Евгения Сидельникова

Оп-арт (или оптическое искусство) — одно из ответвлений геометрического абстрактного искусства середины ХХ века, основой которого являются оптические иллюзии. Представители этого стиля стремились к созданию на плоской поверхности эффекта движения за счет использования цветовых контрастов и геометрических узоров. Самые яркие представители оп-арта — Виктор Вазарели,  Бриджет Райли, Джулиан Станчак и Карлос Крус-Диес.

Карлос Крус-Диес, «Physichromie 1879» (2013)

Исторический момент

Существование оп-арта как художественного направления принято отсчитывать с 1965 года, когда в нью-йоркском Музее современного искусства состоялась выставка «Чувствительный глаз» (The Responsive Eye). Хотя, скорее, это был уже момент триумфа, стремительного взлета популярности  «иллюзионистских» картин. Впервые термин «оп-арт», вероятнее всего, был использован в 1964 году художником и писателем Дональдом Джаддом в рецензии на выставку Джулиана Станчака «Оптические картины».

Рельеф с зеленым. Джулиан Станчак. 1970-е , 203.2×152.4 см

Хотя, безусловно, основа для появления оп-арта была заложена за несколько веков до этого, в момент появления в живописи линейной перспективы. А затем искусству пришлось пройти долгий путь от  сбивающих с толку «картин-обманок» до головокружительных работ представителей оп-арта. В его возникновении сыграли свою роль и цветовые опыты Сезанна, и эксперименты кубистов с формами, и  отказ абстракционистов от предметности, и простые геометрические формы Мондриана, Кандинского и  Малевича, и анти-искусство дадаистов. Но считается, что самое сильное влияние на представителей оп-арта оказали простая геометрия школы Баухаус и кинетическое искусство.

Виктор Вазарели, Вега-Ор

Виктор Вазарели, Гештальт-4

Несмотря на то, что в 1933 году Баухаус был закрыт пришедшими к власти национал-социалистами, его идеи продолжали жить в других школах, в частности, в США и Венгрии. В будапештской школе и получил художественное образование «отец оп-арта» Виктор Вазарели. Главной же задачей кинетического искусства было создать реальное или иллюзорное движение, преимущественно в виде скульптуры. Представители оп-арта решили пойти дальше и поставили перед собой нетривиальную цель: создать иллюзию движения на двухмерной поверхности.

Художники, представляющие стиль оп-арт: Виктор Вазарели, Бриджет Райли, Ричард Анушкевич,  Карлос Крус-Диес, Джулиан Станчак, Франсуа Морелле, Марина Аполлонио, Хесус Рафаэль Сото.

Без названия. Ричард Анушкевич. 1970, 65.4×45.1 см

Как это работает?

Секрет работ в стиле оп-арт кроется во взаимодействии между сетчаткой глаза (органе, который «видит» изображение) и мозгом (который это изображение интерпретирует). Определенные узоры вносят неразбериху в это взаимодействие, что приводит к появлению иррациональных оптических эффектов. По  большому счету, подобные картины можно разделить на две большие категории. К первой относятся черно-белые работы, создающие эффект движения (вращения, вибрации, мерцания), которые могут вызывать даже физическое головокружение. Воздействие работ из второй категории основано на  иллюзорном изображении, которое возникает при рассматривании определенного цвета или цветового сочетания.

Бриджет Райли. Движение в квадратах

Марина Аполлонио. Круговая динамика 008

С самого появления оп-арта нейроученые неустанно исследуют механизмы восприятия человеческим глазом и мозгом этих головоломных картин. Основополагающей в этих исследованиях является идея того, что человеческий взор «притягивается» к контрастным областям. Резкие границы между светом и  тьмой привлекают внимание, и восприятие контраста усиливается. Например, черный круг на белом фоне будет казаться темнее, чем точно такой же круг на сером фоне (ученые называют это явление  «антагонизмом центра-окружения»).

Карлос Крус-Диес, Induction du Jaune Panam A (2010)

Похожий эффект вызывают и цветовые контрасты. Помните историю с фотографией платья, которая наделала много шума в сети? Почему одни люди видели его черно-синим, а другие — бело-золотым? Все дело в одновременном контрасте, визуальном эффекте, благодаря которому человек может по-разному воспринимать один и тот же цвет в зависимости от его окружения. Яркие цвета отбрасывают тень комплементарного (или противоположного) цвета. Именно поэтому здесь область, окружающая синий квадрат, приобретает желтый оттенок, хотя этот цвет в картине не использовался.

Некоторые представители оп-арта в своих абстрактных композициях использовали многовековые наработки в области линейной перспективы, чтобы создавать иллюзорные эффекты. Принято считать, что линейную перспективу изобрел в далеком 1415 году архитектор Филиппо Брунеллески. Это был первый математический метод, с помощью которого получилось «обмануть» человеческое зрение. Представители оп-арта смогли доказать, что его можно с успехом применять и в беспредметной живописи. Многие работы Виктора Вазарели могут служить классическим примером использования традиционной перспективы в оп-арте. С ее помощью создается эффект глубины и меняющегося расстояния.

Зеленая и оранжевая композиция. Виктор Вазарели. 1980, 85.1×76.2 см

«Сотрудничество» нейроученых и художников в области изучения визуальных эффектов получилось взаимовыгодным. И несмотря на то, что действовали они совершенно разными методами, сделанные ими выводы очень похожи. Человеческая зрительная система не отражает окружающий мир подобно зеркалу. Судя по всему, она способна воспринимать гораздо больше, чем нам кажется.

Оп-арт и Мауриц Корнелис Эшер

Эшера часто называют либо представителем, либо предтечей оп-арта. Действительно, мало кому удалось достичь такого же мастерства в создании оптических иллюзий. Его знаменитые лестницы давно стали частью массовой культуры: оммажи к ним можно найти, к примеру, в мультсериале «Симпсоны» и в  фильмах «Лабиринт» с Дэвидом Боуи и «Начало» с Леонардо ДиКаприо. Но по какой-то необъяснимой причине любители и знатоки изобразительного искусства часто относятся к литографиям Эшера немного снисходительно, считая их достойными лишь чуть большего внимания, чем графический дизайн.

Относительность. Мауриц Корнелис Эшер. 1953, 28.2×29.4 см

Впрочем, «галлюциногенные» работы Эшера в 60-е очень полюбились поколению хиппи — «детям цветов». Сам же художник, по всей видимости, был не особенно рад такой мейнстримовой популярности. Он отказал Мику Джаггеру в просьбе поместить одну из его работ на обложку альбома The Rolling Stones и отверг предложение Стэнли Кубрика о совместной работе над «четырехмерным фильмом».

Ограничение круга II. Мауриц Корнелис Эшер. 1959, 37.8×37.8 см

Разумеется, именно головоломные оптические иллюзии роднят творчество Эшера с работами представителей оп-арта. И хотя литографии голландца лишены геометрической беспредметности,  создавались они с математической точностью. Тем не менее, в полной мере Эшера к оп-арту отнести нельзя, слишком уж он уникален. Его творчество даже называют «художественным движением одного человека», потому что он никогда не причислял себя ни к одному из существующих жанров и течений. И в  то же время Эшеру удавалось то, к чему во все времена стремились живописцы, — создавать мощные образы с универсальной привлекательностью.

Балкон. Мауриц Корнелис Эшер. 1945, 29.7×23.4 см

Куратор музея Эшера в Гааге Микки Пиллер говорит: «В то время, когда в галереях царило абстрактное искусство, Эшер смог одурачить всех, исследуя такие абстрактные идеи, как вечность, бесконечность и  невозможное, в реалистичных литографиях, очень мастерски выполненных. И по причине того, что широкая публика утратила связь с миром искусства, работы Эшера казались простыми и легкими для понимания».

Оп-арт: шпаргалка

Знаковые работы

Мечта. Виктор Вазарели. 1966, 252×252 см

 

Виктор Вазарели считается одним из прародителей оп-арта благодаря своим сложно сконструированным безупречным оптическим иллюзиям. Художник потратил много лет на поиски универсального, эстетически привлекательного и доступного визуального языка, который был бы понятен каждому. Таким языком для него стала геометрическая абстракция. С помощью строгого сочетания линий, геометрических форм,  цветов и оттенков он создавал поразительные картины, наполненные иллюзией глубины, движения и  трехмерности. Хотя самыми запоминающимися работами в стиле оп-арт были и остаются черно-белые изображения, эксперименты с цветом были для многих художников крайне важны. Вазарели говорил, что  «мир отображают чистая форма и чистый цвет».

Пламя 4. Бриджет Райли. 1964, 109×109 см

Бриджет Райли — абстракционистка, которая приобрела известность после знаменитой выставки  «Чувствительный глаз». В то время художница отдавала предпочтение черно-белым картинам, однако с  конца 60-х Райли начала работать с цветом. На выставке 1965 года особое внимание привлекла ее  работа «Пламя». Зигзагообразные черные и белые линии создают ощущение кругового движения. Если всмотреться в изображение, начинает казаться, что повторяющийся узор движется взад-вперед. Сужающиеся к центру круги усиливают воздействие картины, добавляя изображению глубины, и в какой-то момент зрителю начинает казаться, что его затягивает в воронку.

Величие. Ричард Анушкевич. 1970, 65.9×50.2 см

Эту эффектную работу можно назвать ярчайшим примером творчества Ричарда Анушкевича. Она относится к его знаменитой серии «Внутренний глаз», созданной в 1970-е годы. Анушкевич считается одним из основоположников оп-арта, продолжившим дело своего учителя Йозефа Альберса, который экспериментировал с сочетаниями цветов. Благодаря использованию Анушкевичем ярких оттенков и  геометрических узоров создается впечатление, что фигуры всплывают с поверхности картины и  пульсируют. Художник говорил о своем творчестве так: «Моя работа носит экспериментальный характер. Я исследую сочетания дополнительных цветов и оптические изменения, которые происходят в результате. Кроме того, я изучаю динамический эффект целого при изменении освещения и влияние света на цвет».

Maquette Sphere Lutetia. Хесус Рафаэль Сото. 1995, 55×45×45 см

Хесус Рафаэль Сото родился и вырос в Венесуэле, а в 1950 году переехал во Францию. Он стал одним из  многих южноамериканцев, которые внесли существенный вклад в оп-арт и кинетическое искусство. В  своих работах Сото использовал промышленные и синтетические материалы, например, нейлон и сталь. Большое влияние на творчество художника оказали русские конструктивисты и его современник Пит Мондриан. Примечательно, что в своих работах Сото чаще всего ограничивался любимыми цветами голландца: красным, желтым, синим, белым и черным. Удивительные скульптуры Сото кажутся зыбкими,  готовыми раствориться в воздухе от одного прикосновения. Подобные работы он начал создавать в  середине 1960-х и оставался верен выбранному стилю до конца жизни.

Антенна. Джулиан Станчак. 1971, 66×66 см

Джулиан Станчак однажды сказал: «Я хочу сплавить множество пигментов и их градаций в единый цветовой опыт». В своих работах художник исследовал визуальный, психологический и эмоциональный отклик, который вызывает цвет. Собственный стиль Станчак выработал под влиянием работ Йозефа Альберса, русских супрематистов и конструктивистов. В начале 1960-х он создает картины, которые производят эффект вибрации за счет использования изогнутых линий и контрастных цветов. Позже эти картины уступили место более сложным композициям, построенным с геометрической точностью, однако смягченным с помощью меняющейся степени прозрачности цвета. На полотнах Станчака формы пульсируют, цвета мерцают, а линии перемешиваются и как будто танцуют по поверхности холста.

Неоновое 3D. Франсуа Морелле. 2015, 131×175 см

В 1960-х Франсуа Морелле присоединился к Группе исследования визуального искусства, которая создавала инсталляции при помощи нетрадиционных художественных материалов. Морелле был противником идеи возведенной на пьедестал фигуры художника-гения и считал, что художники — это лишь проводники, посредники. Он рассказывал: «К началу 60-х мы с друзьями из группы пришли к  убеждению, что эпоха живописи, холстов и скульптур закончилась навсегда. Мы были увлечены современными материалами, которые еще не успело „осквернить“ традиционное искусство. Особенно нам нравилось то, что могло создавать движение или свет». Идеальным материалом для Морелле стали неоновые трубки, которые сочетали в себе и линию, и свет, и движение при мерцании. Своим работам художник давал несколько нелепые названия, используя каламбуры и палиндромы, чтобы зритель не воспринимал их слишком серьезно.

Physichromie 508. Карлос Крус-Диес. 1970, 100×120 см

Карлос Крус-Диес — представитель выдающегося поколения южноамериканских художников, которые обогатили европейское искусство. Всю свою профессиональную жизнь он провел между родным Каракасом и Парижем. Художник начал обращать внимание на физические свойства цвета благодаря работам Хесуса Рафаэля Сото. Крус-Диес создал технику под названием «добавочный цвет», в которой использовал равномерно расположенные на плоской основе полоски цветного картона. Каждая полоса располагалась строго параллельно следующей, чтобы создать эффект мягкого «перетекания» цвета,  меняющегося в зависимости от точки, в которой находится зритель. В подобных работах Крус-Диес руководствовался теорией преподавателя Баухауса Иоганнеса Иттена об одновременном восприятии разных цветов. Иллюзия движущегося изображения создавалась с помощью параллельных линий и  мягкого слияния тональностей.

Phsyichromie Panam 122. Карлос Крус-Диес. 2013, 80×240 см

P.S. Несмотря на то, что сложные и простые одновременно работы представителей оп-арта были с  энтузиазмом приняты широкой публикой, многие художественные критики считали этот стиль всего лишь скоротечным и довольно бесполезным модным трендом. Парадоксальным образом оп-арт был «убит» коммерческим успехом. В какой-то момент некоторые художники обнаружили, что их работы были позаимствованы американскими производителями одежды. Элементы оп-арта стали появляться на  плакатах, футболках и книжных иллюстрациях. Вскоре зрители, которые поначалу так восторженно принимали эти картины, стали осуждать их, называя всего лишь зрительными фокусами. В итоге движение растеряло популярность уже к 1968 году, однако оптические эффекты по-прежнему продолжают изучаться в визуальном искусстве и архитектуре.

Кстати, представители оп-арта очень по-разному относились к коммерциализации своего творчества. Виктор Вазарели, например, считал, что искусство должно быть доступным каждому, и даже сотрудничал с текстильными компаниями. А Бриджет Райли очень расстраивало то, что ее оригинальные работы используют без разрешения и тиражируют. Однажды на Мэдисон-авеню художница увидела в витринах магазина платья с узорами, скопированными с ее картин. Разгневанная Райли заявила, что «торговля тряпками» опошляет ее творчество, и даже пыталась судиться с производителем, но безуспешно.

Спиральная композиция. Виктор Вазарели. 1970-е , 40.6×40.6 см

Без названия (La Lune en Rodage). Бриджет Райли. 1965, 29.5×29.3 см

Куб и пространство. Хесус Рафаэль Сото. 1971, 215.9×149.9×149.9 см

Синяя звезда. Ричард Анушкевич. 1991, 91.4×96.5 см

Градация №28 Цветовая форма 14Р. Марина Аполлонио. 1972, 70×70 см

3 кадра из решетки 0° 30° 60°. Франсуа Морелле. 1973, 30.5×30.5×5.1 см

Противостояние в свете (черный). Джулиан Станчак. 2002, 91.4×66 см

Maquette Esfera Theospacio. Хесус Рафаэль Сото. 1989, 53×34×40 см

5 кадров 85°, 87°5, 90°, 92°5, 95°. Франсуа Морелле. 1969, 80×80 см

artchive.ru