Энди Уорхол – фотограф |
Он снимал голливудских звезд и особ королевской крови, известных спортсменов и политиков, трансвеститов и мафиози. Но первый успех ему принесло банальное изображение банки с томатным супом. Он не расставался с фотоаппаратом последние 10 лет жизни, тем не менее об Уорхоле-фотографе мы знаем очень мало.
Лайза Миннели, Джон Леннон, Рудольф Нуриев, Тед Кеннеди, Сильвестр Сталлоне, Ман Рэй, Джоанна Коллинз – Уорхол фотографировал голливудских небожителей, нью-йоркскую богему и обитателей притонов. Он не стремился показать людей, принадлежащих к определенной социальной прослойке. Между фото трансвестита и голливудской звезды мы не найдем особой разницы. Белый фон уравнял всех. Перед нами портреты, герои которых до сих пор смотрятся вполне современно. Некоторые модели Уорхола мало изменились за 30 лет.
Уорхол не считал себя фотографом, но когда-то сделал неожиданное заявление: «Я не верю в искусство, но верю в фотографию». Хотя творчество гения поп-арта всю жизнь было тесно связано с фотографией. Фотоснимки он использовал для работы в технике шелкографии. Хорошо известны его серии работ знаменитостей – Лиз Тейлор, Мэрилин Монро, Уоррена Битти, Джеки Кеннеди. Уорхол также тиражировал изображения аварий и катастроф. Особенно впечатлила американцев его работа «Тунец – ядовитые консервы» с изображением банок с рыбой и фотографиями людей, умерших от отравления.
Ему часто заказывали работы в технике шелкографии на основе фото, но Уорхол поначалу особо не мучился над вопросом, где брать снимки: самому снимать или нанимать фотографа. Король поп-арта любил упрощать задачи: его модели фотографировались в уличных фотоавтоматах. Так, например, появилась серия «современные подростки», которую заказал журнал «Time».
Уорхол прослыл популярным портретистом. И ему заказывали работы «подМэрилин Монро». Первым, кто захотел подобный портрет своей жены, был владелец таксопарка. Уорхол повел свою модель Этель Скалл в кабинку-автомат. Он все время заставлял Этель двигаться, смеяться и выражать эмоции. Картина из 36 фотографий на документы получилась настолько удачной, что от желающих иметь портреты Уорхола не было отбоя.
Уорхол решил снимать свои модели сам и приобрел «Полароид». Обычно модель (чаще всего это была широко известная звезда) приглашалась в студию. После дружеского обеда на знаменитость накладывался толстый слой грима и Уорхол фотографировал ее у белой стены. Плоскостной эффект, соответствующий макияж создают неожиданный эффект – человек отчасти теряет индивидуальность, иногда звезда смотрится заурядно и буднично. Примечательно, что хорошие знакомые и приятели Уорхола – выглядели более индивидуально. Фотограф старался акцентировать внимание на деталях (например, нос Лайзы Миннели или мускулы Шварценеггера ).
Для Уорхола позировали Сильвестр Сталонне, Деннис Хоппер, Дайана Росс, Джон Леннон, Мик Джаггер, Мохаммед Али и многие другие знаменитости. Только некоторые работы были переведены на холст и растиражированы в технике шелкографии. Известны портреты фотографа Манн Рэя (исследователя Пикассо), Мохаммеда Али, актрис Ингрид Бергман и Джейн Фонды. Много снимков знаменитостей остались в его личном архиве и не демонстрировались при жизни короля поп-арта.
Энди Уорхол любил снимать себя. Он примерял различные образы, стремясь перевоплотиться в сотни разных лиц. Уорхол любил женские парики, которые создавали карикатурную внешность. На полароидных снимках он предстает то в образе Мэрилин Монро, то Джейн Фонды, то просто абстрактной женщины. Уорхол на фото не стремился быть самим собой, большинство автопортретов демонстрируют лишь образы. Настоящий Уорхол остался за кадром.
Уорхол общался с другими знаменитыми фотографами. В 1983 году у него появился личный фотограф Кристофер Макос, совместно с которым он сделал серию автопортретов в гриме и образе женщины. В этих фотографиях ощутимо влияние творчества Ман Рэя, с работами которого Уорхол был хорошо знаком. (Ман Рэй запечатлел серию портретов художника Марселя Дюшана в женском обличье).
Энди Уорхол также снимал мужское ню, торсы обнаженных мужчин. Эти фотографии перекликаются с работами Роберта Мэпплторпа (Robert Mapplethorpe). Именно на творчество этого видного американского фотографа художник оказал значительное воздействие.
Уорхолл фотографировал пейзажи и предметы, которые занимали его воображение. Натюрморты, серии предметов, фотографии животных и пейзажи. У работ интересная композиция, они очень интересны по замыслу и сюжету. Многие работы так и не появились ни на одной выставке при жизни художника, но фотограф и не планировал показывать их массовому зрителю.
Эти фотографии подрывают миф об Уорхоле, который стремился избавить свои работы от смысловой нагрузки. Его фотографии как раз самоценны и уникальны. Да и поклонники поп-арта не хотят вспоминать, что сам художник стремился, чтобы его арт-полотна навевали тоску, равнодушие и уныние. Они до сих пор восхищаются кислотными сочетаниями цветов и называют Уорхола гением изобразительного искусства.
Уорхол начинал работать в технике шелкографии в то время, когда цветная фотография не получила массового распространения. Многие исследователи считают, что художник Уорхол, отталкиваясь от фотографии, хотел показать свое уникальное цветное видение мира. То что он любил яркие, порой не сочетаемые, цвета также имеет своё объяснение. Уорхол всю жизнь не мог выбраться из инфантилизма. Хотя отец поп-арта предпочитал вести неумеренно-разнузданный образ жизни, в душе он оставался капризным ребенком. Он не умел стареть, его приводили в отчаяние морщины, он любил молодежную моду и культуру тинейджеров и подобно ребенку предпочитал яркие цвета. Подобно детям король поп-арта умел извлекать пользу из «пустых никчемных» занятий и превращать обычные вещи в предметы для творчества.
Творчество Уорхола как фотографа пока не исследовано в полной мере. Найдены даже не все работы, которые он сделал. Но его снимки дают возможность увидеть, насколько широк был спектр его интересов и грани его творчества.
|
|
Филипп Халсман и Сальвадор Дали: перформанс длиной в 37 лет |
Сальвадор Дали рано понял, что фотография – неисчерпаемый источник вдохновения и саморекламы. Но только совместно с Филиппом Халсманом ему удалось реализовать необычные эксперименты. Фотограф не просто запечатлел художника. Общими усилиями они создали шедевры фотоискусства, о которых говорят до сих пор.
Художник и фотограф будут общаться на протяжении 37 лет. Это сотрудничество станет судьбоносным для обоих: Халсмана назовут родоначальником сюрреализма в фотографии. Дали утвердит в глазах американцев свою репутацию эксцентричного гения.
Филипп Халсман и Сальвадор Дали познакомились в 1941 году, приехав в Америку с разницей три месяца. Это время стало важным этапом в жизни обоих. Халсману, фотографу еврейского происхождения, в 1940 году удалось после долгих мытарств получить визу в США (ему помог лично Альберт Эйнштейн). Сальвадор Дали вместе с Галой также принимают решение надолго остаться в Америке. Встречи художника и фотографа сначала носили эпизодический характер. Хотя первая работа, сделанная Халсманом, – голый Дали, лежащий в яйце в позе эмбриона –имела шумный резонанс. Фотограф получает серьезные заказы (в которых он очень нуждался, так как приехал в Америку буквально с одной фотокамерой в руках). А художник помещает снимок в автобиографическую книгу «Тайная жизнь Сальвадора Дали».
В 1948 году им пришла в голову занимательная идея, результатом которой стал бесспорный шедевр, который вошел в историю под названием Dali Atomicus.
Сейчас эта работа изумляет тем, что была создана без использования монтажа и последующей обработки. Современников Халсмана фото занимало сложным толкованием.
Дали увлекся ядерной физикой, начав изучать структуру атома. Его интересовала теория Резерфорда-Бора, исходя из которой атом был подобен микроскопической Солнечной системе. Вокруг заряженного ядра движутся противоположно заряженные электроны. Физики также высказали гипотезу, что вся материя находится в подвешенном состоянии временной остановки. Халсман предложил Дали оригинальную идею: сделать снимок с необычной динамикой и композицией.
Фотограф хотел использовать молоко, но в послевоенные годы это могло бы показаться излишней расточительностью. Котов следовало просто подбрасывать и взрывать (какие физические процессы символизировал взрыв – история умалчивает). Потом от «напрасного перерасхода» котов решили всё-таки отказаться. Фотограф представил, сколько животных придется принести в жертву во имя искусства (и сколько крови надо будет отмыть в процессе съемки).
На леске были подвешены предметы интерьера. На счет «три» из левого угла помощники подбрасывали котов, из правого - выливали воду. В следующее мгновение подпрыгивал Дали. Жена Халсмана Ивонна держала стул. Через несколько дублей фотограф шел проявлять плёнку, ассистенты вытирали воду и сушили котов. Халсман, чтобы добиться реалистичности, использовал очень сильное освещение. Только 28-й кадр получился удачным, к облегчению уставшего Дали (и к немалой радости ассистентов и ошалевших котов). Dali Atomicus имеет прямую ссылку на картину Дали «Атомная Леда», которая находится в левом углу.
Позже в 50-х годах Халсман запечатлел похожую композицию, которая получила название «Космический Дали»: парящие багеты, батоны и крошки вокруг обнаженной девушки и стоящим в необычной позе Сальвадором Дали. В процессе съемки крошки и куски хлеба все время летели в лицо натурщицы, которая ловко отворачивалась от «космических объектов».
Для другой работы «Смерть в наслаждении» (In Voluptate Mors), рисунок придумал сам Дали. Для эскиза черепа из женских тел выбирали натурщиц, фигурой похожих на его любимую модель - жену Галу. У натурщиц маленькая грудь, красивые крупные бедра. (Девушки с большим бюстом позируют, лежа спиной к зрителю). Сам Сальвадор смотрит в камеру с отстраненно-безумным выражением лица.
Халсман также запечатлел сам процесс фотосъемки.
«Без каталонца с его привлекательной внешностью и небывало закрученными усами сюрреализм бы не достиг в Америке такой популярности» - иронично писала американская пресса. Действительно, Сальвадор Дали был чрезвычайно фотогеничным.
О главном украшении своего лица он готов был разговаривать часами. «Усы мои растут – как и сила моего воображения», - писал Дали. В конце концов фантазия окончательно восторжествовала и фотографиям усов была посвящена целая книга «Усы Дали: фотоинтервью», - которая вышла в 1954 году, став плодом совместного творчества.
Сальвадор Дали получился в ней таким, каким он был – безумно талантливым и талантливо безумным. Необычайно шумный успех имел один снимок, о создании которого художник вспоминал так: «Я тут же, не сходя с места, решаю сфотографировать волосяную историю марксизма. С этой целью… вешаю себе на усы шесть белых бумажных кружочков. На каждый из этих кружочков Халсман по порядку, один за другим, накладывает портреты: Карла Маркса с львиной гривой и бородой… Сталина, чья густая поросль на лице ограничивалась усами, и, наконец, начисто бритого Маленкова».
Халсман отговорил вешать портрет Хрущева, убедив, что тот вряд ли обогатит «волосяную историю марксизма». Отсутствие генсека на усах Дали облегчило пребывание Халсмана в СССР, который он посетил в 1960 году. Как оказалось, фотография «волосяная история марксизма» была хорошо известна «товарищам по партии» и Халсману пришлось отвечать на каверзные вопросы, которые только вгоняли всех в неудобное положение. Когда фотограф рассказал художнику об этом эпизоде, тот лишь весело рассмеялся.
Они встречались почти каждый год, обогащая друг друга идеями и разрабатывая новые сюжеты. Дали с носорогом, Дали, парящий в воздухе с усами-антеннами, Дали на фоне своей картины с окровавленными руками – какие только своеобразные идеи не приходили им в голову.
Дали всячески выделял свою эксцентричность и даже простой сюжет: художник подписывает свои книги, они обставляли с необычайной тщательностью. Сальвадор в костюме Санта Клауса (похожий больше на Деда Мороза) и с ведерком черной икры, рядом с Галой.
Последний раз они встретились в 1978 году – за год до смерти Халсмана. Фотограф, подводя итоги жизни, напишет: «Всякий раз, когда я нуждался в поразительном герое для моих безумных идей, Дали милостиво соглашался поучаствовать. И наоборот, когда Сальвадор придумывал сюжет, который казался невозможным для воплощения, я пытался найти способы его решения. Мы были как два сообщника, которые создавали образы, которых нигде не существовало за исключением нашего воображения»
|
|
Советы по технике позирования, которые помогут вам свободно себя чувствовать перед камерой |
Почему-то многие надеются на то, что на съемочной площадке фотограф возьмет инициативу в свои руки и нужно будет просто внимательно выполнять его указания. Но все фотографы работают по-разному, и то, что для одного является нормой, другому кажется излишним. Представьте, что некоторые из них могут настолько увлечься процессом, что забывают разговаривать с моделью и руководить ею, представляя ей полную свободу действий. Модель не должна оказаться беспомощной в такой ситуации. Для нее умение преподносить себя, чувствовать собственное тело и объектив является первоочередным и обязательным. Она должна знать все свои достоинства и все недостатки, стараться так повернуться перед камерой, чтобы зафиксировать красивые линии и прикрыть не самые выигрышные места фигуры отвлечь от них внимание.
http://flickr.com/photos/iluvrhinestones/2184835562/
Чтобы позирование превратилось в удовольствие, нужно не только много и настойчиво работать над психологической стороной этого процесса, но и постоянно заниматься практикой. Обязательно пробовать выполнять различные позы, запоминая при этом ощущения тела, находя удачные ракурсы и подбирая к ним различные мимику и жесты. Для фотомодели такой ежедневный тренинг - профессиональная необходимость.
Придумать самому новые позы довольно трудно, потому что каждую позу нужно прорабатывать с учетом индивидуальных внешних данных. У большинства из нас существует несколько любимых и комфортных поз, которые используются нами в быту. Вот с них-то, пожалуй, и нужно начинать, выбирая для себя позы в арсенал фотомодели и приступать к позированию в студии. Обычно люди инстинктивно выбирают в жизни те позы, которые им подходят по темпераменту, сложению или настроению, поэтому привычные положения тепа выглядят наиболее естественно. И только всесторонне изучив простые бытовые позы, можно начать пополнять свою копилку более сложными и экстравагантными.
Для определения ракурсов, которые вам подходят лучше всего, можно использовать большое трехстворчатое зеркало, в котором во время позирования вы сможете видеть себя сразу с нескольких сторон.
http://flickr.com/photos/infosjoerd/426553420/
Позируя, профессиональная модель настолько оттачивает свое мастерство, что при работе создается ощущение, что она исполняет завораживающий медленный танец. Непрерывно и плавно одна поза перетекает в другую, ненадолго фиксируясь, чтобы дать фотографу возможность нажать на спуск камеры. При этом появляется огромное множество вариантов и нюансов отдельных поз. За десять минут хорошо подготовленная модель может выполнить в режиме такого танца до ста поз. Причём важно, чтобы среди них не было случайных, все должны выгодно подавать её внешность и демонстрировать только её достоинства.
Позы стоя - одни из самых распространенных и имеют самое большое количество вариаций. При позировании стоя нужно помнить, что любые изгибы тела украшают женскую фигуру. Особенно фотогеничны боковые изгибы в талии при разноуровневой постановке бедер и прогиб поясницы, ВИДИМЫЙ при любых боковых ракурсах. Чем он более выражен, тем лучше воспринимается фигура. Нужно отметить, что при движении и изгибании тела образуются складки кожи. Фотогеничны они только в том случае, если возникают на месте расположения суставов, обычном для сгиба. Если же такие складки подчеркивают дряблость кожи и наличие лишнего подкожного жира, их появления надо избегать любым способом либо маскировать.
http://flickr.com/photos/joshots/2561222196/in/set-72157594239152186/
При компоновке поз важно учитывать, что любые перекрещивающиеся линии привлекают к себе внимание зрителя и становятся центром композиции, а замкнутые контуры ограничивают своими рамками взгляд. Кроме того, любая деталь, выдвинутая вперед, также превращается в смысловой центр композиции. Но этим приемом следует пользоваться с осторожностью. Слишком близко вытянутые к объективу руки при крупных планах выходят нерезкими и расплывчатыми, а выдвинутая вперед голова также выдает непрофессионализм.
С помощью наклонных поз можно изменять и исправлять пропорции фигуры, поэтому они достаточно универсальны и подходят подавляющему большинству моделей. Кроме того, они могут выглядеть довольно эротично, особенно при ракурсах сзади, и играть роль завлечения зрителя. Позы с упором рук в колени в профиль рекомендуются только моделям с хорошими физическими данными. Они позволяют продемонстрировать изгиб позвоночника в пояснице и красивые ноги. Остальным рекомендуется разворот в фас или вполоборота, не позволяющий оценить истинные соотношения частей тела. Причем чем больше нарушены пропорции, тем сильнее нужно развернуться в фас.
При боковом упоре на одну ногу отставленная в сторону нога покажется бесконечной, если ее линия будет плавно переходить в линию туловища. При этом наибольшего эффекта от позы можно достичь, добиваясь, чтобы угол ее наклона был близок к 45°.
http://flickr.com/photos/gree/1012597497/
Позы сидя используются в фотографии не реже, чем позы стоя. Многие из них встречаются в быту, поэтому без дополнительных усилий принимаются моделью при позировании. Нужно помнить, что руки или ноги, отставленные под углом, близким к 45°, значительно улучшают восприятие сидящей фигуры. Повторяющиеся по форме изгибы рук и ног задают композиции определенный ритм, что приносит в снимок дополнительную художественную ценность. При сгибании различных частей тела могут образоваться так называемые стрелки, задающие направление взгляду зрителя. Это также следует учитывать при постановке позы. Сидеть можно не только на обычном стуле, но и на полу, высокой или, наоборот, низкой подставке, что вносит определенные нюансы в позу и дает дополнительные возможности для ее конструирования.
Так, например, позы, когда модель сидит прямо на полу или на другой ровной и широкой поверхности, воспринимаются как неформальные и передают интимную, домашнюю атмосферу. Ноги при низкой посадке часто бывают сильно согнуты, образуя различные варианты «стрелок».
Позирование лёжа используются в фотографии гораздо реже, чем предыдущие, хотя имеют гораздо больший потенциал, чем это принято считать. Самые известные применения позы лежа - изображение отдыха, демонстрация фигуры и эротическое завлечение зрителя. Но при желании в этой позе можно найти массу других возможностей. Когда лежа на боку модель вытягивает одну ногу, то зрительно она кажется длиннее. Если ноги короткие, лучше, чтобы согнута была нижняя нога. Рука модели повторяет изгиб бедра, красиво подчеркивая его.
Упертая в бедро и согнутая в локте рука становится причиной отвлечения внимания от вытянутой ноги. Вследствие этого эффект ее визуального удлинения несколько теряется. При подгибании верхней ноги кажущееся удлинение ног проявляется не так сильно из-за зрительного разделения вытянутой ноги на части, но при длинных ногах можно позволить себе и такой вариант этой позы.
Поза «на боку с опорой на предплечья обеих рук» похожа на вышеописанные позы, но более спокойна и уютна. Кроме длины ног она дает возможность продемонстрировать поясничный прогиб, придающий ей дополнительную грацию. Если одна нога согнута в колене, то такая поза также фотогенична независимо от того, какая нога согнута - ближняя к объективу или находящаяся за ней. А вот перекрещивать их нежелательно - ноги при этом внешне заметно выглядят короче. Исключение составляют те случаи, когда стопа одной ноги упирается в другую, образуя замкнутый контур. Поза «лежа на спине»», когда согнутая в колене нога подпирает вытянутую, очень удачна как с точки зрения композиции, так и для демонстрации фигуры. Как всегда в подобных случаях, угол наклона вытянутой ноги, близкий к 45°, только украсит эту позу.
Позирование в движении - наиболее сложная часть профессии фотомодели. Оно базируется на знании основных поз и умения их выполнять и дополняется пластикой и красотой движения. Некоторые позы невозможно удерживать дольше доли секунды, зато фотографии они дарят редкую динамичность и необычность композиции. На практике позирование в движении применяется довольно редко, так как представляет определенную сложность для фотографа и требует от него высокого уровня профессионализма. Но этот способ неоценим в тех случаях, когда необходимо запечатлеть красоту прыжка балетной танцовщицы, передать мощность рывка спортсмена к победе, создать снимок, наполненный экспрессией движения. При этом становится возможным поймать совершенно необычные и экстравагантные позы, которые даже натренированный человек может удерживать в течение крайне непродолжительного времени. Кроме того, заставляя модель выполнять какие-либо действия, легче преодолеть ее первоначальную скованность и добиться большей естественности съемки.
Перед началом такого позирования модель должна сконцентрироваться на предстоящем движении. Нужно мысленно разбить его на мелкие этапы, вычленить наиболее выигрышный и выразительный момент, чтобы потом постараться зафиксировать его на пределе возможностей мускулатуры. Задержав, таким образом, положение тела в пространстве хотя бы на доли секунды, вы значительно облегчите задачу фотографа. Самый простой вариант - фотография идущей модели. В отличие от позы с совмещенными щиколотками ног, на которую она внешне похожа, такая фотография более динамична за счет развевающейся при движении одежды. Интересно можно обыграть в движении длинные распущенные волосы модели. Например, ими можно взмахнуть вверх, выпрямляясь из наклона вперед. При этом поднявшиеся вверх волосы в сочетании с полусогнутыми коленями придадут позе невероятную энергетику.
При повороте тепа вокруг своей оси закручивающим движением с одновременным приседанием взметнувшиеся вокруг головы волосы подчеркнут резкость движения. Резко присев, модель заставила волосы взметнуться вверх и создала образ «дикий» и непокорный. Можно обозначить движение поворота торса модели, используя шаль или платок, которые дополнят впечатления от развевающихся волос. Это сделает снимок динамичнее. Особенно интересными получаются фотографии двигающихся спортсменок при выполнении сложных упражнений.
Позирование – это сложное искусство, которое доступно не каждому, но экспериментируя и анализируя свои фотографии можно добиться успеха.
|
|
История календаря Lavazza – новое слово в фотографии |
Что может быть общего у Хельмута Ньютона и Эллиота Эрвитта, Энни Лейбовиц, Дэвида Лашапеля и Леонарда Фрида? Они и многие другие известные фотографы принимали участие в съемках календаря Lavazza. Фотографы, разные по стилю, тем не менее создали настоящие произведения искусства, олицетворение роскоши и красоты. Календари давно приобрели статус коллекционных. Ретроспективные выставки работ из него проходят в разных городах мира.
Итальянские достопримечательности, средневековые замки Японии и Китая, межгалактические путешествия, сюрреализм, международные авиалинии и даже… опера становились темой фотографий, которые появлялись в календаре. Для съемок привлекались фотографы с мировым именем, а съемки проходили на пяти континентах с привлечением самых известных звезд.
Фотография как образец элегантности, экстравагантности и стиля. Похоже, изначальный критерий, который был выбран для фотографий календаря Lavazza, оказался верным. Ибо сразу после первого выпуска календарь стал раритетным и представляет сегодня предмет коллекционирования. Первый календарь создал в 1993 году Хельмут Ньютон. Съемки проходили в Монте-Карло и Париже, для календаря была приглашены известные модели. Хельмут снял моделей в стиле Ар-Нуво, к которому был крайне неравнодушен. Каждая фотография несет в себе какую-то историю, домыслить которую можно самостоятельно. 73-летний фотограф стал единственным, кто приглашался для съемок календаря два года подряд.
Эстафету в 1995 году продолжила ученица Хельмута Ньютона, бывшая модельЭллен фон Унверт (Ellen Von Unwerth). В съемках приняла участие модель Карла Бруни. Фотограф частично переняла стиль своего учителя, но все-таки привнесла свое видение, в частности, иронию (Эллен, которой календарь Lavazza принес мировую известность, приняла участие в съемках и в 2006 году).
В 1998 году календарь Lavazza доверили итальянским фотографам Фердинандо Счиана и Марино Паризотто, которые воспели красоту Италии и итальянских моделей.
На пороге нового тысячелетия руководство Lavazza впервые пригласило фотографов агентства «Магнум». 12 фотографов, среди которых Леонард Фрид, Стив Мак-Карри, Георгий Пинхасов, Инге Морат, рассказали о любви к кофе, которая практически одинакова в любой точке мира: неважно, Япония это или Бразилия, Канада или Вьетнам. Съемки, соответственно, проходили в 12 странах мира.
На следующий год календарь представлял Эллиотт Эрвитт, который почти никогда не принимает участие в подобных рекламных проектах. Уже немолодой фотограф объехал 12 стран Европы и запечатлел семьи, которые любят кофе.
Эра цветных календарей Lavazza наступила в 2002 году. Для съемок был приглашенДэвид Лашапель. Хотя день съемок этого известного фотографа стоит 185 тысяч долларов, но в компании никогда не привыкли экономить на расходах, связанных с календарем. Фотограф, который славится тем, что умеет придумывать необычные и запоминающиеся сюжеты, и в этот раз проявил себя как гений эпатажа.
Ни одна статья о календарях Lavazza не обходится без фотографий Жана Баптиста Мондино, которого пригласили для съемок в 2003 году. Хотя критики в свое время назвали работы Мондино всего лишь хорошими рекламными постерами, но вот уже десять лет его фотографии обязательно участвуют во всех ретроспективных выставках календаря. Ложки и чашки в качестве одежды и украшений – что тут оригинального? Но Мондино сумел преподнести идею так, что, пожалуй, оставил позади других фотографов, которые отправляли своих моделей в межгалактическое путешествие на планету, сделанную из… кофе и сахара.
Эрвин Олаф в 2005 году поселил своих моделей в мире куда более фантастическом: розовая страна фантазий, где правит прекрасный пол. Но Олаф придерживался идеи, которая объединяет, пожалуй, большинство удачных проектов Lavazza: показать роскошь, элегантность, чувственность, добавив только малую толику иронии.
Финли Маккей никогда не участвовал в подобных проектах, но приглашение принял и взялся за проект календаря-2008 с невиданным размахом. Съемки проходили в Санкт-Петербурге, Осло, Лондоне, Восточном Китае и Египте. На моделях драгоценности от ювелирного дома Дамиани, платья от Вивьен Вествуд, а декорации по роскоши соперничали с королевскими апартаментами. По словам креативного директора компании Франчески Лавацци, работы воссоздают атмосферу средневековых дворцов Японии, Китая и России (!). Презентация прошла в Версале и, пожалуй, стала самой громкой за всю историю существования календаря.
От российского и японского средневековья в работах мало что осталось (фото, сделанное в Санкт-Петербурге, скорее отображает 18 век, а не средние века). Но вот собственный стиль, присущий календарям Lavazza, Маккей сумел передать идеально. Экстравагантность и вычурность декораций не мешает работам фотографа быть интересными и талантливыми.
Следующие три года фотографы интерпретировали темы, так или иначе связанные с Италией. В 2009 году для съемок календаря привлекли Энни Лейбовиц, одна из работ которой - фото обнаженной Электры Росселини в тарелке итальянской пасты- известна практически каждому.
Майлсу Олдриджу досталась нелегкая тема – интерпретировать шесть популярных итальянских песен (включая две оперные арии). Критики к его работам отнеслись благосклонно – у него получились не просто статичные композиции, а работы, в которых передана атмосфера Италии. Многие находят, что фотографии имеют визуальные цитаты из фильмов Федерико Феллини.
Марку Селиджеру досталась не такая замысловатая задача: показать влюбленные пары на фоне итальянских пейзажей. Хотел того фотограф или нет, но в его работах нельзя не увидеть налета иронии. Ромео, спустившийся с небес на парашюте, который опутал чашку с кофе – это и смешно, и запоминающее.
Календари Lavazza давно стали больше чем средством рекламы. Руководство компании всегда делало ставку на личность фотографа. Недаром, юбилейный 20-й календарь, состоит из автопортретов фотографов, когда-либо работавших с брэндом. Больше чем рекламная продукция - календарь стал новым словом в искусстве фотографии. Пусть не каждая работа претендует стать произведением искусства, но история календаря наверняка войдет в историю фотографии.
|
|
Голливудские фотографы середины XX века |
Голливуд середины прошлого века подарил истории фотографии плеяду талантливых мастеров. Они стали родоначальниками нового жанра - голливудского гламура «Глянцевое фото», родившись в 30-х годах прошлого века и претерпев значительные изменения, благополучно дожило до наших дней.
Самый знаменитый голливудский фотограф Джордж Харрелл в молодости хотел стать художником и вовсе не мечтал о карьере в Голливуде. Но, увлекшись фотографией, забросил занятия живописью. Знакомство с летчицей Пончо Бернс оказалось знаковым для его карьеры фотографа. Бесс пришла в восторг от работ Харрелла и познакомила его с кинозвездой Голливуда Рамоном Наварро, а тот, в свою очередь, с актрисой Нормой Ширер, которая хотела получить новую роль в фильме «Разведенная». Норму не видели в амплуа роковой красавицы, но Харрелл сделал серию первоклассных снимков актрисы, так что Ширер немедленно взяли на роль, а фотографа зачислили в штат студии MGM. Впоследствии Харрелл работал во всех голливудских киностудиях, запечатлев американских звезд той эпохи.
В работе Харреллу очень пригодились навыки художника. Фотограф оказался высококлассным ретушером, который вполне умело пользовался художественными приемами. Талант голливудского портретиста отнюдь не сводился к тщательной постановке света и выбору удачного ракурса. Каждый портрет Харрел доводил до ума в фотолаборатории, убирая пигментные пятна и морщины и добавляя одухотворенности образу простым карандашом и химическими средствами. Он пририсовывал ресницы (с тенью от них на лице!), подсвечивал скулы, убирал морщины и складки.
Актрисы на снимках выглядели обворожительно сексуальными, а мужчины - брутальными мачо. Харрелл изобрел новый метод, технические приемы которого сводились к тщательной постановке света, созданию драматического сексапильного образа и ретушированию, которое по сложности намного превосходило современный фотошоп. Фабрика грез стала поставщиком первых фотографий пинап, которые раскупали миллионы американцев.
На этих фотографиях актеры выглядели небожителями фабрики грез, прекрасными жителями сказочной страны, в которой царит роскошь и беспечность. В реальности большинство из них были связаны кабальными договорами и могли только мечтать о гонорарах современных звезд. Но Голливуду никогда не было дела до реальности.
Харрелл прожил 84 года, и хотя его стилю пророчили забвение, к нему в студию мечтали попасть звезды 70-80 годов прошлого века. Он фотографировал современных звезд, включая Брук Шилдс, Джона Траволту и Шэрон Стоун.
«Эталон неземной красоты» царил в Голливуде 30-е и 40-е годы, но наряду с Харреллом в Голливуде работали фотографы, которые отличались более динамичным стилем.
В сороковые годы в Голливуде оказался известный фотограф Ман Рэй. Спасаясь от нацизма, он вынужден был вернуться Америку после 20-летнего пребывания в Париже. Ман Рэй был обескуражен новостью, что на родине его знают преимущественно как фотографа (а не художника) и долгое время отказывался от коммерческой съемки. Но впоследствии оставил несколько впечатляющих портретов голливудских актеров.
Если Харрелл менял одну голливудскую студию на другую, соблазнившись более высокими гонорарами или ссорясь с руководством, то другой голливудский фотограф Синклер Кларенс Булл проработал в кинокомпании MGM свыше сорока лет, запечатлев звезд 20-50 годов. Он фотографировал таких известных актеров как Вивьен Ли, Кларк Гейбл, Грейс Келли. В истории фотографии он больше известен как личный фотограф Греты Гарбо. Фотограф сделал более четырех тысяч ее портретов.
Гарбо предпочитала специфическое освещение, так чтобы подчеркивались скульптурность и мраморная белизна лица. Ей нравились работы, где она выглядела загадочной и холодной богиней.
Голливудский фотограф Эрнест Бахрах стремился раскрыть характер, показать индивидуальность актрисы. Его портреты отличались динамичностью и живостью. Кроме того Бахрах вел курсы фотографов и обучил многих голливудских фотографов. Бахрах снимал Мэрилин Монро, оставив черно-белые и цветные фото актрисы.
Ласло Виллингер прославился портретами, которые попадали на обложки журналов и газет. Он как никто другой умел найти подход к звездам киноэкрана и запечатлеть эфемерную холодность Марлен Дитрих, сделать импозантным Чарли Чаплина и неординарно снять самую красивую пару Америки Лоуренса Оливье и Вивьен Ли.
Голливудские фотографы не всегда были баловнями судьбы и часто становились заложниками звезд, которые любили выдвигать свои условия. Грета Гарбо рассорилась с Джорджем Харреллом (хотя у последнего тоже был характер не подарок). Лана Тернер хотела, чтобы Эрик Карпентер снимал исключительно ее и не отвлекался на другие съемки. Ласло Виллингер стоически сносил невероятные требования Дитрих, которая предпочитала, чтобы фотографы были всего лишь инструментами в ее руках. Но этот фотограф предпочитал снимать многих, а не одну Марлен.
В конце 50-х годов студийная черно-белая съемка вышла из моды. Голливудские фотографы стали работать в ином жанре. Но и сегодня портреты голливудских звезд вызывают восхищение высококачественным мастерством и считаются образцом стиля, став достоянием фотоискусства.
|
|
Японская эротическая фотография |
В Японии никогда не было культа обнаженного женского тела. Поэтому неудивительно, что жанр ню здесь разительно отличается от европейской фотографии. Японская эротика неискушенному зрителю может показаться даже порнографичной, хотя на самом деле это не так. Японская эротика – это возможность увидеть неведомое в знакомых вещах.
За пределами Страны Восходящего Солнца преставление о японской эротической фотографии сформировали три фотографа – Эйко Хосое, Кишин Шинойяма иНобуеси Араки. Последний приобрел скандальную известность, так как его выставки не раз закрывались полицией.
Нобуеси Араки за свою жизнь собрал солидное количество нелестных эпитетов, среди которых «сентиментальное чудовище» звучит комплиментом. Его фотографии цветков и растений даже искусствоведы называют порнографическими. В то же время Нобуёси Араки - очень знаменитый фотограф, которого в Японии знают в лицо даже дети.
В интервью он охотно рассказывает о сексуальных связях со своими моделями, его работы шокируют и вызывают противоречивые чувства у рядового зрителя. Но на аукционах фотографии Араки считаются одними из самых дорогостоящих и не уступают работам классиков фотоискусства. Всемирно известные издательства публикуют его книги, которые расходятся приличными тиражами.
В облике 73-фотографа нет ничего монструозного, хотя Араки старается подбавить в собственный имидж немного демонизма. Он до сих пор занимается эротической съемкой, но сексуальные связи с моделями (если они вообще были) остались в прошлом. Несмотря на возраст, он интенсивно работает, ведет собственное шоу и издает каждый год по несколько книг. Всего на его счету 250 изданий.
Араки накрыла скандальная слава из-за фотографий связанных девушек. Темой бондажа увлекались и европейские, и американские фотографы. Но многие (за редким исключением) пошли по кривой дорожке порнографии. Сделать из этого искусство смог фотограф из страны, где культура связывания формировалась веками. Японцы искусно связывали пленных (чтобы доставить добычу домой) – но постепенно искусство связывания перешло в сексуальную культуру, и потом уже и в искусство.
В стране, где издавна практиковались добрачные половые связи (среди простых людей), а юную соседку можно было увидеть голой без особого труда (бани и туалеты были общими) не могло не сформироваться своеобразная (на европейский взгляд) эротическая культура. Правда, с конца 19 века представления о морали стали гораздо строже. Но из культуры искусство связывания никуда, естественно, не исчезло, продолжая жить полулегально.
Самого японского фотографа называют последователем японских художников, работающих в эротическом жанре «весенние картинки». Хотя общее у них, пожалуй, только в бытовых деталях. Обычно фотограф, как и японские художники, снимает одетых женщин, у которых открыта нижняя часть тела.
«Я демонстрирую связанные тела женщин, потому что знаю, этого нельзя сделать с их душами. Связать можно только физическое. Обматывание женщины веревкой сродни тому, как если бы вы ее обнимали». Так говорит сам художник.
Сексуальный накал его фотографий поражает. Работы фотографа в самой Японии не раз вызывали скандалы. Примечательно, что Араки обвиняли не в том, что он делает порнографические работы, а в том, что выставляет их на всеобщее обозрение.
Араки считает, что нужно и важно будоражить зрителя, неважно, творчеством или собственной биографией. В 1971 году он женился, итогом свадебного путешествия стал фотоальбом «Медовый месяц». Молодожены отпечатали альбом небольшим тиражом, и юная жена Йоко предлагала издание своим шокированным коллегам. Тираж был моментально раскуплен. А Нобуеси Араки из заурядного рекламного фотографа превратился в известную личность. Хотя он прекрасно осознавал, что на одном скандале далеко не уедешь. «Шокировать – дешевый трюк при отсутствии таланта» - не раз говорил фотограф.
Мировую славу Нобуеси Араки принесла книга (точнее трехтомник) «Бондаж», где отведено достаточно места фотографиям связанных девушек в школьной форме, отелям любви и техникам связывания. На сомнительной порнографической почве Араки сумел создать высокохудожественные работы, в которых женщина отнюдь не выглядит жертвой. Молодым японкам нравятся работы Араки: демонстрировать сексуальную раскрепощенность – для них значит быть независимой. На Западе отношение к этой теме неоднозначное. Феминистки терпеть не могут Араки и не раз требовали запретить его издания. Но мало кто прислушивается к словам самого фотографа, который не раз говорил, что делая эротические снимки, он прежде всего изучает свое собственное «Я».
Японский фотограф Кишин Шинойяма (Kishin Shinoyama) известен эксцентричным характером и необычными работами. На родине он прославился фотографиями поп-звезд (в том числе Джона Леннона), а в Европе и Америке хорошо известны его эротические работы. Он фотографирует с искажением пропорций, не особо жалуя студийную съемку, предпочитая работать на природе. У него необычная манера снимать. Его модели чрезвычайно чувственны и раскованны. Приверженность к необычному ракурсу съемки резко отличает его эротические работы от творчества других фотографов.
Другой классик японской фотографии Эйко Хосое (Eikoh Hosoe), учеником которого был Шинойяма, прославился за пределами страны благодаря своим эротической работам. В молодости он не собирался снимать в жанре ню (предпочитая темы, актуальные для послевоенной Японии). Потрясение он испытал после просмотра хореографической постановки «Запретные цвета» по мотивам повести Юкио Мисимы. Фотограф создал серию снимков с танцовщиками постановки. Гомоэротичные мотивы не помешали работам, представленным на выставке «Мужчина и Женщина», стать сенсационной.
Его творчество сравнивают с работами Роберта Мэпплторпа. Своеобразные ракурсы, лаконичность, игра свет и тени, фрагментарность – довольно скупой визуальный ряд, но эти работы излучают мощную сексуальную энергетику.
Мировую славу ему принесла книга Barakei (Испытание розами). Моделями послужили хореограф Тацуми Хидзиката и писатель Юкио Мисима. Как водится, в книге не обошлось без гомоэротики и садомазохизма - мотивы, которыми были наполнены книги писателя. Но самым запоминающим в книге был портрет классика японской литературы Юкио Мисимы, который был счастлив сниматься у фотографа. Вот что писал Мисима о фотосъемке «Перед камерой Хосое я вскоре осознал, что мой дух, все труды моего разума стали совершенно излишними. Это был возбуждающий опыт, состояние, о котором я мечтал долгое время».
Даже если бы Хосое сделал один этот снимок – он все равно попал бы в историю фотографии. Юкио Мисима был одержим мыслями о смерти. Он усердно культивировал свое тело (благодаря бодибилдингу из хлипкого невзрачного юноши Мисима превратился в японского Аполлона). Но занятия спортом были нужны не для жизни и любви, а для того чтобы красиво покинуть этот мир. Он еще не раз позировал фотографу, а в 1970 году совершил долгожданное публичное харакири.
Эрос и Танатос в японской культуре связаны воедино. Поэтому образы смерти в эротической японской фотографии однозначно присутствуют. Про смерть любят поговорить и Нобуеси Араки, и 80-летний Эйко Хосое.
Но японская фотография для европейского зрителя (для которого мотивы смерти как-то не особенно популярны) ценна другой стороной. Японская эротическая фотография пытается рассказать не столько о красоте человеческого тела, сколько о том, что остается за рамкой снимка. Для фотографов их работы – инструмент познания окружающего мира. Пусть очень необычный, но запоминающийся для европейского зрителя.
|
|
Playboy как искусство фотографии |
Журналу «Плейбой» исполнилось 60. В разное время для журнала снимали Хельмут Ньютон, Марио Тестино, Марко Главиано, Терри Ричардсон, Дэвид Лашапель, Эллен фон Унверт, Патрик Демаршелье и многие другие мастера. Неудивительно, что Playboy изменил представление не только об эротической фотографии, но и во многом повлиял на фэшн-фотографию.
В 1953 году Хью Хефнер начал издавать журнал, который должен был стать путеводителем по изысканной жизни для американских мужчин. Своего читателя издатель позиционировал как обладателя холостяцких апартаментов, любителя вечеринок, беседующего о творчестве Пикассо и Фрейда с сексуально раскрепощенными девушками. Мужской аудитории стиль нового журнала откровенно льстил. Правда, интеллектуальные статьи и рассказы Набокова американский плейбой осиливал с большим трудом. Поэтому вскоре журнал перешел на формат попроще и стал публиковать интервью со знаменитостями. Для съемок звезд привлекались лучшие фотографы, которые запечатлели Николаса Кейджа, Роберта де Ниро, Энди Уорхолла, Джон Леннона и других влиятельных персон. Многие фотографии и сегодня являются лучшими портретами звезд. Формат снимков был самым разнообразным. Триптих Дэвида Боуи (по центру рок-звезда в образе инопланетянина, которое символизировало его альтер-эго) сменялся в следующем номере портретом Клинта Иствуда в объятиях подруги. Портрет Николаса Кейджа впечатляет необычной энергетикой, которую уловил фотограф.
«Журнал станет очередным литературным чтивом, если не будет центрального разворота с постером девушки», - этого кредо Хью Хефнер придерживался с первого номера. Подразумевалось, что девушка должна быть обнаженной. Начал он, ни много ни мало, с изображения Мэрилин Монро, взятого из полулегального календаря за 1949 год. Все права на фотографию были выкуплены Хефнером всего за 50 долларов. Неудивительно, что первый номер разошелся колоссальным тиражом в 52 тысячи экземпляров.
Хефнер начал издавать журнал в довольно пуританской стране, где европейские фильмы подвергались строгой цензуре, а красотки пинапа позировали в лучшем случае в нижнем белье. Playboy поразил воображение американцев, но Хефнер не думал останавливаться на достигнутом. Вопреки распространенному мнению, что вплоть до 70-х годов девушки позировали в нижнем белье, это не соответствует истине. Обнаженные красавицы появились в «Плейбое» с первых выпусков. Знаменитости предпочитали целомудренно заворачиваться в полупрозрачные одеяния (причем далеко не всегда). А playmate месяца –(рубрика сначала так и называлась: «соседка с нашего двора») покоряли читателей бесхитростными позами и простодушными улыбками.
Эти плакаты из центрального разворота выглядят сегодня наивно и трогательно. У девушек может быть смелая поза, но при этом - робкий доверчивый взгляд. Модель выглядит скорее объектом для сексуальной игры, чем покорительницей сердец.
Подход к эротической фотографии во многом изменил Хельмут Ньютон. Он 20 лет сотрудничал с «Плейбоем», но по его собственным словам «даже для них мои работы были слишком рискованными». Некоторые фотографии Ньютона редакция так и не решилась опубликовать. Но в целом творчество Ньютона повлияло и на формат «Плейбоя».
Он задал новый вектор развития изображаемых образов. Модель уже не являлась объектом сексуальной игры: это вовсе не та робкая девчонка из календаря конца 50-х. Она не изображает смущение, не пытается кокетничать: новая девушка «Плейбоя» знает, что она очень сексуальна и демонстрирует напор и уверенность.
Примечательно, что когда конкурирующие журналы (например, Penthouse) стали публиковать откровенно порнографические снимки, Хью Хефнер отказался «внедрять порнографию». Его красотки выглядели довольно целомудренно по сравнению с конкурирующими изданиями. Сегодня формат эротической фотографии, который взял на вооружение Хефнер в 70-х, почти не изменился. Современная Девушка месяца заметно стройнее, изменились пропорции тела, ее кожа безупречна (не без помощи фотошопа), а волосы окрашены в модный оттенок. Но в целом созданные образы мало отличаются от придуманных четыре десятка лет тому назад. Студийная съемка проходит преимущественно в элегантных и дорогих интерьерах.
Девушек месяца фотографировали штатные фотографы издания. Марио Кассили, Помпео Позар, Дуайт Хукер работали в одном привычном формате, который оставлял мало места для свободы творчества фотографа. Но Playboy отнюдь не мешал развиваться успешным мастерам, которых привлекали и для съемки знаменитостей и для рядовых моделей.
Херб Ритц фотографировал для «Плейбоя» Синди Кроуфорд, которая первой из супермоделей решилась сняться обнаженной. Гвидо Аргентини пригласили, чтобы снять тогда малоизвестную актрису Шарлиз Терон в майском номере за 1999 год.Эллен фон Унверт запечатлела свою любимую модель Дрю Бэрримор.
Хефнер с его колоссальным чутьем на таланты, приглашал работать фотографов, которые были свободны в выборе сюжетов и образов. Дэвид Лашапельфотографировал Наоми Кэмпбелл для декабрьского номера в 1999 году, и его работы, пожалуй, стали одним из лучших изображений супермодели.
Лашапель снимал и для российского «Плейбоя» (фотограф специально для съемок приезжал в Москву). Мэтр, к сожалению, не избежал соблазна, которому поддаются почти все западные фотографы в России: затащить в кадр бурого медведя. Другие сюжеты получились более интересными.
Для многих начинающих звезд съемки в «Плейбое» стали вполне успешной стартовой площадкой для раскрутки карьеры. В 1985 году в журнале появились фотографии пока малоизвестной звезды Мадонны. Джулия Робертс появилась в «Плейбое» еще до съемок в фильме «Красотка», сделавшим ее знаменитой. Малоизвестная актриса Шэрон Стоун рискнула принять приглашение сняться в «Плейбое», не подозревая, что вскоре станет звездой «Основного инстинкта».
Но и съемки рядовой модели могли вылиться в настоящие фотошедевры, которыми и сегодня гордятся издатели журнала. Несколько лет с журналом сотрудничал Марко Главиано, который рассматривал обнаженное тело исключительно как арт-объект и снимал для журнала в несколько другом ключе, что не помешало ему успешно сотрудничать с редакцией.
Плейбой сегодня и не думает сдавать позиции, он по-прежнему выходит солидными тиражами. Средний возраст его читателей (как и в далеких 60-х) составляет 35 лет.
Журнал ценят не столько за смелые эротические изображения, сколько за чувство вкуса и стиля, которые создали ему достойную репутацию.
|
|
Освещение на fashion-съемке |
Одну неделю в феврале и одну неделю в сентябре вы можете почувствовать, как сотрясается земля под ногами. Но нет, это не землетрясение. Это непрерывно срабатывают вспышки фотокамер, обличая все взлеты и падения на Неделе Мод. Пользуясь возможностью, фотографы индустрии моды не только снимают показы и стрит-стайл, но и демонстрируют свои самые свежие фотографии, чтобы затем заключить новые контракты. В сравнении с дизайнерами и моделями fashion-индустрии, возможно, фотографам достается меньше лавров, но именно их мастерство светотехники создает иконную модную фотографию, в рекламных кампаниях свет подчеркивает самобытность бренда и придает стиль журнальному развороту. Мы пообщались с Алессандро Даль Буони, Джейком Хиксом, Ларой Джейд, Розеллой Ванон и Робом Ван Петтеном, которые поделились с нами своей техникой.
Роб Ван Петтен снимает рекламные кампании в футуристическом стиле. В Японии, когда ему было 10 лет, он одолжил у своего папы камеру Nikon, но так его уже и не вернул. Его работы для Nikon, Gillette, Reebok, Ray-Ban и Procter & Gamble получали различные награды. Роб ведет постоянную рубрику в журнале Nikon World Magazine, является модератором сайта Nikon Digital Learning Center Flickr и страницы My Nikon World на Facebook. Он был руководителем программы, посвященной изучению фотографии в Бостонском Университете Цифровых Искусств.
Изначально я хотел жить такой полной романтики жизнью скитающегося фотожурналиста. Но затем я познал жизнь fashion-фотографа, где никто не станет стрелять тебе в спину, пока ты работаешь. Это прекрасный мир, в котором воплощаются фантазии, и балом правит красота.
Занимайтесь совместными проектами. В работе над проектом сталкиваются и взаимодействуют талантливые личности, каждый профессионал в своей области. Научитесь умело направлять творческим потоком каждого в команде. Тогда съемки проходят продуктивно и весело. Наша работа – это в первую очередь создание иллюзии. Сначала мы устанавливаем сцену, потом создаем освещение. И наконец, вы даете модели указания, некий сценарий, который она должна будет разыграть перед камерой. Ваша задача – отыскать момент, когда созданная вами же история будет выглядеть наиболее убедительно и запечатлеть его. Если весь кадр крутится только вокруг освещения и одежды, предоставленной на моделях, то картина выходит безжизненной и очень натянутой. Держите моделей в движении, тогда фотографии получаются более правдоподобными и реалистичными.
Освещение на моих фотографиях постоянно меняется и преображается, ведь зрителю хочется видеть что-то свежее, новое. Мне не нравится делать по кругу из раза в раз одни и те же вещи. Разница в работе, сделанной хорошо, и работе, сделанной превосходно, в нюансах. Непрерывно совершенствуйте свои схемы.
Я использую студийное оборудование Dynalite. Источники света с меньшей мощностью я использую на локальных позициях, чтобы подсветить отдельные участки фотографии, которым я хочу уделить особое внимание.
Джейк Хикс более 10 лет работает фриланс-фотографом, и ему удалось посотрудничать с некоторыми влиятельными клиентами. Ему довелось снимать интересные рекламные кампании, также он работал с различными модными изданиями. Его отличительной чертой являются яркий, смелый стиль, выразительные модели и насыщенный, заливающий пространство свет. Джейк прибегает к креативным и не совсем обычным техникам освещения.
Для меня фотография всегда была самым тесным образом сопряжена со светом, поэтому на своих снимках я часто достигаю оригинальности, используя освещение. Одной из основных задач простых портретов и предметных фотографий является точная передача изображения. Когда же речь идет о съемке в стиле fashion, то здесь важно на физические объекты наложить эмоциюи и настроение.
Для начала скажу, что fashion-фотография является крайне конкурентоспособным рынком. Есть три основных направления вашей деятельности, которые могут помочь добиться успеха на поприще fashion-фотографа. Вы должны быть чрезвычайно хороши в своем деле, ваши услуги должны быть невероятно дешевыми или вы должны разительно отличаться от других. Если клиент хочет заполучить именно ваш стиль, то он будет готов за свое желание заплатить. Это именно то, что нужно. Не имеет значения, то насколько ты хорош в своем деле, кто-нибудь непременно будет лучше, также не имеет значения то, насколько дешева твоя работа, кто-нибудь предлагает такую же работу за меньшие деньги. Но вот твой стиль, присущий только тебе, никто не сможет в точности скопировать.
В последнее время оказалось весьма популярным мое освещение с использованием цветного геля. Данная схема включает четыре источника света, модель должна освещаться со всех четырех сторон. Своим характерным стилем эта фотография целиком обязана цветным гелям, которые окрасили свет, падающий на модель со всех сторон. Чтобы освещение было мягким, как на этой фотографии, необходимо направить свет от источника в противоположную сторону от модели и отразить его от белой светоотражающей поверхности, такой же эффект создадут листы толстой белой бумаги. Как правило, чем больше поверхность источника света, тем мягче получается свет. Отражая свет от большой поверхности, вы фактически увеличиваете поверхность источника света. Цвет, который в результате падает на модель несопоставимо мягче света, исходящего от источника, направленного прямо на модель. Завершается схема использованием портретной тарелки, дающей рисующий свет, и небольшого софтбокса, расположенного на полу, который дает заполняющий свет.
Я люблю эту световую схему. Хорошо её освоив, вы поймете, насколько она гибкая. Вы можете быстро менять цветные гели у боковых источников света, тем самым задавая фотографии различные настроения.
Оборудование:
Розелла Ванон – fashion-фотограф, базирующийся в Лондоне. Она родилась в маленьком городке в Италии и с ранних лет воспитывала в себе любовь к искусству. Переехав в Лондон 7 лет назад, она сделала фотографию своим основным промыслом. С тех пор она успела поработать с такими всемирно известными брендами, как Schön!, Nylon, Ottoman Hands и NYX Cosmetics.
Это возможность творческой самореализации, подготавливаясь к съемке, я планирую каждую самую мелкую деталь, из этого и скроена fashion-фотография. Мне нравится наблюдать затем, как мое видение вотворяется в реальность. Это чувство и удерживает меня в мире фотографии.
Продолжать усердно трудиться, даже когда все не задается и кажется, что нет движения вперед. Важен каждый кадр, а каждая ошибка – урок.
У меня есть несколько любимых схем, которые я использую в зависимости от того, какое настроение я пытаюсь передать посредством фотографии. Мне нравится воссоздавать естественный свет, экспериментируя со световыми проекциями, но больше всего я люблю играть с цветным светом, используя разноцветные гели. Это весомая составляющая моей работы, которую я тщательным образом продумываю перед каждой съемкой. Гардероб, цвет кожи, макияж, прическа и фон – все эти компоненты имеют столько различных оттенков и нуждаются в корректировке.
Лара Джейд – фотограф, проживающий в настоящее время в Нью-Йорке. Она выросла в Стаффордшире и обнаружила интерес к фотографии в довольно раннем возрасте. Она переехала в Лондон, чтобы профессионально заниматься фотографией, а затем уехала в Нью-Йорк. Ларе посчастливилось несколько раз получить спонсирование для своих проектов, она работала с Harrods, Nanette Lepore и совсем недавно сотрудничала с Broncolor.
Тренды! Именно новые тренды в модной индустрии являются основным источником вдохновения. Я настолько же увлечена модой и стилем, насколько увлечена самой фотографией. Fashion-фотограф должен знать все модные тенденции, всех дизайнеров и понимать, кто есть кто. Также мне нравится тот факт, что модные съемки всегда подразумевают совместную работу с большой командой талантливых людей.
Первые три-пять лет вашей карьеры являются определяющими, за эти годы вы выстроите основу и обзаведетесь поддержкой, которая будет бесценна в течение всей вашей карьеры фотографа. Сосредоточьтесь на создании своего портфолио, найдите свой стиль и себя. Окружите себя нужными людьми и сужро подойдите к выбору команды – стилисты, визажисты, декораторы и пр. Снимайте собственные творческие проекты и тесты!
Мне нравится, когда все просто. Для меня фотография – это в первую очередь идея. Если вам удается успешно визуализировать свою идею, то выбор освещения не составляет труда. Обычно я работаю с одним большим источником рисующего света и добавляю два-три дополнительных источника света. В условиях естественного освещения я использую рефлекторы и большие рассеиватели, чтобы смягчить и сформировать освещение. Мягкий рассеянный свет – мой фаворит, поскольку именно такое освещение больше всего подходит стилю моих работ. Довольно часто, снимая в студии, я пытаюсь сымитировать натуральный свет.
Оборудование:
Родился в Милане. Впервые заинтересовался фотографией после знакомства с fashion-фотографом Паоло Роверси в Париже, когда он ассистировал ему на съемках для i-D Magazine. Алессандро получил магистерскую степень в области фотографического искусства в Вестминстерском Университете и работал с такими клиентами, как Dior Homme, Kris Van Assche, Yohji Yamamoto, Galeries Lafayette и L'Officiel.
Она позволяет и приветствует все самые изощренные фантазии и объединяет в себе абсолютно все, от пейзажа до портрета, от моментальной фотографии до концептуального проекта.
Открывай, исследуй и экспериментируй.
Свет от HMIs, отражающийся днем от белых стен в студии. Такое освещение делает все вокруг мягким и нежным. В этой схеме два источника света HMIs направлены на потолок, на полу перед камерой установлен светоотражатель, а с левой стороны исходит дневной свет.
Автор: Advanced Camera Technique
|
|
Фотографы и фотографии журнала Vogue |
Vogue по праву считается главным в мире женским журналом, посвященным моде и стилю. За период своего существования этот журнал превратился в самое влиятельное и авторитетное модное издание. Рассматривая обложки, материалы и снимки, размещенные в Vogue, можно изучать историю развития моды, стиля и фотографии. Сегодня практически каждая молодая девушка, стремящаяся сделать модельную карьеру, мечтает о том, чтобы попасть на обложку этого журнала. То же самое относится и к молодым, начинающим фотографам, которые хотят, чтобы их фотографии непременно появились именно в Vogue. Ведь это откроет перед ними привлекательный и успешный мир модной фотографии.
За более чем столетнюю историю Vogue издание сотрудничало с самыми разными фотографами, многим из которых в своих работах удалось по-настоящему отразить «дух времени». Более того, некоторые мастера, работавшие с Vogue, сами изменяли принятые в модной фотографии каноны, создавали новые стили и тенденции. Вспомним наиболее известные снимки и тех фотографов, которые внесли свой вклад не только в увеличение популярности Vogue, но и в становление современной модной фотографии.
Изначально журнал Vogue, впервые вышедший в свет в 1892 году, был еженедельным изданием для состоятельных американцев. В журнале не было место фотографиям, он иллюстрировался различными рисунками и гравюрами. Только с появлением у руля Vogue в 1909 году издателя Конде Наста ситуация начала меняться. Обложки журнала стали яркими и многоцветными, само издание приобрело ту эмблему Vogue, которая подобна современному логотипу.
Но самое главное, что в 1913 году Конде Наст привлек к работе над изданием европейского фотографа барона Адольфа Мейера. Это был первый опыт сотрудничества Vogue с фотографом. Правда, фотографические снимки Адольфа Мейера мало чем отличались от живописи художников-импрессионистов. Тогда фотография еще не воспринималась многими как особая область искусства. Следующее сотрудничество оказалось куда более интересным и плодотворным. В 1923 году в Vogue пришел Эдвард Стейхен.
Эдвард Стейхен (Edward Steichen) родился в Люксембурге в 1879 году, но еще в раннем детстве вместе с родителями эмигрировал в США. С детства он увлекался рисованием и мечтал стать художником. Но в возрасте 16-ти лет Стейхен из любопытства купил свой первый фотоаппарат, что стало поворотным моментом в его судьбе. Он не пропускал ни одного выпуска Альфреда Стиглица «Camera Notes» выходившего с 1897 по 1903 год, постепенно открывая для себя мир фотографии.
Его творческая карьера началась с участия в фотоконкурсе Чикагского художественного института, в состав жюри которого входил тот самый Альфред Стиглиц и Кларенс Уайт. Три фотоработы Стейхена были выбраны для публикации в журнале. С этого времени Стиглиц начал покупать у Стейхена отпечатки фотографий, он также занимался продажей его картин и снимков. Кстати, в течение долгого времени Эдвард Стейхен успешно совмещал в своем творчестве живопись и фотографию.
Приобретя уже достаточно широкую известность, Стейхен с радость принял предложение главы издательского дома Vogue. Примечательно, что в начале века фотографу считалось зазорным работать на модные издания, поскольку это рассматривалось как предательство идеалов высокого искусства ради простой коммерческой прибыли. Поэтому работая в Vogue, Эдвард Стейхен нередко подвергался критике своих именитых коллег по ремеслу. Но это нисколько не смущало Стейхена, ведь он искренне верил, что коммерческая фотография тоже может быть художественной.
В журнале Vogue он находит свой собственный стиль студийной съемки – пластичность моделей и отсутствие посторонних предметов. Сам Стейхен говорил: «Фотография фиксирует всю гамму чувств записанных на лице человека: красоту земли и неба унаследованную им, а также все то добро и зло которое он создал сам. Фотография — основное средство, помогающее человеку понять человека».
Одна из наиболее известных работ Эдварда Стейхена для американского Vogue – это портрет актрисы Глории Свенсон, сделанный им в 1924 году. Впоследствии он вспоминал ту фотосессию: «Фотосессия была долгой. Глория Свенсон сменила массу костюмов, я перебрал все типы освещения. Она ни разу не пожаловалась. Наконец я взял черное кружево и повесил у нее прямо перед лицом. Свенсон моментально поняла мой замысел. Глаза расширились, и я увидел взгляд дикой кошки, затаившейся в листве». В последующие годы Стейхену позировали многие знаменитости, он стал одним из основоположников фэщн фотографии.
В 30-е годы фотографии в журнале Vogue приобрели совершенно новый характер. В Vogue появились снимки девушек-моделей в движении, с разлетающимися юбками и волосами. Возникновению этого нового стиля, поразившего публику, Vogue в немалой степени был обязан фотографу Тони Фрисселл (Toni Frissell). Надо сказать, что жизнь этой женщины постоянно вращалась вокруг самых знаменитых модных фотографов того времени. Она работала ассистентом у знаменитого мастера Сесила Битона, а также пользовалась покровительством самого Эдварда Стейхена.
В 1931 году глава Vogue Конде Наст предложил ей работу в журнале. Ее стиль сразу стал узнаваемым и совершенно непохожим на других фотографов. В отличие от своих коллег, Тони Фрисселл редко снимала моделей в студии. Вместо этого она предпочитала работать на открытом воздухе, поэтому ее снимки, регулярно публиковавшиеся в Vogue, отличались динамичностью и свежестью. Позже она перешла на работу в другое популярное издание - Harper's Bazaar, а во время Второй мировой войны получила известность как военный фотожурналист.
Американский фотограф Ирвин Пенн (Irving Penn) – еще одна светлая страница в истории журнала Vogue. Пенн учился в Школе искусств при Музее Филадельфии, где его наставником выступил знаменитый дизайнер Алексей Бродович. Еще в студенческие годы работы Ирвина Пенна начали появляться на страницах журнала Harper’s Bazaar. Но настоящий взлет его карьеры произошел после того, как он устроился на должность ассистента к Александру Либерману, занимавшего в то время пост художественного руководителя издания Vogue.
В обязанности Пенна входил подбор иллюстраций для обложки журнала, но поскольку Ирвин из-за сложного характера не умел сотрудничать с фотографами, он решил сам взяться за фотокамеру. Его четкие фотографии с яркими и резкими деталями костюмов практически сходу стали классикой. Стиль Ирвина Пенна идеально передавал женскую красоту и гламур. Пенн разрабатывал собственные приемы, способствующие полному раскрытию модели. Он отказался от насыщенной обстановки в кадре в пользу съемки моделей на простом белом или сером фоне с односторонним освещением. Ирвин Пенн часто использовал различные предметы мебели и обстановки для того, чтобы придать образности снимку.
Большой успех Пенну принесли фотографии, сделанные им в Перу в 1948 году. В небольшой студии с экзотичными предметами и интерьером он снял около двухсот портретов местных жителей, включая знаменитый снимок «Дети из города Куско». Три года спустя Ирвин Пенн в Нью-Йорке, Лондоне и Париже выполнил проект под названием «Small Trades». На этот раз главными героями его фотографий стали люди разных профессий в рабочей униформе.
В 1952 году руководство журнала Vogue отказалось от услуг Пенна с тем объяснением, что его фотографии буквально «прожигают страницы». Сам Ирвин Пенн посчитал, что руководство журнала хотело видеть в качестве иллюстраций исключительно «сладенькие» фотографии, на которых будут запечатлены хорошенькие девушки. Как бы то ни было, Ирвин Пенн, работая в жанре портретной съемки, оставил свой неизгладимый след в истории журнала Vogue
С Vogue часто ассоциируется так называемый феномен супермоделей. Первой супермоделью в истории модной фотографии стала девушка из Швеции Лиза Фонсагривс (настоящее имя Лиза Бирджитта Бернстоун). Именно ее фотографиям журнал Vogue во многом обязан своей бешеной популярности сегодня. Только на обложках этого издания, начиная с 30-х годов, ее фотоизображения появлялись более двухсот раз. Фонсагривс называли «Малышка на миллиард» или «невероятная Лиза», с ней работали самые известные фотографы того времени - Георг Хорст, Эрвин Блуменфельд, Ман Рэй, Ричард Аведон и Ирвин Пенн. Последний, к слову сказать, стал впоследствии ее законным супругом.
Первые снимки Лизы появились на обложке журнала Vogue благодаря фотографу Вилли Мэйволду. Затем она работала с Георгом Хорстом, отметившим некоторую зажатость девушки. Но она переборола свою боязнь и даже стала сниматься в обнаженном виде. За короткое время Лиза Фонсагривс превратилась в главную модель Vogue. Особое впечатление на зрителя производили снимки Лизы в стиле «ню», где большое внимание отводилось игре света и тени. Очень известной стала фотография, на которой Хорст запечатлел только Лизины ноги в ажурных чулках «сеточкой».
В 1947 году Ирвин Пенн сделал для Vogue групповой портрет двенадцати самых известных моделей. В их числе была и Лиза Фонсагривс, которую Пенн изобразил в профиль, даже несмотря на то, что на групповых фотографиях того времени так сниматься было не принято. Но Лиза никогда не боялась необычных ракурсов. После заключения брака Ирвин Пенн и Лиза Фонсагривс продолжили работать вместе. Особой популярностью у специалистов пользуется фотография «Женщина в марокканском дворце в Марракеше», сделанная в 1951 году. На ней Пенн запечатлел свою жену Лизу, которой принадлежит право и честь называться первой в мире супермоделью.
Немецкий фотограф Эрвин Блюменфельд (Erwin Blumenfeld) стал сотрудничать с французским изданием Vogue в 1937 году. В своем творчестве Блюменфельд был буквально одержим красотой женского тела. В его фотоработах для журнала Vogue преобладали темы секса и смерти. На фотографиях Блюменфельда женское тело манило зрителя своей таинственностью и загадочностью. В своих мемуарах известный фотограф впоследствии писал: «В жизни я любил две вещи: свою работу и женщин, всех женщин без исключения. Фетишами всей моей жизни были женские глаза, волосы, грудь и губы».
Работы, которые он делал для себя, были выполнены преимущественно в черно-белых тонах. Для коммерческой же фотографии и, в частности, журнала Vogue Эрвин Блюменфельд создавал цветные фотоизображения. Работая с обнаженной натурой, он часто экспериментировал с освещением и фоном, а также использовал разнообразные лабораторные методы для изменения фотографии и придания ей сюрреалистичного оттенка.
Одна из самых известных фотографий Эрвина Блюменфельда была сделана в 1937 году. Он запечатлел модель Лизу Фонсагривс, которая балансирует на балке Эйфелевой башни в Париже. Эта фотография оказалось очень захватывающей и вызвала восторг у публики. Также Блюменфельд в 1947 году снял американскую модель и актрису Кармен Делл’Орефис для обложки Vogue.
Сама модель тогда критично отозвалась о своей фотографии: «Отчетливо помню, как, сойдя с автобуса, увидела связанную веревкой стопку журнала около газетного киоска. Взглянув на свое изображение, залилась слезами. Я просто ненавидела этот снимок: мои волосы были стянуты в пучок, и я была похожа на мальчика». Однако снимок принес ей широкую известность, в индустрии моды Кармен Делл’Орефис успешно работала в течение нескольких десятков лет.
Выдающемуся британскому фотографу Норману Паркинсону (Norman Parkinson) также представилась возможность поработать в модном журнале Vogue. Свою творческую карьеру он начал после Второй мировой войны, когда сумел устроиться на работу в Vogue в качестве портретного и фэшн фотографа. Паркинсон привнес в модную фотографию свежесть, динамику и подлинный романтизм. От жесткой формальности других фотографов его отличала легкость и элегантность, которая была видна практически в каждом снимке Паркинсона. Его совет молодым фотографам был таков: «делайте свои снимки так, чтобы они были полны радости, солнечного света, излучали счастье и выглядели соблазнительно». Благодаря Норману Паркинсону статические методы создания изображений в модной фотографии навсегда ушли в прошлое.
Глядя на фотографии Паркинсона, хочется невольно улыбаться и наслаждаться жизнью. Его снимки были лишены какого-либо гламура и слащавости, но им были присущи художественность, мягкость и выстроенность композиции. Модели на фотографиях Паркинсона в Vogue зачастую откровенно дурачатся – они корчат забавные рожицы, кокетничают, прыгают в реку или бегают за страусом. Важное значение в работах британского фотографа играл юмор и даже самоирония. Своими яркими снимками Норман Паркинсон доказывал, что утилитарность не обязательно должна строиться на игре на низменных, примитивных чувствах человека или его комплексах.
Фотограф любил работать в самых разных уголках нашей планеты. Примером этого может служить его знаменитая фотография «Венда и страусы», сделанная для Vogue в 1954 году в Южной Африке. Также большую известность получила обложка Нормана Паркинсона «Осенняя фуксия» для журнала Vogue 1957-го года.
Знаменитый фотограф Ги Бурден (Guy Bourdin) сотрудничал с изданием Vogue в течение тридцати лет, поспособствовав в немалой степени росту популярности этого журнала по всему миру. Он родился в Париже в 1928 году, но уже спустя год мать оставила его и мальчик был усыновлен Морисом Дезире Бурденом. Ремеслу фотографа он обучался на военной службе, будучи курсантом ВВС Франции в Дакаре. В 1953 году Ги Бурден выставил в экспозиции свои фотоработы, используя псевдоним Эдвин Халлан. Его фотографии были замечены и спустя некоторое время стартовало долгое и плодотворное сотрудничество фотографа с французским Vogue.
На первой фотографии для французского журнала была запечатлена модель со шляпкой и маленькой вуалью, причем на лице девушки под вуалью сидела муха или пчела. Насекомое было неживым, но на снимке выглядело как живое. Критики сразу же отметили необычность работ Ги Бурдена и присущий его фотографиям сюрреализм.
Работая для Vogue, Бурден за короткое время сумел выработать свой уникальныйстиль. Он ставил моделей в неестественные позы, создавал сюрреалистичные и абсурдные образы девушек с яркой помадой на губах и румянами на скулах. Кричащие цвета и яркие образы вообще стали фирменным подчерком французского фотографа. Женщины на фотографиях Бурдена были обязательно на высоких каблуках, они были затянуты в корсеты или обтянуты латексом. Большое внимание он уделял освещению во время съемок, экспериментируя с люминесцентным сиянием или композициями с огнем. С моделями, сотрудничавшими с журналом Vogue, Ги Бурден обращался очень жестко, если не сказать жестоко. Он заслужил репутацию фотографа с очень тяжелым характером, постоянно требующим, чтобы модель воплощала его идеи вплоть до мелочей.
Бурден в своих работах часто затрагивал темы секса, жестокости, насилия, страха и смерти, в результате чего его фотографии постоянно были обсуждаемы, кто-то их яростно критиковал, а кто-то находил в них талант гения. Можно сказать, что Ги Бурден перешел некую существовавшую тогда грань допустимого в фэшн фотографии с точки зрения эротической эстетики. Но его творчество, безусловно, оказало огромное влияние на мир модной фотографии и последующее поколение фотографов.
Американский фотограф Ричард Аведон (Richard Avedon) прославился своими портретными фотоснимками, выполненными в черно-белой стилистике. Он родился в 1923 году в Нью-Йорке в семье эмигрантов из России и уже в десятилетнем возрасте начал осваивать камеру Kodak. Мальчик навсегда попал под власть женского очарования благодаря своей младшей сестре, которая выступила в роли его первой женщины-модели. Ричард Аведон учился в нью-йоркской Школе общественных исследований в лаборатории дизайна, где познакомился с небезызвестным Алексеем Бродовичем. Последний работал выпускающим редактором журнала Harper's Bazaar, поэтому не удивительно, что снимки талантливого, молодого фотографа вскоре появились на страницах этого издания.
Оригинальные фотоизображения Ричарда Аведона резко отличались от тех, что были приняты тогда стандартом в мире модной фотографии. Выполненные в черно-белой гамме, они подкупали, прежде всего, своей искренностью, выразительностью и внутренней красотой. Ричард Аведон всегда умел раскрепостить своих моделей, раскрыть на фотобумаге их внутренний мир, передать зрителю определенные эмоции и чувства. Как он сам говорил: «Мне нравились воображение и веселье девушек, я обожал смотреть, как они двигаются. Я интересовался не собственно модой, но хотел отобразить на снимках этот взрыв энергии и радости».
В 1966 году Аведон перешел из Harper's Bazaar в Vogue. Именно на страницах этого журнала он представил всему миру модель Твигги, ставшую впоследствии культовой.
Твигги стала лицом модной индустрии 60-х годов и настоящим идеалом новой женской красоты. Эта британская супермодель с мальчишеской стрижкой, худобой и лицом ангела появилась на обложке октябрьского выпуска Vogue 1967 года. Образу угловатого подростка, который создал Ричард Аведон для этой модели, стали подражать тысячи поклонниц-девочек. Кстати, именно по образу Твигги была выпущена знаменитая кукла Барби. Стремясь приблизиться к этому идеалу женственности, многие поклонницы падали в голодные обмороки. Это явление даже обрело в 60-е годы собственное название - «синдром Твигги».
Фотограф Хельмут Ньютон (Helmut Newton) по праву считается классиком XX века. С детских лет он начал интересоваться представительницами прекрасного пола и пристрастился к мужским журналам. На сэкономленные карманные деньги мальчик приобрел свою первую камеру. И хотя из восьми отснятых кадров получился только последний, он произвел неизгладимое впечатление на Ньютона. Тот незамедлительно принял решение стать знаменитым фотографом.
Впрочем, свою маленькую фотостудию ему удалось открыть в Мельбурне только в 1946 году. С мая 1961 года Хельмут Ньютон начинает активно снимать для французского Vogue. Затем его пригласили и в американское издание, но сотрудничество сначала не задалось. Лишь в 1971 году после того, как редактором американского Vogue стал Алекс Либерман, издатели согласились со всеми условиями Хельмута Ньютона и в американском журнале также стали печататься его фотографии. В течение 60- 80-х годов Ньютону позировали многие знаменитости, включая Мика Джаггера, Софи Лорен и Элизабет Тейлор.
Хельмут Ньютон привнес в модную фотографию что-то совершенно новое – агрессивный и прямолинейный стиль. Это было время «сексуальной революции» и Ньютон постоянно эпатировал публику фотоизображениями обнаженных женских тел, скандальными портретами знаменитостей. Одна из наиболее его ярких и хрестоматийных фраз – «Sex sells», то есть секс помогает продавать. Он снимал свои фотографии постоянно на грани прямой провокации и скандала. Модели на фотографиях Хельмута Ньютона не знают стыда и буквально поражают зрителя своей откровенной сексуальностью. В обнаженной натуре нет ни тени смущения или страха, женщины словно олицетворяют собой соблазн, но при этом выглядят недосягаемо.
Хельмут Ньютон в своих работах для Vogue создал новый имидж современной женщины – сильной, властной, уверенной в себе и окруженной атрибутами роскоши и достатка. Ньютон говорил, что «часто мужчины признавались мне, что мои серии с изображением обнаженных женщин вызывали у них внутренний ужас. Это тот самый эффект, который мне нравится».
Многие критики обвиняли Хельмута Ньютона в том, что хотя он и наделял моделей могуществом и сексуальностью, он в тоже время не уважал женщин, не видя в них ничего кроме эротизма. На это признанный мэтр отвечал: «Неужели я стал бы тратить свою жизнь на то, чтобы фотографировать то, что я ненавижу? Я думаю, что на моих фотографиях женщины выглядят более могущественными, потому что они источают огромную сексуальность, которая завоевывает мужчин. Я думаю, что я – феминист!» Пожалуй, одной из самых известных фоторабот Хельмута Ньютона для издания Vogue стала серия откровенных снимков под названием «They're Coming!» («Они Идут!»), сделанная им в 1981 году.
Среди тех, кто до сих пор успешно сотрудничает с Vogue, нельзя не отметить немецкого фотографа и кинорежиссера Питера Линдберга(Peter Lindberg). Он родился в Восточной Германии в 1944 году, но свое детство провел в Дуйсбурге в окружении промышленных предприятий и портовых доков. Линдберг окончил Академию современного искусства в Берлине. Изначально его привлекали концептуальное искусство и живопись, но так случилось, что всю свою жизнь Питер посвятил фотографии.
После двухлетней работы ассистентом у начинающего фотографа Ханса Люкса в Дюсельдорфе Линдберг начинает самостоятельную творческую карьеру в 1973 году. Спустя пять лет впервые его работы были опубликованы в журнале Stern, что стало отправной точкой для становления его карьеры международного фэшн фотографа. Линдбергу предложили сотрудничество с итальянским Vogue, а затем и с британским и немецким изданием.
В 1988 году американский Vogue также предложило ему работу, на что он сказал: «Я не способен фотографировать дам, которые населяют страницы журнала. Они слишком утонченные, изысканные. Это не те женщины, которые мне нравятся». Ему ответили: «Почему бы вам не снять тех женщин, которые вам нравятся? Тех, что, по-вашему, более современны». Линдберг так и сделал. Его фотографии стали началом революции, которая ознаменовалась эрой супермоделей. На обложках журнала Vogue замелькали такие модели, как Линда Евангелиста, Синди Кроуфорд, Татьяна Патиц, Наоми Кэмпбелл и Кристи Терлингтон. Питер Линдберг снял бесчисленное количество фотосессий с участием супермоделей для журнала Vogue, недаром многие присваивают ему заслуги в создании феномена супермоделей 90-х годов.
Главными отличительными особенностями фотографий Линдберга всегда были глубокая эмоциональность, откровенность моделей и обезоруживающая искренность. Питер Линдберг до сих пор сотрудничает с Vogue. Среди его самых последних фотосессий можно отметить бразильянку Изабели Фонтану в образе сбежавшей невесты на страницах французского Vogue, очаровательную Наталью Водянову в роли звезды кинематографа для китайского издания и замечательную фотоисторию о любви и творчестве для январского номера Vogue US 2010.
Яркие и незабываемые фотографии стали уже неотъемлемой частью Vogue. Именно благодаря им создается тот особенный стиль этого модного издания, который так нравится читателям во всем мире. Ведь что может быть лучше гармоничного сочетания моды и искусства фотографии?
|
|
Без заголовка |
Статья посвящена основным ошибкам в студийном фотопортрете, затем мы рассмотрим другие световые схемы — «высокий ключ» High Key, «низкий ключ» Low Key и нестандартные схемы постановки света в фотостудии, включая световую схему и способ обработки в стиле Андржея Драгана, пример которой можно часто увидеть на обложках журнала Esquire. Полетели!
Задачи студийного освещения — имитировать естественный свет, создать и подчеркнуть объем, передать настроение снимка, показать преимущества портретируемого и скрыть недостатки. Рассмотрим классическую световую схему. Часто ее называют рембрандтовской (в такой манере великий художник писал свои портреты), иногда встречается название «45 градусов» (сорокопятка). Расположение приборов на схеме приводится в качестве примера. Повторять расстановку схемы в студии один в один не стоит!
|
|
Портрет в стиле Esquire |
Просто обязан поделиться найденным материалом, который стащил с одного сайтега.
В этой статье будет описана техника создания портрета в стиле Esquire.
Нам потребуется простая фото-студия с минимальным оборудованием:
- Белый или светло серый бумажный фон или крашенная стена.
- Портретная тарелка или маленький софт-бокс размерами приблизительно 40х60 см, 40х40 см для рисующего света, снут (тубус) как насадка для источника на фон.
- В качестве опциональных приспособлений: лайт-диск и возможно 2 дополнительных источника со стандартными рефлекторами и мелкими сотами (об этом чуть позже).
- Из фото техники: портретный фикс, например Canon 135 2L или 100 2.8 Macro хотя это не принципиально, можно обойтись и 70-200 2.8 Главное требование: фокусное расстояние от 100 мм и светосила 2.8 и помните, снимает не камера, а фотограф!
Вар # 1
? Модель следует располагать так, чтобы расстояние до фона было не менее 2-3 метров.
? Пятно на фон выстраивается таким образом, чтобы получить по краям кадра падение яркости минимум на ступень и таким образом достичь естественного затемнения по краям (виньетирования), перемещая прибор фоновой подсветки вперед-назад. Высота регулируется таким образом, чтобы с окончательной точки съемки пятно было четко за головой модели но его края были видны. Для удобства рекомендуют использовать ассистента или штатив на который установите камеру, скомпонуйте кадр, а затем настраивайте положение пятна, сверяясь по видоискателю фотоаппарата.
? Диафрагму рекомендуют ставить максимум 2.8 или даже более открытую, чтобы достичь минимальной глубины резкости. Фокусироваться исключительно на глаза! Если минимальной мощности импульсного источника много для такой диафрагмы, даже при минимальном значении чувствительности фотоматериала, то используйте нейтрально серый фильтр ND, который ослабляет поток на 2-3 ступени, также вы можете воспользоваться поляризационным фильтром, который также ослабляет свет на 2 ступени.
? Для фокусировки при низкой освещенности используйте подсветку автофокуса. Можно использовать внешнюю вспышку с отключенным импульсом или банально попросить ассистента поднести к уровню глаз сотовый телефон с ярким дисплеем и сфокусироваться на него или просто включите пилотную лампу импульсного прибора на максимум.
? Об этических, художественных и прочих аспектах подобной фотографии. Техника Esquire - исключительно мужской портрет. Не зря Esquire обзывает себя "мужской журнал". Женский портрет с применением такой техники выглядит мягко говоря необычно и явно не женственено. Это связано как с постановкой света, так и с пост обработкой. Более того женщин с таким светом можно фотографировать в случае, если у них почти идеальные черты лица. С мужчинами проще. Хотя некоторые метры фотографии пренебрегают этим правилом.
Вариации световой схемы. В зависимости от настроения портрета и от характера модели можно использовать лайт диск для подсветки нижней тени. Прямо перед портретируемым на стойке закрепляется лайт-диск серебристой стороной вверх, как будто бы он держит его перед собой в руках. Блик от лайт диска читается в нижней части зрачка портретируемого. И в каждом конкретном случае фотограф решает, использовать лайт диск или нет.
Другой вариант световой схемы - это когда используются 2 боковых (расположеных строко по бокам модели справа и слева) источника света для подчеркивания щек-скул модели. Зарубежные фотографы очень часто используют такой прием при съемке чернокожих или очень смуглых моделей. У нас в силу отсутствия чернокожих моделей этот прием используется достаточно редко. Главное при подсветке щек, не получить пересвета, яркость этих участков должна быть всего на пол ступени выше чем остальное лицо.
Тонирование
Усиление виньетирования
Поднятие резкости
Крайне желательно кадрировать портрет по бликам в глазах, так чтобы линия между ними была строго горизонтальной. Это делается в два клика в Adobe Lightroom или в Adоbe Photoshop. В LightRoom жмем клавишу “R” в режиме Develop (переход в него по клавише “D”) кадрируемся более плотно с сохранением пропорций кадра (замочек заперт) и зажав клавишу Ctrl проводим линию из одного блика зрачка в другой.
Тонирование. Далее выставляем баланс белого. И тонируем в тенях в холодные синие оттенки, используем Saturation и Vibrance для усиление эффекта.ВАЖНО! Для каждой фотографии положение ползунков настроек индивидуально! Рекомендуется просто подвигать ползунки, наблюдая за эффектом. Вариантов может быть масса. Тот вариант, который больше всего соответствует настроению снимка и нравится вам и является оптимальным!
Также часто применяется прием высветления средних тонов изображения (в Adobe LightRoom это ползунок Fill Light) с повышением локального контраста для придания большей выразительности и неествественности фотопортрета (в Adobe LightRoom это ползунок Clarity) .
Усиление виньетирования. Несмотря на то что мы использовали тубус для подсветки фона, виньетирование на мой взгляд недостаточное. Усилим его средствами Adobe LightRoom.
В режиме Develop открываем закладку Vignettes и устанавливаем значения на вкус.
В качестве завершающего штриха, добавим немного локального контраста в закладке Basic, подвинув ползунок Clarity (локальный контраст) в правое положение. После проделанных манипуляций в Adobe LightRoom откроем изображение в Adobe Photoshop и проведем окончательную ретушь:
Усилим цвет глаз с помощью инструмента Sponge (буква O с Shift несколько нажатий) выбрав режим Saturate и мягкую кисть проведем по зрачкам.
Усилим блеск волос с помощью инструмента Dodge (буква O с Shift несколько нажатий) выбрав режим highlights (чтобы зажечь светлые участки волос) а также пройдемся по глазам
Выровняем лицо и плечи (незначительно) с помощью инструмента Liquify (Ctrl-Shift-X) и forward warp tool (клавиша W) выбрав кисть большого диаметра
Окончательно поднимем резкость путем маскирования глаз (клавиша Q) магкой кистью необходимого размера, выйдем из режима быстрой маски (клавиша Q) и инвертируем выделение (Ctrl-Shift-I) и применим к нему фильтр Smart Sharpen (можно любой другой поднимающий резкость) и выберем на свой вкус необходимые параметры поднятия резкости, так чтобы не было ненужных артефактов.
Портрет готов!
|
|
Без заголовка |
|
|
Без заголовка |
|
|
Без заголовка |
Знаменитый британский фотограф Rankin, главный дизайнер бренда Thomas Wylde Пола Томас, стилист Мэриам Малакпур и модель Rosie Huntington-Whiteley объединились для создания фотоальбома Ten Times Rosie, посвященного 10-ти сезонам марки Thomas Wylde.
Rosie Huntington-Whiteley вжилась в 10 разных образов, которые Rankin запечатлел в знаменитых местах Лос-Анджелеса - отеле Chateau Marmont, Национальном парке Joshua Tree, мокрых солончаках в Калифорнии. Вдохновляли фотографа фарфоровые куклы, агрессивный лондонский панк, Африка и многое другое.
Эти десять образов, по задумке, должны отображать каждый год работы модельера и основательницы бренда люкс-класса - Paula Thomas. Фотографии уже можно наблюдать в лондонской «Annroy Gallery», которые немногим ранее выставлялись в Лос-Анджелесе.
Сама книга также доступна в британских книжных магазинах.
«Съемка для «Ten Times Rosie» была самым потрясающим опытом в моей карьере», говорит Rosie Huntington-Whiteley. «Paula, Rankin и команда работали так тяжело. Я думаю, мы создали много красивых и знаковых фотографий. Я очень горжусь этим проектом, и я верю, что это то, что очень близко мне лично, что это объединение усилий нашего творческих усилий и воображения».
|
|
Без заголовка |
Серия “The Regal Twelve” – это портреты двенадцати женщин, внесших немалый вклад в ход исторических событий в свое время. Серия отхватила целых три национальных премии, вознеся фотографа на пьедестал всемирного почета и уважения. Алексию вдохновляли стили и мода каждой монархини, которые она интерпретировала в современных визуальных формах. Поначалу Синклер изучила биографии каждой героини, потом двинулась по историческим местам, по ходу наводя объектив на национальные особенности, а затем вернулась в родную австралийскую студию...
|
|
Без заголовка |
Hamish Blakely учился в Уимблдонский Школе Искусства и Университете Kingston. Вскоре после окончания колледжа, в котором он учился на иллюстратора, он получил национальную награду. Его работы выставлялись в галереях Лондона. В своих работах он делает акцент на ограничение какого-то элемента, идеи, которую выделяет на фоне всей картины. Страсть, танец, объятия партнера и при этом отчужденность взгляда на лице… О себе он говорит: «Я всегда полюбил живопись людей, изображение фигуры, взгляда…»
|
|
Без заголовка |
|
|
Без заголовка |
|
|
Без заголовка |
|
|
