Сонет

Вхожу в заглохший парк...

Все спит спокойным сном..

Спит тихий пруд, спят зелень и цветы...

Все, все забыло здесь о суетном земном,

Все полно мирных грез заснувшей красоты.

Склонившись в пруд громадными стволами,

Деревья дряхлые как в зеркало глядят...

Беседки с графскими старинными гербами

Так помечтать под тихий свод манят.

Все спит, все умерло... Один лишь водопад,

Как будто нарушать спокойствие он рад,

С уступов падая, задумчиво шумит...

Все спит, все умерло... Лишь он один да я

Волнуемся, лишь в нас двоих сквозь сон кипит

Безумство дерзкое стремлений бытия.

20 июля 1907Пальмс (Везо)

Сколько раз проходил мимо окон,
Где головка и плечи ее,
Сколько раз проходил мимо окон,
Где за кружевом счастье мое!..
Сколько раз видел палевый локон,
Когда ветер им нежно играл,
Сколько раз видел палевый локон,
Сколько раз его видеть желал!..
Сколько раз с безнадежной тоскою
Уходил в одинокий мой сад,
Сколько раз с безнадежной тоскою
Я встречал безнадежный закат!..
А сегодня прелестной рукою,
Словно в сказке ожившего сна,
А сегодня прелестной рукою
Ярче крови мне роза дана...
Июнь 1911
Аренсбург

Просто интересно

Английские открыки

  Серия Открыток с девушками в купальниках

 Немного Владимира Первунинского

синие платья в стиле модерн

Розовые платья в стиле модерн

популярное зимнее развлечение

Снеговик и Пьеро

__________

БАКСТ, ЛЕВ САМОЙЛОВИЧ (наст. имя и фамилия Розенберг, Лейб-Хаим Израилевич) (1866-1924), русский художник и сценограф. Родился в Гродно 27 апреля (9 мая) 1866 в семье раввина. В 1883 поступил по совету М.М.Антокольского вольнослушателем в петербургскую Академию художеств, где учился до 1887. С 1889 подписывал свои работы «Бакст» (от Бакстер — фамилия бабки по материнской линии). В 1890 продолжил учебу у Альберта Николаевича Бенуа, попутно познакомившись с его братом Александром. Путешествовал по ряду стран Европы (1891), в 1893-1899 брал уроки в частных академиях Парижа. Стал одним из основателей общества «Мир искусства» (1898).

Характерный стиль Бакста, изысканно-графичный, полный острого чувства театральной (то забавной, то зловещей) ирреальности окружающего бытия, сформировался на рубеже веков в оформлении журнала «Мир искусства», «Ежегодника Императорских театров», журналов «Художественные сокровища России», «Весы» и др., а также в дизайне книг (Снежная маска А.А.Блока, 1907; и др.). Работая в самых разных техниках, Бакст проявил себя и как высокоодаренный живописец, в том числе мастер остроэкспрессивного портрета (В.В.Розанов, 1901, Третьяковская галерея; С.П.Дягилев с няней, 1906, Русский музей, Петербург, — картина, которая считается лучшим портретом великого антерпренера). Побывав вместе с В.А.Серовым в Греции (1907), создал ряд пейзажей, а также панно Древний ужас (1908, там же), где античность представлена в ее пугающем, дионисийски-«ницшеанском» облике.

Органичней всего талант Бакста проявился в сценографии. С 1902 он работал для Эрмитажного и Александринского театров. Ближайший сподвижник Дягилева, с 1911 был художественным директором его «Русских сезонов». В 1911-1913 принимал участие в постановках И.Рубинштейн и А.П.Павловой. Декор Бакста (в «Русских сезонах» — балетов Клеопатра А.С.Аренского, 1909; Жар-птица И.Ф.Стравинского, 1910; Дафнис и Хлоя М.Равеля; и др.) — по-своему «со-режиссерский», концентрировал образную суть спектакля в экзотически-сказочных зрелищах; традиция живописного театра достигла здесь своих вершин.

С 1910 Бакст жил в основном в Париже. В поздние годы жизни по-прежнему постоянно выступал как художник театра, а также читал лекции по вопросам современного искусства и костюма. В 1920-е годы написал большой цикл панно на тему сказки Спящая красавица для особняка Д.Ротшильда в Лондоне. Своим творчеством способствовал сложению основ стиля «ар деко». Умер Бакст в Париже 27 декабря 1924.

Зинаида Гиппиус (к портрету Льва Бакста)

Мы привыкли видеть на картинах Кустодиева купчих, базары, ямщиков, шумные балаганы, но здесь я собрала те работы автора, которые с первого взгляда не могут даже показаться кустодиевскими.

Эта работа чем-то напоминает мне Тулуз-Лотрека

В этой есть что-то от Писсаро

А этой что-то коровинское

    _

Послереволюционное творчество Б. Кустодиева

В первые послереволюционные годы художник напряженно и вдохновенно работает в различных областях изобразительного искусства. Тема современности становится для него основной. Образы своей эпохи Кустодиев воплощает в рисунках для календарей и обложек, в иллюстрациях и эскизах оформления улиц. Обложки к журналам "Красная 11ива"и"Красная панорама" привлекали внимание броскостью, остротой сюжетов. Увлекаясь литографией, Кустодиев возрождает забытую в то время технику и создает иллюстрации к произведениям Н. А. Некрасова. Подлинным событием в истории художественного оформления русской книги явились иллюстрации художника к произведениям Н. С. Лескова "Штопальщик" (1922) и "Леди Макбет Мценского уезда" (1923), благодаря редкому единству графических изображений и литературных образов. Захватила художника и работа над созданием театральных декораций. 

 В живописных работах послереволюционных лет художник стремится создать обобщенные образы, способные передать грандиозность и величие перемен в стране. Он задумал новый образ народного героя. Исполинская фигура большевика ("Большевик", 1919—1920, ГТГ) с красным знаменем движется по городу. В этом образе — неукротимость, энергия, выражение воли и мужества. Несмотря на известную наивность и некоторую надуманность решения, картина во. I повала смелостью живописного, композиционного построения, искренностью, желанием художника откликнуться на события времени.
    В 1920—1921 годах по заказу Петро градского Совета Кустодиев написал два больших красочных полотна, посвященных народным торжествам: "Праздник в честь Второго конгресса Коминтерна на площади Урицкого" (ГРМ) и "Ночной праздник на Неве" (Гос. музей Революции СССР). С увлечением работал художник над образом великого вождя революции. Он создал несколько портретов Ильича, предназначенных для воспроизведения массовым тиражом.
    Внезапная смерть 26 мая 1927 года оборвала творческие замыслы мастера.

Цирюлен в городах было мало, и парикмахеры бродяжничали, нося с собой свой инструмент.Они ходили по базарам дворам и квартирам, выискивая клиентов. Цирюльники таскали с собой громоздкие ящики, наполненные замысловатым инструментом и парфюмерией. На шее у них неизменно болтался деревянный стул, на который здесь же, на улице, усаживали клиентов. Появление на улице цирюльника всегда становилось событием. Вокруг сразу же собирались зеваки, останавливались прохожие, чтобы послушать их скоморошьи присказы:

— Бреем, стрижем бобриком-ежом, лечим паршивых, из лысых делаем плешивых, кудри завиваем, гофре направляем локоны начесываем, на пробор причесываем, парик промоем, кровь откроем, мозоль подрежем, косу купим и срежем, мушки клеим, стрижем да бреем. Банки, пиявки, набор грудной степной травки!
   Эти присказы — своеобразный перечень работ и услуг, проходившихся цирюльниками. Кроме стула, неизменной принадлежностью цирюльников, как мы уже заметили, был приборчик. В нем находились ланцеты, ножницы нескольких видов, широкие бритвы, сосуд для хранения живых пиявок, простейшие медицинские инструменты, загадочные медикаменты в темно-синих флаконах, а также некая «помада собственного изготовления, рекомендуемая для ращения волос»...  Цирюльник в России — профессия уникальная, заключавшая в себе не только парикмахерское мастерство, но и обязанности доморощенного лекаря: он делал кровопускания, удалял зубы и даже лечил раны.
   Бродячие цирюльники слыли высококвалифицированными мастерами парикмахерского дела, чем и сами нередко гордились. Каждый из них имел свой круг клиентов и своеобразную легализацию. Один служил, например, при дешевых городских банях, другой ходил «по приглашениям» по домам, третий работал в дорогом фешенебельном салоне.
    Цирюльничье дело стало умирать в 90-х годах XIX столетия. Оно даже подвергалось запретам. На смену ему пришло дело парикмахерское.
После войны 1812 года французские пленные сменили мундиры на платье цирюльников. Французы имели шумный успех. Знатные князья выписывали настоящих парикмахеров из Парижа. В крупных городах открываются парикмахерские, принадлежащие иностранцам. Обставлялись они дорогой мебелью, зеркалами, витринами, много было парфюмерии и косметических средств. На столиках лежали модные французские журналы, обслуживание стоило дорого.
   Россия в области моды была полностью ориентирована на Францию. В салонах, в своем большинстве, заправляли французские мастера.
В Москве и Петербурге появились первые парикмахерские салоны, или, как их называли, «залы для стрижки и бритья». Заметим, что пользоваться их услугами могли только люди состоятельные, ввиду того, что любая из них обходилась весьма недешево. На фасадах этих заведений красовались вывески с изображением изящно причесанных кавалеров с блестящими от помады волосами. Здесь же, в залах, не только стригли-брили, но и торговали парфюмерией. Обилие парикмахерских салонов, издание журналов по парикмахерскому делу и причёске способствали распространению всевозможных вариантов причёсок. Несмотря на внешний лоск и блеск (парикмахеры были одеты в хорошие костюмы, носили манишку и цветной галстук), их труд был сплошным унижением перед богатыми клиентами.
  Парикмахерских школ в дореволюционной России не было. Обучение проходило «в мальчиках». И старые мастера не спешили делиться своими профессиональными секретами.
В 1860 году русские мастера Агапов и Андреев заняли первое место в конкурсе. А в 1888—1890гг. Иван Андреевич Андреев получил за прически ряд наград и Почетный диплом заслуженного профессора парикмахерского искусства.
  В 1886 г. за участие во Всероссийской выставке он получает Большую серебряную медаль. А, участвуя вне конкурса в 1888 г. в Париже и выполнив три прически , он поразил Высокое жюри и ему вручили бриллиантовые академические Пальмы.
 В 1900 г. на Всемирной выставке в Париже ему вручили награды «За искусство», Золотой крест и Диплом, подтверждающий звание действительного заслуженного профессора парикмахерского искусства. После этого Андреев стал признанным профессором парикмахерского искусства, его приглашали в жюри, экспертом на выставки, конкурсы, показы причесок. Он побывал во многих столицах Европы. 
 В 1909г. И. А. Андреев выпустил книгу своих воспоминаний, Альбом причесок, которые были удостоены высоких наград, был издан первый каталог.
  В первые годы XX века вновь наблюдается преклонение перед заграницей. Дамские мастера — французы — отводили русским парикмахерам лишь роль подмастерьев. И хотя они уже доказали, что никакая сложность дамского парикмахерского искусства им не страшна, но укоренившаяся в сознании зависимость от заграницы продолжала довлеть над русскими мастерами. В первые три десятилетия XX века парикмахерское искусство находилось на невысоком уровне. Первая мировая война, революция, гражданская война — все это отрицательно сказалось на уровне жизни общества, не говоря уже о парикмахерских услугах. 
 В 1914 г. — появляется «Русская стрижка» — первая короткая женская стрижка, внесшая такое нежное очарование в облик россиянок. Короткие волосы дали новый импульс для парикмахеров. Их стали укладывать при помощи холодной укладки или горячими щипцами. Это был хоть какой-то «прогресс».

На исходе XIX столетия парикмахеры начали борьбу за свое признание в общественной жизни, за единство всего ремесла. Были основаны первые корпорации. Корпорация «брадобреев, парикмахеров и мастеров парикового ремесла» состояла преимущественно из владельцев дамских и мужских парикмахерских, в «париковую и волосообрабатывающую корпорацию» были объединены дамские и мужские парикмахеры. Около 1904 г. Шарль Нестле (Карл Неслер или Нестлер), француз немецкого происхождения, изобрел термическую долгосрочную шестимесячную завивку (перманент). В 1909 г. он ввел впервые аппарат для завивки, нагреваемый электричеством. Аппарат весил около 1900 г. и был подвешен к потолку. От него свешивались на подвижных проводах с контрбалансами нагреватели. Для защиты головы от ожогов применялись войлочные кольца

.

Своим происхождением задорный танец обязан английскому контрдансу, который был известен на Туманном Альбионе еще в XVI веке. Во Франции эта разновидность танца распространилась значительно позже. Пик популярности канкана пришелся на середину XIX века.

Зачастую распространение канкана связывают с именем Шикара (Chicard) – ведущего развлекательных шоу, клоуна, танцора. Иногда изобретение фигур канкана приписывают ему, другие источники утверждают, что все эти шпагаты, юбки, взмахи придумала танцовщицы Селест Могадо в 1850 году.

В любом случае канкан сначала приобрел широкую известность как разновидность кадрили, а потом приличное общество от него отвернулось, как от неприличного. Он перекочевал в кафешантаны, кабаре, оперетту и различные шоу.

Музыка для канкана могла быть самой разнообразной, главное, чтобы выдерживался размер в 2/4 и она подходила для веселья. Самую известную мелодию для зажигательного танца написал Оффенбах, она звучит в финале его «Орфея в аду», именно с нею сейчас ассоциируется канкан как таковой.

Основными фигурами канкана являются махи ногами (в Мулен-Руж, где исполняется самый канканистый канкан, танцовщицы выбрасывают ноги в течение 8 минут), прыжки, шпагат и взмахи юбками, которые с каждой минутой становятся все более и более смелыми, все больше и больше обнажая ножки в соблазнительном ажурном белье.

Кстати, нынешнее представление о канкане как исключительно о женском танце неверно. Изначально в нем участвовали и танцоры-мужчины, они выполняли те же махи, прыжки, шпагаты, также им необходимо было отпускать девушкам шлепки при выполнении теми наклона с юбкой на голове. Не самая неприятная обязанность.

Хотя сам искусственный шёлк научились изготавливать еще в 1890 году, чулки из него  начинают выпускать только к  1910 годам. Теперь на рынке были представлены не только хлопковые, фильдекосовые и шёлковые чулки, но и чулки из вискозы. Такие чулки стоили как минимум в два раза меньше самой дешевой модели чулок, изготовленных из натурального шёлка, не говоря уже о более дорогих дизайнерских чулках, цена которых доходила до $9.Чулки перестают быть предметом роскоши, становясь обязательным предметом гардероба любой уважающей себя женщины.Когда чулки становятся столь доступны, что практически любая женщина может себе позволить их купить, производители чулочной продукции перестают уповать на престижность владением этим желанным предметом одежды. Теперь они используют другие методы привлечения новых потребителей своей продукции - качество производимых чулок, их безопасность для здоровья и износостойкость. Такое нововведение как укрепленный мысок и пятка с использованием фильдекоса перерастает в дизайнерское решение, известное как «французская пяточка», которая стала эксклюзивной разработкой крупного производителя чулочной продукции Emery-Beers Company и была реализована в новой коллекции чулок «Onyx» 1911 года. А спустя некоторое время компания, выпускающая чулки под торговым названием «Phoenix», анонсирует модель с «гаванской пяточкой», аналогом «французской пяточки» компании Emery-Beers Company.Цветные чулки пользуются особым спросом. Многие женщины того времени предпочитают носить чулочную продукцию в тон платья. В многочисленных магазинах предлагаются чулки темно-синего, зеленого, желтого, пурпурно-красного, кофейного, молочного и других цветов и оттенков. Однако большей популярностью пользуются чулки пастельных тонов с рисунком.Еще сначала века популярны чулки с овальными орнаментами, которые предлагаются по более высокой цене. Чулки, вышитые вручную цветами и горошком, вопреки ожиданиям, стоят дешевле. На рынке появляются новые дизайнерские модели чулок с изображением мышей, змей и ящериц, а также клетчатые и полосатые чулки. Для идентификации, каждой модели присваивается буквенно-числовое обозначение, а каждая коллекция распределяется по номеру.

Это десятилетие можно назвать эрой белых аксессуаров. Крахмальные жилеты и сорочки, а также бабочки ослепительной белизны были призваны оттенить черный смокинг (который до 1917 г. был весьма популярен и в России). Жилет, правда, в менее торжественных случаях допускался и черный.

Что же касается тех, кого сегодня принято величать офисным планктоном, среди них вне конкуренции была визитка (жакет со скошенными полами + брюки в полоску) и костюм-тройка. Цветовая гамма здесь была уже не столь однообразна – помимо черного были популярны коричневые, серые и бежевые тона.

А линии в модерне затейливо изогнуты и красиво закручены. Любимое изображение стиля – полу увядший цветок ириса. И в моде появляется образ хрупкой женщины-цветка. В ней нет почти ничего материального. Она стала объектом искусства для художников. Наряды создаются для прекрасных муз, и чтобы носить их, земные женщины должны прилагать массу усилий.

Настоящей музой того времени была Анна Павлова, воздушная и почти несовместимая в воображении с земным притяжением.

Платья в смысле, что платья, были сделаны "из одной части" от горла до пальцев ног, не были слишком популярны  тогда. Даже бальное платье чаще всего состояло из юбки и тальи.

На протяжении многих столетий женская мода была под влиянием истории, политики, и географических условий. Женский статус  в обществе также  сказывался на выборе. Если взглянуть через призму истории, роль женщины лучше всего просматривается через популярные стили одежды, ткани, обувь.

  В 1900-е, ноги женщины редко были видны через слои юбок (только иногда, если она сидела). Это означает, что чулкам и обуви не придавалось большое значение.  Стиль того времени - это ярко выделенная стройная талия, подчеркивающая яркий образ женщины-цветка, обувь же, напротив, всегда с небольшими пряжками, и темных цветов. Тонкий нос и умеренного высокий каблук были в моде.  Женские юбки в основном имели форму конуса.  Одежда была сильно накрахмалена, что стало модным из-за мужских сорочек.

1913 год - уже совершенно другой силуэт.