру своей фантазии, начитанности или испорченности. И поэтому наши политики вкупе с идеологами неустанно, доведенными до автоматизма движениями перебирают, словно чётки, эти самые ценности.

Разумеется, упомянутые ценности должны иметь свои истоки, уходить, как говорят, в глубину веков, но поскольку не измеряются в валюте или в каратах, придется окунуться в историю. Это пытается делать Илья Глазунов.

Освальду Шпенглеру было потруднее, поскольку он вел отсчет от древнейших времен. Но тогда и Европа-то существовала чисто географически, если не принимать во внимание Европу, дочь финикийского царя Агенора, которая была похищена, согласно древнегреческой мифологии, Зевсом (превратившимся по этому случаю в быка). Если же брать, скажем, средневековье, то Западная Европа по многим показателям, которые могут быть отнесены к понятию ценностей, вряд ли была примером для восточно-европейских краев. Скорее наоборот: существует немало исторических свидетельств того, что восточные славяне в интеллектуальном смысле (если такое понятие применимо к тем временам) превосходили западных европейцев. Вспомним хотя бы новгородские берестяные грамоты, многие из которых были примерами личностного общения – чем-то вроде нынешних эсэмэсок,

Новейшее время обогатило копилку европейских ценностей абсолютным приматом безудержного потребления, что не только заложило многочисленные бомбы замедленного действия в мировую экономическую и финансовую систему, но и изъязвило массовое сознание и культуру до такой степени, что сейчас нелегко докопаться до истинных причин того заката Европы, о котором наивно писал сто лет назад Освальд Шпенглер. Ко всему этому добавилось извращенное понятие политкорректности и этнической толерантности, что – теперь уже отчетливо видно – в недалеком будущем коренным образом изменит благостное лицо послевоенной Европы. И рассвет, который всегда приходит на смену закату, явит нам и пришедшим после нас новый европейский лик – с рубцами и имплантами, демографическими, этническими, религиозными -- которые уже невозможно будет закамуфлировать никакими новейшими румянами.

Глазунову везде мерещатся массоны, также как и Достоевскому. И горящий Белый дом тоже из этой серии.

Обнаженка тоже присутствует у Глазунова.

Русская Венера

Не совсем понятно, зачем художник изобразил красную урну слева от купальщицы.

«Обнаженная на красном диване» (1986)

Это в некотором смысле – повторение картины А. Дейнеки «Натурщица» (1936), только хуже. Глазунов ню написал плохо, не умея передать игру света и тени, подчеркнуть объем тела и его складки, поэтому за окнами у Глазунова ночь, чтобы не было света и рефлексов, а тело плоское, как из фанеры.

Зато если у Дейнеки голова справа, то у Глазунова слева. У Дейнеки женщина изображена к зрителю спиной, у Глазунова лицом. Но диван в обоих случаях красный, узкая горизонтальная полоска окон тоже точно списана с Дейнеки. Правда, у Дейнеки женщина смотрит в окно, а у Глазунова кто-то подглядывает из тьмы в окно и видит голую женщину со спины. И еще одно отличие: Глазунов зачем-то посадил на диван черного кота. В чем смысл этого повтора – неясно. Но цитатность – стиль Глазунова.

Это Дейнека

А это Глазунов, УТРО

Нельзя все хаять. Особенно хорошо Илье Сергеевичу удаются портреты его самого, любимого.

Этот портрет, ну чем плох? А вот эта акварель мне тоже очень понравилась.

Неудержимая тяга к кичу сыграла с Глазуновым плохую шутку. Кич обречен, особенно когда идеология перестет быть интересной отдельно от картинок. Век Глазунова умер раньше него. Ему обидно, вот он сделал эту выставку, чтобы напоследок урвать звание Почетного гражданина Санкт-Петербурга. В зале идет сбор подписей подобращением Глазунова с питерцам - изберите меня!

Второй этаж Манежа

Весь второй этаж занят фотографиями, на которых Глазунов изображен один и с кем-то еще. Вот он с Путиным В. В., вот с Полтавченко Г. С. и Алексием II. Вот опять с Путиным. Еще с женой Медведева Д. А. Где-то подальше, в углу, с Ельциным и Лужковым. И так далее.

Все фотографии мертвые, постановочные, а Глазунов на них всегда изображен в застылой важной позе Хлестакова, которого приняли за главнокомандующего.

Гораздо приятнее смотреть было его детские и юношеские фотографии, когда он еще дружил с мечтой.

Глазунов может быть и другим, таинственным, но такого себя он не хочет демонстрировать

Вот такой грустной у нас получилась прогулка на выставку. До свидания Илья Сергеевич. Ваше имя и творчество оставило след в моей жизни. Мне нравится ваше творчество, несмотря на те замечания, которые сегодня прозвучали. Кич и лубок тоже имеют право на существование. Это тоже искусство.

Малый зал Филармонии
16 ноября 2011 года
Среда 19:00

Виктору Лисняку летом исполнилось 65 лет

И в честь этого юбилея состоялся сегодня концерт «СКРИПКА В АНСАМБЛЯХ» В 1 отделении Виктор исполнил вместе с пианистом из Кореи (Хонсик Ким) Три романса Шумана и Сонату №1 Брамса.

Во втором отделении играл
СТРУННЫЙ КВАРТЕТ имени И. Ф. СТРАВИНСКОГО, одним из создателей которого около 20 лет назад был Витя.

Они играли

ГЛИНКА. Сомнение
ХЕЙДРИХ. Вариации на тему "Happy Birthday”
ХИНДЕМИТ. Музыкальная шутка.
«Увертюра из оперы «Летучий Голландец»,
сыгранная любительским оркестром у городского фонтана
в семь часов утра с листа» для струнного квартета
ДВОРЖАК Юмореска
ШУБЕРТ Музыкальный момент

О музыке позднее. Сначала я расскажу о Викторе.

Виктор Давидович Лисняк родился в 1946 г. в Ленинграде. С отличием окончил музыкальное училище при ЛОЛГК и Ленинградскую консерваторию им. Н.А.Римского-Корсакова по специальности «cкрипка» и ассистентуру-стажировку по специальности «rвартетное исполнительство».

 С 1968 года по настоящее время - артист Академического симфонического оркестра Санкт-Петербургской филармонии, заместитель концертмейстера группы вторых скрипок.

 Виктор Лисняк - участник струнного квартета им. И.Ф.Стравинского. В составе квартета гастролировал в США, Японии, Корее, Англии, Ирландии, Швейцарии, Германии, Франции и др. странах. Записал более 15 дисков ансамблевой музыки.

 Проводил мастер-классы во Франции, Японии, Ирландии. Вел класс струнного квартета в Санкт-Петербургской консерватории и класс скрипки в Смольном институте свободных искусств и наук. Среди его учеников - лауреаты международных конкурсов П.Попов, С.Левитин, О.Челпанов и др.

Это то,что написано онем на сайте ФИЛАРМОНИИ

С Витей мы знакомы уже много лет. С ним всегда интересно поговорить о музыке, о жизни,  о разных странах, о музыкантах.

Квартет им.Стравинского

Стоят слева направо: Александр Шустин (1 скрипка), Даниил Меерович (альт), Виктор Лисняк (2 скрипка)
Сидит Семен Коварский (виолончель)

Виктор Лисняк был одним из организаторов в 1992 году струнного квартета, который назывался сначала "Новым филармоническим квартетом". Квартет сразу начал гастролировать по миру - Корея (1993), США (1994), Япония (1994, 1997Ю1998), Нидерланды (1996), Швейцария (1996), Литва (1997),Швеция (1998) Турция (1998), Латвия (1999)

В 1999 году по рекомендации Санкт-Петербургской Филармонии, Союза Композиторов Санкт-Петербурга, Русского музея и Мстислава Растроповича Квартету было присвоено имя Игоря Стравинского.

Надо заметить, что это второй квартет, который организовал Виктор. Первый СТРУННЫЙ КВАРТЕТ Санкт-Петербургской филармонии был создан в 1973 году по инициативе артистов Академического симфонического оркестра филармонии. В первые годы деятельности в нём играли известные музыканты - А.Рихтер, В.Лисняк, В.Альтшулер и С.Чернядьев. В течение короткого времени коллектив занял одно из ведущих мест в камерной музыкальной жизни Петербурга.

Играет Юмореску Дворжака не квартет Стравинского, а молодые его ученики

Квартет великолепно сыграл Музыкальную шутку Пауля Хиндемит "Увертюра к "Летучему голландцу",как её играет плохой курортный оркестр в 7 часов утра с листа у фонтана".

Это апофеоз всех музыкальных шуток Хиндемита. Но я представляю, как нелегко всё это учить, ибо специально играть плохо - это надо постараться, ведь нас всех учили играть хорошо. А вся эта дикая фальшь и прочие "загогулины" тщательно выписаны в нотах. Уверяю, само собой плохо играть получается легче, и сыграть "это" намного сложнее, чем сыграть настоящую увертюру!

И завершим все поздравлением Маэстро от одного из его друзей

                    Поздравление Музыканту


Сегодня много музыки звучит вокруг,
Её для Виктора играют всем квартетом;
Лисняк выходит вечером на сцены полукруг…
А Петроградка шлёт ему приветы.

Квартет Стравинского как дом родной,
И в Малом зале Филармонии старинной,
Ансамбль букетом звуков как волной
Накроет всех волшебной пелериной.

Живите Виктор долго и богато!
Пусть Вашу голову заботят лишь седины;
Играйте словно Паганини все легато,
По Монтеверди пиццикато,
        А для души - «стаккато клином»! (staccatissimo)
 
   СПб. 16-11-2011
   TSV

_______________________________

Примечания:

1. Скри́пка — смычковый струнный музыкальный инструмент высокого регистра. Имеет народное происхождение, современный вид приобрела в XVI веке, получила широкое распространение в XVII веке. Имеет четыре струны, настроенные по квинтам: g, d1,a1,e² (соль малой октавы, ре, ля первой октавы, ми второй октавы), диапазон от g (соль малой октавы) до a4 (ля четвёртой октавы) и выше. Тембр скрипки густой в низком регистре, мягкий в среднем и блестящий в верхнем.

2. Происхождение и история.

Прародителями скрипки были арабскийребаб, испанскаяфи́дель, британская кротта, слияние которых и образовало виолу. Формы скрипки установились к XVI веку; к этому веку и началу XVII относятся известные изготовители скрипок — семейство Амати. Их инструменты отличаются прекрасной формой и превосходным материалом. Вообще Италия славилась производством скрипок, среди которых скрипки Страдивари и Гварнери в настоящее время ценятся чрезвычайно высоко.

Скрипка является сольным инструментом с XVII в. Первыми произведениями для скрипки считаются: «Romanesca per violino solo е basso» Марини из Брешии (1620) и «Capriccio stravagante» его современника Фарина. Основателем художественной игры на скрипке считается Арканджело Корелли; затем следуют Торелли, Тартини, Пьетро Локателли(1693—1764), ученик Корелли, развивший бравурную технику скрипичной игры.

3. Все про скрипку вы узнаете здесь

ПОЗДРАВЛЯЕМ ВИКТОРА ДАВИДОВИЧА ЛИСНЯКА С ДНЕМ РОЖДЕНИЯ !!!

Мы решили прокатиться до Финляндии. Мой племянник недавно купил дом в Иматре, и мы решили его посмотреть.

На гербе Иматры на красном фоне изображены три серебряные молнии с золотыми наконечниками, что должно означать, что город обязан своим основанием и благополучием строительству гидроэлектростанции на реке Вуоксе. Существует и другая версия, согласно которой молнии – это напоминание о древних рунах, легших в основу эпоса «Калевала»: ведь именно здесь, в районе Иматры находилась кузница Иламаринена, создателя чудесной мельницы Сампо.

Все туристические фирмы называют Иматру жемчужиной Финляндии. Вот и устремились толпы наших туристов в этот рай. Но почему не создать такой же райский уголок где-нибудь под Приозерском, или в Белозерском крае, или под Питером, или под Москвой? В Иматре построен спа-отель. Что нельзя построить такой же где-то поближе? Нет, наш человек хочет испытать на себе финскую культуру. Нашему человеку не нравится русское хамство. У нас нет плебеев, все хотят быть патрициями. В этом-то и дело. Потому и есть разница в обухоженности лесов, полей и рек у нас и в той же Финляндии. Приятно смотреть на бумажный комбинат в Иматре. И грустно смотреть на такой же комбинат в Светогорске, что рядом с Иматрой. Убожество грязных корпусов Светогорского комбината, убожество наших приграничных домиков, где живут наши люди контрастирует с финскими ухоженными городами. У нас тоже водится прекрасная рыба в Онежском, Ладожском и Белом озере, но мы предпочитаем съездить в Финляндию и там купить палтус, форель, семгу, осетра. Ведь на гербе Белозерска две перекрещенные стерляди. Белозерск поставлял стерлядь к столу его Императорского величества. А теперь в Белозерске закрыли даже рыбозавод. Мы завозим из Финляндии масло коровье Валио, а когда-то брат художника Верещагина в Белозерске создал производство Вологодского масла, которое под названием Петербургского было известно во всей Европе. А теперь нет Вологодского масла, секрет утерян. А секрет прост - вложить душу.

Местность, на которой сейчас располагается город, была обитаема еще со времен каменного века. Первое упоминание о водопаде на Вуоксе относится к XVI веку, когда лов лосося был обложен специальными податями. Эти земли носили название Пелкола. И сейчас это название можно встретить на карте – здесь находится сам погранпереход.

В 1887 году эти земли были выкуплены компанией "Энсо-Гутцейт", которая построила бумажный завод. Одна часть его находится в Иматре, а другая часть после финской войны и последующей за ней второй мировой  отошла к Советскому Союзу. Заводской поселок на нашей территории  был переименован в Светогорск и получил статус города.

Этот завод в Иматре до сих пор работает, выглядит чистым и ухоженным, а в Светогорске завод уже дышит на ладан, а Светогорск в грязи и запустеньи в отличие от Иматры

Одновременно с ним из промышленной зоны Энсо, прихода Jääski (той его части, что осталась в Финляндии; русская была переименована в Лесогорский), промзоны Руоколахти и части Йотсено был образован новый населенный пункт Иматра, получивший статус города в 1971.

В общем, Иматра – современный город. Поэтому из достопримечательностей (кроме водопада, замка-отеля и аквапарка) можно выделить лишь немногие:

В рекламном проспекте об Иматре написано немного. Итак, едем в Иматру

Из Петербурга до Иматры всего 200 км. По Выборгскому или по Приморскому шоссе едем до шоссе "Скандинавия" (у меня язык не шевелится назвать "Скандинавию" автобаном). После Выборга (он остается слева) едем либо в сторону Хельсинки и Лаперанты (ТПП "Брусничное") или в сторону Светогорска (ТПП "Светогорск"). Но на развилке лучше набрать в Интернете www.granitsa-online.com и посмотреть очереди на таможню. И в зависимости от количества машин на границе поехать в ту или другую сторону.

Иматра– расположена на юго-востоке Финляндии. В 7 км от Иматры, с другой стороны границы расположен российский город Светогорск. Река Вуокса – протекающая через город подарила ему главную достопримечательность этого региона - водопад. Сюда, в верховья реки Вуокса, текущей из озера Сайма в Ладогу, в 1772 году приезжала любоваться бушующим водопадом Екатерина Великая.

В городе Иматра расположен аквапарк «Волшебный лес», где Вы сможете отлично провести время. В аквапарке есть бассейн с эффектом грозы и дождя, минибассейн, горка для детей, сауны, турецкая баня, джакузи, гидромассаж. Кроме аквапарка, в Иматре есть водный спа центр «Imatran Kylpylä Spa» (Иматра Кюльпюля Спа), где есть два бассейна, каскады, джакузи, гидромассаж, солнечная терраса, финская сауна, турецкая баня, тренажерный зал, настольный теннис и другие виды отдыха. Spa-центр в Иматре предлагает водолечение и оздоровительные процедуры: массажи, травяные ванны, ингаляции, акупунктуру.

Кроме аквапарка и спа центра, город интересен своими достопримечательностями: Церковь Трех Крестов, Православная церковь Святого Николая Чудотворца, Музей Изобразительных Искусств, Музей Карельская ферма XIX века, Музей рабочих.

Любители шопинга, также смогут с пользой провести время в Иматре, в торговом центре «Koskentor».

Зачем едут в Иматру:

• Аквапарк и спа центр.
• Отдых на природе.
• Достопримечательности.
• Шопинг.

Отдых:

• Аквапарк «Волшебный лес».
• Спа центр «Imatran Kylpylä Spa» (Иматра Кюльпюля Спа).
• Коттеджи.

Достопримечательности:

• Водопад.
• Церковь Трех Крестов.
• Православная церковь Святого Николая Чудотворца.
• Музеи.

Главное, что русские туристы покупают в Финляндии - это рыбные деликатесы.

Рыбный магазин Disa's Fish  пользуется большой популярностью у наших туристов. Ассортимент и качество данных магазинов способны удовлетворить даже самый взыскательный вкус: раки, икра, свежая и копченая рыба, а также, другие продукты рыболовства. Кроме всего прочего, магазин работает так, чтобы каждый мог увезти продукцию, обработанную по его желанию. При Вас могут засолить свежее филе, если Вы хотите видеть процесс. Также, могут продать рыбу целиком, а могут разделать ее, так как Вы пожелаете.

Могу засвидетельствовать, такого вкусного палтуса горячего и холодного копчения, Семги и форели горячего и холодного копчения вы нигде не найдете.

Своему возникновению и развитию Иматра обязана водопаду Иматранкоски, расположенному неподалёку от того места, где начинается Вуокса, вытекая из Сайменского озера. Образовался водопад около 5–6 тысяч лет тому назад, когда воды переполнившейся Саймы прорвали подпирающую это озеро с юга горную гряду Салпаусселкя. Поток сайменской воды устремился в Вуоксу, западная часть русла которой в районе нынешнего Выборга давно уже стала пересыхать из-за продолжавшегося многие тысячи лет медленного, но неуклонного подъёма суши. Вуокса изменила направлениие течения и стала отныне нести сайменские воды в Ладогу.

Это и есть знаменитый водопад в Иматре

Река Вуокса, протекающая через город, подарила ему главную достопримечательность – водопад. Считается, что туризм в Иматре начался с посещения водопада императрицей Екатериной Великой и её свитой в 1772 г. Вскоре у петербургской знати вошло в моду «прокатиться на порог».
Возле водопада был создан парк, который по повелению Императора России и Великого князя Финляндии Николая первого в 1842 году стал первым заповедником страны.
Возле моста, перекинутого через водопад, установлен довольно таки необычный монумент в виде полускрытой в воде, как бы исчезающей женской фигуры. Он называется ‘Imatran Impi’ или ‘Дева Иматры’ и посвящён многочисленным жертвам водопада. Дело в том, что на рубеже XIX и XX веков появляется довольно странный обычай: чуть ли не со всей Европы съезжаются в Иматру самоубийцы, мечтающие покончить с собой, бросившись в клокочущие воды Вуоксы. И Дева Иматры, наяда, жестокая богиня водопада, раскрывает им свои объятия, как бы заманивая, подобно русалке, в водную пучину. Кстати, само финское слово ‘impi’ и обозначает русалку или утонувшую девушку, которая получает некую посмертную жизнь в поглотивших её водах.

Быстрый поток Вуоксы в Иматре не замерзает даже в самые лютые морозы. Поэтому здесь в 1929 году, была построена гидроэлектростанция, которая в 30-е годы была крупнейшей электростанцией Европы.

Но если раньше грандиозное природное явление можно было наблюдать в естественном виде, то после строительства гидроэлектростанции водопад Иматры превратился в туристский аттракцион.
Электростанция в Иматре
В 1922 году начались строительные работы электростанции в г.Иматра. Над этим проектом работали почти 1000 человек. После трудной работы первый механизм запустили в 1928 году, а первое подключение к электроснабжению было уже в следующем году. Электростанция в Иматре возросла за эти годы. В настоящее время электростанция является самой большой электростанцией в Финляндии. Выставочный зал электростанции открыт для публики с 28.6 по 15.8 ежедневно с 11.00 до 17.00.

Отель-замок "Валтионхотелли",

Церковь Трех Крестов спроектировал академик Алвар Аалто  (из 103 окон церкви только 2 имеют одинаковую форму) и она была построена в 1957 году. Епископ Миккели Мартти Симойоки освятил церковь в 1958 году. Название происходит от трёх крестов, изображённых на алтаре и означающих кресты Голгофы.

Необычная форма как бы вырастающего из земли храма обыгрывает излюленный Аалто образ волны (фамиля ‘Аалто’ означает в переводе с финского ‘волна’), а стоящая чуть в стороне колокольня напоминает вонзившуюся в землю остриём стрелу.

Выдающийся представительфункционализма в архитектуре, финский архитектор Хуго Алвар Хенрик Аалто по-новому применил принципы функционализма и выработал свой особый архитектурный стиль. Алвар Аалто заложил в качестве ведущего принципа проектирования своих сооружений органичное единство постройки и окружающей природы. Он использовал условия местности, подчиняя формы здания особенностям ландшафта.

Аалто говорил: «Современная архитектура рациональна только с технической точки зрения, и ее основной недостаток состоит в том, что рационализм не проник в архитектуру достаточно глубоко. Она должна быть функциональной, прежде всего с человеческой точки зрения, а не с точки зрения техники.»

Алтарь церкви трех крестов

Деревянная церковь Николая Чудотворца была возведена в 1956 году известным архитектором Альваром Аалто.

А теперь мы поговорим немного о двух войнах, где столкнулись интересы России и Финляндии.

13 марта 1940 года закончилась «зимняя война» Финляндии с СССР 1939-1940 года.

В Иматре находится культурно-исторический дом-музей, в котором представлена финская история прошедших войн 1939-1945 годов, период завоевания финской территории Швецией и Россией. Здесь проводятся экскурсии на финском, английском и русском языках.

Финны помнят историю и не хотят её повторения. 27 апреля в Финляндии отмечается день ветеранов «зимней войны». В СССР эту войну 1939-1940 долгое время называли «неизвестной войной». А для финнов это трагедия национального масштаба.

Надо заметить, что Финляндия почти 600 лет входила в состав королевства Швеции. Только с 1809 года вся Финляндия входит в состав Российской империи.
Благодаря В.И.Ленину финны обрели долгожданную независимость. Возможно, именно поэтому в Финляндии существует музей Ленина.
6 декабря 1917 года финский сенат объявил Финляндию независимым государством. 4 января 1918 году ВЦИК РФ постановил признать независимость Финляндии.
Однако после этого в Финляндии началась гражданская война. Фактически это была первая советско-финская война, которая длилась до 1920 года. По Тартускому мирному договору граница определялась в 32 километрах от Петрограда (Ленинграда), что в будущем послужило причиной войны 1939-1940 года.

Сталин хотел избежать войны с Финляндией. Он говорил: «Поскольку Ленинград передвинуть нельзя, придётся отодвинуть от него подальше границу»… «Ленинград представляет процентов 30-35 оборонной промышленности нашей страны и, стало быть, от целостности и сохранности Ленинграда зависит судьба нашей страны».
Сталин шёл на уступки, предложив в обмен территорию вдвое большую, а вместо аренды полуострова Ханко предлагал купить его или, даже, вместо него арендовать какие-нибудь прибрежные острова у Финляндии.
Но финны отказались от всех предложений Сталина.

30 ноября 1939 года СССР напал на Финляндию без объявления войны! Официально война так и не была объявлена. Сталин предлагал называть это пограничным конфликтом. Но СССР был назван агрессором и исключён из Лиги Наций.

На Карельском перешейке до сих пор сохранились остатки «линии Маннергейма». В общей сложности она состояла из 130 долговременных огневых сооружений, которые были расположены по линии длиною около 140 км от берега Финского залива до Ладожского озера.

К началу войны финская армия имела 265 тысяч солдат, а Красная армия – 425 тысяч солдат. У финнов было 534 орудия, у Красной армии – 2876. У финнов было 26 танков, у Красной Армии 2289. Самолётов у финнов было 270, у Красной Армии 2446.

Однако, несмотря на численное преимущество, войска Красной Армии не достигли быстрой победы. Финны обороняли родную землю до последней возможности. Вокруг озёр на Карельском перешейке ещё можно встретить финские окопы и блиндажи. Хороший финский фильм «Зимняя война» убедительно показывает трагедию тех лет.

Наступательная кампания была возможна только зимой, когда замерзали многочисленные реки и озера. Финны успешно вели партизанскую войну против моторизованных колонн Красной Армии. Небольшие автономные отряды финских лыжников, вооружённых автоматами, нападали на двигавшиеся по дорогам войска, преимущественно в тёмное время суток, а после нападений уходили в лес, где были оборудованы базы.

Наибольшую опасность представляли снайперы-«кукушки», которые вели огонь с деревьев. Главной целью финских снайперов были не только командиры, смерть которых превращала войска в неуправляемые толпы, но и полевые кухни, уничтожение которых резко ослабляло боеспособность красноармейцев.

Наступающие соединения Красной Армии постоянно оказывались в окружении и прорывались назад, нередко бросая технику и вооружение. Теряя десятки тысяч убитыми и обморожёнными, Красная Армия застряла в финских лесах.

Война закончилась через 3 месяца и 12 дней. Заключение мира было вызвано осознанием факта, что попытка насильственной советизации Финляндии натолкнётся на массовое сопротивление финского населения и опасностью англо-французской интервенции в помощь финнам. На стороне финнов воевало около 11,5 тысяч иностранных добровольцев, большей частью из скандинавских стран.

Согласно официальному заявлению, опубликованному в финской печати 23 мая 1940 года, общие безвозвратные потери финской армии за войну составили 22 839 человек.
Безвозвратные потери Красной Армии составили 126 875 военнослужащих, согласно поимённым спискам, составленным в 1949-1951 годах.

По официальным финским данным, во время авианалётов на города Финляндии погибло 956 человек, 540 были серьёзно и 1300 легко ранены, 256 каменных и около 1800 деревянных зданий было разрушено.

По условиям Московского мирного договора к СССР отошёл Карельский перешеек, Выборг, Сортавала, ряд островов в Финском заливе, часть финской территории с городом Куолаярви, часть полуостровов Рыбачьего и Среднего. В границах СССР полностью оказалось Ладожское озеро. СССР получил в аренду часть полуострова Ханко (Гангут) сроком на 30 лет для оборудования там военно-морской базы. Граница от Ленинграда была отодвинута с 32 до 150 км.

В результате подписания договора в составе СССР оказалось 11% территории Финляндии с вторым по величине городом Выборг.
Всё оставшееся финское население подлежало выселению с занятой советскими войсками территории. 430 000 жителей потеряли свои дома и переселились в глубь Финляндии.
Финнам дали 24 часа, чтобы они освободили оккупированные Красной Армией территории. Они оставили свои дома, скот, взяли только то, что смогли унести в руках.

После нападения Германии на Советский Союз финские войска выступили на стороне фашистской коалиции и вернули утраченные в ходе зимней войны территории. Но границу под Сестрорецком не перешли, и не стали наступать на Ленинград, хотя немцы настаивали. Это объясняют, в частности, тем, что главнокомандующий финской армии Маннергейм был до революции генералом царской армии и служил в Санкт-Петербурге.
В 1944 году финские территории в результате войны вновь отошли к СССР.

Я сочувствую финнам. У них отобрали территории, на которых столетиями жили их предки. Карельский перешеек считался житницей и южным курортом Финляндии. До сих пор на Карельском перешейке встречаешь финские могилы. Невозможно без слёз смотреть, когда финские старики и старушки, приезжая в свои родные места, целуют родную землю. А многие, которые не знают истории, злобно смеются.

Я могу понять финнов, которые потеряли принадлежащие им земли. Финны рачительно их использовали, в отличие от нас, сумевших за полвека испачкать природу этой уникальной страны.
До сих пор находятся люди (граждане Финляндии), которые подают в суд, с требованием вернуть принадлежащие им когда-то земельные участки под Выборгом.

6 марта 2010 года к 70-летию завершения «зимней войны» 1939-1940 года журналист газеты Helsingin Sanomat Тимо Сиуконен описал сценарий возможной новой (!) «зимней войны» между Россией и Финляндией (и это на фоне ведущихся разговоров о вступлении Финляндии в НАТО). Начинается с того, что русская крылатая ракета поражает в Хельсинки центр телерадиовещания. Финны объявляют мобилизацию. Русские при поддержке танков и авиации наступают на Карельском перешейке. Беженцы спешат укрыться в Швеции. Всё мировое сообщество оказывает финнам помощь...

В Петербурге 12 марта газета «Metro» вышла с провокационными заголовками: «Финны пошли на нас войной», «Если завтра война… Финляндии с Россией?»
Некоторые шутники предлагают объявить войну Финляндии и на следующий день сдаться.

Перессориться с соседями проще всего. А вот жить в мире всегда нелегко.
Худой мир лучше любой войны. Но надо помнить войну. Финны помнят.

Мы поехали в поселок Руколахти. Это совсем рядом с  Иматрой. Замечателен он Церковным холмом, изображенным, как утверждают буклеты, на известном полотне финского художника Альберта Эдельфельта. Огромная церковь и потрясающей красоты колокольня рядом с ней, на кладбище времен советско-финской войны.

У этого этого лютеранского храма на кладбище стоит памятник жертвам войны 1941-1945 года.

В храме шла служба. Не было ни одного свободного места. Был день всех святых.

А вот эти бойцы охраняют покой тех, кто погиб в 1939-1940 х  годах. Они лежат перед останками деревянной церкви, построенной в середине 18 века, которая сгорела, но осталась звонница.

Колокольня эта представляет собой характерный образец карельского зодчества: дерево, резьба, шатровый купол. В ней соединилось все лучшее, что можно увидеть у нас в Кижах, и особую прелесть ей придает осознание того, что ее не трогали, не разбирали при перевозке, и стоит она там же, где и стояла 250 лет назад (1752).

Вот  такой у нас получилась поездка в Иматру.

ЛЮБОВЬ ПОБЕЖДАЕТ ВОЙНУ!

ЛЮБОВЬ ТВОРИТЬ - НЕОБХОДИМОСТЬ!

Такие чувства я вынес из поездки. Иматра хороша.

Рядом с Иматрой есть еще хорошая горно-лыжная трасса.

Лыжный центр Фри Скай Фри Скай (FreeSki) расположен в центре Руоколахти, что недалеко от Иматры. Перепад высот составляет 60 метров, имеется 6 освещённых склонов, самый длинный склон - около 500 метров. К вашим услугам отличное кафе, а также аренда горных лыж и прочих принадлежностей. Время работы: среда – пятница с 16 до 20.30. Суббота с 11 до 18. Воскресенье с 12.00 до 19.00.

Телеканал Культура рассказал сегодня об интереснейшем явлении в мировой культуре. Карл Фильч (Filtsch). Решил посмотреть в Интернете,что о нем говорят.

Родился он в семье лютеранского священника28 мая 1830 года в местечке Мюльбах в Румынии.

С трёхлетнего возраста Фильч занимался фортепиано у своего отца.  В 1837 г. одарённого мальчика отправили учиться музыке в Вену, где с ним работал Фридрих Вик. В 1841 году Карл Фильч выступил с первым концертом в Венском музыкальном обществе, за которым последовали гастроли в Венгрии и Трансильвании.

В декабре 1842  г. Фильч переехал в Париж, где стал лучшим и любимым учеником Фредерика Шопена.  В это же время о нём восторженно отзывался Ференц Лист, который, услышав игру мальчика, написал о своих впечатлениях от пребывании у Жорж Санд, что Есть у Шопена один ученик, венгерец Карл Фильч, совсем мальчишка, но я уверен, что когда он немного подрастет, мне придется закрыть свою лавочку!

На протяжении1843 года юный музыкант выступил с концертами в Париже, Лондоне, Брюсселе, Германии и Австрии; запланированное турне включало также Санкт-Петербург, Прагу, Цюрих, Неаполь и другие города. Однако европейские гастроли Фильча прервал обнаруженный у него туберкулез: в начале1844 года врачи отослали мальчика в Венецию для лечения морскими купаниями. Летом 1844 г. Фильч выехал в Вену и Трансильванию с концертами, затем вернулся в Венецию и умер 11 мая 1845 года, не дожив двух недель до своего 15-летия. Он похоронен на знаменитом венецианском кладбище Сан Микеле.

Фильч начинал пробовать себя в композиции (отчасти вытекавшей из его склонности к импровизации на концертах). Однако написал он немного, а кое-что и было утрачено. Сохранились девять произведений Фильча, включая написанную уже в Венеции пьесу «Прощание»

Я нашел всего два произведения Фильча, но они дают представлении великого гения.

Для начала послушайте Баркароллу

а это романс Фильча

С 1995 года в Румынии в г.Сибиу проводится конкурс пианистов имени Карла Фильча.

На его могиле в Венеции написаны вот эти слова

The artist sleeps, the dear hands rest 
Which once mightily ruled the sea of tones.  May profound longing of the heart stay awake, 
Call his name, bless him and weep

Таким получился рассказ про этого гениального мальчика.

Мариинский театр

Спектакль: Верди. Избранное. Хор и симфонический оркестр  неаполитанского Театра Сан-Карло,

дирижер - Нелло Санти

21 октября 2011г.  20:00

:В программе: Джузеппе Верди

Увертюра к опере "Набукко"
Хор Gli arredi festivi из оперы "Набукко"
Хор Va, pensiero из оперы "Набукко"
Увертюра к опере "Жанна д"Арк"
Увертюра к опере "Битва при Леньяно"
Увертюра к опере "Сицилийская вечерня"
Хор Patria oppressa из оперы "Макбет"
Stabat Mater
Te Deum

В XVII веке Неаполь насчитывал 300 тысяч жителей и был вторым по величине городом Европы после Парижа. Он был славен театром Сан Карло — самым большим в мире.

Про театр можно много говорить. В Мариинке на главной сцене разместился огромный симфонический оркестр этого театра. И вот поднялся на подмостки огромный старый человек в  черном фраке с бриллиантовыми запонками. Перед ним не было партитуры. Сегодня мы увидели гения. Мне показалось, что я впервые услышал Верди. Это был Нелло Санти.

Он родился в 1931 году в Падуе,а его дирижёрский дебют состоялся там же, в Падуе - в 1951 году он продирижировал "Риголетто" в театре Верди. Затем - большой тур по Испании с легендарным Беньямино Джильи. В 1960 году он дебютирует в Ковент Гарден и Вене ("Травиата"), в Зальцбурге дирижирует "Дон Карлосом" - и вскоре с огромным успехом начинает выступления по всему миру. В нью-йоркском "Метрополитен" Нелло Санти дебютировал в 1962 году ("Бал-маскарад"), и с тех пор продирижировал там более, чем тремя сотнями спектаклей, среди которых - "Франческа да Римини", "Мадам Баттерфляй", "Луиза Миллер", "Манон Леско", "Джоконда", "Лючия ди Ламмермур", "Тоска", "Аида", "Трубадур", "Турандот", и так далее.

Нелло Санти - главный специалист по итальянскому репертуару в Цюрихской опере, где он был главным дирижёром с 1958 по 1969 год (только в прошедшем сезоне мне посчастливилось наблюдать его в "Симон Бокканегра", "Ломбардцах", "Двое Фоскари" и "Тоске"); с 1986 года он является главным дирижёром Базельского оркестра швейцарского радио, Главным приглашённым дирижёром токийского Иомиури Ниппон Симфони оркестра - не говоря уже о регулярных появлениях за пультом венской Штаатсопер, оперы Гамбурга, Баварской оперы, Норвежской Национальной оперы, Арены ди Верона, Рима, Болоньи, Венеции… - ну, и так далее. Своё творческое тридцатипятилетие он отметил в "Метрополитен", продирижировав за сезон репертуаром из 16-ти различных опер.

В последние сезоны Маэстро Санти провёл новые постановки "Риголетто" и "Аиды" в Арена ди Верона, "Турандот" в "Метрополитен", "Нормы" в Королевской опере Осло, концерты в Испании и Риме. Именно ему выпала высокая честь продирижировать Реквиемом Верди в Ватикане в присутствии Папы Римского Иоанна Павла Второго - в память пятидесятилетия американской ядерной бомбардировки японского города Хиросимы.

Но, возвращаясь в театр… Удивительно, как легко (воистину: "всё гениальное - просто"!) Маэстро создаёт не только безупречный баланс, но и подлинный ансамбль солистов с оркестром. Удивительно, насколько глубоко он знаком с традициями и стилем итальянской оперы. - "Синьора, здесь, в конце фразы - не "ми, ми", а - "фа, ми"! - безаппеляционно сообщает он. - "Но почему, маэстро? У меня же клавир издательства "Рикорди"?!. - "Да дурь это несусветная! Так никто никогда не пел! И нельзя так петь"! - категорически отвечает Санти. - "Тут - никаких портаменто! Чётко спеть надо"! - кричит он. И, через минуту: "А вот здесь нужно как раз портаменто"!.. На сцене "команда" из, мягко скажем, не последних оперных звёзд. Никто и не думает спорить.

В Цюрихской опере, как и во многих театрах - двойной состав оркестра. Чтобы попасть "в яму" к Санти, музыканты отчаянно интригуют, ругаются, и даже разыгрывают это право в карты, сидя за столом в "кантине" - закулисном буфете. Те же оркестровые музыканты - циники, замученные и занятые люди, которых обычно, в свободное от работы время, и калачом в театр не заманишь - ломятся в служебные ложи на "Севильском цирюльнике", ибо Маэстро, "по старинке", самолично играет речитативный аккомпанемент secco - и умудряется проделывать это так, что зал буквально лопается от хохота.

Оркестр и хор театра Сан Карло звучали идеально.

ЛИТВА. октябрь 2011

Решили съездить на несколько дней в Литву. Мы планируем посетить Вильнюс и Каунас, В 1974 году мы бродили немного по Вильнюсу. Прошли через Золотые ворота, поднялись к Замку Гидеминаса, побывали в Трокайском замке, проехали через Каунас, отдыхали на Куршской косе.

Почти полвека прошло. Что же изменилось?

Прежде,чем начать путешествие, вспомним немного историю.

В 1237 году войска хана Батыя вторглись на  территорию Древней Руси.

В результате нашествия погибло около половины населения. Киев, Владимир, Суздаль, Рязань, Тверь, Чернигов, и многие другие города были разрушены. Исключение составили Великий Новгород, Псков, Смоленск, а также города Полоцкого и Турово-Пинского княжеств. Развитая городская культура Древней Руси была уничтожена.

На несколько десятков лет в русских городах практически прекратилось строительство из камня. Исчезли сложные ремёсла, такие как производство стеклянных украшений, перегородчатой эмали, черни, зерни, полихромной поливной керамики. «Русь была отброшена назад на несколько столетий, и в те века, когда цеховая промышленность Запада переходила к эпохе первоначального накопления, русская ремесленная промышленность должна была вторично проходить часть того исторического пути, который был проделан до Батыя».

Южные русские земли потеряли почти всё осёдлое население. Уцелевшее население уходило на лесной северо-восток, концентрируясь в междуречье Северной Волги и Оки. Здесь были более бедные почвы и более холодный климат, чем в южных полностью разорённых регионах Руси, а торговые пути находились под контролем монголов. В своём социально-экономическом развитии Русь была значительно отброшена назад.

В течение столетия после Батыева нашествия на месте нескольких десятков земель и княжеств Древней Руси выросли два мощных государства, две новые Руси: Русь Московская и Русь Литовская. Три четверти древнерусских городов - Киев, Полоцк, Смоленск, Чернигов и многие другие - попали в состав Литовской Руси. Начиная с ХIII века и до конца ХVIII века, история этих земель тесным образом связана с существованием Великого княжества Литовского.

Кроме того новое государство давало литовцам защиту от немцев, а русским - прибежище от татар. Первые, самые ранние победы над монголо-татарами были одержаны русскими полками в союзе с ратями литовцев. Недаром в исторической литературе оно носит еще название Литовско-Русского государства.

Это тяжелая эпоха, пережитая Русью в ХIII веке, составляет переход от истории Киевского государства к истории тех государств, которые его заменили, а именно: Новгородского государства, Великого княжества Владимирского, а затем Московского, и Великого княжества Литовского.

Так что Литва действительно была Великой.

Великое княжество Литовское возникло в XIII веке в результате объединения славянско-литовских племен (литва, ятвяги, кривичи, лехетские радимичи и др.). В 40-е годы XIII в. кунигас Летувы Миндаугас (Миндовг) объединил Нальшанскую, Жетувскую, Жемайтскую земли, часть Ятвяжской земли и Черную Русь с городами Слоним, Новогородок, Волковыск (земли Полоцкого княжества). Процесс образования княжества завершился в 50-е годы XIII века.
Поcле распада Киевской Руси в XIII веке земли Южной и Западной Руси в XIV веке вошли в состав Великого княжества Литовского, которое превратилось в одно из сильнейших государств Восточной Европы.

Интересно отметить, что государственным языком в Великом княжестве Литовском был старо-белорусский (западное наречие старо-русского, старо-славянского языка) вплоть до конца XVII века, затем его сменил польский. Следует отметить, что литовский язык не был государственным за все время существования княжества. Великое княжество Литовское считалось славянским не только по языку и культуре, но и по преобладанию славянского населения.

В Истории Литвы можно выделить несколько разделов.

• Истоки государства
• Религия
• Сближение Литвы и Польши
• Три раздела Речи Посполитой
• Полонизация
• Строй Великого Княжества Литовского
• Гедиминовичи
• Конституция
• Грюнвальдская битва
• Борьба с полонизацией
• Миндаугас
• Литва в составе Речи Посполитой
• Витаутас Великий
• Царство Польское в составе России
• Насильственная русификация
• Национальная интеллигенция
• Социал-демократия в Литве
• Первая мировая война
• Акт о независимости
• Советская власть в Литве
• Противостояние Литвы и Польши
• Государственный переворот 1926 г.

В 1316 году великим литовским князем становится Гедиминас - основатель династии Гедеминовичей, образовавший из литовских и русских земель сильное государство. При нем русское влияние на литовских князей чрезвычайно усилилось. Сам Гедиминас считал себя не только литовским , но и русским князем. В древних рукописях Гидеминас именовался как rex Letwinorum et Ruthenorum" (король Литвы и Руси). Он был женат на русской и детям своим устраивал браки с русскими же. Две трети всех земель Гедиминаса были русскими землями. Литовской династии удалось образовать такой центр, к которому стала тяготеть потерявшая свое единство вся Юго-Западная Русь. Гедиминас начал ее собирание, а его дети и внуки закончили этот процесс, который совершался быстро и легко, так как население русских земель само охотно шло под власть обрусевших Гедиминовичей.

Памятник Гидеминесу в Вильнюсе

Формировалось федеративное государство, пусть со своеобразной, средневековой, но федерацией (в противоположность московской централизации).

Сыновья Гедиминаса - Альгирдас и Кястутис - собрали под своею властью практически всю Южную и Западную Русь, освободив ее от владычества татар и дав ей единую сильную власть - власть, русскую по своей культуре и по своим приемам.

По мнению русского историка М.К.Любавского "Литовско - Русское государство в ХIV веке представляло в сущности конгломерат земель и владений, объединенных только подчинением власти великого князя, но стоявших особняком друг от друга и не сплотившихся в единое политическое целое".

Ситуация в этом регионе начинает меняться в конце ХIV века. Великий князь Ягайло принял предложение поляков жениться на польской королеве Ядвиге и соединить Польшу и Литву, разрешив противоречия, стоящие между этими государствами: борьба за русские земли Волынь и Галич и общее противостояние немцам, которые угрожали обоим государствам. Ягайло согласился на все поставленные ему условия, принял католичество сам, а в 1387 году окрестил в католичество языческую Литву, и заключил в 1385-1386 г.г. Кревскую унию, которая предусматривала включение Великого княжества Литовского в состав Польского королевства.

Но это условие так и осталось на бумаге. Могущественная литовская знать во главе с сыном Кястутиса Витаутасом решительно воспротивилась потере самостоятельности. Дошло до того, что Кревская уния была временно расторгнута и возобновлена только в 1401 году на условиях равноправия сторон. По новой, Городельской унии 1413 года Литва обязывалась не вступать в союз с врагами Польши, но одновременно подтверждалось равенство и суверенность сторон.

Памятник Витаутасу в Каунасе

Витаутасу удалось укрепиться во власти так, что он подчинил себе всех удельных литовских князей. При нем границы Литвы достигли небывалых пределов: они доходили до двух морей, - Балтийского и Черного. Великое княжество Литовское переживало вершину могущества. Витаутас вмешивался в дела всех русских земель: Новгорода и Пскова, Твери, Москвы, Рязани. По взаимной договоренности Московского великого князя Василия Дмитриевича и великого князя Литовского Витаутаса граница между Московскими и Литовскими землями проходила по реке Угре (левый приток Оки).

Но главным историческим событием, произошедшим в это время, явилась Грюнвальдская битва 1410 года, в которой объединенные силы королевства Польского и Великого княжества Литовского разгромили армию Тевтонского ордена - давнего противника Польши, Литвы и Руси.

Усиление Витаутаса, его высокий авторитет были следствием того недовольства, которое возбудила уния с Польшей среди русского и литовского населения Литвы. Поддерживая своего великого князя, это население показывало, что не желает идти под польско-католическое влияние, а желает самостоятельности и обособленности в своей политической жизни.

По мнению русского историка С.Ф.Платонова, если бы Витаутас стал опираться на православно-русскую народность и обратил свое государство в такое же русское великое княжество, каким тогда была Москва, он мог бы стать соперником московских князей и, возможно, скорее их объединить под своим скипетром всю Русскую землю. Но Витаутас этого не сделал, потому что, с одной стороны, он нуждался в помощи Польши против немцев, а с другой стороны - в самой Литве появились люди, которые видели свою выгоду в унии и толкали Витаутаса к сближению с Польшей. Среди его подданных были три направления: православно-русское, старо-литовское и новое католическое польское. Великий князь относился ко всем одинаково внимательно и не становился прямо ни на чью сторону. После смерти Витаутаса в 1430 году политические и национальные партии в государстве остались не примиренными, в состоянии взаимного озлобления и недоверия. Борьба этих партий и погубила постепенно силу и величие Литовско-Русского государства.

Тем не менее до середины ХVI столетия, несмотря на усиление польского влияния в литовском обществе, литовской знати удавалось отстаивать самобытность и самостоятельность княжества от всяких попыток со стороны Польши усилить унию и крепче привязать Литву к польской короне.

До этого времени Великое княжество Литовское было федеративным государством с преобладанием славянских земель. В середине ХV века в нем складывается единое правящее сословие. Шляхта (дворянство) составляла значительный слой населения - до 8-10 процентов, гораздо больше, чем в соседнем Московском государстве. Литовская шляхта обладала в государстве всей полнотой политических прав. Органы шляхетского управления - сеймы и сеймики - решали важнейшие вопросы как на общегосударственном, так и на местном уровне. Политику вершили крупнейшие землевладельцы-магнаты, под контролем которых с середины ХV века фактически находилась власть великого князя. В конце этого столетия формируется коллегиальный орган - Рада панов, - без согласия которого великий князь не мог отправлять послов. Не мог он также отменять решения Рады послов.

Всевластие магнатов и шляхты получило четкое юридическое оформление. В 1529, 1566 и 1588 г.г. были приняты своды законов, именовавшиеся Литовскими статутами. В них слились воедино традиционное литовское и древнерусское право. Все три статута были славяноязычными.

Великое княжество Литовское обладало своеобразной культурой, основу которой заложили восточные славяне. Просветитель из Полоцка, восточнославянский первопечатник Франциск Скорина, мыслитель Симон Будный и Василий Тяпинский, поэт Симеон Полоцкий, десятки других выходцев из Великого княжества обогатили своим творчеством европейскую и мировую цивилизацию.

В 1569 году была Польское королевство и Великое княжество Литовское объединились в единое государство - Речь Посполитую. Одной из главных причин объединения стала неспособность Литовского государства собственными силами отражать наступление с востока. В 1514 году московское войско разгромило литовцев под Смоленском, вернув этот исконно русский город в свое владение, а в 1563 году войска Ивана Грозного взяли Полоцк. Чем дальше, тем больше слабеющее государство Литовское государство нуждалось в помощи, которая исходила от Польского королевства.

По Люблинской унии южная половина Литовского государства была прямо присоединена к Короне. Некоторые земли Великого княжества Литовского, особенно белорусские, становятся ареной жесточайшего противоборства между Москвой и Варшавой. Войны, эпидемии, неурожаи нанесли страшный удар мощи Великого княжества Литовского, от которого страна так и не смогла оправиться.

3 мая 1791 года Конституция Речи Посполитой, вторая в мире после Конституции США, ликвидировала федеративное утройство и уничтожила самостоятельность Великого княжества. Однако по мнению литовских историков не 1791-ый, а 1795-ый год, год третьего передела Речи Посполитой стал последним, когда окончательно была закрыта первая страница истории Литовского государства, в результате включения территории и населения Литвы в состав Российской империи.

В середине ХVIII века внутренняя анархия в Речи Посполитой стала настолько явною и тяжелою, что соседние правительства с особым вниманием следили за ходом польско-литовских дел и были готовы к вмешательству в случае окончательного разложения государства. Из самой Польши и Литвы шел призыв к такому вмешательству. Так, к императрице Екатерине II в начале ее царствования обратился Белорусский епископ (Георгий Конисский) с мольбою о защите православного населения в Речи Посполитой, которое подвергалось не только насилию и поруганию, но и систематическому преследованию властей (так запрещалось не только строить, но и исправлять православные церкви; цензура православных церковных книг поручалась католикам; были установлены поборы с православных в пользу католического духовенства; православные были подчинены церковному католическому суду; у русских православных людей было отнято право занимать общественные должности и быть депутатами на сейме).

В результате вмешательства Екатерины Второй в польско-литовские дела особым законом в 1767 году было постановлено, что диссидентская шляхта (православная и протестантская) уравнивается с католическою во всех правах, кроме выборов короля, которым мог стать только католик. Исполнение этой реформы было обеспечено в 1768 году особым трактатом Речи Посполитой с Россией, по которому императрица Екатерина обещала в будущем охранять без всяких изменений государственный строй Польши и Литвы. Это обещание устанавливало как бы протекторат России над Речью Посполитой.

Недовольная таким поворотом дел католическая шляхта образовала ряд конфедераций "за веру и свободу" и стала вести вооруженную борьбу против православных, чем вызвали против себя восстание так называемых "гайдамаков", которые начали громить католиков, уничтожая целые города (г. Умань). В Польше началась смута, которая в результате вмешательства соседних государств - России, Австрии и Германии была подавлена. Это привело к первому разделу Речи Посполитой в 1773 году, в результате которого к России отошла Белоруссия.

Среди шляхты постепенно создалось движение в пользу реформ, так как польские патриоты сознавали бессилие своего государства и недостатки его устройства, приведшие Речь Посполитую к унижению и позору.

В начале XVIII в. Литву ненадолго оккупировала Швеция. Освобождение пришло, когда русский царь Пётр I разгромил в 1709 г. шведскую армию под Полтавой.

Пятницкая церковь.

В этом храме царь Пётр отслужил молебен в честь победы под Полтавой
и здесь же крестил арапа Ганнибала, прадеда Александра Сергеевича Пушкина (по всей вероятности, во второй половине июля 1705). Восприемниками были царь и королева польская Христина-Эбергардина, жена короля Августа II.

Во дворе этой церкви 5 мая 2011 года был открыт первый в мире памятник, где в глаза друг другу смотрят два великих сына России – прадед и правнук, выдающийся арап и гениальный поэт. И встретились они на вильнюсской земле у стен первой каменной церкви в Литве, носящей имя Прасковьи Пятницкой

Скульптурная композиция представляет собой ладони, в которых заключены своеобразные овальные медальоны с образами Пушкина и его прадеда. Венчает памятник православный крест. Мало известно о Ганнибале. ПУШКИН написал о прадеде книгу АРАП ПЕТРА ВЕЛИКОГО. Недалеко от Михайловского есть поместье Ганнибала. и ТАМ много любопытного можно узнать о нем.

Новая Конституция Речи Посполитой, которая несомненно улучшала политический строй государства, привела к междоусобице. В итоге - между Россией и Пруссией в 1793 году произошел второй раздел Польско-Литовского государства, а после восстания генерала Тадеуша Костюшко в 1795 году - третий и последний раздел Речи Посполитой, после которых территория Литвы и Курляндии отошли к России.В 1795—1815 гг. литовские земли, кроме города Мемеля (ныне Клайпеда), вошли в Российскую империю. В результате её распада в 1918 г. и поражения Германии в Первой мировой войне Литва стала независимой буржуазной республикой. В 1940 г. советские, а в 1941 г. немецкие войска оккупировали страну. После разгрома Германии и вплоть до 1990 г. Литва находилась в составе СССР. 11 марта 1990 г. было провозглашено независимое государство — Литовская Республика. Возродился и старинный герб Литвы: на красном фоне всадник в серебристых доспехах на белом коне. Следы польского и российского владычества можно обнаружить в национальном составе населения: около 80 % составляют литовцы, а 20 % — русские, поляки, белорусы и украинцы.

Вильнюс - столица Литвы.  

Официальной датой его основания считается 1323 год, когда литовский князь Гедиминас перенес сюда свою столицу.  К началу XVI в. Вильнюс стал крупнейшим политическим, культурным и торговым центром Европы. На фото: памятный камень на кафедральной площади установлен в год 600-летия первого упоминания Вильнюса в письменных источниках.

Начинать прогулку по Вильнюсу знатоки советуют от колокольни и Кафедрального собора.

От колокольни (высота 57 м; зачем это знать?) и начнем: четыре яруса - четыре архитектурные эпохи, от языческой дикости XIII века внизу до классицистского завершения XIX века вверху. Некоторые полагают, что это круглая угловая башня крепостного комплекса Нижнего замка, Другие утверждают, что здесь было языческое святилище, с его вершины жрецы возглашали волю богов.

Театральный фасад Кафедрального собора сотворил Вавжинца Гуцевич, он же Лауринас Гуцявичюс,  Статуи св. Станислава (покровителя Польши), св. Казимира (покровителя Литвы) и св. Елены с крестом, два Моисея и четыре евангелиста в нишах.

Проспект Гидеминеса идет от кафедрального собора. В советские годы этот проспект конечно носил имя Ленина

Интересно побывать в национальном этнографическом музее (расположен в нижней части княжеского замка) с богатейшей коллекцией материалов по истории Литвы.  

В 2009 году Литва отметила свое тысячелетие: первые упоминания о ней относятся к 1009 году. Тогда эти земли населяли западные балты - предки современных литовцев. Становление литовской государственности относится к XIII веку, когда первый король Великого княжества Литовского Миндаугас объединил ранее разрозненные земли и племена.

Мингаудас

В летописи 1219 года упоминается 21 литовский князь, принимавший участие в заключении мирного договора с Галицкими и Волынскими князьями. Среди "старейшин" упомянут и Миндаугас. В летописи говориться,что вскоре Миндаугас завладел всей Литвой и объявил себя великим князем. Вотчиной Миндаугас считается южная Литва.

Миндаугас в 1252 году захватил Чёрную Русь,Полоцкое и Пинкое княжества.

Величайшая заслуга Миндаугаса в том, что он начал объединять литовские земли и создавать государство.Лишь благодаря Миндаугасу Литва смогла сохраниться и развиваться дальше.

Башня Гедиминаса - символ Вильнюса. Она видна из любой точки Старого города, красиво подсвечивается ночью,  а с самой башни открывается потрясающая панорама Старого города и бассейна реки Нерис (Вилия по-польски).

С башни Гедиминаса хороша видна также самая высокая точка Вильнюса - Трехкрестовая гора. По преданию, в XIV в.  язычники распяли здесь семерых францисканцев. В начале XVII в. в память о мучениках на горе были установлены три деревянных креста. В начале ХХ в. деревянные кресты были заменены железобетонными. В 1950 г. по приказу советских властей кресты были взорваны. Вновь они были установлены в 1989 году, уже как памятник жертвам сталинских репрессий.

Вильнюсский Старый город ещё в 1994 году был внесён в список Всемирного культурного наследия ЮНЕСКО. По размеру - это один из самых больших и красивых старых городов Европы.

Аушрос Вартай - Ворота Зари, 1514.

Церковь св. Петра и Павла - вторая потрясающе красивая церковь Вильнюса. Не столь привлекательная снаружи, изнутри церковь просто ошеломительно красива, со множеством скульптурных работ в барочном стиле. Церковь - это одно из главных мест, которые стоит посетить в Вильнюсе. 

Один из самых красивых соборов Вильнюса-собор Святой Анны

Костёл Святой Анны и костёл бернардинцев. Наверное все знают легенду, про то как Наполеон, очарованный красотой костела Святой Анны, хотел унести его на ладони в Париж. Он действительно очень грациозный.

 Церковь бернардинцев - один из крупнейших готических храмов в Вильнюсе. Он образует единый архитектурный ансамбль с костелом святой Анны, но гораздо выше и старше последнего. Здание монастыря бернардинцев, располагающееся рядом с церковью, - самое старое в ансамбле

Ужупис (Заречье)

Литовская столица расположена у слияния рек Нерис и Вильния. А Ужупис находится за Вильнией, отсюда и его название, которое с литовского языка переводится как «на другой стороне реки».

Первое письменное упоминание об Ужуписе - старейшем квартале Вильнюса - относится к 16 веку. Но известно, что испокон веков там селились ремесленники, бедняки и люди, обремененные грехами – пропойцы, преступники-рецидивисты и проститутки. Но не только. Там же, в Ужуписе, на берегу реки, в 1496 году был выстроен первый в Литве женский католический монастырь.

В последующие века в Ужуписе поселились сотни еврейских семей.  Но во время Второй мировой войны почти все евреи покинули свои дома, которые заняли вильнюсские бездомные, определявшие образ Ужуписа в советское время.

Ниже я привожу ссылки на главные достопримечательности Вильнюса

 Церковь и монастырь бернардинцев

 Церковь бернардинцев - один из крупнейших готических храмов в Вильнюсе. Он образует единый архитектурный ансамбль с костелом святой Анны, но гораздо выше и старше последнего. Здание монастыря бернардинцев, располагающееся рядом с церковью, - самое старое в ансамбле.

 Костел Святого Духа и доминиканский монастырь

Купол доминиканского костела Святого Духа возвышается над Старым Городом и хорошо виден с соседних улиц. Костел представляет собой архитектурный памятник высокого и позднего барокко в Литве. Внешнее оформление церкви довольно скромное в отличие от внутреннего убранства.
 

 Замок Гедиминаса

История замка тесно переплетается с историей Вильнюса. Согласно легенде, обнаруженной в одной из литовских летописей 16 века, замок на берегу реки Вильна был построен Великим князем Гедиминасом после того, как ему приснился пророческий сон.
 

 Памятник Гедиминасу

22 сентября 1996 году на Кафедральной площади состоялось торжественное открытие бронзового памятника великому князю Гедиминасу, основателю Вильнюса и династии Гедиминовичей, оказавшей огромное влияние на историю страны и образовавшей из литовских и русских земель сильное процветающее государство.
 

 Костел святых Петра и Павла

Внутреннее убранство церкви поражает своим великолепием. Своды костела украшают более двух тысяч лепных фигур библейских, исторических, мифологических и аллегорических персонажей, фантастических и демонических существ, растений и животных.
 

 Костел святой Анны

Ни в одном другом городе восточной Европы нет такого количества красивейших соборов и церквей, отражающих практически все известные архитектурные стили. Но среди этого многообразия величественных зданий особое место занимает костел святой Анны, который поистине является шедевром поздней литовской готики.
 

 Костел святой Терезы и монастырь кармелитов

Костел святой Терезы - одно из самых красивых зданий в стиле раннего барокко в Вильнюсе. Строительство костела началось в 1630 году под патронажем вице-канцлера Великого княжества Литовского Стефана Пака. Фрески на сводах и стенах нефа представляют сцены из жизни святой Терезы.
 

 Вильнюсский университет

Вильнюсский университет - один из старейших в Восточной Европе. На протяжении четырех веков он был ведущим научным и образовательным центром в стране. Датой основания университета принято считать 1579 год, когда Иезуитский колледж был преобразован в высшее учебное заведение.
 

 Тракайский замок

В 30 километрах от Вильнюса располагается древняя столица Великого Литовского княжества - живописнейший город Тракай. Его часто называют городом озер, которых здесь насчитывается около 200. Главная достопримечательность города - знаменитый островной Тракайский замок.
 

ПРОГУЛКА ПО КАУНАСУ

Каунас впервые упоминается в летописях в XIII веке. Он появился на свет как оборонительная крепость на слиянии Немана и Вилии, которая должна была защищать земли Великого Княжества Литовского от набегов рыцарей Тевтонского ордена. За годы своего существования Каунас побывал в составе ВКЛ, Речи Посполитой, Российской империи и… снова превратился в крепость.

Во времена Российской империи Каунас назывался Ковно.

Указом российского императора Александра II от 1879 года Каунас должно было превратить в крепость. Началось сооружение оборонительных укреплений в черте города и за его пределами. Именно тогда центр жизни сместился из средневековых кварталов в более современную часть.

Каунас – вечный конкурент Вильнюса – если и уступает столице в размерах, то уж в количестве и качестве знаковых мест идет с ним практически вровень.

Старый Город Каунаса привлекателен особенной атмосферой, которую создают средневековые церкви и соборы, уникальная в своем роде архитектура 20-30-х годов 20 века и остатки Каунасского замка. Рукотворная красота исторического центра дополняется живописными природными ландшафтами: Каунас стоит у слияния двух главных рек Литвы, Немана и Няриса.

Замок Каунаса, некогда неприступный и грозный, сегодня сохранил лишь отголоски своей было мощи – часть стены и башню. Построенный в начале 14 века, замок смог пережить знаменитую Грюнвальдскую битву. Правда, после победы литовцев над крестоносцами, замок утратил свое стратегическое значение. В 1655 году его практически целиком уничтожила русская армия.

Исторический центр Каунаса контрастен. Памятники 15-17 века здесь соседствуют с архитектурой эпохи первой независимости. При этом органичность городского пространства практически не нарушается. Из сооружений средних веков можно выделить здание ратуши (16 в.), уникальный дом Перкунаса из красного кирпича, принадлежавший некогда Ганзейской Купеческой Артели, церковь Святой Троицы и величественный готический костел Витовта 15 века, построенный великим литовским князем в честь девы Марии, чудесным образом спасшей его во время битвы при Вроксле.

«Новый» Каунас строился в 20-30-е годы .В то время городу посчастливилось обрести на целых два десятилетий официальный статус столицы Литвы. Как следствие, приток капиталов, массовое строительство и, в конце концов, появление района Жалякальнис. Сегодня в нем собрана, пожалуй, самая богатая коллекция архитектурных идей Литвы начала века: от псевдобарокко до модерна. Район знаменит своим фуникулером, который был открыт в 1931 году. А в 1935 году к нему добавился второй фуникулер – на этот раз в район Алексотас.

Из тех достопримечательностей, которые, будучи в Каунасе нельзя (да и практически невозможно) пропустить: центральная улица города - Лайсвес аллея с фонтанами, Девятый форт (оборонительный комплекс конца 19 века), а также самый известный Каунасский туристический фетиш – Музей чертей. Последний знаменит своим собранием всего, что имеет отношение к мелкой разновидности нечести: от брелков и небольших картин до панно и скульптур, изображающих всевозможных бесов

В это время в Каунасе появился величественный Ковенский крепостной собор во имя Святых Петра и Павла, от которого начал строиться Николаевский проспект. Теперь это, пожалуй, самая длинная пешеходная улица в Европе – Аллея Свободы (Лайсвес). Ее же называют и самым эффектным вечерним променадом в странах Балтии. Не пройтись по Лайсвес – все равно, что не побывать в Каунасе.

Лайсвес заканчивается в самом центре Старого города – у ратуши. В этом районе сосредоточены основные архитектурные жемчужины Каунаса. Кроме самой белоснежной ратуши, получившей за свой цвет прозвище «белая лебедь», это костёлы Витаутаса Великого и Св. Гертруды, готический Дом Пяркунаса и многое другое.

Здание Ратуши напоминает белого лебедя

Музей чертей и музей Чурлениса - обязательные места д

19 ноября 2011 года исполняется 300 лет со дня рождения М.В.Ломоносова.

Ректор Московского университета им.Ломоносова Садовничий как то сказал, что “Ломоносов - это человек, который во многом заставил русский народ сделать шаг вперёд”.

А.С.Пушкину принадлежат такие слова: «Ломоносов был великий человек, между Петром I и Екатериной II он единственный является самобытным сподвижником просвещения. Он создал первый университет. Он, лучше сказать, сам был первым университетом».

М.В.Ломоносов родился в 1711 в деревне Мишанинской на Курострове, в устье Северной Двины, в 80 км от Архангельска в семье помора-рыбака. В декабре 1730 , получив начальное образование, в возрасте 19 лет Ломоносов ушел из дома и вместе с крестьянскими обозами пешком добрался до Москвы чтобы, как он сам говорил впоследствии, учить латынь, поскольку в Архангельске никто латыни не знал, а все научные книги издавались на этом языке. Это был первый порог, который нужно было преодолеть Ломоносову. Благополучно добравшись до Москвы, Ломоносов поступил в Московскую славяно-греко-латинскую академию. При поступлении он вынужден был скрыть свое крестьянское происхождение, поскольку принимали в академию только дворян. Ломоносову это удалось, и он был принят учеником в академию. Жил он в те годы чрезвычайно трудно и, как он сам впоследствии писал, постоянно голодал. Окончив трехлетний курс за год, Ломоносов в конце 1735 в числе 12 лучших учеников отправился в Петербург для продолжения своего образования в академической гимназии. Затем как один из трех лучших учеников гимназии он был командирован в Германию в Марбургский университет для изучения горного дела.

В 1741 году М.В.Ломоносов вернулся в Петербург и до конца своих дней связал жизнь с Петербургской академией наук. Скончался он в возрасте 54 лет в 1765 г.

Это был гений русского народа, опередивший современную ему науку по меньшей мере на два столетия. Им был впервые сформулирован закон сохранения вещества и энергии, он был химиком, физиком, астрономом, геологом, географом, историком, поэтом, реформатором русского языка. По его инициативе в 1755 был открыт Московский университет.

Это краткая биография нашего великого предка.

Еще в 2006 году Путин подписал указ о праздновании этого юбилея, но не слышно движения в наших масс-медиа в этом направлении. Поэтому и взялся я исправить эту несправедливость. Поговорим о Ломоносове.

Я постараюсь обратить Ваше внимание на некоторые интересные материалы об этом удивительном человеке.

Итак, начнем.

Верстах в 80-ти от Архагельска , приняв воды реки Пинеги, Северная Двина круто поворачивает на север и разделяется на несколько рукавов и протоков, Между которыми лежат девять больших и малых островов. Один из них - Куростров, расположенный прямо против Холмогор. На острове к началу XVIII века было несколько небольших деревень, в которых жили черносошные(т.е. государственные ) крестьяне. Основным их занятием были морские промыслы и рыбная ловля. Жили они зажиточнее, чем помещичьи крестьяне. Богат был их родной северный край рыбою, зверем, лесом. И поморы, так они себя называли, славились как отважные мореходы. Ходили они на своих судах в Белое море, в Ледовитый океан, добирались до самого Груманта (Шпицбергена).
Здесь, на Курострове, в деревне Мишанинской, что слилась потом с деревней Денисовкой, 8 (19) ноября 1711 года у промысловика Василия Дорофеевича Ломоносова родился сын Михайло.

История русского Севера не очень хорошо изучается в школе. В незапамятные времена в низовьях Двины жило могучее и славное племя финского происхождения — Заволочская Чудь. Однако его самобытный язык, оставивший множество названий рек, озер и островов в тех краях, не переступил за пределы первой половины XV в. Уже в период княжения Ярослава Мудрого низовья Двины стали заселять новгородцы. В XII в. Заволочье вошло в подчинение Великому Новгороду. С этого времени район Холмогор становится центром новгородского влияния сначала на все двинское побережье, а затем и на весь Беломорский Север. Найденные старинные документы свидетельствуют о том, что новгородцы доходили до Югорского полуострова, районов Северного Урала и даже Зауралья.

Во второй половице XV в. Заволочье было присоединено к Московскому государству. Это способствовало укреплению и расширению торговых связей Двинской земли с центральными районами России и со странами Европы — Англией, Францией, Данией, Голландией. До основания Петербурга Холмогоры и Архангельск служили главными морскими воротами Московского государства; только в Архангельск в XVII в. ежегодно приходило до пятидесяти иностранных торговых кораблей. Из России вывозили меха, кожи, лен, пеньку, смолу, поташ, воск. Привозили же из-за границы дорогие материи — сукна, шелка, бархат, парчу, а также галантерейные изделия, зеркала, краски, бумагу, жесть, а из химических веществ — купорос, квасцы, камфару, нашатырь, соединения ртути.

Побродим для начала по местам, где родился и провел свое детство М.В.Ломоносов. План этих мест он сам по памяти нарисовал своему другу уже в зрелом возрасте.

А это вид на эти места со спутника. Какая поразительная точность!

Деревня  Мишанинская на Курострове, что в 100 км от Архангельска была к 200-летию Ломоносова переименована в его честь в Ломоносово.

Это кафедральный собор в Холмогорах. В конце 17 века под чутким руководством холмогорского архиепископа Афанасия был выстроен здесь целый комплекс храмовых сооружений: Кафедральный Спасо-Преображенский собор – самый большой 5-главый храм на Севере (1685-1691 гг.), Архиерейский дом (1688 г.) и Шатровая колокольня (1683-1695 гг.). Потрясающий даже в своем сегодняшнем состоянии ансамбль сейчас вступил в фазу реставрации. К 2011 году собор увенчают купола, зазвенят колокола на колокольне, будут вестись службы. Мы увидим все то великолепие, которое наблюдали Петр I в 1693 году и юный отрок Ломоносов в начале 18 века. Архиерейский дом, где в то время была единственная словесная школа, сыграл свою роль в судьбе Михаила Васильевича. Ведь если бы в школу брали крестьянских детей, не пошел бы он учиться в Москву.

Село Ломоносово расположено на острове, куда нет моста. Летом через протоку Северной Двины Быстрокурку туристов (в том числе и на колесах) сегодня  перевозит паром, точнее, плашкоут – плавучая площадка в связке с катером-буксиром

Эта церковь стоит в селе Ломоносово.

Мне очень нравится картина О.А.Кочарова "Ломоносов на родине"

А недалеко находится село Матигоры, где родилась мать Ломоносова Елена  в семье дьячка местной церкви Ивана Сивкова, которая и сегодня стоит на этом месте.

Школьные учебники обычно объясняют удивительную судьбу Михаила Васильевича Ломоносова (1711-1765) тем, что талантливый "выходец из низов" изо всех сил тянулся к знаниям. Достаточно ли одной любознательности, чтобы в крепостной России крестьянин (хоть и не крепостной) мог совершить такую невероятную карьеру? Многим кажется, что здесь что-то нечисто - и, вероятно, поэтому нередко приходится слышать мнение о том, что Михайло Ломоносов был... внебрачным сыном царя Петра Первого. Действительно, Пётр Первый неоднократно бывал в Архангельске, где работал как простой плотник на Баженовской верфи, а находилась эта верфь рядом с Куростровом, где родился будущий великий учёный. Сознание невольно связывает имена царя и крестьянина, потому что тогда, казалось бы, легче объяснить загадки биографии Михаила Васильевича.

Сын простого рыбака из захудалой деревни на дальней северной окраине России, простолюдин и мужик, стал членом Российской и Шведской академий наук, дворянином, учёным, признанным в России и всей Европе. За всю историю России ни один крестьянин не смог повторить судьбу М. Ломоносова.

Первая загадка касается отца будущего учёного. Василий Ломоносов рано осиротел и жил на подворье у своего дяди. В описи 1710 года он отмечен бедным 30-летним холостяком; в том же году он женился на дочери просвирни Елене Ивановне Сивковой. В ноябре 1711 года у них родился сын Михаил. Удивляет, что по описи 1722 года, через десять лет, Василий превратился в богатейшего человека Архангельского края: у него появилась большая усадьба, рыбные промыслы, пруд для рыбы, самый крупный в Архангельске двухмачтовый корабль на 90 тонн. Судно стоило тогда 500 рублей, деньги огромные! Как он сумел заработать такое богатство? Неужели и впрямь "кровавым потом", как писал об этом позже Михайло Ломоносов?

Отец относился он к единственному сыну очень сурово, часто бил его - и Михаил отвечал отцу сходными чувствами. Не является ли это косвенным свидетельством в пользу того, что Василий не был родным отцом гения? Через много лет М. Ломоносов написал о себе:

Меня оставил мой отец,

И мать ещё в младенчестве...

Странные слова! Ведь в действительности сын сам бросил отца и семью и в декабре 1730 года с обозом ушёл в Москву. Ушёл единственный наследник богатейшего промышленника Архангельска! Почему произошёл разрыв с отцом? Только ли из-за "злой мачехи"? (Родная мать М.В умерла, когда ему было 9 лет... Ведь они с отцом никогда более не виделись, разрыв оказался на всю жизнь. Сын прозябал в Москве на три копейки в день, а отец, жертвуя огромные по тем временам деньги на строительство храма и замаливая какие-то неведомые грехи, не послал ему ни гроша.

С другой стороны, Михаил Ломоносов буквально боготворил Петра I. Можно сказать, "как отца родного". Посвящал ему оды, мозаичные картины... А однажды и вовсе сказал: "Ежели человека, Богу подобного по нашему понятию найти надобно, кроме Петра Великого - не обретаю!"

Так, может быть, справедлива молва? Столько загадок, совпадений...

Действительно, государь был в Архангельске трижды: в 1693, 1694 и 1702 годах. Новый 1711 год встретил царь в Петербурге, а 17 января он выехал в Москву, где и пробыл до своей свадьбы с Екатериной 16 марта 1711 года. В то же время мать Ломоносова - Елену Ивановну, выдали замуж в конце 1710 года, притом совсем юной девушкой. Так что времени для "посторонних контактов", да ещё с самим царём, у неё просто не было. Это, впрочем, не доказывает, что именно Василий был родным отцом Михайлы.

Я помню еще старый фильм о Ломоносове, снятый еще в 1955 году, когда мне было 10 лет.

А на Мосфильме был снят более подробный фильм о Ломоносове. Вы можете посмотреть 3 части этого фильма

На сайте http://www.historydata.ru Вы можете найти множество материалов о Ломоносове.

Родина Ломоносова. Куростров. Беломорье

Род Ломоносовых

Детство Ломоносова

Ломоносов детство. Первые поездки на промыслы

Отец Ломоносова. Северный жизненный опыт

Детские и юношеские годы Ломоносова

Учеба Ломоносова.Начальные знания

Книги Ломоносова. Первый учебные книги Ломоносова

Раскол. Детские и юношеские годы Ломоносова

Поездки Ломоносова. Детские годы Ломоносова

Годы учебы Ломоносова в Москве, Киеве, Петербурге

Школы в России Первой половины XVIII в. Московская славяно-греко-латинская академия

Учеба Ломоносова в Моссковской Славяно - Греко - Латинской академии

Оренбургская экспедиция И. К. Кириллова

Из истории создания Петербургской академии наук.

Ломоносов в Петербургском Академическом университете

Марбургский университет. Христиан Вольф

Учеба в Марбургском Университете

Учеба Ломоносова Во Фрейберге. Фрейберг

Скитания Ломоносова по Европе. Ломоносов в Европе

Последний год пребывания Ломоносова в Германии. Возвращение Ломоносова в Россию

Обзор событий и деятельности Ломоносова в период с 1741 по 1745 г. Деятельность Ломоносова

Развитие Ломоносовым Атомно - Молекулярного учения. Основные положения атомно молекулярного учения

Развитие Ломоносовым понятий химии и его взгляды на "Невесомые материи". Основные понятия химии

Химические и физико - химические исследования, проводимые в Петербургской академми наук до Ломоносова

Создание в России первой научной химической лаборатории. Первая химическая лаборатория

Устройство химической лаборатории

Исследования Ломоносова в области химического анализа и теории растворов. Закон сохранения вещества и движения. Теория растворов. Химический анализ

Физико - химические исследования Ломоносова. "Курс физической химии"

Исследование Ломоносовым атмосферного электричества

Экспериментальные работы Ломоносова в области химии и технологии стекла

Мозаичные картины Ломоносова. Мозаики Ломоносова

Усть - Рудицкая стекольная фабрика

Обзор событий в жизни Ломоносова с 1745 по 1760 г. Ломоносов 1945 г.

Последние годы жизни Ломоносова

Выдающиеся деятели Русской культуры о Ломоносове. Люди о Ломоносове

Слово Ломоносова о России. Ломоносов о России

Ломоносов о материи, движении и теории познания

На сайте "Ломоносов - великий сын Поморья", подготовленного АОНБ им. Н. А. Добролюбова к 300-летию М. В. Ломоносова, представлены:
- оригинальные электронные издания, созданные по материалам жизнеописания ученого;
- библиографические материалы, содержащие сведения о печатных публикациях разных лет;
- коллекции изображений, которые помогают воссоздать облик ученого, мест, связанных с его именем, иллюстрирующих жизнь эпохи;
- методические материалы в помощь просветительской работе;
- ссылки по ресурсам Глобальной Сети, рассказывающим о научном и литературном наследии нашего прославленного земляка.

Сегодня мы были на спектакле в кафе "Бродячая собака". Арт-кафе упомянается в воспоминаниях многих известных поэтов, писателей, музыкантов Серебрянного века.

Славу этого арт-подвала составили его посетители: Анна Ахматова, Осип Мандельштам, Николай Гумилёв, Игорь Северянин, Надежда Тэффи, Владимир Маяковский, Велимир Хлебников, Всеволод Мейерхольд, Михаил Кузмин, Артур Лурье, Константин Бальмонт, Тамара Карсавина, Алексей Толстой, Аркадий Аверченко, Сергей Судейкин, Николай Сапунов, Николай Кульбин, Николай Евреинов, Паллада Богданова-Бельская, Дмитрий Тёмкин, Алексей Лозина-Лозинский и другие.

Анна Ахматова посвятила «Бродячей собаке» стихотворения «Все мы бражники здесь, блудницы…» и «Да, я любила их, те сборища ночные…»

Содружество актеров и музыкантов «Золотой Лев» представил один из лучших московских спектаклей о Великом русском шансонье «АЛЕКСАНДР ВЕРТИНСКИЙ. ЖЕЛТОЕ ТАНГО» В роли Вертинского – Сергей Федотов

«Многое я помню ясно и отчетливо, но многое стерлось из памяти? Что же осталось? Лоскутки… Маленькие разноцветные лоскутки... Обрывки, клочки минувшего, обрезки и остатки. Ну что ж. Ведь из лоскутков можно сшить одеяло. Или даже ковер! Правда, он будет пестрым, но и вся жизнь моя была пестрая…» Так начинается книга воспоминаний легендарного русского шансонье, одного из выдающихся представителей искусства Серебряного века - Александра Николаевича Вертинского «Дорогой длинною…». Эта книга и «песенки» «печального Пьеро» легли в основу спектакля «Александр Вертинский. Желтое танго», созданного актером Сергеем Федотовым и рассказывающего о московском периоде жизни артиста, Гражданской войне, 25 годах эмиграции.

Федотов Сергей Вадимович

Родился в городе Выборг Ленинградской области 29 июля 1973 года.
До того как Сергей Федотов сделал свой собственный театральный проект, молодой актёр отучился в Щепкинском театральном училище, пробовал работать в двух московских театрах и снялся в шедевре Никиты Михалкова "Сибирский цирюльник".

Спектакль впервые был поставлен в 2000 году и до сих пор пленяет публику.

Самое удивительное, что Сергей Федотов даже не пытается, как многие, копировать манеру Вертинского (это и невозможно), но – изящный взмах руки, легкое грассирующее «р» - и перед Вами - абсолютно узнаваемый образ великого шансонье. В последнее время его песни вновь звучали по-своему интересно из уст рок-мэтров Андрея Макаревича, Бориса Гребенщикова и Гарика Сукачева, не стесняющихся признаться в любви к Вертинскому. Но уловить тонкость авторской интонации, прислушаться к душе гения и выразить ее голос так бережно и нежно при полном сохранении собственной индивидуальности удавалось немногим. Сергею Федотову это удалось, и это редкая удача.

Я помню, как меня всегда поражала песня про погибших юнкеров в исполнении Валерия Ободзинского. Этот романс о 300 погибших юнкерах в годы революции не может не тронуть душу.

Я не знаю зачем и кому это нужно,
Кто послал их на смерть недрожавшей рукой,
Только так беспощадно, так зло и ненужно
Опустили их в вечный покой.

Осторожные зрители молча кутались в шубы,
И какая-то женщина с искаженным лицом
Целовала покойника в посиневшие губы
И швырнула в священника
Обручальным кольцом.

Закидали их елками, замесили их грязью
И пошли по домам под шумок толковать,
Что пора положить бы конец безобразию,
Что и так уже скоро мы начнем голодать.

И никто не додумался просто стать на колени
И сказать этим мальчикам, что в бездарной стране
Даже светлые подвиги - это только ступени
В бесконечные пропасти к недоступной весне.

После революции 1917 Вертинский пришёл к выводу, что ему не ужиться с новой властью.

Романс Вертинского «То, что я должен сказать», написанный под впечатлением гибели трёхсот московских юнкеров, возбудил интерес Чрезвычайной комиссии, куда и вызвали артиста для дачи объяснений. Сохранилась легенда, что когда Вертинский возмущённо заметил представителям ЧК: «Это же просто песня, и потом, вы же не можете запретить мне их жалеть!», он получил чёткий, лаконичный ответ совсем в духе времени: «Надо будет, и дышать запретим!».

Этот романс не может не трогать за душу. Безусые юнкера были отправлены на бойню своими офицерами. Восстание юнкеров в Москве, Киеве, Петербурге описано во многих произведениях. Архиепископ Камчатский Нестор в грозные дни ноября 1917 был в Москве и описал в своей книге разгром Кремля. И кому это нужно?!!!

Сергей Федотов тоже исполнял эту песню, но...не так, как Ободзинский и не так,как Вертинский. Но Ободзинский - лучше всех.

Но спектакль о Вертинском удался. Я с удовольствием слушал рассказ о его жизни.

Родился Александр Николаевич Вертинский  19 марта 1889 года. Родители, Николай Петрович Вертинский и Евгения Степановна Сколацкая, не состояли в официальном браке. Дети (кроме Александра была дочь Надежда) были официально усыновлены отцом. Когда Александру было три года, умерла мать, а спустя два года погиб от скоротечной чахотки отец. Брата и сестру взяли на воспитание сёстры матери в разные семьи. Всячески препятствуя их общению, тётки сообщили Александру заведомую неправду о смерти сестры. Встретились брат и сестра уже взрослыми.

Уже в гимназические годы Вертинский увлёкся театром, выступал в любительских спектаклях и в качестве статиста на сцене киевского Соловецкого театра.

Его развитие и творческой стиль начали складываться в киевском литературном собрании Софьи Николаевны Зелинской. В её доме собирались многие интересные люди – поэты Кузьмин, Владимир Эльснер, художники Александр Осмеркин, Казимир Малевич, Марк Шагал, Натан Альтман.

В этот период Вертинский пробует заняться литературным трудом, в газете «Киевская неделя» появляются его рассказы – «Портрет», «Папиросы «Весна», «Моя невеста», а в еженедельнике «Лукоморье» – рассказ «Красные бабочки». Молодой поэт пишет театральные рецензии на выступления крупных знаменитостей – Шаляпина, Вяльцевой, Вавича, Ансельми, Каринской, Руффо. Его имя становится известным в среде киевской творческой интеллигенции.

В 1909-1910 гг. Вертинский переехал в Москву, стремясь найти себя и сделать карьеру, играл в маленьких студиях и кружках небольшие роли в модных пьесах, В начале 1912 Вертинский поступил в театр миниатюр М. А. Арцибушевой, где выступал с небольшими пародиями. Одной из первых работ Вертинского стал номер под названием «Танго»: балетная пара танцевала танго, а Вертинский, стоя у кулис, исполнял песенку-пародию на действие на сцене. Номер имел успех, и артист впервые увидел крошечную рецензию в прессе: полторы строчки в «Русском слове». В 1913 он попытался исполнить свою мечту – поступить в Московский художественный театр, однако не был принят из-за дефекта дикции: экзамен принимал сам Станиславский, и ему не понравилось, что молодой человек плохо выговаривает букву «р».

Во время Первой мировой войны, в конце 1914, Вертинский отправился добровольцем-санитаром на поезде, который курсировал между передовой и Москвой и прослужил до весны 1915, когда после небольшого ранения вернулся в Москву.

После возвращения в Москву Вертинский начал выступать в театре миниатюр Арцибушевой, но уже с собственным номером – «Песенками Пьеро». В качестве «ариэток Пьеро» Вертинский исполнял свои стихи, положенные им на музыку, чаще всего собственного сочинения:

Циклы стихов Вертинского рождались как «вариации на тему», для них характерно перенесение человеческих эмоций на неодушевлённые предметы, использование экзотических названий и сравнений как попытка ослабить или же совершенно снять довлеющее ощущение материальности мира. При этом в своих стихах он стремился показать, что никем не понятый, одинокий человек беззащитен перед лицом огромного безжалостного мира. Именно поэтому песенки Вертинского оказались «впору любому», каждый мог увидеть в них себя. Он избавился от традиций русского романса, которые уже стали рутиной, и предложил эстраде другую песню, связанную с эстетикой новейших течений в искусстве и культуре, и, прежде всего, авторскую художественную песню.

Вертинскому удалось создать новый жанр, которого ещё не было на русской эстраде. Привлекательным для публики был также особенный стиль Вертинского, сценическая маска. С середины 1915 по конец 1917 артист выступал в гриме печального Пьеро. Казалось бы, белый Пьеро не годился для исполнения лирических и даже трагических песенок о любви, дружбе и смерти, ведь Пьеро – буффон французского варианта комедии дель арте. Однако, для искусства серебряного века был характерен поиск маски, неповторимого образа в искусстве.

В конце 1917 он отправился вместе со многими своими коллегами гастролировать по южным городам России, вслед за отступающей белой армией. Почти два года Вертинский провёл на юге, давал концерты на подмостках маленьких театров, в литературно-артистических обществах: Екатеринослав, Одесса, Харьков, Ялта, Севастополь. Он покинул Россию в 1919 на пароходе «Великий князь Александр Михайлович».

Артист отправился в Польшу, где провёл 1922-1923 гг. В этот период Вертинский впервые обратился в советское консульство в Варшаве с просьбой о возвращении в Россию, под прошением поставил положительную резолюцию советский посол в Польше П. Л. Войков, по совету которого Вертинский и предпринял эту попытку. Ему отказали. В эти годы Вертинский с большим успехом гастролировал в Австрии, Венгрии, Бейруте, Палестине, Египте, Ливии, Германии. В Берлине он прожил с 1923 по 1925., там же женился на дочери русских эмигрантов Потоцких, Раисе, с которой познакомился в Сопоте. Однако семейная жизнь не сложилась, и пути молодых супругов быстро разошлись. Вновь они встретились уже в Шанхае, когда встал вопрос о втором браке Вертинского. К середине 1920-х гг. Вертинский становится мировой знаменитостью, однако, когда он попытался вторично обратиться к главе советской делегации в Берлине А. Луначарскому с просьбой о возвращении на родину, ему снова отказали. Вертинский отправился в Париж — столицу творческой эмигрантской интеллигенции.

Осенью 1934 пароход «Лафайет» увёз Вертинского в Америку, он гастролировал в Нью-Йорке, Сан-Франциско, Лос-Анджелесе, Чикаго. Здесь Вертинский выступал в нью-йоркском «Таун-холле», в крупных мюзик-холлах, имел успех. В Голливуде ему предложили сниматься в фильме, но сценарий был написан на английском языке. Неплохо владея немецким и в совершенстве зная французский язык, Вертинский не переносил английскую речь и отказался от съёмок.

В период эмиграции артист достиг своего творческого расцвета, Вертинский был популярен не только в среде эмигрантов, он имел мировую известность, несмотря на то, что исполнял свои песни исключительно на русском языке. Успеху Вертинского способствовали его великолепные артистические данные и уникальная исполнительская манера – с первых минут общения с аудиторией артист умело «настраивался» на неё. Оттеняя тонкими нюансами исполнение своих песенок, он мог придать им иной смысл, рассмотреть их под другим углом зрения, сделать более близкими и понятными именно этой аудитории.

В октябре 1935 Вертинский уехал в Китай в надежде обрести русского слушателя в лице большой эмигрантской общины в Шанхае. Здесь артист оставался до 1943, до своего возвращения в Советский Союз. Живя в Китае, Вертинский впервые в своей эмигрантской жизни узнал нужду, кроме того, для артиста, привыкшего вращаться в мировых центрах, жизнь в Китае выглядела очень провинциальной. Он пел в кабаре «Ренессанс», в летнем саду «Аркадия», в кафешантане «Мари-Роуз», но это были очень скромные заведения.

В жизни артиста наступил кризис. В этот момент Вертинского пригласили в советское посольство и предложили вернуться на родину, предъявив «официальное приглашение ВЦИКа, вдохновлённое инициативой комсомола». Это был 1937 год. Для Вертинского приглашение было большой неожиданностью, он стремился как можно скорее разделаться с долгами, чтобы уехать в Советский Союз. Для этого Вертинский решился вступить в рискованное предприятие, он стал совладельцем кабаре «Гардения», которое потерпело финансовый крах через месяц.

В это же время артист начал работать в советской газете «Новая жизнь» в Шанхае, выступать в клубе советских граждан, участвовать в передачах радиостанции ТАСС, готовить воспоминания о своей жизни за рубежом. Таким образом артист пытался продемонстрировать лояльность к советской власти, почувствовать себя полноправным гражданином родной страны. Однако, бумаги на въезд в СССР задерживались, в том числе и по причине начавшейся войны 1939-1945 гг.

26 мая 1942 года Вертинский вступил во второй брак с Лидией Владимировной Циргвава, двадцатилетней дочерью служащего КВЖД. После японской оккупации материальное положение семьи стало очень тяжёлым. Вертинский отчаялся получить разрешение вернуться на родину, но в 1943 он предпринял последнюю попытку и написал письмо на имя В. М. Молотова. Разрешение было получено. В конце 1943 семья Вертинских с четырёхмесячной дочерью Марианной поселилась в Москве на улице Горького.

В конце 1944 в семье Вертинских родилась вторая дочь Анастасия. И я люблю его песню, которую он посветил доченькам «Доченьки»,

Вертинский неподражаем.

Неужели этого не понимает Олег Погудин?

А Домогаров мне понравился, но и это не Вертинский  

Казалось бы, жизнь на родине складывалась счастливо и удачно. Однако, из ста с лишним песен из репертуара Вертинского к исполнению в СССР было допущено не более тридцати, более того, на каждом концерте присутствовал цензор, который зорко следил, чтобы артист не выходил за поставленные рамки. Концерты в Москве и Ленинграде были редкостью, на радио Вертинского не приглашали, пластинок почти не издавали, не было рецензий в газетах. Выступал он в основном в провинции, в небольших отдалённых городах, добираться до которых, жить в тяжёлых бытовых условиях было часто не под силу немолодому человеку. Материальные трудности усугублялись душевным одиночеством артиста, привыкшего общаться с творческой и духовной элитой европейских столиц.

В 1956 году он писал жене: Я перебрал сегодня в уме всех своих знакомых и 'друзей' и понял, что никаких друзей у меня здесь нет! Каждый ходит со своей авоськой и хватает в неё всё, что ему нужно, плюя на остальных. И вся психология у него 'авосечная', а ты — хоть сдохни — ему наплевать! <…> Ты посмотри эту историю со Сталиным. Всё фальшиво, подло, неверно <…> На съезде Хрущев сказал: «Почтим вставанием память 17 миллионов человек, замученных в лагерях». Ничего себе?! Кто, когда и чем заплатит за «ошибки» всей этой сволочи?! И доколе будут измываться над нашей Родиной? Доколе?…

Вертинский написал даже песню О Сталине. Ее, конечно никто не исполняет, но мне она кажется странной.

Умер Александр Николаевич Вертинский 21 мая 1957 года в Москве и похоронен на Новодевичьем кладбище.

Вот такой остался у меня в памяти спектакль.

Советую всем посмотреть!

И в конце даю ссылку на страницу, посвященную великому русскому актеру, певцу и поэту Александру Николаевичу Вертинскому (1889 - 1957) - человеку удивительной судьбы, покинувшему Россию, как и многие наши соотечественники, с отступающей белой армией, после чего обретшему мировую славу, совершившему кругосветное путешествие со своими концертами, и, наконец, вернувшемуся в 1943 году на родину (уже в Советский Союз) по личному разрешению Сталина, где его также ождали известность и огромный успех.

Всего в коллекции 88 записей в формате mp3. Для скачивания отдельных песен лучше использовать правую кнопку мыши и выбирать опцию "Сохранить объект как...". Фотографии можно рассмотреть более крупным планом (кликните по интересующей фотографии)

В конце монго повествования не могу удержаться от общих размышлений о современном шоу-бизнесе.

Никто из современных певцов при всем их старании не может так бередить душу, как делает это уже более 100 лет Александр Вертинский.

Газманова песня прогоспод офицеров тоже трогает душу, но не так, как песня Вертинского про юнкеров.

Вертинский был трагическим артистом, от него до сих пор почтенную публику пробирает дрожь. Классические русские романсы – это острые скальпели для человеческой души, они бередят старые раны, кромсают сердце. В романсах слишком много боли. А современные шоу-мены – это такие чупа-чупс на палочке. Чтобы гулять по глобальному супермаркету с карамелькой за щекою.  Мне за державу обидно! Ведь отечественные музыкальные продюсеры уже много лет калечат психику слушателей, приучая их к чудовищному ширпотребу. И формируют соответствующие представления о красоте и гармонии. А все более-менее качественное и самобытное остается за рамками официального формата. Потому и собирает этот спектакль уже более 10 лет народ, который до сих пор помнит Александра Николаевича Вертинского.

Почему Вертинский душу бередит?

Он как никто другой чувствовал драму любви, ее иллюзорность и подлинность в одно и то же время, ее сложность, не подвластную никакой логике и никаким расчетам. Не ветреность эстетизирует Вертинский в своих романсах, но вечную интригу любви и различные ее стадии, ее безотчетное пробуждение и тайные знаки, ее способность заменить человеку весь мир и ее умение весь мир у него отнять.

И не верьте Вертинскому, года он говорит

Понять женщин Вертинский стремился всю жизнь.

«Ваш любовник скрипач, он седой и горбатый. Он вас дико ревнует, не любит и бьет. Но когда он играет «Концерт Сарасате», Ваше сердце, как птица, летит и поет». Этот сюжет навеян совершенно конкретным случаем. Однажды в черновицком кафе (Черновцы были тогда вполне «европейским» румынским городом) Вертинский увидел немолодую, но все еще очень красивую женщину, в позе которой, как он рассказывал, было нечто обреченное. Да и весь ее облик - жакет, сумка, туфли - подходил под пошловатое определение: «остатки прежней роскоши». Но вот на эстраду вышел скрипач - толстый, некрасивый румын с напомаженными волосами, с фальшивым огромным бриллиантом на пальце, и, припав порочным лицом к скрипке, взмахнул смычком. Это был Владеско, знаменитый скрипач, ресторанный гений, исторгавший стоны и рыдания не только из своего: инструмента, но одновременно из сердец самой: пресыщенной публики. При этих страстных, тоскующих, бередящих душу звуках лицо обреченной, увядшей женщины преобразилось, запылало волнением и восторгом, как от бокала превосходного шампанского. И глаза ее засверкали наркотическим блеском, будто от порции кокаина. Вертинскому рассказали: это некогда европейски известная певица Сильвия Тоска, влюбившись в скрипку Владеско, она забросила свою карьеру, ушла от богатого мужа, растратила состояние только лишь для того, чтобы следовать повсюду за этим пошлым и жадным кабацким Паганини, который обращался с ней, как с опостылевшей, ни на что не годной собакой.

Есть у Вертинского нечто вроде маленькой поэмы «Концерт Сарасате», не такая общеизвестная, как, скажем, «В синем и далеком океане» или «Бразильский крейсер», но зато поразительная по знанию женского сердца и по той откровенности, с какой это знание декларируется.

Он альфнс по призванью и умеет из женщины сделать "зеро". Но простить ему можно все за концерт Сарасате.

Мало кому сегодня известно имя великого испанского скрипача и композитора Пабло Сарасате. П абло де Сарасате (полное имя: Пабло Мартин Мелитон Сарасате-и-Наваскес) по праву признан одним из самых выдающихся скрипачей второй половины XIX века, чья игра поражала легкостью и изяществом, феноменальным виртуозным мастерством. Его справедливо называли певцом испанского народа, потому что искусство музыканта было тесно связано с народными песнями и танцами, получившими в его обработках и вариациях яркую концертность. 

Пслушайте испанские напевы Сарасате.

Сарасате называли «Паганини конца века». Его игра пленяла романтической приподнятостью и благородством, исключительным виртуозным совершенством, свободой, легкостью бисерной техники, воздушными летучими штрихами.  Певучее, серебристое звучание скрипки  передавало каждое движение его  художественной  мысли.

Опять же по легенде, подлинность которой трудно как подтвердить, так и опровергнуть, у Вертинского в Голливуде был роман с Марлен Дитрих. Почему и нет, познакомились они еще в Париже, оба были изгнанниками, великая Марлен, судя по ее мемуарам, питала слабость ко всему русскому... Так или иначе, но слова остроумной песенки «Марлен», посвященной знаменитой немке, свидетельствуют об определенной короткости отношений. Ибо кому же, как не близкому человеку известны все привычки, капризы и причуды «звезды».

« Вас не трудно полюбить,
Нужно только храбрым быть,
Всё сносить, не рваться в бой
И не плакать над судьбой.

Надо розы приносить
И всегда влюблённым быть,
Не грустить, не ревновать,
Улыбаться и вздыхать.

Надо вас боготворить,
Ваши фильмы вслух хвалить,
И смотреть по двадцать раз,
Как актер целует вас…

На ночь надо вам попеть,
С поцелуями раздеть,
Притушить кругом огни.
Завтра съемка… Ни-ни-ни…
И сказать, сваривши чай - Гуд бай!»

Как бы ни льстила его самолюбию связь со «звездой», он прекрасно отдает себе отчет в том, насколько она губительна не только для его таланта, но и для нормального человеческого самосознания и самоуважения.

"Сегодня томная луна,
Как пленная царевна,
Грустна, задумчива, бледна
И безнадежно влюблена...."

«Прощальный ужин» - может быть, главный шедевр Александра Вертинского. Особенно в чисто исполнительском, актерском плане. Сюжет, как всегда, мелодраматичен и откровенен. Завершается связь, яркая, с самого начала обреченная на скорый конец. Жизнь сделала нелогичный, упоительный зигзаг, долго так продолжаться не может. Надо возвращаться к своему привычному образу бытия, налаженному и обеспеченному - с одной стороны, стихийному и призрачному - с другой. Такой роман необходимо завершить вовремя, чтобы сохранить о нем воспоминание как о «золотых днях украденного счастья». Иначе он превратится в свою противоположность, в нескончаемую муку, в страдание, в ненависть. Уходить надо вовремя. Герой Вертинского слишком опытный мужчина, чтобы этого не понимать. Уходить надо красиво, накрыв последний ужин на двоих на террасе приморского ресторана, у самого прибоя, в изумительный час сумерек, когда море на мгновение становится светлее неба.

" Я подымаю свой бокал
За неизбежность смены,
За Ваши новые пути
И новые измены.

Я не завидую тому,
Кто Вас там ждет, тоскуя...
За возвращение к нему
Бокал свой молча пью я!

Я знаю. Я совсем не тот,
Кто Вам для счастья нужен.
А он - иной... Но пусть он ждет,
Пока мы кончим ужин!

Я знаю, даже кораблям
Необходима пристань.
Но не таким, как я! Не нам,
Бродягам и артистам!"

Как важно в жизни - жить! любить! и ненавидеть! И нужно только слушать душу!

"Кто знает, что такое “музыка Души”? –
Боюсь, не каждый, и весьма печально это,
Поскольку мы всю жизнь за грёзами спешим,
Не ведая: вот-вот, и… “наша песня спета”!..

И сколько нот в той дивной музыке без слов? -
В ней тембр насыщен – и глубок, и очень звонок,
Он от безмерной нежности, красивых снов,
И потому, наверно, хрупок, как ребёнок!..

Любовь теряем, иль, порой, не дорожим
Друзьями настоящими из-за капризов;
Глядишь… и вскоре безразличен стал к чужим,
И даже к собственным потерям и обидам… "

Вольтер когда-то сказал, что поэзия-музыка души. В этом и есть секрет Вертинского. А закончу я романсом "Гори, гори моя звезда! Звезда любви волшебная!" в исполнении Алисы Френдлих

Внуку уже 10 лет, и пора уже рассказывать ему о славной истории России. Поехали в Выборг, который находится на расстоянии 120 км от нашей дачи, и 170 от Санкт-Петербурга. Приозерское шоссе соединяется с автобаном "Скандинавия" прямым, как стрела Рощинским шоссе. Правильнее назвать автобаном Рощинское шоссе, по которому мы летели со скоростью 140 км в час, а на Скандинавии стояли в пробке минут 40 из-за ремонта.

Выборг (фин. Viipuri, швед. Viborg) — расположен на берегу Финского залива в 122 км к северо-западу от Санкт-Петербурга. Средневековая часть Выборга расположена на полуострове, протянувшемся с юго-востока на северо-запад между Южной и Северной гаванями. Заливы связаны между собой Крепостным проливом в центре которого находится Замковый остров, где и расположен Выборгский замок.

Датой основания Выборга принято считать 1293 год. В 1323 году, между Швецией и Новгородом был заключен Ореховецкий мир, и земли к северу от реки Сестра официально сделались шведскими.В 1470—75 годах при наместнике Эрике Аксельссоне Тотте замок дополняет возведенная вокруг города крепостная стена с десятью башнями. В 1555 году крепостная стена перестраивается, и возникает вторая крепость Выборга — Рогатая крепость. Надстраивается башня Улофа в замке. В июне 1710 года, город осаждает восьмитысячное войско во главе с Петром Первым, и после шестинедельной осады последний комендант Выборга Магнус Стиентоле сдает город и шведский период в истории Выборга заканчивается. После окончания Северной войны по Ништадтскому мирному договору 1721 года побережье Балтики от Выборга до Риги входит в состав России.

В 1730-1742 годах строится третья выборгская крепость — Аннинские укрепления к северу от города. Они возводятся под руководством генерал-фельдмаршала Миниха, позже - А. П. Ганнибала по последнему слову фортификационной техники и получают имя Святой Анны.

В 1812году в состав России входит Великое Княжество Финляндское и Выборг становится административным центром Финляндии. В 1860-е годы сносятся стены Рогатой крепости, и возводится четвертая выборгская крепость (арх. Тотлебен) — Восточно-Выборгские укрепления на Батарейной горе. Изменяется облик города: в 1861 году утверждается генеральный план застройки Выборга, и на месте снесённых укреплений Каменного города и Рогатой крепости прокладываются новые улицы и разбиваются парки. В 60-х годах XIX века по проекту фортификатора Э. И. Тотлебена за Петербургским форштадтом возводятся Восточно-Выборгские укрепления.

В 1918 году после гражданской войны Финляндия вышла из состава России.13 марта 1940 года после окончания двухлетней Северной ("Зимней" или "Карельской") войны, когда основные укрепления линии Маннергейма были прорваны, Выборг входит в состав Советского Союза как город в Карело-Финской ССР. 29 августа 1941 года после вторжения финнов на Карельский перешеек Выборг вновь в составе Финляндии. а 14 сентября заключается мир между Финляндией и СССР. Выборг входит в состав России окончательно.

И вот мы в Выборге. Припарковались на Красной площади.

Главная площадь Выборга носит название Красной. На ней, как и полагалось в советские времена был поставлен памятник Ленину, около которого проходили демонстрации и парады. Но название площади происходит от исторического названия этого места – площадь Красного колодца. Еще в средние века на пустыре за городскими валами был источник. В 1559 году рядом с ним произошло одно из самых мрачных событий выборгской истории. По приказу претендента на шведский престол герцога Карла здесь были казнены сторонники законного правителя короля Сигизмунда. В числе казненных оказались комендант замка и многие представители местной аристократии. По легенде, воды источника в тот день окрасились кровью. Когда позднее на этом месте построили колодец, он стал называться красным. Возможно также, что сруб его был окрашен в красный цвет.

Напротив "Красной Площади"  парк, который ранее называвался Эспланадой. Он был разбит в 60-х годах XIX в. В парке  находится здание городской библиотеки, построенное в 1935 году по проекту известного архитектора Аалвара Аалто (здание включено в список памятников культуры Юнеско).

После "реставрации"  этот памятник Юнеско стал выглядеть весьма непрезентабельно. Аалто обращал внимание не только на экстерьеры, но и на интерьеры тоже. Например, в читальном зале он измыслил волнообразный потолок с чудо-фонарями по всей его площади. А еще придумал чудо-отопление. Залы были снабжены двойными стенами, и все коммуникации проходили между ними. В результате стеллажи с книгами можно было придвинуть вплотную к стенам, за счет чего экономилось полезное пространство. Впрочем, после "реставрации" отопление заменили обычными радиаторами.

В парке также три замечательных произведения искусства обращают на себя внимание - скульптура "Лось". (Скульптор Ю. Мянтюнен, 1928 год. Эта парковая скульптура в финском Выборге была куплена за деньги, завещанные для украшения города выборгским аптекарем и меценатом Й. К. Цвейгбергом.)

Еще одна необычная скульптура «Юный лесник» привлекла наше внимание ( Скульптор Юри Лиипола, 1932 год.)

Еще одна необычная скульптура вырезана из цельного дерева. Она напоминает языческие времена. Это идол вепсов и корелов.

Это изображение Вия. Vii – имя языческого бога. Vii – считался стражем домашнего благополучия, духом береговой удачи и символом неиссякаемого счастья на берегу. Лик этого божества когда-то считался непременным талисманом каждого дома. Борг по шведски - крепость. Отсюда и пошло название города - Выборг.

Далее мы прошли мимо Спасо-Преображенского собора

Напротив которого находится главный кафедральный лютеранский собор Выборга, который почему-то носит название собора Петра и Павла.

Фонтан Медведь перед ним

Собор лютеранский, поэтому внутри нет никаких украшений.

А около собора стоит памятник монаху Агриколе, которого считают основателем финского языка.

Микаэль Агрикола - личность, высоко почитаемая в Финляндии. Поскольку дата его рождения не известна, день его смерти - 9 апреля - считается в Финляндии национальным праздником - Днем Микаэля Агриколы или Днем финского языка. Ежегодно в этот день Обществом финской литературы вручаются премии за лучшие переводы произведений мировой литературы на финский язык.
       По данным летописцев, он внезапно умер недалеко от Выборга по дороге из Москвы, где в составе шведской дипломатической миссии вел переговоры с русским царем Иваном Грозным об условиях мира между Швецией и Россией.

Пройдя мимо Часовой башни, которая спряталась во дворе, мы направились к главной достопримечательности Выборга - Выборгскому замку.

Часовая башня построена в 1494 году.

Улица Крепостная привела нас к Ратушной площади, где стоит памятник основателю Выборга Кнутссону.

Свое название город Выборг получил от одноименной крепости, которую шведы первым делом и построили. Начато сие действо было в 1293 г. Есть несколько идей по поводу происхождения данного имени.

Различные варианты написания слова Выборг на шведском и немецком языках: Viborg, Vikborg, Vidborg, Viehborg могут переводиться как «святая крепость», «крепость у залива», и место «у крепости», и «крепость в краю, где разводят скот». Однако, в связи с первым упоминанием названия Выборг в письме шведского короля Биргера Магнуссона рату (городскому совету) Любека (1295 год), где говорится о возведении замка «во имя Всевышнего и пресвятой Девы», значение «святая крепость» представляется наиболее очевидным. Эта версия находит подтверждение в том факте, что в пределах расселения скандинавов название «Виборг» встречается довольно часто. Например, это имя до сих пор носит город в Дании, а также ряд деревень в Швеции.

Кнутссон основал здесь крепость, которую никто не мог взять штурмом.

За всю историю города в его пределах и окрестностях произошло 54 крупных или мелких войнушек. Крепость атаковали постоянно. При Иване III в 1495 г. русским практически удалось взять крепость штурмом, пробив в одной из стен приличную дыру и порушив пару башен. Однако в крепость они так и не вошли.

Существует ряд полуобъяснений полулегенд по этому поводу. Одна из них гласит, что хитрые монахи, прятавшиеся за крепостными стенами, при помощи системы зеркал смогли спроецировать на облака некий светящийся крест, думая таким макаром напугать русских. Однако же русские восприняли сей знак как положительный и еще сноровистее стали атаковать, да где-то просчитались.

По другой легенде, называемой “Выборгским громом”, в дело вмешались темные силы. “Выборгский гром” легенды связывают с комендантом Выборгской крепости Кнутом Поссе, руководившим обороной города. Финский писатель Захарий Топелиус (XIX в.) о нём говорит так: “…Кнут Поссе был столь же ловок, сколь и храбр; он получил образование в Париже. Этот комендант–колдун в разгар осады крепости сварил в огромном котле страшное зелье, состоящее из змей, жаб, ртути, золы и соли. Потом он велел отнести это зелье под стены единственной уцелевшей башни, а своим подданным приказал уши замазать воском. Тогда-то и раздался оглушительный взрыв…”

Во время взрыва погибло очень много как русских воинов, так и самих шведов. Кроме того, такой мощный взрыв каменного сооружения люди вообще наблюдали впервые. Потрясение было столь сильным, что воевать как-то сразу расхотелось. Да и зима была на носу. А потому русские войска повернули до дому.

Покорить крепость удалось лишь Петру I в 1710 г. Это был уже второй поход Петра на Выборг. Первый окончился неудачно, так как продовольственные обозы и артиллерия увязли по дороге в оврагах и болотах. Во второй поход войско подготовилось значительно исправнее и достигло пределов города в полном боекомплекте.

Обычно крепость все пытались атаковать с воды, которая омывает ее с трех сторон. С четвертой крепость была столь сильно укреплена, что никому и в голову не приходило атаковать ее с суши. Никому, кроме Петра. Он разыграл перед шведами спектакль. Со стороны воды на противоположном берегу залива русские старательно делали вид, что готовятся к атаке: строили деревянные плоты и прочие штурмовые приспособления.

Со стороны же суши недалеко от крепости был небольшой холм, за которым находился пологий обрыв. Вот там как раз Петр сосредоточил тяжелую артиллерию, невидимую защитникам крепости. А потом как пошли русские поливать крепость ядрышками! Да не абы как, а строго в одну точку главной башни и в одну и ту же стену. Таким макаром они достаточно быстро и основательно повредили цитадель, а в стене пробили отличную дырку. Но штурмовать крепость не пришлось. Видя такое коварство русских, и прекрасно понимая, что подмоги не будет, шведы выбросили белый флаг.

Таким образом крепость впервые в истории была покорена. О чем ныне свидетельствует памятник Петру, стоящий на высоком постаменте и сверху поглядывающий на побежденную крепость.

В рамках празднования 300-летия взятия Выборга русскими войсками в ходе Северной войны (1700-1721-е годы) в городе был открыт памятник генерал-адмиралу, графу Федору Матвеевичу Апраксину. Апраксин был видным государственным деятелем и сподвижником Петра Первого.

В ходе Северной войны Федор Матвеевич руководил русским флотом. А многие историки склоняются к тому, что он сыграл ключевую роль в победе русской армии в Северной войне.

Восемь тысяч солдат под командованием Ф.М. Апраксина, 21 марта 1721 года, пройдя по льду Финского залива тяжелейший путь от Кронштадта, подошли к Выборгу. Началась подготовка к штурму. С прибытием 9 мая русского флота (Петр находился в его составе в качестве контр-адмирала), доставившего 7 тысяч человек, 80 пушек, 28 мортир и 190 ручных мортирок, подготовка к штурму была завершена. С 1 по 6 июня крепость подверглась жестокой бомбардировке. 7 и 8 июня русские части готовились к штурму, но 9-го, видя бессмысленность сопротивления, шведы начали переговоры о сдаче крепости, которая и состоялась 12 июня.

Выборгский звмок считается единственным средневековым замком России. Мы с интересом осмотрели его.

Побродив по замку, мы посетили и краеведческий музей, расположенный в его стенах. Детям понравились экспозиции по истории древнего Выборга, Выборг в годы 2 мировой войны, но наибольший интерес вызвала выставка "Природа Карельского перешейка".

Карельский перешеек сформировался 5 тысяч лет назад, в ходе Валдайского оледенения. Огромные массы льда достигавшие толщины 1000 метров сползали со Скандинавских гор, обнажая кристаллические породы, увлекая за собой огромные валуны. Особенностями рельефа, разнообразием полезных ископаемых перешеек обязан именно леднику. В экспозиции представлены образцы полезных ископаемых Карельского перешейка, его богатый животный и растительный мир.

В диорамах (видах через стекло) показаны сцены из жизни животных среди родной стихии. Здесь мы познакомились с брачным ритуалом глухарей, особенностями воспитания молодых соловушек, хитроумным поведением огненной лисицы, повадками рыси, зимней жизнью клестов.

Выйдя из музея, мы пошли на рыночную площадь, где стоит круглая башня и много интересных зданий.

Эта башня представляет собой остатки средневековых оборонительных укреплений. Круглая башня залодена в 1547 году. С 1923 года и по настоящее время используется как ресторан.

А потом мы доехали до входа в парк Монрепо. Но пошел дождь, и мы решили отложить прогулку по этому замечательному парку на следующий раз.

Ограничимся только краткой исторической справкой. Монрепо в переводе с французского означает - мой отдых.

Историческое ядро музея-заповедника — усадебно-парковый ансамбль конца XVIII — начала XIX вв. В него входят: Главный усадебный дом и Библиотечный флигель — памятники деревянной архитектуры классицизма и пейзажный скальный парк романтического стиля — уникальный памятник садово-паркового искусства. В создании парка принимали участие архитекторы Д.А. Мартинелли, О. Монферран, Т. де-Томон, А. Штакеншнейдер, Ч.Х. Тэтам, художники Я. Меттенлейтер и П. Гонзаго, скульпторы И. Таканен, Г. Боруп, садовые мастера И.Э. Бистерфельд и Цвейгер.

Вот такой оказалась поездка в Выборг.

8 октября 2011 года исполнится 100 лет содня рождения Марка Наумовича Бернеса.

В НИИ РГ состоялся творческий вечер Эмиля Зигеля, полковника, ветерана ВОВ, профессора-музыковеда, который теперь живет в Израиле, но в свои 87 лет с удовольствием ездит по России и выступает с концертами. Он познакомился в санатории в Кисловодске с директором института, где работает Ирочка, и тот пригласил его в институт, зде сегодня, 4 августа, в 12часов состоялся концерт. В 87 лет Эмиль Зигель обладает светлой головой и способностью заряжать людей свлей энергией.

Начал он свой разговор с того, как он аккомпанировал в 1944 году, будучи курсантом Ульяновского училища связи, Марку Бернесу.

И слушая Зигеля, я окунулся в воспоминания своего детства. Я помню фильмы с его участием. Два товарища, Истребители, Большая жизнь, его задущевные песни.

1. Тучи над городом встали из кинофильма «Человек с ружьём» (муз. и сл. Павла Арманда)
2. Любимый город из кинофильма «Истребители» (муз. Никиты Богословского, сл. Евгения Долматовского)
3. Спят курганы тёмные из кинофильма «Большая жизнь» (муз. Никиты Богословского, сл. Бориса Ласкина)
4. Тёмная ночь из кинофильма «Два бойца» (муз. Никиты Богословского, сл. В. Агатова)
5. Шаланды, полные кефали из кинофильма «Два бойца» (муз. Никиты Богословского, сл. В. Агатова)
6. Песня о Ленинграде из кинофильма «Два бойца» (муз. Никиты Богословского, сл. Михаила Голодного)
7. Наша любовь из кинофильма «Большая жизнь. 2 серия» (муз. Никиты Богословского, сл. В. Агатова)
8. Три года ты мне снилась из кинофильма «Большая жизнь. 2 серия» (муз. Никиты Богословского, сл. Алексея Фатьянова)
9. Разгулялся вольный ветер из кинофильма «Школа мужества» (муз. Михаила Зива, сл. Вадима Коростылёва)
10. Песня посвящается моя (муз. Бориса Мокроусова, сл. Якова Хелемского)
11. Песня (Романс) Рощина из кинофильма «Разные судьбы» (муз. Никиты Богословского, сл. Николая Доризо)
12. Воспоминание об эскадрилье «Нормандия» (муз. Марка Фрадкина, сл. Евгения Долматовского)
13. Песня о Родине из кинофильма «Ночной патруль» (муз. Андрея Эшпая, сл. Льва Ошанина)
14. Песня пилотов из кинофильма «Цель его жизни» (муз. Владимира Юровского, авт. сл. неизв.)
15. Песенка-импровизация из кинофильма «Звёзды встречаются в Москве» (авторы неизвестны)
16. Если бы парни всей земли (муз. Василия Соловьёва-Седого, сл. Евгения Долматовского)
17. Вечерняя песня (муз. Василия Соловьёва-Седого, сл. Александра Чуркина)
18. Хотят ли русские войны (муз. Эдуарда Колмановского, сл. Евгения Евтушенко)
19. Враги сожгли родную хату (Прасковья) (муз. Матвея Блантера, сл. Михаила Исаковского)
20. Журавли (муз. Яна Френкеля, сл. Расула Гамзатова, пер. Наума Гребнева)

Я выбрал всего 20 песен из 82, которые были в его репертуаре.

Самая моя любимая песня - Журали и Темная ночь.