Archibald Thorburn (1860 - 1935) )Арчибальд Торбурн - шотландский художник-анималист, известный своими акварелями и литографиями с птицами, родился в семье портретиста-миниатюриста Роберта Торбурна, которому покровительствовала королева Виктория. Уже в ранние году будущий всемирноизвестный анималист любил рисовать животных, птиц и цветы. После обучения в Далькейте (Dalkeith) и Эдинбурге, Торбурна отправили в новообразованную лондонскую школу искусств St John's Wood School of Art. В 1880-х гг. Торбурн иллюстрировал «Цветные рисунки с птицами Британских островов» лорда Литфорда (Coloured Figures of the Birds of the British Islands), для этого издания, выходившего в 1885-98 гг., художник нарисовал 268 акварелей. С 20-летнего возраста Торбурн регулярно участвовал в выставках в Королевской Академии Художеств. В 1899 сделал рисунок для первой рождественской открытки Королевского Общества по Защите Птиц (Royal Society for the Protection of Birds), в котором был вице-призидентом. Открытки для Общества Торбурн продолжать рисовать и все последующие годы. Ради зарисовок птиц с натуры, в природных условиях, А. Торбурн регулярно ездил в Шотландию. Торбурн, прекрасно знавший орнитологию, отдавал предпочтение сложным композициям с играющими птицами.

1. 

Грюо Рене (Ренато де Дзавальи Риччарделли Каминате) — самый знаменитый в мире художник-иллюстратор, график моды. Родился он в Италии, в Римини, и мечтал стать архитектором. Но в 14 лет юноша был вынужден искать работу и показал свои рисунки редактору крупного итальянского еженедельника, который посоветовал Рене заняться графикой моды. В 1924 г. художник приезжает в Париж и занимается иллюстрацией моды, взяв в качестве псевдонима фамилию своей матери-француженки. Первый эскиз Грюо был опубликован в 1929-м. Журнал L’Officiel одним из первых напечатал эскизы талантливого юноши, после чего его рисунки регулярно начали публиковать итальянские, французские и немецкие журналы мод. Стиль Грюо складывался в жестких условиях, которые предъявляет художнику рекламная графика: строгость, простота, образное решение. Его дебютом в рекламе стал «запуск» первых духов Диора. В истории моды остался образ духов «Диорама» — на переднем плане находился маленький стул в стиле Людовика ХVI, любимый стиль Диора. На стул небрежно брошены пара перчаток и шаль из тюля. Он играл на ассоциациях, намеках. Остроносая туфелька, заглядывая в приоткрытую дверь, намекала на облегающий костюм Dior, черная юбка на красной лестнице подразумевала белье Scandale... На его живых рисунках взлетали оборки, дрожали складки, трепетали волосы, словно само перо колыхалось от втера. Созданные Грюо дамы носили черные модные перчатки и широкополые шляпы, бросавшие на глаза таинственную тень. Этим дамам очень шли наряды от Пьера Бальмена, Юбера де Живанши, Кристиана Диора, Жака Фата... Совершенство композиции, гибкость линии, прекрасный рисунок, раз и навсегда отобранный выбор цветов (белый, красный, черный, золотисто-желтый, иногда зеленый — и все!) являются отличительными признаками графики Грюо. В своих эскизах художник сумел передать шик и очарование моды, незавершенность и загадочность образов. Этот удивительный художник посвятил всю свою жизнь женщинам и их красоте. Свои рисунки он подписывал мазком кисти в виде «G».

1. 

Одна из самых знаменитых книг для детей — "Азбука в картинках" русского художника, историка искусства Александра Николаевича Бенуа. Изысканная графика Бенуа — до сих пор непревзойденный образец книжной иллюстрации. Каждая страница "Азбуки" — удивительный завораживающий сказочный мир. Буквы из старо-русского алфавита.

1. 

Французский художник и дизайнер Жорж де Фёр родился 6 сентября 1868 года в семье состоятельного архитектора. Отец его был голландцем , мать — бельгийкой. Звали рожденного Жорж Жозеф ван Слайтерс. В своём художественном творчестве де Фёр был символистом и одним из основателей парижского модернизма. Начинал он как художник по костюмам и декоратор, потом примкнул к символистам, попав под влияние Пюи де Шаванна. Но его учителем стал Жюль Шере. Жорж де Фёр был истинным парижанином по духу. Ценитель женской красоты, как жрец, поклоняющийся единственному божеству, Жорж де Фёр воспел в своем искусстве Женщину, воплотив её в изящных и утонченных формах Ар Нуво (модерна). Выступая духовным наследником Бёрдсли, художник создает изысканный образ парижанки, женщины эпохи 1900, вызывающе-обольстительный и болезненно-порочный ("Искательницы Бесконечности", ок. 1897). Первые же представленные художником акварельные работы в салоне "Роза + Крест" приносят ему известность. Выступая в роли дизайнера, он выстраивает для своего божества "храм". Его интересует, что окружает женщину: одежда, мебель, внутренняя отделка помещений, начиная с туалетной комнаты и будуара. Фёр использует только самые дорогие и ценные материалы: оникс, серебро, позолоченное дерево, сливающиеся в единой гармонии нежно-серых цветов. Помимо живописи и дизайна художник успешно работает и в других областях искусства: увлекаясь ковроткачеством, создает эскизы для ковров, делает иллюстрации в любимой им технике акварели, в частности, к "Вратам грез" М. Швоба. В 1900 г. по заказу Зигфрида Бинга он оформляет фасад павильона на Всемирной выставке в Париже. Де Фёр быстро стал одним из ведущих дизайнеров Бинга. Бинг призвал Де Фёра расширить свои таланты во всех областях искусства и дизайна. Его работы демонстрировались в галерее Бинга с 1894 до его закрытия в 1904 году, за год до смерти Бинга. В 1902 году его работы были представлены на первом Salon Des Industries Du Mobilier в Гран-Пале в Париже. Для Maison De L'Art Nouveau Жорж сделал изделия из серебра в деликатном, линейном стиле, похожие на его графические работы и мебель для Бинга. До начала 1-ой Мировой войны, он переехал в Англию, где работал в основном как сценограф. Одаренный весьма изобретательным умом, Джордж создал самолеты, как театральные декорации и костюмы. В 1928 году Жорж вернулся в Париж, где был назначен профессором в Высшей национальной школе изящных искусств. Он продолжал работать в течение периода искусства модерн и был одним из самых плодовитых дизайнеров этого периода искусства. Его работы отличает тонкий филигранный орнамент и выраженное женское содержание. Захват сущности женского духа стал его торговой маркой. Жорж де Фёр умер в нищете 26 ноября 1943 в возрасте 75 лет в Париже.

1. 

Молодой московский художник Алексей Долотов рисует котов и рисует их исключительно мышью (компьютерной). Кроме того изготавливает постеры, наклейки, магнитики и т.п. А коты – это от большой любви к ним!

1. 

На аукционе Sotheby’s в Лондоне была продана книга «Birds of America» натуралиста XIX века Джона Джеймса Одюбона (John James Audubon) за рекордные 7,3 миллиона фунтов стерлингов (8,6 млн евро). Таким образом, первое издание книги "Birds of America" установило новый мировой рекорд для печатного издания, проданного с аукциона.«Birds of America» издавался в период с 1827 года по 1838-й в виде альбомов-эстампов в половину человеческого роста. «Птицы Америки» представляют собой четырёхтомник, в который входят 1000 литографий, раскрашенных вручную акварелью. На них изображены птицы около 500 видов в натуральную величину. Изначально было издано около 170 экземпляров «Birds of America». Эксперты считают, что сейчас сохранилось чуть больше 120. Три из них находятся в частных коллекциях в России. Лондонский книжный дилер и коллекционер Майкл Толлемаш (Michael Tollemache), купивший издание на аукционе, заявил, что книга «бесценна».Натуралист, орнитолог и художник-анималист Джон Джеймс Одюбон родился на острове Гаити в 1785 году в семье французского капитана дальнего плавания. В 1803 году он иммигрировал в США. Автору потребовалось 12 лет, чтобы закончить работу. Джон Джеймс Одюбон составил коллекцию рисунков, путешествуя по Америке и отстреливая птиц, чтобы затем нарисовать точную картину.

1. 

Аминадав Моисеевич Каневский [1898–1976) родился и Елнсаветграде (теперь Кировоград) в бедной многодетной семье. Уже с двенадцати лет ему пришлось начать работать. В 1920 году он пошел добровольцем в Красную Армию. Из воинской части Каневского командировали и Москву учиться во Вхутемас. Одним из преподавателей института был в то время известный мастер советской сатиры Л. С. Моор. Его влияние на начинающего художника оказалось решающим. И вот, начиная с 1924 года, на страницах газет и журналов стали появляться сатирические рисунки Каневского. В них уже определилось своеобразие графического почерка художника. Это были лаконичные, почти без пространственного фона, без лишних подробностей рисунки с. резким контурным штрихом, изредка перемежающимся черными пятнами заливки. Они были направлены против различных неполадок хозяйственной жизни, против лодырей и прогульщиков. После окончания в 1930 году института Каневский с группой товарищей-однокурсников организовал бригаду плакатистов. Среди его работ этого периода можно отметить плакат о диктатуре пролетариата и сатирические плакаты - "Лодырский паек", "Сорняки", "Евсей-ротозей". Тогда же Каневский занялся иллюстрированием детских книжек.Вскоре его рисунки, отличающиеся большой занимательностью и, можно сказать, веселым озорством, завоевали огромную любовь детей. "Девочка-ревушка" А. Барто (1935), "Дядя Степа" С. Михалкова (1936), "Мойдодыр" К. Чуковского (1948), "Золотой ключик, или Приключения Буратино" А. Толстого (1949) - вот далеко не полный перечень книг, давно уже ставших "классическими" и по литературным достоинствам и по своему художественному облику, созданному Каневским. Особенной популярностью и по сей день пользуются у детей красочные акварельные рисунки Каневского к "Золотому ключику". Еще с 1936 года художник стал работать в журнале "Крокодил", выступая с карикатурами, преимущественно на бытовые темы. Как и иллюстрации к детским книгам, сатирические рисунки Каневского обращали на себя внимание причудливой выдумкой, юмором, выразительностью деталей. В своих станковых акварелях или гуашах Каневский нередко обращался и к исторической теме.Широко известны иллюстрации Каневского к произведениям Салтыкова-Щедрина и Гоголя. Выполненные пером в манере острого гротеска, штриховые рисунки Каневского к произведениям Салтыкова-Щедрина (1936) как бы открыли новую страницу в советской графике. Большую роль в создании сатирических образов играла неожиданность контрастов и противопоставлений, выразительность метких деталей. В 1939 году художник сделал несколько станковых акварелей на темы сказок Салтыкова-Щедрина, в которых ему удалось с большой сатирической остротой выразить характер, внутреннюю суть героев - даже таких причудливых, как "Карась-идеалист" или "Премудрый пескарь".Очень близок Каневскому и гоголевский юмор с его лирическим народным началом. Рисунки художника к повестям Гоголя, выполненные между 1945 -1953 годами, переиздавались много раз. Изображение старосветских помещиков, Шпоньки и его тетушки, Ивана Ивановича и Ивана Никифоровича исполнено в них житейской достоверности, но вместе с тем оказывается неотразимо смешным. Острое сатирическое изобличение составляет как бы подтекст этих иллюстраций.Большой творческой удачей художника можно считать иллюстрации к книге В. Носова "Витя Малеев в школе и дома" (1970). Труд художника имеет общественное признание: в 1962 году Каневский избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР, в 1966 году ему присуждено звание народного художника РСФСР.

1. 

Эдмунд Дьюлак родился в 1882 году в семье тулузской буржуазии, не чуждой к искусству. Его отец, суконщик по профессии, занимался реставрацией старых картин, а его дядя по материнской линии интересовался произведениями искусства востока: японскими гравюрами, персидскими и индийскими миниатюрами. Эдмунд начал рисовать очень рано. Его школьные годы прошли в небольшом лицее в Тулузе. Получив в 1899 году степень бакалавра, Дьюлак поступает в Тулузский университет на факультет права. Одновременно он слушал лекции Тулузской академии изящных искусств, где получил многочисленные премии за 1900 год. Этот успех побудил его оставить университет и полностью посвятить себя обучению в Академии, которой руководил в то время Жан-Поль Лоранс. По окончании академии Эдмонд Дьюлак работает иллюстратором программок и таких журналов, как L’Effort, Le T?l?gramme и L'?me latine. После нескольких лет учёбы в Париже он переехал в 1905 году в Лондон. 17 февраля 1912 года он получил британское гражданство.[1] [править] Творческая деятельность Первой работой Э. Дьюлака в Лондоне стала серия из 60 иллюстраций к полному собранию сочинений сестёр Бронте, заказанная книготорговцем и издателем Джозефом Дентом. Этот заказ был свидетельством высокого уровня 22-летнего художника. Его работа привлекла внимание Галереи Лестера (англ. Leicester Gallery), которая заказала ему иллюстрацию сборник сказок «Тысячи и одной ночи». Этот сборник с красочными иллюстрациями молодого художника был издан в Великобритании в 1907 году. Дьюлак оставил целую галерею женских образов, например, сотрудничая с Уолтом Диснеем, он участвовал в разработке типажа Белоснежки. Однако самым известным его произведением считается образ царевны Будур.[2] В России, после того как вышла книга «Волшебные сказки» Шарля Перро с рисунками Дьюлака (1910—1911 год), популяризация его наследия прервалась. [править] Почтовая графика Художник мог свободно переходить от одного жанра к другому. Очень успешна была его работа в области почтовой графики. Он был автором эскизов многих стандартных серий марок Великобритании и Франции и десятков почтовых карточек разных лет. Профильные портреты монархов в духе традиционного медальерного искусства, скупой растительный орнамент, шрифт антических пропорций — все эти особенности выдвинули дьюлаковские марки в число лучших почтовых миниатюр. Создавая марки для Великобритании, он стремился следовать британским национальным традициям, а при проектировании французских знаков почтовой оплаты с такой же скрупулезностью старался сохранить «французскую» линию в почтовом дизайне. Ему принадлежит марка под названием «Лишняя жемчужина», на которой запечатлена королева Елизавета II. При изготовлении клише в жемчужные серьги королевы «вторгся» посторонний элемент.

1.