Испанский художник-реалист Daniel Gonzalez Poblete (Даниэль Гонсалес Поблете).

Daniel Gonzalez Poblete (Даниэль Гонсалес Поблете). Испанский художник-реалист. Родился в городе Сьюдад-Реаль, в 1944 году. "Как правило, мои картины это попытка отразить то, что я вижу и что чувствую. Иногда я пишу реальность такой, какой она кажется мне, но я всегда смотрю немного дальше. Часто я пишу картины на тему "город", где всегда есть какая-то история, натюрморты, где, несмотря на то, что это "мертвая природа", всегда есть жизнь, пейзажи со старыми аллеями, в которых продолжают рождаться растения и новые цветы, но больше всего мне нравиться писать фигуры людей, особенно руки и лица. Мне нравится вырисовывать детали и я очень внимателен к ним, особенно если это касается рук". Читать далее

Джованни Болдини (Giovanni Boldini), 1842-1931. Италия.Часть 2.Жанровое.

Версаль (Versailles)_50.1 х 33_д.,м._Частное собрание

На террасе (On The Terrace)_29.8 х 17.4_д.,м._Частное собрание

Читать далее...

Пейзажи. ИСААК ИЗРАИЛЕВИЧ БРОДСКИЙ

ХУДОЖНИК ИСААК ИЗРАИЛЕВИЧ БРОДСКИЙ
Исаак Израилевич Бродский родился в 1883 году в селе Софиевке Таврической губернии, в семье мелкого торговца и землевладельца. Живописью увлекался с раннего детства, с 1896 по 1902 годы учился в Одесском художественном училище у таких прославленных мастеров, как Л.Д. Иорини, К.К. Костанди и Г.А. Ладыженского.

Затем молодой художник переезжает в Петербург и поступает в Академию художеств. На средства академии путешествует по Европе. До октябрьской катастрофы регулярно участвует в выставках академии. В феврале 1917 года пишет портрет Керенского, а после октября – портреты большевиков. Был, прямо скажем, обласкан советской властью.

Умер Бродский в 1939 году в Ленинграде.


Читать далее

Галерея королевы (The Queen's Gallery) – часть Букингемского дворца. Часть 2.

Весь материал о дворце здесь

Samuel Vaughan (active 1751-72) Sedan chair 1763

Читать далее...

Австралийский художник Роберт Каган.

Австралийский художник Роберт Каган, 1947
Романтический импрессионизм.




Читать далее

Максимов Василий Максимович (1844-1911)

---

---

---

Максимов Василий Максимович

Художник, передвижник, живописец-жанрист

---

---

---

 

Василий Максимов родился 29 января 1844 года в деревне Лопино Новоладожского уезда Петербургской губернии.

Его родители были государственными крестьянами, и до десяти лет Максимов рос в деревне. Как у большинства русских художников, круг его ранних художественных впечатлений стал определяющим. Максимова окружали устоявшийся веками уклад крестьянской жизни, красочные обряды свадеб и земледельческих праздников, избы с красивой резьбой, костюмы, домашние ткани, вышивки на них. В мальчике рано проснулась поэтическая чуткость и умение видеть красоту. В своих «Автобиографических записках» Максимов восхищался чудесным видом на противоположный берег Волхова с Георгиевской крепостью в Старой Ладоге, Успенским девичьим монастырем, садами усадьбы помещика А.Г.Томилова. Позднее Максимов побывал в его доме, где впервые увидел живопись А.П.Лосенко, В.Л.Боровиковского, О.А.Кипренского и удивился живости нарисованный людей.

Отец и мать Максимова были единственными грамотными людьми в деревне. Прадед Василия также славился в деревне как грамотей. Отец рано стал учить сына читать. Столь же рано мальчик начал рисовать. Мать поощряла эту его склонность. Благоприятные для развития юного художника моменты - семейная грамотность, твердые нравственные устои и обычаи трудовой крестьянской семьи - очень скоро сменились противоположными, пытающимися сломать поэтическую душу мальчика. В шесть лет Василий пережил смерть отца, а в десять - смерть матери. Но мать успела определить сына в монастырскую школу, а затем в послушники Николаевского монастыря. В доме иеромонаха Антония Бочкова протекала вся его «монастырская духовная жизнь». Послушников, кроме пения, ничему не учили, и Максимов решил самовольно уйти из монастыря, уехал в Петербург и поступил в иконописную мастерскую Пошехонова, где столкнулся с невиданной жестокостью в обращении с учениками. Он убежал из этой мастерской к иконописцу К.А.Ярыгину, который преследовал его за чтение, сжигал книги, но Максимов оставался у него пять лет, поскольку на второй год работы разрешалось поступать в рисовальную школу при петербургском Технологическом институте. Мальчик жил мечтой учиться в Академии художеств. Чтобы заработать деньги на одежду, он успевал писать иконы и портреты местных мелких торговцев. Чтобы выстоять в таких условиях и не затеряться, Максимову нужно было обладать огромным упорством и внутренней устремленностью.

Осенью 1862 года Максимов сдал вступительные экзамены в Академию художеств, получив за рисунок отличную оценку, а 7 января 1863 года Максимов в качестве вольнослушателя (поскольку не имел отпускной от сельского общества) начал занятия в Академии. К занятиям Максимов приступил с благоговением и восторгом. Для него началось время стремительных успехов. Сначала за рисунок в головном классе он получил последний 69 номер, но уже в ноябре 1863 года первым номером за рисунок «Бойцы» был переведен из класса гипсовых фигур в натурный. Затем, в продолжение всего обучения, среди талантливых соучеников, среди которых были Савицкий, Поленов и Репин, Максимов был одним из самых первых.

18-20 декабря 1863 года Максимов написал автопортрет, показанный на выставке 1877 года. Этот холст был многоплановым по своему содержанию. Он знакомил зрителей с личностью автора, вводил их в мир художника, говорил о его взаимоотношениях с миром. Луч света делал различимыми во тьме лицо и фигуру сидящего художника. Свет скользил и словно запутывался в копне его непокорных кудрей, создавая свечение вокруг юного с мягкими чертами лица. Динамика светового построения, подвижный мазок, незамкнутая объемная форма сообщали образу эмоциональную взволнованность. Осанка юноши была горделива, голова в смелом полуобороте смотрела на зрителя, в выражении лица были чистота и открытость. Небрежно запахнутый халат и не застегнутый ворот рубашки дополняли характеристику романтической раскованности. Художник был молод. С автопортрета на зрителей смотрел человек, осознающий свою внутреннюю незаурядность, натура которого тянулась ко всякого рода творчеству.

Максимов увлекался офортом, самозабвенно занимался столярной работой - мастерил стулья, блюда и чаши. Наряду с романтической приподнятостью в его портрете присутствовала интимность. Художник не скрывал мягкость своего характера, открывал уязвимость легко ранимой натуры. В этой несколько намеренной демонстрации независимости и уверенности в себе был виден момент самоутверждения и желание скрыть беззащитность перед миром, судьбой и жизнью.

Создание автопортрета совпало с «бунтом четырнадцати». В ноябре группа выпускников Академии, осознав устарелость многих академических норм для русского искусства, во главе с И.Н.Крамским отказалась от условий конкурса на золотые медали и вышла из Академии, основав Артель свободных художников по типу бытовой коммуны. Как подтверждение широкого устремления к обновлению художественной жизни весной 1864 года в Петербурге появилась еще одна артель художников, руководимая П.А.Крестоносцевым. В эту артель входил юный Максимов. Артель Крестоносцева просуществовала немногим более года и не имела большого значения как идейное и организационное объединение. Молодые художники начала 1860-х годов, осваивая эстетику революционных демократов, впервые обратились к воспроизведению русской жизни, к поискам прекрасного в реальной действительности. Молодое поколение живописцев в обстановке общедемократического подъема прониклось гражданственными идеалами, уверилось в своем общественном и нравственном призвании. Максимов был непосредственным свидетелем всех этих событий.

Автопортрет.

В своей первой картине «Больное дитя», написанной через полтора года пребывания в Академии и удостоенной золотой медали, Максимов использовал взволновавший его подлинный факт. Проводя первые каникулы летом 1863 года в родной деревне, художник оказался свидетелем того, как скоропостижно скончалась его десятилетняя племянница. Интерьер избы, предметы крестьянского быта, лица крестьян - все было им написано с натуры. Картина известна лишь по офорту, но и он позволял отметить, что в этой работе Максимов - пока лишь добросовестный ученик Академии. Академическая условность - идеальность лиц, предметная иллюстративность, полог у кровати, как торжественная академическая драпировка - снижала значительность жизненного факта. Сюжет из крестьянской жизни наметил главную тему его искусства, но художнику предстояло еще выработать художественное мышление, противоположное академическому. Этот процесс шел неразрывно с гражданственным возмужанием художника. О том, как трудно было Максимову преодолеть нормы академической эстетики, свидетельствовали картины «Крестьянская девочка» в 1865 году и «Бабушкины сказки» в 1867 году.

«Крестьянская девочка». 1865 год.

**        **

ПЕТЕРБУРГСКИЕ ТУМАНЫ ХУДОЖНИКИ ГАДЖИЕВЫ


ПЕТЕРБУРГСКИЕ ТУМАНЫ ХУДОЖНИКИ ГАДЖИЕВЫ
Художник Гаджиев Сабир Тахир-оглы родился в городе Киев в 1967 году.
Художница Гаджиева Светлана Игоревна родилсь в городе Челябинске
в 1963 году.Вместе они закончили Академию Художеств им. Репина
в Санкт-Петербурге в 1993 году, факультет архитектуры, по специальности – художники-архитекторы.Первые совместные произведения Светланы
и Сабира Гаджиевых появились около двенадцати лет назад.
Тогда студенты архитектурного факультета института им. И.Е. Репина Академии художеств СССР писали петербургские пейзажи, выполненные
в технике акварели. Тогда же создавался не только их творческий,
но и семейный союз. Духовная близость и чрезвычайно тонкое (чуткое)
понимание друг друга, привели к такому, довольно необычному в среде
художников, явлению, когда отбросив личные амбиции,
они сменили собственное Я на общее МЫ.В начале 90-х гг., параллельно с графическими листами, Гаджиевы создают первые работы маслом,
внимательно изучая технику старых мастеров. Однако, не замыкаясь в рамках традиционной классической живописи, они прокладывают свои
собственный путь в искусстве. Произведения С. и С. Гаджиевых, выполненные,
словно на “одном дыхании”, зачастую без предварительного рисунка и эскиза, поражают виртуозностью владения кистью, когда проведенную линию
или каплю уже невозможно исправить. Мастерство проявляется и в построении уравновешенных, точно найденных композиций.Очень интересное
видение города у авторов – серый или песчаный с яркими пятнами.
Старый Санкт-Петербург.



Читать далее

ЖЗЛ (ПАСКАЛЬ ДАНЬЯН-БУВЕ. ПРАВДИВО И РЕАЛИСТИЧНО О ЖИЗНИ ГОРОДОВ И ДЕРЕВЕНЬ).

Паскаль Адольф Жан Даньян-Буве
Pascal Adolphe Jean Dagnan-Bouveret

7 января 1852, Париж - 3 июля 1929, Кенсе



Pascal Dagnan-Bouveret Self-portrait.

Французский художник – реалист, один из ведущих французских художников академической школы.
Паскаль Адольф Жан родился в Париже в семье портного. Воспитывался дедом по материнской линии после того, как отец уехал на заработки в Бразилию, где и остался. Позже к своей фамилии Даньян художник добавил фамилию деда – Буве. С апреля 1869 года юноша учился живописи в студии художника Александра Кабанеля (Alexandre Cabanel, 28 сентября 1823 - 23 января 1889), а затем в парижской Школе изящных искусств, где его педагогами были тот же Кабанель и Жан-Леон Жером (Jean-Léon Gérôme, 11 мая 1824 - 10 января 1904). В Школе он познакомился и подружился с будущим представителем натурализма Жюлем Бастьен-Лепажем (Jules Bastien-Lepage, 1 ноября 1848 -10 декабря 1884) и художником Густавом Клодом-Этьенном Куртуа (Gustave Claude-Etienne Courtois, 1853-1923). Как и у всех молодых французов того времени, его карьера была временно прервана франко-прусской войной и Парижской Коммуной (1870-71), поэтому Паскаль Адольф Жан продолжил свое образование только в 1872 году, поселившись в студии Жана-Леона Жерома.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 33 КАРТИНЫ.

Исполненные грациозностью портреты

---

Макаров Иван Кузьмич (1822-1897)

 

В живопись Иван Кузьмич Макаров пришел по складывающейся семейной традиции. Его отец окончил когда-то знаменитую Арзамасскую школу Ступина и работал учителем рисования в те времена в уездном городе Саранске Пензенской губернии. Затем он организовал собственную рисовальную школу сначала в Саранске, а затем в самой Пензе.

Именно под руководством своего отца юный И. Макаров добился первых успехов в изобразительном деле. В 1845 году он поступает в Академию художеств, где занимается под руководством известного педагога А.Т. Маркова. В 1853 году на средства Общества поощрения художеств и с помощью великой княгини Марии Николаевны И. Макаров едет за границу, где основное время проводит в Риме.

Художник пишет много исполненных достоинств портретов, среди которых особенно выделяются своей грациозностью женские и детские. За серию работ этого жанра по возвращении в Петербург (1855) И.К. Макаров получает звание академика.

Среди его работ, выполненных по частным заказам, много икон и церковных образов. Именно поэтому его учитель по Академии А.Т. Марков пригласил художника участвовать в росписях московского храма Христа Спасителя. В 1885 году большой отклик в художественных и церковных кругах вызвал написанный И.К. Макаровым "Нерукотворный образ Спасителя". Иконотворчество, требующее особого настроя и сосредоточенности, видимо, сказалось и на взглядах художника на известность и публичную деятельность художника: в последние десятилетия своей жизни он практически нигде не выставлялся и не принимал участия в ежегодных академических выставках.

---

Все картины кликабельны (смотреть в большем разрешении)

---

 

Автопортрет в юности	Великая княгиня Мария Александровна	Голова мальчика-итальянца	Головка девочки
Две молодые мордовки	Девочка с собакой	Девочки-сестры. Портрет Лизы и Даши Араповых	Девушка с серпом
Девушка со склоненной головой	Детский портрет	Евангелист Иоанн	Женский портрет
Женский портрет	Итальянка на балконе	Итальянка у источника	Итальянский разносчик
Мальчик со скрипкой	Нагорная проповедь	Нагорная проповедь	Портрет А.А. Олениной, в замужестве Андро де Ланжерон
Портрет Александры Михайловны Челищевой, рожденной Веригиной	Портрет Андрея Федоровича Карпова	Портрет В.Н. Львовой ребенком	Портрет Вишнюковой
Портрет Губониной	Портрет Е.А.Трегубовой	Портрет Е.Г.Анненковой	Портрет Е.Е.Муравьевой, рожденной Сафоновой

Мадонна Литта» (1490—1491) — картина итальянского художника Леонардо да Винчи.

Мадонна Литта» (1490—1491) — картина итальянского художника Леонардо да Винчи.



На картине изображена женщина, держащая на руках младенца, которого она кормит грудью. Фон картины — стена с двумя арочными окнами, свет из которых падает на зрителя и делает стену более тёмной. В окнах просматривается пейзаж в голубых тонах. Сама же фигура Мадонны словно озарена светом, идущим откуда-то спереди. Женщина смотрит на ребёнка нежно и задумчиво. Лицо Мадонны изображено в профиль, на губах нет улыбки, лишь в уголках притаился некий её образ. Младенец рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери. В левой руке ребёнок держит щегла.

Яркая образность произведения раскрывается в мелких деталях, которые много рассказывают нам о матери и ребёнке. Мы видим ребёнка и мать в драматический момент отлучения от груди. На женщине красная сорочка с широкой горловиной. В ней сделаны специальные разрезы, через которые удобно, не снимая платье, кормить младенца грудью. Оба разреза были аккуратно зашиты (то есть было принято решение отлучить ребёнка от груди). Но правый разрез был торопливо разорван — верхние стежки и обрывок нити отчетливо виден. Мать по настоянию ребёнка изменила своё решение и отложила этот нелёгкий момент.
--
Работа была написана для правителей Милана, потом перешла к миланской аристократической семье Литта, и несколько столетий находилась в их частной коллекции.

Первоначальное название картины — «Мадонна с младенцем». Современное название картины происходит от имени её последнего (по указанию каталога Эрмитажа) владельца — герцога Антонио Литта (1819—1866), владельца фамильной картинной галереи в Милан,(и через Джулио Ренато Литта — родственник Потемкина и Скавронских[1]).

В 1864 году он обратился в Эрмитаж с предложением продать её вместе с несколькими другими картинами. В 1865 году вместе с другими тремя картинами «Мадонна Литта» («Состязание Аполлона и Марсия» Бронзино; «Венера, кормящая Амура» Лавинии Фонтана) была приобретена Эрмитажем за 100 тысяч франков.

----
ВитаНика

Серия сообщений "МАДОННА":

Часть 1 - Fra Filippo Lippi (1406-1469) - Мадонна с двумя ангелами
Часть 2 - Мадонна \ Собрание Национальной галереи Лондона, Великобритания
...
Часть 7 - Мадонна \ Собрание National Gallery, London
Часть 8 - Мадонна Конестабиле (итал. Madonna Connestabile)
Часть 9 - Мадонна Литта» (1490—1491) — картина итальянского художника Леонардо да Винчи.
Часть 10 - Леонардо да Винчи/Три мадонны
Часть 11 - Художник Quentin Massys/Квентин Массейс/1465-1530 гг
...
Часть 14 - Зарубежные творцы. Галерея живописи.\2\
Часть 15 - Раффаэлло Санти или Санцио, Raffaello Santi, Sanzio
Часть 16 - Раффаэлло Санти или Санцио, Raffaello Santi, Sanzio

Живопись американского художника Howard Rogers

Howard Rogers 1932 Говард Роджерс американский художник, иллюстратор и скульптор, который специализируется на рисовании обнаженных фигур и ковбойские сцен. mimozochka

Без заголовка

Давид Байи (1584 — 1657) — голландский художник золотого века Голландии

Давид Байи (фр. David Bailly; 1584 — 1657) — голландский художник золотого века Голландии.

Он был сыном Фламандского иммигранта, каллиграфа,  художника и учителя фехтования Петера Байи. Сначала Давид был учеником отца и гравера по меди Жака де Гейна. Затем его отдали в обучение живописи к Адриану Вербургу в Лейден.

С 1601 он работал у художника Корнелиса ван дер Воорта в Амстердаме. Был компаньоном в течение короткого периода в Гамбурге перед путешествием в Венецию и Рим. С 1608 по 1613 он путешествовал по Германии и Италии. На обратном пути, он вероятно предложил свои услуги герцогу Брауншвейгскому. По возвращении в Голландию в 1613 году Байи специализировался на натюрмортах и портретах, особенно с использованием типичных символов недолговечной и преходящей природы человека (череп, цветок, свеча и т. п.).

Self-Portrait with Vanitas Symbols. Автопортрет с символами Суеты (1651, Stedelijk Museum De Lakenhal, Leiden)
Развитие жанра Vanitas вплоть до спада его популярности примерно в 1650-х гг. сосредотачивалось в Лейдене, нидерландском городе, который Бергстром в своем исследовании на тему нидерландского натюрморта объявил «центром создания vanitas в 17-м веке». Лейден являлся важным центром кальвинизма, течения, которое осуждало моральную развращенность человечества и стремилось к твердому моральному кодексу. Бергстром считал что для кальвинистских художников эти натюрморты являлись предупреждением против тщеславия и бренности и были иллюстрацией кальвинистской морали того времени. Так же на сложение жанра вероятно повлияли гуманистские воззрение и наследие жанра memento mori.
Символы, встречающиеся на картине призваны напоминать о бренности человеческой жизни и о преходящести удовольствий и достижений:
Череп — напоминание о неизбежности смерти. Аналогично тому, как портрет является лишь отражением когда-то живого человека, так и череп является лишь формой когда-то живой головы. Зритель должен воспринимать его как «отражение», он наиболее отчетливо символизирует бренность человеческой жизни.
Роза — цветок Венеры, символ любви и секса, которая тщеславна, как всё, присущее человеку.
Мыльные пузыри — краткость жизни и внезапность смерти; отсылка к выражению homo bulla — «человек есть мыльный пузырь».
Гаснущая дымящаяся свеча (огарок) или масляная лампа; колпачок для гашения свечей — горящая свеча является символом человеческой души, её затухание символизирует уход.
Курительная трубка — символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений.
Пустой стакан, противопоставленный полному, символизирует смерть. Стекло символизирует хрупкость, белоснежный фарфор — чистоту.
Нож — напоминает об уязвимости человека и о его смертности. Кроме того, это фаллический символ и скрытое изображение мужской сексуальности.
Песочные и механические часы — быстротечность времени.
Музыкальные инструменты, ноты — краткость и эфемерная природа жизни, символ искусств.
Книги и географические карты (mappa mundi), писчее перо — символ наук.
Палитра с кистями, лавровый венок (обычно на голове черепа) — символы живописи и поэзии.
Кошельки с монетами, шкатулки с драгоценностями — драгоценности и косметика предназначены для создания красоты, женской привлекательности, одновременно они связаны с тщеславием, самовлюбленностью и смертным грехом высокомерия. Также они сигнализируют об отсутствии на полотне своих обладателей.

Давид Байи обучал живописи своих племянников Harmen и Piter Steenwyck.

далее

Красивые цветы.Художник Гаппасов Рамиль.

Польский художник Wladislaw Czachorski.

mimozochka

ГАЛЕРЕИ ЖИВОПИСИ от pmos nmos.

Painting Schools   Painting Masterpieces   Pierre-Auguste Renoir/Gallery Sir Lawrence Alma Tadema/Gallery   William Turner / Gallery   Vincent van Gogh Gallery   Jose Maria Velasco/Gallery   Mexican Painting Masterpieces   English Painting Masterpieces   Gallery of French Masterpiece Famous French paintings    Gallery of Italian Masterpieces   Gallery of German Masterpieces   Gallery of Japanese Painting   Gallery of Russian painting   Gallery of Flemish and Dutch painting   Gallery of Jewish Painting   The world’s most famous paintings   Famous landscape paintings   Famous Bible paintings   Romantic paintings   Antique paintings   Contemporary painting   Gallery of Seascapes   American Seascapes   Bible Art Gallery   World Famous Painters   Seas in art   Indian Painting   Ната_ль_я

Сила искусства. PICASSO.

Токката - орган

 Music - Pieterszoon Sweelinck   

Paintings - Dutch portraits

 

Живопись - Классика жанра - Сценковое

 

klassika

 

 

 

Среди миров, в мерцании светил
Одной Звезды я повторяю имя.
Не потому, что я Ее любил,
А потому, что я томлюсь с другими.

И если мне сомненье тяжело,
Я у нее одной молю ответа.
Не потому, что от Нее светло,
А потому, что с Ней не надо света.
(И. Анненский)

 

 

 

Михаил Георгиевич Малышев — Первый дебют, 1883

 

Храм Воскресения Христова (Спас на крови)

В Санкт-Петербурге, на набережной канала Грибоедова, привлекает внимание удивительное здание храма Воскресения Христова. Его разноцветные эмалевые купола господствуют над окружающими сооружениями, и вместе с куполом Исаакиевского и шпилем Петропавловского соборов создают архитектурный акцент в панораме центральной части города.Освященный в честь праздника Воскресения Христова, храм представляет собой уникальный памятник русской архитектуры и монументально-декоративного искусства конца XIX века.Собор возвели на месте, где 1 марта 1881 года был смертельно ранен император Александр II. Это дало храму второе, более часто употребляемое название -

Дубникова Елена и Чернякова Лидия

далее...

Художник Ян Стен/ Jan Steen

Художник Ян Стен/ Jan Steen (около 1626—1679), знаменитый голландский живописец, непревзойденный мастер бытового жанра. Родился в Лейдене приблизительно в 1626 году в семье пивовара. Учился живописи Стен сначала у Николаса Кнюпфера в Утрехте, а затем, переехав в Харлем, в своем творчестве испытал влияние Дирка Галса и Адриана ван Остаде. Окончательно же развил свой талант и манеру письма Стен под руководством художника Яна ван Гойена в Гааге. Работал, как живописец, в Лейдене, а также в Делфте, Вармонде, Харлеме, Гааге.
Риторики в окне 1662-1665

Проживая в последнем из названных городов и занимаясь живописью, Стен в то же время держал на аренде пивоварню в Делфте. В 1661 году Стен переселился в город Харлем, ставший в дальнейшем ареной самой блестящей творческой деятельности художника. И, наконец, после смерти своего отца, в 1669 году, Стен окончательно поселился в Лейдене, где в 1672 открыл корчму с гостиничными номерами.
Стен писал портреты, пейзажи, библейские композиции , но отдавал предпочтение бытовому жанру.
>>>>>>>