-Рубрики

 -Поиск по дневнику

Поиск сообщений в rinagit

 -Подписка по e-mail

 

 -Интересы

вяжу шью учу английский знаю немецкий

 -Сообщества

Участник сообществ (Всего в списке: 51) Старое_фото Неизвестная_Планета Ходячий_Замок Тоска_по_Интеллекту Дизайн_для_ваших_дневов Вязаный_вальс про_искусство Кошки_разных_народов ДНЕВНИК_ХУДЕЮЩИХ Live_Memory Читальный_зал Дом_Кукол Расскажи_о_ЛИРУ Аудиокниги вязалочки Страны_народы_история _В_И_Н_Т_А_Ж_ Царство_Кулинарии Радуга_женственности Вяжем_спицами_и_крючком Секреты_здоровья Диета_доктора_Дюкана РЫЖИЙ_КОНЬ ОСЕНЬ_и_ЗИМА Интересно_об_АВТО Размышления_Сфинкса Аватары_для_всех СЕРЕБРЯНЫЙ_ВЕК Бисероплет ПИАР_дневников Книжный_БУМ Художники_ЛиРу культ_кино НЕ_ЖРАТЬ Books Camelot_Club Picnic_Time Geo_club Learn_English Найди_ПЧ УпрЯЯЯмые_ПОХУДЕЙКИ -HochuVseZnat- Арт_Калейдоскоп Сообщество_Творческих_Людей Искусство_звука Школа_славянской_магии Библиофил Вкусно_Быстро_Недорого Creative_Designs Только_для_женщин JAM_Music_Journal
Читатель сообществ (Всего в списке: 15) Наши_схемы АРТ_АРТель ПОМОЩЬ_НОВИЧКУ притчи_мифы_сказки Томас_Кромвель Как_похудеть_лентяйке Умелые_ручки Учим_итальянский АртБазар Live__ART Триплет_Душ This_is_Erotic О_Самом_Интересном Чортова_Дюжина Школа_славянской_магии

 -Статистика

Статистика LiveInternet.ru: показано количество хитов и посетителей
Создан: 24.07.2010
Записей: 9794
Комментариев: 2501
Написано: 17465

Выбрана рубрика модернизм.


Соседние рубрики: ташизм,дадизм,абстрактионизм,(12), сюрреализм(28), сентиментализм(12), роккоко(28), реализм(125), прерафаэлиты(15), портрет(295), перидвижники(28), пейзаж(223), натюрморт(135), наивное искусство(33), монументальная живопись(67), историзм(51), импрессионизм(44), икона(43), жанр(272), готика(26), возрождение(78), барокко(37), акт(58)

Другие рубрики в этом дневнике: шитьё(56), чувства(69), фотография(710), Театр(510), Танец(72), сюморон(20), скульптура(18), рисунок(333), путешествие(304), психология(276), проза(276), притчи,сказки,мифы,(118), природа(224), поэзия(509), политика(885), музыка(753), мода(220), литература(959), куклы,о куклах,для кукол(78), Кино(688), история моды(175), история вещей(580), история(2445), искусство(2309), интересные сообщения(6088), Знаменитости (2369), Здоровье без лекарств(350), живопись(875), домашнее хозяйство(314), Гениальные жители земли(158), вязание:схемы ,уроки(516), вязание(689), Воскресный кинозал(1229), война-мир(434), Архитектура(495)

Гюстав Моро. Танец Саломеи

Воскресенье, 25 Августа 2013 г. 20:27 + в цитатник
Это цитата сообщения Ванда [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Гюстав Моро. Танец Саломеи

 

Саломея (5 год или 14 год — между 62 и 71) — иудейская принцесса, дочь Иродиады и Ирода Боэта, падчерица Ирода Антипы; впоследствии царица Халкиды и Малой Армении. Один из персонажей Нового Завета (однако там она не упомянута под собственным именем). Первоначально Саломея вышла замуж за своего дядю, тетрарха Ирода Филиппа II. После его смерти вышла замуж за двоюродного брата по матери, Аристобула, сына Ирода Халкидского; от него родила трёх сыновей: Ирода, Агриппу и Аристобула. Ирод Антипа властвовал в двух gровинциях – в Галилее и в Переи. Был он человеком злобным и завистливым. Ироду было за 50, когда он влюбился и решил жениться на жене своего брата Иродиаде, которого он лишил наследства. Честолюбивая Иродиада тяготилась своим унизительным положением и мечтала о власти

далее>>>
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/жанр
живопись/модернизм
живопись/историзм
интересные сообщения
история
история из доступных источников
история вещей

Метки:  

Бодаревский Николай Корнилиевич

Четверг, 19 Сентября 2013 г. 14:16 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Бодаревский Николай Корнилиевич

«Увлекательные речи», (1916)

>>>

Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/жанр
живопись/акт
живопись/реализм
живопись/модернизм
живопись/историзм
интересные сообщения

Метки:  

Самые известные картины Эдгара Дега

Пятница, 27 Сентября 2013 г. 02:38 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Самые известные картины Эдгара Дега

Автопортрет

Автопортрет

27 сентября 1917 года умер французский живописец Эдгар Дега, один из самых выдающихся представителей импрессионизма, график и скульптор. Его работы отличаются острым и динамичным восприятием жизни, строго выверенной асимметричной композицией, гибким и точным рисунком, неожиданными ракурсами фигур. Собственно говоря, несмотря на титул, к импрессионизму Дега можно отнести только благодаря трепещущей, светящейся игре красок, — он вырос из традиционной живописи.>>>

Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/натюрморт
живопись/жанр
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Испанская страсть и андалузская Кармен.

Понедельник, 30 Сентября 2013 г. 01:13 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Испанская страсть и андалузская Кармен.


11930731_original
 

Он опять звучит современно, Хулио Ромеро де Торрес, цепляет зрителя и напоминает хабанеру.  В потоке бесконечной эротики его «черно-коричневые девушки», да-да, его признали «художником черно-коричневых девушек» (из старинного андалузского фольклора) выглядят не томно-эротичными, а своенравными, гордыми. Короче, Кармен с горящими глазами, страсть и ревность.  Это был период торжества модернистских канонов в мировой живописи, Хулио Ромеро де Торрес оставался реалистическим романтиком что порождало критические дискуссии вокруг его работ на нескольких национальных и международных выставках: в Барселоне(1911), Мадриде (1912 ) и Мюнхене (1913). Не сыграл он своей роли тогда. Зато его андалузские женщины, написанные ярко, энергично привлекают эмоциональностью и современного зрителя и кажутся универсальным эталоном южной женской красоты!>>>

Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/жанр
живопись/реализм
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Максим Кантор"Любови вопреки"

Дневник

Вторник, 01 Октября 2013 г. 22:58 + в цитатник
svidanie (600x515, 319Kb)
В коллекции московского музея на Волхонке есть холст молодого Пикассо «Свидание». Картина написана до “голубого периода”, когда Пикассо только нащупывал свою линию, – потом это станет главной темой его картин: одна линия скользит вдоль другой, прижимается к ней, объем вдавлен в объем, контур прилип к контуру. Пикассо напишет тысячи пар – бродяг, арлекинов, нищих, античных героев, матадоров, художников – он нарисует, как человек тянется к человеку, как рука входит в руку, как щека прижимается к щеке, как мужчина обнимает подругу и закрывает ее плечом от мира. Объятия станут главной пластической темой всего искусства Пикассо (была проведена выставка “Объятия Пискассо”, собирали по всем периодам творчества) – и это всегда особые объятия: обнимая, закрываешь от внешнего мира. В картине “Странствующие комедианты” этот жест – закрыть своего от чужого мира – доведен до гротеска: арлекин, стоящий на первом плане, выставляет вперед ладонь – словно отодвигает нас, смотрящих, не дает нам войти в круг охраняемых друзей.

На картине “Свидание” – все просто. Мастерство Пикассо тех лет не изощренное – картина написана безыскусно, словно рассказ, рассказанный простыми словами: вот комната, вот стул и кровать, пришли люди, обнялись. Но в картине звучит отчаянная нота, выделяющая ее из тысяч полотен: люди прижались друг к другу безоглядно, отдавая себя целиком, так обнимаются герои Хемингуэя или Ремарка. Вы помните эти встречи в дешевых гостинцах: назавтра они расстанутся: война, эмиграция, нищета – их растаскивает в разные стороны.

Люди обнимаются так, как обнимаются на прощание, чтобы остановить небытие, тянут друг к другу руки “поверх ясной и сплошной разлуки”, выражаясь словами Цветаевой. Так обнимал Роберт Джордан девушку Марию – отчетливо зная, что отмерено на объятие немного. Так обнимает смешной нищий Чарли своих подруг – ему нечем их согреть, кроме объятий, но обнимает он сильно.

Вот и Пикассо – мужчина и женщина прижались друг к другу, словно прячутся друг в друге; впоследствии Пикассо достигнет того, что тела станут буквально перетекать одно в другое, любовь соединит любящих в единое существо – как на знаменитом офорте с нищими в кафе. Так нельзя нарисовать нарочно – не существует приема, как передавать экстатическое состояние преданности, нет такого трюка в рисовании; надо почувствовать скоротечность жизни, беспощадность бытия, бренность любви – и тогда отчаянное объятие получается само собой.

Вот Хемингуэй так чувствовал – и простыми словами передавал безоглядную страсть на краю беды, во время войны. И Пикассо умел сделать так, что от простых красок и простых линий перехватывает дух. Картина “Свидание” написана стремительно, без деталей. Люди встретились в низком, тесном, бедном помещении. Наверное, это мансарда: потолок скошен. Все серое: стена, кровать, воздух комнаты; лица расплывчаты – мы смотрим не на лица; есть нечто большее, нечто главное – мы свидетели очень важной сцены.

В картине чувствуется, что за стенами мансарды – беда. Почему там беда – Пикассо не объясняет; но мы знаем, почему. Вероятно, у этих страстных и нежных людей нет своего угла; вероятно убогая комната дана им на время, свидание их короткое – в хорошем мире было бы устроено иначе. Вероятно, им не быть вместе: жизнь – короткая и хрупкая вещь. Все устроено скверно – но люди обнимаются, и это наперекор всему. Любовь в этой картине (как и в творчестве Пикассо вообще, как и в искусстве двадцатого века вообще) это субстанция, которая существует вопреки законам мира; ее отменили – а она живет. Живет вопреки правилам мира, это описал Булгаков в свиданиях Мастера и Маргариты, Пастернак в свиданиях доктора и Лары, Оруэлл – когда рассказывал о тайных встречах Смита и Джулии.

Картина “Свидание” оказалась в музее на Волхонке, где в то время экспонировали коллекцию подарков Сталину, и ее случайно увидел советский поэт Владимир Корнилов – а в картине он увидел не любовную сцену, но сопротивление режиму.

Описал поэт картину так, как мог сделать советский диссидент:

Он прижимал ее к рубахе
И что поделать с ним могли
Все короли и падишахи
Все усмирители земли.

Поразительно здесь то, что Пикассо, вообще-то, не собирался писать ни любовную картину, ни (тем более!) картину борьбы с властью – Пикассо эту вещь сделал задолго до своей мансардной жизни с Фернандой Оливье, до «голубого периода», и уж тем более задолго до «розового периода», до трогательной «Семьи арлекина». Написанная в 1901 году, эта картина даже не может быть воспринята в контексте грозовых событий века – время стояло спокойное. Ничего возвышенно-романтического художник написать не хотел – на картине изображена сцена в публичном доме в Барселоне; есть еще три небольших холста на эту же тему и несколько рисунков.

Рисунки непристойные, глядя на них мысли об отчаянной любви не возникает, рисунки похожи на помпейские росписи лупанариев; а в холстах эротика ушла, и живопись стала пронзительной. Разумеется, мы смотрим на искусство теми глазами, какими нас наделила наша биография и опыт страны. Но не всякую картину можно прочесть, как гимн сопротивлению и отчаянной любви вопреки всему – а эту можно.

Искусство живописи имеет такое свойство – превращать предмет в символ, иногда помимо воли автора. Чем убедительнее и плотнее образ – тем более универсально его значение, когда находятся точные линии – это неизбежно ведет к обобщению высказывания. Сезанн пишет натюрморт, а получается рассказ об определенной жизни с определенными принципами. Мы смотрим на сотни натюрмортов «малых голландцев» (рыба, бутылка, лимон) как на протестантскую декларацию: «вот мой мир, это мои семейные ценности, лишнего не надо, от скромного достатка не откажусь», и эта декларация и впрямь присутствует – но ни Класс Хеда и Ван Бейерен ничего декларативного не думали, они просто рисовали рыбу и бутылку.

Пикассо нарисовал сцену в публичном доме, он хотел написать грубую историю, а получился гимн человечности – рассказ о любви вопреки нищете и наперекор правилам общества.

Да, в то время, когда он писал «Свидание», Первая мировая была еще далеко; до революции, потрясшей Европу, оставалось почти двадцать лет; инфляция, беженцы, – это еще было впереди. Но бедность была всегда; а главное – чувство неизбежности разлуки, которая впереди у всех, чувство, которое превращает даже самую безмятежную жизнь в драму, даже самый обыкновенный натюрморт в momento mori, чувство бренности бытия и хрупкости человека – вот что создает гуманистическое искусство.

Любовники спрятались в маленькой комнате, у них полчаса на встречу – но эти полчаса принадлежат им, а не обществу, которое врет и воюет. Помилуйте, это проститутка и ее клиент – при чем тут «Прощай оружие», «Триумфальная арка» и противостояние насилию. Но получилось именно так: отныне они обнимаются отчаянно, из последних сил, вопреки всему. Так обнимал Уинстон Смит из «84 года» Орвелла – свою подругу в тайной убогой комнате, так обнимал Роберт Джордан испанскую девушку Марию, так – вопреки войне, беде, разлуке, революции – обнимал доктор Живаго свою Лару. Все пошло вкривь, у них только эта минута – но минута сильна, минута долгая, важнее войны и беды. Эта отчаянная «любовь вопреки» стала главной темой искусства двадцатого века – так случилось еще до Сартра и Камю, хотя потом экзистенциалисты нашли для такого отчаянного жеста на самом краю нужные слова.

Поэт Корнилов писал про холст молодого развратника Пикассо так, словно писал одновременно про все искусство ХХ века – и про Пастернака, и про Маяковского, и про Хемингуэя.

Лиц не было, но было ясно,
Что это вовсе не жена,
Но для него она прекрасна
И позарез ему нужна.
Я видел: он – ее забота,
Я знал: она – его судьба.
Такая в них была свобода,
Что я до слез жалел себя.

И тут уместно спросить: какую именно свободу советский поэт разглядел в героях Пикассо? Свобода в чем? В адюльтере?

Любовь доктора Живаго и булгаковского Мастера, любовь героев Маяковского, Хемингуэя и Оруэлла возникала вопреки директивам века, вопреки общественной морали в том числе. Любовь была тем острее, что ей сопутствовал страх перед небытием, но не это главное; главное же состоит в том, что любовь возникала от уязвленного чувства достоинства – не позволяющего смириться с тем, что тебе не разрешено защищать другого.

Любовь – это прежде всего защита, а вот защищать другого – общество не позволяет. В тот момент, когда человек перестает сочувствовать другому, он делается окончательным рабом – вот об этом все любовные притчи двадцатого тоталитарного века. Уинстона Смита (героя «1984») пытками принуждают предать Джулию – в этом именно, в предательстве любимого человека, и выражается его порабощение. «Сделайте это с Джулией, а не со мной!» кричит Смит под пытками – и в этот момент он сломан окончательно, он совершенный раб.

Нашу личную свободу – то есть ту свободу, которой мы владеем поодиночке, – можно забрать легко. Именно этим и занят век: он порабощает людей по-одиночке, отнимая личную состоятельность, самостоятельность, встраивая нас в корпоративные отношения, где общие правила важнее личного чувства.

Нас уверяют, что добиться личной свободы можно через общественный успех, а общественный успех достижим при соблюдении определенных правил – эта элементарная диспозиция стремительно делает из одиночек участников общих процессов, будь то война или массовая демонстрация в защиту абстрактных прав. Главное, внушают нам, это личное самовыражение; главное, внушают нам, это личная свобода; но стоит назвать личную свободу главным – как делаешься рабом: именно это свойство проще всего отнять, организовав формально свободных индивидуумов в толпы энтузиастов. Нет, не слушайте внушения – это все неправда: личная свобода – это ерунда; главное – это свобода другого! Когда борец за личную свободу отпихивает локтем обездоленного от кормушки – он уже стал рабом, он уже сделал необратимый шаг в направлении пушечного мяса.

Существует последний рубеж обездоленных: пока есть свобода объятий, мы непобедимы, мы уже не рабы. Пока есть бедная мансарда с низким потолком, и ты можешь прижать свою женщину к груди – ты свободен, твоя свобода выражается в защите другого. Говоря коротко: свобода – это возможность любить и защищать.

Любовь – есть привилегия свободного человека, эта привилегия ненавидима властями. В числе прочих законов, вводимых нацистами на оккупированных территориях, существовал закон, запрещавший браки, разводы, свободные отношения – раб не имеет права чувствовать. Рабы Рима и крепостные России не имели права организовать свою личную жизнь так, как им хочется. Моральный облик, осуждаемый на партсобраниях большевиков или фашистов, волновал собрания мало: было дозволено много бесчеловечных поступков, но вот испытывать неподконтрольное чувство привязанности – это возбранялось. Принцип рабства в двадцатом веке был явлен во всей полноте и беспощадности, и главное, что забирало себе государство – это право защищать другого. Лишенный этого права, человек и становится рабом.

Так вот, испанец Пикассо был органически свободным человеком, этим своим свойством он и неудобен сразу всем.

Некогда искусствовед Дмитриева, описывая «розовый период», выдумала прекрасное определение образов Пикассо – «слабый защищает слабейшего». Так и есть, у Пикассо много картин, на которых явлены градации слабости: всегда найдется кто-то слабее тебя, кого следует опекать. Малыш несет на плечах еще более беззащитного малыша; бедняк подает руку еще более несчастному; нищий еврей опекает маленького мальчика. Помните фильмы Чаплина? Помните Маяковского: «все мы немножко лошади»? Помните принцип «смерть всякого человека умаляет и меня, поскольку я един со всем человечеством» – принцип «колокол звонит по тебе»?

Соединение всех беззащитностей в единую ответственность и заботу – понимание того, что всегда есть более слабый, нежели ты, – только это и делает гуманистическое искусство – гуманистическим. И объятия – символ такого искусства. Когда неустроенные люди обнимаются в мансарде – каждый из них приходит к объятию беззащитным, но ими движет желание оградить любимого, уберечь другого. К определению Дмитриевой существенно добавить то, что две соединенные слабости образуют устойчивую силу – именно в этом суть картин: через защиту слабейшего становишься свободным, а потому делаешься сильнее.

Сплетенные руки тощих героев поддерживают и баюкают одна другую, каждый жест словно охраняет уязвимое тело доверившегося тебе человека. Линии Пикассо струятся так, что обтекают одна другую, подхватывают контуром контур, так возникает эффект поддерживающих друг друга конструкций, двух хрупкостей, обернувшихся силой – точно в потолочных перекрестьях и в тройных аркбутанах готических соборов.

Именно готические образы следует иметь в виду, когда смотришь на исхудавших и угловатых акробатов и нищих Пикассо – вспомните ребра распятий на скульптурах испанских соборов, вспомните провансальские храмы и святых с бесконечно длинными шеями, вспомните великую бургундскую живопись – например, Дирка Боутса или Рогира ван дер Мейера, вспомните как щека мертвого Христа вдавлена в щеку живой Марии – и, соединенные воедино, желтая мертвая щека и розовая с катящейся слезой образуют пронзительное вечно живое лицо – лицо, живущее невероятной, душераздирающей, непобедимой жизнью.

Эти смертные – но вечно живые – объятия Богоматери и Иисуса и есть концентрат, основа всех объятий вообще – именно эти иконописные образы рождающейся из небытия бессмертной силы – придали значение всем объятиям европейских картин. Об этом же (о том, как две слабости становятся единой силой) нам рассказывают кинокартины Чаплина – бродяга Чарли, сам неустроенный и убогий, становится неукротимым храбрецом, когда надо защитить еще более слабого, чем он сам.

Когда Пикассо писал «Свидание», он собирался рассказать нечто скабрезное, а получился рассказ о любви и свободе – и о вере.

Так произошло по законам искусства: гений не может быть грязным. Впрочем, гений был одновременно живым человеком – а живому человеку припомнили, что в жизни он не сумел защитить всех. А уж общественными правилами он точно пренебрегал. Стали говорить о последних картинах Пикассо – на них объятия уже выглядят предельно эротично: написанные восьмидесятилетним стариком сцены любви стали трактовать как выражение старческой похоти, как проделки сатира.

Но и эти скабрезные картины были «любовью вопреки» – вопреки возрасту, наступающей дряхлости, бессилию, смерти. Это тоже было сопротивление небытию – и, когда старик, коему положено быть немощным, сжимает в объятиях женщину – из последних сил, вопреки здоровью и законам природы – это тоже битва за свободу. Но Пикассо именно этой всепоглощающей, вечно горящей свободы и не прощали; ни в чем, никогда и никому из тех, кто говорил о любви – прощения не было.

Как было в реальности, мы знаем по сплетням – на холстах суетное обретало иную реальность, кто знает, какая реальность подлинная? – но ни Маяковскому, ни Хемингуэю, ни Чаплину не простили их любвеобильности; не простили и Пикассо.

Теперь уже не узнать, какими словами Маяковский описал Дон Жуана (Лиля Брик рассказывала, что Маяковский уничтожил поэму «Дон Жуан», когда поэма не понравилась Лиле), но нет сомнений, что поэт трактовал Дон Жуана как любовника, отдающего себя всякой избраннице сполна, всякий раз переживающего искренне, проживающего много жизней. Собственно, миф о вечной девственности Афродиты, всякое утро выходящей из морской пены очищенной – это рассказ ровно о том же.

В случае Пикассо перемена спутницы воплощалась буквально в новом цикле творчества: голубой период посвящен Фернанде Оливье, а розовый – Ольге Хохловой; личная жизнь художника была запутанной, что неудивительно для парижской богемы – но невозможно спутать холсты из серии, рожденной отношениями с Марией-Терезой Вальтер, и холсты, посвященные Доре Маар, это две разные истории, прожитые полно, и каждая из них – отдельная жизнь.

Невозможно представить, как искренности Чаплина или Ремарка хватало на многие любовные романы – но и допустить, что они фальшивили тоже невозможно: книги и фильмы тому подтверждение. Если понимать любовь как отношения конкретных людей, связанных контрактом, это непредставимо; но если понимать любовь как пример единения людей, как сбережение себе подобного, то возможно только так. Любовь есть великая скрепа бытия, она принадлежит сразу всем и не принадлежит никому – сила Маяковского и Пикассо в том, что они конкретную любовную историю воспринимали как фрагмент общей судьбы всех людей. Пикассо был (в представлении читателей гламурных биографий) Дон Жуаном, менявшем женщин; но он же был (и таким остался на холстах) рыцарем, защищающим прекрасную Даму. Вообще говоря, это сугубо философский вопрос – соответствие Венеры Небесной и Венеры Земной; искусство Ренессанса данное противоречие принимало – но прямолинейный двадцатый век хотел простоты.

Несоответствие в восприятии Пикассо-художника и Пикассо – члена общества стало причиной того, что современное искусство однажды решило быть циничным: появилась мода на бессердечие. Отныне все приведено в соответствие: решено, что не следует более притворяться хорошим, честнее быть равномерно и отчетливо плохим. Скажем, фра Филиппо Липпи, религиозный живописец и монах, отличался игривым нравом – Вазари насмешливо описывает, как Липпи вылезал из окна кельи на улицу, где его поджидали подружки: как же это совместимо с чистыми образами на алтарных досках? Но никто не упрекнет Френсиса Бэкона или Энди Ворхолла в аморальности – с моральной стороны они неуязвимы, поскольку ни с какой стороны не моральны, они и не проповедовали нравственность.

Так называемый авангард стал программно бессердечным – ни чувств, ни привязанностей не знает ни инсталляция, ни черный квадрат; но бессердечие – не есть сугубая привилегия именно европейского авангарда – это вообще свойство декоративного искусства, языческого искусства, дворцового искусства, скажу шире – это свойство европейского искусства. И, говоря более конкретно, в европейском искусстве можно вычленить лишь несколько периодов, когда искусство было посвящено любви – когда изображали любовь.

Один из таких периодов назван в истории искусства «ренессансом» и, хотя данный термин подразумевает возрождение постулатов античной эстетики, но речь во Флоренции Медичи шла о слиянии этических принципов христианства с античным каноном. Именно принцип христианской любви, то есть – общей скрепы бытия, наделил античных титанов Микеланджело – душой. Ренессанс позволил говорить о любви и о свободе одновременно: от Данте и Бокаччо до Боттичелли и Лоренцо Валла – великие гуманисты стали говорить о любви мужчины и женщины как о скрепе всеобщего бытия, как о фрагменте единой великой мистерии. «Любовь, что движет солнце и светила» – строка Данте не посвящена эротическим отношениям, но мироустройству, конструкции человеческого общества.

По аналогии с термином «ренессанс», относящийся к XV веку Италии, можно определить те немногие оазисы в европейской истории насилия, которые не просто давали надежду, но которые воссоздавали принцип любви, как основу конструирования свободного общества. Взаимная поддержка, солидарность, построение полиса, где каждый отвечает за общее дело и все равны – это звучит сегодня как вредная утопия; но именно этим были озабочены гуманисты Германии 18ого века, и поразительная немецкая культура 18ого века (Шеллинг – Гегель – Винкельман – Лессинг – Кант – Гете – Шиллер) стала вторым европейским Ренессансом. Именно этой – совершенно утопической поре (ее наивно именуют «романтизмом», на деле это была рациональнейшая пора построения логически внятной утопии) мы обязаны всей философии, всей историографии, всему строю эстетической мысли, которым располагаем сегодня.

Третий европейский «ренессанс» произошел, полагаю в послевоенной Европе – то было время невероятной концентрации гуманистических талантов, то было обещание совместной демократии, то было время проектов «общей Европы» де Голля и христианнейших романов Генриха Белля. Соединенными усилиями раскаяния, сопротивления и мечты о равенстве – родилось уникальное явление европейского гуманизма, у которого появилась своя (крайне кратковременная и шаткая) философская база - экзистенциализм, и который не вписывался ни в какие школы – это ни символизм, ни сюрреализм, ни фовизм. Этот новый (и последний на сегодняшний день) европейский Ренессанс просуществовал недолго – я датирую его 1945 – 1968-м, но ровно столько же, 23 года, существовала Флоренция под водительством Лоренцо Медичи. Именно в это время снова заговорили о любви – и Микеланджело нового времени, испанец Пабло Пикассо, говорил отчетливее прочих.

А затем, когда время ренессанса прошло (такие времена минуют быстро: войска французского карла входят во Флоренцию, а войска наполеона сметают германские княжества), когда появилось новое поколение прагматичных менеджеров, коммивояжеров от искусства, – вот тогда Пискассо припомнили его любовные проповеди, его «объятия вопреки». С него срывали маску, с ним сводили счеты на тех же основаниях, на каких сводили счеты обыватели с Маяковским, Хемингуэем, Брехтом или Сартром – за несоответствие облика провозглашенным идеалам. Ах ты, Маяковский, за всемирную любовь и свободу? А знаешь ли ты, что Брики – сотрудники чека? Ах ты, Хемингуэй, за мужество и верность? А зачем ты жене изменял? Ты, Сартр, говоришь, что коллективизм – это хорошо? А любимые тобой хунвейбины, знаешь, что вытворяли? Ты, Брехт, сопротивлялся нацизму? А сталинизму не сопротивлялся?

Поколение 80-х годов презирало гуманистов за вышедшую из моды директивность, за прекраснодушные декларации – которыми они сами (так казалось молодым людям) уже не могли верить. С Пикассо сводили счеты запальчиво, не пропуская ни одного случая упрекнуть – именно так сводили счеты с коммунизмом, за то что поманил, а обернулся лагерями. Объятья рисуешь, лицемер? Знаем мы цену твоим объятьям!

Собственно, никто кроме Пикассо о любви в двадцатом веке и не говорил. Писатели были – литература всегда немного опережает визуальные искусства – такие писатели, что говорили о любви, существующей вопреки массовым гипнозам. А вот художников, писавших о любви – не было совсем. Был великий Петров-Водкин, который воспел социалистическую семью, был консервативный Генри Мур, поставивший памятники семье буржуазной; были показаны эротические отношения в картинах Климта и Шиле; были преданные любовники, вечно оставшиеся молодыми и летящие над полями, – кисти Шагала; и это все.

Мы никогда не узнаем, что чувствовали эти любовники во время того, как в Освенциме душили евреев. Никто, кроме Пикассо не написал этого экстатического объятия вопреки всему – на пороге нового времени, на краю бессердечности, перед лицом все пожирающего авангарда. Можно бы сказать, что всякому времени присущи свои страсти: вот Пикассо писал про любовь, а Марсель Дюшан создавал инсталляции, призывая отказаться от стереотипов восприятия, а Йозеф Бойс показывал власть стихий. Критичным в эстетике является тот простой факт, что лишь любовь дает бессмертие – и только любовь способна родить искусство.

Пикассо рисовал постоянно, это была форма существования: думал линиями, дышал цветом; переводил жизнь в искусство каждый миг, то есть, делал смертных бессмертными. Тут надо представить особый тип сознания – таким обладали Данте и Маяковский, да и Микеланджело, и Ван Гог из той же породы. Пикассо отнюдь не профессиональный художник, он не занимался искусством с десяти утра до обеда – он сам был искусством.

И Дора Маар, которая стала героиней «Герники» и тысячи любовных историй, изображенных в темное время войны; и Фернанда Оливье – прототип жены нищего Арлекина; и балерина Ольга Хохлова – героиня «энгровского» прозрачного цикла; и Франсуаза Жило – женщина с длинной шеей, напоминающая на картинах цветок; и Жаклин, чье страстное лицо изображено на стариковских картинах – все его подруги не просто присутствовали при том, как он рисовал, они становились картинами. Все они могли сказать, что искусство Пикассо лжет – их настоящая жизнь была иной, но вот на холстах они остались такими, какими их сделал Пикассо. Живой испанец Пабло Пикассо – был не особенно целомудренным, но образы он создавал исключительной чистоты.

Пример Пигмалиона всякий художник чтит; однако, метод Пикассо был обратным; он не оживлял бездушный камень, но переводил живые и суетные страсти в вечные символы. То, что на картине «Свидание» похоть превращена в любовь – лишь первый из примеров. Он был ежедневно занят тем, что создавал объятия – конструкции сопротивления, он строил контрфорсы и аркбутаны большого собора веры. Не его вина, что собор Европы дал трещину – художник старался, он сделал, сколько мог. Есть офорт (из серии «Художник и модель»): скульптор разглядывает женщину, готовясь ее нарисовать, и модель, под взглядом творца, словно каменеет – он видит уже как сделает статую, единым взглядом переводит в бессмертие. Сколько простоит эта скульптура – Бог весть. Многим сегодня человеческий образ кажется лишним.

То был показательный пример Ренессансного сознания, и нет в европейском искусстве иной фигуры, которую можно было бы поставить рядом с Микеланджело. С Микеланджело началась традиция европейского гуманизма, а Пикассо эту традицию завершил. Нам не дано знать, найдутся ли новые силы в Европе на следующий ренессанс, хватит ли духу на еще одни объятия. Все темы, которые начал флорентинец, каталонец завершил сорок лет назад – в последних, истовых стариковских объятиях он показал тщету усилий любви и невозможность от усилий любви отказаться. Сегодня Пикассо уже нет, объятия никто не рисует; то и те, кто пришел ему на смену, толка в объятиях не понимают. Надо заново учиться обнимать.

C разрешения журнала Story

Материал с сайта WWW.PEREMENY.RU
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/жанр
живопись/акт
живопись/модернизм
интересные сообщения
Знаменитости

Метки:  

Американский художник-импрессионист. Glenn Harrington

Вторник, 15 Октября 2013 г. 21:18 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Американский художник-импрессионист. Glenn Harrington

Glenn Harrington
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/натюрморт
живопись/пейзаж
живопись/жанр
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Pусский живописец Михаил Нестеров.

Пятница, 18 Октября 2013 г. 18:32 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Pусский живописец Михаил Нестеров.

78_M

18 октября 1942 года умер русский и советский живописец Михаил Нестеров. Его картины отличаются проникновенным лиризмом, поисками и находками национально-русской темы. В них сквозит тонкая интеллигентность и глубокий внутренний мир художника; лирический пейзаж, фольклорные сюжеты, религиозные сценки, портреты и исторические полотна – все в его творчестве пропитано свойственной Михаилу Васильевичу нежной и мягкой атмосферой. «Одухотворение, несущееся из его картин, никогда не забудется. Он создал «стиль Нестерова», и тот стиль никогда не повторится», — сказал как-то Розанов В.В. в одном из интервью…>>>

Рубрики:  живопись/портрет
живопись/модернизм
живопись/историзм

Метки:  

Жизнь, полная несчастий и нелепостей. Художник Эдвард Мунк / Edvard Munch (1863-1944)

Пятница, 18 Октября 2013 г. 18:49 + в цитатник
Это цитата сообщения ovenca [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Жизнь, полная несчастий и нелепостей. Художник Эдвард Мунк / Edvard Munch (1863-1944)

 

Попалась мне как-то на глаза одна картина и надолго отбила желание знакомиться с ее автором. Я говорю о картине "Крик" Эдварда Мунка (она - в самом конце поста). Но когда все же решила познакомиться, поняла, как была не права... Конечно, его живопись не для всех, тем более, что многовато у него пессимизма в  творчестве. Но что художник гениальный, теперь ни минуты не сомневаюсь, и светлых жизнеутверждающих работ у него тоже много...

Женщины на мосту, 1902 (692x598, 225Kb)
Женщины на мосту, 1902

И.Брамс - Симфония № 3, ч.3

 

Творческое наследие Эдварда Мунка - знаменитого норвежского живописца, графика, театрального художника и теоретика искусства, насчитывает около 1000 картин, 4400 акварелей и рисунков, более 15000 эстампов, а также шесть скульптур. Художник писал портреты, пейзажи, бытовые сцены и картины со сложным символистским подтекстом, создавал графические произведения.

Танец Жизни, 1899-1900 (698x473, 188Kb)
Танец Жизни, 1899-1900

Читать далее...
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Выставка художницы Натальи Гончаровой в Третьяковской галерее.

Пятница, 01 Ноября 2013 г. 23:58 + в цитатник
Это цитата сообщения ИМеля [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Выставка художницы Натальи Гончаровой в Третьяковской галерее.

В Москве, впервые за сто лет, проходит масштабная выставка художницы Натальи Гончаровой, на которой собрано более 4-х сот работ из музеев мира. Мечтала побывать на выставке и побывала.
3733824_PR20131016202626_2_ (640x360, 35Kb)


Выставка проходит в помещении Третьяковской галереи на Крымском валу. Здесь представлены картины Гончаровой, датируемые началом прошлого века, и картины середины века, т.е.картины. написанные почти перед уходом художницы из жизни. Интересно просматривается эволюция мастерства, метания по различным стилям, группам и жанрам, смена цвета красок и тем.

3733824_83c6f1c5824 (334x450, 36Kb)
Наталью Гончарову называли "амазонкой русского авангарда". Представительница древнего рода Гончаровых, двоюродная правнучка жены Александра Сергеевича Пушкина, своей тёзки Натальи Гончаровой, художница оставила яркий след в мировой живописи. Её картины находятся во многих музеях мира, частных коллекциях, многими картинами могут похвалиться и наши, отечественные, музеи. Богатой коллекцией картин Натальи Гончаровой обладает и Третьяковская галерея, представившая свои залы для первой за последних сто лет выставки. Наталья Сергеевна Гончарова родилась 4 июня 1881 года в Ладышино, недалеко от Тулы, в семье московского архитектора Сергея Михайловича Гончарова и Екатерины Ильиничны, урождённой Беляевой.. С детства Наталья проявила рисовальные способности, но учиться начала сначала на скульптора в Московском училище живописи, ваяния и зодчества в классе П.Трубецкого, Так как живопись больше привлекала девушку, она переводится в класс Константина Коровина, который и оканчивает в 1902 году. Как и все молодые художники того времени, Гончарова меняет стили и жанры, отрицая старую школу - куббизм, лучизм, беспредметная живопись, примитивизм, даже лубок, иллюстрирование книг, создание театральных костюмов и декораций, участие в модных показах и роспись тканей, различные живописные циклы - такова многогранная палитра художницы. 

Естественно, каждый стоял у тех картин, которые особенно пришлись ему по душе, для меня таковыми стали картины в примитивном стиле, больше похожие на обыкновенный лубок - бабы и мужики с не очень внятными лицами, в национальной российской одежде, наши, родные знакомые нам люди, простые и работящие: сеют, жнут, стирают и белят холсты, убирают урожай, в общем, все при деле и при месте.

Примитиизм
 

Цветы у Гончаровой были всегда, они нарисованы и реалистично - милые букетики в вазах, и абстрактно, и звёздно. но все ярко и весело, стоишь возле лучистых лилий и угадываешь их очертания, или пытаешься различить прекрасные орхидеи, ипи отдыхаешь душой возле деревца в уголке сада, но не отходишь равнодушным. Милая девушка с букетом лилий - это автопортрет художницы.

Гончарова, цветы

Не только цветы, но и животные интересуют Наталью Гончарову, вот забавные петухи - французский и с мальчиком, разноцветный павлин и любимое домашнее животное - милая кошечка, которую трудно разглядеть в искрящихся геометрических фигурках.

3733824_Jivotnie (700x410, 222Kb)

Хороша и городская тема - "Московская улица", отдыхающая на природе компания, "Велосипедист", "Аэроплан над подъездом", и немного в тему не вписывающаяся, но интересная картина "Ангелы и аэроплан".

3733824_Gorod (700x466, 305Kb)

"Испанки" - этот цикл приковал нас к себе надолго, ходили, смотрели, глаз оторвать не могли. Все разные, колоритные, гордые, в мантильях и с гребнями, видно и художница полюбила этих южных красавиц и возвращалась к их образам снова и снова!

3733824_Ispanki (700x466, 296Kb)

3733824_1544 (240x213, 19Kb)  
Всю жизнь Наталья Гончарова прошагала рука-об-руку с Михаилом Ларионовым. Познакомились они в 1900 году на одной из выставок за границей, почти всё время прожили в гражданском браке, в основном в Париже, оформив свои отношения почти в конце жизни. Ларионов пережил жену всего на два года, уйдя из жизни в 1964 году. Таким Михаил Ларионов был в жизни, но Гончарова  увидела его так:

3733824_goncharova_10_20130807_1793611246 (439x600, 218Kb)

Со своим взводным.


3733824_goncharova_12_20130807_2010964271 (495x600, 317Kb)

На выставке более 4-х сот картин, все показать невозможно, да и нет необходимости, всегда можно зайти на галерею картин и посмотреть всё, что хочешь. На выставках у нас фотографирование запрещено. поэтому, все представленные, взяты из сети с разных сайтов. Возможно. я вернусь ещё к этой выставке, отдельно поставив картины из религиозного цикла, театральные работы и книжную графику. Всё это тоже очень интересно.

Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Многоликая Наталья Гончарова. Выставка, которую ждали сто лет

Воскресенье, 03 Ноября 2013 г. 00:56 + в цитатник
Это цитата сообщения Иримед [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Многоликая Наталья Гончарова. Выставка, которую ждали сто лет

16 октября в Третьяковской галерее открылась выставка самой знаменитой русской художницы.
Эта экспозиция-блокбастер (включающая в себя около 400 экспонатов) – из разряда тех, которые категорически не рекомендуется пропускать. Во-первых, потому, что в последний раз персональная выставка Натальи Гончаровой подобного масштаба проходила в России ровно сто лет назад. А сейчас в экспозиции, кроме работ из Третьяковской галереи, представлены произведения из 23 музейных и частных собраний со всего мира. Во-вторых, сегодня Наталья Гончарова – амазонка русского авангарда - считается самой дорогой художницей во всем мире. В 2010 году ее полотно «Испанка» было продано на лондонском аукционе «Кристис» более чем за 6 миллионов фунтов стерлингов. И, по словам специалистов, Запад сейчас наводнен подделками работ нашей соотечественницы.
Впрочем, все это, как говорится, сухие факты. А на выставке посетителей ждет поэзия, поэзия в живописи и графике. Совсем недаром Гончарову очень любила ее современница Марина Цветаева, которая даже написала очерк об этой художнице. Многие работы Гончаровой можно назвать звонкими и звучными, как стихи. А многообразие тем ее творчества и способов их воплощения на холсте и бумаге просто поражает.
Наталья Гончарова была открыта всем современным ей веяниям и течениям, а их в начале ХХ века было совсем немало: кубизм, лучизм, футуризм, беспредметное искусство… И ничто из этого не прошло мимо амазонки русского авангарда. В 1911 году она даже создала серию «Художественные возможности по поводу павлина», в которой объединила пять полотен с птицей, изображенной в разных стилях. К сожалению, на выставке можно увидеть только две картины из этих пяти – сделанные в египетском стиле и в стиле русской вышивки.
Зато в экспозиции впервые с 1926 года воссоединены все части знаменитого полиптиха «Испанки» (1923 – 1926), и перед этой работой трудно не замереть в восхищении. Женщины в белых кружевных мантильях на картинах кажутся или феями, или представительницами внеземной цивилизации – настолько они прекрасны и таинственны. Пятью частями этого полиптиха владеют разные музеи. Два полотна принадлежат Музею современной истории города Парижа, два – Центру Жоржа Помпиду, еще одно – Третьяковской галерее.
Впрочем, красоту вполне земную Наталья Гончарова тоже вполне умела запечатлеть так, что она надолго остается в памяти и в сердце. Я говорю сейчас об образах из ее «Крестьянского цикла». Люди с грубыми, словно бы вырубленными топором лицами кажутся наделенными необыкновенной жизненной силой и энергией. Деревенская тема была близка художнице, выросшей в Тульской губернии, в поместье своего отца, который приходился внучатым племянником жене Пушкина Наталье Гончаровой.
В 1913 году художница говорила: «Мною пройдено все, что мог дать Запад до настоящего времени… мой путь к первоисточнику всех искусств – к Востоку». Кстати, и полное название выставки в Третьяковской галерее звучит так: «Наталья Гончарова. Между Востоком и Западом».
В творчестве художница обратилась к традиции восточно-христианского мира и допетровской Руси: к лубку, иконописи, деревянной скульптуре. Они давали ей импульс, в частности, для ее многочисленных монументальных картин на религиозную тему (их довольно много в нынешней экспозиции). Так что в живописи путь Гончаровой к Востоку удался. Но в реальной жизни ее дорога наоборот, лежала на Запад. В 1915 году Дягилев позвал ее во Францию работать для «Русских сезонов». С тех пор в Россию художница уже не вернулась, хотя и очень тосковала по ней. Она умерла в Париже в 1962 году. Деятельность Гончаровой за рубежом, впрочем, тоже была довольно плодотворной. Она не только создала множество живописных работ, но и посотрудничала со знаменитыми театрами и ведущими парижскими Домами моды… Эти аспекты ее творчества также нашли свое отражение в пространстве экспозиции…
О судьбе наследия Наталии Гончаровой корреспонденту «Вечерней Москвы» рассказала куратор выставки Ирина Вакар:
«Наталья Гончарова и ее муж Михаил Ларионов еще при жизни мечтали передать свое наследие Советскому Союзу. Но СССР, к сожалению, не предоставил им никакой помощи в возможной передаче их богатейшей коллекции, в которой были, кроме всего прочего, и книги, и различные документы. Огромный пласт наследия этих художников поступил к нам только в 1989 году по завещанию второй жены Михаила Ларионова. За помощь в юридическом оформлении этой процедуры мы заплатили французской стороне картинами – Центр Жоржа Помпиду отобрал себе в собрание несколько очень хороших работ. Но мы не жалуемся на это, потому что Гончарова – художник, который должен принадлежать миру. И все-таки самое крупное собрание ее работ находится в Третьяковской галерее. Уже в 1999 здесь прошла выставка «Шедевры из парижского наследия», посвященная Наталии Гончаровой и Михаилу Ларионову. Но на ней были показаны далеко не все работы, которые нам передали. Многие вещи надо было отреставрировать, датировать. На это ушел большой срок».
Выставка продлится до 16 февраля 2014 года

Отсюда

Читать далее...
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/модернизм
интересные сообщения
история
история из доступных источников

Метки:  

Juarez Machado

Суббота, 09 Ноября 2013 г. 09:20 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Juarez Machado


13666041_original


Хуарес Мачадо родился в 1941 году в городе Joinville, в штате Санта-Катарина, Бразилия.  Он учился в Школе искусств в штате Парана, в городе Куритиба, и активно участвовал в его художественном движении. В 1966 году он поселился в Рио-де-Жанейро. В дополнение к живописи он также пробовал себя в иллюстрировании, сценографии, скульптуре.
>>>

Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/жанр
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Максим Кантор"Феномен интеллигенции себя изжил"

Дневник

Пятница, 15 Ноября 2013 г. 21:57 + в цитатник
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/модернизм
интересные сообщения
политика
Знаменитости

Метки:  

Два сайта про художника Елену Золотнитскую

Дневник

Пятница, 22 Ноября 2013 г. 10:56 + в цитатник
IMG_4553 lena Zolotnitski (700x466, 48Kb)
http://thestudiowork.blogspot.com/












Когда вы открываете первый сайт о посещении её студии ,нужно нажать на имя "Золотнитская"и откроется песональная страница художника- портфолио.
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Генри Клайв

Вторник, 10 Декабря 2013 г. 03:21 + в цитатник
Это цитата сообщения ВЛАДИОЛА [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Генри Клайв

 старинные Генри Клайв Ziegfeld

Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/акт
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Michael O'Toole - Learning to Fly,..

Четверг, 19 Декабря 2013 г. 11:27 + в цитатник
Это цитата сообщения jogi_bear [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Michael O'Toole - Learning to Fly,..

 


 

Читать далее...
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/пейзаж
живопись/реализм
живопись/модернизм
интересные сообщения
Знаменитости

Метки:  

Круги на воде. таки судьба:"Везунчик "Шагал и "шлемазл" Сутин.

Дневник

Понедельник, 30 Декабря 2013 г. 02:20 + в цитатник
Каждый из нас не раз и не два слышал: "Белорусы -- это европейцы". В доказательствах это утверждение как бы и не слишком нуждается: в самом деле, а кто ж мы еще -- посреди-то Европы? Скептикам немедленно приводятся в пример имена -- не только европейских, но и мировых деятелей, имевших отношение к Беларуси: от Мицкевича до Аполлинера, от Достоевского до первого президента Израиля Вейцмана, от Тадеуша Костюшко до лауреата Нобелевской премии Жореса Алферова... В каждом случае доля истины разная, а кое-где ее и нет вовсе, но одно несомненно: целая плеяда Парижской школы живописи во главе с Марком Шагалом и Хаимом Сутиным -- выходцы из Беларуси.



Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/модернизм
домашнее хозяйство/Еврейский образ жизни
интересные сообщения
Воскресный кинозал
Знаменитости

Метки:  

Бои в Грозном 1995г.

Воскресенье, 05 Января 2014 г. 14:49 + в цитатник
Это цитата сообщения Pozd11 [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Бои в Грозном 1995г.

Картина по мотивам  детского рисунка Полины Жеребцовой, три войны жившей в Грозном.

Всё это время Полина вела дневник. Его можно прочитать здесь

1388739024_Boi_v_Groznom_1995_dvp_maslo_70_h_100_sm (700x491, 207Kb)

Бои в Грозном. 1995г.

Двп, масло, 70 х 100 см.

 

Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/жанр
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Проект Екатерины Рождественской "PIN-UP"

Четверг, 16 Января 2014 г. 21:25 + в цитатник
Это цитата сообщения Alexandra-Victoria [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Проект Екатерины Рождественской "PIN-UP"

 


Ирина Слуцкая.


Мария Бутырская.


Мария Максакова.

Читать далее...
Рубрики:  живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Winslow Homer(1836-1910)

Вторник, 21 Января 2014 г. 01:01 + в цитатник
Это цитата сообщения галина_суханова [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Winslow Homer(1836-1910).

Уинслоу Хомер в 1880 году в Нью-Йорке

Уинслоу Хомер в 1880 году в Нью-Йорке, фотография Наполеона СарониУинслоу Хомер (англ. Winslow Homer, 24 февраля 1836, Бостон — 29 сентября 1910, Праутс Нек) — американский художник и график, основоположник (наряду с Томасом Икинсом) американской реалистической живописи. Наиболее знаменит своими морскими пейзажами. Известен как своими работами маслом, так и акварелями. Большинство исследователей рассматривают Хомера как крупнейшую фигуру в американском искусстве XIX века, оказавшую влияние на всё последующее развитие американской живописи.
Хомер принадлежал к первому поколению американских художников, создавших собственную американскую художественную школу. В то время как большинство его современников рассматривали европейское искусство в качестве идеала, Хомер, хотя и испытывал влияние самых разнообразных художественных течений, в своём творчестве прежде всего основывался на чисто американских сюжетах.
"Живопись американского художника Уинслоу Хомера сформировала взгляд нации на себя."
"Уинслоу Хомер — самый национальный художник, которого когда-либо произвела Америка."


The Two Guides
Читать далее...
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Christian Asuh. Глядя на эти картины, срочно хочется влюбиться

Четверг, 23 Января 2014 г. 21:29 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Christian Asuh. Глядя на эти картины, срочно хочется влюбиться

Глядя на эти картины, срочно хочется влюбиться

 

С иллюстраций корейской художницы Кристиан Асух так и веет нежностью и романтикой.  А еще на них время словно остановилось. Застыло в счастливый миг тихой радости и душевной гармонии. Трогательные и нежные герои картин Кристиан Асух живут в своем мире бесконечной нежности, тихой грусти, мыслях и мечтах о главном. О любви. Скучая по солнечному лету,  делимся с вами теплыми картинами корейской художницы Кристиан Асух.   >>>

Рубрики:  живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Хиро Ямагата

Четверг, 23 Января 2014 г. 23:14 + в цитатник
Это цитата сообщения Anna_Livia [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Хиро Ямагата

На пересечении культур часто возникают мощные и яркие феномены. Удивительный синтез японской и европейской культуры явил себя в лице прекрасного современного писателя Кадзуо Исигуро. А тот художник, о котором пойдет речь ниже, сформировался в результате пересечения даже не двух, а трех культур: японской, европейской и американской.

Хиро Ямагата родился 30 мая 1948 в Японии на острове Хоншу. В 1972 году он уезжает в Европу. Сначала - в Милан, затем живет в Париже. А с 1978 года и по сей день Ямагата живет в Лос-Анжелес (Калифорния, США). Во всем мире его знают как мастера перформанса и крупнейшего представителя лазерного искусства.
Заниматься организацией лазерных арт-пространств ему помогло и образование квантового физика, и то, что с детства он любил мастерить модели космических кораблей и миниатюрных лазеров. Перформансы, которые он предпочитает именовать "лазерными выставками", проходили в музеях современного искусства в Италии, Швеции, Австрии, Германии, Испании. Самый известный из его проектов — световое оформление Эйфелевой башни к ее 100-летию в 1988 году. Самый дорогой ($3,4 млн) — выставка "Фотон-999" в Музее Гуггенхайма в Бильбао в 2001: посетители пересекали бассейн перед зданием музея по специальной дорожке и любовались игрой лазерных лучей из 15 установок на поверхности воды.

Однако сегодня, в день его рождения, мне хотелось бы рассказать не о его крупнейших лазерных арт-проектах, а о его живописи.
Кукольный мир возник на обочине Большой Культуры. Очень яркий и очень радостный кукольный мир...
Маленькие смешные человечки запускают воздушных змеев, устраивают фейерверки и летают на воздушных шарах. Весело семеня крохотными ножками, они бегут мимо плакатов с Мэрилин Монро, мимо полотен Ван Гога, мимо больших автомобилей и Эйфелевой башни...


Интервью с художником можно прочитать здесь



 (699x541, 96Kb)



 (584x699, 109Kb)
more
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/модернизм
интересные сообщения

И ты приняла поцелуи мои… (Часть 2)

Пятница, 24 Января 2014 г. 02:30 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

И ты приняла поцелуи мои… (Часть 2)




Есть поцелуи – как сны свободные,
Блаженно-яркие, до исступления.
Есть поцелуи – как снег холодные.
Есть поцелуи – как оскорбление.
О, поцелуи – насильно данные,
О, поцелуи – во имя мщения!
Какие жгучие, какие странные,
С их вспышкой счастия и отвращения!

К.Бальмонт




начало здесь >>>

3e596fca5eb9429420baf0a561633772_4161255_104bea5

Никому из великих не удалось избежать любовных мук, страстных и нежных поцелуев, встреч, расставаний, прощаний, страданий. Эти чувства играли на струнах их душ, питали их талант, отражались в их творчестве, а мы наслаждаемся их воплощением в музыке, стихах, живописи.
>>>

Рубрики:  живопись/портрет
живопись/жанр
живопись/монументальная живопись
живопись/реализм
живопись/модернизм
живопись/историзм
поэзия
интересные сообщения
литература

Метки:  

Франц Шуберт и Густав Климт(из ЖЖ пользователя egul) с благодарностью.

Дневник

Суббота, 01 Февраля 2014 г. 05:03 + в цитатник
schubert-at-the-piano-ii.jpg!HD (700x479, 56Kb)
http://egul.livejournal.com/100086.html



19 июн, 2013 в 18:54


Да, именно так:
Густав Климт и Франц Шуберт
С подачи Александра Крылова
(моя ему признательность)
впервые увидел картину Климта
"Шуберт за роялем".
Gustav Klimt "Schubert at the Piano" Oil on canvas. 150 x 200 cm
Увы! -- Destroyed by fire at Schloss Immerdorf in 1945
(http://www.abcgallery.com/K/klimt/klimt90.html)
Вот так для меня сошлись два великих венца -- композитор-романтик Франц Шуберт и один из лидеров модерна в изобразительном искусстве Густав Климт.
ФРАНЦ ШУБЕРТ
Вот две публикации о композиторе:
Изящная "КРАСНАЯ РОЗА НА ЧЁРНОМ РОЯЛЕ..." (спасибо автору -- Barucaba) вот здесь -- http://www.liveinternet.ru/users/barucaba/post274078386/ -- преимущественно о фа-минорной фортепианной фантазии в четыре руки (есть и отсылка на видеофильм концертной записи)
и академически скупая "Шуберт СОНАТА ДЛЯ ФОРТЕПИАНО И АРПЕДЖИОНЕ ЛЯ МИНОР, D. 821" Александра Крылова, вот здесь: http://www.liveinternet.ru/users/2870220/post280454339/ Академично-то академично. Зато какой исполнитель! -- Даниил Шафран! В сообщении кинозапись всех трёх частей сонаты.
Дополнительно эту же сонату (исполнители: Миша Майский и Марта Аргерих) можно прослушать или списать здесь -- http://yadi.sk/d/2Rm15kZv5zGim
ГУСТАВ КЛИМТ
В Live Journal я уже писал об этом великом модернисте из Вены 9 июля 2012 года, в день 150-летия от рождения великого венца и поклонника Женщины. Это художник Густав Климт, это модерн, это ар нуво (Art Nouveaux), это Сецессион, это ... много чего ещё. Вот здесь (http://egul.livejournal.com/65730.html) и сама публикация, но глаавное -- отсылки на разные хранилища, где находятся его работы.
=====================
СПРАВКИ
Арпеджионе (итал. Arpeggione; иначе гитара-виолончель или гитара любви, нем. Liebes-Guitarre, фр. Guitarre d'amour) — струнный смычковый музыкальный инструмент, близок виолончели по размеру и способу звукоизвлечения, но, как и гитара, имеет шесть струн и лады на грифе.
------------------
Франц Шуберт -- Franz Peter Schubert (31 January 1797 – 19 November 1828) was an Austrian composer. In a short lifespan of less than 32 years, Schubert was a prolific composer, writing some 600 Lieder, nine symphonies (including the famous "Unfinished Symphony"), liturgical music, operas, some incidental music and a large body of chamber and solo piano music. Appreciation of Schubert's music during his lifetime was limited, but interest in his work increased significantly in the decades following his death. Franz Liszt, Robert Schumann, Johannes Brahms and Felix Mendelssohn, among others, discovered and championed his works in the 19th century. Today, Schubert is seen as one of the leading exponents of the early Romantic era in music and he remains one of the most frequently performed composers.
------------------
Даниил Борисович Шафра́н (1923 — 1997) — советский и российский виолончелист. Народный артист СССР (1977). Никаких дальнейших слов не требуется, мы же не добавляем слова к фамилии "Рихтер" или "Ростропович"
------------------
Миша Майский -- Михаил Майский родился 10 января 1948 года в Риге. После победы на Всесоюзном конкурсе исполнителей в 1965 г. был приглашён Мстиславом Ростроповичем продолжить обучение у него в Московской консерватории; уже в следующем году стал лауреатом Московского международного конкурса им. П. И. Чайковского. В 1970 году был арестован и находился под арестом около 18 месяцев. После освобождения репатриировался в Израиль (1972). Учился у Григория Пятигорского в Лос-Анджелесе, став, таким образом, единственным музыкантом, занимавшимся у двух этих великих виолончелистов. В настоящее время проживает в Бельгии. В разное время он играл с такими прославленными музыкантами как пианисты Марта Аргерих, скрипач Гидон Кремер, дирижёры Леонард Бернстайн, Зубин Мета, Владимир Ашкенази, Даниэль Баренбойм.
------------------
Марта Аргерих: Википедия пишет "Марта Аргерих — аргентинская пианистка", я бы добавил "потрясающая" ...
======================
Рубрики:  искусство/История искусства,
музыка/Классическая музыка
живопись/модернизм
интересные сообщения
Воскресный кинозал
Знаменитости

Метки:  

Сергей Маковский. ВРУБЕЛЬ И РЕРИХ

Дневник

Суббота, 08 Февраля 2014 г. 20:00 + в цитатник
Mikhail-Vrubel-Icon2-(fragment) (422x700, 510Kb)
Полностью прочитать текст можно здесь:
http://silverage.ru/makvrurer/

Случайно написались эти два больших имени рядом. Но если вдуматься — рядом стоять им и подобает, несмотря на несоизмеримость их талантов, полнейшую противоположность личных черт и несходство жизненных путей… Врубель, страдалец порывистый и нежный, гордый до ребячества, страстный до безволия и разгула, гениальный до болезни, и — Рерих, баловень судьбы, уравновешенный до черствости, упорный, как хорошо слаженная машина, гениально здравомыслящий и добродетельный до абсолютного эгоизма!.. Врубель всегда горяч, пламенен, одержим любовью всеозаряющей, даже тогда, когда в припадках болезненной ненависти искажает судорожной злобой лик своего Демона. Рерих всегда холоден, неизменно, жутко нем даже тогда, когда хочет быть ласковым и осветить человеческим чувством каменную пустынность седых далей.


10.
Wrubel-selfportrait (342x530, 149Kb)
Врубель — весь сверкающий, изломанный, мятущийся в поисках неутомимых, в грезах вихревых, в любви, взыскующей чуда, в созерцании зыбкости форм и красочных трепетов, весь в напряженном движении, зоркий, тончайший, ослепительный. Рерих — сумрачный или холодно-цветистый, странно спокойный, уверенно прокладывающий свой путь по дебрям неподвижным, среди скал приземистых и валунов, на берегах, где все застыло, где все из камня — и люди, и облака, и цветы, и боги… И тем не менее… Уж одно то, что их можно противополагать друг другу, мученика Врубеля, долго не признанного, до конца дней не понятого, распятого медленным распятием позорного недуга, и плодовитого, сразу прославленного удачника Рериха, даже в дни революции избравшего счастливый жребий и ныне блистающего в стране долларов, уж одно то, что это сопоставление не кажется неуместным, а как-то само собой напрашивается, доказывает, что есть нечто в творчестве обоих, на глубине какой-то, не на поверхности, роднящее их, сближающее и дающее право говорить о них одним языком.


9.
Vrubel_MA_1898 (491x700, 293Kb)
Оба они — потусторонние. Кто еще из художников до такой степени не на земле земной, а где-то за тридевять царств от действительности, и притом так, будто сказка-то и есть вечная их родина — jenseits vom Guten und Bösen? Оба они — горние и пещерные: волшебствуют на вершинах, для которых восходит и заходит не наше солнце, и в таинственных гротах, где мерцают самоцветные камни невиданных пород. С этих вершин открываются дали таких древних просторов, в этих гротах такое жуткое безмолвие… Если спросить Рериха, что он больше всего любит, он ответит: камни. Сказочным окаменением представляется мне мир Рериха, и краски его ложатся твердые, словно мозаика, и формы его не дышат, не зыблются, как все живое и преходящее, а незыблемо пребывают, уподобляясь очертаниями и гранями своими скалам и пещерным кремням.

И в живописи Врубеля есть начало каменное. Разве не из хаоса чудовищных сталактитов возник его «Сидящий Демон», написанный еще в 1890 году, т. е. непосредственно после того, как были им созданы эскизы — увы, невыполненные — для росписи Владимирского собора, продолжение гениальное замыслов Александра Иванова (акварели на библейские темы). Не высечен ли из камня, десятью годами позже, и врубелевский «Пан», седокудрый, морщинистый, зеленоглазый леший-пастух, могучий, огромный, невероятный, веющий всеми древними истомами страстных таинств? Такой же и «Богатырь» Врубеля в зарослях дремучего бора, изваянный вместе с конем своим страшилищем из глыбы первозданной.

Нечеловеческие, не дружные с естеством земным образы манили и терзали Врубеля, и язык красок, которым он воплощал эти образы, — сверкание волшебных минералов, переливы огненной стихии, затвердевшей в драгоценном камне. Недаром наука магов суеверно чтит природу камней, считая их обиталищем гениев; заклинательными формулами, обращенными к ним, наполнены фолианты герметистов и алхимиков. Искусство Врубеля возродило мудрость этих естествоиспытателей чуда. Он вещал о чудесном. Чтобы явить нам апостолов, Христа и плачущую над Его гробом Богоматерь, чтобы рассказать о красоте истерзанной падшего Духа, которым он всю жизнь бредил, он приносил из магических подземелий пригоршни небывалых кристаллов и с гор недосягаемых лучи довременного солнца.

Врубелю нужны были стены, стены храмов для осуществления декоративных пророчеств, наполнявших его душу. Один раз, в самом начале творческой дороги, ему удалось добиться этого права, и то, что он осуществил, — красота непревзойденная: я говорю о Кирилловской росписи. Но никто не понял. И даже много лет спустя, когда самые благожелательные наконец увидели, все же оценить не сумели. В восторженных статьях, на страницах «Мира искусства» 1903 года, и Александр Бенуа (сначала уличавший Врубеля в «ломании» и «гениальничании»), и Н. Н. Ге ставят ему в укор как раз наиболее прозорливое в этих фресках — близость византийской традиции — и отдают предпочтение алтарным иконам, написанным под впечатлением венецианского кватроченто, Чима да Конельяно и Джованни Беллини. Между тем именно в византизме молодого Врубеля сказался его гений. Он почуял — первый, одинокий, едва выйдя из Академии, никем не поддержанный, — что родники неиссякаемые «воды живой» таятся в древней нашей живописи и что именно через эту живопись православного иератизма суждено и нам, маловерным и омещанившимся, приобщиться истинно храмовому религиозному искусству: и декоратиз-му его и мистической духовности.

Это было в начале 80-х годов. До того Врубель, по окончании университета, учился года четыре в Академии, где приобрел славу образцового рисовальщика. Классные работы Врубеля: композиции «Из римской жизни», «Натурщица» (1883) (собрание Терещенко в Киеве) и др. — действительно мастерство исключительное. Но Академии он не окончил и никогда больше не воспользовался школьным своим стилем. Все дальнейшее его творчество — убежденное отрицание академического канона.

Врубель был гений. Ему не пришлось мучительно преодолевать приобретенных навыков. Новая вдохновенно личная форма далась ему по наитию. Когда профессор Прахов обратился к двадцатичетырехлетнему ученику Чистякова с предложением реставрировать роспись заброшенной церкви Кирилловского монастыря близ Киева, этот ученик, еще ничего не создавший, был уже зрелым мастером, готовым на подвиги. Во главе целой артели подмастерий он. лихорадочно принялся за гигантский труд (древняя монастырская стенопись XII века оказалась в таком виде, что надо было все создать заново). В один год нарисовал он более 150 огромных картонов, которые и были исполнены помощниками, и написал собственноручно: Сошествие Св. Духа на Апостолов в своде на хорах, а ниже — Моисея, Надгробный плач в аркосолии паперти, две фигуры ангелов с рипидами — в крестильне, и над входом в нее — Христа, и четыре образа для иконостаса: Спасителя, Богоматери, Св. Кирилла и Св. Афанасия.

Для меня несомненно, что роспись Кирилловской церкви — высочайшее достижение Врубеля, и притом достижение глубоко национальное, что бы ни говорили о нерусском (польском) происхождении художника и его эстетическом космополитизме. Гениальное искусство всечеловечно, но гений оттого и гений, что умеет подслушать внушения великой нации. Его духом творит народ и в его духе себя обретает. Дело тут не в византийском каноне, — ведь обращались к нему и будут обращаться многиехудожники в стране, где до сих пор еще жива ремесленная традиция иконописания, — а в пламенном претворении художественной сущности взлелеянного столетиями церковного нашего искусства. Я подчеркиваю — художественной, ибо с точки зрения чисто религиозной, православной, вероятно, далеко не безупречен Врубель. Я вовсе не хочу сказать, что в нашу безбожную эпоху он возвысился до того идеала народной святости, которым насыщено творчество изографов-схимников старины. Конечно нет. То, что выразил Врубель, если покопаться придирчиво, — я не знаю, окажется ли таким же благостным, как те серебристые и бархатистые краски, которыми он написал «Сошествие Св. Духа» и «Надгробный плач». По крайней мере на меня от всех ликов Врубеля-иконописца, из всех этих зрачков, пристальных, немыслимо расширенных, огромных, веет потусторонней жутью, что сродни соблазнительному пафосу его вечного спутника — Демона. Нет, я говорю о Врубеле-художнике, не о Врубеле-мистике, о художнике до крайности субъективном и в то же время — вот здесь-то и диво! — угадавшем сверхличный лад искусства, завещанного народными веками. Самое же поразительное в византийстве Врубеля та свобода, с какой он пользуется иератической формой, насыщая ее своей мечтой и обнаруживая жизненность застылых, мертвенных, как нам представлялось еще недавно, канонов. Что создал бы Врубель, если бы ему дана была возможность продолжить гениальный юношеский опыт, если бы хоть немного поняли его тогда… Если бы!

Окончив работу в Кирилловской церкви, он сразу стал готовиться к новому, еще большему подвигу, к росписи Владимирского собора, которой тоже заведовал Адриан Прахов. В киевском собрании Терещенко сохранилось множество акварелей, проектов этой росписи, — огненный след невоплощенного чуда. Они были изданы лет пятнадцать назад «Золотым руном». Еще острее и необычайнее отразилась в них прозорливая фантазия Врубеля, роскошь красочного замысла и линейного ритма сочетались с неизъяснимо-страдальческим эзотеризмом: преображенная плоть, сияние радуг надмирных, лучи и нимбы запредельного света, струящиеся складки легких риз и взоры, грозные, жуткие, узревшие несказанное… Но был один недостаток в проекте Врубеля: гениальность. С этим недостатком не могли примириться ни Прахов, ни его покровители из сановного духовенства. Заказ был передан Виктору Васнецову, которым тогда начали восторгаться. Врубелю поручили только украсить орнаментом часть пилонов. Он вдохновенно выполнял и эту задачу (в конце 80-х годов), превратив мотивы византийского и древнерусского узоров в какую-то прихотливую сказку-симфонию растительно-суставчатых форм и научив многому Васнецова, который умело использовал и врубелевский орнамент, и его реставрацию Кирилловских фресок, использовал именно так, как требовалось, чтобы толпа «приняла». Васнецов-то был достаточно не гений для этого. И невольно спрашиваешь себя, не явилась ли первая несправедливость по отношению к Врубелю, на которого решительно никто не обращал внимания, в то время как пелись дифирамбы Васнецову, не явилась ли эта обидная неудача исходной точкой всего последующего его мученичества? Современники не позволили ему слагать молитвы в доме Божием, и уязвленная гордость его стала все чаще обращаться к тому Духу тьмы и ненависти, который в конце концов испепелил его воображение, довел до безумия и смерти. Творческое равновесие было утрачено, заветная цель отодвинулась куда-то, начались и житейские невзгоды, борьба за кусок хлеба и, главное, сознание своей непонятости, беспросветного, обидного одиночества. Даже «Мир искусства» отвергал сначала его картины (не был принят на выставку 1899 года и «Богатырь»), а критика просто молчала о нем, как будто и не было его вовсе, до той минуты, когда (после падшего «Демона») стали опрокидываться на его голову ушаты насмешек и идиотских нравоучений.

Как бы то ни было, Врубель не сдался. Он не изменил ни своей никому не доступной манере, ни призванию декоратора в «большом стиле». Нищенствовал, но не писал того, что требовал современный вкус. Лучшим доказательством, что он умел «быть как все», может служить вполне реалистский, приближающийся к Серову, портрет Арцыбушева. Какой прославленной знаменитостью сделался бы он, захоти только множить эти «портреты портретовичи», как выразился один остроумец. Он не захотел, предпочел работать для себя и отдавать задаром фантастическое свое «гениальничание» нескольким меценатам, у которых хватало смелости удивлять знакомых необычайностью Врубеля. Московская денежная знать заказывала ему панно для особняков в декадентском стиле, входившем тогда в моду. Он брался с увлечением за эту стенную живопись, неистощимый в композиции, ослепительный в красках, не уступающий ничего из своих художественных убеждений и расплачиваясь за свое упорство частыми неудачами у заказчиков. Так создались «Суд Париса» (1894), триптих, напоминающий, пожалуй, Пюви де Шаванна, затем серия декоративных композиций на сюжет «Фауста» для Морозовых («Полет Фауста и Мефистофеля», «Фауст и Маргарита» и др.), три панно «Времена года» (1897), неподражаемо-сказочная «Царевна Лебедь» (1899). Тогда же написаны им гигантские панно для Нижегородской выставки: «Принцесса Греза» и «Микула Селянинович» (1896), торжественно не принятые, выдворенные вон с выставки по приговору академического ареопага.

Необыкновенна плодовитость Врубеля в эту пору жизни, т.е. с 90-го года, когда он переехал в Москву, и до страшного приступа душевной болезни в 1902-м. Он берется за все, что дает ему повод утолить свою страсть к волшебному орнаменту и излить сердце красотой сказочной. Он работает усердно в гончарной мастерской села Абрамцева, возрождая вместе с М. Якунчиковой и Е. Поленовой русский кустарный стиль, и овладевает в совершенстве техникой нежных майоликовых полив («Камин», «Купава», «Морские царевны»), расписывает «талашкинские» балалайки, создает декорации для «Царя Салтана» мамонтовской постановки. Он пишет былинные картины («Садко», «Богатырь»), пейзажи с цветами и животными («Сирень» — 1901, «Кони» — 1899), портреты жены, артистки Забелы-Врубель, с которой навсегда соединила его «Волхова» из «Садко» Римского-Корсакова, иллюстрирует Лермонтова (1891) и Пушкина (1900) (изумительная акварель «Тридцать три богатыря»)… Всего не перечислишь.

Но сверкающей нитью через творчество столь разностороннего мастера — скульптора, гончара, монументального декоратора, станкового живописца, театрального постановщика — проходит мысль-бред: Демон, «Дух гордости и красоты, дух ненависти и глубокого сострадания, истерзанный и великолепный дух», как талантливо определил однажды А. Бенуа (цитирую на память).

Десять лет прошло после первого воплощения этого рокового образа (первого ли?). С тех пор у каменного, пещерного Демона go-го года выросли гигантские крылья из павлиньих перьев и чело украсилось мерцающей опалами диадемой, и лик стал соблазнительно страшен. Молодой «Демон» Врубеля кажется мускулистым, мужественно-грузным титаном, только что возникшим из волшебных недр природы и готовым опять войти в нее, исчезнуть в родимом хаосе. На картине 1903 года перед нами Дух, вкусивший всех отрав греха и наслаждения, созерцавший Бога и отверженный Богом, околдованный роскошью своего одиночества, Серафим-гермафродит, проклятый и проклинающий, простертый беспомощно, судорожно-угрюмый. Свое ли угаданное безумие хотел выразить художник в этом символе страстной гордыни? Возможно. Но возможно, что не только призраком собственной муки являлся для него этот спутник жизни…


8.
Mikhail-Vrubel-Fallen-Demon-1901-study3 (590x235, 302Kb)
Праздно было бы гадать. «Ужасно то, что красота есть не только страшная, но и таинственная вещь, — говорит Достоевский, — тут дьявол с Богом борется, а поле битвы — сердца людей». Достоевский все же пишет «дьявол» с маленькой буквы, Врубель написал с большой.


7.
Mikhail-Vrubel-Fallen-Demon-1901-study2 (590x256, 314Kb)
Я увидел Врубеля в том же 1902 году на выставке «Мира искусства». Он привез свою картину из Москвы, где она была выставлена только несколько дней. Художник все не решался признать ее законченной. В Петербурге началась та же пытка. Не успели повесить холст, как Врубель принялся опять переписывать.


6.
Mikhail-Vrubel-Fallen-Demon-1901-study (590x286, 329Kb)
Ежедневно до двенадцати часов, когда было мало публики, он сосредоточенно «пытал» своего Демона, стирал и накладывал краски, менял позу фигуры, усложнял фон, переделывал больше всего лицо, в конце концов, может быть, искомкал кое-что. Это уж было не творчество, а самоистязание. Спустя два месяца его поместили в больницу для душевнобольных.


3.
800px-Vrubel_Demon (700x380, 275Kb)
Случалось с ним «это» и прежде, но не в такой острой форме. Позже еще два раза возвращался Врубель к жизни и немедленно брался за кисти. В эти светлые перерывы создано им немало замечательных холстов и огромное количество рисунков. Каждый раз ему казалось, что теперь-то и начнется «настоящее». Особенно плодовит был 1904 год, когда художник жил в московской лечебнице доктора Усольцева. Написаны были два автопортрета, портреты семьи Усольцева, портрет жены (на фоне пейзажа с березами) и два или три других, акварель «Путь в Эммаус», эскизы «Иоанна Предтечи» и «Пророка Иезекииля», «Ангел с мечом и кадилом» и др. Совершенно исключительная по перламутровой прелести небольшая картина «Жемчужина» написана им в этот же период и несколько позже — превосходный, до жути выразительный портрет поэта Брюсова, оставшийся неоконченным (1906), — кажется, последняя работа перед смертью, наступившей только в 1910 году, — и портрет жены художника в лиловом платье «с камином» (1904), тоже неоконченный.


2.
427px-Tamaraydemon (427x599, 243Kb)
Можно наполнить целую книгу анализом этого призрачного портрета (лицо едва намечено), так полно отпечатлелся на нем лихорадочный темперамент Врубеля-живописца, боготворившего трепеты формы, волшебство земного праха, чудесные его отдельности, изломы тканей, мозаику светотени, мятежные неясности цвета. Здесь он не «каменный», а огненный и дымный. Но какая точность наблюдения в этой фантасмагории серо-фиолетового шелка, вспыхивающего розовыми бликами. Какое мудрое внимание к мелочам и какое свое отношение ко всему, что тысячу раз делали другие. Зная все секреты академического совершенства, Врубель непостижимо дерзко подходит к натуре «с другого конца», забывает начисто уроки Академии и творит какую-то легенду бликов, линий и плоскостей. За много лет до кубистов Врубель обращался с формой не менее самовластно, чем они, деформируя, если надо, анатомию тел и ракурсы, дробя на тонко очерченные фрагменты пересекающиеся поверхности предметов.


5.
Mikhail_Vrubel_02 (700x348, 144Kb)
«Кристаллообразной» назвали его технику, и действительно может казаться, что от «кристаллов» Врубеля до «кубов» Меценже один шаг. Но если вдуматься, кажущееся сходство сведется на нет и даже обратится в противоположность. Ведь кубизм, по сущности своей, сугубо материалистский формализм. Он оставляет природе одни объемы и плоскостные сечения, дабы лучше передать вещественную математику форм. Он стереометричен, он абстрактен, отнюдь не психологичен и не декоративен. Приемы Врубеля, напротив того, именно психологичны и декоративны. Его нисколько не занимают объемы, как таковые. Он ломает обычную цельность зрительного восприятия, чтобы сообщить формам трепет как бы изнутри действующих сил. Он одушевляет. Для него материя словно вечно рождается из хаоса, его мир — становление, неразрывно связанное с человеческой мыслью и с человеческой роскошью красоты.


4.
Fallendemon (700x248, 174Kb)
В этом искусствовоззрении безусловно сказалось изучение художником византийско-русской изографии: линейная иконописная узорность вытекает из требований декоративных и иератических. Иконописец не мог изображать природу реально, во-первых, потому что хотел вызвать образом не впечатление яви, а потустороннюю грезу, иную землю и небо иное; во-вторых, потому что византийская традиция вышла из украшения плоскости, стены храма, иконной доски, пергаментного листа и была враждебна трехмерной иллюзии (отсюда и обратная перспектива): тут вопрос стиля… Теми же мотивами отчасти руководствуется Врубель. Он не хочет быть «натуральным», сознательно отступая от видимости явной во имя правды магической. И так же стремится он к украшению плоскости, не только к изображению на плоскости.


1.
413px-Vrubel_Self_Portrait_1885 (413x600, 160Kb)
Кубизм произошел, главным образом, от страстной преданности Сезанна третьему измерению, глубине в картине. Разложение формы на «кубы» — последствие этого устремления от плоскости холста в трехмерность, а впоследствии даже в «четвертое измерение». Врубель, наоборот, скорее графически разрешает задачу, от трехмерности тяготеет к двум измерениям и, если не побояться метафоры, можно сказать, что склонен идти еще дальше в этом направлении, тяготеет кодному измерению, к точке, т. е. к средоточию не физической, а духовной природы… Я решусь утверждать, что чем больше измерений в живописи, тем она дальше от духа, и потому во все эпохи искусство священное, иератическое, словно боялось трехмерного пространства. И Врубель инстинктивно чуждался сезанновской глубины и в стремлении к своей внемирной, духовной, демонической выразительности упирался в «точку». Не этой ли «точки» болезненно допытывался он, переделывая без конца искривленный лик своего «Демона», углубляя провалы чудовищно раскрытых глаз, словно в их выпуклых зрачках, изнутри озаренных, воистину средоточие неизреченной духовности? О, конечно, путь опасный эти врубелевские глаза, эта жажда абсолюта в живописи. Художнику не дозволено выходить ил трехмерности. Он смеет лишь удаляться от нее до известной степени. Пикассо, выскакивающий.в гинтоновское четвертое измерение, кажется безумцем. Врубель, загипнотизованный безмерностью демонского взгляда, погиб в безумии. Ослепительные драгоценности приносил он из своих заклятых пещер и лучи ослепительные с гор обрывистых. И сам ослеп. Навсегда.
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/модернизм
живопись/историзм
интересные сообщения
история
история из доступных источников

Метки:  

Фердинанд Ходлер

Суббота, 08 Февраля 2014 г. 00:52 + в цитатник
Это цитата сообщения Anna_Livia [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Фердинанд Ходлер

Фердинанд Ходлер (Hodler; 1853 - 1918) - швейцарский художник, крупнейший представитель стиля "модерн".
Родился в небогатой семье. Его отец Жан Ходлер работал плотником, мать Маргерит (урождённая Нойкомм, Neukomm) была родом из крестьянской семьи. В возрасте 8 лет Фердинанд потерял отца и двух младших братьев, умерших от туберкулеза. Мать вышла замуж за художника-декоратора, но через 6 лет (в 1867 году) тоже скончалась от туберкулеза. До 10 лет отчим учил Ходлера декоративной живописи, затем отправил его в Тун, в обучение к местному художнику Фердинанду Зоммеру. В 1871 году пешком добрался до Женевы, став учеником Бартолеми Менна. В нач. 1870-х гг. писал пейзажи и портреты в духе реализма. В 1875 году посетил Базель, изучив там творчество Ханса Хольбейна Младшего, и особенно скрупулезно его картину «Мертвый Христос». В работах 1890-х гг. прослеживается влияние нескольких жанров, в т. ч. символизма и модерна. Ходлер разработал стиль, который назвал «параллелизм», характеризующийся симметричным расположением фигур в танцевальных или ритуальных позах. Ходлер известен также своими картинами, изображавшими людей во время работы. Одна из картин — «Дровосек» (1910) — была отпечатана на купюрах номиналом 50 швейцарских франков, выпущенных в 1911 году.

В этом посте работы сгруппированы по периодам его творчества: сперва - ранние реалистичные работы, затем - более поздние, модернистские. Интересно проследить, как меняется его стиль.


Автопортрет (1892)
CALSTSTV
more
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/монументальная живопись
живопись/акт
живопись/модернизм
интересные сообщения
история
история из доступных источников
Знаменитости

Метки:  

Jean Gabriel Domergue

Вторник, 11 Февраля 2014 г. 03:19 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Jean Gabriel Domergue

Jean Gabriel Domergue- дедушка всех художников Pinup



Jean-Gabriel Domergue (1889-1962) - французский художник, дедушка всех художников кинозвезд, родился в Бордо.
Он учился в Школе изящных искусств в Париже. Ученик Тулуз-Лотрека и его последователь, Domergue сначала рисовал
пейзажи, но потом перешел на изображения женщин. Эти женщины - обнаженные или полуобнаженные - легко узнаваемы.
Он создал тип парижанки с длинной тонкой шеей, испуганными глазами лани, которая принесла ему богатство и славу .



>>>

Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/жанр
живопись/акт
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

Три грации Марка Шагала

Пятница, 14 Февраля 2014 г. 18:55 + в цитатник
Это цитата сообщения Bo4kaMeda [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

МАРК ШАГАЛ



Портрет молодого Шагала кисти его учителя Пэна (1914)

Белла Розенфельд была восьмым ребенком в ортодоксальной еврейской семье. Ее родители держали ювелирный магазин и считались довольно состоятельными.Отец был постоянно погружен в тору, сметливая и практичная мать занималась делами торговли. Несмотря на патриархальный уклад жизни семьи Розенфельдов, их взгляды были достаточно широки, чтобы дать Белле возможность получить светское образование. Девушка училась в Москве на женских курсах историка В.И. Герье, интересовалась литературой, театром.

Читать далее...
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/модернизм
история/Еврейская культура
интересные сообщения
Знаменитости

Метки:  

Светская жизнь.Витторио Маттео Коркос 1859-1933

Воскресенье, 16 Февраля 2014 г. 19:30 + в цитатник
Это цитата сообщения ВЛАДИОЛА [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Светская жизнь.Витторио Маттео Коркос 1859-1933

Светская жизнь.Витторио Маттео Коркос 1859-1933 Витторио Маттео Corcos Витторио Маттео Corcos

<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/портрет
живопись/модернизм
мода
интересные сообщения
история моды

Метки:  

Острые углы украинского художника Andrei Protsouk

Понедельник, 17 Февраля 2014 г. 12:29 + в цитатник
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

Острые углы украинского художника Andrei Protsouk

 
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/модернизм
интересные сообщения

Метки:  

В огромном городе моём — ночь... | Евгений Лушпин

Воскресенье, 23 Февраля 2014 г. 22:23 + в цитатник
Это цитата сообщения Panter_Woman [Прочитать целиком + В свой цитатник или сообщество!]

В огромном городе моём — ночь... | Евгений Лушпин


Зимний вечер огни зажигает,
Город стелит постели ко сну...
Снег за окнами кружит, летает -
Уводя мои мысли в мечту:
Свет луны - не подарит мне злата.
У судьбы - не попросишь в займы,
Но надеждою будет богата
Мысль; что встретимся, где-нибудь мы...

Пусть не скоро заря мне дорогу
Светом алым укажет на путь...
Одинокую ночь и тревогу,
Успокою надеждой, мой друг.
Хочу верить, что в жизни бывает:
Тот кто ищет, находит мечту...
Зимний вечер огни зажигает,
Город стелет постели ко сну...

© Сeргeй Я

Читать далее...
Рубрики:  искусство/История искусства,
живопись/пейзаж
Архитектура/парковая архитектура,
Архитектура/малые формы-люстры,окна,стены,фронтоны,
Архитектура/проекты,эксперименты,
Архитектура/история архитектуры,
Архитектура/церкви,мечети,синагоги,храмы,
живопись/модернизм
интересные сообщения
Знаменитости

Метки:  

 Страницы: [3] 2 1