Цитата сообщения Валерий_Звонов
Прогулки по Вене - 6.
Вена у меня ассоциируется еще с двумя именами - Густав Климт и Фриденсрайх Хундертвассер.
Жизнь и эротическое представление о ней, на мой взгляд, составляют суть творчества выдающегося художника конца 19 и начала 20 века Густава Климта.
Жил Климт очень скромно. За границу (да и то ненадолго) он выезжал всего несколько раз в жизни, большую часть времени проводя в Вене и покидая ее лишь для того, чтобы отдохнуть несколько летних недель на озере Аттерзее, в Австрийских Альпах. Несмотря на то, что художник отличался крепким телосложением, любил плавать и заниматься греблей, прогрессирующая депрессия вынуждала его ежегодно, начиная с 1912 года, ездить на воды. Дома Климт жил вместе со своей матерью. Ежедневно он увлеченно работал, иногда даже забывая про обед. Политикой он совершенно не интересовался, и, кажется, не слишком обратил внимание на грянувшую мировую войну.
Густав Климт был самым талантливым в Австро-Венгрии из всех представителей стиля модерн (его называют здесь югендстиль). Творческая манера этого художника-символиста претерпела множество трансформаций: от необарокко его первых картин, к модерну. Климт сменил традиционные аллегории на сложный, изысканный язык узоров, который характерен для его “золотого периода”.
Ранние работы Климта представляли преимущественно большие фрески для театров. Их натуралистический стиль особого интереса для любителей модерна не представляет. В замечательных росписях, изображающих аллегорические фигуры, выполненных в 1891 году Климтом над большой лестницей, расположенной в венском Музее истории искусств, впервые видны типичные для югендстиля четкий силуэт и приверженность к орнаментализму.
Период рубежа ХIХ - ХХ веков вошел в русскую историю как один из необычайно ярких всплесков творческой энергии. Столь стремительный взлет творческой активности стал, в том числе, и причиной рождения в сознании современников особого стиля – стиля модерн – сразу же окрещенного за особую содержательную направленность дополнительным синонимом – «новый стиль».
Культура модерна в высшей степени самобытна и самоценна, так как подарила миру целую плеяду замечательных, архитекторов, художников, скульпторов, поэтов и писателей, режиссеров и музыкантов. Одним из таких представителей и был Густав Климт в Австрии и Врубель в России.
К лучшим работам Климта относят его портреты, написанные в более позднее время. Их можно посмотреть в венской Австрийской галерее, размещённой в Императорской резиденции Бельведер. В этом прекрасном дворце, построенном в барочном стиле, находится коллекция живописи, в которой главное место отведено картинам Густава Климта и их жемчужине знаменитому “Поцелую”.
Это одна из самых любимых моих картин. Моделью к этой картине был сам Густав Климт и его возлюбленная Эмилия Флоге. Завораживающее золотое сияние, притушенный эротизм (на картине открыты лишь лица и руки героев) и очевидная целомудренность изображения вызвали восторг публики (в том числе консервативной и пуританской).
Прелесть «Поцелуя» не в новизне, а в гармоничном согласовании всех мотивов, доведенных до пластического и смыслового совершенства, до высшей степени законченности и ясности. Первое, что поражает зрителя – сияние золота. Золотые капли фона, ниспадающие золотые ткани, золото стеблей и листьев - все это занимает чуть ли ни две трети полотна.
Сын ювелира и гравера, получивший первые уроки в отцовской мастерской, Климт всегда высоко ценил выразительные возможности золота. Путешествуя по Италии в 1903 г., художник был потрясен византийскими
мозаиками Равенны в церкви Сан Витале и мозаиками собора Сан Марко в Венеции, выложенными из многоцветной смальты на сплошном золотом фоне, и в его творчестве начался настоящий «золотой период». «Чужестранец из Византии», как его называли современники, Климт щедро использовал в своих картинах позолоту и рельеф, с ювелирной тонкостью и тщательностью прорабатывал каждый сантиметр поверхности полотна, уподобляя его сверкающей мозаике.
Климту в картине "Поцелуй", на мой взгляд, удалось передать тонкую грань между духом и материей, между физическим возбуждением и душевной тоской, между возможным и необратимым. Лукавый искусник Климт спрятал множество загадок и секретов в своем "Поцелуе". Первое, что бросается в глаза - покорность женщины, ее готовность раствориться в мужчине. Но, если приглядеться, становится не совсем ясно, так ли она жаждет этого поглощения?.. Ее фигура достаточно напряжена, и не понятно, хочет ли она обнять его или, все же, пытается оттолкнуть. А, возможно, закрытые глаза свидетельствуют не о каком-то чувстве, но вынужденной необходимости терпеть ласки. "Поцелуй" - это картина, передающая наивысшее, доступное человеку упоение, земное, вневременное - наслаждение мигом вечности.
«Поцелуй» можно назвать «формулой любви»: многие веками хранящиеся в памяти человечества метафоры нашли в этой картине простое и точное пластическое выражение: золотое сияние счастья, цветущая земля, ставшая для влюбленных раем, Вселенная, в которой нет никого и ничего, кроме этих двоих, мгновенье длинною в вечность… Своим целомудрием и искренностью картина сразу же завоевала сердца взыскательной венской публики.
В другом Венском музее Леопольда также можно увидеть картины Климта. Есть они и вхудожественно-историческом музее. Вот несколько его картин.
Маковое поле
Деревня
Интересная работа Климта представлена в Сециссионе. Само название (сецессион – раскол) вызвано протестом против традиционного искусства венского Дома Художников, где царил консерватизм, ориентированный на историзм. Девизом художественной группы стали слова, которые сегодня можно прочесть над входом в здание Сецессиона: «Каждому времени – своё искусство, каждому искусству – своя свобода». «Венский Сецессион» играл большую роль в художественной жизни Австрии. Это объединение художников было основано 3 апреля 1897 года Густавом Климтом, Коломаном Мозером, Йозефом Хоффманном, Йозефом Марией Ольбрихом, Максом Курцвайлем, Эрнстом Штёром, Вильгельмом Листом, Йозефом Энгельгартом и другими.
«Мы хотим объявить войну стерильной рутине, неподвижному византинизму, всем видам плохого вкуса… Наш «Сецессион» не является борьбой современных художников со старыми мастерами, но борьбой за успех художников, а не лавочников, которые называют себя художниками, но при этом их коммерческие интересы мешают процветанию искусства». Эта декларация Германа Бара, драматурга и театрального критика, духовного отца се-цессионистов, может служить девизом для основания в 1897 году «Венского Сецессиона», одним из основателей, президентом (до 1905 года) и духовным лидером которого был Климт.
Художники молодого поколения больше не хотели принимать опеку, которую им навязывал академизм; они требовали выставлять свои работы в надлежащем месте, свободном от «рыночных сил». Они хотели покончить с культурной изоляцией Вены, пригласить в город художников из-за границы и сделать работы членов «Сецессиона» известными в других странах. Программа сецессионистов была значима не только в «эстетическом» контексте, но также как битва за «право на творчество», за искусство как таковое; это было основание для сражения между «великим искусством» и «второстепенными жанрами», между «искусством для богатых» и «искусством для бедных»
В 1898 году по проекту Иозефа Марии Ольбриха был построен выставочный павильон – «Дом Сецессиона». Компактное, кубической формы здание, украшено пластическим цветочным орнаментом, без особых декоративных излишеств. Сильное впечатление производит золотой шар, венчающий здание, – металлическая ажурная корона, в которой листья лавра являются символом искусства.
Заплатив 6,5 евро за вход в это здание я надеялся увидеть творчество членов этого кружка раскольников во главе с Климтом. Но был весьма разочарован скудностью увиденного.
В 1902 году художники решили создать гимн великому Бетховену. Именно для этой выставки Густав Климт создал свой знаменитый «Бетховенский фриз», который называется «Тоска по счастью». Возможно, художник, задумал его как символическое перевоплощение последней симфонии Бетховена. Климт использовал серебро и позолоту, осколки зеркал, гвозди и пуговицы.
Первоначально предполагалось, что фриз временный и будет экспонироваться только во время выставки, поэтому художник создавал его с тем расчетом, чтобы потом всю композицию было возможно снять.
После окончания выставки «Бетховенский фриз» сняли, и в 1903 году один из покровителей движения Сецессион, Карл Райнингхаус, выкупил его. В 1915 году Карл Райнингхаус продал фриз промышленнику коллекционеру Августу Ледереру. В 1936 году Август Ледерер умер, и законным наследником «Бетховенского фриза» стал Эрих Ледерер. В 1938 году семья Ледерера, наряду с очень многими еврейскими семьями, была лишена имущества, фриз стал государственной собственностью и хранился в складе грузовой компании в Вене. В декабре 1943 года «Бетховенский фриз» из-за опасности воздушных налетов был вывезен из Вены в Замок Тюрнталь около Фельса-на-Ваграме.
Хотя в 1950-е годы Эрих Ледерер был восстановлен в правах собственности, и получил часть своей коллекции произведений искусства, которая не была потеряна или разрушена в войне, – для «Бетховнского фриза» был установлен запрет на экспорт. Частые транспортировки и несоответствующее хранение нанесли серьезный ущерб произведению Климта. С начала 1960-х годов, из-за упомянутого запрета и все более и более срочной потребности реставрации фриза, Ледерер решил продать шедевр. Начались длительные переговоры, и ситуация разрешилась только в 1973 году. Потребовались не только многочисленные оценки экспертов, но и личное вмешательство федерального канцлера Бруно Крайского, прежде чем состоялась покупка фриза австрийским правительством за пятнадцать миллионов шиллингов, и произведение стало частью коллекции Австрийской Галереи.
Непосредственно после покупки начались реставрационные работы и продолжались десять лет. Полностью восстановленный «Бетховенский фриз» был представлен публике в 1985 году на выставке «Мечта и действительность – Вена 1870-1930» в Кюнстлерхаусе. Затем начались длительные дебаты о том, где постоянно будет экспонироваться это произведение. Наконец был предпочтен «Дом Сецессиона», который к этому времени являлся выставочным залом современного искусства. (Во время войны Сецессион был почти разрушен, и восстановительные работы шли до конца 1970-х годов). С 1986 года «Бетховенский фриз» стал доступен для публики.
И я увидел только два фрагмента этого фриза
Конечно, это интересно и впечатляет. Но других художников этого направления я не увидел. Подробнее читайте
здесь
Не существует искусства без покровительства, и меценаты для «Сецессиона» были найдены прежде всего среди еврейских семейств венской буржуазии: Карл Витгенштейн, сталелитейный магнат, Фриц Вэрндорфер, текстильный магнат, а также семьи Книпс и Ледерер, которые поддерживали именно искусство Модерна. Все они были среди тех, кто заказывал картины Климту, и он специализировался на портретах их жен. Очень мне нравится картина Климта Портрет Сони Книпс.
Портрет молодой дамы из общества выражает равнодушие и отчужденность, характерные для всех роковых женщин конца 19 и начала 20 века. Одной из популярнейших идей fin de siecle (конца века) было господство женщины над мужчиной. Тема «борьбы полов» охватила салоны; художники и интеллектуалы тоже участвовали в дискуссии. Афина Паллада, написанная Климтом в 1898 году, была первым образом в его галерее «суперженщин»: со своими доспехами и оружием Афина уверена в победе, она подчиняет мужчину, а возможно, и весь мужской пол. Некоторые элементы, появляющиеся на этой картине, будут основополагающими и в дальнейшем творчестве Климта: например, использование золота и трансформация тела в орнамент, а орнамента — в тело. Климт продолжал работать с внешней формой, в отличие от более молодого поколения экспрессионистов, искавших немедленного проникновения в душу. Визуальный язык Климта брал и мужские, и женские символы из мира фрейдистских сновидений. Чувственный, эротизированный орнамент отражает одну из сторон представлений Климта о мире.
Климт очень дружил в Фрейдом. Философия психоанализа была близка Климту. Климт трактует сексуальность в понятиях, вызванных исследованиями Фрейда в области психологии бессознательного. Рискованные попытки художника — о стыд! — были направлены на то, чтобы представить сексуальность как освобождающую силу, контрастирующую с научным знанием и его ограниченным детерминизмом. От Климта ожидали, что он прославит науку, но вместо этого он увлекся цитатой из «Энеиды» Вергилия, которую Фрейд перефразировал в своем «Толковании сновидений»: «Если я не могу управлять богами, я призову ад».
Ассоциация с сексуальностью и смертностью, Эросом и Танатосом привлекла в то время не только Климта и Фрейда, но и всю Европу. И воплощением этого является Юдифь Климта.
Гордая и свободная, но в то же время загадочная и чарующая, роковая женщина оценивает себя выше, чем мужчину-зрителя. Без сомнения, Климт нашел в Юдифи обобщающий символ правосудия, которое женщина творит над мужчиной, искупающим смертью свою вину. В этой библейской фигуре Эрос и Смерть объединены в знакомом союзе, который fin de siecle (конец века) находил таким интригующим.
Пожалуй, на этом мы и закончим. О музах Г.Климта можете почитать
здесь
Одно маленькое замечание. Не находите ли вы близость творческих подходов у Климта и Врубеля? Трудно узнать, кто на кого повлиял. Они были представителями одного направления в искусстве - стиль модерн.
Модерн был призван будить эстетическое чувство, выводить из мира обыденности. В связи с этим неотъемлемой чертой стиля стала изысканность, изощренность, изящество и манерность криволинейных форм, культ линии, прихотливая изобразительная орнаментация, разнообразные узоры, воцарение растительных, мотивов, всевозможные мозаичные панно, то есть по-разному проявляющаяся декоративность.
Прекрасная эпоха модерна захватила мир с конца XIX века и не отпускает его до сих пор. Конечно образы и формы стали несколько иными, но основная суть стиля модерн осталась. Не все можно в модерне принять, порой он выглядит вычурно и даже не очень эстетично, но отдельные элементы стиля могут повергнуть зрителя в восторг. Одна из деталей стиля - эфемерные женщины, окруженные цветами, необычными растениями, одетые в костюмы фей или же совсем обнаженные. Символизм, плавность линий, гибкость, застывшая музыка... В живописи модерном увлекались или же просто стилистически подражали многие художники - П. Гоген, Г. Климт, М. Врубель, В. Васнецов, Л. Бакст, К. Сомов. В архитектуре это Гауди и Худертвассер. О нем у нас пойдет речь дальше.
