Светлая память Муслиму Магомаеву

На завершившемся в итальянском городе Остуни международном музыкальном конкурсе “Дон Маттео Колуччи”, проводимом ассоциацией Интернациональной Академии музыки, настоящей сенсацией стало выступление самого юного участника из Ростова-на-Дону Лукьяна Гагалаяна.

Маленький скрипач вдохновенно исполнил сложнейшую программу – три части концерта Зейтца с вариациями. По словам его наставницы Инны Надолинской, такие произведения играют десятилетние воспитанники.

- У Лукьяна прекрасный, абсолютный слух, он мгновенно запоминает текст изучаемого произведения, будь то этюд, пьеса или концерт, – рассказала директор Ростовской экспериментальной детской музыкальной школы Наталья Степина.

В школу мальчика год назад привел его отец. Уже спустя полгода Лукьян выступил на своем первом конкурсе – тогда областном, а вот в состязании музыкантов международного уровня, да еще за рубежом участвовал впервые. Камерный театр в Остуни собрал больше сотни талантов из Японии, Южной Кореи, Украины и самой Италии.

После успеха на международном конкурсе, Лукьян Гагалаян получил персональное приглашение на фестиваль “Марианский ноктюрн”, который пройдет в Чехии в июле этого года.

Интересно, что родители чудо-мальчика свою жизнь посвятили музыке и детям. У них большая семья – девятого февраля родился шестой по счету ребенок. Старшие все занимаются музыкой – 10-летний Филипп играет на аккордеоне, семилетний Леон – на баяне, пятилетний Лукьян – на скрипке, четырехлетняя Мария – на фортепиано, а трехлетняя Люсия замечательно танцует.

Лариса Ионова, “Российская газета”

 

 

В среду всемирно известная виртуозная скрипачка Ванесса Мэй дала единственный концерт в Государственном Кремлевском дворце. Уже в 13 лет она выступала на профессиональной сцене, а все называли ее «музыкальным феноменом 90-х». Концерты Ванессы Мэй проходили с аншлагом по всему миру.

В программу московского концерта включены композиции из последнего альбома Ванессы, а также из самых знаменитых ее альбомов. Поклонники исполнительницы услышат также произведения классической музыки, которые виртуозно играет Мэй — сочинения Вивальди, Хачатуряна и Баха.

Кремлевская сцена хорошо знакома скрипачке. Ранее она уже давала здесь несколько концертов, первый из которых состоялся в 1999 году. Как рассказала сама Ванесса Мэй, из минусов этой площадки можно отметить лишь один — «слишком строгая охрана, которая не дает зрителям выражать свои эмоции».

Ванесса Мэй, которую называют одной из самых красивых женщин мира, родилась в Сингапуре 27 октября 1978 года (примечательно, что в этот же день родился гениальный скрипач Никколо Паганини). Ее мать — китаянка, отец — таец. В раннем детстве девочку вывезли в Великобританию, так что Ванесса – подданная Соединенного Королевства. Ее первое публичное выступление состоялось, когда девочке было всего девять лет. В возрасте 16 лет Ванесса выпустила дебютный альбом «Скрипачка», который вскоре стал «мультиплатиновым» и вознес талантливую девушку на вершину музыкального Олимпа. На сегодняшний день продано шесть миллионов копий альбомов Ванессы Мэй.

“Произошла” скрипка от старинной виолы – довольно крупного инструмента с ладами на грифе. На виоле играли сидя, зажав её между ног или положив боком на бедро. Шли годы, инструмент менялся. История связывает окончательное превращение виолы в скрипку с тремя семействами скрипичных мастеров из итальянского города Кремоны: Амати, Гварнэри и Страдивари. Именно родоначальник династии Страдивари – Антонио (1644–1736) – и почитается главным творцом современной скрипки.
В развитии скрипки и внедрении её в действительною жизнь дело обстояло не очень благополучно. У нового инструмента нашлось немало влиятельных противников и даже откровенных врагов. И скрипка заняла то место, которое она заслуживала по праву, только благодаря великим музыкантам, продвинувшим технику скрипичной игры далеко вперёд. И самым заметным из них был великий Никколо Паганини.
Паганини родился 27 октября 1782 в Генуе. Имя этого знаменитого итальянского композитора и скрипача-виртуоза известно даже далёким от музыки людям и всегда было окружено мистическими легендами и фантастическими слухами. Никколо рос в нищете под суровой опекой отца, мечтавшего сделать из талантливого мальчика средство обогащения. Играть на скрипке Паганини начал в шесть лет, в девять выступал с концертами в других городах, а к девятнадцати годам уже стал известнейшим музыкантом. Его выступления приводили зрителей в экстаз.
Присутствовавших всегда поражало его невероятное, “нечеловеческое” мастерство исполнения. Он без видимых усилий извлекал из скрипки виртуозные трели, исполнял сложнейшие вариации даже на одной струне. Никколо играл так, что слушателям казалось, будто где-то спрятана вторая скрипка, звучащая одновременно с первой. Говорили, что его искусство – музыка небес, ангельские голоса. Но находились и другие, шептавшиеся за спиной музыканта, что на его инструменте начертаны колдовские знаки и что он давно продал душу дьяволу...
Возникновению таких слухов способствовала и сама демоническая внешность Паганини, описание которой оставили его великие современники – Иоганн Гёте и Оноре де Бальзак: “…мертвенно-бледное, как будто вылепленное из воска лицо, глубоко запавшие глаза, худоба, угловатые движения и – самое главное – тонкие сверхгибкие пальцы какой-то невероятной длины, как будто вдвое длиннее, чем у обычных людей…”
В религиозной Европе на рубеже XVIII–XIX веков обвинение в колдовстве или поклонении дьяволу по-прежнему могли привести человека если и не на костёр инквизиции, то к отлучению от церкви и заточению в монастырь.
Учитывая громадное количество завистников и недоброжелателей, распускавших самые нелепые слухи и беспрерывно писавших на Паганини доносы, можно считать настоящим чудом, что музыканту удалось избежать серьёзных гонений. Познав все грани успеха, гениальный скрипач дожил до 58 лет, оставив после себя несколько миллионов франков и десятки написанных им музыкальных произведений, часть из которых настолько сложны, что до сих пор сыграть их не может никто. Второго Паганини человечество пока не породило.

P.S. А скрипка кардинально отличается от других инструментов тем, что красота её звучания, в силу некоторых конструктивных особенностей, ПОЛНОСТЬЮ зависит от качества материалов и тщательности изготовления. Отсюда и секреты обработки дерева, тайны приготовления лаков, расчёты пропорций, сугубо индивидуальный подход, не применяющийся для изготовления других инструментов. Отсюда и баснословная стоимость некоторых скрипок, отсюда и их притягательность для преступников.

При перепечатке данной статьи или ее цитировании ссылка: «Газета «Вечерняя Москва»» на первоисточник обязательна.
Автор: Капитан МАКС

Первый выход российской оперной дивы Анны Нетребко на сцену после шестимесячного перерыва, связанного с рождением сына, вызвал ажиотаж среди её поклонников. Все билеты на выступления певицы 14 и 17 января были распроданы до нового года. Самые дорогие стоили 18 тысяч рублей.
Нетребко исполнит главную роль в опере Доницетти "Лючия ди Ламермур", премьера которой состоится сегодня на сцене Мариинки. Певица сказала, что для нее очень важно возвращение именно на сцену родного театра. В Мариинском театре много солистов, с которыми она рада работать.
Анна Нетребко сегодня звезда номер один в российской опере. У нее множество премий и званий, включая высшее звание народной артистки России. Ее включили в число самых влиятельных женщин мира. Все отмечают помимо таланта, ее потрясающую внешность и обаяние. С некоторых Нетребко имеет получила австрийское гражданство с сохранением российского.
С будущим мужем познакомилась в 2003 году: они вместе пели в Лондоне в «Дон Жуане». Уругвайского тенора Эрвина Шротта за внешность называют «оперным Марлоном Брандо» (он хорош собой). Пара помолвлена, но сообщений о свадьбе не поступало: Нетребко не раз заявляла, что не хочет официально выходить замуж.
Осенью ушедшего года, отметив 37-летие, звезда подарила себе и Эрвину сынишку по имени Тьяго Аура. Малыш появился на свет в венской клинике, сейчас ему уже 4 месяца. И дива решила, что ее декретный отпуск закончился. 14 и 17 января Нетребко предстанет в премьере оперы «Лючия ди Ламмермур» на сцене Мариинского театра.
- Анна решила впервые после родов выйти на сцену именно в своем родном театре, - объяснили «КП» в пресс-службе Мариинки.
- После премьеры я поеду в «Метрополитен Опера», где тоже спою партию Лючии, - рассказала после генерального прогона певица. Она по-прежнему хороша, но слегка поправилась.
На вопросы о сынишке Нетребко с улыбкой ответила:
- Растет, очень хорошо кушает! Самое главное - дает спать по ночам!

Первый снег, как сахар – сладкий.
Словно белый лист тетрадки.
Он кружит несмело, тихо,
Словно бабочка-трусиха.

Серебрит дома и лужи…
Снег – на завтрак, снег – на ужин,
Эскимо без шоколада.
Вот десерт, какой нам надо!

Пышный, словно сливки к кофе,
Снег хорош в анфас и в профиль.
Вата сладкая в ладонях.
Ветерок-гуляка стонет,

Не набрал ещё он силу,
(Чтобы вихрем закружило)
Вальс танцует аккуратно.
Первый снег, и всем приятно!

Татьяна Лаврова

«Тот, кто занят круглосуточной работой, не имеет времени на зависть. И потом, мир такой большой, что места хватит абсолютно всем».
Владимир Спиваков

Родился 12 сентября 1944 года в местечке Черниковск Башкирской АССР, сейчас вошедшем в состав города Уфы. Мать – Екатерина Осиповна Вайнтрауб, пианистка, окончила Ленинградскую консерваторию и всю жизнь концертировала. Отец, Теодор Владимирович Спиваков, по специальности инженер-технолог, ушел добровольцем на фронт и был тяжело ранен. От родителей – отца-фронтовика и матери-блокадницы – Спиваков с детства воспринял дух жертвования и помощи страждущим. Супруга – Спивакова Сати (урожд. Саакянц Сатеник), драматическая актриса, выпускница ГИТИСа, автор и ведущая программ на телевидении. Сын от брака с Викторией Постниковой – Рождественский Александр. Дочери: Екатерина, Татьяна, Анна.
После окончания войны семья переехала в Ленинград. Первыми музыкальными впечатлениями мальчика была игра матери на фортепиано. С шести лет Володя начал учиться на скрипке у Б.Э.Крюгера. Поступил сначала в районную музыкальную школу, затем, в 1955 году, – в среднюю специальную музыкальную школу при Ленинградской консерватории. Крепкую подготовку ему дали Л.М.Сигал и В.И.Шер. Вольнослушателем Спиваков посещал также школу живописи при Ленинградской академии художеств. В целях самозащиты начал заниматься боксом, получив впоследствии 2-й разряд.
Уже в 1957 году юный музыкант получает первую премию ленинградского конкурса «Белые ночи» и дебютирует на сцене Ленинградской консерватории. Через 10 лет, в 1967 году Владимир Спиваков заканчивает Московскую государственную консерваторию по классу профессора Юрия Янкелевича. Впрочем, учителем Владимир Спиваков называет и Давида Ойстраха – во время учебы в Консерватории он был вольнослушателем в его классе.

К окончанию Консерватории талантливый музыкант уже был известен коллегам из других стран: в 1965 году он получил первую премия на конкурсе в Париже, в 1967 году - премию конкурса имени Паганини в Генуе. За этими наградами последовали первая премия на конкурсе в Монреале (1969 год), вторая премия на Конкурсе имени П. И. Чайковского в 1970 году.

В 1975 году, после триумфальных сольных выступлений Владимира Спивакова в США, начинается его блестящая международная карьера. Маэстро Спиваков неоднократно выступал и продолжает выступать в качестве солиста с лучшими симфоническими оркестрами и самыми знаменитыми дирижерами мира. Профессиональная критика ведущих музыкальных держав мира отмечает в качестве характерных черт исполнительской манеры Владимира Спивакова глубокое проникновение в авторский замысел, богатство, красоту и объем звука, тонкую нюансировку, эмоциональное воздействие на аудиторию, яркий артистизм, интеллигентность. Сам Владимир Спиваков считает, что если кто-то находит в его игре перечисленные выше достоинства, то это, прежде всего, благодаря школе его знаменитого учителя профессора Юрия Янкелевича и творческому влиянию его второго учителя Давида Ойстраха. Впрочем, Юрию Янкелевичу Спиваков может быть благодарен не только за блестящую школу: до 1997 года Владимир Спиваков играл на скрипке работы мастера Франческо Гобетти, подаренной ему профессором Янкелевичем. С 1997 года Владимир Теодорович играет на скрипке работы Антонио Страдивари, переданной ему в пожизненное пользование меценатами – поклонниками его большого таланта.

1979 - год дирижерского дебюта Владимира Спивакова с Чикагским филармоническим оркестром. В этом же году создает камерный оркестр «Виртуозы Москвы» и становится его бессменным художественным руководителем, главным дирижером и солистом. Этому предшествовала серьезная и многолетняя подготовительная работа и обучение дирижерскому мастерству у прославленного профессора Израиля Гусмана в России и знаменитых дирижеров Лорина Маазеля и Леонарда Бернстайна в США. Бернстайн в конце обучения подарил Спивакову свою дирижерскую палочку, тем самым символически благословив его как начинающего, но многообещающего дирижера. С тех пор с этой дирижерской палочкой Маэстро Спиваков не расстается никогда.

В 1983 году оркестр получил официальное название «Государственный камерный оркестр Министерства культуры СССР "Виртуозы Москвы"». За 25 лет существования «Виртуозы Москвы» под руководством Владимира Теодоровича побывали с гастролями почти во всех крупных городах бывшего СССР, в Европе, США и Японии, принимали участие в самых известных международных музыкальных фестивалях, таких как Зальцбургский, Эдинбургский, «Флорентийский май», Нью-Йоркский, Токийский, Помпейский, Люцернский, Кольмарский.

Далее в комментариях…

10 сентября 1925 года в Москве родился композитор Борис Александрович Чайковский.

Он написал множество симфонических произведений и музыку для кинофильмов, вокальных циклов и вариаций на тему народной музыки. Именно творческому дуэту Чайковский-Быков мы обязаны появлением мюзикла «Айболит-66».

10 сентября 2005 года, в день 80-летия со дня рождения Бориса Чайковсого, на телеканале «Культура» была показана передача «Он жил у музыки в плену» (начало в 17:35). В передаче принимают участие: Мстислав Ростропович, Владимир Федосеев, Александр Митта, Лидия Смирнова, вдова композитора Янина Чайковская, а также племянник - композитор Александр Чайковский.

Тихон Хренников о Борисе Чайковском:

Борис Чайковский, это, несомненно, один из самых выдающихся русских композиторов 20-го века. Его разнообразное творчество это доказывает, потому что он работал в разных жанрах.
Он принадлежит к семье, блестящей семье Чайковских, однофамильцев Петра Ильича Чайковского, которые дали нашей отечественной культуре замечательных музыкантов, ну, начиная с Бориса Чайковского. Его брат Владимир тоже был очень талантливый пианист, талантливый музыкант.
Он сразу заявил о себе как об очень яркой творческой личности. Он был учеником Шебалина, Шостаковича, Мясковского, всех крупнейших педагогов и музыкантов того времени, они были его наставниками, и он всегда очень с огромной просто благодарностью говорил о них.
Семья Чайковских, она обладала просто каким-то геном музыканта: и Борис, и Владимир, брат его, а теперь племянник, сын Владимира - Александр Чайковский, является, несомненно, в настоящее время одним из ярчайших композиторов и ректором Петербургской Консерватории.

Борис Александрович Чайковский отдавал предпочтение симфонической музыке, но ею не ограничивался. Интерес к вокальной музыке у него был еще в детстве, а в 15 лет он написал музыку на 2 стихотворения Лермонтова. Потом был большой перерыв, но вернуться к романсам и песням заставили 4 ранних стихотворения Бродского: за сутки композитор написал небольшой цикл, который так и называется – «4 стихотворения Бродского». Этот цикл натолкнул композитора на мылсь продолжать писать вокальную музыку, после этого он написал цикл на стихи Пушкина, посвященный Галине Вишневской. Композитор подобрал стихотворения «не романсные»: он мыслил себе эту музыку не как романсы и просил певицу петь стихи, считая, что музыка вторична. С задачей блестяще – каждая по-своему – справились Галина Вишневская и Галина Писаренко.

За пушкинским циклом появились «Знаки зодиака», «Последняя весна» на стихи Блока и Заболоцкого. И музыка к фильмам – «Подросток», «Обыкновенное чудо», «Гори, гори, моя звезда» - музыка на стыке литературы и собственно музыки.

Вот что говорит о музыке Бориса Чайковского его племянник, композитор Александр Чайковский:

Если вы послушаете его музыку, то она ведь как детектив… Например, возьмите его вторую симфонию. Совершенно потрясающая первая часть, инструментована совершенно грандиозно. Там невозможно предсказать, что будет дальше, как это будет звучать. Причем у него в первой части этой симфонии, там такая двойная идет экспозиция, повторяется дважды одно и тоже совершенно в разной инструментовке. Это производит совершенно фантастическое впечатление, потому что казалось бы – та же самая музыка и каждый раз она предстает совершенно по-новому…
У него, я считаю, был изумительный мелодический дар, то, что у композиторов встречается не так часто, даже если они великолепно владеют техникой. Опять же если мы возвратимся к его киномузыке или если мы послушаем мелодии в фильме, те же "Уроки французского" или "Гори, Гори моя звезда", или знаменитая его тема в "Подростке", или, предположим, совершенно гениальна тема во второй части его фортепьянного концерта, именно по мелодии. …Он был, я считаю, …виртуознейший мастер в отношении техники оркестра. <…>Вот если возьмете его последние сочинения, в этом отношении его можно сравнить по технике, например с Бетховеном. В каком смысле? Бетховен в своих последних квартетах не на чем писал, ему даже не нужно было, как мы говорим, такое понятие, сама мелодия, ему даже этого не надо было. Он мог, знаете, как великие мастера могут создать картину из 3 точек каких-нибудь. У Бориса тоже самое. Он мог взять любой вариант звуков и сделать из них драматургию, которую ты слушаешь с напряжением. Это даже непонятно такое мастерство, которое переходит собственные границы…
Далее в комментариях…

Утро начинается…

“Звуки музыки прекрасной,
То задумчивой, то страстной
Нас поверить заставляют
Хоть на пять минут в любовь”.

“Как часто ночью в отзвуках шагов
Строфа дрожит, шатается и рвется
Мне стих без музыки так редко удается -
Я должен слушать музыку стихов
Я должен чувствовать мотив своей души,
Слова без музыки мертвы в моем искусстве”
……………………………………………………….
“ Как заклинанье повторяю снова,
Что музыкант лишь тот, кто слышит слово,
Поэт лишь тот, кто с музыкой в ладу”

Александр Розенбаум

Фрагмент картины Александра Шилова "Где царствуют звуки”

Бетховен родился в Бонне, предположительно 16 декабря 1770 (крещен 17 декабря). В его жилах кроме немецкой текла и фламандская кровь: дед композитора по отцу, тоже Людвиг, родился в 1712 в Малине (Фландрия), служил певчим в Генте и Лувене и в 1733 перебрался в Бонн, где стал придворным музыкантом в капелле курфюрста-архиепископа Кёльнского. Это был умный человек, хороший певец, профессионально подготовленный инструменталист, он дослужился до должности придворного капельмейстера и пользовался уважением окружающих. Его единственный сын Иоганн (остальные дети умерли в младенческом возрасте) с детства пел в той же капелле, но положение его было шаткое, поскольку он сильно пил и вел беспорядочную жизнь. Иоганн взял в жены Марию Магдалену Лайм, дочь повара. У них родилось семеро детей, из которых в живых остались трое сыновей; Людвиг, будущий композитор, был старшим из них.
Бетховен вырос в нищете. Отец пропивал свое скудное жалованье; он занимался с сыном игрой на скрипке и фортепиано в надежде, что тот станет вундеркиндом, новым Моцартом, и обеспечит семью. Со временем отцу прибавили жалованье в расчете на будущее его одаренного и трудолюбивого сына. При всем том мальчик неуверенно владел скрипкой, а на фортепиано (как и на скрипке) любил больше импровизировать, чем совершенствовать технику игры.
Общее образование Бетховена было столь же несистематичным, как и музыкальное. В последнем, однако, большую роль играла практика: он играл на альте в придворном оркестре, выступал исполнителем на клавишных инструментах, в том числе на органе, которым сумел быстро овладеть. К.Г.Нефе, с 1782 боннский придворный органист, стал первым настоящим учителем Бетховена (в числе прочего он прошел с ним весь Хорошо темперированный клавир И.С.Баха). Обязанности Бетховена как придворного музыканта значительно расширились, когда эрцгерцог Максимилиан Франц стал курфюрстом Кёльнским и начал проявлять заботу о музыкальной жизни Бонна, где располагалась его резиденция. В 1787 Бетховену удалось впервые посетить Вену – в то время музыкальную столицу Европы. По рассказам, Моцарт, послушав игру юноши, высоко оценил его импровизации и предрек ему большое будущее. Но вскоре Бетховен должен был вернуться домой – его мать лежала при смерти. Он остался единственным кормильцем семьи, состоявшей из беспутного отца и двух младших братьев.
Одаренность юноши, его жадность к музыкальным впечатлениям, пылкая и восприимчивая натура привлекли внимание некоторых просвещенных боннских семейств, а блестящие фортепианные импровизации обеспечили ему свободный вход в любые музыкальные собрания. Особенно много сделало для него семейство Бройнинг, которое взяло опеку над неуклюжим, но оригинальным молодым музыкантом. Доктор Ф.Г.Вегелер стал ему другом на всю жизнь, а граф Ф.Е.Г.Вальдштейн, его восторженный почитатель, сумел убедить эрцгерцога послать Бетховена для учения в Вену.
Вена. 1792–1802. В Вене, куда Бетховен приехал во второй раз в 1792 и где оставался до конца своих дней, он быстро нашел титулованных друзей-меценатов.
Люди, встречавшиеся с молодым Бетховеном, описывали двадцатилетнего композитора как коренастого молодого человека, склонного к щегольству, порой дерзкого, но добродушного и милого в отношениях с друзьями. Понимая недостаточность своего образования, он отправился к Йозефу Гайдну, признанному венскому авторитету в области инструментальной музыки (Моцарт умер годом ранее) и некоторое время приносил ему для проверки упражнения в контрапункте. Гайдн, однако, вскоре охладел к строптивому ученику, и Бетховен втайне от него стал брать уроки у И.Шенка и затем у более основательного И.Г.Альбрехтсбергера. Помимо этого, желая усовершенствоваться в вокальном письме, он посещал в течение нескольких лет знаменитого оперного композитора Антонио Сальери. Вскоре он вошел в кружок, объединявший титулованных любителей и профессиональных музыкантов. Князь Карл Лихновский ввел молодого провинциала в круг своих друзей.
Вопрос, насколько среда и дух времени влияют на творчество, неоднозначен. Бетховен читал произведения Ф.Г.Клопштока, одного из предшественников движения «Бури и натиска». Он был знаком с Гёте и глубоко почитал мыслителя и поэта. Политическая и общественная жизнь Европы того времени была тревожной: когда Бетховен прибыл в 1792 в Вену, город был взбудоражен вестями о революции во Франции. Бетховен восторженно принимал революционные лозунги и воспевал свободу в своей музыке. Вулканическая, взрывчатая природа его творчества – несомненно, воплощение духа времени, но только в том смысле, что характер творца был в какой-то мере сформирован этим временем. Смелое нарушение общепринятых норм, мощное самоутверждение, грозовая атмосфера бетховенской музыки – все это было бы немыслимо в эпоху Моцарта.
Тем не менее, ранние бетховенские сочинения во многом следуют канонам 18 в.: это относится к трио (струнным и фортепианным), скрипичным, фортепианным и виолончельным сонатам. Фортепиано было тогда для Бетховена самым близким инструментом, в фортепианных произведениях он с предельной искренностью выражал самые сокровенные чувства, а медленные части некоторых сонат (например, Largo e mesto из сонаты ор. 10, № 3) проникнуты уже романтическим томлением. Патетическая соната ор. 13 – тоже очевидное предвосхищение более поздних бетховенских экспериментов. В иных случаях его новаторство носит характер внезапного вторжения, и первые слушатели воспринимали его как явный произвол. Изданные в 1801 шесть струнных квартетов ор. 18 можно считать самым крупным достижением этого периода; Бетховен явно не спешил с публикацией, сознавая, какие высокие образцы квартетного письма оставили Моцарт и Гайдн. Первый оркестровый опыт Бетховена связан с двумя концертами для фортепиано с оркестром (№ 1, до мажор и № 2, си-бемоль мажор), созданными в 1801: в них он, по-видимому, тоже не был уверен, будучи хорошо знакомым с великими достижениями Моцарта в этом жанре. В числе наиболее известных (и наименее вызывающих) ранних произведений – септет ор. 20 (1802). Следующий опус, Первая симфония (опубликована в конце 1801) – первое чисто оркестровое сочинение Бетховена.

Далее в комментариях...

Декабрь-студень. Декабрь мостит, декабрь гвоздит, декабрь приколачивает. С водой покончено: даже быстрые реки стали. Земля и лес укутаны в снежную доху. День короче и короче. В последний раз перед долгим сном вышел прогуляться барсук. Полюбуйтесь, до чего жирен: поперек себя толще! Нора у него отличная: глубокая, теплая, сухая, со множеством отнорков. Сам рыл. А вот кладовых не вырыл, запасов себе не сделал: сам себе кладовая. Запаса жира хватит ему до весны.
……………………………………………………………………………………………………..
Еще не успела зима войти в полную силу, а уж близится день рождения солнца – 23 декабря: следующий день за днем зимнего солнцестояния. Солнце вернется в мир. С солнцем возродится жизнь.
Виталий Бианки

Вот какой раньше был ДЕКАБРЬ!

Федор Тютчев
Чародейкою Зимою
Околдован, лес стоит,
И под снежной бахромою,
Неподвижною, немою,
Чудной жизнью он блестит.
И стоит он, околдован,
Не мертвец и не живой -
Сном волшебным очарован,
Весь опутан, весь окован
Лёгкой цепью пуховой...

Солнце зимнее ли мечет
На него свой луч косой -
В нём ничто не затрепещет,
Он весь вспыхнет и заблещет
Ослепительной красой.

Сергей Доренский родился 3 декабря 1931 года в городе Москве. Отец - Дорянский Леонид Михайлович (1910 - 1962 гг.). Мать - Дорянская Нина Константиновна (род. 1908 г.). Сын - Сергей (род. 18.02.76 г.).
В 1955 году окончил Московскую Государственную Консерваторию им. П.И.Чайковского по специальности пианист - солист. Работал педагогом в Московской Консерватории (1957 - 1967 гг.), затем доцентом Московской Консерватории (1967 - 1980 гг.), а с 1981 года стал профессором Московской Консерватории. С 1978 года по настоящее время - деканом фортепианного факультета.
За годы творческой деятельности выступал с сольными концертами и в сопровождении симфонического оркестра в 54 странах, выступал на радио в России и за рубежом, записал множество грампластинок и компакт-дисков.
Академик Академии Творчества, вице-президент Российского общества им. Шопена, вице-президент Российского общества им. Рахманинова, Заслуженный деятель искусств Польши.
Любит спорт, особенно теннис и футбол. В 1955 году стал чемпионом г. Москвы по настольному теннису среди Высших учебных заведений.
Сын - Сергей (род. 18.02.76 г.).

Из консерваторского класса профессора Сергея Леонидовича Доренского вышли ни много ни мало, а 85 лауреатов международных конкурсов пианистов. Среди них - гордость отечественной школы пианизма - Андрей Писарев, Николай Луганский, Вадим Руденко, Денис Манцуев... Последний сюрприз преподнесла своему педагогу перед самым его юбилеем аспирантка Ирина Красотина, завоевав лауреатское звание на конкурсе имени Гранадоса в Барселоне.
Известно, что педагогика - профессия, требующая таланта не меньшего, чем исполнительство. И если оба дарования соединяются в одном человеке, появляются такие выдающиеся личности, как Г. Нейгауз, К. Игумнов, С. Фейнберг. С этого и началась наша беседа с Сергеем Доренским, недавно отметившим свое 70-летие и 45-летие творческой деятельности.
- К исполнительству вы были "приговорены" с детства, когда переступили порог знаменитой ЦМШ, а затем и Московской консерватории, где вам посчастливилось учиться у выдающегося пианиста Григория Гинзбурга. А когда у вас появилась тяга к преподаванию?
- По правде говоря, я ее не ощущал, поскольку в школе и в консерватории Григорий Романович формировал меня как исполнительскую личность. И ни о какой педагогике я даже не помышлял, завоевав лауреатские звания на конкурсах в Варшаве и Рио-де-Жанейро в конце 50-х годов. У меня сразу началась интенсивная концертная жизнь. Но после аспирантуры Гинзбург взял меня к себе ассистентом, и я стал заниматься со студентами. Особого восторга у меня это не вызвало, зато трудности новой для меня профессии я почувствовал сразу. До этого момента я отвечал на сцене только за самого себя, теперь же на меня ложилась ответственность за тех, кого предстояло учить. К тому же пианист - это "штучный товар", и его будущая востребованность во многом зависела от меня. И больше всего я опасался ошибиться в выборе правильного пути для каждого ученика. Но Григорий Романович говорил мне: "Тяжело будет только первые 25 лет, а дальше пойдет легче". Иногда мне хотелось все бросить. Но, когда Гинзбург ушел из консерватории, передав мне свой класс, деваться уже было некуда.
- Когда же вы ощутили полное удовлетворение как педагог?
- Когда мой студент египтянин Рамзи Ясса стал моим первым лауреатом. Между прочим, сегодня он профессорствует в Париже и возглавляет Каирскую оперу.
- Ваше отношение к конкурсам в наши дни? Сегодня их такое множество, что имена лауреатов уже не помнят даже специалисты...
- Конкурсомания действительно захлестнула сегодня музыкальную молодежь. Вовсе не хочу показаться брюзгой. Но во времена моей молодости конкурсы можно было пересчитать по пальцам и посылали нас на них после многочисленных предварительных отборов. А победа на конкурсе была делом государственного престижа, и государство создавало все условия для подготовки. Мы месяцами жили и занимались в домах творчества, где у каждого был свой рояль, к нам приезжали на консультации лучшие профессора консерватории, мы имели возможность обыгрывать программы с лучшими симфоническими оркестрами. Зато и наши лауреатские медали были самой высшей пробы, а понятие "советский музыкант" - своеобразным знаком исполнительского качества.
Сегодня конкурсов неисчислимое множество, но престижных, которые дают имя - единицы, остальные же привлекают лишь материальным стимулом, и имена их лауреатов действительно забывают быстро. Но с другой стороны, на сегодняшний день конкурсные победы - единственный пропуск на концертную эстраду, и стремление молодых ощутить "упоение в бою" мне понятно.
- Вы были членом жюри семидесяти международных конкурсов. Что вы испытываете, когда на сцену выходит очередной претендент на лауреатские лавры, ведь в ваших руках в какой-то степени его будущая судьба?
- Прежде всего - сочувствие. Я сам дважды в жизни испытывал это огромное психологическое давление, знаю сколько усилий затрачено на конкурсный выход и сколько надежд с ним связано. Но что делать - соревнование есть соревнование и побеждает сильнейший, хотя и не всегда. Искусство ведь не спорт, где победа определяется точными цифрами: голы, очки, секунды. В искусстве все более субъективно: за столом жюри сидят разные индивидуальности со своими критериями и симпатиями. Поэтому и разброс оценок бывает достаточно большим. Заметно только одно общее - на конкурсах не любят слишком ярких индивидуальностей, ломающих привычные каноны. Поэтому, готовя своих учеников к соревнованиям, стараюсь удержать их от чрезмерного выплеска эмоций. Размах придет в концертной деятельности.
Счастлив тот педагог, который видит свое продолжение в учениках. Это значит, что традиции , заложенные предшественниками, будут развиваться в наших последователях.

Родился в Екатеринославе (ныне Днепропетровск) 14 ноября 1924. Учился с 1933 в Москве, с 1936 в Центральной музыкальной школе в классе А.И.Ямпольского (представителя школы Леопольда Ауэра). У того же педагога окончил в 1948 Московскую консерваторию, в 1953 – аспирантуру. Победитель Международного конкурса скрипачей имени королевы Елизаветы в Брюсселе (1951). С 1944 – солист Московской филармонии. С 1952 до конца дней преподавал в Московской консерватории. Среди учеников Когана – В.Муллова, М.Яшвили, А.Корсаков. Народный артист СССР. Лауреат Ленинской премии (1965).
Коган был одним из самых ярких представителей советской скрипичной школы, представляя в ней «романтически-виртуозное» крыло. Он всегда давал много концертов и очень часто, еще с консерваторских лет, гастролировал за рубежом. В репертуаре его были представлены, примерно в равных пропорциях, все основные позиции скрипичного репертуара, в том числе и современная музыка: Когану посвящены Концерт-рапсодия А.И.Хачатуряна, скрипичные концерты Т.Н.Хренникова, К.Караева, М.С.Вайнберга, А.Жоливе; для него начал создавать свой третий (неосуществленный) концерт Д.Д.Шостакович. Коган был непревзойденным исполнителем сочинений Н.Паганини (в 1982 снялся в роли великого скрипача в фильме Никколо Паганини), а также виртуозных миниатюр Г.Венявского, П.Сарасате, Ф.Крейслера и разного рода эффектных скрипичных транскрипций.
Умер Коган в Мытищах 17 декабря 1982.
Павел Леонидович Коган (р. 1952) – сын Л.Б.Когана – скрипач, дирижер.

Князь Лука Степанович Гедианов был человеком богатым и принадлежал к старинному и знатному роду.Будучи женат,со своей женой он давно не жил. На пятьдесят девятом году жизни ему приглянулась молоденькая солдатская дочка Дуня Антонова. 31 октября(12 ноября) 1833 года у Луки Степановича Гедианова и Дуни, теперь Авдотьи Константиновны Антоновой, родился сын Саша. Ситуация складывалась таким образом, что жениться и узаконить ребенка князь не мог. Луке Степановичу пришлось записать Сашу сыном своего дворового человека, Порфирия Бородина. Таким образом, мальчик стал крепостным собственного отца. Со временем князь купил Авдотье Константиновне дом и дал сыну вольную.
С детства у Бородина было два страстных увлечения: химия и музыка. Ему было девять лет, когда он сочинил первое произведение - польку «Элен», в честь предмета своего обожания. К этому времени мальчик уже музыцировал на флейте и фортепиано, а чуть позже самостоятельно выучился играть на виолончели. Что касается другого увлечения Саши, то благодаря этому весь дом был наполнен колбами, бутылками, трубками и другими предметами. К тринадцати годам у Бородина появилась целая лаборатория, в которой он делал свои опыты, от фейерверков до акварельных красок. Из-за своего происхождения, Саша не имел права учиться в гимназии. Образование мальчик получал дома. И так приуспел в науках, что сдав экзамен на аттестат зрелости при гимназии, Александр Бородин поступил на медицинский факультет в Петербургскую Медико-хирургическую академию. Но интерес к химии отодвинул медицину на второй план. Под руководством химика профессора Зинина, Александр стал работать в лаборатории. Очень скоро профессора стали видеть в студенте Бородине будущее светило химии.
После окончания обучения, Александра Порфирьевича отправляют в трёхлетнюю командировку за границу. Там он знакомится с Менделеевым, Боткиным, Ковалевским, Сеченовым. Самоотвержено занимаясь наукой, делая новые открытия, Бородин не забывал и о музыке. Он много сочинял, в основном, камерные произведения и романсы, участвовал в любительских концертах. “Прослыл здесь окончательно за музыканта”, - пишет он Авдотье Константиновне.
В Германии Бородин познакомился со своей будущей женой - таллантливой молодой пианисткой Еленой Сергеевной Протопоповой. Девушка была больна туберкулезом и приехала в Германию в надежде поправить свое здоровье. Так совпало, что Протопопова и Бородин поселились в одном пансионе. Екатерина Сергеевна прекрасно исполняла произведения Шумана и Шопена, которые мало были знакомы Бородину. Замерев у рояля, он был очарован не только новой музыкой, но и самой исполнительницей.
Вернувшись на Родину, Бородин становиться профессором на кафедре химии в Медико-хирургической академии. В это же время в его жизни происходит еще одно важное событие: знакомство с Балакиревым и его кружком, которое перевернуло музыкальное сознание Бородина. «До встречи со мной, - писал Балакирев, - он считал себя только дилетантом и не придавал значения своим упражнениям в сочинении. Мне кажется, что я был первым человеком, сказавшим ему, что его настоящее дело – композиторство». Общение с балакиревским кружком укрепило творческий дух Бородина, так как наделенный природной скромностью, композитор слишком строго относился к себе и часто сомневался в своем творчестве. Воодушевленный Балакиревым, он пишет симфонию. Это произведение стало первым признанием Бородина, как композитора. Окрыленный успехом, Александр Порфирьевич задумывается об опере, выбрав для нее сюжет “Слово о полку Игореве. Однако композитор переживает, что у него не хватит времяни для такой серьезной музыкальной работы.
Действительно, Бородин очень занят: лекции, экзамены, исследования, заседания Русского химического общества, организация «Женских медицинских курсов». К тому же жена, страдавшая болезнью легких, плохо себя чувствует в петербургском сыром климате, и по долгу живет у матери в Москве. Некому следить за бытом в доме. Бородин работает без отдыха, ложиться заполночь и встает в 5-6 утра. «Его не удобная, похожая на проходной коридор квартира, не позволяла ему запереться, сказаться, что нет дома, и не принимать. Всякий входил к нему в какое угодно время, отрывая его от обеда или чая, и милейший Бородин вставал недоевши и недопивши, выслушивал всякие просьбы и жалобы, обещая хлопотать…Сердце у меня разрывалось, глядя на его жизнь…”- говорил Римский-Корсаков.
Один из эпизодов его жизни показывает нам, насколько Бородин принимал чужие проблемы близко к сердцу. Убийство царя Александра II повлекло за собой массовые репрессии студентов, учавствовавших в общественной жизни. Бородин целыми днями разъезжал по учреждениям, разыскивая своих студентов, наводил справки о них, и занимался ликвидацией компроминтирующих их материалов.
Для оперы хронически не хватало времени. Но друзья - музыканты торопили и настаивали, чтобы Бородин писал, ни смотря ни на что. «Наши музикусы меня все ругают, что я не занимаюсь делом, и что не брошу глупостей, то есть лабораторных занятий и пр. Чудаки! Они серьезно думают, что кроме музыки и не может и не должно быть другого серьезного дела», - писал Бородин своей жене. В 70-е годы карьера Бородина - химика достигает своих вершин. «Я теперь веду жизнь по преимуществу химическую», - шутил Александр Порфирьевич.
Так продолжалось много лет. До конца жизни Бородин так и не успел закончил свою единственную оперу «Князь Игорь», которая тем не менее стала шедевром русской оперной сцены. После его смерти Глазунов и Римский-Корсаков завершили работу над произведением по наброскам композитора.
Блистательный ученый и выдающийся композитор скончался в 53 года от разрыва сердца.

Родился 25 апреля 1840 г., в Камско-Воткинском заводе Вятской губернии,
начальником которого был отец его. Понятливость и впечатлительность
отличали маленького Ч., который по собственному настоянию стал учиться
наравне со своими братьями и сестрой, когда ему не было еще и пяти лет.
Отец называл его общим любимцем, жемчужиной семьи. С раннего детства
мальчика тянуло к фортепьяно, за которым он проводил свои досуги. Семи лет
Ч. записывал уже свои детские впечатления. Нельзя сказать, чтобы
музыкальная атмосфера окружала Ч. в детстве. Домашний орган с валами был
первым знакомым ему инструментом, на котором он услыхал арию Церлины из
"Дон Жуана" Моцарта. В продолжение всей жизни Ч. сохранил особое
благоговение к этому великому композитору. Музыкальный слух и память
проявились у Ч. рано.
В 1845 г. Ч. начал учиться игре на фортепьяно, а через три года читал ноты
не хуже своей учительницы. Год спустя Ч. играл на фортепьяно как взрослый.
Способность фантазировать за фортепьяно проявилась у Ч. в 50-х годах. Во
время своего пребывания в училище правоведения, Ч. не проявлял среди
товарищей своих особых стремлений к музыке. В 1859 г. Ч., окончив курс,
поступил на службу в департамент Министерства юстиции. Жизнерадостный юноша
беспечно проводил время; никто не подозревал, что в нем таится будущий
крупный музыкальный деятель. Даже Кюндингер, у которого он занимался игрой
на фортепьяно, не видел в своем ученике ничего особенного. Он решился,
однако, поступить в петербургскую консерваторию, несмотря на довольно
скептическое отношение родственников к его намерению.
Вера в свое призвание у Ч. была так сильна, что однажды, несмотря на свою
врожденную скромность, он сказал брату: "С Глинкой мне может быть не
сравняться, но увидишь, что ты будешь гордиться родством со мной".
Занимался Ч. в классе теории композиции профессора Н.И. Зарембы, позднее -
в классе инструментовки А.Г. Рубинштейна. Оставив службу, Ч. испытывал
материальную нужду. В 1865 г. Ч. окончил курс консерватории с серебряной
медалью, написав кантату на оду Шиллера "К радости". Другие его
консерваторские работы - увертюра к "Грозе" и танцы сенных девушек,
включенные впоследствии в оперу "Воевода".
При основании консерватории в Москве в 1866 г. Ч. был приглашен туда
профессором гармонии. В 1866 г. Ч. дебютировал перед московской и
петербургской публикой увертюрой F-dur, с успехом средним. В том же году Ч.
начал первую симфонию; в следующем году andante и скерцо из нее исполнялись
в русском музыкальном обществе в Санкт-Петербурге. К периоду 1866 - 1867
гг. относятся еще увертюра на датский гимн и ряд фортепьянных пьес:
"Воспоминание о Гапсале", обративших на себя всеобщее внимание. В 1867 г.
Ч. начал писать оперу "Воевода" и в том же году в Москве, в симфоническом
собрании, были исполнены танцы из нее. Первая его симфония целиком была
исполнена в симфоническом собрании русского музыкального общества в 1868 г.
с большим успехом. Постоянная нужда в деньгах заставила Ч. заняться
критической деятельностью. От этого тягостного для него занятия он
отказался, как только материальные условия его улучшились. Опера "Воевода",
поставленная в 1869 г. в Москве, имела успех, но в 70-х годах сам автор
уничтожил ее, сохранив только небольшую часть материала. с таким же
недовольством относился Ч. к своему симфоническому произведению "Фатум"
(1868), исполнявшемуся как в Москве, так и в Петербурге. Вторая опера Ч.,
"Ундина", оконченная в 1869 г., сцены не видала. Она тоже уничтожена
автором в 1873 г., за исключением некоторых номеров, вошедших впоследствии
в другие сочинения Ч.
Читать далее коментариях

"Какая музыка была,
Какая музыка звучала!"
Она совсем не поучала,
А лишь тихонечно звала.
Звала добро считать добром,
И хлеб считать благодеяньем,
Страданье вылечить страданьем,
А душу греть вином или огнем.

И светел полуночный зал.
Hас гений издали заметил,
И, разглядев, кивком ответил,
И даль иную показал.
Там было очень хорошо
И все вселяло там надежды,
Что сменит жизнь свои одежды,
Hаполним музыкой сердца...
слова и музыка Ю. Визбора

Эмиль Григорьевич Гилельс
День рождения: 19 октября 1916
День смерти: 14/10/1985
Пианист

Эмиль Григорьевич Гилельс родился 19 (н.с.) октября 1916 г. в Одессе.

В 1935 г. окончил Одесскую консерваторию по классу профессора Б.М. Рейнгбальд. Будучи еще студентом консерватории, шестнадцатилетний Эмиль Гилельс в мае 1933 г. стал лауреатом первой премии на первом Всесоюзном конкурсе музыкантов-исполнителей в Москве.

После окончания Одесской консерватории Э. Гилельс в 1935-1938 гг. совершенствовался в школе высшего мастерства у профессора Г.Г. Нейгауза в Московской консерватории. В эти годы имя Гилельса стало известно не только в Советском Союзе, но и за рубежом.

В 1936 г. он занял второе место на Международном конкурсе Венской музыкальной
академии, а в 1938 г. стал лауреатом - ему была присуждена первая премия - сложнейшего Международного конкурса имени Э. Изаи в Брюсселе. Резонанс этих блистательных побед Гилельса (особенно в Бельгии) был огромен.

Виртуозная игра Эмиля Гилельса, принесшая ему славу одного из крупнейших пианистов современности, отличалась эмоциональностью, мужественностью, ритмической свободой, оригинальностью и свежестью интерпретаций. Блеском, совершенством и глубиной прочтения выделялось его исполнение произведений Бетховена, Шуберта, Шумана, Брамса, Листа, Рахманинова, Прокофьева.

Эмиль Гилельс в совершенстве овладел необозримым репертуаром, охватившим музыку широчайшего стилистического и психологического диапазонов от Скарлатти и Баха до современных композиторов. Эмиль Гилельс гастролировал во многих странах мира, выступал в крупнейших концертных залах Европы, Америки, Японии (как солист он начал выступать тринадцатилетним, с 1929 г.).

Долгие годы (с 1938 по 1976) Э. Г. Гилельс преподавал в Московской консерватории (с 1952 г. - профессор). Он возглавлял пианистическое жюри первых четырех Международных конкурсов имени Чайковского. В 1946 г. Э. Гилельсу была присвоена Сталинская премия а в 1962 г. - Ленинская премия. В 1954 г. ему было присвоено звание Народного артиста СССР, а в 1976 г. -Героя Социалистического Труда.

Эмиль Гилельс являлся почетным членом Лондонской королевской академии музыки, национальной академии "Санта-Чечилия" (Рим), Музыкальной академии им. Листа (Будапешт). Эмиль Григорьевич Гилельс скончался в Москве 14 октября 1985 г.

Пианист Евгений Кисин: "На моем концерте кто-то упал в обморок - то ли от восторга, то ли от погоды"
Выдающийся пианист Евгений Кисин завершил четырехмесячное турне по 10 европейским городам с циклом из пяти бетховенских концертов, ставшее крупным событием в его творчестве. В октябре Кисин сыграет концерты в Торонто и Чикаго. Он хотел бы выступить и в России, но вынужден пока отказаться по той причине, что цикл этот, по его словам, оказался гораздо труднее, чем он думал. После завершения европейского турне с Евгением Кисиным в Париже встретился корреспондент "Известий" Юрий Коваленко.
известия: Когда вам было всего 17, Герберт фон Караян, который скуп на похвалы, назвал вас гением. В октябре вам исполняется 34. Что было в вашей карьере самой большой удачей?
Евгений Кисин: Самой большой удачей, я бы сказал, счастьем, было то, что я с детства был окружен хорошими людьми. Это прежде всего мои родители. Сколько существует в истории примеров того (не буду называть имен), как родители вундеркиндов начинали их эксплуатировать, неправильно воспитывали и тем самым убивали их талант. Далее, моя единственная учительница Анна Павловна Кантор, которая научила меня всему, что я умею делать на рояле, когда я был маленьким и когда я стал известным. Мне встречалось много людей, которые мне тем или иным образом помогали.
известия: Вы по-прежнему считаете себя пианистом романтического склада?
Кисин: С детства мне особенно близка романтическая музыка и прежде всего Шопен. Я до сих пор стараюсь расширять свой репертуар в самых разных направлениях, однако основу его составляет романтическая музыка - от Шуберта до Рахманинова. Хотя с детства я очень любил музыку Бетховена, мне всегда было трудно исполнить ее на должном уровне.
Евгений Кисин: Я не выношу произведение на эстраду, пока не почувствую, что способен его исполнить адекватно. Это навело меня на мысль, что любить музыку и быть способным хорошо ее исполнить - вещи разные. Опять же, пять концертов Бетховена мне удались - и это не только мое мнение, хотя 5-й его концерт я играю с перерывами уже почти 14 лет. И моя интерпретация за эти годы очень изменилась.
известия: Великий пианист Владимир Софроницкий называл записи своими "трупами". А вы что предпочитаете: концертную деятельность или записи, которые как-никак остаются на века?
Кисин: Концертную, конечно. Абсолютно все записи, которые я в свое время сделал в России, - а у меня там вышло 7 пластинок - были сделаны "живьем". На Западе я продолжил эту практику. Потом я все больше и больше стал записываться в студиях. В таких записях есть свои плюсы и свои минусы. Некоторыми из них я не доволен и считаю, что проблема - в отсутствии аудитории. Как ни старался я себя настроить соответственно, все-таки чего-то не хватало. Я с детства любил играть для людей. Но музыканты бывают разные. Например, Глен Гульд на каком-то этапе вообще отказался от публичных выступлений и только записывался, и каждая его запись является шедевром.

"Неужели я должен обижать мою публику из-за каких-то недобросовестных критиков?"
известия: Случается ли, что публика бывает не на высоте? Вы замечательно играете, а она не реагирует.
Кисин: У меня такое было всего один раз в жизни. Летом 1988 года в японском городе Саппоро. Когда я туда приехал, мне сразу сообщили, что классическая музыка в этом городе пока не популярна. И даже когда приезжал Рихтер, было распродано всего 70% билетов. Я помню: когда я играл, у меня было ощущение, что между мной и публикой стоит стена, которую я не могу пробить.
известия: Ростропович перестал выступать в России после нескольких оскорбительных, с его точки зрения, рецензий на свои выступления. Ранит ли вас музыкальная критика? Читаете ли вы ее?
Кисин: Всегда читаю. Иногда, в тот момент, когда что-то такое читаю, бывает обидно. В частности, в российской прессе кто-то написал, что мое исполнение произведения Листа "Сонеты Петрарки" было как "телерепортаж о колхознице" или что-то в этом роде. Это был последний мой концерт в Москве и, на мой взгляд, самый удачный из всех моих выступлений в России. И вообще один из самых удачных концертов в моей жизни. Я прекрасно понимаю Ростроповича. Этот человек уже при жизни стал легендой, занял очень высокое место в истории исполнительского искусства, поэтому все-таки нужно знать меру.
известия: Ну а вы могли бы, обидевшись на прессу, перестать выступать в России?
Кисин: Конечно же нет, потому что я вижу, как на мою игру реагирует публика. Моя публика. Она осталась у меня в Москве. В этом я убеждаюсь во время каждого приезда в мой родной город. И неужели я должен ее обижать из-за каких-то недобросовестных критиков?!
известия: Вы любите играть для публики. Но бывает ли, что вы играете только для самого себя?
Кисин: С одной стороны, иногда хочется, а с другой - я не могу сесть и сразу сыграть что-нибудь на должном уровне. Для этого приходится поработать, а это меня раздражает. Поэтому для себя я больше люблю слушать.
известия: Что вы слушаете в минуты грусти или меланхолии?
Кисин: В такие минуты я звоню по телефону своим друзьям, чтобы услышать их голос. И мне становится легче.

Далее в комментариях…

Мирей Матье родилась 22 июля 1946 года в провинциальном французском городке Авиньон в бедной семье каменщика. Среди четырнадцати братьев и сестер она была старшей.
В 13 лет Мирей бросает нелюбимую школу, где была круглой двоечницей, и устраивается на завод. Единственное ее увлечение - пение. Она поет и в церковном хоре, и в дуэте с отцом, страстным поклонником оперы.
Путь к мировому признанию для Мирей Матье начался в 16 лет, когда она, старшая дочь в многодетной семье авиньонского каменщика, одержала победу на конкурсе юных талантов.
В 1965 году мэрия Авиньона посылает Мирей в Париж для участия в телешоу "Игра в удачу". И удача благоволит ей... На съемках Мирей знакомится со своим ангелом-хранителем - известным продюсером Джони Старком. Именно Старк, ставший ее бессменным менеджером, сделал Матье звездой мировой величины.
Настоящий же успех ждал певицу в 1966 году - за 6 месяцев был продан миллион (!) ее пластинок, после чего Мирей вошла в пантеон французских звезд первой величины. Огромное природное дарование, высокая музыкальная культура и прекрасные вокальные данные позволили ей в кратчайшие сроки достичь небывалого успеха в шансоне. Демократичность, ориентация на самую широкую публику - все это свойственно творчеству Мирей.
В 20 лет она дебютировала в престижной "Олимпии" совместно с Джони Старком, затем объездила весь мир и записала свои лучшие шлягеры. По сей день певица активно гастролирует, сама сочиняет песни, выпускает альбом за альбомом.
В ней нет ни драматической мощи Пиаф, ни аристократической стильности Далиды, она скована на сцене и поет на "неправильном" французском, чрезмерно грассируя. "Девяносто девять процентов моего успеха - это труд и работа", - говорит Матье. И внимание к зрителю.
Певица горда тем, что на протяжении нескольких десятилетий знакомит многочисленную аудиторию с традиционной французской песенной культурой, за что и была удостоена Ордена региона из рук президента страны. Мирей Матье стала самой известной француженкой в мире - неудивительно, что власти обратились к ней с просьбой позировать для изготовления образца бюста Марианны, которая, будучи символом Франции, по обыкновению стоит в каждой мэрии.
Дружеские отношения певицы с Россией начались в далеких 60-х, когда концерты Мирей были своего рода окном в Европу для российских граждан. Шли годы, времена менялись, но отношение к этой звезде человека, хоть раз ее услышавшего, изменить невозможно. И наверное, поэтому мартовские концерты артистки прошли с неизменными аншлагами. На сей раз в столицу певица привезла маму и друзей, которые с восторгом полюбовались заснеженной Москвой и величием кремлевских стен.
У Мирей Матье есть маленькая профессиональная тайна: чтобы протянуть ниточки к сердцам новых, еще вчера далеких слушателей, и отдать дань уважения народу, оказывающему ей гостеприимство, она, как правило, разучивает песню на языке страны, где ей предстоит выступить. Московский концерт не был исключением, и певица исполнила "Подмосковные вечера" и "Очи черные", заворожив несколько тысяч присутствующих невероятной силой и красотой голоса, знакомого всему миру.
Она никогда не была замужем, у нее нет детей. "Это мой выбор. Я ничем не жертвовала. В моей жизни есть только две главные вещи: пение и моя семья - моя мама, братья и сестры", - говорит сегодня звезда Мирей Матье. Так же, как когда-то в детстве говорила дочь простого каменщика.
Далее в коментариях...

"Я не из тех людей, котороый составят цель и добиваются. То, что мне пришло по жизни, это пришло в виде подарка за что я очень благодарен судьбе и людям, которые меня окружали."
Критики отмечают его особую исполнительскую манеру, и виртуозную технику. Впервые он начал играть в 6 лет. У Николая обнаружился абсолютный слух, в существование которого не верил даже папа-физик. Читать ноты Николай Луганский научился раньше, чем буквы. Просто мне было интересней, когда я болел, лежал в постели, я брал ноты и их читал глазами и слышал музыку. Мне даже обидно, что я мало читал сказок, я читал сонаты Бетховена и мазурки Шопена."
В его жизни было всего 3 конкурса. Последний - конечно же имени Чайковского. Тогда ему было 22. Сегодня ему 33. Он счастлив, что больше не участвует в конкурсах и много гастролирует. Дает по 80 концертов в год. Он пианист, о котром все теперь говорят, - успешный, талантливый и востребованный. Правда, как обычно, больше за пределами родной страны.
Из классических музыкантов, во Франции я известен. В России - постольку-поскольку. Естественно, популярность не идет в сравнение с поп звездами. Это другой жанр."
Но другой жанр Николай тоже уважает. Во всяком случае не без удовольствия цитирует музыкальные отрывки из Пахмутовой, Таривердиева и музыкальной киноклассики. Он не любит громкую музыку. Чурается громкой славы. И вполне доволен своей жизнью в искусстве. Сегодня пианист Луганский впервые во Владимире дает концерт. Играет Рахманинова, концерт, который выучил еще учась в музыкальной школе. Элеонора Лемм, Евгений Токарев ТВ 6 Владимир
Российский пианист зажег публику
На концерте российского пианиста в Национальной филармонии был аншлаг. Почитатели классической музыки воспользовались возможностью попасть на концерт молодого блистательного фаворита фортепианного олимпа, чьи абонементы в том же Париже или Кельне раскупаются с молниеносной быстротой и по баснословным ценам.
Говорят, "хорошо исполнить сонату - все равно, что со знанием дела прожить жизнь". Российскому пианисту Николаю Луганскому, по-видимому, отлично удается и то и другое. Даже последовательность его побед на музыкальных конкурсах имеет привкус хрестоматийной хронологии. Первым в его биографии, в 1988-м, был Иоганн Себастьян Бах - специальная премия за лучшее исполнение произведений композитора в придачу к серебряной медали. Вторым, в 1992 году, стал Вольфганг Амадей Моцарт - Луганский был признан лучшим пианистом Международной летней академии Моцартеум. Наконец, в 1994 году он становится триумфатором X Международного конкурса имени Чайковского, а годом позже удостаивается премии имени Таренса Джадда как наиболее талантливый пианист молодого поколения.
Столичных меломанов игра Николая Луганского поразила еще лет десять назад, когда в рамках дней культуры Российской Федерации в Киеве состоялись его гастроли с Большим симфоническим оркестром Владимира Федосеева. Прозвучавшие тогда Второй концерт Рахманинова и Первый Чайковского до сих пор остаются в памяти эталоном исполнительского мастерства. Да и нынче для Киева приезд пианиста-москвича Николая Луганского, лауреата пяти престижных международных конкурсов, весельчака, балагура и, к слову, прекрасного ансамблиста (чего только стоят его дуэтные залеты на Летние музыкальные вечера вместе с другим любимцем российской сцены - пианистом Вадимом Руденко, проникнутые атмосферой дружеской непринужденности и в профессиональном отношении завидной координированности действий), событие всегда не только предвкушаемое, но и оставляющее терпкое послевкусие.
На суд слушателей в первом отделении нынешнего концерта была представлена масштабная трехчастная соната соль-мажор Людвига Бетховена, ставшая фундаментом всего вечера. За исключением нескольких последних тактов третьей части Луганский исключительно мастерски, почти педантично нанизывал одну за другой "фортепианные картины" композитора. В прелюдии, хорале и фуге Цезаря Франка пианист продолжил монтаж сцен. Чувствовалось желание сосредоточиться на одном состоянии теперь уже скорбного романтического самоуглубления.
Блестяще выстроив форму первого отделения, во втором исполнитель не побоялся стать жертвой стереотипов, связанных с сонатой #3 Федерика Шопена. Не секрет, что многие исполнители, включая это сочинение в свои программы, рискуют получить резонное пренебрежение: мол, сложно чем-либо удивить в музыке, знакомой абсолютно всем от первой и до последней ноты. Тут, действительно, важно одухотворять шаблон характерным "я". "Задачка" как раз для Николая Луганского. Подчеркнутая романтичность исполнения, в которой славянских пианистов винят их зарубежные коллеги, у Николая Луганского стала главным достоинством собственного стиля. А его врожденный драматизм и удивительно гармоничная целостность натуры, ощутимые, буквально, в каждом пассаже и на любом витке развития формы и на этот раз стали причиной успеха у публики.

«Тот, кто занят круглосуточной работой, не имеет времени на зависть. И потом, мир такой большой, что места хватит абсолютно всем» В.Спиваков

Спиваков Владимир

--------------------------------------------------------------------------------

Всемирно известный дирижер Владимир Теодорович Спиваков Родился 12 сентября 1944 года в городе Уфе Башкирской АССР в музыкальной семье. Мать — Екатерина Осиповна, пианистка, окончила Ленинградскую консерваторию.

В 1945 году семья переезжает в Ленинград, где в возрасте шести лет Владимир начинает учиться игре на скрипке в музыкальной школе-десятилетке при Ленинградской консерватории, где его учителями были Б.Э.Крюгер, Л.М.Сигал, В.И.Шер. Уже в тринадцатилетнем возрасте Владимир Спиваков получает первую премию на конкурсе «Белые ночи» в Ленинграде (1957).

Окончив Центральную школу при Московской консерватории имени П.И.Чайковского, в 1959 году В.Спиваков продолжает учебу в консерватории в классе знаменитого профессора Юрия Янкелевича, одновременно являясь вольным слушателем в классе величайшего скрипача XX века Давида Ойстраха.

В 1965 году В.Спиваков завоевывает первую премию Международного конкурса имени Маргариты Лонг и Жака Тибо в Париже, в 1967 году он — обладатель премии на конкурсе Паганини в Генуе (Италия), в 1969 году — первой премии на Международном конкурсе в Монреале (Канада), а в 1970 году — второй премии на Международном конкурсе имени П.И.Чайковского в Москве.

В 1975 году В.Спиваков становится преподавателем в Музыкальном педагогическом институте имени Гнесиных. С 1975 года после триумфальных сольных выступлений в США начинается его международная сольная карьера. Музыкант получает приглашения выступить под управлением знаменитых дирижеров, многие из которых становятся впоследствии его друзьями: Лорин Маазель, Клаудио Аббадо, Сейджи Озава, Леонард Бернстайн, Карло Мария Джулини, сэр Георг Шолти, Кирилл Кондрашин, Евгений Светланов, Юрий Темирканов. Владимир Спиваков солирует с лучшими симфоническими оркестрами мира, такими как Академический симфонический оркестр Государственной Ленинградской филармонии, Государственный Академический симфонический оркестр СССР, оркестры Берлинской, Венской, Лондонской и Нью-Йоркской филармоний, оркестр «Концерт-гебау» и «Де Пари», Чикаго, Филадельфии, Питтсбурга и Кливленда. Трижды приглашает Спивакова Герберт фон Караян, однако Госконцерт по неизвестным, видимо, идеологическим, причинам препятствует реализации этих концертов.

С 1979 года Владимир Спиваков дебютирует в качестве дирижера с Чикагским филармоническим оркестром на фестивале в Равинии. В России он проходит курс дирижирования у знаменитого российского дирижера И. Гусмана, а в США учится мастерству у великих дирижеров Л. Маазеля и Л. Бернстайна. После совместного выступления в Зальцбурге, приуроченного ко дню рождения Моцарта (1984), великий Бернстайн дарит Спивакову свою дирижерскую палочку, с которой талантливый ученик не расстается и сегодня.

В качестве дирижера и солиста В. Спиваков выступает в лучших концертных залах, дирижируя концертами симфонических оркестров: Чикагского, Филадельфийского, Кливлендского, Лондонского, Сан-Францисского, Лос-Анджелесского, Тулузского, Лилльского, Монакского, Будапештского, а также оркестров театра «Ла Скала», Академии «Санта-Чечилия», Кёльнской филармонии, земли Шлезвиг-Гольштейн, Французского радио, а также лучших российских симфонических оркестров. Одна из западноевропейских газет отзывалась о мастерстве маэстро так: «Владимир Спиваков с поразительной уверенностью владеет дирижерской палочкой так же, как и смычком». В 1979 году Владимир Спиваков создает камерный оркестр «Виртуозы Москвы» — коллектив, в котором объединились музыканты лучших российских оркестров — ученики М. Ростроповича, Д. Ойстраха, Ю. Янкелевича, и который с первых выступлений завоевал любовь и признание зрителей и слушателей. В 1983 году оркестр получает официальное название Государственный камерный оркестр Министерства культуры СССР «Виртуозы Москвы» — визитная карточка, известная во всем мире.

За 20 лет своего существования «Виртуозы Москвы» выступали с гастролями почти во всех крупных городах бывшего СССР, в Европе, США, Японии. Оркестру рукоплескала публика в таких престижных залах, как «Карнеги холл» в Нью-Йорке, «Концертгебау» в Амстердаме, Театр на Елисейских полях и зал «Плейель» в Париже. «Виртуозы Москвы» принимали участие в самых известных международных фестивалях, таких как Зальцбургский, Эдинбургский, «Флорентийский май», Нью-Йоркский, Токийский, Помпейский, Люцернский, Кольмарский. В Италии за исполнение итальянской музыки оркестр под руководством В.Спивакова награждается «Премией Вивальди». Впрочем, оркестру доводится выступать и в экстремальных условиях. Так, оркестр дал концерт в Армении сразу же после страшного землетрясения 1988 года, а через три дня после Чернобыльской катастрофы — на Украине. В 1990 году оркестр «Виртуозы Москвы» подписывает пятилетний контракт с Фондом принца Филиппа Астурийского и становится «оркестром, постоянно проживающим» в Испании.

В 1989 году Владимир Спиваков впервые организует Международный музыкальный фестиваль в Кольмаре (Франция), бессменным музыкальным руководителем которого он является до настоящего времени. Очень скоро фестиваль в маленьком эльзасском городе становится значительным событием в музыкальном мире. За годы существования фестиваля в нем приняли участие выдающиеся творческие коллективы, а также знаменитые музыканты: Мстислав Ростропович, Иегуди Менухин, Евгений Светланов, Феруччио Фурланетто, Жозе Ван Дамм, Роберт Холл, Кристиан Циммерман, Мишель Пласон, Мария-Жоао Пиреш, Евгений Кисин, Вадим Репин, Николай Луганский, Владимир Крайнев, Владимир Виардо и др.

Ежегодно маэстро дает около 120 концертов по всему миру, в том числе благотворительных, как солист, с оркестром «Виртуозы Москвы», а также как приглашенный дирижер.

С 1989 года Владимир Спиваков — член жюри известнейших международных скрипичных конкурсов: Монреальского в Канаде, имени Карла Флеша в Лондоне, имени Паганини в Генуе, имени Иегуди Менухина и имени Жака Тибо в Париже; является председателем жюри последних пяти конкурсов имени Сарасате в Испании, а также постоянным членом Независимого российского фонда «Триумф» с момента его создания. В 1992 году Владимир Спиваков впервые принимает участие в качестве посла искусств ЮНЕСКО в работе Всемирного экономического форума в Давосе (Швейцария). С 1994 года В.Спиваков ежегодно проводит престижные мастер-классы в Цюрихе, сменив на этом посту Натана Мильштейна.

Характерные черты исполнительской манеры Владимира Спивакова как скрипача — богатство, красота и объем звука, тонкая нюансировка, глубокое проникновение в авторский замысел, эмоциональное воздействие на аудиторию, яркий артистизм, интеллигентность. Сам маэстро Спиваков считает, что достижение этих качеств — заслуга его великого учителя Юрия Янкелевича, а также благотворное влияние кумира Давида Ойстраха. В 1997 году Владимиру Спивакову, игравшему тогда на скрипке работы Франческо Гобетти (Италия, XVIII век), подаренной ему учителем профессором Юрием Янкелевичем, меценаты предоставили в пожизненное пользование скрипку работы Антонио Страдивари (Кремона, 1712 год), на которой маэстро играет по сей день.

В 1999 году Владимир Спиваков приступает к работе в качестве художественного руководителя и главного дирижера Российского национального оркестра. Маэстро вызвал большой интерес публики и прессы глубоко оригинальными интерпретациями знакомого репертуара оркестра, а также увлек музыкантов работой над новыми произведениями, ранее не исполнявшимися коллективом. Как отметила критика, «…у нас стало первоклассным симфоническим дирижером больше» («Культура»). По итогам опроса радиостанции «Радио-1» и газеты «Музыкальное обозрение» Владимир Спиваков назван Лучшим музыкантом 1999 года.

Дискография Спивакова как солиста и дирижера включает около 40 компакт-дисков с записями произведений различных стилей и эпох: от музыки европейского барокко до произведений композиторов XX века — Прокофьева, Шостаковича, Пендерецкого, Шнитке, Пярта, Канчели, Щедрина, Губайдулиной. Многие из его альбомов не раз отмечались наградами музыкальной прессы, в частности «Шок де ля Мьюзик» и «Диапазон д’ор».

В.Спиваков — Народный артист СССР, лауреат Государственной премии СССР (1989), лауреат премии критики Всеевропейской Мюнхенской академии «За выдающиеся достижения в области музыкального искусства» (1981), кавалер ордена Почетного легиона (Франция, 2000). Награжден орденами Дружбы народов (1994), «За заслуги перед Отечеством» III степени (1999). За большой вклад в развитие мировой музыкальной культуры награжден государственными наградами ряда зарубежных стран: орденом «За заслуги» III степени (Украина, 1996), орденом офицера Искусств и Изящной словесности (Франция, 1999), орденом святого Месропа Маштоца (Армения, 1999). В год 50-летия маэстро в его честь одна из малых планет получила название «Спиваков».

Владимир Спиваков широко известен и своей благотворительной деятельностью. В мае 1994 года был основан Международный благотворительный фонд Владимира Спивакова, деятельность которого направлена на улучшение положения детей-сирот и помощь больным детям, а также создание условий для творческого развития юных талантов (приобретение музыкальных инструментов, выделение стипендий и грантов, участие наиболее талантливых музыкантов детского и юношеского возраста в концертах оркестра «Виртуозы Москвы», организация международных художественных выставок с участием работ юных художников и т.д). Около 1,5 тысяч детей получили помощь, организовано более 500 концертов, проведено около 50 художественных выставок. 500 человек стали стипендиатами, 50 из них — лауреаты международных конкурсов и фестивалей. Подарено 94 музыкальных инструмента, оказано содействие в проведении более 30 хирургических операций.

Увлекается живописью.

Провозглашен Артистом мира ЮНЕСКО за выдающийся вклад в мировое искусство, за деятельность во имя мира и развитие диалога между культурами.


--------------------------------------------------------------------------------

http://www.bashkortostan450.ru/celebrities/music-person/spivakov/

Далее в коментариях

В Петербурге прошел Международный фестиваль органной музыки, посвященный 100-летию Исайи Браудо (1896-1970) -- выдающегося органиста, ученого и педагога, исследователя старинной музыки и пропагандиста музыки современной.
Исайю Браудо вспоминали в эти дни как человека из легенды -- всегда не до конца постигаемой, глубоко таинственной и противоречивой даже в подробном пересказе, снабженном комментариями. На конференции в консерватории о Браудо говорили его ученики и тесно общавшиеся с ним музыканты. По словам Людмилы Ковнацкой, Браудо воплощал собой легенду во многих отношениях. Красота внешнего облика, манера поведения выдавала в нем человека старого Петербурга; для закрытого мира, каковым была наша страна, Браудо, учившийся в 1920-е в Германии и Франции (в частности, у знаменитого Луи Вьерна), олицетворял собой внешний мир; наконец, он был человеком дерзновенных 1920-х. Этого музыканта сформировало столь сложное переплетение разных умений и знаний -- фортепианное и органное исполнительство, философия, математика, медицина, -- что музыка, игра на органе в общении с Браудо представлялась делом ясным и объяснимым, но в то же время непроницаемым. Органная игра была для Браудо искусством трудным именно в силу его собственного глубочайшего знания о многих ее трудноуловимых тонкостях. Трудно дается и чтение основательной книги И. Браудо "Артикуляция. О произношении мелодии" (1961). Читатель так или иначе приходит к заключению: искусство музыки парадоксально. Неслучайно профессор Браудо на уроках говорил афоризмами и парадоксами -- той лаконичной формой "правила", которая издавна была наиболее точной из возможных форм общения мастера с учеником. Ведь правило всегда говорит ученику ровно столько, сколько ему требуется в данный момент. По свидетельству Киры Альтерман, Браудо разговаривал с учениками "с высоты, но не свысока", и они чувствовали себя как перед Эверестом -- а этой высоты уже невозможно было устрашиться. Такой размах был присущ и интерпретациям Браудо. Постоянно возвращаясь к его грамзаписям, вы находите именно то, что ищете в органном искусстве в настоящий момент.
Концерты фестиваля показали, что сегодняшний петербургский органный мир открыт навстречу западным артистам. Публике был предложен выбор: современная академическая немецкая игра (Вольфганг Штокмайер) и ее петербургское отражение (Ольга Минкина и ее ученики), игра аббата из французской провинции (Абель Габори), властно подавляющее выступление Хосе Энрике Аярра Харне из Севильи и музицирование вдохновенного артиста из Женевы (Лионель Рогг). Как в прошедшие десятилетия, публика внимала строгой школе и выразительно-индивидуальному началу в игре Нины Оксентян, самой близкой ученицы, наследницы Браудо, ныне главы петербургской органной школы. Ярко эмоционально выступила Татьяна Чаусова, принадлежащая к числу последних учеников Браудо: исполнение ею Пассакальи Кушнарева (1923), посвященной Браудо, было знаменательным. Как известно, Браудо много и с увлечением работал с исполнителями-инструменталистами и певцами. Поэтому еще одним знаком памяти Исайи Браудо было присутствие в концертных программах ансамблевых номеров с участием тенора Пак Бом Чоля (Корея), сопраниста Олега Безинских и трубача Игоря Шарапова.
Огромную работу по подготовке и проведению фестиваля проделала органистка и музыковед Ольга Минкина. Фестивальная неделя лишний раз убедила в том, что коллективные движения и организаторские таланты дорогого стоят. В Петербурге состоялся замечательный органный праздник, каждое событие которого приносило яркое впечатление. Собственно браудовская тема фестиваля получила все же приглушенное звучание. Сегодняшний органный мир Петербурга далек от Браудо -- далек в разных смыслах. Время великих индивидуалистов, каким был Исайя Браудо, прошло. На смену явились "движения". О них в свое время точно высказался Арнольд Шенберг: "Ничто так быстро не кончается, как эти движения, вызываемые таким множеством людей". Размах фестиваля -- по количеству и географии участников, по разнообразию жанров -- необычаен. Этот размах не только поражает, но и смущает. Юбилей Браудо -- дело его учеников. Поэтому жаль, что в нем не приняли участия Ваган Стамболцян и Анастасия Браудо, что не было концерта учеников Нины Оксентян -- прямых наследников мастера. Выражая признательность организаторам фестиваля, нельзя не пожелать им больше такта. И больше хорошего вкуса.
МИХАИЛ МИЩЕНКО

Родился в 1962 году в Красноярске. Отец – Хворостовский Александр Степанович. Мать – Хворостовская Людмила Петровна. Супруга – Флоранс. Есть дети.
Любовь к вокальному искусству Дмитрий Хворостовский во многом унаследовал от отца. Инженер-химик по специальности, Александр Степанович собрал огромную коллекцию записей звезд мировой оперной сцены, сам прекрасно пел и музицировал на фортепиано. В доме всегда звучала хорошая музыка. С детства кумирами Дмитрия были: любимый баритон – Этторе Бастианини; Тито Гобби, Федор Шаляпин, Мария Каллас. Он любил слушать неаполитанские песни в исполнении Карузо, Тито Скипа и Марио Ланца, записи А.В. Неждановой, П.Г. Лисициана, И.К. Архиповой и других выдающихся вокалистов. Певческий талант Дмитрия Хворостовского проявился рано. Природа наделила его голосом, уникальным по своим возможностям и гибкости. С раннего возраста он исполнял арии, старинные русские романсы и песни.
Окончив Красноярское педагогическое училище имени А.М. Горького, затем Красноярский институт искусств (класс заслуженного деятеля искусств РФ профессора Е.К. Иофель), Дмитрий Хворостовский с 1985 по 1990 год был солистом Красноярского государственного театра оперы и балета.
Началом стремительного развития профессиональной карьеры певца послужили победы сначала на всесоюзных, а затем и на международных конкурсах. В 1987 году он стал лауреатом 1-й премии на Всесоюзном конкурсе певцов имени М.И. Глинки, а через год был удостоен Гран-при на Международном конкурсе певцов в Тулузе (Франция).
В 1989 году имя Дмитрия Хворостовского стало всемирно известным, когда он победил на телевизионном конкурсе Би-би-си Певец мира в Кардиффе (Великобритания), завоевав единственный приз и титул Лучший голос.
Красавец, с дивным русским лицом, шевелюрой седых великолепных волос, благородный и статный Дмитрий Хворостовский поет народные песни. Божественный баритон, простота и величие, осененный голос, бесконечные любовь и могущество. Романсы аристократических петербургских салонов. "Жестокие романсы" русских слобод и предместий. Ямщицкие и крестьянские песни бессчетных деревень, бескрайних дорог и раздолий. Солдатские песни Великой Отечественной. Удалая гульба, молитвенная чистота, бесконечная, уходящая в небеса истина. Таково действие этого великого певца, посланного нам среди уныний и духовной немощи, явленного в трагический час русской жизни. Так в холодной избе вдруг отворишь в печи заслонку, и в лицо тебе прянут алый жар, дивный свет, животворный ликующий пламень. Или в тусклых небесах, среди осенних туч и буранов, вдруг откроются ослепительная синева, мистическая лазурь, как благая весть о бессмертии. Люди, слушающие Хворостовского, плачут. Их лица преображены и прекрасны. Вокруг голов — едва заметные нимбы. Это те особые слезы, которыми мироточат иконы. Русская душа страстно откликается на эти песнопения, что передаются от поколения к поколению, как таинство, соединяющее нас в непобедимый народ, в котором никуда не исчезли великие провидцы и святители, полководцы и зодчие, мудрецы и сладкопевцы.
"Среди долины ровной...", — и тебе вспоминается зеленый дуб, на который молился и любовался Андрей Болконский. "Вдоль по Питерской..." — и в тебе взыграют все твои удалые предки, лихие ямщики и кудреватые коробейники. "Когда еще я не пил слез из чаши бытия..." — и твой прапрадед из пушкинского века печально тебе улыбнется. "На солнечной поляночке..." — и в тебе проснется непобедимый, неунывающий Тёркин. "Вышел в степь донецкую парень молодой...." — вот они, неразлучные Россия и Украина, опаленные солнцем одной судьбы.
Хворостовский поет так, что самая горемычная русская душа восстанет и восхитится. Погибающий от тоски очнется. Забитый невзгодами воскреснет. Ослабевший исполнится силой. Богооставленный обретет Бога в душе. Певец земли русской, он и есть наш национальный герой, вдохновитель и духовный наставник. От его родных песен текут по щекам слезы любви и веры.
С первыми звуками его баритона расточается тьма. Русь бесконечна и восхитительна. В небе, среди алмазных светил, дышит Бог. И такая любовь к России, летящая из века в век благая весть о нашей великой судьбе, о нашем великом страдании, о нашей неизбежной Победе. Жаркие слезы бегут, и ты веришь, что смерти нет.

В настоящее время Дмитрий Хворостовский с женой Флоранс и двумя детьми живет в Лондоне. И всякий раз, по его собственному признанию, когда он видит березы – символ России, – ощущает сильную тоску по Родине.
В феврале 2006 года в Большом зале консерватории прошел концерт Дмитрий Хворостовский представляет, в котором Д. Хворостовский и Р. Флеминг исполнили арии и дуэты из классических опер.
Д.А. Хворостовский – народный артист РФ (1995), заслуженный артист РФ (1990), лауреат Государственной премии РСФСР в области музыкального искусства (1991), лауреат премии Профсоюзов в области художественного творчества (1991).

Нахожусь под большим впечатлением от выступления Дмитрия Хворостовского на «Новой волне».

Pодилась 6 июля 1943 года в Москве.
Тамара Синявская - русская певица (меццо-сопрано), народная артистка СССР, лауреат Гран-При Международного конкурса вокалистов в Вервье (Бельгия) и 1-ой премии Международного фестиваля им. Чайковского.

Крупная оперная певица, солистка Большого театра, стажировавшаяся в Ла Скала, с успехом гастролировавшая в Англии, Франции, Испании, США и Германии, исполнительница "серьезной музыки", Тамара Синявская заслужила в нашей стране такую популярность и народную любовь, которой завидовали многие эстрадные кумиры.

Представительница русской традиционной школы, преемница таких великих певиц, как Надежда Обухова и Мария Максакова, Синявская обладает поистине виртуозной техникой, которая сочетается с глубокой чувственной исполнительской манерой, прекрасным бархатным тембром и ярким темпераментом. Оперный репертуар певицы весьма разнообразен: здесь и Глинка, и Мусоргский (партия Любаши в "Царской невесте" пользуется особой любовью у публики), Римский-Корсаков, Бородин, Прокофьев и другие. Из произведений западных композиторов Синявская пела в операх Верди, в "Кармен" Бизе, исполняла сочинения Вагнера. Помимо работы в театрах, Синявская всегда вела активную концертную деятельность. На концертах Тамара Ильинична исполняет далеко не только классический репертуар - невероятно популярны романсы, народные и эстрадные песни в ее исполнении: семейный дуэт Синявская-Магомаев и сегодня собирает полные залы.

Синявская признает, что сегодняшняя ситуация на российской оперной сцене не очень ее устраивает - нет артистов, которые "могли бы по-настоящему захватить". Сама она продолжает работать, хотя репертуар, к сожалению, существенно сократился. Однако каждое концертное выступление певицы (особенно совместные выступления с Магомаевым) проходит с громким успехом.

Тамара Синявская: Театр остался моим родным домом, в котором я... не живу

Синявская: Мне хотелось бы поклониться Господу Богу в ноги в пояс до земли за то, что он дал мне такую возможность иметь голос и жить в Большом театре всю свою сознательную жизнь с 20-летнего возраста. Я благодарю Господа бога за то, что он мне позволил находиться в Большом театре, когда в Большом театре было золотое сечение артистов. Сейчас в Большой театр пришли Лопахины, чтобы вырубить вишневый сад. Меня словно кухонным ножом ударили в спину... В мою любовь вошла большая боль.
Владислав ФЛЯРКОВСКИЙ

Мне все нравится, что связано с «Хохломой»

Полина Гагарина одна из самых ярких и одаренных молодых исполнительниц
нашего времени. Она одна из немногих девушек, кто на сцене исполняет свои
песни.

Один из любимых поэтов Полины Гагариной - Владимир Маяковский. Любимые
писатели - Ф.М.Достоевский, М.А.Булгаков. Победительница проекта "Фабрика
звезд - 2" хорошо помнит свою первую любовь. В школе любила литературу и не
любила алгебру. На завтрак ест фасоль. Учится в ГМУЭДИ (московское
эстрадно-джазовое училище). Любимые животные - кошки. Полине было стыдно,
если она подводила людей. Любимая одежда - платья, предпочитает слушать
джаз и соул. Фирменного блюда у артистки нет. Дуэтом хотела бы спеть с
Beady Belle и India Area. Очень любит людей, и особенно - умных. Последняя
прочитанная книга - "Преступление" Амели Натомб. По Гороскопу Гагарина
"Овен", очень хочет воплотить в жизнь свою мечту и сделать в жизни много
интересного и важного. Новый год любит отмечать на работе. Просыпается не
раньше полудня. Ни за что не прыгнула бы с парашютом. С ужасом представляет
себе ситуацию, если потеряет мобильный телефон. Любимый праздник - день
рождения. Если бы оказалась на Марсе, была бы несказанно удивлена. Если бы
была спонсором, вложила бы деньги в фотовыставку. Любимый фрукт - маракуйя,
любимые сладости - разных сортов мороженое. Президент Полина Гагарина
первый указ подписала бы об отмене фонограмм. Рисует, по собственному
признанию ужасно, но умеет танцевать вальс. Если сборы на необитаемый
остров всего пять минут, Полина прежде всего подумает о том, чтобы в пути
на остров рядом обязательно была бы мама. Любимых мягких игрушек нет, зато
есть марка машины, которая нравится больше всего - "Фольксваген"-"жук"
розового цвета. Компьютер в жизни Полины фактически не присутствует. Певице
18 лет, и когда идет дождь, она пишет песни. Полина вообще любит дождь.
Курению, алкоголю и наркотикам говорит категоричное "нет". В свободное
время Гагариной нравится писать песни, читать.
Пожелаем ей и дальше удачи во всем.

8 марта с Большим симфоническим оркестром Нетребко представит вечер арий и
сцен из опер

Международный женский день будет отмечен московским концертом Анны Нетребко
в Большом зале консерватории.

Говоря об искусстве Нетребко, часто употребляют слова "гламур" и "пиар",
однако всемирный успех певицы - настолько же результат мощной рекламной
кампании, насколько и плод ее исключительных вокальных, артистических и
внешних данных.
8 марта с Большим симфоническим оркестром Нетребко представит вечер арий и
сцен из опер. Вместе с ней на сцену выйдут Екатерина Семенчук - еще одна
восходящая звезда из Мариинки - и менее известный у нас баритон Ильдебрандо
д'Арканджело; минувшим летом на Зальцбургском фестивале, посвященном
250-летию Моцарта, он исполнял ключевые партии в операх "Свадьба Фигаро" и
"Дон Жуан".
Обязательно прозвучит и ария Фигаро, и дуэт Наташи и Сони из "Войны и мира"
Прокофьева, и знаменитая "Хабанера" Бизе, и многие другие страницы оперной
классики; высочайший уровень исполнения на время поможет забыть о том, что
избранные арии из опер - жанр до некоторой степени ущербный.
Далеко не каждый артист способен удерживать внимание слушателей в течение
целого вечера.

Петр Дранга: рожденный играть на аккордеоне
Этот молодой, необычайно обаятельный музыкант появился на нашей эстраде совсем недавно, чтобы научить российского зрителя любить всеми забытый инструмент — аккордеон. Лауреат VII Московского открытого конкурса аккордеонистов и международных конкурсов аккордеонистов в Италии (1996 год) и Испании (1998 год); лауреат I Всероссийского конкурса музыкантов Новые имена (2000 год). С ноября 2004 года началась сольная концертная деятельность талантливого и заводного аккордеониста Петра ДРАНГИ

Петр, как ты начал играть на аккордеоне?
— Мои родители — аккордеонисты, наверное, они и определили будущую профессию. В двенадцать лет мне просто нравилось играть на этом инструменте, очень стильном и оригинальном, с четырнадцати — я сам начал экспериментировать с аранжировкой. Это, кстати, совпало с моей победой на международном конкурсе в Италии. Сейчас я уже себя не представляю вне музыки. Музыка для меня — это образ жизни. В данный момент я занимаюсь написанием оркестровых произведений. В ближайших планах — поступление на факультет оркестрового дирижирования Гнесинского училища.
— Ты вносишь в музыку какие-то изменения?
— Конечно, вношу! Как и любой музыкант. Иногда я даже трактую аккордеонную партию по-разному, но это зависит от моего настроения
Какие произведения тебе нравится исполнять?
— Если говорить откровенно, мне комфортнее исполнять авторские произведения. Например, интересно взять какую-нибудь определенную тему, и с помощью нее донести до человека свое настроение. Очень люблю произведения Андрея Петрова, А. Пьяцолллы.
— Ты прислушиваешься к советам?
— Да. К советам своего отца. Он для меня непреклонный авторитет в музыке. Ведь я в детстве был настоящим оторвой, очень непослушным ребенком. Помню период подготовки к международному конкурсу: приходилось сидеть за инструментом по восемь часов в день. Большая заслуга моего отца в том, что он меня приучил к вниманию во время занятий музыкой. А занятия классическим аккордеоном дисциплинируют. Мне порой очень важно узнать мнение людей по поводу того или иного моего творческого поступка. Родители меня критикуют, особенно отец. И эта критика всегда справедлива, дает возможность подумать над чем.то. Если раньше я убегал от критики, то сегодня часто стал обращаться за советами к отцу. Хотя все равно всегда слушаю только себя.
— Как ты думаешь, каковы перспективы молодых аккордеонистов в современной России?
— У молодых и талантливых аккордеонистов будущее, несомненно, есть, если они не будут бояться экспериментировать и работать на стыке жанров. Я считаю, что лучше человеку понимать, что то, что он делает, кому-то нравится. Я придерживаюсь утверждения «тише едешь — дальше будешь». Артиста, на мой взгляд, сцена должна воспитывать на протяжении долгих лет. Ведь быстрая популярность не дает человеку быть стабильным в его профессии. Я просто благодарен жизни за то, как развиваюсь на сцене. К примеру, год назад у меня было колоссальное количество концертов, но еще не приглашали выступать на телевидение. Сейчас все совсем по-другому. Ведь общению с публикой учатся. Я долгое время работал в ресторанах. И для меня это была колоссальная практика. Ты себе не представляешь, какое огромное удовольствие, играть для большой аудитории, получая взамен аплодисменты, овации и признание твоего таланта.
— Петр, отойдем немного от темы музыки. Ты помнишь свою первую любовь?
— Конечно. Я познакомился с ней, когда работал уборщиком в кинотеатре «Орбита». Она была немного старше меня. Мне кажется, что это чувство было только с моей стороны. Но, наверное, на то она и первая любовь.
— Занимаешься ли ты спортом?
— Разумеется, поскольку профессия музыканта требует от меня хорошей физической формы. Я отдаю предпочтение так называемой силовой гимнастике — это гантели и турник. Упражнения для укрепления мышц спины нужны для того, чтобы не сорвать спину во время выступления. Из всех видов спорта мне больше всего нравится фигурное катание. Это настоящее искусство, такое же, как и музыка.
— Какую музыку ты сам предпочитаешь слушать?
— Люблю слушать разную музыку. Например, итальянскую, которая звучит на побережье. Я отдаю предпочтение зарубежной музыке в стиле Grunge или Art Rock, из групп люблю Cranberries, Nirvana. На российской эстраде же, по моим ощущениям, только Алла Борисовна Пугачева может сделать из любого музыкального материала что-то привлекательное для любых слоев общества.

Хорошо, когда в России есть такие таланты!