Ирландский художник Francis O’Toole

Фрэнсис О'Тул (Francis O’Toole) - ирландский художник из Дублина. Учился во Флоренции, Италия. В 17 лет Фрэнсис попал в аварию, которая едва не унесла его жизнь. Проведя более года в больнице и реабилитации, Фрэнсис наконец, выбрал путь в жизни, который искал уже несколько лет.

Однажды из-за беспокойства за сына мать Фрэнсиса предложила ему попробовать рисовать, сначала Фрэнсис считал это глупым, но постепенно начал получать удовольствие от этого занятия. Первоначально он работал исключительно из воображения. После того как отец предложил ему показать некоторые свои работы на выставке в Дублине, работа Фрэнсиса стала получать большое внимание и он начал сотрудничать с галерей Грейстоунз. После этого появился некоторый спрос на его работы и Фрэнсис, никогда не изучавший искусство и поэтому работавший в медленном темпе, не был удовлетворен результатами.

В результате он решил изучать классические художественные техники во Флоренции, Италия. После четырехлетнего обучения во Флоренции, Италия, а также учебы с мастером-художником Оддом Нердрумом в Норвегии в течение некоторого времени, Фрэнсис вернулся в Дублин, где работает в качестве художника и уже завоевал большое внимание в мире искусства своей живописью. Он много раз выставлял свои работы на международном уровне, а также получил ряд высоко признанных наград.

https://www.risunoc.com/2020/04/francis-otoole.html

Виртуозные акварельные натюрморты от Шин Чонг Сик (Shin Jong Sik)

Акварелист Шин Чонг Сик (Shin Jong Sik) – современный корейский художник, Получил известность благодаря своим подробным картинам в технике акварель, выполненными чистыми, прозрачными цветами и вызывающими у зрителя неподдельное чувство восхищения. В большинстве случаев это красочные натюрморты, но также в коллекции Шин Чен Сика много пасторальной живописи и пейзажей.

Главные “персонажи” его работ – это цветы, посуда и композиции, составленные из них. Шин ничего не придумывает, не добавляет никаких деталей, он просто пишет то, что видит, воссоздавая на холсте хорошо известные предметы, слегка “разбавляя” их новыми идеями. Его восхитительные акварельные картины это результат сочетания врожденного таланта художника и невероятной способности “чувствовать” малейшие оттенки цвета и света. Эффекта внутреннего свечения он достигает, выделяя или наоборот пряча отдельные участки картины, в соответствии с “требованиями” общей цветовой гаммы рисунка, фон же, как правило, создается размытым или вовсе остается пустым.

Самый известный художник современности. Дмитрий Кустанович

Творческая биография

Дмитрий Кустанович родился 29 марта 1970 года в Минске. Живет и работает в Санкт-Петербурге.

С 1995 по 2020 годы провел более 100 выставок, из них большая часть - персональные. Его работы находятся в галереях и частных коллекциях многих стран мира.

Является основателем нового стиля живописи – пространственный реализм. Пространственный реализм – авторский стиль живописи Дмитрия Кустановича, в котором изображаемое в пределах одной плоскости и в рамках реалистического метода пространство за счет выразительных средств живописи приобретает эффект трехмерности и динамичности.

Начало творческой деятельности художника проходило в его родном городе Минске. Именно здесь он начал создавать на сегодняшний день уже всемирно известные серии «Городские дожди», «Бабочки», «Стекло» и т.д.

Художник проводил персональные выставки в Минске, участвовал в постановках театральных сценографий. Также проводились персональные выставки в Португалии, Германии, России, Франции, Нидерландах.

В 2006 году художник переезжает в Санкт-Петербург.

На своих выставочных площадках его принимают известные петербургские галеристы: Михайлов Георгий Николаевич (создатель и владелец Фонда свободного русского современного искусства), Третьяков Виталий Петрович и многие другие.

Ежегодно проходит и становится петербургской традицией рождественская персональная выставка Дмитрия Кустановича в Смольном соборе Санкт-Петербурга.

Художник создает новые серии картин: «Русское», «Лес», «Петербургские дворики», «Сны на Неве», «Фактура кино», «Этюды за рулем», «Торжество православия», «Александро-Невская лавра», «Эстетика глобализма», «Женские образы» и т.д.

Родина художника – Беларусь всегда оставалась для него источником вдохновения. Улочки родного Минска, неповторимая красота белорусской природы всегда жили в памяти, трогали сердце художника и служили сюжетами его полотен. Работая в Санкт-Петербурге, он создал и представил российскому зрителю новую серию картин, которую с любовью назвал «Моя маленькая родина – Беларусь».

29 декабря 2009 г. решением Международного координационного совета Всемирного альянса "МИРОТВОРЕЦ" (г.Москва) художник Дмитрий Кустанович награжден Медалью "Талант и Призвание" за пропаганду идей мира.

В декабре 2009 г. Дмитрию Кустановичу присвоено звание Академика Академии изобразительных искусств и дизайна (Санкт-Петербург).

В июне 2010 г. в Санкт-Петербурге на ул.Б.Конюшенная, 11 открылась персональная галерея живописи Дмитрия Кустановича – "Галерея Кустановича".
Расположенная в историческом центре Санкт-Петербурга, галерея стала одним культурных центров, посещаемых петербуржцами и гостями «северной столицы». В галерее регулярно проводятся мастер-классы художника, музыкальные и творческие вечера.

В 2012 году режиссер Петр Солдатенков, автор фильма о Владимире Высоцком и многих других известных документальных картин, представил новый документальный фильм о художнике Дмитрии Кустановиче – «Я люблю».

2 декабря 2013 г. Дмитрий Кустанович награжден Грамотой Митрополита Санкт-Петербургского и Ладожского Владимира в Благословение за усердные труды во славу Святой Церкви и в связи с 300-летием Свято-Троицкой Александро-Невской Лавры города Санкт-Петербурга.

Автор входит в список Лучших современных художников России (ARTEEX).

Основоположник пространственного реализма, Дмитрий Кустанович вошел в современное искусство как мастер, которого отличают оригинальность, узнаваемость, глубина содержания и высокий уровень исполнения.

Он создал свой изобразительный язык, основанный на личностном, музыкальном восприятии окружающего мира. Большое внимание уделяется поверхности живописного произведения, самой картинной плоскости, имеющей огромное значение для формирования пространства изображения.

Характер композиций, особое решение поверхности формируют специфическую динамику полотен Кустановича.

Глубоким фактурным слоем прямо на холсте мастер создает густую палитру, на которой технично и точно формирует свой творческий замысел.
Автор нашел свой почерк, свои технические приемы с использованием мастихина, что дает возможность сделать живопись объемной, многослойной и многозвучной.

Его живопись фактурна, графична и тонка. Линии ритмичны и свободны. В экспрессии и эмоциональности – чувство умеренности и вкуса.
Он нашел новую манеру штриха, у него своя, так называемая «масляная графика».

Техника исполнения, как техника пальцев музыканта, аккуратна, чувственна, профессиональна. Музыкальное образование помогает автору воспринимать все явления природы на тонком интуитивном уровне, что придает его работам ритмичность композиционного строя и музыкальность звучанию палитры.

Встреча классического искусства и современной культуры. Отсылки к образам и стилям разных эпох. Смешение, богатство ассоциаций характерны для творчества художника.

Выделяя современные тенденции в искусстве, можно сказать – художник стоит обособленно. Своего рода «одиночка» он с каждым годом привлекает к себе все большее внимание. Его почерк узнаваем.

Он является одним из самых популярных современных художников. Картины Кустановича приобретают и коллекционеры, и просто любители, в том числе и с целью финансовых вложений. Он один из немногих художников, который, вызывая вокруг себя много споров, получил независимое признание и любовь зрителей.

Дмитрий Кустанович входит в историю живописи как художник, ставший основателем нового стиля живописи - пространственный реализм, как художник, «вырвавшийся за пределы ограниченной плоскости».

https://dkust.com/about/about.html

Нежные акварели Любови Титовой

Художница Любовь Витальевна Титова родилась, живёт и работает в Москве. Закончила Архитектурный институт (МАрхИ), где её самым любимым предметами были живопись, академический рисунок, композиция. Работает в проектной организации, где занимается архитектурной деятельностью, но рисование акварелью остается её страстью. Любовь пишет очень тонкие по цвету, легкие и нежные акварели в разных жанрах: натюрморты, анималистика, пейзажи, портреты.

"Когда я пишу акварель, мне хорошо. И если она доставляет мне столько радости, вполне возможно, что мои картины доставят радость кому-то еще.. очень на это надеюсь.." - говорит о своем творчестве художница. И вряд ли можно сказать лучше о пиршестве радостных и чистых красок, которыми являются акварели талантливой художницы. 

Волшебные ботанические иллюстрации — Anna Mason

Anna Mason живет в Лондоне. Художник-самоучка. Рисовать она начала в 2008 году. Своё внимание она обратила на ботаническое изображение растений. Самостоятельно освоила технику акварели. Её работы очень популярны в оформлении интерьеров, утилитарны, и хорошо продаются.

Я её выделила из массы художников, занимающихся ботаническим рисунком, за живописность, за собственную личную передачу увиденного. Обычно в ботаническом изображении превуалирует только сухой рисунок, похожий на гербарий. У Анны все живее, подвижнее, выпуклее, ярче.

Художник-иллюстратор Джеймс Авати (James Avati)

Американский иллюстратор и художник оформитель книг в мягкой обложке *** Его отец был профессиональным фотографом в Нью-Йорке. Мать умерла вскоре после рождения Джима. После им занималась его тетя (сестра матери) и в конце концов, его отец женился на ней. В то время как Джим был еще молод, когда отец умер, а другой дядя и тетя помогли поднять его в Little Silver, Нью-Джерси, где он и вырос. После его дядя заплатил за образование юноши в Принстонском университете, где он получил и степень по архитектуре в 1935 году.

Он всегда занимался живописью и любил рисовать. После Второй мировой войны, Джеймс получил работу проектировании витрины на Пятой авеню, универмага в Нью-Йорке. Но он при этом продолжал работать на стороне и в 1948 году, впечатлил своей работой Курта Еноха из New American Library. Это был новый издательский дом для книг в мягкой обложке. С самого начала его работы были хитами и изменил стиль обложек книг начала 1950-х. Среди авторов с которыми он работал были Теодор Драйзер, Уильям Фолкнер, Эрскин Колдуэлл, Дж. Д. Сэлинджера, Джеймс Т. Фаррелл, Перл Бак, Джон О'Хара, Микки Спиллейн, Эрл Стенли Гарднер, Альберто Моравиа, и Джеймс Мишнер. Он быстро стал известным и высоко ценился. В течении двух браков у него родилось девять детей. Один из сыновей стал известным скульптором, Джеймс Р. Авати, Солт-Лейк-Сити, штат Юта. В начале своей карьеры он использовал профессиональные фото модели, но потом рисовал работы по большей части с друзей, родственников и людей с улиц Red Bank, Нью-Джерси. Авати в конце концов переехал в Петалума, штат Калифорния и умер в феврале 2005 г. в возрасте 92. Он перестал рисовать картины к концу, поскольку терял зрение. Его называют "отцом книг в Мягкой обложке" и "Рембрандт книги в мягкой обложке ".

https://posterclub.ru/paintings/?an=James%20Avati

Современные художники Америки.

Sergio Lopez

Серхио Лопес, современный американский художник и иллюстратор, родился в 1983 году в округе Сонома, Калифорния. После окончания Академии искусств в Сан-Франциско получил степень бакалавра. Познакомившись с масляной краской и углем, Серхио начал стремительно заполнять альбом рисунками реальных наблюдений из жизни и воображаемыми сценами.

Без сомнения, на творчество Лопеса оказали влияние современные художники граффити и фотографы, но больше всего художник восхищается иллюстраторами и художниками золотого века Bravura. Он часто посещает музеи, изучая работы старых мастеров. Большую часть своих работ Серхио посвятил женщине, восхищаясь красотой и грацией ее тела.

Часто художник пишет на природе, в последствии используя знания, полученные от работы на открытом воздухе в картинах, написанных в студии. По словам Лопеса, не существует лучшего способа понять сущность сцены, чем, стоя перед ней и внимательно ее изучая. Если он обнаруживает новую перспективу, то тут же настраивает мольберт, чтобы не потерять удачное место. В своей роботе художник использует различные материалы: масляную или акриловую краску, гуашь, холст, бумаги и т.д.

https://www.risunoc.com/2013/04/sovremennyy-amerikanskiy-khudozhnik.html\

 

 

Художник Маркос Беккари: искусство без 

права на ошибку

Корейский художник и иллюстратор Stella Im

Стелла Им Хультберг* (Stella Im) - корейский художник и иллюстратор. Родилась в Сеуле в Южной Корее, росла в Сеуле, Гонконге, Тайване, а затем в Калифорнии. Изучала Промышленный дизайн и работала дизайнером продуктов, прежде чем в конце 2005 года, по счастливой случайности, не попала в мир искусства.

После десяти лет в Нью-Йорке она переехала и теперь живет и работает в Портленде с дочерью и мужем.

Иногда соблазнительные, иногда тревожные, работы Стеллы всегда прекрасны. Ее ранние произведения практически, полностью посвящены детям, сейчас же диапазон тем её картин значительно расширился, но они остались столь же ошеломляющими.

https://www.risunoc.com/2020/03/koreyskiy-khudozhnik-illyustrator-stella-im.html

 

 

 

Акварельный мастер

Отторино де Лукки

Отторино де Лукки художник-акварелист, родился в итальянском городе Феррара.

Окончил Университет Падуи по направлениям химия и фармацевтика, после чего стал преподавать органическую химию Университете Сассари и был исследователем в Университете Падуи. С 1990 г. Отторино уже читал лекции по органической химии в Университете Ка 'Фоскари Венеции. Дальнейшая его деятельность также была связана с работой в области преподавания и химии, а с 1979 года он является членом Американского химического общества.

Его жизнь всегда была связана с искусством, и эти занятия творчеством так или иначе дополняли чтение лекций по химии, особенно во время длительных поездок за границу. Таким образом, он имел возможность изучать изобразительную технику и материалы, и сейчас проводит курсы на эту тему в Университете Ка 'Фоскари Венеции.

Во время своего пребывания в Америке он познакомился с работами Эндрю Уайт, увлекся его техникой и виртуозностью его картин, написанных в технике сухой кисти. Он начал экспериментировать и в результате получил свой собственный метод работы акварелью. Он использует акварель, в которой связующее вещество оптимально, как для прозрачной живописи, так и для яркости цвета.

Свои картины он создает только при помощи кистей, бумаги и красок, и этим способом он может написать практически все, начиная от натюрмортов и заканчивая пейзажами. Оттенки и полученные цвета позволяют получить результаты, которых не достичь никаким другим способом.

В настоящее время Отторино живет в Падуе и преподает в Венеции, его художественная деятельность происходит между Падуей и Фольгарией.

Итальянский художник Клаудио Сакки (Claudio Sacchi)

Клаудио Сакки, современный итальянский художник, родился в городе Пезаро, Италия, 19 декабря 1953.

Обучение живописи начал в художественной школе в Урбино, и продолжил повышать свой художественный уровень в Академии изящных искусств во Флоренции.
С 1977 года работы этого талантливого итальянца были включены в архив Института истории искусств во Флоренции , в разделе, посвященном итальянскому искусству.

С 1980 по 1982 Claudio уже преподавал живопись в Школе искусства и реставрации в Спинелли. Его персональные выставки проходили в большинстве крупных городов Италии, таких, как: Рим , Милан , Болонья, Генуя, а, так же, и за рубежом – в Амстердаме, Монте-Карло, Ницце и Каннах.

 С 1989 по 1992 работал над дизайном с журналом "Флоренция вчера, сегодня, завтра", издающимся агентством Newton Periodici.
За его плечами немало персональных выставок в крупных городах Италии: Милан, Болонья, Генуя, и т.д.. И за рубежом в Амстердаме, Монако, Монте-Карло, Ницце, Каннах, Gent. Многие его картины и рисунки напечатаны в крупнейших журналах и книгах. Итальянские газеты часто публикуют критического статьями о его работах, почти всегда - положительные. Он провел долгое время в Англии и Нидерландах. В настоящее время он живет во Флоренции, где работает как портретист и сотрудничает несколькими итальянскими галереями.

В отличии от большинства своих ровесников-художников, он не поддался новым течениям в живописи тех лет и остался верен своему стилю – реализму, который оттачивал и совершенствовал с каждым новым холстом…

РЕТРО...Парижанки. BERNARD PELTRIAUX (FRENCH,1921-1999)

Бернар Пелтрио (1921-1999) французский художник, родился в Реймсе на северо-востоке Франции и отправился учиться искусству в Париж в мастерскую Рене Жодона. Впечатленный общественной жизнью того времени, он развивался до типичных художников французской сцены. Эмпатичный, богатый в деталях и с оттенком эксклюзивности Пелтрио писал сцены на конных мероприятиях с красивыми женщинами, живущими в бистро, в баре и в Лидо. Главной темой французского художника была жена Прекрасной эпохи и «Ревущие двадцатые» в Париже между мировыми войнами.

Однако это было бы недоразумением, они хотели, чтобы он, как художник, понимал квази-исторические предметы, свидетелями которых он был в то время молодым человеком. Выбор субъекта Пелтрио в противном случае оправдан: он дает ему возможность сделать свои женские фигуры очарованием того времени не только модой, но также изменилась роль женщин.

Пелтрио показывает элегантно одетых дам, неизменно сильных и харизматичных женщин; Есть современные женщины, которые, очевидно, очень точно знают, насколько они отличаются от поколений своих матерей и бабушек - и насколько они открывают одновременно новые пути и возможности для своих дочерей.

Почти любая вещь знаменитого мастера укладывается в следующее описание: атмосфера ретро, светская жизнь, легкая эротика, безупречный стиль и композиция. В центре композиции всегда женский образ. Пельтрио узнаваем по сюжету. И еще. Что характерно для мастера фигуративной графики, начинавшего работать до войны – очень требовательный подход к техническому качеству рисунка и оттиска (в эстампе). Никакой небрежности.

Многие превосходные работы Пелтрио находятся в частных коллекциях во Франции, Португалии, Марокко, Германии, США, Бельгии, Вьетнаме и Иране.

Нежные цветы художника Kitipong Ti. Акварели

Реалистичные портреты Cuong Nguyen

Куонг Нгуен (Cuong Nguyen) талантливый вьетнамский художник, родился в 1970 году, в Сайгоне.

Уникальная способность Куонга Нгуена, подчеркнуть красоту в окружающем его мире это то, что характеризует его живопись, а также является точкой зрения отражающей жизненную позицию художника. Можно сказать, что его работы представляет собой противоположность общепринятому клише: несмотря на то, что годы его становления во
Вьетнаме характеризовались значительным трудностям, его иногда романтические, а иногда и таинственные реалистичные портреты и натюрморты отражают позитивный взгляд Нгуена и решимость упорно идти к своей цели.

Он рос в нищете, вызванной вьетнамской войной, самым большим удовольствием для Куонга - была возможность найти время для своего увлечения - рисования. Подростком он зарабатывал дополнительные деньги для своей семьи, делая портреты на улице. Благодаря своему таланту, после средней школы он был принят в художественную академию Сайгона, одновременно учась самостоятельно - рассматривая репродукции и читая оптсания картин художников в книгах, которые смог найти. Еще в детстве, Куонг был очарован чертами человеческого лица и его, практически, ежедневные эксперименты с рисованием глаз и других частей лица плавно подвели его к тому, что сегодня он вознаграждает нас портретами, которые несут в себе искру жизни.

Его учеба в академии Сайгона была прервана в 1991 году, когда у него появилась возможность эмигрировать в США, а проблемы, связанные с адаптацией к условиям новой страны и ее культуры, временно отвлекли его от занятий изобразительным искусством. Но, в конце концов, он получил степень в иллюстрации из университета San Jose и начал работать в качестве дизайнера с несколькими известными веб компаниями из Силиконовой долины.

В конечном счете, его страсть к изобразительному искусству взяла верх над карьерой. Все началось сначала как хобби - участие в качестве художника в общественной уличных фестивалях, создания эфемерных произведений искусства. Вскоре у Куонга появилась репутация художника, который пишет удивительно реалистичные портреты на асфальте и он был приглашен для участия в уличных фестивалях, проходящих по всему миру. Однако, более важно то, что эта деятельность вернула его к живописи и вскоре он вернулся в свою студию уже для того, чтобы оттачивать свою традиционную технику и осваивать новые способы живописи.

https://www.risunoc.com/2014/01/realistichnyye-portrety-cuon

 

 

 

Творчество художницы Lucy Grossmith

Люси Гроссмит (Lucy Grossmith) -

 

 

 

 

"

Цветочные натюрморты

Дарьи Чачевой

 

Дарья Чачева молодая художница из Красноярска, 1992 года рождения. Студентка факультета архитектуры и дизайна Сибирского Федерального Университета. Учёба, хобби и работа совпадают полностью. 

Её картины, выполненные акрилом, акварелью, карандашом, гуашью уже заслужили внимание зрителей. Это работы, несомненно, талантливой художницы, мастера кисти и краски.

Дарья Чачева пишет в разных жанрах: очаровательные цветочные композиции, прекрасные натюрморты, фантастические картины, портреты, пейзажи…

Своим творчеством Дарья Чачева дарит нам красоту и настроение.

Ранее:https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post362811699

Колокольчики мои

Макушка лета

Дэвид Ллойд Гловер и его солнечные картины

 

Художник Adisorn Pornsirikarn. Акварель. Великолепные цветы

Adisorn Pornsirikarn - современный художник из Таиланда.

Adisorn Pornsirikarn - известный тайский художник, уроженец Бурирама, северо-восточной провинции Таиланда. Он получил степень магистра в области художественного образования в Университете Шринахирвирот в Бангкоке и является востребованным преподавателем акварели.

Работы Adisorn Pornsirikarn украшают тайские посольства по всему миру. В настоящее время художник проживает в Бангкоке. Он много и плодотворно работает. Adisorn Pornsirikarn пишет и пейзажи, и портреты, но главная стихия его творчества - это цветы. Adisorn Pornsirikarn виртуозно владеет техникой акварели. Его работы отличаются воздушностью, прозрачностью, нежностью и динамизмом. Они наполнены солнечным светом и словно светятся изнутри. Художник пишет по влажной бумаге фон и прорабатывает более тщательно, "по сухому", детали на переднем плане. Бесконечное разнообразие цветов в его творчестве поражает.

Adisorn Pornsirikarn - участник многих международных выставок и конкурсов акварели.

Самое большое желание Pornsirikarn - увидеть, как азиатская акварельная традиция достигает новых высот. «Искусство помогает создавать и укреплять гармонию мира»,- говорит художник.