Рассматриваем «царство идей» — концептуализм как направление и приводим примеры работ с  различными смыслами и подтекстами: одной лишь внешней эстетикой в современном искусстве уже не обойтись.

Концептуализм, или концептуальное искусство — от латинского conceptus — мысль, представление  — литературно-художественное направление в постмодернизме, провозглашающее, что идея,  концепция произведения важнее, нежели форма его художественного выражения. Направление сформировалось в конце 1960-х годов и было призвано объединить творчество художника и его исследование зрителем, изменить привычные способы коммуникации зрителя и произведения.

Павел Пепперштейн. «Беседующие старцы и сломанная Супрема». 2015. Акрил, холст

Искусствоведы считают, что начало течению положил Марсель Дюшан, теоретик дадаизма и  сюрреализма, который первым придумал использовать готовые вещи в виде произведений искусства — т. н. «реди-мейд» (ready-made). Предлагая зрителю искать и находить непривычные смыслы в обычных вещах, Дюшан представлял свои провокативные арт-объекты (в том числе знаменитый писсуар «Фонтан») в сопровождении подробного описания того, что он, собственно, хотел донести до публики. Своими неожиданными «произведениями» художник провоцировал зрителя на поиск ответа на вопрос «что есть искусство?», оставляя за рамками эстетику и наполняя привычные объекты новыми смыслами и  значениями.

Фонтан. Марсель Дюшан. 30.5×38.1 см

Одним из первых и наиболее важных вопросов, которые концептуалисты поставили под сомнение, стало общее предположение, что роль художника заключается в создании особых видов материальных объектов, таких, как картина или скульптура. Они считали, что в идеальном мире, по типу платоновского,  искусство может быть реализовано в физическом мире — как, например, математическое доказательство,  написанное на доске, — но при этом относиться к объектам, существующим в уме, к понятиям, а не к  физическим объектам.

L.H.O.O.Q. Марсель Дюшан. 1919, 19.7×12.4 см

Идея — альфа и омега концептуализма. Направление набрало обороты в конце 1950-х, когда многие современные живописцы и скульпторы стали массово волновать публику своими порой шокирующими версиями ответов на извечное «что есть искусство?». В стиле концептуализма стали работать художники, которые значительно расширили свои техники, применяя фотографию, видео-арт, перфоманс, ленд-арт, инсталляции. Некоторые пространства, в которых создавались объекты, становились их частью и несли собственные смыслы. Местом, где проходила демонстрация действа или объектов, могли стать дорога или лес, улица или морское побережье (так называемое искусство «на местности», site-specific art), а в качестве материалов часто использовали материалы из природной среды.

Один и три стула. Джозеф Кошут. 1965

Одним из основоположников концептуального искусства стал Джозеф Кошут, современный американский художник, эссеист, публицист и журналист, который прославился своей работой «Один и три стула». Произведение включает, собственно, сам стул, фотографию этого стула и копию словарной статьи «стул». Ключевым для понимания работы является тот факт, что на фотографии изображён именно выставленный стул. В эссе «Искусство после философии» (1969) Кошут констатировал несостоятельность традиционного художественно-исторического дискурса и предложил исследовать средства и мотивы, с  помощью которых искусство приобретает своё культурное значение. «Быть художником сегодня означает задавать вопросы о природе искусства» — утверждал художник.

Private Language I (P.I)’ [White]. Джозеф Кошут. 1991

 

Вместе с английской художественной группой Art & Language (Искусство и язык) Кошут развивал идеи отказа от традиционного арт-объекта в пользу документированного критического исследования. Концептуальное искусство критиковало модернизм за его бюрократию и историзм, а также минимализм — за его философский консерватизм. Практика концептуального искусства, особенно в первые годы его зарождения, основывалась главным образом на теории и ее форме, выражаясь преимущественно в  текстах. И хотя использование текста в искусстве не было абсолютным новшеством, художники Лоуренс Вайнер, Эдвард Руша, Джозеф Кошут, Роберт Барри начали создавать искусство исключительно лингвистическими средствами. Если ранее текст представлялся как разновидность визуальных элементов и наряду с другими подчинялся всеобъемлющей композиции, то художники-концептуалисты стали использовать его вместо кисти и холста.

Фотография работы Лоуренса Вайнера «Кусочки и кусочки, собранные вместе, чтобы представить подобие целого». Алюминий, лазерная резка, кирпич. Уокер Арт Центр, Миннеаполис, Миннесота. Фото: GearedBull

В 1960−70-х годах возникло и получило развитие международное междисциплинарное сообщество художников, композиторов, дизайнеров и поэтов Fluxus (Флюксус), известное своим экспериментальным вкладом в различные художественные медиа дисциплины и созданием новых художественных форм. Большие поклонники дадаизма, в своих экспериментальных представлениях участники группы подчеркивали преимущество художественного процесса над готовым объектом.

Йозеф Бойс. Перформанс «Койот. Я люблю Америку, и Америка любит меня» (1974)

Произведения концептуального искусства могут быть самыми разными и совершенно необычными, и  даже, в глазах некоторых зрителей, абсолютно неприемлемыми в привычном понимании объекта искусства. Например, книга «Грейпфрут» авторства Йоко Оно, которая считается одним из ярких работ раннего концептуализма. Книга состоит из пары сотен фраз в виде повелительных предложений, каждое из которых уникально, описывает работу подсознания и не может быть встречено в окружающей действительности. Это непростая задача даже для опытного копирайтера, тем более она была непростой в 60-е. «Слушай звуки вращения Земли», «Представь движение облаков и выкопай дыру, чтобы загнать их обратно» — вся книга наполнена примерно такими воззваниями, придуманными в течение всей предыдущей жизни Йоко. У этой книги нет практического назначения, зато есть эстетическое и  лингвистическое.

Перформанс Йоко Оно «Отрежь кусок» (Cut Piece), 1964

Процесс начинался с того, что Йоко садилась на пол, поджав под себя ноги. Как правило, на ней было одно из лучших ее платьев. Участник перформанса (посетитель) должен был отрезать выданными ему ножницами любой кусок от ее платья на свой выбор. Под конец действа, когда от платья уже мало что оставалось, можно было резать то, что под ним. Запись перформанса демонстрируется в постоянной экспозиции музея Современного искусства MоМА (Нью-Йорк).

«Многие не любят перформанс, потому что видели много плохих перформансов. Сказать по правде,  человеку вообще-то выпадает мало хороших перформансов в жизни» — так считает «бабушка мирового перформанса» Марина Абрамович. Первый свой урок перфоманса она получила именно благодаря отцу. В 14-летнем возрасте Марина попросила отца купить ей масляные краски. Тот выполнил ее просьбу,  однако друг папы решил подшутить над подростком. Он вылил на холст смесь красок и подорвал ее  петардой. Все участники остались целы и невредимы, и Марина тогда впервые осознала, что в искусстве процесс может быть важнее результата.

В планах художницы на 2020 год — премьера театрального представления «Семь смертей», посвященное тому, как певица Мария Каллас «умирает» в семи разных операх. Действо намерены показать в Баварской государственной опере и в Королевском театре Ковент-Гарден в Лондоне.

Христо Явашев. Проект «Задрапированный Рейхстаг» (1971−1995). Фото: © Wolfgang Volz/Christo

Одной из первых работ знаменитого концептуалиста Христо (Кристо) Явашева и его жены и коллеги Жанны-Клод де Гийебон стала работа «Железный занавес» («Iron Curtain», 1962): художники создали баррикаду из бензиновых бочек на узкой парижской улочке, в результате которой образовалась пробка. Объектом искусства в данном случае была не баррикада, а скопление автомобилей — своеобразный протест против возведения Берлинской стены. В дальнейшем Христо прославился ленд-арт проектами, в  которых он оборачивал тканями гигантские здания и объекты архитектуры (например, берлинский Рейхстаг), и плавучими инсталляциями. Так, созданный им объект «Плавучий пирс» (2016) Христо покрыл желто-оранжевой нейлоновой тканью, которая имеет свойство менять цвет и фактуру поверхности в  зависимости от времени суток и погодных условий. Общая протяженность инсталляции составила 3 км.

В 2019 году 83-летний классик ленд-арта получил от французских властей разрешение на осуществление своей давней мечты — обернуть Триумфальную арку в Париже тканью. Этот проект он планировал создать еще вместе со своей женой и партнером по творчеству Жанной Клод, которая скончалась в 2009 году. Работы по оборачиванию арки в ткань предположительно начнутся 6 апреля и закончатся 19 апреля 2020 года.

Фото — christojeanneclaude.net, Wolfgang Volz © 2016 Christo

Китайский художник и скульптор Ай Вэйвэй своими работами часто выступает с резкой критикой в адрес властей Китая. Например, в 2010 году Ай Вэйвэй заполнил огромный Турбинный зал лондонской галереи Тейт Модерн сотней миллионов подсолнечных семечек, изготовленных в китайском городском округе Цзиндэчжень, «фарфоровой столице», в которой производят керамику на протяжении 1700 лет. Тысячи людей были наняты для ручного изготовления идеальных копий того, что было создано природой. Своей инсталляцией Вэйвэй затронул проблему современной практики массового производства в Китае, где многое по-прежнему делается вручную, машины дороги, а труд (и человеческая жизнь в целом) — дешев.

Подсолнечные семечки. Ай Вэйвэй. 2010

Цай Гоцян (Cai Guo-Qiang) — один из самых известных и интересных художников современности. Мастера называют «китайским Гэндальфом» за его умопомрачительные пиротехнические шоу и картины,  «нарисованные» порохом, однако его грандиозные инсталляции без дыма и огня волнуют не меньше. «Черная церемония» (2011) — одна из эффектных и известных его затей. В столице государства Катар,  Дохе, Цай Гоцян в 2011 году устроил первый в истории дневной салют. Фейерверк образовывали дымные кольца, появившиеся от взрывов военных снарядов.

Фото: www.reddit.com

За «железным занавесом» Советского Союза концептуализм развивался иначе. Ведь «классический концептуализм», который возник на Западе, — это «ответ» на потребительские реалии, а на просторах СССР не было общества потребления как такового. Зато была идеология, диктат и некая абсурдная составляющая бытия. Откликом на все это и формировался концептуализм на этих территориях.

В 1979 году благодаря статье Бориса Гройса «Московский романтический концептуализм» это художественное направление в литературе и искусстве впервые приобрело более отчетливые очертания. «В искусстве московского концептуализма определенный период новейшей истории, а именно, история реализации коммунистического проекта, наконец, становится формой». Одной из ярких страниц московского концептуализма стал так называемый аптарт, или «квартирное искусство», когда пространства квартиры становились одновременно и сценой, и сконструированным художником миром. Наиболее известным мастером «квартирной инсталляции» стал Илья Кабаков.

Илья Кабаков. «Человек, улетевший в космос из своей комнаты», 1985. Центр Жоржа Помпиду, Париж. Фото: Andrew Dunkley (c)Tate © Ilya & Emilia Kabakov, www.theguardian.com

Илья Кабаков. «Мальчик», 1965. Масло, эмаль на мазоните

«Мальчик» — одна из самых первых инсталляций московского концептуалиста Ильи Кабакова: изображение стремится «выйти» за пределы холста, порвать с живописной традицией, стать самостоятельным объектом. Это пародия на геометрическую ясность ренессансного идеала и ответ на  попытку государства скроить человека по навязываемым меркам. Первая версия работы была создана в  1961 году.

Способ общения в стиле 3111 года. Павел Пепперштейн. 2009

Московский художник-концептуалист Павел Пепперштейн, сын одного из «отцов-основателей» еще и  рассматриваемого нами жанра Виктора Пивоварова, называет свой стиль «психоделический реализм». В  далеких 80-х годах прошлого века Пепперштейн основал и возглавил группу художников под названием  «Инспекция «Медицинская герменевтика», которая нашла свой стиль, близкий к концептуализму. Основа этого стиля — в синтезе изображений и текста. По мнению художников группы, именно такой стиль позволяет авторам высказать любые, даже самые фантастические идеи.

«Центрами тяготения» концептуализма на советских просторах становились города, в каждом из которых были свои направляющие потоки. Так, отмечают, что, к примеру, одесский концептуализм имеет некий игровой характер.

Известные художники, представляющие концептуализм

Среди выдающихся мастеров концептуализма — Джозеф Кошут, Ив Кляйн, Роберт Раушенберг, Йозеф Бойс, Пьеро Мандзони, Христо Явашев, Марина Абрамович, Дэмьен Хёрст, Ай Вэйвэй, Илья Кабаков,  Виктор Пивоваров, Павел Пепперштейн, Леонид Войцехов, Александр Ройтбурд.

artchive.ru