Ханс Фредрик Гуде (норв. Hans Fredrik Gude; 13 марта 1825, Осло — 17 августа 1903, Берлин) — норвежский художник-пейзажист и маринист романтического направления, много лет проработавший в Германии, представитель Дюссельдорфской художественной школы.
Биография
Поезд невесты в Хардангере, (совместно с А.Тидемандом), 1848
Горы, (1857)

Х. Ф. Гуде учится рисованию в 1838—1841 годах в Королевской художественной школе в Осло под руководством Йоханнеса Флинто, затем с 1841 года в Дюссельдорфе, у Андреаса Ахенбаха. В 1842 году Гуде поступил в Дюссельдорфскую академию художеств, где обучался у Иоганна Вильгельма Ширмера. Окончил обучение в 1846 году и совместно со своим другом норвежским художником Адольфом Тидемандом уехал на родину. В 1848—1850 годах проживал в Осло, затем вернулся в Дюссельдорф. В 1852 году работы Х.Гуде были отмечены золотой медалью Берлинской академии искусств.

С 1854 года Х.Гуде — профессор Дюссельдорфской академии (по классу пейзажа). В 1861 году Гуде на время отказался от преподавательской работы и в 1862—1864 годах проживал в городке Бетвс-и-Коед, на севере Уэльса. В 1864—1870 годах Гуде возглавил Академию искусств в Карлсруэ, затем преподавал как профессор пейзажную живопись в той же Академии (в 1874-80 годах). В 1880 году переехал в Берлин, где проживал у своего зятя, скульптора Отто Лессинга, и преподавал в Берлинской Академии (в 1880—1901 годах). Член сената Берлинской Академии искусств.

Похоронен на Спасском кладбище в Осло.

1.

Художники стесняются говорить, что они украинцы. Это же надо так дожить, чтобы ненавистных поляков за родных принять! Для художника стало лучше быть поляком. А чел явно очень талантливый.

Польский художник. Iwan Kulik

Иван Кулик (Iwan Kulik) - польский художник украинского происхождения. Родился в 1959 году на Украине. С 1983 по 1989 годы изучал архитектуру интерьера и монументальную живопись в Институте Искусств и архитектуры в Харькове. В 1990 году приехал в Польшу и поселился в Варшаве.

Основную часть его творчества составляют картины маслом, которые объединяются в тематические циклы. Наиболее важными из них являются циклы, вдохновленные великими фигурами истории и искусства, настроением мест и портретами Своеобразным польским вкладом в творчество Ивана Кулика является фигура Станчика, которому он посвятил значительную часть своих картин.

С 2001 года художник также пишет гуашью картины, тематически связанные с выдающимися произведениями литературы. Первой композицией, который его вдохновил, он было произведение "Мастер и Маргарита". В этом цикле было создано около 700 работ, из которых 125 были использованы в галерее "Ади-Арт", а около 90, в издании "Мастера и Маргариты". В 2003-2004 годах был создан еще один цикл: "скотный двор", а затем "Дон Кихот".

Первая персональная выставка работ Ивана Кулика в Польше, состоялась в 1991 году в здании Сейма. С этого времени художник имел несколько персональных выставок, в основном в Варшаве, Лодзи и Сопоте, а также в Вене. В 2001 году Иван Кулик был приглашен известный итальянский виноградник Cormons для разработки этикетки на "Vino della Pace". Картины маслом и гуашью, которых во время пребывания художника в Польше было создано около 4000, находятся в руках частных коллекционеров по всему миру.

 

Раннее творчество Сальвадора Дали

«Предел тупости — рисовать яблоко как оно есть. Нарисуй хотя бы червяка, истерзанного любовью, и пляшущую лангусту с кастаньетами, а над яблоком пускай запорхают слоны, и ты сам увидишь, что яблоко здесь лишнее.»

Сальвадор Дали

Здравствуйте, дорогие читатели, в этой статье мы рассмотрим ранний этап творчества великого испанского художника-сюрреалиста Сальвадора Дали. Мы попробуем углядеть в его ранних работах черты будущего гения. В этой статье будет не так уж много текста, говорить я буду только тогда, когда это действительно необходимо. Здесь важнее видеть, чувствовать энергетику мастера, а не погружаться в искусствоведческие концепции.

Итак, наслаждайтесь и смотрите самые лучшие ранние работы гения. Под ранним творчеством я подразумеваю все картины автора до 1928 года. В 1929 году художник встретил свою музу, Галу Элюар и стал членом общества парижских сюрреалистов, и эти два события сильно повлияли на стиль художника. После 1929 года его творчество сильно изменилось и стало приобретать черты того самого, известного нам Дали. Об этом периоде будет следующая моя статья об испанском художнике, а пока смотрим поиски стиля ещё молодого автора.

1. Обнажённая, 1925 г. Картон, масло.

Если обрезать 90 процентов нижней части картины и кому-то показать как фрагмент полотна, то можно подумать, что это картина в традиционном стиле. Но верхняя часть картины сразу напоминает нам, с каким художником мы имеем дело. У обнажённой нет головы! Что хотел сказать этим Дали? Может быть отсутствие головы подразумевало отсутствие конкретной личности, конкретной персоны, и художник хотел таким образом изобразить женское начало? Но почему перед ней чаша для подаяний? Она просит себе на новую голову? Интересный момент: она обнажена, но сама только что скинула с себя одежды. Она просит подаяния в обмен на свою красоту? Эта картина вызывает больше вопросов, чем ответов. А что думаете вы, дорогие читатели? Отпишитесь, пожалуйста, в комментариях о своём видении Дали, мне очень интересно узнать ваше мнение!

2. Венера и матрос, 1925 г. Дерево, масло.

В этой картине уже чувствуется интерес Сальвадора Дали к сюрреализму, к метафизической живописи.

Andre Lhote / Андре Лот (1885—1962) Франция

Живописец, график, скульптор, искусствовед, педагог.
Родился в Бордо в семье скромного достатка. После окончания средней школы учился декоративной резьбе по дереву. В 1898—1904 гг. учился в Школе искусств в Бордо. В 1905 году Андре прекратил заниматься резьбой и сосредоточился на живописи. Он покинул дом своих родителей, поскольку они не одобряли его выбор. Через арт-дилера Пьера Дезире Мессоньева юноша познакомился в коллекционером современного искусства Габриэлем Фризо, другом Поля Клоделя, Франсиса Жамма и Андре Жида. Именно в доме Фризо Лот впервые увидел картины Поля Гогена. там же, в квартире Фризо, Лот познакомился с Жаком Ривьером, ставшим его другом на всю жизнь, и Аленом-Фурнье, будущим автором знаменитого романа "Большой Мольн".ПОсле переезда В Париж Лот выставил три свои картины в в Осеннем салоне. Экспонировавшая там ретроспектива Поля Сезанна стала для Лота ещё одним художественным открытием. В своих ранних, постимпрессионистских работах Лот отдал дань своим кумирам - Гогеру и Сезанну. Первую мировую войну Андре Лот провел в окопах. После войны его творчество приобретает черты фовизма, но вскоре в работах Лота становятся заметны элементы кубизма, и наконец, из синтеза влияний создается его собственный, узнаваемый стиль с оптимистичной палитрой. Андре Лот работал в жанровой, пейзажной, портретной живописи, создавал картины с мифологическими сюжетами, натюрморты и ню, иллюстрировал библиофильские издания. В 1918 г. он стал одним из соучредителей (вместе с Ривьером) журнала «Nouvelle Revue Francaise», где публиковал рецензии и статьи об искусстве вплоть до 1940 г.С этого же времени начинается долгая и активная педагогическая деятельность Лота. Свою первую академию (студию рисования) Андре Лот открыл на Монпарнасе в 1922 году. У него сразу сложился довольно большой круг учеников, среди которых были Анри Картье-Брессон и Дора Маар. Ученики не хотели прерывать занятия в академии на летний период и в 1925 году Лот купил в опустевшей деревне Мирманд дом, где работал и преподавал до конца своих дней. В поздние годы Лот также много преподавал в других странах, включая Египет и Бразилию. Он оказал огромное влияние на художников скандинавского и латиноамериканского авангарда. В 1950-е годы Лот занимал пост президента Международной ассоциации художников, граверов и скульпторов при ЮНЕСКО. Андре Лоту принадлежит также несколько значительных книг по искусству — прежде всего, общетеоретические «Трактат о пейзаже» (Traite du paysage; 1939) и «Трактат о фигуре» (Traite de la figure; 1950), а также «Новые французские художники» (Les peintres francais nouveaux; 1926) и ряд других. Творческий и жизненный путь художника оборвался в возрасте 77 лет. Огромное художественное наследие Андре Лота находится в самых престижных музеях мира и в частных коллекциях.

1.


2.

Кубизм: Движение

Движение Кубизма зародилось в начале 1900-х годов в Париже, Франция. В то время художники Пабло Пикассо и Жорж Брак объединили свои усилия, чтобы исследовать этот радикальный стиль написания картины, вдохновленный кубом.

Хотя общество не было полностью готово распрощаться с прошлым.

В то время как большинство художников все ещё следовали за последними тенденциями движения импрессионистов, Пикассо и Брак неустанно трудились над созданием философии вокруг кубизма. Их работы рассматривались как странные и сумасшедшие, но они отражали их сильную страсть к анализу объектов, форм и цветов.

К счастью, они никогда не уступали скептикам, потому что теперь у нас есть более удивительные арт стили, такие как Футуризм, Дада и Арт-Деко.

Давайте узнаем больше об этом движении, заглянув в умы мировых кубистов.

Ранний Кубизм

Как картошку почистить и так далее.

Станчик был самым известным придворным шутом в польской истории. Свою придворную карьеру он делал при дворах литовских князей и польских королей Александра Ягеллона, Сигизмунда I Старого и Сигизмунда II Августа. Сегодня мало что известно об этом шуте, и даже его имя и национальная принадлежность являются предметом спора. Но учёные уверены: такой человек действительно существовал.




Сигизмунд Старый и Станчик в замке Вавель, Ян Матейко.


Личность шута Станчика одна из центральных фигур в польской культуре. И свидетельств реальности его существования, утверждают учёные, более чем достаточно - в частности, картины художников XIX и XX веков.



Станчик обеспокоен новостями о взятии Смоленска.


Есть несколько источников, которые упоминают придворных шутов по именам Гаска и Станчик. Эти два имени фигурируют в двух коротких стихотворениях Яна Кохановского. Считается также, что эти два имени являются псевдонимами одного и того же человека.



Гамрат и Станчик, Ян Матейко./фото: flashgameshole.com


Шут изображен единственным человеком на королевском балу, который был обеспокоен новостями о том, что русские захватили Смоленск. Станчика иногда называют Станиславом Гаска, что является типичным польским именем. Тем не менее, это имя имеет гораздо более позднее происхождение и было придумано в конце XIX века, а не во времена жизни шута.



Станчик, художник Леон Вычулковский./фото: thevintagenews.com


В эпоху Возрождения рассказы о Станчике были известны по всей стране. Он стал еще более популярным в XIX веке и остается хорошо известным и до наших дней.



Станчик шутит над орлом Сигизмунда./фото: blogspot.com.by


Что особо интересно в этом шуте, это то, что он не просто трудился на ниве увеселения членов королевских дворов. Он вошел в историю, как умный и талантливый человек. Станчик прекрасно был осведомлен о текущей политической ситуации в Польше и позволял себе высказывания по поводу возможных перспектив. Была, например, такая история: какие-то "хлопьята" озорства ради напали на Станчика, сняли с него всю одежду и в таком виде отпустили. Выслушав сочувственные слова Сигизмунда Старого, шут сказал ему: "Это ещё ничего. Вот у тебя, король, отобрали Смоленск - а ты молчишь".




Станчик всегда использовал сатиру философски: пользуясь своим статусом шута, он критиковал политику правителей или предупреждал своих современников посредством острот «на грани фола». Его шутки сохранены многими писателями и историками, включая Мартина Кромера, Миколая Рея, Лукаша Горницки и многими другими. В историю вошла его поговорка «очень глупо выпускать медведя, который уже сидит в клетке». И с этим связана целая история.



Памятник в Варшаве, Ян Матейко. / Фото: flashgameshole.com


У короля Сигизмунда I Старого был огромный медведь, которого для него привезли из Литвы. Однажды в 1533 году он выпустил медведя в лесу, чтобы поохотиться на него. Во время охоты медведь впал в ярость и вызвал настоящую панику среди местных жителей, задрав нескольких крестьян и охотников. Впоследствии Станчик неоднократно вспоминал об этом в ехидной форме, желая предупредить короля об его политических промахах.




После раздела Речи Посполитой в 1795 году Станчик стал популярной исторической фигурой. Многие из авторов относились к нему как к символу борьбы Польши за независимость. В польском искусстве он стал популярен благодаря творчеству художника Яна Матейко. Художник всегда изображал его с заинтересованным и задумчивым взглядом на его лице.




Это одно из самых известных произведений художника Матейко, которое на само деле прославило его. Картина создала образ Станчика, который в итоге стал знаковым и наиболее распространенным в Польше. В XX веке образ Станчика был использован в пьесе «Свадьба» польского драматурга Станислава Выспяньского, в которой призрак шута посещает журналиста. В этой роли Станчик является символом патриотизма и скептической политической мудрости.

Мне часто попадается этот в красном. Но я первый раз слышу о таком челе.



1. Переживает о взятии Смоленска. Надо полагать русскими?

Хотел скопировать текст, но мысль движется вперёд и придумали новый способ от копитырщиков. Хотя сами тоже прут всё, что плохо лежит. Попробуйте скопировать текст на этом сайте. Текст исчезает. С таким ещё не сталкивался. Меня радует всё новое. Хотя всю страницу полностью, на свой компьютер скопировать можно. Видимо, если помучиться, то и вытащить текст можно, но я не стал пыхтеть. Сделал скрины. Пачкой сейчас закачаю и как лягут, так и будет. Хотите читайте, хотите нюхайте. Хотите на другом сайте смотрите.http://саргалерея.рф/history-abstrakcionism

2

Mark Bryan. Сюрреализм

Больше 10 лет назад у меня был репост этого художника. Здесь: https://www.liveinternet.ru/users/2642543/post114457226#BlCom536652220

Но это другие картины. На мой взгляд намного лучше. Есть его инстаграм, https://www.instagram.com/bregedavv/ где он объясняет идеи и мысли заложенные в произведение. Часто совсем неожиданные, отличные от вашего восприятия.

Виктор Брегеда, русско-американский художник. Родился 1963 году, в городе Таганрог, в семье художников. Работает в стилях сюрреализм и метареализм.

1. Прибытие счастливых новостей

1.

Художник Верне Клод Жозеф родился в творческой семье: и отец, и его дед посвятили свои жизни живописи. В отличие от многих других представителей профессии, Клод стал знаменитым еще при жизни. Его морские пейзажи были тепло восприняты российским императором Павлом I, а Людовик XV заказал целую серию полотен, посвященных французским морским портам. При жизни автора его картины украшали дворцы по всей Европе, а сегодня они висят во всех крупнейших музеях. Детство и юность Художник Верне Клод Жозеф родился во французском городке Авиньоне 14 августа 1714 года.

1.Биткин Евгений. Пришествие Антихриста.

Николай Касаткин «Сигида», 1930 год

На этой картине мы видим женщину, которую куда-то ведут двое мужчин. По всей видимости, они — конвоиры, сопровождающие заключённую. Её подпихивают прикладами и поторапливают, однако понятно, что быстрее идти женщина не может.

Героиня сюжета — Надежда Сигида, которая находилась на Карийской каторге в качестве политзаключённой. Художник написал сцену из её жизни, которой предшествовала целая цепочка событий.

Их работы.

1. Танцы-манцы-обжиманцы.

Труднее сказать что вы не видели. Лично я это не видел.

Герасимов Леонид Степанович родился 30 августа 1954 года в Симферополе.
Уютный палисадник, вид из окна на Салгирку, купание в ней, парашютная вышка, послевоенные аттракционы - яркие воспоминания детства. На первые робкие пробы кисти огромное влияние оказала его тетя - Валентина Александровна Кроповинская. Со вкусом иллюстрированный и красочно оформленный ею девичий альбом поразил воображение будущего художника. Это было непостижимым откровением: как в простую школьную бумагу можно вдохнуть жизнь. Становлению его творческой индивидуальности во многом способствовала его мама - Порфирьева Вера Александровна. Затем последовали занятия в изостудии у Сутармина Владимира Алексеевича и Елены Шевченко, в художественной школе у талантливых преподавателей Георгия Николаевича Куриленко, Полежаева Валентина Павловича.
Тема деревенской природы стала постоянной, одной из излюбленных. На его работах


 - улочки глухой болгарской деревни, цыганские кибитки возле старой румынской харчевни, деревянные, полуистлевшие срубы домов среднерусской полосы, белёные украинские хатки. Эти акварели задушевны, лиричны, благородны по цвету. В них неподдельная, искренняя любовь к родной земле. Образы пейзажей лишены однозначности: в них сплавляются ощущения тишины, покоя, нотки одиночества, тоски и грусти по безвозвратно уходящей животворной красоте. Это как бы замерзший в тумане, заколдованный мир, в котором реальность и фантазия художника сливаются в нерасторжимое единство.
Лучшие из акварелей покоряют изысканно-сложной гармонией колорита, построенного на мягких цветовых отношениях. Художник вглядывается в уходящие к беспокойному горизонту бескрайние степи, заворачивает вместе со зрителем в покосившиеся мазанки, заросшие бурьяном и осокой овраги, останавливает свой взгляд у старой, чудом сохранившейся мельницы, у протянутых вверх ветвей осенних тополей. Характерная черта художника - острая наблюдательность, что проявляется в каждой его акварели, сочетаясь с непосредственным ощущением пейзажа как небольшого кусочка жизни, необъятного мира.
Произведения художника - стихия земли, неба и воды. По своему художественному осмыслению Герасимов настоящий романтик. Преклонение перед природой, её красота и эволюция – вот главное в произведениях талантливого художника. Природа в акварелях Герасимова трепетна и подвижна, наполнена светом, воздухом, влагой. Художник особенно любит писать ненастье, грозу, сырую и дождливую погоду. Он создает огромное количество вариаций на темы дождей, туманов, облаков. В его работах много неба - то безмятежного, голубого, то свинцово-серого, бурного и грозового.
Жизненное кредо Герасимова:«Смысл творчества художников - призывать людей жить по светлым, вечным, христианским заповедям, остановится и подумать – а так ли мы живем?»…
Сострадание и любовь – вот христианские мотивы всякого истинно великого дела, действительно большого художника. Пока что я только учусь быть художником…

Войду в твой мир размытой акварели...
Художнику Леониду Герасимову

Войду в твой мир размытой акварели,
Волшебных грёз и льющейся слезы.
В нём плачут краски, тихо стонут ели,
Но есть покой утихнувшей грозы,

Есть храмы и поникшие кресты
И светлой радости моей черты.

© Copyright: Стихотерапевт, 2012



1.

1.

 Фредерик Эдвин Черч родился в Хартфорде, штат Коннектикут, 4 мая 1826 года, будучи единственным сыном богатого бизнесмена. Так что о хлебе насущном ему думать не приходилось. Хотя его отец надеялся, что он станет врачом или войдет в мир бизнеса,   Черч настаивал на своем желании стать художником. Позже, в  1844 году отец Черча, наконец, смирился с выбором своего сына, организовав через своего друга, мецената Дэниела Уодсворта, два года обучения у Томаса Коула. Таким образом, Черч был первым учеником, принятым ведущим американским художником-пейзажистом, и это отличие сразу же дало ему преимущество перед другими начинающими художниками его поколения.
 В 1845 году он дебютировал на ежегодной выставке Национальной академии дизайна в Нью-Йорке, где он будет продолжать выставляться на протяжении всей своей жизни. Два года спустя четыре его картины были показаны в Американском художественном союзе, и к тому времени он был признан одним из самых многообещающих молодых художников. В возрасте двадцати трех лет, он был избран полноправным членом Национальной академии.
Фредерик Эдвин много путешествовала в поисках натуры, сначала по всей северной части Соединенных Штатов, а затем, в 1853 году, в Южную Америку. Вдохновленный трудами великого немецкого натуралиста Александра фон Гумбольдта, он провел пять месяцев в Колумбии и Эквадоре.
Фредерик Эдвин Чёрч один из самых выдающихся пейзажистов Америки умер 1900 году.

1.

Андрей Верещагин родился в 1969 году в Загорске. Андрей закончил Художественное училище имени Венецианова в Твери, а потом учился в Киевской Академии Художеств. Художник живет и работает в Москве, является постоянным участником выставок в ЦДХ, Арт - Манеж (Москва), Арт- Нью-Йорк (США). В 2004 году у Андрея Верещагина проходила персональная выставка в Академии Искусств в Вашингтоне. Его произведения находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

1.

Ужасы концлагерей на картинах М.А. Савицкого (Минск. Музей ВОВ)

Танец с факелами (1978)

Оказывается действительно армянин. А я всё армян подкалывал. И всего-то чего стоило заглянуть в Википедию. Понадеялся на информацию полученую в доисторическую эпоху. Вот не будь таким самонадеянным.

Ива?н Константи?нович Айвазо?вский (арм. ????????? ????????, Ованнес Геворкович Айвазян; 17 июля 1817 года, Феодосия, Таврическая губерния, Российская империя — 19 апреля  1900 года, там же) — русский художник-маринист и баталист армянского происхождения, коллекционер, меценат.

Живописец Главного Морского штаба, действительный тайный советник, академик и почётный член Императорской Академии художеств, почётный член Академий художеств в Амстердаме, Риме, Париже, Флоренции и Штутгарте.

Наиболее выдающийся художник армянского происхождения XIX века. Брат армянского историка и архиепископа Армянской Апостольской Церкви Габриэла Айвазовского.

Будучи художником с мировой известностью, Иван Константинович Айвазовский предпочитал жить и работать на своей родине — в Крыму. Айвазовский наиболее известен своими морскими пейзажами, которые составляют больше половины его работ. Художник считается одним из величайших маринистов всех времён.

«Утро в сосновом лесу» — картина русских художников И. И. Шишкина и К. А. Савицкого. Савицкий написал медведей, но коллекционер П. М. Третьяков стёр его подпись, так что автором картины часто указывается один Шишкин.

Картина пользуется популярностью благодаря композиционному включению в пейзажное полотно элементов анималистической сюжетности. Работа детально передает состояние природы, увиденное художником на острове Городомля. Показан не глухой дремучий лес, а солнечный свет, пробивающийся сквозь колонны высоких деревьев. Чувствуют приближение утра резвящиеся медвежата.

   

Предположительно, замысел картины был подсказан Шишкину Савицким, который позже выступил в роли соавтора и изобразил фигуры медвежат (по эскизам Шишкина). Эти медведи с некоторыми различиями в позах и количестве (сначала их было двое) фигурируют в подготовительных рисунках и эскизах (например, в Государственном Русском музее хранятся семь вариантов карандашных набросков Шишкина). Животные получились у Савицкого столь удачно, что он даже расписался на картине вместе с Шишкиным. Сам Савицкий сообщил родным: «Картина продана за 4 тысячи, и я участник в 4-ю долю».

Приобретя картину, Третьяков снял подпись Савицкого, оставив авторство за Шишкиным, ведь в картине, говорил Третьяков, «начиная от замысла и кончая исполнением, всё говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственном именно Шишкину».
Отзывы критиков

В описи галереи изначально (при жизни художников Шишкина и Савицкого) картина значилась под названием «Медвежье семейство в лесу» (и без указания фамилии Савицкого).

Русский прозаик и публицист В. М. Михеев в 1894 году написал такие слова:

    Уйдите взглядом в этот седой туман лесной дали, в «Медвежье семейство в лесу»… и вы поймете, с каким знатоком леса, с каким сильным объективным художником имеете дело. И если цельности вашего впечатления помешает что-нибудь в его картинах, то никак не деталь леса, а, например, фигуры медведей, трактовка которых заставляет желать многого и немало портит общую картину, где поместил их художник. Очевидно, мастер — специалист леса далеко не так силен в изображении животных.

В массовой культуре
Обёртка конфеты «Мишка косолапый»

Репродукции «Утра в сосновом лесу» широко тиражировались в СССР. Впрочем, это началось ещё до революции, в частности уже с XIX века репродукция воспроизводится на обёртке шоколадных конфет «Мишка косолапый» созданной художником Мануилом Андреевым. Благодаря этому картина хорошо известна, нередко — под названием «Три медведя» (хотя животных на картине четверо). Из-за такой конфетно-обёрточной растиражированности картина стала восприниматься на советском и постсоветском культурном пространстве как элемент китча. Вики.

У меня тоже было такое очучение, что мишки приклеены поверх картины. Вот и помогай людям после этого...

Хорошие натюрморты. Единственное, что меня напрягает это то, что картинки публикуются маленькие. А ведь они у меня большого формата. И точку ставлю при создании, чтобы крупные картины были, но всё равно нет.  В недоумении я.

1.

Почему две картины Айвазовского запрещены в России

«Раздача продовольствия», худ. И. Айвазовский, 1892

Были в истории России страницы, которые она тщательно пыталась скрыть. Одной из таких страниц стал голод, охвативший юг империи и Поволжье в 1891-92 годах. И как следствие — гуманитарная помощь, собранная американским народом и отправленная в Россию пятью пароходами для голодающего населения.

Как бы ни пытались политологи свалить причину голода 1891-92 годов на неблагоприятные погодные условия, основная проблема заключалась в хлебной политике государства. Пополняя казну за счет сельхозресурсов, Россия ежегодно отправляла на экспорт пшеницу. Так, в первый голодный год было вывезено 3,5 млн тонн хлеба, а в следующем, когда в империи уже вовсю свирепствовали голод и эпидемия, российское правительство продало в Европу 6,6 млн тонн зерна. Эти факты просто шокируют. А что и вовсе ужасает — император категорически отрицал наличие голода в России.

Вторая часть. Первая и остальные по ссылке.

ПРОЧИТАВ ЭТУ СТАТЬЮ ВЫ УЗНАЕТЕ О 1 ВЫСТАВКЕ ПЕРЕДВИЖНИКОВ МНОГО НОВОГО



28 ноября 1871 года ,к массивным дверям Академии художеств, ежась от пронизывающего ветра, спешили все новые и новые посетители. В этот день в Академии открылась первая передвижная выставка,- устроенная группой художников Петербурга и Москвы.

Пройдя через высокий круглый вестибюль, украшенный колоннами, поднявшись по нарядным лестницам, зрители попадали в просторные залы с окнами на Неву. Здесь, посреди холодного великолепия екатерининских времен, висели небольшие картины в скромных рамах, и каждая из них рассказывала о России.

Тут были и грустная северная весна с только что прилетевшими грачами, и лютая зимняя стужа, и сосновый бор, и охотники, на привале в хмурый осенний день, и томящийся от нетерпения рыболов, и сцена из фантастической повести Гоголя «Майская ночь». Тут же находилось много портретов русских людей, знаменитых и не знаменитых. Рядом с драматургом Островским, — прижимистый купчина Камынин (их написал художник Перов), рядом с людьми литературы и искусства — писателем Тургеневым, скульптором Антокольским, пейзажистом Васильевым — неизвестный крестьянин (эти портреты были созданы устроителями выставки Ге и Крамским).

Возбужденные зрители переходили от одного полотна к другому, было тесно, шумно, раздавались громкие голоса споривших. Почти сразу посетители замечали высокую фигуру Владимира Васильевича Стасова, известного художественного критика, и слышали его густой голос: «Все это неслыханно и невиданно, все это новизна поразительная!»

Я. Ге. Петр I допрашивает царевича Алексея. 1871. ГТГ

Больше всего страсти разгорелись у картины молодого петербургского профессора живописи Н. Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея». Здесь не было эффектно поставленных и красиво задрапированных фигур, как это привыкли видеть на исторических картинах многих знаменитых русских художников. Здесь не было отчаянных душераздирающих сцен, хотя момент, выбранный художником, был по-настоящему драматичен.

26 октября 1842 — 13 апреля 1904

Василий Верещагин еще при жизни стал известен как художник батальных сцен. Однако его «непатриотичные», как их называли, работы демонстрировали зрителям не триумф побед, а изнанку сражений — с погибшими, ранеными, измученными солдатами. Художник ходил не только в военные походы, но и путешествовал по всему миру, привозя эскизы для будущих полотен — экспрессивных, красочных и детальных. Коллекционер Павел Третьяков скупал работы Верещагина целыми сериями вместе с резными авторскими рамами, которые создавались по эскизам живописца.

«Путешествие признаю великой школою»: первые поездки Верещагина

Василий Верещагин родился в Череповце в семье состоятельного помещика. В 9 лет родители определили его в кадетский морской корпус. «Корпус терпеть не мог, — вспоминал художник, — товарищество только выносил, как необходимое зло, но никогда не любил его искренно. Закал, дух и проч. противны до сих пор, как огульное, резкое, ложное».

Был у меня пост.  Три его картины.  https://www.liveinternet.ru/users/2642543/post468879589Это другие. Конечно, Верещагин, сразу узнаваем по его Туркестанскому циклу. Но и другие его картины замечательны. Один из любимых мною художников.

1.