Когда никто не понимает о чём идёт речь, можно лапшу вешать напропалую. Сам автор не вполне понимал о чём его картины. Так, что-то смутно брезжило в сумеречных потёмках цветного хаоса. Мне лично, в его картинах отчётливо видится копчёная колбаса с яичницей присыпанная  сверху зелёным лучком и укропом. Так же, добавляю, ложку томатной, с корицей заправки. Беру её чайной ложечкой и шмяк сверху. Получается на яичнице красная клякса. 

Приятного аппетита и с Праздником православные!

«КОМПОЗИЦИЯ VI», «КОМПОЗИЦИЯ VII» И ДРУГИЕ АБСТРАКТНЫЕ КОМПОЗИЦИИ

Казалось бы, что у хаотично изображенных на полотне фигур, линий и цветовых пятен не могло быть будущего. Однако новое направление трудами Кандинского и других художников, подхвативших идею беспредметности, стало интенсивно развиваться. Погрузившись в новую живопись, Кандинский осознал, что даже с помощью абстракций можно выражать себя по-разному. Можно рисовать бессознательно под действием первого впечатления — такую живопись он назвал импрессией. Сознательное выражение внутренних переживаний — это импровизация, а высшей формой абстракции является композиция.

В отличие от импрессий, абстрактные композиции Кандинский тщательно обдумывал. Так как он был верующим человеком, то нередко размышлял над хаосом, на Судным днем, Всемирным потопом и другими религиозными понятиями. Все это он и пытался выразить в своих композициях, создавая многочисленные эскизы перед работой с оригиналом. Так, одна из известнейших его работ под названием «Композиция VI» была посвящена Всемирному потопу и призвана показать величие акта творения и рождения нового через разрушение старого.

Если внимательно присмотреться к композиции, она не полностью беспредметна. В ней можно различить образ парусной лодки, волны и другие элементы, хотя большую часть работы художник заключил все же в цвете. Он дал развернутые пояснения к картине, по которым можно понять, что означает то или иное цветовое пятно на холсте, и почему автор решил его изобразить.

КАРТИНА «МОСКВА. КРАСНАЯ ПЛОЩАДЬ»

После начала Первой мировой войны Кандинский вернулся в Москву и был захвачен динамичной жизнью столицы. По его словам, Москва им воспринималась как нечто очень подвижное, где происходит бесконечное переплетение внутренней жизни и жизни внешней. Он любил эту двойственность и считал город своим живописным камертоном. На картине «Москва. Красная площадь» вы видим целый вихрь этой внутренней и внешней жизни. В центре холста расположилась пара влюбленных, захваченная круговоротом стремительной столичной жизни. Многочисленные дома, мостовые, храмы, стаи птиц, лучи солнца, снова дома и снова храмы…

В отличие от абстрактных композиций здесь прослеживается предметность, однако здесь нет привычных деталей, логичного расположения улиц или знакомых сюжетов. Зритель может, скорее, почувствовать огромный город с кипучей жизнью через это нагромождение элементов и буйство красок.

****

Эта картина в другом месте названа по другому. И говорится о том, что она восстановлена женой художника. Многие картины были уничтожены в Германии в 30 годы. Так что жена штамповала картины якобы по эскизам художника. Это равносильно тому, что я сейчас по запискам Булгакова напишу продолжение Собачьего сердца и буду продавать, как произведение великого писателя. 

****

В. Кандинский. «Москва. Красная площадь». 1916 г.

КАРТИНА «ЖЁЛТОЕ-КРАСНОЕ-СИНЕЕ»

Эта работа создана уже в более поздний период, когда художник продолжает размышлять над восприятием цветов. Сам автор советует зрителю при рассмотрении картины вначале сконцентрироваться на каком-то одном цвете, а затем наблюдать, как цвета взаимодействуют между собой, и какой отклик это вызывает. Внимательно рассмотрев полотно «Желтое-красное-синее», мы увидим характерные для многих абстракций Кандинского элементы: изогнутые жирные линии, повторяющиеся линии, концентрические круги, яркие контрастные цвета и неоднородность фона.

В. Кандинский. «Жёлтое-красное-синее». 1925 г.

Хотя в картине все же больше речь идет о цветах и их влиянии на самого художника и зрителя, многие искали в ней скрытый смысл. Одни разглядели на холсте абстрактное изображение самого Кандинского с прорисовкой контуров лица, очков и воротничка, другие различают среди абстрактных линий символ Одессы Воронцовский маяк (Кандинский жил какое-то время в Одессе вместе с родителями). Третьи полагают, что художник выразил самого себя через базовые цвета его цветовой теории.

Самые дорогие картины Кандинского

Василий Кандинский входит в топ-3 самых дорогих русских художников за последние 20 лет. Суммарный оборот продаж его картин с крупных аукционов за этот период составляет 644 млн долларов, а число проданных картин — 744. По обороту его опережают только Марк Ротко (оборот 1,45 млрд долларов) и Марк Шагал (оборот 1,2 млрд долларов). А здесь мы рассмотрим несколько примеров наиболее дорогих продаж его картин.

Самой дорогой картиной Василия Кандинского, уходившей с аукционов за последние два десятка лет, является работа «Картина с белыми линиями». Она относится к тому плодотворному 1913 году, когда художник создал знаменитые композиции VI, VII и другие известные работы. Как раз в этом году представители нового искусства организовали в Нью-Йорке выставку, призванную продемонстрировать закостенелость академической школы и познакомить зрителя с новыми живописными идеями. Упомянутая работа Кандинского вошла в число таких неформатных работ, была широко обсуждаема общественностью и в конечном итоге признана одной из самых значительных в живописи двадцатого века. В 2017 году этот шедевр попал на торги аукционного дома Sotheby’s и был продан за 41,8 млн долларов. Эта продажа сразу подняла мастера на третью строчку самых дорогих уходов картин русских художников.

В.В. Кандинский. «Картина с белыми линиями». 1913 г.

Следующий рекорд установила картина «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом». Эта работа принадлежит циклу картин, повествующих об окрестностях городка Мурнау Германии, где художник плодотворно трудился в течение нескольких лет (см. раздел о картине «Осень в Мурнау»). Эта значительная работа выполнена в 1908 году и уже содержит в себе все признаки перехода от предметной детальной живописи к абстрактному искусству художника. Это проявляется через условность контуров, широкие мазки, высокую контрастность и яркость красок. Картину по достоинству оценили на торгах, после которых она перешла в частную коллекцию за 26,4 млн долларов. Продажа состоялась на Sotheby`s в 2017 году.

В. Кандинский. «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом». 1909 г.

Еще одна интересная работа называется «Негнущееся и согнутое» или «Прямые и кривые». Эта работа считается одной из самых значительных из серии картин парижского периода, которые когда-либо появлялись на аукционах. Написана она была в 1935 году, а в последующие десятилетия неоднократно представлялась на выставках и печаталась в изданиях, посвященных деятельности Кандинского. По словам самого художника, на создание такого сюжета его вдохновил Париж, который напомнил ему дождливые дни на родине. Особенностью этой работы является использование более светлой палитры и техники масла с добавлением песка. Все это было характерно для его парижского периода творчества. Картину продали в 2016 году на торгах Christie's за 23,3 млн долларов.

В. Кандинский. «Негнущееся и согнутое». 1935 г.

В диапазоне около двадцати миллионов долларов уходили и другие работы художника. Например, это «Белый звук» (23 млн долларов), «Импровизация 8. Этюд» (23 млн долларов), «Этюд к импровизации 3» (21 млн долларов), «Фуга» (20,9 млн долларов). Такая высокая стоимость говорит о большой востребованности работ художника на рынке живописи. За последний год с января 2020 по январь 2021 года оборот продаж Кандинского составил 10,7 млн долларов за 28 работ. Самой дорогой картиной за последний год стала Einige Spitzen, ушедшая с молотка аукциона Bonhams в 2020 году за 3,2 млн долларов.

В. Кандинский. Einige Spitzen. 1925 г.

Помимо перечисленных картин у Василия Кандинского есть много других замечательных работ. В свое время они произвели огромное впечатление на многих людей, породив целую плеяду русских художников-абстракционистов и зарубежных коллег. Так как его раннее творчество и абстракции по-разному воздействуют на зрителей, то каждый находит в его живописи свои любимые произведения. Оценить всю силу его холстов поможет знакомство с оригиналами, так как многометровые текстурные холсты, безусловно, создают куда более мощное впечатление, чем маленькие электронные копии.

 https://lermontovgallery.ru/spravochnik-antikvariata/samye-izvestnye-kartiny-vasiliya-kandinskogo/#4

****

Лично мне эта картина понравилась. Называется "Лёгкое в тяжёлом". Мне она напоминает сосиську в тесте.

Прекрасные у неё работы. Просто прекрасные натюрморты. Душа радуется. У неё много работ. Вообще, да художник. Художница. Писатели из женщин, как их хрена вентилятор. Без исключения, а художники бывают первоклассные. Почему думаете? А потому что в писательстве, там врать надо. А женщины не умеют. Пытаются, но у них, всё правда, получается. Чистые души, понимашь у них паря. Практически ангелы.

Вета Любимова

1.


2.


3.


4.

Жалко, лирушка урезает качество. Если хочете или хотите насладиться в полной мере, найдите на яндексе в большом разрешении. Я просто в восхищении!

Преподаватель выложил в рабочий чат фотографию кактуса, а женщинам не понравился фаллический образ. В результате препод уволился и поднял волну, мол уволили. 

https://gorvesti.ru/society/v-volgograde-kolledzh-...=yxnews&utm_medium=desktop

Но суть не в этом. Суть в символизме, который опутал наше бытие. Мы уже посрать не можем ходить спокойно. Этот унитаз не у фашистов выпускали? Точно? Тогда я не буду в него срать! Дайте из Ирана. С одной стороны, символизм упрощает жизнь, позволяет сразу увидеть где хорошее, а где плохое. Не добро-зло. Добро бывает часто плохим и наоборот. С другой стороны, символизм лишает некоторой свободы и это на руку государству. Символизм это вешки. Вон они, беги и не забегай за них. Не надо превращать себя в существ поддающихся первым порывам инстинкта. По-русски сказать: Коза, протри зенки, после бухла, это не обязательно ху*й. Это может быть колбаса, огурец, морковь, черенок от лопаты и много ещё полезных вещей. Что у тебя в чердаке, если тебе везде мерещится член?!

Справка по поводу символизма. Педераст, попадая на зону обязан заявить о своей ориентации. Если потом узнают, то замочат. Или заставят повеситься. Поскольку люди могут законтачиться и оскверниться. А это повлечёт в снижении статуса. То есть переход к опущенным. То есть нежизнь с изгоями. За бугром, часто, человек вливаясь в коллектив, громогласно заявляет, что он педераст. Это автоматически повышает его социальный статус и обеспечивает карьерный рост. И у тех, и у других есть определённые татуировки. Символы.

Приятного аппетита. Не путайте хер с морковкой. Неприятности же могут случиться.

1.


2.


3.


4.


5. Просто красавцы! Диаметр 1 метр!

1. Карл Пауль Фемистоклес.


2. Адамов.


3. Эйлерт Норман.

Щепаняк.

1.


2.

Пантелеев Сергей.

1.


2.

Живописи должно быть мало, чтобы она воспринималась глубоко. Душой. Заметил, когда картин больше 4-5, то восприятие притупляется. А когда их 50, то перестаёшь воспринимать их живописью. Художник Былич. Не хочет лиру большие картины вставлять. А маленькие ухудшают восприятие. сильно ухудшают. Да ещё качество уменьшают, уменьшая вес. Место экономят засранцы. Но понять можно. Тут столько загрузили, что на 100 жизней бы хватило, если бы не одно но. Картинки-то исчезают из постов. Смотришь через пять лет, а картинки тю-тю.

1.

Вчера насладился. Советую. По радио услышал. Старая школа. Во-первых, Шукшин. Во-вторых, не будет. И так достаточно. Тогда если читали, то это уровень околобожественный. Тогда так было. Если не умеешь жопой тазики кидать, то иди на стройку, кирпичи кидать. А умеешь, или в цирк, или в театр. Ночью в бойлерной. http://staroeradio.ru/audio/9088

Правда по радио я слушал немного другое. Это был некий радио спектакль по мотивам рассказов Три грации, этого и ещё какого-то. Некая заварная ватрушка.

Прелэстно, просто прэлэстно!

Троцкого нет. А он был как бэ не активнее всех троих вместе взятых. Историю творят победители. Не я сказал, если чо.  И засранцы, которые приходят после победителей. А это я сказал. Если чо.

Фотий Кулагин.

И схавала в одну харю. Неет! Такое прощать нельзя.

Спизди*л сена и уже приятней жить.

Волков.

Думаю, что позитивность, понятие относительное. Часто бывает так, что одному позитивно, то другому не в нюх.

1.

1.

Новенький, дешёвый, а главное - совковый!

1. "Коллективное хранение". Чтоб у какого-нибудь подонка не появилась мысль, продать и нормально покушать. Раз в жизни.

Ельцева.

1.

Симферопольский художник Юрий Лаптев идет дальше сюрреализма,  переплетая разные художественные направления, реальные ситуации и совершенно фантастичные сюжеты. Погружаясь в работы художника, можно потерять опору и упасть в мир, который творится сам по себе в нашем сознании с одной стороны, а с другой - уже существует на холстах Лаптева.

Майк Дэвис – американский художник и мастер тату. Он не получил художественного образования и долгое время не решался начать рисовать, предпочитая набивать татуировки.

Однако, используя в качестве холста плечо клиента, в какой-то момент он почувствовал, что этого недостаточно, чтобы реализовать свой творческий потенциал. Став взрослым, Mike Davis не оставил своего увлечения, однако творческую карьеру начал, по словам самого автора, с “жульничества”: устроился работать художником-декоратором в театр, хотя на самом деле не имел ни малейшего представления о том, что и как ему придется делать. Тем не менее, обман не раскрылся: Майк быстро освоился на новом месте и с успехом рисовал как декорации к спектаклям, так и эскизы костюмов. И все же свое призвание автор видел в другом и в 1988 году ушел из театра, став… мастером тату.
Открытие в 1992 году тату-студии “Everlasting Tattoo” в Сан-Франциско, по словам Майка Дэвиса, стало важным этапом на пути его становления как художника. Нанося рисунки на человеческие тела, автор оттачивал свое мастерство и с 1999 года начал серьезно заниматься живописью. К этому моменту Майк так и не получил никакого художественного образования, а свои знания улучшал, изучая произведения признанных мастеров. Наибольшее влияние на его творчество оказали работы фламандских живописцев Яна ван Эйка и Питера Брейгеля.
Несмотря на то, что автор параллельно занимается живописью и тату, рисунки Дэвиса-татуировщика и Дэвиса-художника совсем не похожи между собой. Сейчас его картины выставляют в большинстве галерей США и во многих местах по всему миру. В работах Дэвиса очевидна смесь средневековья, мифов и химер.

1.

Дмитриев-Оренбургский, Николай Дмитриевич,1837-1898-русский жанровый и батальный живописец,
 график, академик и профессор Императорской Академии Художеств. Родился в 1838 году в Нижнем Новгороде, воспитывался в доме своего отца и в Уфимской губернской гимназии.

После переезда семьи в Санкт-Петербург Дмитриев-Оренбургский готовился к поступлению в юнкеры, но по совету известного живописца Василия Кузьмича Шебуева, стал посещать классы Императорской Академии Художеств. Учился в классе Федора Антоновича Бруни, за время учебы получил от Академии за успехи в рисовании и живописи, четыре малые и одну большую серебряную медали. Художник прибавил к своей фамилии эпитет Оренбургский для отличия от других художников Дмитриевых.
В 1860 году Дмитриев-Оренбургский был удостоен второстепенной золотой медали, за написанную по программе картину: "Олимпийские игры". В последующие два года написал картины: "Великая княгиня София Витовитовна на свадьбе великого князя Василия Темного" и "Стрелецкий бунт", но не получил за свои труды никакой награды.

Шапаев.

Крестовский

Хорошо горят твои книжки батенька. Пеши есчо!

Пионер слушает Голос Омерики.

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА Джино Северини родился в 1883 г. в Кортоне. В 1899 г. приехал в Рим, где посещал вечерние курсы школы виллы Медичи. В 1900 г. встретился с Балла и Боччони, которые познакомили его с системой дивизионизма. В 1906 г. Северини приехал в Париж, где воочию увидел живопись Сёра и Синьяка, завязал знакомство с Модильяни, Браком, Дюфи, Утрилло. Пейзажи этого времени, написанные в пуантилистической манере, насыщены светом, интенсивными вибрациями воздушной среды («Париж, Сена, баржи Лувра», 1908). В 1916 г. наметился отход Северини от футуристического движения. В теоретических работах «Символизм пластический и символизм литературный» (1916) и «Авангардная живопись» (1917) художник призывал к строгой архитектонике живописных построений, к воссоединению научного и художественного мышления. Сблизившись в 1919 г. с журналом «Валори пластичи», он обращается к изучению классического наследия — законов перспективы и светотеневой моделировки, математических пропорций и модулей, организующих живописное пространство. В теоретическом эссе «От кубизма к классицизму» (1921) Северини выступает сторонником «эстетики циркуля и числа». «Объективные», «научно выведенные» нормативы он апробирует в своем первом монументальном цикле — настенных росписях замка Монтефугони близ Флоренции (1921—22). В 1920-х гг. Северини испытал духовный кризис и под влиянием Ж. Маритена обратился к католицизму. Жил главным образом в Париже (в 1935–1946 – в Риме), часто наезжая в Италию. В 1923—39 гг. им выполнены монументальные ансамбли в церквах Швейцарии (во Фрибуре, Лозанне, Ла Роше), а также декоративные циклы для Дворца правосудия в Милане (1936—37), для Падуанского университета, для почтового ведомства в Александрии (1937—41). В поздние годы Северини занимался сценографией, сотрудничая с театром Маджо Фьорентино и с театром Фениче в Венеции. В 1940–1950-е годы Северини работал и как сценограф (для театров «Маджо» во Флоренции и «Фениче» в Венеции). Опубликовал мемуарную книгу Вся жизнь живописца (1946). С начала 1950-х годов не раз варьировал свои ранние футуристические мотивы в русле новой моды на абстракционизм. Умер Северини в Париже 26 февраля 1966. Произведения художника представлены в Городском музее современного искусства в Париже, а также в музеях Роттердама, Нью-Йорка и в частных собраниях (Милан, Париж). В 1961 в Риме (Палаццо Венеция) прошла ретроспективная выставка его работ. ТВОРЧЕСТВО В 1910 г. Северини присоединился к футуристической группировке, подписав Манифест художников-футуристов. В дальнейшем художник был посредником между миланским и парижским авангардом. Его первые футуристические картины изображают танцовщиц и сценки в кабаре («Юные танцовщицы», 1911). Юные танцовщицы 1911 Сочетая приемы дивизионизма, футуризма, кубизма, Северини аналитически членит форму на разных уровнях; фигуры двоятся, множатся, демонстрируя симультанность; угловатые плоскости рассекают их на отдельные фрагменты, а точечные мазки символизируют молекулярную структуру материи («Голубая танцовщица», 1912; «Динамический иероглиф бала Табарэн», 1912). Дробление объемов создает ощущение ритмичного мелькания, непрерывных смещений контура. Ballerina in Blue 1912 В манифесте «Пластические аналогии» (1913) Северини утверждал: «Движение и свет разрушают материальность тел». Футуристический динамизм в произведениях художника отличается легкостью, сверкающей бравурностью. «Пластическая экспрессия», «эмотивная среда» воссоздаются не агрессивным натиском жестких пронзающих форм и кричащих цветов, а ускоренными ритмами, порхающими линиями, искрящимися красками («Танцовщица», 1913; «Танцовщица», 1913—14; «Танцовщица», 1914; «Танцовщица», 1915). «Пластическая аналогия», по Северини, возникает из соотношения отвлеченных зрительных свойств. Сплав форм и цветов возбуждает ассоциации с самыми разными явлениями, воспринимается как образопорождающая стихия, первичное вещество формирующейся реальности («Танец медведя = Лодка с парусом», 1914; «Танцовщица + Море + Парус = Букет цветов», 1914; «Море = Танцовщица», 1914). Динамический иероглиф бала Табарэн 1912 Динамический иероглиф бала Табарэн 1912 Танцовщица + Море + Парус = Букет цветов 1914 Танцовщица + Море + Парус = Букет цветов 1914 Море = Танцовщица 1914 Море = Танцовщица 1914 Неоклассические черты господствуют и в станковых работах 1920-х гг. — видах античного Рима, натюрмортах, изображениях персонажей комедии дель арте («Пьеро-музыкант», 1924, Музей Бойманса-ван Бёнингена, Роттердам). В конце своего творчества Северини возвращается к поискам своей молодости, и в 1960 делает новый вариант «Танца Пан-Пан» (Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду). Кроме того, художник создал множество фресок, особенно для церквей (замок Монтефугони, близ Флоренции; церкви в Лозанне, Лароше, Фрейбурге). Теоретик и критик искусства, Северини является автором нескольких печатных работ (например, «Танец медведя в Мулен-Руж»).
Источник: https://allpainters.ru/severini-dzhino.html

2.



4.