СтенаСтена: мини-гостевая книга, позволяет посетителям Вашего дневника оставлять Вам сообщения.
Для того, чтобы сообщения появились у Вас в профиле необходимо зайти на свою стену и нажать кнопку "Обновить
Онлайн-игра "Empire"Преврати свой маленький замок в могущественную крепость и стань правителем величайшего королевства в игре Goodgame Empire.
Строй свою собственную империю, расширяй ее и защищай от других игроков. Б
Онлайн-игра "Большая ферма"Дядя Джордж оставил тебе свою ферму, но, к сожалению, она не в очень хорошем состоянии. Но благодаря твоей деловой хватке и помощи соседей, друзей и родных ты в состоянии превратить захиревшее хозяйст
ОткрыткиПерерожденный каталог открыток на все случаи жизни
Всегда под рукойаналогов нет ^_^
Позволяет вставить в профиль панель с произвольным Html-кодом. Можно разместить там банеры, счетчики и прочее
Кры́ша до́ма твоего́ — студийный альбом советского и российского композитора и певца Юрия Антонова, выпущенный студией «Мелодия» в 1983 году. В альбом вошли песни, записанные Юрием Антоновым с разными ансамблями («Араксом» и другими) в период с 1979 по 1983, и несколькими годами ранее уже вышедшие на дисках-миньонах. Вышел в формате LP.
Все песни альбома написаны Юрием Антоновым на стихи разных поэтов-песенников. Большинство текстов к песням альбома («Море», «Я вспоминаю», «Двадцать лет спустя», «Анастасия», «Дорога к морю») написано Леонидом Фадеевым. В альбом также вошло две песни на стихи Михаила Танича («Зеркало», «Не забывай») и по одной песне на стихи Олега Жукова («Жизнь»), Виктора Дюнина («Вот как бывает»), Михаила Виккерса («Золотая лестница») и Михаила Пляцковского («Крыша дома твоего»).
Главным хитом альбома стала его заглавная песня, изначально написанная Антоновым и Пляцковским для детского мьюзикла «Приключения кузнечика Кузи», где песню должен был исполнять Георгий Вицин. Запись песни задерживалась в связи с занятостью Вицина на съёмках, в связи с чем выход песни на сольном альбоме Антонова в его исполнении состоялся раньше, чем в составе «Приключений кузнечика Кузи». В исполнении Юрия Антонова песня приобрела широкую популярность.
Юрий Антонов:
«Я, кстати, не хотел над ним работать. Но Михаил Пляцковский сказал: писать для детей – благородно. Я же тогда считал, что сочинять для детей – удел старцев. Тем не менее, попробовал».
Как по мне, роль детского композитора действительно Антонову не удалась. Недаром среди детей ни одна песня из «Кузнечика Кузи» хитом не стала. Зато у взрослых…
Говорят, что изначально планировалось, что песни исполнит Георгий Вицин, исполняющий роль Кузи. Однако актёр был чем-то занят, и в итоге выход мюзикла задержался. А вот фирма «Мелодия» сразу учуяло запах большого хита, и в 1982 году издала на миньоне «патриотическую» песню «Крыша дома твоего» в исполнении самого Антонова.
Композиция стала безумно популярной и попала в финал «Песни года — 83». В том же 1983 году у Антонова, наконец-то, вышел диск-гигант, так и названный «Крыша дома твоего». К слову, похожая «взрослая» судьба ждала и две другие песни детского мюзикла — «Родные места» и «Не рвите цветы».
То, что потенциал у «Крыши…» был совсем не детский, подтверждает и диск «Yuri Antonov», выпущенный в 1986 году в Финляндии. Там песня поменяла название на «Look At Their Faces» («Глядя в их лица»), прозвучала в совершенно другой аранжировке и с английским текстом, не имеющим ничего общего с оригиналом Пляцковского.
Антон Брукнер «s Симфония № 8 в минор , WAB 108, последняя симфония композитора завершена. Он существует в двух основных версиях 1887 и 1890 годов. Премьера состоялась под управлением дирижера Ганса Рихтера в 1892 году в Вене . Она посвящена император Франц Иосиф I Австрии .
Эту симфонию иногда называют Апокалипсисом , но Брукнер дал своему произведению другое название. В статье «20 величайших симфоний всех времен» от BBC Music Magazine эта симфония находится на 13-й позиции. Брукнер также занимает 20-е место со своей Симфонией № 7 .
Брукнер начал работу над Восьмой симфонией в июле 1884 года. [2] Работая в основном во время летних каникул из своих обязанностей в Венском университете и Венской консерватории , композитор закончил все четыре части в черновой форме к августу 1885 года . оркестровка работы взял Брукнер до апреля 1887 года для завершения: на этой стадии композиции порядок внутренних движений было отменено, в результате чего второй скерцо и Adagio в качестве третьего движения.
В сентябре 1887 года Брукнер скопировал партитуру и отправил ее дирижеру Герману Леви . Леви был одним из ближайших соратников Брукнера, дав исполнение Симфонии № 7 в Мюнхене, что было «величайшим триумфом, который Брукнер когда-либо испытывал». [3]Он также организовал, чтобы карьера Брукнера была поддержана другими способами, включая финансовую помощь от дворянства и почетную докторскую степень Венского университета. Однако дирижер ответил Брукнеру, что:
Я считаю невозможным исполнить Восьмой в его нынешнем виде. Я просто не могу сделать это своим! Насколько темы великолепны и прямолинейны, их проработка мне кажется сомнительной; действительно, я считаю оркестровку совершенно невозможной ... Не теряйте храбрости, еще раз взгляните на свою работу, обсудите это с друзьями, со Шальком , может быть, переработка может чего-то добиться.
К январю 1888 года Брукнер согласился с Леви, что симфония выиграет от дальнейшей работы. Ранние исправительные работы были выполнены в первой части и скерцо, выраженными карандашными пометками в их партитуре. Отдельная версия Адажио - теперь называемая «промежуточным Адажио» или «Адажио 1888 года» - также была найдена и отредактирована в 2004 году Дермотом Голтом и Таканобу Кавасаки. После этого Брукнер сосредоточился на новых версиях Четвертой и Третьей . Он начал работу над окончательной версией Адажио в марте 1889 года и завершил новую версию симфонии в марте 1890 года.
Когда новая версия была завершена, композитор написал императору Францу Иосифу I разрешение посвятить симфонию ему. Император принял просьбу Брукнера, а также предложил оплатить публикацию произведения. У Брукнера были некоторые проблемы с поиском издателя для работы, но в конце 1890 года компания Haslinger-Schlesinger-Lienau согласилась провести публикацию. Партнеры Брукнера Йозеф Шальк и Макс фон Оберлейтнер помогали в процессе публикации: Шальк подготовил музыкальный текст для отправки в типографию, а Оберлейтнер исправил корректуру, а также оказал финансовую поддержку. Симфония была опубликована в марте 1892 года. Это была единственная из симфоний Брукнера, опубликованная до первого исполнения.
К тому времени , редакция 1890 была завершена Леви больше не проводят концерты в Мюнхене: в результате он рекомендовал , чтобы его протеже Вейнгартнер , капельмейстер в Мангейме , привести первое исполнение симфонии. Премьера дважды планировалась под руководством молодого дирижера в течение 1891 года, но каждый раз Вайнгартнер заменял другое произведение в последнюю минуту. В конце концов дирижер сказал Брукнеру, что он не может выступить, потому что собирается занять новую должность в Берлинской опере. Однако Вайнгартнер признал в письме к Леви, что настоящая причина, по которой он не смог исполнить симфонию, заключалась в том, что работа была слишком сложной и у него не было достаточно времени на репетиции: в частности, тубисты Вагнера в его оркестре не играли. иметь достаточно опыта, чтобы справиться со своими частями.
После того, как выступление Леви в Мюнхене было отменено из-за опасной вспышки холеры , Брукнер сосредоточил свои усилия на обеспечении венской премьеры симфонии. Наконец Ханс Рихтер , подписной дирижер Венского филармонического оркестра , согласился вести работу. Первое выступление состоялось 18 декабря 1892 года. Хотя некоторые из наиболее консервативных членов аудитории уходили в конце каждой части, присутствовали также многие сторонники Брукнера, в том числе Хьюго Вольф и Иоганн Штраус .
Известный критик Эдуард Ханслик ушел после медленного движения. В его рецензии симфония описывалась как «интересная в деталях, но в целом странная, действительно отталкивающая. Особенность этого произведения состоит, короче говоря, в импортировании в симфонию драматического стиля Вагнера». (Корстведт указывает, что это было менее негативным, чем отзывы Ханслика о более ранних симфониях Брукнера). Было также много положительных отзывов от поклонников Брукнера. Один анонимный писатель назвал симфонию «венцом музыки нашего времени». Хьюго Вольф писал другу, что симфония была «работой гиганта», которая «превосходит другие симфонии мастера по интеллектуальному размаху, удивительности и величию».
Симфония медленно вошла в оркестровый репертуар. Только два дальнейших выступления произошли при жизни Брукнера. Американская премьера состоялась только в 1909 году, в то время как симфония должна была ждать своего первого лондонского исполнения до 1929 года.
Симфония № 4 ми минор — последняя симфония Иоганнеса Брамса. Она была написана в 1884—1885 годах и принадлежит к числу наиболее совершенных и самобытных творений Брамса. С потрясающим драматизмом и несгибаемой стойкостью духа в ней рассказывается о трагических перипетиях жизненной борьбы.
Летнее время 1884 и 1885 года Брамс проводил в Мюрццушлаге, там и были написаны четыре части симфонии. При первых показах симфонии друзья приняли её без энтузиазма. По поводу первой части известный критик Эдуард Ганслик сказал: «У меня такое ощущение, как будто меня отлупили два ужасно остроумных человека»[ . Ещё один приятель Брамса Макс Кальбек посоветовал Брамсу переделать скерцо в финал, а из финала сделать отдельное произведение вроде Вариаций на тему Йозефа Гайдна. Брамс сомневался в том, что симфония будет хорошо воспринята публикой, однако при первых исполнениях ей сопутствовал успех. Премьера состоялась 25 октября 1885 года в Мейнингене, дирижировал Брамс, затем 1 ноября того же года ею дирижировал Ганс фон Бюлов
Композиция симфонии внешне представляет собой классический четырехчастный цикл, но драматургия произведения уникальна. И. И. Соллертинский определил её как движение «от элегии к трагедии»[источник не указан 2108 дней]. Особенно необычен финал симфонии, в котором вместо традиционно мажорной музыки происходит трагедийная развязка цикла.
Первая часть начинается как бы с полуслова, словно из пустоты возникает певучая элегическая мелодия; затем вторгается «тема фанфар», отделяя друг от друга две лирические темы — главную и побочную. Интенсивная разработка приводит к напряженной, но неожиданно тихой кульминации, и реприза начинается почти незаметно. Только в конце части на краткий миг обнажается весь трагизм происходящего, но еще не раскрывается до конца .
Вторая часть дает отдых чувствам в возвышенном созерцании. Красота и гармония мироздания — в этом образный смысл медленной части симфонии[
Третья часть — большое шумное скерцо. Танцевальные мотивы, внезапные контрасты наполняют музыку ощущением реальности бытия, подобно ослепляющему свету солнца
Тем трагичнее звучит финал симфонии — её четвертая часть. Еще никогда в симфониях Брамса не было такого сильного контраста. Брамс применяет редкую для симфонии старинную музыкальную форму чаконы — вариации на гармоническое остинато (неизменно повторяющаяся последовательность аккордов)[источник не указан 2108 дней]. «Здесь переплетаются отчаяние и надежда, борьба и смиренная покорность <…> Впервые финал симфонии стал вместилищем неразрешаемых противоречий, приводящих к истинно трагической развязке»
Известный немецкий дирижер Ф. Вейнгартнер писал: «Мне кажется подлинно сверхъестественным страшное душевное содержание этой вещи, я не могу избавиться от навязчиво возникающего образа неумолимой судьбы, которая безжалостно влечет к гибели то ли человеческую личность, то ли целый народ… Конец этой части, насквозь раскаленный потрясающим трагизмом, — настоящая оргия разрушения, ужасный контраст радостному и шумному ликованию последней симфонии Бетховена». Так Брамс ставит точку в своем симфоническом творчестве, таков один из итогов развития симфонии в XIX веке
Фантастическая симфония, ор. 14 (полное название «Эпизод из жизни артиста, фантастическая симфония в пяти частях» ― фр. Épisode de la vie d’un artiste, symphonie fantastique en cinq parties) ― симфония Гектора Берлиоза. Написанная в 1830 году, она стала одним из первых крупных сочинений в жанре программной музыки и одним из самых известных произведений композитора.
Содержание симфонии связано с возлюбленной Берлиоза — английской актрисой Гарриет Смитсон. В 1847 году во время гастролей в России автор посвятил «Фантастическую симфонию» императору Николаю I
Самое знаменитое и значительное произведение, вышедшее из-под пера Берлиоза, — Фантастическая симфония. Ее уникальность заключается в том, что она стала первой в музыке романтизма программной симфонией. Гектор Берлиоз самостоятельно создал программу к ней в виде сценария, с подробным и ярким описанием всех событий, которые должны были развернуться на глазах публики. Таким образом, симфония вполне могла иметь сценическое воплощение. Однако музыкальное наполнение симфонии настолько богато и выразительно, что и одного ее исполнения достаточно, чтобы проследить все, о чем желал поведать автор.
Историю создания «Фантастической симфонии» Берлиоза, содержание произведения и множество интересных фактов
Кто из вас может похвастаться оригинальным сюрпризом для своей второй половинки? А вот знаменитый французский композитор Гектор Берлиоз, который влюбился буквально в первого взгляда, смог, да еще каким! Его можно понять, невозможно не влюбиться в очаровательную юную актрису Гариетт Смитсон, играющую Джульетту. К тому же, дело то все происходило в городе любви – Париже, где сама атмосфера пропитана романтическим настроением.
Молодой композитор делал все возможное, чтобы привлечь внимание девушки, в ход шли подарки, письма с признаниями и даже ноты. Однако все они оставались без ответа, она и слушать его не хотела. Более того, актрису уже начинал раздражать надоедливый очередной поклонник, сильно усугубляло ситуацию то, что молодые люди говорили на разных языках и в этом плане между ними была огромная пропасть. Девушка была англичанкой, а Берлиоз, как известно – французом.
Но великий композитор нашел способ перекинуть мост через эту пропасть и растопить сердце красавицы, а состоять он должен был из музыки. Как же так, спросите вы? Все очень просто! Берлиоз, проведя тщательный анализ, решил написать своеобразную серенаду возлюбленной, которая открыла бы все его истинные чувства.
Этим зашифрованным любовным посланием стала «Фантастическая симфония» Гектора Берлиоза, первая его работа в подобном жанре. Все в ней необычно: сама музыка, яркие выразительные образы, оркестровка и количество частей. Она содержит пять частей, вместо привычных четырех. Чтобы по ошибке никто не сделал поправки, композитор от руки сделал надпись о том, что опечаток нет и она должна исполняться именно в таком варианте. В сюжете «серенады» история любви молодого юноши-артиста, который безответно влюблен. Знакомый сюжет, не правда ли? В каждой части возникает чудесная тема, которая рисует чувства героя.
На премьере «Фантастической симфонии» Берлиоза ждал восхитительный успех. Публика великолепно приняла новаторское произведение. Но главный сюрприз ждал его после премьеры! Послание сработало и актриса Гариетт Смитсон все поняла даже без слов, благодаря выразительной музыке. Она подошла после концерта к тому, кто сочинил эту серенаду и... сама пригласила на свидание! Но это еще не все, через некоторое время Г. Берлиоз и его возлюбленная поженились, дописав счастливый финал в своей «Фантастической симфонии». Вот она, настоящая сила музыки, для которой нет границ и преград.
Симфония № 9 ми минор «Из Нового Света», соч. 95, B. 178 (чеш. Z nového světa), часто называемая просто симфонией Нового Света — последняя симфония А. Дворжака. Была написана в 1893 году во время пребывания композитора в США и основывается на национальной музыке этой страны. Она является самой известной его симфонией и принадлежит к наиболее часто исполняемым произведениям мирового репертуара. Премьера состоялась 15 декабря 1893 года[1] в Карнеги-холле. В старой литературе обозначается как № 5.
Работавший в Америке в 1892—1895 годах Дворжак живо интересовался негритянской (спиричуэлы) и индейской музыкой. Он писал:
Я убежден, что будущее музыки этой страны до́лжно искать в том, что зовётся негритянскими мелодиями. Они могут стать основой для серьёзной и самобытной композиционной школы Соединённых штатов. Эти прекрасные разнообразные мелодии порождены землёй. Это народные песни Америки, и ваши композиторы должны обратиться к ним.
Оригинальный текст (англ.)[показать]
Симфония была заказана Нью-Йоркским филармоническим оркестром и исполнена им впервые 16 декабря 1893 года в Карнеги-холл, дирижировал А. Зайдль. Публика встретила новое сочинение с огромным восторгом, композитору приходилось после каждой части вставать и кланяться.
Днём ранее (15 декабря) в «Нью-Йорк Геральд» была опубликована статья Дворжака, где он разъяснял, какое место занимает индейская музыка в его симфонии:
Я не использовал напрямую никаких [индейских] мелодий. Я просто создал свои темы, основываясь на особенностях индейской музыки, и, используя эти темы как исходный материал, развил их всеми силами современных ритмов, контрапункта и оркестровки.
В этой же статье Дворжак писал, что считает вторую часть симфонии «наброском или этюдом к другой работе, кантате или опере … которая будет основываться на „[Песни о] Гайавате“ Лонгфелло». Этого произведения Дворжак так и не создал. Он также писал, что третья часть — скерцо — «написана под впечатлением от сцены пира в „Гайавате“, где индейцы танцуют».
Что интересно, музыка, которая теперь воспринимается как классический вариант негритянского спиричуэла, могла быть написана Дворжаком, чтобы создать соответствующее впечатление. В газетном интервью 1893 года можно прочитать:
«Я обнаружил, что музыка негров и индейцев почти что совсем одинакова», «музыка этих двух рас породила замечательное сходство с музыкой Шотландии».
Оригинальный текст (англ.)[показать]
Большинство исследователей сходятся на том, что композитор имеет в виду пентатонику, типичную для музыкальных традиций всех этих народов.
В опубликованной в 2008 году статье в «Хронике высшего образования» видный музыковед Дж. Горовиц утверждает, что негритянские спиричуэлы оказали очень большое влияние на музыку девятой симфонии. Он цитирует интервью 1893 года с Дворжаком в Нью-Йорк Геральд: «В негритянских мелодиях Америки я нахожу все, что нужно для великой и достойной уважения музыкальной школы».
Но несмотря на всё это, как правило, всё-таки считается, что, как и другие сочинения Дворжака, эта симфония имеет более общего с народной музыкой Богемии, чем Соединённых штатов. Л. Бернстайн считал, что эта музыка действительно полинациональна в самых своих основах.
Во время миссии «Аполлона-11» Нил Армстронг взял запись симфонии с собой на Луну.
Вслед за американской премьерой симфония быстро завоевала европейские концертные залы. Александр Маккензи дирижировал лондонской премьерой 21 июня 1894 года, месяц спустя состоялось первое исполнение на континенте (20 июля, Карлсбадский оркестр под управлением Августа Лабицкого).
Партитура, исполнявшаяся на премьере 16 декабря 1893 года и в дальнейшем, содержала отступления от оригинальной рукописи. 17 мая 2005 года Денис Воэн и Лондонский филармонический оркестр впервые исполнили симфонию в оригинальной версии.
Концерт для фортепиано с оркестром № 1 (Чайковский)
«Первый концерт для фортепиано с оркестром» (соч. 23), он же «Концерт № 1 си-бемоль минор для фортепиано с оркестром» или в разговорной речи: Первый концерт Чайковского — музыкальное произведение, созданное композитором П. И. Чайковским в 1875 году.
Существует три музыкальные редакции: первые две — авторские; третья — самая известная — появилась после смерти композитора.
Длительность: 35 — 40 мин. (в зависимости от исполнения).
Это произведение является первым русским фортепианным концертом[1].
В настоящее время это одно из самых частых по исполнению музыкальных классических произведений[2]. Пианист Андрей Гаврилов охарактеризовал это произведение как самое известное этого жанра: «Начало первого концерта — самая известная музыка на планете. За всю свою жизнь я не встретил ни одного человека, который не знал бы этого мотива — от крестьянина до короля»[1].
Петр Ильич Чайковский приступил к работе над концертом после завершения им в августе 1874 года оперы «Кузнец Вакула»; украинская народная тематика заинтересовала его и наработки в этом направлении надо было использовать в новом произведении[3]. Этим произведением стал концерт № 1.
На автографе переложения концерта для двух фортепиано стоит авторская дата «21 декабря 1874»; в оркестровом варианте произведение было закончено 9 февраля 1875 года[3]. Эта дата и стала датой создания Первого концерта[4].
Работа над произведением продвигалась непросто, об этом сам композитор писал своему брату Модесту[3]. Это было непростое время для композитора, ощущающего себя «не таким», «неправильным»: он из последних сил подвергал себя чудовищному насилию, чтобы окончательно не прослыть в обществе приверженцем «неправильной сексуальной ориентации», не быть изгоем — но все попытки уйти от себя приводили лишь к новым разочарованиям[1].
При создании этой музыки композитор использовал разные темы, вдохновившие его на создание одной общей структуры.
В 1-й части музыкального произведения предпочтение отдано украинским народным напевам, а в главной партии — мотиву лирников, услышанному самим П. Чайковским на Украине. Композитор позже писал об этом так: «Слушал лирное пение слепых. Оно называется лирным по названию аккомпанирующего инструмента — лира, которая, впрочем, с античной лирой ничего общего не имеет. Замечательно, что все слепые певцы в Малороссии поют один и тот же вечный напев и с тем же наигрышем. Я отчасти воспользовался этим напевом в первой части моего фортепианного концерта»[4]. Композитор находил ущербную общность со слепыми музыкантами. Но вместе с тем в интерпретации Чайковского эта мелодия, позаимствованная из грустной старинной песни бродячих слепых музыкантов, как бы несет в себе смертельную хрупкость самого композитора: с одной стороны, это — жажда жизни, с другой — ее трагедийность[1].
Во 2-й части концерта прослушивается легкий песенный мотив; это, по воспоминаниям самого П. Чайковского, — французская песенка, когда-то бывшая в моде и ее часто напевали его младшие братья[4].
В финале концерта Чайковский обратился к украинской народной музыке, использовав украинскую песню «Выйди, выйди, Иваньку»[4].
Весь концерт целиком представляет собой достаточно «легкую» (не путать в легковесной, простой, наивной и т. д.!) по жанру музыку, какой вообще прославился композитор, уйдя от так называемой «сложной» музыки, свойственной русской музыкальной школе (скажем, композиторам «Могучей кучки»)[5]. Эта «легкость», музыкальная лучезарность сделала произведение настолько притягательным, что принесло ему неимоверную славу и популярность. Пианист Андрей Гаврилов, который, по собственному выражению, играет этот концерт всю жизнь, сказал: «…это музыкальное сочинение, как бы сотканное из мелодических модуляций человеческой души, эта поющая, симфоническая философия жизни, этот сладкий русский симфонический экзистенциализм принадлежит едва ли не к десятку лучших созданий человеческого гения»[1].
Первое исполнение концерта Бюловым состоялось 25 октября 1875 года в США, в Бостоне[3][6] под управлением американского дирижера Б. Ланга. По этому поводу Бюлов сообщал Клиндворту: «Исполнение под управлением американца Ланга, которого я нашел и сразу сделал знаменитым, было вполне приличным, а вчера при повторении было принято с восторгом»[4]. Сам автор, находясь в России, прослушать это исполнение не мог.
В России премьера концерта прошла через несколько дней, 1 ноября 1875 года в Санкт-Петербурге под управлением Э. Ф. Направника с солистом Густавом Кроссом[2] — это было первое исполнение русского фортепианного концерта (хотя именно в музыке национальность и государственный язык определяются менее всего), но этим исполнением Чайковский остался крайне недоволен и с нетерпением ждал 3 декабря, когда состоится премьера в Москве в исполнении С. И. Танеева и дирижера… Н. Рубинштейна[4] — того самого Николая Рубинштейна, для которого изначально предполагалось произведение и который отклонил его. Это исполнение, состоявшееся в Москве 3 декабря 1875 года, композитору понравилось[2].
Обрадованный Чайковский вместо зачеркнутого посвящения Н. Рубинштейну (так и не вернул!) поставил посвящение С. Танееву, а потом, передумав, зачеркнул и это и написал посвящение Г. Бюлову — первому исполнителю своего Первого концерта[3].
Остается лишь добавить, что в репертуаре Н. Г. Рубинштейна этот концерт № 1 Чайковского занял впоследствии прочное место. Да и многие музыканты неоднократно обращались и продолжают обращаться к нему.
Начиная с 1887 и до конца жизни Чайковский дирижировал сам при исполнениях своего Первого концерта[8].
5 мая 1891 года Чайковский открыл в Нью-Йорке «Карнеги-холл», произведением "Торжественный коронационный марш", затем был концерт 7 мая, где он дирижировал Третью сюиту и, наконец, 9 мая он продирижировал триумфальным исполнением своего Первого фортепьянного концерта[9].
Первый концерт Чайковского (а это первый русский фортепианный концерт) оказался настолько важным и влиятельным, что современная критика отмечает: «Первый концерт П. Чайковского — целая эпоха в русской фортепианной музыке. По своему значению он превышает все, написанное до него. Он послужил краеугольным камнем в развитии последующего русского фортепианного творчества»[2].
Первый концерт Чайковского — в третьей, не авторской, редакции — стал исполняться столь часто, что пианист Андрей Гаврилов сказал о нем: «Первый концерт Чайковского сегодня — шлягер. Ни одно другое классическое произведение не играют так часто, в том числе и на всевозможных конкурсах. Это бесконечное повторение дискредитировало, измучило прекрасное, нежнейшее произведение. Злоупотребление первым концертом в СССР и в России на всяческих торжественных, в прошлом — коммунистических, сейчас — патриотических, празднествах привело к тому, что у многих русских людей концерт набил оскомину, а за рубежом его зачастую даже принимают за некий музыкальный апофеоз русского великодержавного шовинизма»[1].
С 1958 года это сочинение (всё в той же третьей музыкальной версии) входит в обязательную программу финального тура Международных конкурсов имени Чайковского[8].
Симфония № 7 в C мажор , Op. 105, была последней опубликованной симфонией финского композитора Яна Сибелиуса . Завершенная в 1924 году Симфония № 7 примечательна тем, что является симфонией из одной части , в отличие от стандартной симфонической формулы из четырех частей. Он был описан как «полностью оригинальный по форме, тонкий в его обработке темпи , индивидуальный в его подходе к ключевым и полностью органичный в росте» и «самое замечательное композиционное достижение Сибелиуса»
После того, как 2 марта 1924 года Сибелиус закончил сочинение, 24 марта в Стокгольме состоялась его премьера под названием Fantasia sinfonica No. 1 , «симфонической фантазии ». Композитор, по-видимому, не определился, какое название дать пьесе, и только после некоторых размышлений присвоил ей статус симфонии. Для публикации 25 февраля 1925 года партитура называлась «Симфония № 7 (в одной части)».
Идея непрерывной симфонии, состоящей из одной части, была достигнута Сибелиусом только после долгого процесса экспериментов. Его Симфония № 3 , датируемая 1907 годом, содержала три части, причем более ранняя четвертая часть была слита с третьей. Окончательный результат оказался достаточно успешным, чтобы Сибелиус использовал ту же идею в своей Симфонии № 5 , завершенной в 1915 году. Хотя его первое упоминание о № 7 произошло в декабре 1918 года, источник ее материала восходит к 1914 году. время, когда он работал над Пятым.
В 1918 году Сибелиус описал свои планы относительно этой симфонии, как включающие «радость жизни и жизненную силу с частями аппассионато ». Симфония будет состоять из трех частей, последняя из которых будет «эллинским рондо». Сохранившиеся зарисовки начала 1920-х годов показывают, что композитор работал над произведением из четырех, а не трех частей. Общий ключ , кажется, была соль минор , в то время как второе движение, Adagio в мажор , при условии , большая часть материала для тем , что в конечном итоге составивших симфонию. Первый сохранившийся проект симфонии, состоящей из одной части, датируется 1923 годом, что позволяет предположить, что Сибелиус, возможно, принял решение отказаться от работы с несколькими частями в это время. Летом 1923 года композитор подготовил еще несколько набросков, по крайней мере, один из которых находится в исполнимом состоянии, однако концовка симфонии еще не была полностью проработана.
Когда 1923 год сменился 1924 годом, Сибелиуса отвлекли от работы над симфонией ряд посторонних событий: присуждение крупного денежного приза от фонда Хельсинки, семейные дни рождения и сочинение нескольких коротких фортепианных произведений. Когда он вернулся к симфонии, композитор выпил обильное количество виски, чтобы, как он утверждал, укрепить руку, когда писал на бумаге для рукописи.
Наряду с его Симфониями № 5 и № 6 , № 7 был последним домом Сибелиуса для материала из Куутара , так и не законченной симфонической поэмы , название которой примерно означает «Лунная Духовность». Эта работа помогла сформировать самые ранние части № 7, созданные во время сочинения № 5 и 6. Одна из тем Куутара , получившая название « Tähtölä » («Где обитают звезды»), превратилась в часть № 7-я вступительная секция Adagio .
Хотя симфония по- видимому , первая существовала в зачаточной форме в ре мажор , он в конечном итоге достиг домашнего ключа от C мажор . Было время, когда сочинение на C считалось бесплодным - ему «больше нечего было предложить». Но в ответ на эту симфонию британский композитор Ральф Воан Уильямс сказал, что только Сибелиус может сделать звучание до мажор совершенно свежим. Питер Франклин, сочиняющий Седьмую в цикле Сегерштам - Чандос симфоний Сибелиуса, называет это драматическое завершение «величайшим праздником до мажор, который когда-либо был».
Сибелиус прожил 33 года после того, как закончил Седьмую, но это было одно из последних сочинений, которые он сочинил. Он завершил еще одно важное оркестровое произведение - симфоническую поэму « Тапиола» . Однако, несмотря на множество свидетельств работы над Симфонией № 8 , считается, что Сибелиус сжег все, что написал. Он оставил № 7 в качестве своего последнего заявления о симфонической форме.
Форма симфонии поразительно оригинальна. Со времен Гайдны , А движение в симфонии, как правило , быть объединено приблизительно постоянной темп и достиг бы разнообразие пути использования контрастной темы в различных ключах . Сибелиус перевернул эту схему с ног на голову. Симфония объединены ключом C (каждое существенное проход в работе в C мажор или минор ), и разнообразие достигается за счет почти постоянно меняющегося темпа , [7] , а также контрастах режима , сочленения и текстуры . [8] Сибелиус сделал нечто подобное вПервая часть Симфонии № 5 , сочетающая в себе элементы стандартной симфонической первой части с более быстрым скерцо . Однако Седьмая симфония содержит гораздо большее разнообразие в рамках одной части.
Симфония № 6 си минор, соч. 74 «Патетическая» — последняя симфония Петра Ильича Чайковского, которую он писал с февраля по конец августа 1893 года. Название ей предложил брат композитора — Модест. Симфония посвящена Володе (Бобу) Давыдову (его племяннику). По мнению американского биографа композитора Александра Познанского, «посвящение Патетической симфонии Бобу Давыдову намекает… на эротическое измерение её содержания», композитор не скрывал своей влюблённости в племянника. Название «Патетическая» свидетельствует о том, что в симфонии противопоставлены всеобщие и глубокие темы жизни и смерти.
Премьера состоялась 16 октября (28 октября) 1893 г. в Петербурге под управлением автора, за девять дней до смерти композитора.
Работе над симфонией предшествовал длительный подготовительный период. Уже в 1889 году Чайковский задумал новое сочинение. Об этом он писал в письме к князю Константину Романову:
««Мне ужасно хочется написать какую-нибудь грандиозную симфонию, которая была бы как бы завершением всей моей сочинительской карьеры... Неопределенный план такой симфонии давно носится у меня в голове, но нужно стечение многих благоприятных обстоятельств для того, чтобы замысел мой мог быть приведен в исполнение. Надеюсь не умереть, не исполнивши этого намерения.»
Первоначально им была задумана симфония «Жизнь» в тональности Es-dur, над которой он работал весной и летом 1891 года. Однако оптимистическая концепция намечавшегося произведения его разочаровала и он оставил её сочинение. Тем не менее, замысел крупного симфонического произведения продолжал вызревать. В письме к В. Л. Давыдову от 11 февраля 1893 года Чайковский пишет:
«Во время путешествия у меня явилась мысль другой симфонии, на этот раз программной, но с такой программой, которая останется для всех загадкой, - пусть догадываются, а симфония так и будет называться: Программная симфония (№ 6) <...> Программа эта самая что ни на есть проникнутая субъективностью, и нередко во время странствования, мысленно сочиняя её, я очень плакал. Теперь, возвратившись, сел писать эскизы, и работа пошла так горячо, так скоро, что менее, чем в четыре дня, у меня совершенно готова была первая часть и в голове уже ясно обрисовались остальные части. Половина третьей части уже готова. По форме в этой симфонии будет много нового, и, между прочим, финал будет не громкое аллегро, а наоборот, самое тягучее Adagio. Ты не можешь себе представить, какое блаженство я ощущаю, убедившись, что время еще не прошло и что работать еще можно. Конечно, может быть, я и ошибаюсь, но кажется, что нет.»
Стол в спальне П. И. Чайковского в Клину, за которым была написана Шестая симфония
Таким образом, создание симфонии происходило очень быстро: 4 февраля она была начата, 24 марта эскизы всего сочинения были закончены, а к 19 августа композитор завершил всю партитуру и подготовил симфонию к печати. Первое исполнение Шестой симфонии состоялось в Петербурге 16 октября 1893 г. под управлением автора и имело средний успех, однако это не изменило высокой авторской оценки сочинения. Через два дня после концерта в письме к П. И. Юргенсону он писал:
«С этой симфонией происходит что-то странное! Она не то чтобы не понравилась, но произвела некоторое недоумение. Что касается меня самого, то я ею горжусь более, чем каким-либо другим моим сочинением.»
После смерти Чайковского симфония была сыграна еще раз под управлением Э. Ф. Направника и произвела глубочайшее впечатление, усиленное ощущением глубокой утраты. В Москве первое исполнение состоялось 4 декабря 1893 г. под управлением В. И. Сафонова.
Чайковский в самом начале работы над симфонией упоминал о «тайной программе». Эту программу он нигде не записал, однако, остались некоторые свидетельства самого автора и его современников о том, какое образное содержание он воплотил в этом сочинении.
В письме к К. Р. (великому князю Константину Романову) от 21 сентября 1893 года, в ответ на предложение последнего положить на музыку стихотворение "Реквием" Алексея Апухтина, П. Чайковский отмечал, что:
«... последняя моя симфония, только что написанная и предназначенная к исполнению 16 октября <...> проникнута настроением очень близким к тому, которым преисполнен "Реквием". Мне кажется, что симфония эта удалась мне, и я боюсь, как бы не повторить самого себя [6].»
По воспоминаниям певицы Александры Панаевой-Карцовой, после первого исполнения Шестой симфонии композитор, провожая свою кузину Анну Мерклинг, согласился с её предположением, что он описал ей свою жизнь:
«Ты угадала. Первая часть – детство и смутные стремления к музыке. Вторая – молодость и светская веселая жизнь. Третья – жизненная борьба и достижение славы. Ну, а последняя, - это De profundis, то есть – молитва об умершем, чем всё кончаем, но для меня это еще далеко, я чувствую в себе столько энергии, столько творческих сил; я знаю, что создам ещё много, много хорошего и лучшего, чем до сих пор.»
Племянник Чайковского Юрий говорил:
«Шестая симфония, по моему глубокому убеждению, является произведением автобиографическим. Помню, что такого мнения придерживались Модест Ильич Чайковский и мой брат Владимир, которому Пётр Ильич посвятил эту симфонию.»
Брат композитора Модест Ильич Чайковский писал в 1907 году чешскому музыковеду Рихарду Батке:
«Вы хотели узнать программу Шестой симфонии, но я ничего не могу сообщить Вам, так как брат держал её в своих мыслях. Он унёс эту тайну с собой в могилу. Но если Вы всё-таки хотите, я сообщу Вам то немногое, что узнал от брата. Первая часть представляет собой его жизнь, сочетание страданий, душевных мук, с непреодолимым томлением по Великому и Возвышенному, с одной стороны, борьбу со страхом смерти, с другой — божественную радость и преклонение перед Прекрасным, перед Истиной, Добром, всем, что сулит вечность и небесное милосердие. Так как брат большую часть своей жизни прожил ярко выраженным оптимистом, он закончил первую часть возвращением второй темы. Вторая часть, по моему мнению, представляет собой ту радость жизни, которая не может сравниться с преходящими мимолётными радостями нашей повседневной жизни, радость, музыкально выраженная необыкновенным пятидольным размером. Третья часть свидетельствует об истории его развития как музыканта. Это не что иное, как шалость, игра, развлечение в начале его жизни до двадцатилетнего возраста, но потом всё это делается серьёзнее и кончается достижением мировой славы. Её и выражает триумфальный марш в конце. Четвёртая часть — состояние его души в последние годы жизни — горькие разочарования и глубокие страдания. Он приходит к мысли, что слава его как художника преходяща, что сам он не в силах побороть свой ужас перед вечным Ничто, тем Ничто, где всему, что он любил и что в течение всей жизни считал вечным, угрожает бренность.
Симфония № 2 в ре мажор , соч. 73, была написана Иоганнесом Брамсом летом 1877 года во время визита в Пёрчах-ам-Вёртерзее , город в австрийской провинции Каринтия . Его сочинение было кратким по сравнению с 21 годом, который потребовался Брамсу, чтобы закончить свою Первую симфонию .
Радостные и почти пастырское настроение симфонии часто приглашают сравнения с Бетховена Шестой симфонией , но, возможно , озорно, Брамс написал свой издатель 22 ноября 1877 года , что симфония «настолько тоскливо , что вы не будете в состоянии вынести. Я никогда не писал ничего более грустного, и партитура должна выйти в трауре ».
Премьера состоялась в Вене 30 декабря 1877 года Венским филармоническим оркестром под управлением Ганса Рихтера ; Уолтер Фриш отмечает , что первоначально было запланировано на 9 декабря, но «в одном из этих маленьких парадоксов истории музыки, это должно было быть отложено [потому что] игроки были настолько заняты обучения Das Рейнгольда от Рихарда Вагнера .» Типичное представление длится от 40 до 50 минут.
Во Второй симфонии Брамс сохранил структурные принципы классической симфонии , в которой две живые внешние части образуют медленную вторую часть, за которой следует короткое скерцо :
Загадочные струнные sotto voce открывают финальное Allegro con spirito , снова в сонатной форме. Полный оркестр внезапно объявляет о прибытии главной темы, открывая «... сияющий рассвет самого атлетичного и возбужденно праздничного движения, которое когда-либо писал Брамс». [4] По мере того, как первоначальное волнение утихает, скрипки вводят новую тему в A major, отмеченную largamente (для широкой игры). Духовые инструменты повторяют это до тех пор, пока не переходит в кульминацию. Такт 155 части снова повторяет первую тему симфонии, но вместо радостной вспышки, услышанной ранее, Брамс вводит раздел развития движения. Транквилло в середине движенияСекция (полоса 206 и вновь появляющаяся в коде) обрабатывает более ранний материал и замедляет движение, чтобы позволить накоплению энергии в перепросмотре. Снова появляется первая тема (такт 244), и играется знакомая оркестровая форте. Вторая тема также снова появляется в тонической тональности. Ближе к концу симфонии нисходящие аккорды и лабиринт нот различных инструментов оркестра (такты с 395 по 412) снова озвучивают вторую тему, но на этот раз заглушенную пламенем медных инструментов, поскольку симфония заканчивается торжественное настроение.
Страстной любовью к родине проникнута эта симфония, воспевающая светлые стороны жизни.
В ней есть несомненные черты общности с Пасторальной Бетховена. Но существенны и отличия. Брамсу не свойственна зарисовка жанровых сцен: он более субъективен в передаче настроений, возникающих от общения с природой, и одновременно более порывист, драматичен. Поэтому, прославляя свет жизни, он не может не заметить и тех туч, которые иногда возникают на небосклоне, заслоняя солнце...
Приступая к работе над III симфонией, Чайковский уже признанный симфонист среди композиторов, ведь I и II симфонии прошли с огромным успехом у публики. Летом 1875 года гостит у В. С. Шиловского, в Усове. Три недели прошедшие у давнего друга, не прошли даром для композитора, закончены черновики для Третьей симфонии, приступил к оркестровке. Но кратковременные поездки в Москву, Киев и другие места, не дали завершить все работы над ней, закончил в августе, находясь в деревне Вербовке.
В III симфонии Чайковский экспериментирует, создает её пятичастной, что отходит от стандартной структуры симфонического цикла. Кроме того, это — единственная симфония Чайковского, написанная в мажоре.
Программа отсутствует, однако доминирует светлое, оптимистичное настроение, создаются колоритные художественные образы, отличающиеся яркой театральностью. Сам Чайковский писал о произведении так: «Сколько мне кажется, симфония эта не представляет никаких особенно удачно изобретенных идей, — но по части фактуры она шаг вперед. Всего более я доволен 1-ю частью и обоими скерцо»[1].
Премьера состоялась 7 ноября 1875 года в Москве под управлением Н. Рубинштейна, вызвав, по словам одного из обозревателей, «видимое удовольствие у слушателей». В январе 1876 года прозвучала в Петербурге, под управлением Э. Направника, бывшим тогда музыкальным руководителем Мариинского театра. В письме своему брату от 28 января 1876 года Чайковский писал: «Симфония моя прошла очень хорошо и имела значительный успех. Меня очень дружно вызывали и рукоплескали»[2]. Отзывы газетных критиков были положительными, в статье Г. Ларош, писал: «По силе содержания, по разнообразному богатству формы, по благородству стиля, запечатленному самобытным, индивидуальным творчеством, и по редкому совершенству техники симфония г. Чайковского составляет одно из капитальных явлений музыки последних лет...».
Джордж Баланчин создал на музыку симфонии балет «Бриллианты» (заключительная часть триптиха «Драгоценности»), исключив первую часть.
Известные аудиозаписи
2008 - Мельбурнский симфонический оркестр, дирижёр - Олег Каэтани.
2011 - Лондонский симфонический оркестр, дирижёр - Валерий Гергиев.
Симфония № 1 соль минор, соч. 13 «Зимние грёзы» — симфония Петра Ильича Чайковского. Создана в марте — ноябре 1866 года. Премьера состоялась 15 февраля 1868 года в Москве. Дирижером выступил Н. Г. Рубинштейн.
Симфония «Зимние грёзы» была первым произведением, написанным композитором после переезда в Москву. Она создавалась в период с весны по лето 1866 года. Брат композитора, Модест Чайковский писал об этом событии:
«Ни одно произведение не давалось ему ценой таких усилий и страданий.»
Эскизы симфонии были готовы в мае 1866 года. Из переписки композитора с близкими известна хронология работы над симфонией. Так, в одном из июньских писем этого года Чайковский сообщал, что начал оркестровать симфонию. Но летом он, по свидетельству всё того же Модеста, стал более мрачным, чаще прежнего совершал прогулки в одиночестве. Он работал не только днём, но и по ночам, в результате чего его нервная система совершенно расстроилась.
Чайковский решил показать ещё не оконченное произведение в Петербурге А. Рубинштейну и Н. Зарембе. Им симфония не понравилась, и такое отношение оскорбило молодого композитора. Партитуру композитор завершил в ноябре после переезда в Москву.
Вторая редакция симфонии Чайковского понравилась Николаю Рубинштейну, и вскоре в одном из концертов Русского музыкального общества он исполнил скерцо из симфонии. Потом, в Петербурге, под его же управлением прозвучали адажио.
Целиком симфония впервые была исполнена под управлением Н. Г. Рубинштейна 15 февраля 1868 года в Москве. Московская публика горячо приняла симфонию, но настроенный очень самокритично Чайковский не был удовлетворён своим творением. Поэтому он сделал третью редакцию симфонии в 1874 году. Именно в этой версии симфония была издана П. И. Юргенсоном в 1875 году.
Симфония начинается еле слышным звучанием скрипок, которое напоминает своеобразный шелест сухого снега от ветра, звенящий морозный воздух. Возникающая на этом фоне мелодия главной партии поручена флейте и фаготу. Их звучание создаёт реальное представление о широте просторов, поскольку оба инструмента играют в унисон, но на расстоянии двух октав. Умолкла мелодия у деревянных духовых, и теперь с этой же темой вступают струнные — альты, затем виолончели. Постепенно в звучание вливаются всё новые и новые инструменты. Мелодия дробится, словно подхваченные ветром, летят друг за другом её обрывки. И вот уже во весь голос богатырски звучит мощная тема. Несколько сухих аккордов, и на фоне тянущихся звуков струнных вступает кларнет. Песня его, задумчивая и спокойная, и есть побочная партия. Она льётся привольно, как бесконечно разворачивающаяся лента. Раздел, в котором темы проходят первый раз, называется экспозицией. Заключительный её раздел — праздничный, торжественный, с ликующими фанфарами. Это возбуждение приводит к разработке — среднему разделу первой части. В ней господствует взволнованное стремительное движение, активные переклички голосов, столкновение различных тем экспозиции, полное драматизма и приводящее к кульминации. После генеральной паузы, то есть паузы всего оркестра, осторожно, робко начинают звучать басовые голоса. На них наслаивается мягкое звучание валторны, затем вступают деревянные духовые и, наконец, полилась печальная мелодия — главная тема первой части. Так начался третий, заключительный раздел первой части, называемый репризой. Завершается вся первая часть кодой, построенной на развитии одного из элементов главной партии, который на сей раз звучит в сочетании с побочной. Устанавливается тишайшее звучание, как отзвук, напоминание. Оно спускается в нижний регистр и постепенно растворяется в шуршащем тремоло скрипок.
2. «Угрюмый край, туманный край». Adagio cantabile ma non tanto
Как и в первой части симфонии, образ природы здесь сливается с лирическим настроением, спокойным, задумчивым. Хотя поводом для написания этой части были зрительные впечатления, музыка лишена звукоизобразительности. Оркестровая фактура, светлая, прозрачная, создаёт впечатление воздуха, простора. Примечательно, что для этой части композитор использовал тему из своей юношеской увертюры «Гроза». Кстати, эта тема позднее была использована Чайковским ещё раз — в музыке к весенней сказке А. Островского «Снегурочка». Поначалу это тихая ласковая тема гобоя. Её сопровождают, даже, можно сказать, окружают наигрыши флейт наподобие свирели. Их сопровождает фагот. Вскоре появляется вторая тема части. Её звучание более взволнованное. По ходу развития каждое новое появление первой темы звучит все более эмоционально напряженно. Кульминация в развитии — эпизод, в котором тема одновременно звучит у гобоев, кларнетов, валторн. После этого наступает спад звучности. Возвращается тема вступления.
3. Скерцо. Allegro scherzando giocoso
Примечательно, что и здесь Чайковский воспользовался ранее написанной музыкой, позаимствовав её из своей фортепианной сонаты до-диез минор. Характер музыки в этой части симфонии созвучен с настроением предыдущей части. Скерцо начинается кратким вступлением, после чего у скрипок вступает основная тема в остром прихотливом ритме. В звучании, благодаря некоторым особенностям музыкального лада, угадываются черты народной песенности. Средний раздел Скерцо – традиционное для такой формы в классической музыке трио.
4. Финал. Andante lugubre. Allegro maestoso
Контраст с предыдущими частями очень яркий, но не драматический. Если в двух предыдущих частях Чайковский заимствовал музыкальный материал из своих более ранних произведений, то здесь он воспользовался — как это делали многие композиторы — мелодией народной песни «Я посею ли, млада»; в городском быту эта песня была известна под названием «Цвели цветики». Композитор оригинально обработал этот известный мотив: в Финале он предстаёт как в мажорном, так и в минорном «преломлении». И каждый раз это привносит музыкальное и эмоциональное разнообразие. В какой-то момент песня приобретает размашистый, даже, можно сказать, грубый характер в духе разухабистого пляса. Радостной, колокольно-праздничной музыкой завершается вся симфония
Николай Гумилев вместе со своим боевым командиром в годы 1 мировой войны
Николаю Гумилеву 135 лет.
В Петербурге отмечают 135-летие Николая Гумилева — поэта, путешественника, воина. С 15 апреля в двух городских музеях – Анны Ахматовой в Фонтанном доме и Музее антропологии и этнографии имени Петра Великого (Кунсткамере) открылись одновременно две выставки, объединенные одной темой — Николай Гумилев как этнограф-исследователь. Выставки носят общее название «Колдовская страна» и посвящены научному путешествию Николая Гумилева в Абиссинию в 1913 году и экспедиции Кунсткамеры в 2008-м, когда фотограф Татьяна Федорова сделала снимки примерно из тех же точек и того же плана, что в эпоху Гумилева. Рядом с изображениями 1913 и 2008 годов — отрывки из дневников и стихов Гумилева из сборника «Шатер», который он выпустил после возвращения из Африки. Гумилев привез из Африки этнографическую коллекцию, научное описание которой составил сам. Судьба ее драматична, ведь Гумилева расстреляли в 1921-м году, его имя десятилетиями было под запретом, а материалы коллекции не могли влиться в научный оборот. Отметим, что выставки в музеях смонтированы на специальных носителях под открытым небом — в Шереметевском саду и во дворе Кунсткамеры.
В Шереметевском саду традиционный «открытый микрофон» — дети и подростки читают стихи Гумилева.
А в основной экспозиции музея Ахматовой — мемориальной квартире Николая Пунина, где долгие годы жила Анна Ахматова, в коридоре, в «Левином тупичке», куда из Бежецка приехал к матери и учиться в Ленинград сын расстрелянного Николая Гумилева Лев — развернута временная выставка «Из самой окончательной разлуки вернуться можно» — это строчка из «Ленинградских элегий» Ахматовой. В высоком окне коридора сменяются, как будто всплывают в памяти Льва фотографии его отца. На этой небольшой выставке впервые представлены автографы из фондов музея, среди которых неоконченное стихотворение Ахматовой, датированное 1956 годом, давшее название выставке.
А 16 апреля в музее Ахматовой арабист, исламовед Ефим Резван прочтет лекцию «Николай Гумилев — путешественник».
Симфония № 9 в ре - минор , Op. 125 - это хоровая симфония , последняя полная симфония Людвига ван Бетховена , написанная между 1822 и 1824 годами. Впервые она была исполнена в Вене 7 мая 1824 года. Симфония рассматривается многими критиками и музыковедами как величайшее произведение Бетховена и одно из самых лучших произведений Бетховена. высшие достижения в истории музыки. Один из самых известных работ в общей практике музыки , он выступает в качестве одного из самых исполняемых симфоний в мире.
Симфония была первым примером того, как крупный композитор использовал голоса в симфонии. Слова поются во время заключительной (4-й) части симфонии четырьмя вокальными солистами и хором . Они взяты из « Оде к радости », стихотворения, написанного Фридрихом Шиллером в 1785 году и переработанного в 1803 году, с текстовыми дополнениями, сделанными Бетховеном.
В 2001 году оригинальная рукописная рукопись партитуры Бетховена, хранящаяся в Берлинской государственной библиотеке , была добавлена в список всемирного наследия программы « Память всемирного наследия», учрежденный Организацией Объединенных Наций , и стала первой партитурой, обозначенной таким образом.
Хотя премьера большинства его основных произведений состоялась в Вене, Бетховен очень хотел, чтобы его последняя композиция была исполнена в Берлине как можно скорее после ее завершения, так как он считал, что музыкальный вкус в Вене стал преобладать у итальянских композиторов, таких как Россини . Когда его друзья и финансисты услышали об этом, они призвали его провести премьеру симфонии в Вене в форме петиции, подписанной рядом выдающихся венских меценатов и исполнителей.
Бетховен был польщен преклонением перед Веной, поэтому 7 мая 1824 года в Венском театре Кернтнертор состоялась премьера Девятой симфонии вместе с увертюрой «Освящение дома» ( Die Weihe des Hauses ) и тремя частями Missa solemnis ( Kyrie, Credo и Agnus Dei). Это было первое выступление композитора на сцене за 12 лет; зал был заполнен нетерпеливой публикой и множеством музыкантов.
На премьере симфонии № 9 был задействован самый большой оркестр, когда-либо созданный Бетховеном , и потребовались совместные усилия домашнего оркестра Кернтнертора, Венского музыкального общества ( Gesellschaft der Musikfreunde ) и избранной группы способных любителей. Хотя полного списка премьер-исполнителей не существует, известно, что в нем участвовали многие из самых элитных исполнителей Вены.
В сопрано и альт часть была спеты два известными молодыми исполнителями: Генриетта Зонтаг и Каролина Унгер . Немецкой сопрано Генриетте Зонтаг было 18 лет, когда Бетховен лично пригласил ее выступить на премьере Девятого. Также лично завербованная Бетховеном, 20-летняя контральто Каролина Унгер, уроженка Вены, получила признание критиков в 1821 году, появившись в « Танкреди» Россини . После выступления в премьере Бетховена 1824 года Унгер стал известен в Италии и Париже. Известно, что итальянские композиторы Доницетти и Беллини писали роли специально для ее голоса.[16] Антон Хайзингер и Джозеф Зайпелт исполнили партии тенора и баса / баритона соответственно.
Кэролайн Унгер , которая исполнила партию контральто на первом выступлении и, как считается, повернула Бетховена лицом к аплодирующей публике.
Хотя постановкой официального спектакля был Майкл Умлауф , капельмейстер театра , Бетховен разделил с ним сцену. Однако двумя годами ранее Умлауф наблюдал, как попытка композитора провести генеральную репетицию его оперы « Фиделио» закончилась катастрофой. Поэтому на этот раз он посоветовал певцам и музыкантам игнорировать почти полностью глухого Бетховена. В начале каждой части Бетховен, сидевший у сцены, задавал темп. Он переворачивал страницы своей партитуры и отбивал время для оркестра, которого не слышал.
О премьере Девятого ходит ряд анекдотов. Судя по свидетельствам участников, есть предположения, что он был недостаточно отрепетированным (было всего две полноценные репетиции) и довольно неаккуратным в исполнении. С другой стороны, премьера имела большой успех. В любом случае Бетховен не виноват, как вспоминал скрипач Йозеф Бём :
Дирижировал сам Бетховен, то есть он стоял перед дирижерской трибуной и метался взад и вперед, как сумасшедший. В какой-то момент он вытянулся во весь рост, в следующий момент он присел на пол, он вертелся руками и ногами, как будто хотел играть на всех инструментах и спеть все партии припева. - Фактическое руководство находилось в руках [Луи] Дюпора [n 1] ; мы, музыканты, следовали только его жезлу.
Когда аудитория аплодировала - свидетельства разнятся, в конце скерцо или симфонии - Бетховен отошел на несколько тактов и все еще дирижировал. Из-за этого контральто Кэролайн Унгер подошла и развернула Бетховена, чтобы принять аплодисменты публики. По мнению критика Theatre-Zeitung , «публика приняла музыкального героя с величайшим уважением и симпатией, с самым пристальным вниманием слушала его чудесные, гигантские творения и разражалась ликующими аплодисментами, часто во время секций и неоднократно на концертах. конец их. " Аудитория приветствовала его овациями стоя.в пять раз; носовые платки, шляпы и поднятые руки были в воздухе, так что Бетховен, который не слышал аплодисментов, мог, по крайней мере, видеть овации.
Первое издание на немецком языке было напечатано издательством Б. Шотта «Сёне» (Майнц) в 1826 году. Издание Breitkopf & Härtel, датируемое 1864 годом, широко использовалось оркестрами. В 1997 году Бэренрайтер опубликовал издание Джонатана Дель Мара . Согласно Дель Мар, это издание исправляет около 3000 ошибок в издании Breitkopf, некоторые из которых были «замечательными». [24] Дэвид Леви , однако, раскритиковал это издание, заявив, что оно может создать «вполне возможно ложные» традиции. Брейткопф также опубликовал новое издание Питера Хаушильда в 2005 году.
Симфония написана для следующего оркестра. Это, безусловно, самая большая сила, необходимая для любой симфонии Бетховена; на премьере Бетховен дополнил их еще больше, назначив двух исполнителей на каждую партию духовых
Симфония была написана Бетховеном в честь Наполеона, его судьбы и героической деятельности, который был кумиром многих того поколения. По свидетельству друзей, первый замысел о ней заронил французский генерал Ж. Б. Бернадотт, прибывший в Вену в феврале 1798 года в качестве посла революционной Франции.
Написана в 1803—1804 годах в Вене.
В дальнейшем, из-за разочарования в политике Наполеона (принятие титула императора), Бетховен вычеркнул его имя из партитуры симфонии, не изменив при этом ни одной ноты[3]. Узнав о ссылке императора на остров Святой Елены, Бетховен сказал: «Вставив в симфонию похоронный марш, я точно предчувствовал катастрофу»[2].
Премьера симфонии состоялась в Вене 7 апреля 1805 года и прошла в одном концерте с симфонией Антона Эберля ми-бемоль мажор, оп. 33, которую публика приняла лучше произведения Бетховена[4].
В первом издании 1806 года Третья симфония получила закрепившееся за ней название «Героическая» и была посвящена князю Францу Йозефу Максимилиану фон Лобковицу.
Оценки и влияние
«Она является каким-то чудом даже среди произведений Бетховена, — пишет Ромен Роллан. — Если в своем последующем творчестве он и двинулся дальше, то сразу он никогда не делал столь большого шага. Эта симфония являет собою один из великих дней музыки. Она открывает собою эру». Г. Берлиоз писал про это произведение: «Редко приходилось мне встречать в музыке изображение печального настроения в столь совершенной форме, в таких благородных выражениях». По словам П. И. Чайковского, лишь в третьей симфонии «раскрылась впервые вся необъятная, изумительная сила творческого гения Бетховена».
Альфред Хичкок использовал фрагмент Героической симфонии Бетховена в своём триллере «Психо» во время сцены, когда героиня Веры Майлз обыскивает спальню Нормана Бэйтса, на что кинорежиссёр получил гневное письмо от одного из кинозрителей, в котором любитель классической музыки назвал это «прямым оскорблением композитора и очень слабой попыткой доказать, что его музыка годится только для лунатиков».
Интересные факты
Когда Бетховену сообщили о смерти Наполеона, он усмехнулся и сказал, что написал «Траурный марш» к этому случаю, имея в виду вторую часть 3 симфонии.
Бетховен был большим поклонником Наполеона Бонапарта. Композитора привлекала приверженность к демократии, и первоначальное желание препятствовать монархическому строю. Именно этой исторической личности было первоначально посвящено сочинение. К большому сожалению, музыканта французский император не оправдал надежд.
При первом прослушивании публика не смогла оценить композицию, посчитав ее слишком длинной и затянутой. Некоторые слушатели в зале выкрикивали достаточно грубые фразы в сторону автора, один смельчак предложил один крейцер, чтобы концерт уже скорее закончился. Бетховен был в бешенстве, поэтому отказался выходить на поклон к столь неблагодарной и необразованной публике. Друзья утешали его, тем, что сложность и красоту музыки смогут понять лишь спустя несколько веков.
Прослушав данное произведение, Гектор Берлиоз был в восторге, он писал, что большая редкость услышать совершенное воплощение печального настроения.
Вместо скерцо композитор хотел сочинить менуэт, но впоследствии изменил собственные намерения.
Несмотря на то, что автор разорвал первую страницу собственного труда, при дальнейшем восстановлении он не изменил ни одной ноты в партитуре.
Йозеф Франц фон Лобковиц являлся лучшим другом, который во всех ситуациях поддерживал Бетховена. Именно по этой причине сочинение было посвящено князю.
В одном из музеев, посвященных памяти Людвига ван Бетховена, сохранились рукописи данного произведения.
Альпийская симфония (Eine Alpensinfonie), соч. 64 - тональная поэма для большого оркестра, написанная немецким композитором Рихардом Штраусом в 1915 году. Это одно из крупнейших неоперных произведений Штрауса; для счета требуется около 125 игроков, а типичное выступление обычно длится около 50 минут. Программа Альпийской симфонии описывает опыт одиннадцати часов (от рассвета перед рассветом до наступления ночи), проведенных при восхождении на альпийскую гору.
В 1981 году запись Альпийской симфонии, сделанная с Гербертом фон Караяном , дирижирующим Берлинской филармонией , стала первым произведением, когда-либо напечатанным на формат компакт-диска .Википедия site:wikichi.ru
«Альпийская симфония» Р. Штрауса кого-то восхитит, а кого-то наоборот этот большой немецкий стиль оставит равнодушным. Лично для меня это «скучные полчаса и гениальные пять минут», а так как произведение длится около часа, то интересных моментов я насчитал два, но принципиальных, – переворачивающих восприятие произведения.
Альпийская симфония или пришествие Антихриста
Сама симфония, конечно, соответствует масштабам альпийских гор, но по сюжету она ограничена рамками своей пейзажной программы, поэтому сделать какие-то обобщающие выводы с поправкой на эпоху или на мировоззрение Штрауса сложно. Впрочем, практически все творчество истинного бюргера наполнено самодовольством, отражение которого видится в его опусах. Так было в симфониях «Жизнь героя» и «Домашняя», чувствуется это и здесь. Словно композитор произносит: «Это Я (!) покоряю горы», – а масштаб Альп равен широте композиторского эго. Штраус тем не менее скромен, педантичен, максимально академичен и осторожен. Поэтому за несколько «восковым» содержанием его произведений теряются порой провокационные и пророческие смыслы.
О гениальном в «Альпийской симфонии». Это два программных фрагмента: первый – «На вершине» (21-23 минуты) – истинный триумф, музыкальный и живописный (то самое чувство превосходства, характерное германскому народу первой половины XX века); второй – «Гроза и Буря, нисхождение» (42-45 минуты) – чистая дьявольщина, в которой узнаются и «Вальпургиева ночь» Гуно, и «Ночь на Лысой горе» Мусоргского, и агония Манфреда (который как раз скитался в альпийских горах) из симфонии Чайковского. Чувствуете связь? Две ночи и две горы (Лысая и Юнгфрау из «Манфреда»). Программность симфонии как раз подразумевает начало и конец ночью. Это возвращает нас к первоначальному названию произведения – «Антихрист. Альпийская симфония». Как же оно соответствует музыкальному характеру! «Гроза и Буря» – это не иллюстрация погоды, а восхождение антихриста. Это же и перевоплощение триумфального немецкого народа, который мы слышали в части «На вершине», в дьявольскую бурю, которая вскоре накроет весь мир в виде Третьего рейха. Получается, Штраус подобно великому композитору, все-таки предсказал явление Антихриста, призванного «убить Бога»...
Симфония № 40 в соль минор , К. 550 была написана Вольфганга Амадея Моцарта в 1788 году он иногда упоминается как «Великий соль минор симфонии», чтобы отличить его от «Маленькая симфония соль минор», № 25 . Это две единственные сохранившиеся симфонии в минорной тональности, написанные Моцартом.
Дата завершения этой симфонии точно известна, так как Моцарт в зрелые годы хранил полный каталог своих завершенных произведений; он вошел в нее 25 июля 1788 года. Работа над симфонией заняла исключительно продуктивный период всего в несколько недель, в течение которых он также закончил 39-ю и 41-ю симфонии (26 июня и 10 августа соответственно). Николаус Харнонкур предположил, что Моцарт сочинил три симфонии как единое произведение, указывая, среди прочего, на тот факт, что Симфония № 40, как среднее произведение, не имеет введения (в отличие от № 39) и не содержит иметь финал масштаба №41.
40-я симфония существует в двух версиях, различающихся, прежде всего, тем, что в одну входят партии для пары кларнетов (с соответствующими корректировками, внесенными в другие партии духовых ). Скорее всего, партии кларнета были добавлены в доработанном варианте. [5] Партитура автографов на обеих версиях была приобретена в 1860-х годах Иоганнесом Брамсом , который позже передал рукописи в дар Gesellschaft der Musikfreunde в Вене, где они проживают сегодня.
Сороковая симфония Моцарта – уникальное произведение. Ни в одном другом сочинении композитора трагедия души не раскрывалась так искренне. Это симфония о многогранности жизни, в ней преобладает трагедийный характер. Тема смерти для Моцарта в период работы над симфонией была особо волнующей. К моменту ее написания композитор похоронил трех своих детей и отца. В музыке отражена человеческая жизнь со своими взлетами и падениями, радостные мотивы в ней прерываются роковыми темами, которые вносят смятение и трепет. Финал симфонии доводит драматизм до кульминации. 40-я симфония – это осознание того, что жизнь несовершенна, а ее конфликты неразрешимы.
Симфо́ния № 5 до-диез минор — сочинение австрийского композитора Густава Малера, завершённое в 1902 году и впервые исполненное под управлением автора в 1904 году. Симфония имеет необычную структуру: фактически состоит из пяти частей, объединённых автором в три больших раздела, — и является одним из наиболее исполняемых сочинений Малера.
Поскольку исследователи творчества Густава Малера рассматривают его симфоническое наследие как единую инструментальную эпопею, первая часть этой эпопеи завершилась исполненной усталости и разочарования Четвёртой симфонией, — Пятая открывала новый цикл, состоящий из трёх симфоний, в которых Малер, в отличие от трёх предыдущих, не обращался к слову Бруно Вальтер, ученик Малера, по поводу Пятой симфонии писал: «Окончилась борьба за мировоззрение средствами музыки, теперь он хочет писать музыку только как музыкант» Не все готовы согласиться с этим суждением. «Композитор, — считает Инна Барсова, — только перестал искать ответа на свои вопросы в философии, эстетике и литературе…» Для Малера, привыкшего опираться на внемузыкальные ассоциации, литературные или философские (в том числе и в Первой симфонии), отказ от вокала в новом, чисто инструментальном цикле, означал нечто большее, нежели просто отказ от поэтического слова: в его арсенале больше не было слова разрешающего, — воплощать свои мысли он мог теперь исключительно музыкальными средствами. Для многих исследователей Пятая симфония в малеровской эпопее стоит особняком: она оставляет ощущение некоего распутья — композитор здесь как будто только разведывает новые пути. Австрийский исследователь Эрвин Рац считал, что собственно зрелое творчество Малера начинается с Шестой симфонии
В ночь с 24 на 25 февраля 1901 года Малер оказался на волосок от смерти из-за внезапно открывшегося кровотечения, и на следующий день узнал от врачей, что остался жив исключительно благодаря их вмешательству, — биографы композитора связывают с этим обстоятельством мрачный характер сочинений, над которыми он работал в течение 1901—1902 годов: «Песен на стихи Рюккерта» (нем. Rückert-Lieder), «Песен об умерших детях» (нем. Kindertotenlieder) и первых частей Пятой симфонии[8]. Точно так же и оптимистический характер последних частей симфонии связывают с переменами в личной жизни композитора: осенью 1901 года Малер познакомился с одной из самых красивых девушек Вены — Альмой Шиндлер, в марте следующего года они обвенчались. Песню на стихи Рюккерта «Liebst du um Schönheit», посвящённую Альме, биограф композитора А.-Л. де Ла Гранж считает одним из самых красивых объяснений в любви, какие композиторы когда-либо адресовали своим подругам[8]. Виллем Менгельберг утверждал, что таким же объяснением в любви было и Adagietto из Пятой симфонии (Ла Гранж, не считая возможным ставить под сомнение свидетельство человека, столь близкого к Малеру, отмечает, однако, что сама Альма никогда и нигде об этом не писала)[8].
Все симфонии Малера являются программными по сути, и программы первых четырёх он в той или иной форме обнародовал, но обнаружил, что его замыслы, несмотря ни на какие разъяснения, остаются непонятыми, а порою, как это было с программным названием Первой симфонии («Титан»), вводят слушателей в заблуждение. Имела программу и Пятая симфония, но замысел её, по-видимому, был известен лишь узкому кругу друзей[10]. Так, Арнольд Шёнберг по поводу этого сочинения писал Малеру:
«Я видел Вашу душу обнажённой, совершенно обнажённой. Она простиралась передо мной, как дикий таинственный ландшафт с его пугающими безднами и теснинами, с прелестными радостными лужайками и тихими идиллическими уголками. Я воспринял её как стихийную бурю с её ужасами и бедами и с её просветляющей, увлекательной радугой. И что мне до того, что Ваша «программа», которую мне сообщили позже, кажется, мало соответствовала моим ощущениям? [...] Разве должен я правильно понимать, если я пережил, прочувствовал? Я чувствовал борьбу за иллюзии, я видел, как противоборствуют друг другу добрые и злые силы, я видел, как человек в мучительном волнении бьётся, чтобы достичь внутренней гармонии, я ощутил человека, драму, истину...»
К работе над Пятой симфонией Малер приступил сразу по завершении Четвёртой, в 1901 году, и 24 августа 1902-го сообщил друзьям, что симфония написана; однако набело она была переписана лишь осенью 1903 года, но и после этого Малер не спешил её обнародовать[8]. Третья симфония, впервые исполненная позже Четвёртой, в 1902 году на музыкальном фестивале в Крефельде, оказалась наиболее успешным из всех его сочинений[12]; она привлекла к Малеру-композитору внимание других дирижёров: по свидетельству Бруно Вальтера, он стал исполняемым композитором[12]. Но и этот успех не был безоговорочным, и для первого исполнения нового сочинения композитор выбрал Кёльн — город, где по крайней мере к Третьей симфонии отнеслись благосклонно[13]. Премьера состоялась 18 октября 1904 года, как и все предыдущие — под управлением автора.
Первым исполнениям Пятой симфонии, как и всех предыдущих, сопутствовали упрёки в вульгарности, банальности, безвкусии, в бесформенности, рыхлости, в эклектизме — нагромождении музыки всех родов, попытках соединить несоединимое: грубость и утончённость, учёность и варварство. Даже после успеха Третьей симфонии, пишет А.-Л. де Ла Гранж, публика оказалась не готова следовать за эволюцией композитора, аплодисменты перемежались со свистом[8]. После венской премьеры, состоявшейся годом позже, наименее расположенный к Малеру столичный критик Роберт Хиршфельд, отметив, что публика аплодировала, выразил сожаление по поводу скверного вкуса венцев, которые интерес к «аномалиям природы» дополняют столь же нездоровым интересом к «аномалиям разума»[8]. Известен типичный для того времени отзыв Ромена Роллана о Пятой симфонии: «Во всём произведении — смесь педантической строгости и несвязности, отрывочности, разорванности, внезапных остановок, прерывающих разработку, паразитирующих музыкальных мыслей, перерезывающих без достаточного основания жизненную нить».
Но в этот раз и сам автор был не вполне удовлетворён своим созданием, как и некоторые его преданные поклонники: «…Это был первый и, по-моему, единственный раз, — писал по поводу кёльнской премьеры Бруно Вальтер, — когда исполнение малеровской вещи под его собственным управлением не удовлетворило меня. Инструментовка не выявляла с достаточной отчетливостью сложной контрапунктической ткани голосов…». На протяжении ряда лет Малер возвращался к работе над симфонией, вносил существенные изменения, а в 1911 году полностью переоркестровал её (исследователи насчитали двести семьдесят изменений).
Огромный вклад в симфоническое творчество внес великий Людвиг Ван Бетховен. Пятая симфония стала настоящим чудом, созданным руками гениального композитора. По сегодняшний день данное произведение пользуется популярностью, его слушают и в первоначальном виде, и в современной обработке. У каждого музыкального шедевра имеется собственная история создания, симфония № 5 Бетховена - не исключение.
Как же она родилась?
Времена, когда стала создаваться симфония, были для композитора тяжелыми, не самыми благоприятными для творчества. Препятствия постоянно вставали на пути гения. Первоначально Бетховена подкосило известие о его глухоте, потом причиной депрессий стали военные действия, проводимые на территории Австрии. Но разум композитора был захвачен безумным желанием сотворить столь масштабное произведение. История создания симфонии номер 5 Бетховена зарождалась из постоянных депрессий автора. Композитор то работал часами, воодушевленный новой идеей, то выбрасывал наброски и на несколько дней впадал в отчаяние, сопровождаемый сумрачными мыслями. В какие-то моменты творение и вовсе откладывалось в сторону, и он работал над другими произведениями, которые шли хоть и медленно, но все же продвигались вперед. Пятая симфония Бетховена постоянно изменялась композитором. Он никак не мог получить желаемый финал произведения, сочиняя его то в негативном, то в позитивном ключе. Спустя три года напряженной работы над симфонией Бетховен представил свое детище на всеобщее обозрение. Нельзя не отметить, что в одно время композитор создавал две симфонии, и поэтому с нумерацией возникали некоторые неурядицы. Вполне возможно, что симфония № 5 Бетховена может оказаться на деле и шестой. Это два крупных произведения, и не исключено, что автор после многочисленных трудовых и напряженных дней обозначил симфонии наоборот.
Пятая симфония Бетховена сегодня исполняется на мировых сценах. Ее любят, ценят, ею вдохновляются и восхищаются. Но в день премьеры все было далеко не так, презентация прошла крайне неудачно, и слушатели остались ею недовольны. На такой исход повлияло сразу несколько факторов, и из их числа можно выделить самые весомые: Концерт слишком затянулся. История создания симфонии № 5 Л. Бетховена была слишком сложна, длинна, и композитор не хотел, чтобы она звучала последней или первой. Так как автор представлял сразу две симфонии, пришлось в начале концерта вставить еще несколько крупных произведений. Зрители утомились от слишком длительного пребывания в зале, громких звуков новаторских произведений, исполняемых оркестром. Именно поэтому к началу презентации пятой симфонии они уже не хотели ничего воспринимать, единственным их желанием было быстрее покинуть зал. Кроме этого, зрители слишком продрогли. В помещении было ужасно холодно, так как оно не отапливалось. Из-за отсутствия благоприятных условий оркестр плохо играл. Оркестранты постоянно допускали грубые ошибки, и произведение приходилось начинать заново. А это дополнительно затягивало время и так длительного концерта. Но, несмотря на первую неудачу, не стал посмешищем Л. В. Бетховен. Симфония № 5, история создания которой наполнена печалью и трудностями, с каждым годом все больше набирала популярность и в скором времени была признана эталоном классической симфонической музыки.
У произведения не только интересная и трогательная история создания. Симфония № 5 Бетховена стала уникальной, так как она единственная, которую описал сам композитор, чего он не делал с другими произведениями. Если все свои симфонии автор оставлял безмолвными, дав людям самим построить ее смысл, то пятую он разрисовал красочно, описав ее конкретное содержание в письме Шиндлеру. Эта симфония должна была остаться с тем смыслом, который в нее вложил композитор. Бетховен желал до каждого человека донести все, что хотел сказать сам, но не мог выразить это словами. Он знал, что людям необходимо то знание, которое пришло к нему самому лишь с бедой. Автор хотел, чтобы каждый несчастный смог понять, что все в его руках, в том числе жизнь, судьба. Все это можно взять под контроль, стоит только понять, как это сделать. Композитор через музыку показал, как тяжела борьба, но если пройти до конца, то предстоит счастливый и красочный финал.
Сергей Рахманинов написал свою Симфонию № 2 ми минор, op. 27 в 1906–1907 гг. и посвятил её одному из своих учителей Сергею Ивановичу Танееву. Премьера симфонии состоялась в Мариинском театре 8 (21) февраля 1908 года под управлением автора. Продолжительность произведения составляет примерно 60 минут, но в сокращённом варианте может составлять до 35 минут.
Симфония написана для: 3 флейт, флейты-пикколо, 2 гобоев, английского рожка, 2 кларнетов, бас-кларнета, 2 фаготов, 4 валторн , 3 труб, 3 тромбонов, тубы, литавр, малого барабана, большого барабана, тарелок, колокольчиков и струнных.
К моменту создания Симфонии № 2 Рахманинов провёл два успешных сезона в качестве дирижера Императорской оперы на сцене Большого театра в Москве, после чего в 1906 году переехал с женой и дочерьми в Дрезден, где мог посвятить себя сочинению музыки, а также избежать политической неразберихи, которая поставила Россию на путь революции. Семья оставалась в Дрездене в течение трех лет, проводя лето в доме Рахманинова в Ивановке. Именно в это время Рахманинов написал не только Вторую симфонию, но также симфоническую поэму «Остров мёртвых» и первую фортепианную сонату.
После провала своей первой симфонии Рахманинов потерял уверенность в своих способностях симфониста. Премьера симфонии № 1 под руководством Александр Глазунова вызвала такую жестокую критику, что молодой композитор впал в депрессию. Даже после успеха Второго фортепианного концерта, который выиграл премию имени М. И. Глинки и 500 рублей в 1904 г., Рахманинов ещё не был уверен в своих силах. Он был очень недоволен первым вариантом его Второй симфонии, но после нескольких месяцев пересмотра закончил работу и провёл премьеру в 1908 году с большим успехом. Триумф восстановил веру Рахманинова в собственные способности
Седьмая симфония – главное и самое успешное произведение Антона Брукнера. История создания симфонии не прошла без романтического мистицизма, который присущ многим композиторам того времени. По признанию Брукнера, первую часть симфонии ему продиктовал его друг во сне, уверив, что эта тема принесет композитору счастье и успех. И правда, начало симфонии – это самая сильная и насыщенная событиями мелодия. Вторая часть – траурный марш, музыкальная эпитафия Рихарду Вагнеру – величайшее симфоническое адажио. В траурных мотивах композитор всегда находит путь к свету и жизни, поэтому в финале адажио просветленно звучит первая тема, словно раскрывающая перспективы в бессмертие. Третья часть – борьба светлых сил с вакханалией сатаны. Зловещее веселье сменяют наигрыши деревянных духовых. Все проникается чистотой, свежестью, целомудрием. Четвертая часть симфонии объединяет все темы воедино, смешивая тени трагизма и свет катарсиса.
Седьмая симфония создавалась на протяжении 1881—1883 годов. 26 июля 1882 года в Байрейте, где в эти годы жил Вагнер, состоялась последняя встреча его с Брукнером, преклонявшимся перед гением великого оперного реформатора. Брукнер был гостеприимно принят на вилле «Ванфрид», побывал на премьере «Парсифаля», последней оперы маэстро.
Музыка «Парсифаля» произвела на экзальтированного австрийского композитора такое впечатление, что он встал на колени перед его творцом. Вагнер, в свою очередь высоко ценивший творчество Брукнера, дал ему обещание исполнить все его симфонии. Это было колоссальной радостью для композитора, вовсе не избалованного вниманием — его музыку не признавали, считали слишком ученой, длинной и бесформенной. Критики, особенно всесильный тогда Э. Ганслик, буквально уничтожали Брукнера. Поэтому можно представить, какой радостью для него было обещание Вагнера. Возможно, это отразилось в музыке первой части, исполненной лучезарной радости.
Однако этому благородному плану не суждено было осуществиться. В разгар работы над второй частью симфонии, адажио, 14 февраля 1883 года, придя как обычно на занятия в консерваторию, Брукнер узнал о смерти Вагнера. Его памяти композитор посвятил это адажио — одно из поразительнейших по глубине и красоте. Его переживания запечатлены в этой удивительной музыке, последние несколько десятков тактов которой были написаны непосредственно после получения трагического известия. «До этого места я дошел, когда поступила депеша из Венеции, и тогда мною впервые была сочинена подлинно траурная музыка памяти мастера», — писал Брукнер в одном из писем. Летом композитор отправился в Байрейт, чтобы поклониться могиле человека, которого он так глубоко почитал (Вагнер похоронен в парке виллы «Ванфрид»).
Седьмую симфонию композитор закончил 5 сентября 1883 года. Сначала музыканты не приняли ее, как и все предшествующие симфонии Брукнера. Лишь после подробных разъяснений автора, касающихся формы финала, дирижер Г. Леви рискнул ее исполнить.
Премьера симфонии состоялась 30 декабря 1884 года в Лейпциге под управлением Артура Никиша и была воспринята достаточно противоречиво, хотя некоторые критики и писали, что Брукнер как исполин возвышается среди прочих композиторов. Только после исполнения Седьмой в Мюнхене под управлением Леви Брукнер стал триумфатором. Симфонию восторженно встретила публика. В прессе можно было прочитать, что ее автор сравним с самим Бетховеном. Началось триумфальное шествие симфонии по симфоническим эстрадам Европы. Так наступило запоздалое признание Брукнера-композитора.
Музыка
Первая часть начинается излюбленным брукнеровским приемом — еле слышным тремоло струнных. На его фоне звучит мелодия, льющаяся широко и привольно у виолончелей и альтов, захватывающая в своем распеве огромный диапазон — главная тема сонатного аллегро. Интересно, что по признанию композитора она явилась ему во сне — ему приснилось, что пришел друг из Линца и продиктовал мелодию, прибавив: «Запомни, эта тема принесет тебе счастье!» Побочная в исполнении гобоя и кларнета, сопровождаемых мерцающими аккордами валторн и трубы, хрупка и прозрачна, неуловимо изменчива, проникнута духом романтических исканий, приводящих к появлению третьего образа (заключительной партии) — народно-танцевального, проникнутого стихийной силой. В разработке, поначалу спокойной, постепенно сгущается колорит, завязывается борьба, происходит гигантская волна нагнетания, захватывающая собой репризу. Итог подводится лишь в коде, где в ликующем звучании светлых фанфар утверждается главная тема.
Вторая часть уникальна. Эта траурная и вместе с тем мужественная музыка — одно из самых глубоких и проникновенных адажио в мире, величайший взлет брукнеровского гения. Две темы адажио совершенно безграничны по протяженности. Они поражают широчайшим дыханием. Первая скорбно и сосредоточенно звучит сначала у квартета теноровых, называемых иначе вагнеровскими, туб, затем ее подхватывают и распевают струнные, мелодия поднимается все выше и выше, достигает кульминации и ниспадает. Вступает вторая тема, ласковая, словно успокаивающая, утешающая в горе. Если первая была четырехдольной, в ритме медленного марша, то теперь ее сменяет плавное вальсовое движение. Музыка переносит в мир грез. Снова чередуются эти темы, создавая форму двухтемного рондо. От суровой скорби музыка постепенно переходит к светлой печали, умиротворенности, а потом и экстатической кульминации в ярком до мажоре, утверждающей преображенную первую тему. Но словно падает внезапно мрачная завеса: мрачно, как эпитафия Вагнеру, звучит квинтет туб. Скорбно разворачивается цитируемая композитором тема из его «Те Deum», законченного в том же году, что и Седьмая, — траурная мелодия «Non confundar». Возгласы валторн звучат как прорывающиеся рыдания. Но в последних тактах части просветленно звучит первая тема — как примиренность с утратой.
Третья часть — по-бетховенски мощное скерцо, пронизанное яркими фанфарами, ритмами зажигательной массовой пляски. Бесконечное кружение фигурации у струнных напоминает фантастический хоровод. Его прорезает призыв трубы — лаконичный, ритмически четкий. По свидетельству композитора, прообразом его послужил крик петуха. Кажется, музыка полна буйного веселья. Но это не радость — веселье зловеще, в нем чудится сатанинская усмешка. Трио прозрачно, легко безмятежно, идиллично. Ведут неприхотливую песенную мелодию скрипки, окруженные прозрачными подголосками, их сменяют наигрыши деревянных духовых. Все проникнуто чистотой, свежестью, целомудрием. Реприза трехчастной формы обрушивается стремительным потоком, возвращая к образам начала скерцо.
Первая, главная тема светлого, героического финала — модификация темы первой части. Здесь в звучании скрипок, сопровождаемом непрерывным тремоло, она приобретает черты энергичного марша. Побочная — сдержанный хорал, также у скрипок, сопровождаемый пиццикато басов. Это тоже марш, но замедленный — скорее шествие. Заключительная тема, в которой преображены интонации главной, мощна и горделива. Теперь звучит весь оркестр в тяжеловесных унисонах. Эти три образа переплетаются, развиваются в гигантской разработке, в которой происходит страшная, напряженнейшая борьба, словно борьба добра со злом, адских сил с силами ангельских воинств. В репризе три основные темы звучат в обратном порядке, приводя к яркой, победной кульминации в коде. С главной темой финала здесь сливается начальная тема симфонии. Марш, движение которого пронизывало весь финал, становится радостным, восторженным гимном.
Marche Lorraine " - французская патриотическая песня, написанная Луи Ганном в 1892 году по случаю XVIII Fête Fédérale de Gymnastique de France. Слова написаны Октавом Прадельсом (1842-1930) и Жюлем Жуи (1855-1897).
Мелодия напоминает традиционную песню "En passant par la Lorraine". Первоначально принадлежавший реваншистскому движению Франции конца XIX века, Марш Лотарингия с тех пор стал эталоном официального французского военного репертуара
. Во время Первой мировой войны , Франция была одна из Антанты союзных держав против центральных держав . Хотя боевые действия происходили во всем мире, основная часть боевых действий в Европе происходила в Бельгии , Люксембурге , Франции и Эльзас-Лотарингии на так называемом Западном фронте , который в основном состоял из позиционных войн . Конкретные оперативные, тактические и стратегические решения высшего командования обеих сторон конфликта привели к изменениям в организационном потенциале, поскольку французская армияпытались отреагировать на повседневные боевые действия и на долгосрочные стратегические и оперативные планы. В частности, многие проблемы заставили французское высшее командование пересмотреть стандартные процедуры, пересмотреть свои командные структуры, перевооружить армию и разработать различные тактические подходы.
Битва Лотарингии (14 августа - 7 сентября 1914) был бой на Западном фронте во время Первой мировой войны . Армия Франции и Германии завершила свою мобилизацию, французы - по плану XVII , чтобы провести наступление через Лотарингию и Эльзас на Германию, а немцы - с помощью Aufmarsch II West , для наступления на севере через Люксембург и Бельгию во Францию, дополненное атаки на юге, чтобы помешать французам перебросить войска для большей угрозы на севере.
Lorraine марта является марш составленный Луи Ганн (1862-1923), в 1892 году по прибытии в Нанси президента Карно 1 в контексте мести патриотизма . Слова написаны Жюлем Жуи и Октавом Прадельсом (1842-1930). Здесь мы находим мелодичную тему « Прохода через Лотарингию» . Затем песня включается в официальный военный репертуар 2 .
Сегодня для некоторых жителей он стал гимном Лотарингии.
Слова этого знаменитого марша («Гордые дети Лотарингии…») также пародируются в популярном припеве «Галлы на равнине». Этот припев, составленный из этого единственного предложения, повторяющегося и часто несколько измененного («галлы в м ...», «галлы на них, эмм ...»), похоже, берет свое начало в шутке студентов из подготовительные классы к основной школе. [исх. необходимо] . Существуют и другие пародии, в частности, пародия на фальшивый марш иностранного легиона , припев которого начинается с «От Габеса (или иногда Мекнеса ) до Татауина ...» и который, по сути, является маршей-песней дисциплинарных батальонов Африки. знаменитая летучая мышь «д'Аф»;
В Соединенных Штатах выпущено две записи: одна 1917 года, а другая 1919 года.
Версия 1917 г.
Песня была записана 2 июля 1917 года и выпущена на лейбле Victor .
Версия 1919 года
Эта версия была выпущена на лейбле Columbia . Французский армейский оркестр исполнил песню. В феврале 1919 года он занял шестое место в песенных чартах США
Известный российский поэт Андрей Орлов (Орлуша) поделился своим новым творением, которое иначе как криком души (обращенным к ослепшей и оглохшей от вранья властей России) не назовешь.
Путь далёкий до Типпере́ри или До́лог путь до Типпере́ри (англ. It's a Long Way to Tipperary) — маршевая песня британской армии.
В 1912 году артист и автор популярных песен Джек Джадж, находясь в клубе, поспорил на пять шиллингов с одним из друзей, что на следующий день он напишет новую песню. По дороге он услышал обрывок разговора двух прохожих, в котором прозвучала фраза «It’s a long way to…». Он добавил название ирландского графства Типперэри, так как это слово хорошо укладывалось в маршевый ритм. Утром в пабе «The New Market Inn» он написал текст всей песни, а его приятель Вернон Горейс, музыкальный директор театра «The Grand», слушая пение Даджа, написал ноты. Пари было выиграно, и 12 января 1912 года песня впервые была исполнена на сцене театра.
Права на песню выкупил музыкальный издатель Берт Фельдман и популяризировал её, распространив по британским мюзик-холлам. Песня стала популярной среди батальонов ирландских стрелков британской армии. С началом Первой мировой войны британские союзники Франции высадились в Булони. Каждый полк, проходивший через город, пел свою маршевую песню. Ирландские стрелки прошли с песней «It’s a long way to Tipperary», и её мелодия и слова произвели на всех впечатление. В годы войны песня приобрела популярность среди союзников, а после опубликованной в газете «The Daily Mail» большой статьи Джона Кернока об этой песне она обрела популярность во многих странах мира.
В 1927 году при открытии монумента «Мененские ворота» вблизи города Ипр исполнялась мелодия песни «It’s a long way to Tipperary». На монументе выбиты имена 54 тысяч погибших в этих местах в ходе Первой мировой войны. В 1935 году об этой песне и её авторе был снят фильм «Королевская кавалькада». Память об авторе была увековечена мемориальной доской на стене паба «The New Market Inn», в котором он создал свою песню.
В 1914 году песня была записана на русском языке (предположительно, впервые) обществом «Граммофонъ Ко — Пишущий Амур», каталожный номер 222455, под названием «Далеко до моей деревни», в исполнении Н. Ф. Монахова и неуказанного оркестра. Автор русского текста не указан, текст существенно отличается от английского оригинала.
В 1944 году песня была снова записана на русском языке под названием «Типперери. Английская солдатская песня» в исполнении Елены Петкер и оркестра под упр. С. П. Горчакова, матрица Грампласттрест 12395. Русский текст предположительно С. Болотина (автор на пластинке не указан) не содержит первого куплета оригинала, вместо него добавлен куплет, из которого следует, что Падди воюет с немцами. В 1945 году песня исполнена с несколько измененным текстом (третий куплет звучит вторым, из него следует, что война закончилась победой) Краснознамённым ансамблем красноармейской песни и пляски СССР.
Wenn die Soldaten — немецкая народная песня, посвящённая солдатской службе.
Имён авторов песни история не сохранила, однако её история прослеживается с середины XIX века. К 1880 году она уже была широко распространена в южной Германии.
К началу XX века песня обрела всенародную известность.
Открытка с фронта
Сохранилась германская открытка, отправленная с фронта в 1916 году. Открытка так и называется: «Wenn die Soldaten durch die Stadt marschieren». На обороте был напечатан текст песни, с припиской солдата о том, что на фронте ему встречается не слишком-то много девушек…
В 1931 году в Германии вышел кинофильм «Wenn die Soldaten…».В период существования Третьего рейха вместе с многими другими военными песнями неоднократно перепевалась самыми различными исполнителями. Однако в тексте песни нет нацистской идеологии.
И ещё..
Когда в памяти возникает эта маршевая песня, то невольно представляешь себе беспощадное июльское солнце, пыльную степную дорогу, сожжённую траву, сожжённые дома, шагающих бодрых молодчиков с закатанными рукавами и со «шмайсерами» наперевес…
Как и у всякого шлягера, у неё было множество вариантов и подражаний. Вероятно, отголоски одного из вариантов (сомневаюсь, однако, что он возник среди немцев) и вызывают определённую настороженность по отношению к этой песне.
А меж тем ничего специально нацистского в ней и нет! В сущности, это старинная народная песня, и повествует она… Впрочем, посмотрите сами русский перевод текста:
Среди многочисленных «официальных» претендентов на роль автора знаменитого марша «Тоска по Родине» выделяется один-единственный — Д. М. Трифонов.
Другими словами, любой библиограф, изучив сохранившиеся нотные издания «Тоски по Родине», без особых колебаний указал бы в качестве автора марша именно Д. М. Трифонова. И всё бы ничего, и можно было бы прекращать все дискуссии насчёт авторства, если бы не один маленький, но тем более досадный пустяк: дело в том, что вместо фамилии «Трифонов» мы с точно такой же степенью удовлетворённости могли бы назвать любую другую фамилию, ибо о композиторе Д. М. Трифонове нам известно ровно столько же, сколько о любом неизвестном нам Иванове, Петрове или Сидорове — то есть, ровным счётом ничего не известно.
Зато нам известно, что ноты марша «Тоска по Родине», на титульном листе которых Д. М. Трифонов был недвусмысленно заявлен в качестве автора, издавались исключительно в Симферополе и нигде более, причём собственником их являлся не композитор Д. М. Трифонов, а издатель. Издателем этим, выпускавшим ноты марша на свой страх и риск и за свой счёт, являлся Яков Богорад, по своему музыкальному образованию флейтист и военный капельмейстер, который примерно с 1903 года проживал в Симферополе, где, по утверждениям местных краеведов, числился капельмейстером расквартированного в городе 51-го пехотного Литовского полка.
Для нас же теперь важно одно обстоятельство, которое, по-видимому, опирается на факты: Д. М. Трифонов, написавший марш «Тоска по Родине» в том виде, в котором мы его знаем и теперь, был, вне всякого сомнения, хорошо известен Якову Богораду. Другими словами, Яков Исаакович Богорад прекрасно знал ответ на вопрос, кто такой Д. М. Трифонов. Автор знаменитого марша, кто бы он ни был, принадлежал к кругу друзей или знакомых Богорада — это можно считать бесспорным.
Являлся ли Д. М. Трифонов сослуживцем Богорада по 51-му пехотному полку? На этот вопрос мы можем ответить совершенно однозначно: среди офицеров полка Д. М. Трифонова никогда не было. Впрочем, в списках офицерского состава 51-го пехотного полка человек с такой фамилией всё же упоминается. Вот какую информацию о нём можно почерпнуть из двухтомника «История 51-го пехотного Литовского его императорского высочества наследника цесаревича полка», который был издан в Одессе в 1909 году (том 2, приложение XIII, с. 99):
1160. Трифонов, Михаил Лупович, подпоручик: июля 24-го [1887 г. — В. А.] произведен из подпрапорщиков полка. 12-го ноября 1904 г. переведен в 206-й пех. Ларго-Кагульский полк в чине капитана. 29-го апреля 1906 г. переведен обратно в полк в том же чине. В 1909 г. состоял в полку в чине капитана.
При желании мы можем даже увидеть фотографию М. Л. Трифонова, сделанную несколько позже и хранящуюся в фондах Музея истории города Симферополя:
48. Портрет М. Л. Трифонова, полковника 51 пехотного Литовского полка, отца И. М. Трифоновой (Брунс). 16,2х11,4 (паспарту); 13,6х10 (фото). КП-1124.
Разумеется, капельмейстер Богорад не мог не знать одного из самых заслуженных офицеров своего полка, который прослужил в Симферополе более четверти века и который прошёл там путь от подпрапорщика до полковника. Разумеется, нотоиздатель Богорад был бы счастлив оказать такому офицеру пустяковую для себя услугу: издать, пусть даже и за свой счёт (да и за свой ли?..) ноты красивого марша, написанного каким-нибудь родственником всеми уважаемого в городе офицера. Более того, легко можно себе представить, что капельмейстер Богорад с готовностью взялся бы даже и помочь упомянутому родственнику довести его творение, как говорится, до ума — почему же нет? Положение военного капельмейстера вполне располагало к оказанию подобного рода мелких услуг, ибо его собственное благополучие в огромной степени зависело от взаимоотношений с офицерским составом. Например, автор статьи «Военные капельмейстеры в России» (журнал «Разведчик», 1894 год, № 190, стр. 480) с горечью замечает:
Мне лично известны случаи, когда капельмейстер лишался места, благодаря недоразумению чисто личного характера с кем-либо из офицеров, причем последние никоим образом не могли считаться правыми.
Совершенно точно известно, что у полковника М. Л. Трифонова была дочь по имени Ирина (её фотография также находится в собрании Музея истории Симферополя). Был ли среди его родственников человек с инициалами Д. М. — не знаю. Во всяком случае, заранее отбрасывать версию о некоем застенчивом родственнике, «авторе одного произведения», так и не ставшим впоследствии профессиональным композитором, было бы, вероятно, преждевременно…
Я написал «застенчивый непрофессионал»? А как же иначе — честно говоря, вызывает недоумение тот факт, что Д. М. Трифонов совершенно не озаботился показать свой марш каким-либо иным нотоиздателям, помимо Якова Богорада. Мы знаем, что в короткий срок марш «Тоска по Родине» стал в России необычайно популярен: ноты этого марша, в переложении самых различных музыкантов, можно было приобрести едва ли не в каждом нотном магазине, а ведущие граммофонные компании огромными тиражами выпускали пластинки с различными записями марша. Причём, если какая фамилия автора и указывалась на этикетках грампластинок, так то была фамилия безвестного харьковского капельмейстера Ф. Кроупы, а вовсе не фамилия Д. М. Трифонова. И по сей день многие считают автором «Тоски по Родине» именно чеха Кроупу (да ещё и неправильно называя его «Кроуп») — а между тем, как мы знаем, это всего лишь результат вполне понятной коммерческой политики звукозаписывающих фирм, которые, в отсутствие закона об авторских правах, отнюдь не стремились делиться доходами с мало кому известными «авторами одного произведения» — особенно если эти авторы не отличались особенной напористостью и желанием отстаивать свои права в судебном порядке.
Удивительно в этих условиях не то, что звукозаписывающие фирмы знать ничего не хотели о каком-то там Д. М. Трифонове, а то, что кое-кто помнил фамилию автора марша даже спустя два десятилетия, и она всё же появилась на этикетках грампластинок — правда, вовсе не у нас, а в Соединённых Штатах Америки. Именно там в 1923 году звукозаписывающая компания Victor записала «Тоску по Родине» на грампластинку, которая в настоящее время представлена в Библиотеке Конгресса США. Так вот, на этикетке той грампластинки в качестве автора чётко указано: D. M. Trifonowa (именно так, через «дубль вэ» и с «женским» окончанием).
Вся Отчизна молится,
Боя ждут финального!
Сколько же омоновцев
Вышло за Навального!
Вся страна не видела
Этакого выхлопа.
Думаю, за лидера
Столько бы не вышло бы.
Круче стали шуточки,
Снобы, верно, морщатся:
Было время уточки —
Стало время ершика!
Ширится дистанция
Меж рабом и спорщиком…
Да. С такой субстанцией —
Можно только ершиком.
2. Подражание Вийону
Примечание. Классическая французская баллада состоит из четырех восьмистиший с посылкой и рефреном. Посылка обычно начинается словом «принц» или иным обращением к высокопоставленному адресату.
Хоть весь бомонд, испуга не тая,
Нас уверял, что это бесполезно,
Хоть перед нами разверзалась бездна,
Из страха и безверья состоя,
Хотя лилась помойная струя
На школоту в фейсбуке и тик-токе,
И на субботу ставили уроки, —
А все-таки нас вышло очень много.
Мы не орда. Напротив, мы семья.
Я чувствую забытое единство —
Да, это город мой, где я родился,
Да и Отчизна все еще моя.
Как ни силен напор небытия,
Как ни смердят, условности отбросив,
Твои рабы, неистовый Иосиф*, —
А все-таки нас вышло очень много.
Да! Несмотря на крики воронья,
На соловья**, который в жажде грошей
Визжит, как бы расколотая Лешей
Копилочная полая свинья,
На стоны солидарного ворья
И лоялистов осторожный шорох,
И на угрозы гопников дешевых, —
А все-таки нас вышло очень много.
Мы видим, что у ямы есть края,
Мы видим, что у мрака есть границы,
У бездны — дно, надежда — у столицы,
У властной колесницы — колея,
Ведущая, заметим без вранья,
В круги давно описанного ада,
В дерьмо и кровь, но нам туда не надо.
Поэтому нас вышло очень много.
Принц! Выйдите уже из забытья.
Пора понять, что скоро будет лето,
Что Леша прав, что ваша песня спета
И что у вас не вышло ничего.
Персидский марш — марш, написанный Иоганном Штраусом. Марш, первоначально называвшийся «Марш персидской армии», был впервые исполнен 11 июля 1864 года на Павловском вокзале и стал в этом году одним из наиболее популярных музыкальных произведений в России. 4 декабря 1864 года Штраус дирижировал первым исполнением марша в Вене.
Штраус посвятил свой марш персидскому шаху Насеру ад-Дину, за что композитор был пожалован шахом Орденом Солнца. Шах до самой смерти был горячим поклонником Штрауса. Когда в 1873 году шахиншах приехал на Всемирную выставку в Вене, военный оркестр не смог найти нот гимна Персии и потому сыграл вместо него «Персидский марш».
Первоначально названная "Марш персидской армии" новая работа была представлена публике на павловском вокзале 11 июля (29 июня по российскому календарю) и оказалась одним из самых его популярных в России сочинений того года с числом исполнений не менее 65-ти. "Персидский марш" до конца жизни был любимым у самого композитора, который придавал большое значение тому факту, что в трио-секции звучит тема из персидского национального гимна. Иоганн признавал, что его марш с особым характером был сугубо концертным.
"Осенью 1864 года Иоганн Штраус собрал богатый урожай наград за разные сочинения, которые он посвящал многим коронованным особам по всей Европе. Среди наград был и персидский "Орден Солнца", пожалованный его царским величеством шахом Персии, талантливым и просвещённым Насером ад-Дином (1831-96), который наследовал трон в 1848 г. и оставался горячим поклонником поэзии и музыки до убийства в Тегеране. Честь была оказана Штраусу за посвящение марша "Marche persanne", под этим модным французским названием произведение было опубликовано изначально, хотя позже оно получило немецкую форму имени: "Persischer Marsch", для большей популярности. Композитор дирижировал первым венским исполнением марша 4 декабря 1864 г. на праздничном концерте в Фольксгартене, с опозданием отмечая 20-летие публичного дебюта как композитора и дирижёра в казино Доммаера в Хитцинге [район Вены] в октябре 1844 г.
Собственно говоря, Персидский марш был сочинён Иоганном для павловского сезона 1864 г., девятого подряд "российского лета". Первоначально названная "Марш персидской армии" новая работа была представлена публике на павловском вокзале 11 июля (29 июня по российскому календарю) и оказалась одним из самых его популярных в России сочинений того года с числом исполнений не менее 65-ти. "Персидский марш" до конца жизни был любимым у своего композитора, который придавал большое значение тому факту, что в трио-секции звучит тема из персидского национального гимна. Иоганн признавал, что его марш с особым характером был сугубо концертным. Много лет спустя в разговоре с Игнацем Шницером, либреттистом "Цыганского барона" (1885) он сказал: "Я создал один "Персидский марш", но я не могу написать подобный, если мне нужен настоящий строевой марш". Программа концертов Иоганна на 1864 г. включала в себя соло на арфе Пэриша-Альварса под названием "Персидский марш"; возможно, причина успеха была и в этой работе, которая дала Штраусу толчок к созданию собственного персидского марша и вдохновила его оригинальным персидским ароматом
Любопытно, что когда Насер ад-Дин приехал в Вену на Всемирную выставку-1873, военный оркестр, не достав нот персидского гимна, сыграл вместо него "Персидский марш" Штрауса в качестве гимна для шаха.
Спустя век после премьеры штраусов марш чуть не вызвал дипломатический инцидент. Венский писатель и телеведущий профессор Марсель Прави вспоминает, что в мае 1960 г. ему как советнику по драматургии Венской народной оперы поступило распоряжение из правительства вставить "Персидский марш" в "Летучую мышь", на которой ожидалось присутствие правящего шаха Мохаммеда Резы Пехлеви. За сутки до представления инструкция была резко отозвана, потому что выяснилось, что шах, для которого в своё время марш был написан, принадлежал другой династии, насильственно прерванной правящим домом".
«Марш Радецкого» — марш, написанный в 1848 году Иоганном Штраусом-старшим в честь фельдмаршала графа Радецкого. Одно из самых знаменитых произведений Штрауса.
Марш Радецкого был написан Иоганном Штраусом-старшим в качестве приветствия войскам фельдмаршала Иоганна Йозефа Венцеля Радецкого, возвращавшимся после подавления восстания в Италии, «в честь великого генерала и …императорской армии». Он был впервые исполнен 31 августа 1848 года на улицах Вены перед проходящими войсками. Основой марша послужила австрийская народная мелодия «Старый венский танец», чей темп Штраус ускорил так, чтобы мелодия сочеталась с парадным прохождением кавалерийских частей[1]. Позже Марш Радецкого стал парадным маршем 5-го гусарского полка имени графа Радецкого (нем.)русск. вооружённых сил Австро-Венгрии
В середине XIX века австриец Шрамм, став капельмейстером 1-го Его Величества драгунского гвардейского полка (англ.)русск. Великобритании, представил «Марш Радецкого» как очень подходящий для английского кавалерийского полка. Марш получил ещё более сильную связь с полком в 1896 году, когда австрийский император Франц Иосиф I стал шефом полка и дал разрешение принять в качестве знамени австрийского двуглавого орла. С 1959 года правопреемником полка является 1-й Её Величества драгунский гвардейский полк (англ.)русск., быстрым маршем которого является как раз марш Радецкого
Маршем Радецкого каждый раз заканчивается Новогодний концерт Венского филармонического оркестра. Согласно традиции, публика сопровождает его исполнение ритмичным похлопыванием в ладоши и притоптыванием ногами. (Говорят, что эта традиция уходит своими корнями к первому исполнению марша, которое произвело такое сильное впечатление на присутствовавших на нём австрийских офицеров и других официальных лиц, что те стали невольно притоптывать ногами в такт, вопреки своей культивируемой сдержанности.) Марш исполняется в аранжировке Леопольда Венингера — композитора, ныне забытого из-за активной пронацистской деятельности[3].
Марш Радецкого является парадным гимном чилийской Военной академии имени Бернардо О’Хиггинса (исп.)
На стадионе датского футбольного клуба Орхус Марш Радецкого играют каждый раз, когда команда хозяев забивает гол
«Alte Kameraden» («Старые товарищи») — один из самых известных немецких военных маршей, написанный военным композитором Карлом Тейке в 1889 году в Ульме, Германия.
Первое исполнение партитуры было неудачным, и Тейке, как утверждают, приказал сжечь ноты марша, однако их не сожгли.
В XX веке Alte Kameraden часто исполнялся. Марш популярен во многих странах с конца XIX века по настоящее время. Даже после окончания Второй мировой войны марш продолжал исполняться, несмотря на то, что в то время к подобной музыке относились с неодобрением.
Марш был написан около 1889 года в Ульме , Германия, композитором военной музыки Карлом Тейке . Тейке написал много пьес для оркестра гренадерского полка короля Карла (5-й Вюртембергский) No. 123. Принося свой недавно составленный марш в полк, капельмейстер Оэлте просто сказал ему: «У нас достаточно музыкальных маршей, поставь этот в печь!». [2] Этот эпизод в конечном итоге привел к тому, что Тейке покинул группу и назвал марш «Старыми товарищами». Издатель купил у него песню за 25 немецких золотых марок. В 1895 году марш был впервые показан в «Капелле Новавезер Фриц Кёлер». [3]Позже Alte Kameraden стал одним из самых популярных маршей в мире. Это было сыграно в 1937 году на церемонии коронации английского короля Георга VI. [3] Марш также можно услышать в фильме «Голубой ангел» . Позже Тейке работал офицером полиции, но также продолжал составлять военные марши
Тексты
Старые товарищи, марширующие по стране, образуют
крепкую и верную дружбу.
В беде они или в опасности, они
всегда снова держатся вместе.
Старые товарищи на марше по стране
Держат дружбу крепкую и верную.
В беде или в опасности.
Всегда вместе они сохраняют новое.
Атака происходит в быстрой последовательности,
слава и честь должны принести нам победу,
Лос, товарищи, свежее заряжено,
Это наша марш-музыка.
Во время атаки все происходит быстро,
Победа принесет нам славу и честь,
Придите, товарищи, перезаряжаемся,
Это наша походная музыка.
В маневре весь полк двинулся по
квартирам к следующему
элементу деревенского дома, а на хозяине заигрывали
с девушками и его маленькой дочкой.
Во время маневров весь полк
разместился в соседнем селе.
А на постоялом дворе мы пофлиртовали
с девушками и помещичьей дочерью.
Смейтесь, шутя, смейтесь, шутя, сегодня
утром весь полк неизвестно как далеко.
Товарищи, да, разлука - это наш удел,
берем стакан и кричим «ура».
Смеяться, шутить, смеяться, шутить, сегодня сегодня.
Завтра весь полк будет неизвестно как далеко.
Товарищи, это расставание действительно теперь наша судьба.
Так что возьмите стакан и мы кричим «Ура».
Старое вино придает сил молодости;
Потому что он вкус сока вина.
Мы стары, сердце остается молодым,
И память сильна.
Старое вино придает силы молодости,
ведь вкус вина - эликсир жизни.
Даже если мы стары, сердце остается молодым,
а воспоминания величественны.
В радости или в нужде
будем оставаться верными до смерти.
Выпей и налей,
и будем старыми товарищами.
В радости ли, в нужде ли
Мы остаемся верными до смерти.
Выпьем и снова налей
И будем старыми товарищами.
Мы стары, сердце остается молодым,
предаваясь воспоминаниям.
Выпей и налей,
и будем старыми товарищами.
Даже если мы стары, сердце остается молодым,
Наслаждаясь воспоминаниями.
Выпьем и снова налей
И будем старыми товарищами.
lte Kameraden в популярной культуре
Марш играет во вступительных кадрах фильма 1976 года Асы в небе.
В конце каждого эпизода программы The Goon Show звучит укорочённая и комедийная версия марша.
В начале каждой передачи Новости Таиланда на телеканале BBTV Channel 7 в 8.00. в 1980—2004 звучал марш Alte Kameraden.
Литература
Karl Anton Döll: Alte Kameraden, 1961
Alte Kameraden. Marsch für Pianoforte komponiert von C. Teike; Fritz Mörike Musikalien-Handlung Stettin, Verlags-Nummer F. M. 23
Ссылки
Марш «Alte Kameraden».
Композитор Карл Тейке (1864—1922); исполняет оркестр морской пехоты США (US Marine Band); запись 1921 года; в общественном достоянии. Формат mp3. Размер файла 3,16 Мб.
Скачать (ссылка нерабочая)
(к сожалению, более качественные фонограммы защищены авторским правом)
Марш Лейб-гвардии Преображенского полка (Преображенский марш, Марш преображенцев, Марш Петра Великого, Петровский марш) — один из самых старинных (и известных, наравне с «Прощанием славянки») русских военных маршей.
Преображенский полк, основанный в 1691 году Петром I — один из старейших и элитных полков русской армии. Общепринятое мнение гласит, что его марш был создан ещё при жизни Петра неизвестным композитором. Строение марша в кантовой форме с большой долей вероятности говорит о том, что он действительно был сочинён в первой четверти XVIII века[1]. В. И. Тутунов отмечает сходство этого марша с петровскими кантами «Воспоем песнь нову» и «Мы же вопием, велегласно рцем»
«С появлением регулярной армии появилась и регулярная музыка: в 1711 г. был издан указ о штатах полковых оркестров, с 1722 г. все полки были обязаны иметь оркестры. В 1716 г. в лейб-гвардии Преображенском полку играли 40 музыкантов». Очевидно, именно тогда марш впервые и прозвучал
В некоторых английских источниках автором называют некого русского композитора Donajowsky, однако на самом деле музыкант Эрнест Донаёвский (родившийся во французском Кале сын эмигранта из тогда прусского, а ныне польского Новогарда) издал марш в Великобритании в конце XIX — начале XX века
В Германии долго бытовало мнение[6], что марш был сочинен в 1816 году Фердинандом Хаазе (Ferdinand Haase; 1788—1851, главный капельмейстер оркестров войск гвардии в 1830—1850 годах). Однако в 1816—1817 годах Хаазе после русского плена находился при дворе великого князя Константина Павловича в Варшаве, и возможность того, что он мог сочинить марш, моментально ставший музыкой элитного полка, представляется очень маловероятной[1]. Вероятно, произошла путаница, связанная с авторством «Второго марша Преображенского полка» (см. ниже).
Версию о петровском времени поддерживает Deutsche Gesellschaft für Militärmusik (DGfMM). Косвенно подтверждает появление марша при Петре I его распространенное дореволюционное название — «Марш Петра Великого» или «Петровский марш»
В каталоге «Маршей российской императорской гвардии», который с 1809 года составлял первый главный капельмейстер русской гвардии А. И. Дерфельдт-отец, данный марш фигурирует (т.1, № 55), причем его автор уже не указан. Интересно также отметить, что в этом источнике начала XIX века данный марш представлен с трио
Возможно, мелодия марша была взята из солдатской песни «Знают турки нас и шведы», а возможно, изначально появился марш, а эти тексты — позже. Возможно, что первоначально марш был без трио, возможно, были и другие мелодические изменения
Марш «стал общим для всей русской армии. Четкость и скорость темпа (120 шагов в минуту) делали его незаменимым при военных походах и парадах. Однако марш исполнялся и в дни юбилеев побед в Северной войне, в дни тезоименитства царя, в день коронации Екатерины I. Таким образом, Преображенский марш выполнял функции светского гимна на парадах, торжественных выходах царских особ, на посольских приемах (…) К концу XIX в. Преображенский марш в качестве музыкальной эмблемы элитного Преображенского полка стал главным маршем России. Кураторами [шефами] полка были все российские императоры, поэтому он всегда исполнялся в таких торжественных случаях, как, например, открытие памятника императору, других воинских церемониях в течение всего XIX — начала XX в.»
Эту мелодию вызванивали и куранты московского Кремля с 1856 по 1917 год — в 12 и 6 часов. После ремонта часов Николай I велел использовать две мелодии, «чтобы часовые куранты разыгрывали утром — Преображенский марш Петровских времен, употребляемый для тихого шага, а вечером — молитву „Коль славен наш Господь в Сионе“, обыкновенно играемую музыкантами, если обе пьесы можно будет приспособить к механизму часовой музыки».
После февральской революции его стали исполнять как гимн вместо «Боже, Царя храни!». После Октября 1917 года его в качестве «гимна» упразднили, но в Добровольческой армии «Преображенский марш» продолжал оставаться «российским гимном»[9] «Таковым он и остается на долгие годы в русском зарубежье, когда его вместе с гимнами многих европейских стран исполняли в эмиграции при поднятии флага или на церемониях памяти павших»
Марш не исполнялся в советское время официально из-за своего «царского» прошлого, но его можно было услышать, в частности, в исторических фильмах (например, «Бумбараш») и радиопостановках[3], а в советской армии — в видоизмененном варианте Чернецкого — марш «Встречный»
В современной России «этот марш до 2012 года исполнялся на параде 9 мая при выносе Знамени Победы. Музыка, олицетворяющая победы русской императорской армии становится фоном к символу нашей великой Победы»
За рубежом
Германия: В 1816 году марш был включен в русский Императорский каталог маршей (kaiserlich russische Marsch-Sammlung) за номером I, 54, который стал основой для знаменитого прусского (позднее германского) каталога маршей — Koniglich-Preussische Armeemarschsammlung (AMS), учрежденного декретом короля Фридриха-Вильгельма III в 1817 году. Туда он вошёл за номером AM I, 30. В Германии марш стал Präsentiermarsch (встречным маршем) в прусских частях — Пехотном графа Шверина полку № 14 (3-й Померанский) (Infanterie-Regiment Graf Schwerin Nr. 14 (3. Pommersches)) (Бромберг, Провинция Позен) и Саперном батальоне князя Радзивилла № 1 (Восточнопрусский) (Pionier-Bataillon Furst Radziwill (Ostpreussisches) Nr. 1) (Кёнигсберг, Восточная Пруссия), где он исполнялся до 1914 г. После Второй мировой войны марш играли в ГДР и ФРГ
Испания: король Альфонс XIII, познакомившись с маршем во время визита в Россию, попросил разрешение Николая II использовать марш для Королевского корпуса алебардеров (Guardia de Alabarderos)
Великобритания: марш использовался в качестве музыкального приветствия в исполнении духового оркестра вместо сигналов, подаваемых рожком, при встрече и проводах августейших особ и офицеров высшего ранга в ВМФ Великобритании и в морской пехоте. В 1909 было утверждено, что генерала нужно приветствовать первыми 8 тактами «Преображенского марша», но сыгранными в быстром темпе. Марш существовал в Школе музыки королевского флота под названием Russian Parade. Также он фигурировал в качестве фрагмента — в музыкальной фантазии The Glory of Russia (изд. Hawkes and Sons, 1917), откуда он попал в одну из киноверсий «Анны Карениной», что придало ему популярность
Лорд Маунтбеттен
Preobrajensky Regimental March. Позже лорд Луис Маунтбеттен (последний вице-король Индии, дядя Филиппа Эдинбургского), двоюродный брат жены Альфонса XIII, по некоторым указаниям, познакомился с маршем в Испании в 1928 году. На лорда марш произвел столь сильное впечатление, что он сказал испанскому королю, что он хотел бы использовать этот марш для английской королевской морской пехоты, на что получил согласие[13]. (По другим указаниям, лорд говорил, что этот марш он унаследовал от своих немецких предков). Он предлагал использовать «Преображенский марш» в аранжировке Вивиана Дунна в морской пехоте как встречный марш (slow march), однако долгое время безуспешно.
В итоге в 1942 году лорд Маунтбеттен приказал оркестру Combined Operations Command играть «Преображенский марш» как марш для проведения инспекции почетного караула. С тех пор его играли все оркестры при появлении лорда Маунтбеттена как Первого лорда Адмиралтейства, причем не только как музыку для инспекции, но и как марш для торжественного прохождения на парадах, и на церемонии Beating Retreat («Сигнал к отбою» — парад конной гвардии и военных оркестров) (до этого он уже так использовался в 1930 г. Также US Marine Band играл этот марш, если их инспектировал лорд Маунтбеттен.
При 300-летнем юбилее морской пехоты в 1964 г. он, уже являясь главнокомандующим Британскими Вооруженными Силами (Chief of the Defence Staff), приписал марш к морской пехоте, где марш был срочно утвержден как полковой встречный марш. Официальный сайт оркестра гласит, что марш используется c 10 июня 1964[4]. Он продолжает исполняться как «медленный» марш, в то время как традиционный английский A Life on the Ocean Wave продолжает использоваться как быстрый.
Будучи почетным полковником в английской лейб-гвардии, с 1970 года лорд стремился чтобы «Преображенский марш» также игрался на дне рождения королевы (церемония «Trooping the Сolor») оркестром лейб-гвардии. Дирижёр её оркестра майор Энтони Дж. Ричардс (Antony J. Richards) говорил об этой музыке: «Это хороший марш и он очень хорош для конных подразделений, если он играется особым образом, если начинать со второго такта и играть только 2 первых темы „da capo“ и делать на третьей четверти в восьмом такте акцент на долю». Именно так марш и был Ричардсом аранжирован. Его продолжают исполнять на этой церемонии морские пехотинцы в знак уваженияк лорду, погибшему в 1979 году от ирландской бомбы; лейб-гвардейцы также используют «Преображенский марш», в частности, марш был исполнен на параде Trooping the Colour 17 июня 2017 года, под него вступила на парадный плац лейб-гвардейская артиллерия, King's Troop
Идея фикс лорда увековечена в посвященном ему документальном телесериале «Lord Mountbatten: A Man for the Century»: главная музыкальная тема — «Преображенский марш» в исполнении оркестра морской пехоты], там же он рассказывает о своей любви к маршу
Марш сове́тских танки́стов — известная советская песня. Написана в 1938 году, музыка братьев Покрасс, стихи Бориса Ласкина. Впервые прозвучала в фильме «Трактористы» (1939).
Режиссёр фильма И. А. Пырьев побывал на озере Хасан (см. бои у озера Хасан, лето 1938) и задумал снять фильм. Он пригласил поэта Б. С. Ласкина и поставил перед ним задачу — представить к следующему дню песню о советских танкистах, о крепости границ СССР. С текстом пришёл к братьям Покрасс, и они написали музыку.
Фильм вышел на экраны летом 1939 года и был хорошо принят публикой. Его часто показывали в кинотеатрах, а позднее – на ТВ. Однако в 1964 году после развенчания Хрущёвым «культа личности» на экраны вышла отредактированная версия кинофильма. Портреты Сталина были заретушированы или кадры с ними вовсе вырезаны, попавшие в кадр названия тракторов – «Сталинец» – замазаны.
Однако самым заметным действием хрущевских редакторов стала перезапись знаменитой песни. Так, если в оригинале слова припева:
«Гремя огнём, сверкая блеском стали
Пойдут машины в яростный поход.
Когда нас в бой пошлёт товарищ Сталин,
И первый маршал в бой нас поведёт».
Имя Сталина было вырезано, намек на Климента Ворошилова – «первый маршал» – также подвергся суровой цензуре. После 1964 года припев песни звучал так:
«Гремя огнём, сверкая блеском стали
Пойдут машины в яростный поход.
Когда суровый час войны настанет,
И нас в атаку Родина пошлёт».
«Хрущевская» версия знаменитой песни звучала в кинофильме вплоть до 2005 года, пока телеканал «Культура» не выпустил в эфир восстановленный фильм с первоначальными словами песни про «товарища Сталина».
Кстати, Сталин незримо присутствовал в словах песни, несмотря на редактуру 1964 года. Известная строчка куплета, ставшая крылатой фразой: «Чужой земли мы не хотим и пяди, Но и своей вершка не отдадим» является очень близкой к оригиналу цитатой И. Сталина из его речи на XVI съезде КПСС в июне 1930 года: «Ни одной пяди чужой земли не хотим. Но и своей земли, ни одного вершка своей земли не отдадим никому».
Кстати, эти же слова помещены на фасаде здания Московского пограничного института ФСБ России на Ленинградском проспекте.
Rotterdam Marine Band Нидерландской королевской военно - морского флота , также упоминается как полоса Korps Mariniers или просто голландской Marine Band ( Dutch : Marinierskapel дер Koninklijke Marine ) является Royal ВМС Нидерландов официальный музыкальный блок «s. Как Великобритания «s Royal Marines оркестровая служба является репрезентативной группой всего флота несмотря на то отчетность единица из Korps мореплавателей как подотрасли в голландских вооруженных силах . Базирующийся в порт городе в Роттердаме , группа была основана 1 августа 1945 года как продолжение довоенных полковой оркестр Королевских ВМС Нидерландов. Полковой оркестр был создан в 1864 году по приказу Вильгельма III , тогдашнего короля Нидерландов и великого герцога Люксембурга . Когда в 1665 году был основан Корпус Моряка, к батальонам морской пехоты были приданы специальные подразделения барабанщиков с единственной целью - указывать ритм во время марша. Приблизительно в 1699 году были добавлены фифы , которые придавали всему подразделению сходство с британским барабанным корпусом . Во время основания в 1864 году барабанный корпус был расширен и превратился в полноценный духовой оркестр. Он был распущен в 1940 году из-за участия Нидерландов во Второй мировой войне и битве за Нидерланды .
Сегодня он поддерживает все морские и национальные мероприятия, включая Koningsdag , Prinsjesdag , Veteranendag и День вооруженных сил Нидерландов, а также дни службы морской пехоты, такие как 10 декабря и 1 августа. Группа также выступала вместе с другими военными оркестрами, представляющими военно-морскую пехоту других стран, выступая с оркестром Королевской морской пехоты и оркестром 2-й дивизии морской пехоты ( Корпус морской пехоты США ) на параде конной гвардии во время отступления избиений 2014 года . Также он несколько раз выступал в России с гастролями в Санкт-Петербурге в 1997 и 2003 годах (первый был в честь празднования 300-летия Петра Великого ) и на военно-музыкальном фестивале «Спасская башня» и тату в 2013 году . Во время своих визитов в Россию он также выступал с Центральным военно-морским оркестром России . Он также выступал с такими подразделениями, как Оркестр морской пехоты США , Оркестр морских сил самообороны Японии и Оркестр ВМС США .
Оркестр, созданный по образцу оркестров Королевской морской пехоты , состоит из основного маршевого оркестра и всемирно известного корпуса барабанов ( Tamboers en Pijpers ), играющих на малых барабанах и фифах, иногда с рожками и фанфарами. . Группу возглавляет музыкальный директор, которому помогают дирижер и барабанщик, который руководит обеими формациями. При концертном построении оркестр трансформируется в концертный оркестр. Кроме того, из группы могут быть сформированы ансамбли меньшего размера, например следующие: Большая группа Камерные ансамбли из латуни и деревянных духовых инструментов Джазовый квартет Роттердамский морской оркестр Королевского флота Нидерландов -
«Оборона Севастополя» (другое название — «Воскресший Севастополь», 1911) — русский документально-игровой фильм о Крымской (Восточной) войне, одна из важнейших постановок в истории отечественной кинематографии. Первая русская полнометражная кинопостановка. Режиссеры и сценаристы: Василий Гончаров и Александр Ханжонков
Французские ветераны. Документальная съёмка: французские участники Крымской войны на Малаховом кургане.
Английские ветераны. Документальная съёмка: британские участники Крымской войны на Малаховом кургане.
Русские ветераны. Документальная съёмка: русские ветераны Крымской войны возле орудий на бастионе. Бывшие рядовые, унтер-офицеры и сёстры милосердия по очереди подходят к камере, сверкая медалями — сначала женщины, затем мужчины, снимая фуражки.
Сохранился только сокращённый монтаж фильма с новыми титрами, подготовленный для собрания Госфильмофонда. Из него, в частности, были удалены все эпизоды подчёркнуто религиозного и монархического содержания. Фильм перешёл в общественное достояние
По воспоминаниям Ханжонкова[6], идею фильма предложил Василий Гончаров, отношения с которым у Ханжонкова были сложные. Гончаров, который уже не работал в торговом доме Ханжонкова, предложил снять сверхдорогой и беспрецедентно длинный фильм об обороне Севастополя. Для организации массовых съёмок на местах сражений требовалась Высочайшая поддержка. Будучи уверенным в том, что добиться её будет невозможно, Ханжонков поставил условие: Гончаров должен сам поехать в Петербург и ходатайствовать в императорской канцелярии, и если поездка будет безуспешной, Гончаров больше не будет обращаться к Ханжонкову ни с какими предложениями. Ханжонков одолжил Гончарову денег на официальный костюм и поездку, предполагая, что такой небольшой ценой избавит себя от дальнейшего общения с назойливым режиссёром. Однако поездка внезапно обернулась полным успехом — Гончаров не только заручился Высочайшей поддержкой, но и добился того, что фильм был частично профинансирован из казны.
По распоряжению Николая II к работе над фильмом была привлечена большая группа историков и военных консультантов, которые постарались максимально точно воссоздать реалии Севастопольской обороны
Батальные сцены в этом фильме впервые в мире снимались сразу двумя аппаратами, с панорамированием и сменой ракурсов[2]. В съёмках принимали участие регулярные подразделения Русской армии и ветераны обороны Севастополя 1854—1855 годов.
Эпизод с танцем «Барыня» не был постановочным. Оператор снял танец участников массовых сцен в перерыве между съёмками. Впоследствии было решено включить эти кадры в фильм
Первый показ фильма состоялся 26 октября 1911 года в царском дворце в Ливадии, зрителями стали Николай II и члены царской семьи
Основываясь на фактах: Чайковский как-то утром, завтракаю, увидел как рота солдат проходила мимо его дома. Их слаженность и чёткость движений поразила Чайковского. После чего она послужило сценой из щелкунчика.
Премьера балета состоялась 6 декабря 1892 года в Мариинском театре. Публика, как и планировали создатели, была покорена и долго аплодировала. Роскошь костюмов и декораций впечатлили даже искушенных театралов. Но сценическая новогодняя мишура не могла затмить масштаба и волшебства музыкальной партитуры.
Рождественский бал в балете «Щелкунчик», согласно заведенной традиции, открывает марш — в партитуре Чайковского стоит ремарка «Le président ordonne de jouer une marche» («Церемониймейстер приказывает играть марш»). Церемониймейстер вместо степенной и размеренной музыки призывает к жизни игрушечный мотив, который то и дело сбивается с ровного маршевого ритма и неохотно возвращается к главной теме: торжественный настрой взрослых членов семьи разрушают дети, марширующие с игрушечными саблями. Так они маршируют и в «Пиковой даме», и в «Марше деревянных солдатиков», который Чайковский написал для «Детского альбома»
. Слушатели «Щелкунчика» часто называют этот мотив «Маршем оловянных солдатиков» — по ассоциации с оловянными драгунами Гофмана, бросившими вызов Мышиному королю.
XX век породил несколько каверов на марш. Один из самых известных принадлежит буги-ансамблю B. Bumble & The Stingers — сингл «Nut Rocker» побил в год выпуска рекорды продаж в США и Великобритании и стал одной из самых узнаваемых мелодий свингующих 1960-х. Дюк Эллингтон позаимствовал этот мотив для своей композиции «Peanut Brittle Brigade», а пионеры кроссовера
Emerson, Lake & Palmer выпустили свою версию игрушечного марша в 1970-х.
« Rock Is Dead » - песня американской рок- группы Мэрилина Мэнсона . Он был выпущен как третий сингл с их третьего студийного альбома Mechanical Animals (1998). Он был написан одноименным фронтменом группы вместе с басистом Твигги Рамирес и клавишником Мадонной Уэйн Гейси , а продюсерами выступили Мэнсон, Майкл Бейнхорн и Шон Биван . Глэм - рок и хэви - метал трек с элементами электронной музыки и гранж , песня особенности электрических и бас - гитары, клавишные и живые барабаны в его инструментарии. Песня была показана на саундтрек из Wachowskis фильма " Матрица (1999).
В песне Мэнсон провозглашает смерть рок-музыки и утверждает, что «Бог в телевизоре». Лирика "Rock Is Dead" вдохновляла на разные интерпретации; одни критики считали, что Мэнсон был прав, утверждая, что рок мертв, в то время как другие считали, что он играет со своими слушателями. Трек получил в основном положительные отзывы музыкальных критиков, которые сочли его заразительным и хвалили его тексты. Музыкальное видео на "Rock Is Dead" было снято Мэнсоном и Сэмюэлем Байером и показывает группу, исполняющую песню в костюмах. Во второй версии ролика представлены отрывки из «Матрицы» .
После выхода Antichrist Superstar (1996), альбома, вызвавшего споры среди христианских фундаменталистов , Мэрилин Мэнсон не хотел снова играть роль жуткого человека . Он боялся, что это приведет к тому, что он будет «предан однотонной рок-театральности» Kiss и Элиса Купера . Он хотел убедить случайных фанатов рока и поп-музыки , которые ранее отвергали его, что он «больше, чем карикатура». Для своего следующего альбома Mechanical Animals (1998) он черпал вдохновение в глэм-рок музыке, которую Дэвид Боуисделаны в 1970-х годах и переняли гардероб и прическу, аналогичные Боуи.
Обсуждая « Механических животных» с Лоррейн Али , Мэнсон сказал, что ему «наскучила» агрессия, которую он проявил в музыке Antichrist Superstar , уточнив: «Все, что вы слышите сейчас, является ответвлением NIN , Мэрилина Мэнсона [или] Ministry . великих рок-альбомов больше нет. Рок-музыки очень много, но она очень мягкая и одноразовая. Многие люди могут сказать, что эта пластинка чрезмерна, претенциозна и театральна, но рок-музыка должна быть именно об этом. " [3] Мэнсон сказал в другом интервью, что, по его мнению, «Рок не умер, ему просто нужно надрать задницу».
После выпуска Mechanical Animals , Jason Bentley , ди - джей и представитель Мадонны «s Maverick Records , попросил группу , если они позволили бы для песни , которые будут включены в саундтрек из Wachowskis » фильм Матрица (1999). Перед тем как подписать контракт с "Rock Is Dead" для использования в качестве саундтрека, группу пригласили посмотреть черновой вариант фильма. Среди других исполнителей, чья музыка была включена в саундтрек, были Rob Zombie , Rage Against the Machine , Rammstein , The Prodigy , Deftones и Ministry. [5]Трек появился во время финальных титров фильма. Noisecreep «s Чад Чайлдерс пишет , что включение трека на саундтреке дал ему„дополнительный импульс.“ Название песни вдохновило группу на название злополучного пятимесячного мирового турне группы в 1999 году - Rock Is Dead Tour .
Фильм «Генералы песчаных карьеров» (1971), снятый американским режиссёром Холлом Бартлеттом по роману Жоржи Амаду «Капитаны песка» (1937), вышел в широкий прокат в СССР в 1974 и получил огромную популярность.
Любовь советских зрителей завоевала и одна из музыкальных тем фильма — «Марш рыбаков», кавер-версия которой вскоре была исполнена на русском языке. С тех пор эту песню часто называют «песней из кинофильма „Генералы песчаных карьеров“», хотя исходно эта песня не была написана специально для фильма.
Dorival Caymmi - Marcha dos Pescadores (OST "The Sandpit Generals")
«Марш рыбаков» (по-португальски — Mаrchа dоs Реsсаdоrеs). Её написал в 1965 году известный бразильский композитор, Доривал Каимми, позже сыгравший в фильме одну из ролей второго плана.
Существует несколько вариантов песни. В частности она входит в качестве одной из тем в его 9-минутную «Рыбацкую сюиту» (Suitе dоs реsсаdоrеs), известную также как «Рыбацкая история» (Hist;ria dos pescadores).
Трейлер к фильму «Генералы песчаных карьеров» (англ. The Sandpit Generals, в прокате также The Defiant, The Wild Pack) — художественный фильм американского режиссёра Холла Бартлетта (1971) по роману Жоржи Амаду «Капитаны песка» (1937). Фильм получил ограниченный прокат в США в начале 1970-х и не пользовался особым успехом. Огромную популярность в СССР завоевала музыка из кинофильма, в том числе песня Доривала Каимми «Марш рыбаков», русская версия которой стала хитом в 1974 благодаря исполнению квартетом «Аккорд», Ваней Стойкович, группой Стаса Намина «Цветы» и далее, группой «Несчастный случай».
Did My Time — песня ню-метал-группы Korn и первый сингл с их шестого студийного альбома, Take a Look in the Mirror, а также промосингл к фильму Лара Крофт: Расхитительница гробниц 2 — Колыбель жизни. Песня является рабочим неизданным материалом с альбома Untouchables. Джеймс «Манки» Шаффер написал основной рифф и играл его каждый день, но продюсер Майкл Бейнхорн принял решение не оставлять этот материал. В начале 2003 Korn закончили работу над песней и привлекли внимание Парамаунт Пикчерз, которая захотела использовать «Did My Time» в фильме Лара Крофт: Расхитительница гробниц 2 — Колыбель жизни. Несмотря на то, что песня вышла в виде сингла к фильму и было снято видео с участием Анджелины Джоли, песня не вошла в саундтрек кинофильма из-за условий контракта со звукозаписывающим лейблом. «Did My Time» стал единственным синглом Korn, сумевшим попасть в топ-40 чарта Billboard Hot 100, на 38-е место по результатам физических продаж дисков. Также сингл добился успеха в чартах Modern Rock и Mainstream Rock.
Режиссером музыкального видео выступил Дэйв Мейерс, который в основном известен своими работами с рэпером Мисси Эллиотт. В клипе снялась Анджелина Джоли, исполнительница главной роли в фильме Лара Крофт: Расхитительница гробниц 2 — Колыбель жизни. По сюжету видеоклипа Джоли идет по аллее, когда земля начинает трескаться. Из этих трещин поднимается черный туман, который на протяжении всего видео засасывает в себя любые объекты, превращая их в ничто, а затем трансформируется в участников Korn. По мере развития песни дым вокруг них становится всё больше. В конце клипа черный туман вместе с группой исчезают, после чего исчезают и трещины. На протяжении всего видео показываются кадры из Лары Крофт — расхитительница гробниц: Колыбель жизни. В клипе присутствует киноляп, когда Дэвид Сильверия появился вместе с ударной установкой, в конце он исчезал без неё, а уже после этого исчезала она сама.
Отбыл свой срок
Realize that I can never winЯ понимаю, что никогда не смогу победить,
Sometimes feel like I have failedИногда я чувствую, что потерпел неудачу.
Inside where do I beginГде начинается моё "Я"?
My mind is laughing at meМой разум смеётся надо мной.
Tell me why am I to blameСкажи, почему виноват я?
Aren't we supposed to be the sameРазве мы не одинаковые?
That's why I will never tameПоэтому я никогда не укрощу
This thing that's burning in meОгонь внутри себя...
I am the one who chose my pathЯ сам выбрал свой путь,
I am the one who couldn't lastНо не смог долго продержаться.
I feel the life pulled from meЯ чувствую, как жизнь оставляет меня,
I feel the anger’s changing meЯ чувствую, что злость меняет меня.
Sometimes I can never tellНикогда нельзя быть уверенным,
If I've got something after meОстанется ли что-то после меня,
That's why I just beg and pleadИменно поэтому я умоляю и прошу
For this curse to leave meЭто проклятие оставить меня.
Tell me why am I to blameСкажи, почему виноват я?
Aren't we supposed to be the sameРазве мы не одинаковые?
That's why I will never tameПоэтому я никогда не укрощу
This thing that's burning in meОгонь внутри себя...
I am the one who chose my pathЯ сам выбрал свой путь,
I am the one who couldn't lastНо не смог долго продержаться.
I feel the life pulled from meЯ чувствую, как жизнь оставляет меня,
I feel the anger’s changing meЯ чувствую, что злость меняет меня.
BetrayedПредан,
I feel so, enslavedЯ ощущаю себя таким порабощенным,
I really triedЯ действительно пытался,
I did my timeЯ отбыл свой срок,
I did my timeЯ отбыл свой срок,
I did my timeЯ отбыл свой срок,
I did my timeЯ отбыл свой срок,
I did my timeЯ отбыл свой срок...
I am the one who chose my pathЯ сам выбрал свой путь,
I am the one who couldn't lastНо не смог долго продержаться.
I feel the life pulled from meЯ чувствую, как жизнь оставляет меня,
I feel the anger’s changing meЯ чувствую, что злость меняет меня.
депутат Законодательного собрания Санкт-Петербурга
В минувшее воскресенье мы простились с Михаилом Кане — одним из тех, чье имя сразу вспоминается, когда речь идет об авторской песне.
Физик, кандидат наук, выпускник Политеха, потом доцент ЛИАПа, Михаил много лет был председателем совета легендарного клуба «Восток». В начале 50-х именно в «Востоке» в первый раз вышли на сцену с гитарой Владимир Высоцкий, Юрий Кукин, Евгений Клячкин и другие прославленные барды. Гитара Высоцкого с его автографом много лет висела на стене дома у Михаила Кане на 3-й линии Васильевского острова.
Прочнее всего творческая жизнь Михаила Кане была связана с Александром Городницким — с ним вместе как аккомпаниатор он выходил на сцену начиная с 1965 года, больше полувека.
Многие десятилетия ни один концерт Городницкого в нашем городе не обходился без участия Кане.
В начале нулевых он начал выступать и сам, у него вышло немало аудиокассет и дисков, с песнями его товарищей-бардов, которые он исполнял. Много лет Кане вел на радио «Шансон» еженедельный час бардовской песни. И было несколько дисков, где Михаил Кане выступал не только как исполнитель, но и как композитор — исполняя песни на стихи Александра Городницкого, Юрия Левитанского, Новеллы Матвеевой. И книга «Время вдруг становится судьбой», которую он написал о своем друге Евгении Клячкине.
В 2007 году, отвечая на вопросы журналиста, Михаил Кане пошутил: «На концертах Александра Городницкого он представляет меня как человека, который играет ему на гитаре, не очень давно — всего 38 лет». В том же интервью он с огромной любовью говорил о месте своего обитания: «На Васильевском острове, в самом прекрасном месте Петербурга, по моему глубокому убеждению. Если точно — то на 3-й линии, в доме 16. А еще в авторской песне, где обитали и обитают мои друзья-барды».
— Хотели бы вы переехать, и если да, то куда?
— Ни в коем случае! Хочу, чтобы питерская нота в авторской песне звучала все сильнее и сильнее!
Он сделал все для того, чтобы эта нота звучала сильно, выразительно и ярко.
Он был удивительно добрым, ироничным и мудрым.
Его песни и его голос — с нами.
Александр Городницкий — памяти Михаила Кане:
Мои аккомпаниаторы
Ах, аккомпаниаторы мои,
Ушедшие в заоблачные дали,
Я сирота, лишившийся семьи,
Что обрету на старости едва ли.
О них, уходу этому не рад,
Года свои минувшие итожа,
Печалится умолкший Ленинград,
И Петербург осиротевший тоже.
Ах, аккомпаниаторы мои,
Соратники еще с шестидесятых,
Нам прежней не продолжить колеи
Среди времен сегодняшних проклятых.
О вас надолго память сохраню.
Без вас мы стали немощны и стары.
И вянут мои песни на корню,
Лишенные утраченной гитары.
Не думая о прожитых годах,
В Неве не оставляя отражений,
Они сегодня в ангельских садах
Подыгрывают Кукину и Жене.
Их слушает, возможно, мир иной,
И грустный вывод, видимо, несложен:
Мы все живем гитарною струной,
И без нее мы долго жить не можем.
I Disappear — песня американской метал-группы Metallica. Является саундтреком к фильму «Миссия невыполнима 2». Сингл занял первую строчку в чарте Billboard Hot Mainstream Rock Tracks. Это последняя запись группы с бас-гитаристом Джейсоном Ньюстедом.
Клип занял 5 место на Music Awards. В клипе соло-гитарист Кирк Хэммет бегает от самолёта, Ларс Ульрих в конце клипа прыгает со здания от взрыва, Джейсон Ньюстед в особняке борется с сотнями людей, а Джеймс Хэтфилд едет на машине по Сан-Франциско. Между этими сценами группа играет на вершине высокой скалы в долине штата Юта. В это же время Том Круз взбирается на скалу, где играет группа, но, добираясь до вершины, никого там не находит.
Еще работая над песней, Metallica узнала в 2000 году, что предварительная версия ее транслируется на американских радиостанциях. Группа проследила источник песни до однорангового файлообменного сервиса Napster . Обнаружив, что весь их каталог доступен на Napster, они стали первыми музыкантами, подавшими иск против сервиса ( Metallica против Napster, Inc. ). По состоянию на август 2019 года "I Disappear" был доступен для потоковой передачи через сервис потоковой передачи музыки Napster .
Выступления Metallica с песней "I Disappear" по состоянию на 10 августа 2019 г.
"I Disappear" был официально выпущен с саундтреком к Mission: Impossible 2 9 мая 2000 года. Сингл был выпущен как макси-диск 2 июня 2000 года [8] под лейблом Hollywood Records . В Бельгии и Италии песня была выпущена на Edel-Mega Records . Metallica исполнила "I Disappear" 92 раза с 3 июня 2000 г. по 10 августа 2019 г.
1.. Песню I Disappear Хэтфилд и Ульрих написали в середине 90-х годов и планировали включить ее в дилогию Load/Reload. Но композиция не подошла по концепции.
2. I Disappear стала последней песней, записанной при участии басиста Джейсона Ньюстеда.
3. В 2000 году композиция взлетела на вершину американского рок-чарта и также попала в хит-парады многих других стран.
I Disappear. История одного хита Metallica
4. Песня стала причиной судебной тяжбы между музыкантами группы и владельцами файлообменника Napster. Трек появился в интернете задолго до официального выхода.
5. Режиссером видео стал известный клипмейкер Уэйн Айшэм. В кадре участники группы находятся на вершине горы Monument Valley, которая расположена в штате Юта.
6. Каждый из четырех музыкантов играл в клипе собственную роль, а каждый эпизод – отсылка к какому-либо классическому фильму. Эпизод с Кирком Хэмметом отсылает к ленте Хичкока «К северу через северо-запад». Эпизод с Ньюстедом – к антиутопии Терри Гиллиама «Бразилия». Сцены с Хэтфилдом – намек на триллер «Детектив Буллит» Питера Йетса, а эпизод с Ульрихом – скрытая цитата из «Крепкого орешка».
Кадр со съемок одного из эпизодов видеоклипа
Кадр со съемок одного из эпизодов видеоклипа
7. «Шевроле Камаро», на котором ездил Хэтфилд и его дублер, после съемок клипа фронтмену Metallica отдали в качестве подарка. Спустя три года музыкант продал его на eBay за 70 тысяч долларов, а вырученные средства отдал на благотворительность.
8. Для съемок эпизода с Кирком Хэмметом использовались три вертолета. Съемочная группа потратила целое утро на установку специального оборудования на земле, в вертолетах и на аэроплане, от которого убегал гитарист. Съемки продолжались весь день, во время которого Хэммет пробежал в общей сложности 50 миль.
9. В съемках эпизода с Ньюстедом участвовало 50 человек для массовки. Камеры были закреплены в том числе и на костюме музыканта, чтобы придать большую реалистичность и эффект присутствия.
I Disappear. История одного хита Metallica
10. При съемках эпизода с Ульрихом использовались вертолеты, подъемные краны и специальные крепления – в момент, когда Ларс «летит» с небоскреба головой вниз. Две камеры были установлены снаружи, еще три – внутри здания. В момент бега задействовали еще 7 камер.
11. Сцены на вершине горы в штате Юта снимались во время священного индейского праздника. Для проведения съемок нужно было специальное разрешение от индейского совета.
12. В сцене с Хэтфилдом для создания торнадо использовалась компьютерная графика. На работу со спецэффектами ушло примерно две недели.
13. Песня I Disappear вышла как в составе саундтрека к фильму «Миссия невыполнима-2», так и отдельным синглом. Помимо обычной версии, есть инструментальный вариант, который был опубликован на второй стороне сингла.
“Я в весеннем лесу” поётся от лица человека, вынужденного покинуть родину и не решающегося вернуться назад. Многим современным людям сложно понять “фишку” этой песни. Поэтому предлагаю вспомнить историю нашей страны.
В Советском союзе существовало понятие “советские перемещённые лица”, то есть советские граждане, оказавшиеся во время Великой Отечественной войны (1941-1945) за пределами СССР. В основном это были люди, угнанные фашистами на принудительные работы в Европу. Сюда же входили военнопленные и пособники немцев, целыми семьями отступавшие с ними с территории СССР.
В 1944-1952 годах происходила репатриация, то есть возвращение перемещённых лиц на родину. По идее, гражданским лицам и военнопленным должны были восстановить гражданство без каких-либо преследований. Но на практике многие попадали в лагеря, штрафбаты, испытывали различные ущемления прав и свобод в гражданской жизни. Поэтому не для каждого перемещённого советского гражданина возвращение на родину было простым и приятным делом. Именно эти печальные моменты нашей истории отражены в песне “Я в весеннем лесу”.
Но история мало учит людей. В 21 веке войны на планете разгораются с новой силой. И теперь “Я в весеннем лесу” могут петь беженцы из разных стран в качестве своеобразного гимна.
Всё же вернёмся к истории песни. Вполне закономерно можно было бы предположить, что “Я в весеннем лесу” написал кто-то из перемещённых лиц, сполна хлебнувший ужасов войны и по каким-либо причинам не решающийся вернуться в Союз. Но дело обстоит иначе.
Официальная премьера песни “Я в весеннем лесу”
Впервые песня официально прозвучала в 1968 году в советском психологическом детективе “Ошибка резидента”, в его второй части “Возвращение Бекаса”. На всякий случай напомню, что это первый из четырёх фильмов о разведчике Михаиле Тульеве. Думаю, многие смотрели этот шпионский советский мини-сериал. Если ещё не видели, посмотрите обязательно.
Песню “Я в весеннем лесу” поёт Бекас — беглый вор-рецидивист Матвеев, он же офицер контрразведки КГБ СССР Павел Синицын. Исполняет роль Бекаса известный актёр, композитор и поэт Михаил Ножкин (1937). Он прогуливается с гитарой и поёт у дома Станислава Курнакова — резидента западной разведки в СССР графа Михаила Александровича Тульева, работающего у нас под псевдонимом “Надежда”. Роль резидента играет не менее известный советский и российский актёр Георгий Жжёнов (1915-2005). Вот эта сцена из фильма.
Михаил Ножкин — “Я в весеннем лесу пил берёзовый сок”
Песня в исполнении Михаила Ножкина сразу полюбилась зрителям. Простая в исполнении, душевная, трагическая и в духе времени она звучала повсюду. Её пели люди, пережившие войну и фашистский плен, а также продвинутая молодёжь, которая, возможно, уже не понимала первоначального смысла песни. Впрочем, эмигрантская тема в России стабильно актуальна и популярна. Меняются лишь нюансы.
После выхода фильма “Ошибка резидента” на экран авторство песни “Я в весеннем лесу” быстро приписали Михаилу Ножкину. Тем более и в титрах это было указано. Многие до сих пор считают М. Ножкина автором или соавтором песни. Но это заблуждение. Песню “одного из пропащих сыновей Родины-матери” написал совсем другой человек. И почти за 15 лет до того, как она стала известна широкому кругу слушателей. Кто же это?
Настоящим автором текста и музыки песни “Я в весеннем лесу” был Евгений Данилович Агранович (1918-2010) — советский и российский кинодраматург, сценарист, писатель, поэт, бард и художник, младший брат советского кинорежиссёра и сценариста Леонида Даниловича Аграновича (1915-2011).
Он не был перемещённым лицом, не видел “бразильских болот малярийный туман”, “и вино кабаков, и тоску лагерей” он не познал. Но много общался с подобными людьми на фронте, когда служил в войсках К.К. Рокоссовского. Тогда же у Аграновича возникла мысль написать “песню перемещённых лиц”. Но воплотил он свою идею гораздо позже. Дело было так.
В 1954 году на киностудии имени М. Горького снимали шпионский детектив “Ночной патруль” (1957) с Марком Бернесом в главной роли. И нужно было написать песню для главного героя. Евгений Агранович предложил свой вариант — песню “Я в весеннем лесу пил берёзовый сок”. К тому времени Агранович 12 лет сотрудничал с киностудией и писал русские тексты песен всех дублируемых там фильмов. Поэт рассчитывал, что его песня прозвучит в картине. Тем более сам Марк Бернес высоко оценил творчество Евгения Аграновича и очень хотел исполнить песню в кадре. Однако руководство киностудии песню “завернуло”.
Несчастливая судьба песни “Я в весеннем лесу”
Ирина Жигалова 23-10-2014Музыка
Друзья, продолжаем разговор о песнях, прозвучавших в альбоме Александра Малинина “Песни моей юности”. Сегодня мы поговорим о песне советских времён “Я в весеннем лесу”. Ещё её называют “Я в весеннем лесу пил берёзовый сок”.
Я в весеннем лесу
Я в весеннем лесу… Фото: Irina Pestova
Напомню вам это произведение.
Слушайте песню А. Малинина “Я в весеннем лесу”
Аудиоплеер
00:00
00:00
Используйте клавиши вверх/вниз, чтобы увеличить или уменьшить громкость.
В своё время песня была очень популярна. Сейчас, конечно, её поют реже. Среди известных исполнителей песни Михаил Ножкин, Аркадий Северный, Михаил Шуфутинский, Слава Медяник, Александр Орехов, Евгений Дятлов, Ренат Ибрагимов, Александр Малинин, Олег Скрипка, Александр Маршал, группа “Лесоповал”.
“Я в весеннем лесу” поётся от лица человека, вынужденного покинуть родину и не решающегося вернуться назад. Многим современным людям сложно понять “фишку” этой песни. Поэтому предлагаю вспомнить историю нашей страны.
В Советском союзе существовало понятие “советские перемещённые лица”, то есть советские граждане, оказавшиеся во время Великой Отечественной войны (1941-1945) за пределами СССР. В основном это были люди, угнанные фашистами на принудительные работы в Европу. Сюда же входили военнопленные и пособники немцев, целыми семьями отступавшие с ними с территории СССР.
В 1944-1952 годах происходила репатриация, то есть возвращение перемещённых лиц на родину. По идее, гражданским лицам и военнопленным должны были восстановить гражданство без каких-либо преследований. Но на практике многие попадали в лагеря, штрафбаты, испытывали различные ущемления прав и свобод в гражданской жизни. Поэтому не для каждого перемещённого советского гражданина возвращение на родину было простым и приятным делом. Именно эти печальные моменты нашей истории отражены в песне “Я в весеннем лесу”.
Но история мало учит людей. В 21 веке войны на планете разгораются с новой силой. И теперь “Я в весеннем лесу” могут петь беженцы из разных стран в качестве своеобразного гимна.
Александр Малинин Я в весеннем лесу
Александр Малинин — один из исполнителей песни “Я в весеннем лесу”. Фото из личного архива А. Малинина
Всё же вернёмся к истории песни. Вполне закономерно можно было бы предположить, что “Я в весеннем лесу” написал кто-то из перемещённых лиц, сполна хлебнувший ужасов войны и по каким-либо причинам не решающийся вернуться в Союз. Но дело обстоит иначе.
Официальная премьера песни “Я в весеннем лесу”
Впервые песня официально прозвучала в 1968 году в советском психологическом детективе “Ошибка резидента”, в его второй части “Возвращение Бекаса”. На всякий случай напомню, что это первый из четырёх фильмов о разведчике Михаиле Тульеве. Думаю, многие смотрели этот шпионский советский мини-сериал. Если ещё не видели, посмотрите обязательно.
Песню “Я в весеннем лесу” поёт Бекас — беглый вор-рецидивист Матвеев, он же офицер контрразведки КГБ СССР Павел Синицын. Исполняет роль Бекаса известный актёр, композитор и поэт Михаил Ножкин (1937). Он прогуливается с гитарой и поёт у дома Станислава Курнакова — резидента западной разведки в СССР графа Михаила Александровича Тульева, работающего у нас под псевдонимом “Надежда”. Роль резидента играет не менее известный советский и российский актёр Георгий Жжёнов (1915-2005). Вот эта сцена из фильма.
Михаил Ножкин — “Я в весеннем лесу пил берёзовый сок”
Песня в исполнении Михаила Ножкина сразу полюбилась зрителям. Простая в исполнении, душевная, трагическая и в духе времени она звучала повсюду. Её пели люди, пережившие войну и фашистский плен, а также продвинутая молодёжь, которая, возможно, уже не понимала первоначального смысла песни. Впрочем, эмигрантская тема в России стабильно актуальна и популярна. Меняются лишь нюансы.
После выхода фильма “Ошибка резидента” на экран авторство песни “Я в весеннем лесу” быстро приписали Михаилу Ножкину. Тем более и в титрах это было указано. Многие до сих пор считают М. Ножкина автором или соавтором песни. Но это заблуждение. Песню “одного из пропащих сыновей Родины-матери” написал совсем другой человек. И почти за 15 лет до того, как она стала известна широкому кругу слушателей. Кто же это?
Настоящий автор песни “Я в весеннем лесу”
Настоящим автором текста и музыки песни “Я в весеннем лесу” был Евгений Данилович Агранович (1918-2010) — советский и российский кинодраматург, сценарист, писатель, поэт, бард и художник, младший брат советского кинорежиссёра и сценариста Леонида Даниловича Аграновича (1915-2011).
Он не был перемещённым лицом, не видел “бразильских болот малярийный туман”, “и вино кабаков, и тоску лагерей” он не познал. Но много общался с подобными людьми на фронте, когда служил в войсках К.К. Рокоссовского. Тогда же у Аграновича возникла мысль написать “песню перемещённых лиц”. Но воплотил он свою идею гораздо позже. Дело было так.
В 1954 году на киностудии имени М. Горького снимали шпионский детектив “Ночной патруль” (1957) с Марком Бернесом в главной роли. И нужно было написать песню для главного героя. Евгений Агранович предложил свой вариант — песню “Я в весеннем лесу пил берёзовый сок”. К тому времени Агранович 12 лет сотрудничал с киностудией и писал русские тексты песен всех дублируемых там фильмов. Поэт рассчитывал, что его песня прозвучит в картине. Тем более сам Марк Бернес высоко оценил творчество Евгения Аграновича и очень хотел исполнить песню в кадре. Однако руководство киностудии песню “завернуло”.
Сработал принцип “каждый сверчок знай свой шесток”. Агранович был на киностудии всего лишь переводчиком. Конечно, он не мог самостоятельно написать ничего стоящего — так рассудили местные боссы. Поэтому “Песню о Родине” для Марка Бернеса написали известный композитор Андрей Эшпай (1925) и популярный в то время поэт-песенник Лев Ошанин (1912-1996). Сейчас главную песню фильма “Ночной патруль” вряд ли кто-то вспомнит, да и после выхода картины на широкий экран песня не произвела на зрителей особого впечатления.
Песня-скиталец
После отказа руководства киностудии песня осталась у Е. Агнановича и повторила судьбу “пропащего сына Родины” — почти 15 лет она “гуляла” по магнитофонным записям и в среде киношников. Если бы не один случай, мы бы и не узнали о песне “Я в весеннем лесу”.
В начале 60-х годов режиссёр Вениамин Дорман снимал музыкальную комедию “Приезжайте на Байкал” (1965). Во время съёмок пошёл дождь и съемочная группа спряталась в бане. От скуки стали петь под гитару. И когда одна из актрис спела “Я в весеннем лесу”, Дорман вскрикнул: “Где взяла слова? Кто автор? Это же песня для моего следующего фильма!”. К счастью, автор песни — Евгений Агранович — был в составе съёмочной группы. Так песня, не подошедшая для одного шпионского детектива, прозвучала почти через 15 лет в другом.
После премьеры фильма “Ошибки резидента”, песню о судьбе “одного из пропавших сыновей Родины-матери” пел весь Советский Союз. И на утро Евгений Агранович… не проснулся знаменитым. Более того, вся слава и народная любовь достались Михаилу Ножкину, исполнившему “Я в весеннем лесу” кадре. Почти как в песни: “Был я смел и удачлив, а счастья не знал”.
Песню I Disappear («Я исчезаю») знают и любят не только истинные фанаты Metallica. Ее включили в саундтрек блокбастера «Миссия невыполнима 2» (Mission: Impossible 2), что способствовало всемирной популярности.
Композиция не состоит ни в одном из студийных альбомов легендарной метал-группы, но издавалась в формате сингла. Трек возглавил главный американский рок-чарт и попал в хит-парады других стран.
А еще I Disappear запомнилась как первая песня в истории современной музыки и юриспруденции, ставшая причиной судебного разбирательства между правообладателями и владельцами файлообменной сети.
История песни I Disappear Metallica
Ее сочинили Ларс Ульрих (Lars Ulrich) и Джеймс Хэтфилд (James Hetfield). Наброски были готовы еще в середине девяностых. Участники группы могли включить ее в альбом Load (1996) или Reload (1997). Но на тех пластинках места ей не нашлось. В итоге, I Disappear была представлена публике в 2000 году, когда она прозвучала в фильме Mission: Impossible 2 OST.
О чем песня I Disappear? Авторы смысл композиции не разъясняли. Фанаты высказывали несколько версий, но наиболее распространены два варианта.
I Disappear вошла в историю Metallica как последняя песня, записанная при участии бас-гитариста Джейсона Ньюстеда (Jason Newsted). Соответственно, многие полагают, что она связана с этим событием, хотя Джейсон покинул группу лишь в 2001 году, то есть гораздо позже релиза трека. Однако не исключено, что коллеги знали о его намерениях.
Согласно другой версии толкования, слова песни I Disappear связаны с сюжетной линией триллера «Миссия невыполнима 2». Дескать, она исполняется от лица специального агента, которого в кинокартине сыграл Том Круз (Tom Cruise).
Делитесь мнениями о смысле песни I Disappear Metallica в комментариях.
Metallica VS Napster
В 2000 году, еще до официального релиза трека I Disappear, его демо-версия появилась в файлообменной сети Napster. Участники группы Metallica услышали ее по радио, провели расследование и вышли на данный сервис, где обнаружили полный каталог своих песен.
По инициативе Ларса Ульриха группа начала судебную тяжбу с Napster, требуя от сети десять миллионов долларов. Музыканты наняли консалтинговую фирму NetPD, которая установила более трехсот тысяч пользователей, причастных к нелегальному распространению песен Metallica. Обвинение требовало закрыть все эти аккаунты.
Суд обязал Napster удалить музыку Metallica из сети и заблокировать профили всех, кто делился песнями группы. Стороны также пришли к финансовому соглашению, детали которого не разглашались. Позже Napster была выкуплена компанией Rhapsody.
Релиз и достижения
Девятого мая 2000 года песню I Disappear выпустили синглом из саундтрек-альбома Mission: Impossible 2. Известны два релиза: на одном представлена лишь обычная версия песни, а в другой также вошел инструментальный вариант.
В 2000 году читатели Metal Edge признали I Disappear «Песней года из саундтрека к фильму».
Интересные факты
В клипе «Я исчезаю» музыканты играют на вершине горы Monument Valley в штате Юта.
По завершению съемок видеоклипа I Disappear «Шевроле Камаро» подарили Хэтфилду. В сентябре 2003 года Джеймс продал его на eBay более чем за семьдесят тысяч и отдал деньги на благотворительность.
Это единственная песня Metallica, изданная синглом, но не включенная в студийные альбомы.
Критики язвительно шутили, что название «Я исчезаю» стало пророческим. После релиза песни Metallica исчезла из чарта Billboard Hot 100 на восемь лет, вернувшись в хит-парад с треком The Day that Never Comes (2008).
«Raindrops Keep Fallin’ on My Head» (с англ. — «Капли дождя падают на мою голову») — песня, написанная Бертом Бакараком и Хэлом Дэвидом для фильма «Бутч Кэссиди и Сандэнс Кид» (1969), где она прозвучала в исполнении певца Би Джей Томаса.
Оригинальная версия занимала первое место в хит-параде журнала Billboard (США), конкурируя с такими знаменитыми песнями как «Venus» нидерландской группы «Шокинг блю», «Yellow River» британской группы «Кристи» и «Bridge over Troubled Water» американского дуэта Simon and Garfunkel. Впоследствии исполнялась Энгельбертом Хампердинком, Рафаэллой Каррой, оркестром под управлением Поля Мориа и др.
В Советском Союзе была популярна французская версия песни — «Toute la pluie tombe sur moi»[источник не указан 633 дня] в исполнении Саши Дистеля; Дистель записал кавер-версию песни в 1970 году, и этот сингл опередил по количеству проданных копий даже оригинал Би Джей Томаса, заняв высокие позиции в британском чарте. Вышедший вслед за синглом альбом хорошо продавался в США и Великобритании. В СССР эта песня под названием «Звонкие капельки дождя» с русским текстом А. Дмоховского была записана Эмилем Горовцом (1971 г., Д-031161).
Инструментальная версия песни использована в фильме «Здравствуйте, доктор!» (1974), а также в короткометражном фильме Баадура Цуладзе «Удача» (1980). В фильме Э. Рязанова «Вокзал для двоих» героиня Людмилы Гурченко напевает эту композицию в сцене, когда её провожает домой герой Олега Басилашвили. На фоне этой мелодии дикторы новостных передач советского латвийского ТВ читали прогноз погоды.
В 1994 году была использована в трагикомедии «Форрест Гамп»; в 1996 году была использована в пародийной комедии «Неистребимый шпион» в эпизоде, пародирующем сцену из фильма «Бутч Кэссиди и Санденс Кид»; в 2003 году была использована в фильме «Свадебная вечеринка» (The In-Laws); в 2004 году — в фильме «Человек-паук 2», в 2015 году — в телесериале «Области тьмы»
В 2014 году сингл Би Джей Томаса с этой песней (вышедший в 1969 году) был принят в Зал славы премии «Грэмми»
«Streets of Philadelphia» (рус. Улицы Филадельфии) — песня, написанная и исполненная американским рок-музыкантом Брюсом Спрингстина для фильма «Филадельфия» (1993), одного из первых мейнстримных фильмов о СПИДе. Выпущенная как сингл в 1994 году, песня стала хитом во многих странах, в частности, Канаде, Франции, Германии, Ирландии и Норвегии, где она возглавила чарты.
«Streets of Philadelphia» — песня американского рок-исполнителя Брюса Спрингстина, написанная им для фильма Филадельфия (1993), первого мейнстримового фильма о больных СПИДом. Вышедшая в 1994 году песня стала хитом во многих странах (Канада, Великобритания, Германия, Франция, Ирландия, Норвегия и другие) и была удостоена 4 премий Grammy Awards, включая Лучшая песня года, Лучшая рок-песня, Лучшее вокальное рок-исполнение, Лучшая песня для кино и телевидения, премии «Золотой глобус» за лучшую песню, премии MTV Video Music Awards в категории Best Video from a Film, а также премии Оскар в категории Лучшая оригинальная песня к фильму.
Streets of Philadelphia была включена в список 100 лучших песен из американских фильмов за 100 лет по версии AFI. Хотя у себя на родине в США песня стала только № 9 в Billboard Hot 100, она возглавила чарты многих европейских стран (№ 1 в Германии, Бельгии, Италии, Франции и Австрии). В Великобритании песня достигла № 2 — высшее достижение Брюса Спрингстина в английском чарте.
запоминающийся момент когда Том Хэнкс выходит на улицу после увольнения (или поставки диагноза?) растерянный и одинокий, смотрит на безличную равнодушную толпу людей проплывающих мимо. Хорошо отображен момент одиночества человека в сложной ситуации.
« Take My Breath Away » - это песня, написанная Джорджио Мородером и Томом Уитлоком для фильма 1986 года Top Gun в исполнении американской группы новой волны Berlin . [2] Он выиграл премию Американской киноакадемии за лучшую оригинальную песню , [2] , а также премии Золотой глобус за лучшую песню в 1986 году.
После того, как Джорджио Мородер написал музыкальное сопровождение к тому, что впоследствии стало "Take My Breath Away", лирик Том Уитлок написал текст, когда ехал домой из студии, а затем провел несколько часов дома, полируя их. Демо песни, исполненное второстепенным певцом, произвело впечатление на режиссера Тони Скотта и продюсеров Джерри Брукхаймера и Дона Симпсона , которые решили снять более романтические сцены между Томом Крузом и Келли МакГиллис, чтобы включить песню.
Песня была впервые предложена The Motels , которые намного позже выпустили свое оригинальное демо, которое довольно похоже на выпущенную в Берлине версию, на их сборном альбоме Anthologyland (2001). Columbia Records предложили несколько подписанных ими артистов, но в конце концов Мородер подумал о группе Berlin , чью песню « No More Words » он спродюсировал. Уитлок внес несколько изменений в текст, прежде чем Терри Нанн записала вокал. [3] Мородер сказал, что из всех песен, которые он спродюсировал за свою карьеру, он больше всего гордится этой песней.
"Take My Breath Away" был вторым синглом из альбома саундтреков Top Gun после " Danger Zone " Кенни Логгинса и был выпущен в 1986 году как сплит-сингл вместе с песней "Radar Radio", исполненной Мородером при участии Джо Пиццуло .
Песня заняла первое место в Billboard Hot 100 , а также возглавила чарты Великобритании, Нидерландов, Ирландии и Бельгии.
"Take My Breath Away" доступна как в оригинальном альбоме саундтреков Top Gun, так и в расширенном издании. Песня также была включена в четвертый студийный альбом Берлина, Count Three & Pray, и, как самый большой хит группы, на нескольких сборных альбомах группы: Best of Berlin 1979–1988 , Master Series , Greatest Hits Remixed (который включает в себя « Mission UK Remix »), Live: Sacred & Profane и Metro Greatest Hits . "Take My Breath Away" была одной из немногих песен, написанных не Берлином Джоном Кроуфордом, которые они исполняли на каком-либо альбоме до этого момента.
"Take My Breath Away" был переиздан в Великобритании в октябре 1990 года, что совпало с первым телешоу Top Gun ( на канале ITV вечером 6 октября 1990 года), а также новой телевизионной рекламой Peugeot. кампанию для модельного ряда 405 . Переиздание достигло третьей строчки в UK Singles Chart.
В 2017 году, Шорты - ' s Dave Fawbert перечислил песню , содержащий „один из самых ключевых изменений в истории музыки“.
"Take My Breath Away" достигла 20-го места в Billboard Hot 100 , а также первой десятки в Top 40 Tracks и Top 40 Mainstream charts. Он также стал еще одним синглом Simpson номер один в чарте Hot 100 Singles Sales . 7 ноября 2005 года песня получила золотой сертификат Американской ассоциации звукозаписывающих компаний (RIAA). В Canadian Singles Chart сингл оставался в топ-50 в течение 39 недель.
" Have You Ever Loved a Woman " - это блюзовая песня, написанная Билли Майлсом и впервые записанная американским блюзовым исполнителем Фредди Кингом в 1960 году. Песня исполнена в виде медленного блюза с вокалом и гитарой Кинга в сопровождении небольшой комбинации пианиста Сонни Томпсона. , басист Билл Уиллис и барабанщик Филипп Пол.
Когда он был выпущен на Federal Records в 1961 году, только сторона B сингла Кинга " You've Got to Love Her with a Feeling " попала в поп-чарт Billboard Hot 100 . Песня была включена в первый альбом Кинга , Freddy King Sings , также выпущенный Federal в 1961 году
Английский гитарист и певец Эрик Клэптон впоследствии записал несколько версий "Have You Ever Loved a Woman": первая была исполнена вживую в ноябре 1965 года, когда он был участником John Mayall & the Bluesbreakers ; затем студийная версия с его группой Derek and the Dominos для их альбома 1970 года Layla and Other Assorted Love Songs ; позже живые записи песни появляются на его альбомах EC Was Here , Just One Night (как попурри с Ramblin 'on My Mind ), 24 Nights , Live In Hyde Park , One More Car, One More Rider и Crossroads Guitar Festival. 2004 .[3]
Брат и товарищ по группе Фредди Кинга, Бенни Тернер , также записал эту песню, и она появляется в его выпуске 2017 года My Brother's Blues - дань уважения Фредди.
Организация Грэма Бонда записала песню "Have Your Ever Loved a Woman" с несколько другими текстами для своего второго альбома, There a Bond Between Us . В альбоме, выпущенном в 1965 году, Бонд указан как автор песен.
Музыкальный клип был снят в Испании в Casa los Pavos Reales, Малага, с Сесили Томсен и Амирой Касар в главных ролях . Он был снят режиссером музыкального видеоклипа Антоном Корбайном и выпущен и показан в мае 1995 года.
Прелюдия №5 представляет собой величественный марш с красивейшим певучим трио. Она была создана в год завершения Второго фортепианного концерта (1901 г.) и, несомненно, родственна финалу Концерта бьющей через край энергией.
З. А. Прибыткова пишет: «Мне всегда бывало жутко от исполнения Рахманиновым этой прелюдии. Начинал он тихо, угрожающе тихо… Потом "крещендо" нарастало с такой чудовищной силой, что казалось – лавина грозных звуков обрушивалась на вас с мощью и гневом… Как прорвавшаяся плотина».
О процессе создания фортепианных произведений композитор отзывался так: «…Я нередко убеждался, что короткая фортепианная пьеса причиняла мне всегда гораздо больше мук и ставила передо мной больше проблем, чем симфония или концерт. Когда пишешь для оркестра, само разнообразие инструментальных красок как-то подводит к различным мыслям и эффектам. Когда же я пишу маленькую фортепианную пьесу, я целиком во власти своей тематической идеи, которая должна быть представлена сжато и без отступлений… В конце концов, сказать то, что вы имеете сказать, и сказать это кратко, ясно, немногословно – вот самая трудная задача, стоящая перед художником».
Рахманинов завершил прелюдию № 5 в 1901 году. Остальные прелюдии были завершены после женитьбы Рахманинова на его двоюродной сестре Наталье Сатине: премьера № 1, 4 и 10 состоялась в Москве 10 февраля 1903 года, а остальные семь были завершены вскоре после этого. 1900–1903 годы были трудными для Рахманинова, и его мотивация для написания прелюдий была преимущественно финансовой. Рахманинов сочинил произведения в отеле «Америка», материально зависимом от своего двоюродного брата Александра Силоти , которому посвящены прелюдии.
«Десять прелюдий» Рахманинова отказываются от традиционной формы короткой прелюдии, разработанной такими композиторами, как Бах , Скрябин и Шопен . В отличие от набора Шопена , некоторые музыкальные фрагменты на полстраницы, Десять прелюдий Рахманинова длятся по несколько минут каждая, расширяясь до сложных полифонических форм с музыкально независимыми частями. Возможно, эти произведения представляют собой кульминацию романтической идиомы. Набор отражает опыт Рахманинова как пианиста- виртуоза и мастера-композитора, проверяя «... технические, тональные, гармонические, ритмические, лирические и ударные возможности фортепиано».
Популярный Прелюдия C ♯ минор, соч. 3, No. 2, возможно, несправедливо затмевает соч. 23 прелюдии. Рахманинов заметил: «... Я думаю, что прелюдии соч. 23 - намного лучшая музыка, чем моя первая прелюдия, но публика не выказывала склонности разделять мою веру ...» Композитор никогда не играл все прелюдии в своей книге. за один присест, предпочитая циклически перебирать свои любимые композиции. Тем не менее, некоторые характеристики произведения, такие как повторяемость ступенчатого движения , общие аккорды между смежными прелюдиями и заканчивание отношений между первой и последней прелюдиями (обе отмечены как Ларго , причем последняя в параллельном мажоре первой) предполагает, что произведения можно было воспроизвести как набор. Вместе с соч. 32 и соч. 3, Прелюдии Рахманинова представляют все двадцать четыре мажорных и минорных тональности.
С точки зрения исполнения, десять соч. 23 прелюдии различаются по сложности. №№ 1, 4, 5 и 10, вероятно, доступны пианистам «продвинутого и среднего уровня», в то время как выносливость и ловкость требуются для пианистов «продвинутого и среднего уровня». 2, 3, 6, 7, 8 и, прежде всего, 9, требуют более высоких навыков. Тем не менее, даже «легкие» прелюдии представляют собой тонкие проблемы интерпретации в контрапункте , динамическом контроле и времени, делая истинное мастерство пьес недоступным для всех, кроме тех, кто обладает виртуозными навыками
"Джанго освобожденный" - это саундтрек к фильму Квентина Тарантино " Джанго освобожденный" . Первоначально он был выпущен 18 декабря 2012 года. В саундтреке использованы различные музыкальные жанры, в значительной степени основанные насаундтреке из спагетти-вестерна .
Саундтрек взят из оригинальной версии фильма Джанго (1966) «Django» (Луис Бакалов)
Луис Энрикес Бакалов (исп. Luis Enríquez Bacalov; 30 августа 1933, Буэнос-Айрес — 15 ноября 2017, Рим— аргентинский и итальянский композитор. Известен как автор музыки для фильмов.
Луис Бакалов родился в Буэнос-Айресе в семье болгарских евреев, однако он не исповедовал иудаизм [5], [6]. Его дедушка и бабушка по отцовской линии были банатскими болгарами, которые эмигрировали в Аргентину [7].
Номинирован на премию «Оскар» в 1967 году в категории «Лучшая музыкальная адаптация» за «Евангелие от Матфея» и получил данную кинонаграду в 1996 году в категории «Лучшая музыка для фильма» за ленту «Почтальон».
Из семьи болгаро-еврейских иммигрантов В начале 70-х работал с итальянскими прог-рок группами New Trolls, Osanna и Il Rovescio della Medaglia.
В последние годы Бакалов сочинил произведения для хора и оркестра, включая его Misa Tango, представляющую собой испаноязычную адаптацию классической литургической мессы и ритмов танго его родной Аргентины.
С 2005 года работал дирижёром «Orchestra della Magna Grecia» в итальянском Таранто. Скончался в Риме 15 ноября 2017 года в возрасте 84 лет.
На современный вкус песня Луиса Бакалова Джанго (1966) может показаться странной, но я не думаю, что научиться слушать такие вещи так уж сложно - ничего хитрого в них нет, это не Шостакович :) Но зато после некоторой адаптации она действует завораживающе, ее можно слушать сколько угодно.
Образованные и необразованные слушатели получают от этой песни одинаковое удовольствие, оставаясь самими собой, без злокачественного усреднения как это происходит, например, с рэпом. Более того, Джанго интернационален - песня итальянская, но сознательно американизированная, да и в других странах она должна быть также понятна. Достигается все это за счет тесного, спокойного, не нуждающегося в спецэффектах невербального контакта с аудиторией.
Текст совсем простой и сентиментальный, но, судя по видео, сентиментальность эта достаточно специфическая и уж во всяком случае не битловская. Битловские тексты под такое видео наверняка не пойдут. Принципиально несовместим Джанго и с советской бардовской песней, во многом связанной с битловской хипстерской традицией.
Если присмотреться к этому клипу повнимательнее, то оказывается, что он не совсем бандитско-партизанский. Так, текст написан от третьего, а не от первого лица, т.е. поет не сам бандит, а сторонние наблюдатели о его приключениях. Этим Джанго отличается от музыки лучших классических вестернов, где, как правило, поют сами участники событий.
«Et si tu n'existais pas» («Если б не было тебя…») — песня Джо Дассена. Это первый трек на альбоме Joe Dassin (Le Costume blanc). Стихи Пьера Деланоэ и Клода Лемеля, музыка Тото Кутуньо и Паскуале Лозито.
Песня была написана итальянским гением Тото Кутуньо специально для Джо Дассена. Самым сложным для соавторов Дассена — Лемеля и Деланоэ стало написание лирики. Главной строчкой песни должно было стать: «Если б не было любви…». Но тут поэты стали перед дилеммой: оказалось, что если в мире нет любви, то и писать не о чем. Но когда они поменяли всего одно слово - текст сдвинулся с мёртвой точки[
Элегантный белый костюм, узнаваемый с первых нот бархатный голос и чарующая улыбка — непременные атрибуты великого французского шансонье Джо Дассена. Спокойный, успешный, уверенный в себе — таким казался он со сцены. Но почему тогда так рано ушёл? Ведь ему не было ещё и 42-х…
Биография певца говорит о том, что стать артистом ему было предначертано ещё до рождения. Оба его деда, обосновавшиеся в Америке, — выходцы из современной Украины: один из Одессы, и этим многое сказано, другой —из нынешней Тернопольской области, и это таки тоже о чём-то говорит!
Джулиус Дассин, так звали отца будущего певца, увлекался театром и кино, причём настолько, что был ассистентом самого Хичкока, а потом и вовсе самостоятельно снимал картины в жанре нуар. Режиссёр Франсуа Трюффо, например, его фильм «Рифифи» назвал лучшим в этом жанре в истории всего кинематографа. Мать Джо Беатрис Лонер-Дассен была скрипачкой и играла в оркестре.
Казалось, всё хорошо: успех, карьера, дети — у Джо были сёстры. Но пресловутая «охота на ведьм», объявленная в США сенатором Маккарти, развязавшим политические гонения, вынудила семью уехать во Францию, так как Джулиус придерживался левых взглядов.
Правда, здесь они тоже не бедствовали, но для начала изменили фамилию на французский манер: так Дассин стал Дассеном. Сына отправили в Швейцарию, в элитное учебное заведение. Потом Дассен-младший учится в Италии, в международной школе в Женеве, увлекается горными лыжами.
Развод родителей оказывается для Джо большим потрясением и, чтобы забыться, он уезжает в США, где начинает изучать медицину. Здесь впервые врачи обращают внимание на странное «поведение» его сердца. Но Дассен молод, силён, хорош собой и увлечён уже новой наукой — этнографией. Двадцатилетний юноша видит себя антропологом, ему нравится изучать культуры и традиции разных народов.
Модное увлечение рок-н-роллом и, соответственно, Элвисом Пресли проходит мимо него, однако Дассен осваивает гитару, хотя с музыкой жизнь и не думает связывать.
Но в один момент что-то происходит, и Джо возвращается в Европу, забросив все науки. Здесь он пишет статьи для журналов, понемногу снимается в кино и для себя играет на гитаре.
Но внезапно на его пути возникает Мариз Массьера. Именно эта девушка в качестве подарка презентует любимому профессиональную запись его же песенки. А вскоре раздаётся звонок из студии звукозаписи с предложением о сотрудничестве. Джо рассердился, так как не видел себя на сцене, тем не менее Мариз уговорила его на целую пластинку песен. Она-то и сделала его знаменитым.
Но популярность свою Дассен не любил — от был застенчивым и даже неуверенным в себе, но всё же выходил к зрителям, так как уже не в силах был отказаться от роскошной жизни, которая прилагалась к славе.
Предложения руки и сердца Мариз ждала несколько лет, но Джо был противником официальных отношений. Однако кнутом и пряником она загнала его в ЗАГС, хотя в итоге брак оказался несчастливым и недолговечным.
От Мариз Дассен ушёл к Кристин и с головой погрузился в богемную жизнь — клубы, алкоголь и даже, говорят, наркотики. Несмотря на рождение двух сыновей Кристин продолжала куролесить, и остепенившийся Джо развёлся и отсудил у неё детей. Но насладиться счастьем отцовства ему было не суждено.
Первый инфаркт он перенёс буквально на сцене, после чего врачи рекомендовали ему оставить концертную деятельность. Но Дассен не стал их слушать, мотивируя тем, что как одинокому отцу ему нужно думать о пропитании детей.
После второго приступа, случившегося на отдыхе на Таити, его уже не спасли.
«Он был большой перфекционист. Он хотел улучшить жизнь людей своим творчеством. Мой отец любил читать, говорить и учиться столько, сколько это возможно. Он был очень светлым человеком»,
— говорит в одном из интервью сын шансонье Жюльен Дассен.
Это одна из самых известных песен певца Была переведена на русский язык и снискала большую популярность у советских и впоследствии российских исполнителей.
…И когда твоя баба
С тобой холодна и резка,
Потому что влюбилась в соседнего мужика,
И ушла, не сваривши борща, не заштопав носка, —
К кому обратишь ты
Пронзительный вопль недотепы?
Ты завоешь в отчаяньи:
— Путин, введи войска!
Спаси меня, Путин,
Последний диктатор Европы!
И когда ты лузер, озлобленный, как СК,
В кармане ни цента,
В холодильнике ни куска,
Голова пуста, продуктивность твоя низка,
И повсюду вокруг кривые, глухие тропы, —
Ты кричишь в бессилии:
— Путин, введи войска!
Ты один мне поможешь,
Последний диктатор Европы.
И когда ты дряхлеешь, и в сердце твоем тоска,
Потому что кровать узка, подушка жестка,
А признаться честно —
Понятно, что смерть близка,
И невидимый враг ворвался в твои окопы, —
Ты хрипишь в агонии:
— Путин, введи войска!
Отгони безысходность, последний диктатор Европы!
Все нормальные люди покрутят пальцами у виска.
И хоть войск у Путина — как в Сахаре песка,
На твои мольбы не последует марш-броска,
Над тобой не качнутся его десантников стропы.
То есть Путин бы рад.
Он же любит вводить войска.
Больше всего на свете он любит вводить войска!
Беларусь для него не серьезнее лепестка.
Он же помнит Прагу.
Он выходец из ЧК.
Но над смертью не властен последний диктатор Европы.
Ни любовь, ни смерть, ни солнце, ни облака,
Ни жуки-короеды, ни кроты-землекопы,
Ни колосья пшеницы, ни заросли борщевика,
Ни прозренья поэта, ни жалобы пошляка,
Ни капризы девы, ни ревность ее дружка
Не послушны диктатору,
Будь он последний диктатор Европы.
(И когда «Спартаку» проигрывает ЦСКА,
Несмотря на свои брутальные, испытанные манеры, —
Они тоже бы крикнули:
— Путин, введи войска!
Но что-то их останавливает.
Может быть, чувство меры.)
Так чего же ты хочешь,
Утративший все Лука?
Твои флаги повисли, участь твоя жалка,
Распусти по домам костяк своего полка,
Навсегда позабудь смешное слово «холопы»,
И беги, пока можешь,
С собой прихватив сынка.
Да помилует вас Господь,
Последний диктатор Европы.
СтенаСтена: мини-гостевая книга, позволяет посетителям Вашего дневника оставлять Вам сообщения.
Для того, чтобы сообщения появились у Вас в профиле необходимо зайти на свою стену и нажать кнопку "Обновить
Онлайн-игра "Empire"Преврати свой маленький замок в могущественную крепость и стань правителем величайшего королевства в игре Goodgame Empire.
Строй свою собственную империю, расширяй ее и защищай от других игроков. Б
Онлайн-игра "Большая ферма"Дядя Джордж оставил тебе свою ферму, но, к сожалению, она не в очень хорошем состоянии. Но благодаря твоей деловой хватке и помощи соседей, друзей и родных ты в состоянии превратить захиревшее хозяйст
ОткрыткиПерерожденный каталог открыток на все случаи жизни
Всегда под рукойаналогов нет ^_^
Позволяет вставить в профиль панель с произвольным Html-кодом. Можно разместить там банеры, счетчики и прочее
:format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-10864285-1505853792-9717.jpeg.jpg)
