Раз уж поступило столько вопросов: а как же с отечественным кино? То сделаю второй свой ТОП моих любимых отечественных фильмов с моими пояснениями. Смотря эти фильмы можно вообще многое узнать обо мне. 

Гари Олдмен - гениальный актер. Это не вопрос и даже не предположение, это просто факт. И я, если честно, очень рад этому факту. Он умеет гениально перевоплощаться и играть диаметрально противоположных персонажей - от маньяка полицейского в "Леоне" Люка Бессона до капитана Гордона в "Темном рыцаре". Ему подвластно все. И фильм "Темные времена" показал, что и магия перевоплощения ему по плечу легко и непринужденно. Он сыграл так легендарного премьер-министра Уинстона Черчилля, что задаешься вопросом кто же на самом деле настоящий Черчилль - Олдман или тот странный джентльмен из исторических фотохроник.

Поставь рядом фотографии Черчилля и Олдмена и никогда не скажешь, что второй мог бы сыграть первого. Но он сыграл. И думаю, сегодня мы можем говорить о лучшем кинообразе Черчилля. Правда, тут нужно еще посмотреть фильм на языке оригинала, тогда магия будет абсолютной.

"Темные времена" не биография и не совсем история. Это хроника некоторых событий 9 мая – 4 июня 1940 года, центральное место в которых занимал премьер-министр Великобритании Уинстон Черчилль. Исторический контекст, думаю, широко известен, не будем в него углубляться. Заметим только, что "Темные времена" отлично перекликаются с "Дюнкерком" Нолана.

Открывается фильм отставкой Невила Чемберлена 9 мая и завершается знаменитой речью Черчилля "Мы будем сражаться на пляжах", произнесенной 4 июня. В этом промежутке и показан сам Черчилль. Показан, прежде всего, как человек и только потом как политик. И вроде бы всё время в кадре он, вернее, Гари Олдмен, но все равно показывают премьер-министра скорее глазами окружающих: жены, секретарши, короля, политических противников, генералов и министров, даже глазами простых людей из метро.

Менее чем за месяц, наверное, невозможно измениться уже сформировавшемуся и окаменевшему 65-летнему человеку. Поэтому эволюции здесь нет, есть только разные стороны этой личности. То он раздражительный хам, то внимательный и даже заботливый пожилой человек, то опасающейся своей супруги муж, то уверенный в себе политик, то полностью павший духом и ни на что не способный решиться министр.

Здесь следуют самые сильные сцены с почти сломленным Олдменом. Историческая иллюзия о том, что Черчилль вроде того что всё знал, всё предвидел и ничуть не колебался, вдребезги разбивается об образ обычного человека. Обычного в том смысле, что и он подвержен сомнениям, чувствам, неуверенности. Наконец, он находит опору. Ранее опасавшиеся его люди, не знавшие его истинной натуры, воспринимавшие его как глыбу на политическом олимпе, в эти темные времена узнают Черчилля ближе и поддерживают его.

Вне зависимости от исторической достоверности, от исторических или политических акцентов, с художественной точки зрения фильм безупречен, Гари Олдмен великолепен, сценарий отличный, оператор молодец. И смотрится он на одном дыхании. Но все же главная заслуга успеха фильма - это просто сногсшибательная и гениальная работа Гари Олдмана.

Непростой выбор для нашего киноклуба. Фильм "Неоконченная пьеса для механического пианино" одна из лучших работ Никиты Михалкова того периода. Фильм снят по мотивам произведений Антона Павловича Чехова «Безотцовщина», «В усадьбе», «Учитель словесности», «Три года», «Моя жизнь» Ведь фильм лишь фабульно и антуражно поставлен "под Чехова". Да, Михалков взял Чехова, чтобы еще в советское время не тратить время на долгую борьбу с цензурой. 

На самом деле в то время (фильм вышел на экраны в 1977) режиссеры стали часто обращаться к теме кризиса и духовной импотенции (так сформулировал проблему своего поколения драматург Виктор Мережко). Примерно в этот период выходят несколько фильмов, где главные герои находятся в состоянии личностного кризиса. Данелия снимает "Осенний марафон", Роман Балаян снял по сценарию Виктора Мережко "Полеты во сне и наяву", а Михалков снял "Неоконченную пьесу для механического пианино". По сути, это фильмы об одном и том же герое, который не может преодолеть так называемый "кризис среднего возраста". 

Фильм поражает не только великолепной актерской игрой. Судите сами: Александр Калягин, Евгения Глушенко, Юрий Богатырев, Анатолий Ромашин, Павел Кадочников, Елена Соловей, Олег Табаков, Сергей Никоненко, Николай Пастухов и, собственно, сам Никита Михалков. Михалков не "осовременивает" Чехова. Зачем все это переносить в наше время, если умный зритель сам поймет, что все, увиденное им на экране, ничуть не постарело со времен русского классика. 

Компания родственников и знакомцев собирается на даче у скучающей помещицы. Это странное сообщество русской интеллигенции, эдакий срез разночинства. И сквозь их забавы, шутовство и праздность сразу чувствуется какой-то надлом, пустота в жизни. Кризис среднего возраста, переживаемый главный героем Мишелем Платоновым, которого исполняет великолепный Александр Калягин, очень понятен и близок современному зрителю. Что нас с ним разделяет? Общество? Иной менталитет? Все, собственно, осталось на своих местах. Все те же трагедии и метания, все те же мысли. 

Герои фильма-драмы осознают никчемность, бесцельность своего существования, непохожесть жизни на ту, о которой мечталось в юности. Они мучительно переживают свою несостоятельность, но не в силах что-либо изменить. 

Достаточно вспомнить сцену встречи Мишеля и его прошлой возлюбленной Софи. Она спрашивает его кем он стал, закончил ли университет. Мишель отвечает, что не закончил и работает простым учителем. Тут она говорит: "Ну что же, но это же не мешает вам быть человеком..." С этого, по сути, начинается главный конфликт фильма. Мучительный поиск себя в жизни и несбывшиеся надежды - все это находит выход в финале картины. 

Посреди ночи Платонова настигает печаль по его потерянной молодости и неудавшимся любовным романам. Он начинает кричать, и своими криками заставляет проснуться весь дом. "Неоконченная пьеса..." стала выдающимся событием духовной жизни, любимейшим фильмом интеллигенции. "Эта картина - про нас" - лейтмотив практически всех критических статей о фильме. Одним узнавание было мучительно сладко, другим - мучительно больно, но все равно - мучительно... 

Вечный для российской интеллигенции круг проклятых вопросов - отсутствие настоящего дела и, как следствие, ощущение зря, в болтовне проживаемой жизни, несвершившаяся любовь, разочарование в прогрессивных идеях, душевная опустошенность - был очерчен режиссером. И как просты, безыскусны и истинны оказались его ответы... Впрочем, нуждаемся ли мы в чужих ответах?

Творчество Мартина Скорсезе в мою жизнь входило постепенно. Я не любил его фильмы, я вообще жанр гангстерских фильмов недолюбливаю. Но при этом обожаю "Крестный отец" Копполы, хотя терпеть не могу "Лицо со шрамом". Но с "Отступниками" получилась совершенно забавная история. Я до этого фильма не любил не только Скорсезе, но и Леонардо Ди Каприо. После просмотра Ди Каприо обосновался в моем пантеоне любимых актеров, а "Отступники" я пересматривал неизвестное количество раз. 

Так что же такого в фильме Скорсезе и почему он стал не просто коммерчески успешным, но и культовым фильмом? А все просто. Скросезе снял идеальный фильм по всем параметрам кино. Во-первых, это захватывающий полицейский триллер, держащий тебя в напряжении до самых последних кадров. Во-вторых, это еще и полицейская драма, за метаморфозой героев которой ты следишь с неменьшим наслаждением. В-третьих, это настоящее кино . заставляющее тебя сопереживать и задумываться над нелегкими вопросами жизни без свойственных этому жанру морализаторства и нотаций. Ну а в-четвертых, вы где-нибудь видели такое рекордное количество голливудских звезд в одном фильме? 

Так о чем же "Отступники"? Действие фильма «Отступники» происходит в ирландском районе города Бостона. Выпускники полицейской академии Уильям Костиган (Леонардо Ди Каприо) и Колин Салливан (Мэтт Дэймон) оказываются по разные стороны: первого внедряют под прикрытием в банду крупного гангстера Фрэнка Костелло (Джек Николсон), второй становится осведомителем Костелло. Сюжет (и не особо оригинальный) обыкновенного триллера, не более того. Но в том-то и дело, что «Отступники» выламываются за жанровые границы как триллера, так даже и психологического триллера. И все это благодаря многоплановости персонажей фильма. 

Скорсезе решил сделать фильм об анатомии отступничества. Тоже не оригинальная идея, но... Обычно в подобных фильмах один или два героя, ведущих двойную жизнь. Но у Скорсезе практически все центральные герои отступники. Скорсезе словно играется с вопросами морали и выбора человека, чтобы показать, как сложно оценивать действия запутавшегося человека. В конечном итоге, не просто Билли и Колин являются двойными агентами, ВСЕ совершают предательство ради того, что считают правильным и истинным. Костелло оказывается стукачом ФБР, а в рядах полиции осел не один крот мафии. 

Поиск крысы в рядах мафии и полиции становится лейтмотивом всего фильма: а что же такое предательство в принципе? Что такое правда, если герои сами запутываются на чьей они стороне? В фильме возникает зыбкая призрачная, атмосфера: верить нельзя никому и ничему, драматический же накал действия таков, что хеппиэнд в картине вообще невозможен. Мы наблюдаем как все вокруг меняет призрачную модальность, то есть мы, как зрители, перестаем понимать, где свет, а где тьма, где герои, а где антигерои. Салливан, спасая собственную шкуру, убивает своего покровителя Костелло. Вторая крыса Костелло – подчинённый Салливана – убивает Костигана и товарища Костигана по полицейской академии, и его, в свою очередь, убивает заметающий следы Салливан. А Салливана, победителя, звезду и героя полицейского департамента штата Массачусетс, убивает единственный из оставшихся в живых людей, знающий всю правду обо всех – о Салливане, о Костелло, о Костигане – сержант Дигнем (Марк Уолберг) – детектив, некогда завербовавший Костигана и осуществлявший его прикрытие. И если это что-то и должно нам напоминать, то, конечно, страшные трагедии Шекспира. 

В конце концов, полицейский триллер становится почти античной трагедий и притчей о природе добра и зла, истины и лжи, выбора человека и ценности жизни. Все, что мы видим, может быть лишь фасадом, где крысы и сторожевые псы могут меняться местами, и мы уже с трудом понимаем где добро и где зло. Но различение добра и зла нужно нам, это помогает нам понять свое личное предназначение. А значит стоит задуматься на чьей ты стороне и какую цену ты готов заплатить за истину.

Том Стоппард стал моим любимым современным драматургом постепенно. И это очень важно. Если вы сразу влюбляетесь в его драматургию, значит, не понимаете всего, что он хочет вам сказать. Я не сразу понял в чем смысл того, что делает со своими героями Стоппард, но, поняв это, я до сих пор погружаюсь в разгадывание смыслов драматурга.

«Розенкранц и Гильденстерн мертвы» - самый известный фильм Стоппарда по самой главной его пьесе. Многие критики отмечают лишь сюрреалистичность этой пьесы и стеб над Шекспировским «Гамлетом». Стоппард на самом деле ближе к Шекспиру намного больше, чем многие классические постановщики Гамлета. Просто он смог посмотреть на смыслы великой пьесы Шекспира изнутри, показывая все его идеи.

Так о чем же «Розенкранц и Гильденстерн мертвы»? Фильм выводит на первый план второстепенных персонажей, которые пытаются понять, что происходит и как и нужно жить, чтобы все у них было. Почти все действие фильма они пытаются осознать, что происходит с ними, вступая друг с другом в филигранную словесную дуэль. Не зря Стоппард вводит в фильм сцену с «вопросным теннисом», иллюстрируя то, что делают герои.

Что важно отметить, так это то, что там нет двух героев. На самом деле Розенкранц и Гильденстерн – один персонаж, просто они зеркальное отражение друг друга. Мы видим два воплощение души – созерцательное (Розенкранц, которого гениально сыграл Тим Рот) и эмпирическое, познающее мир вокруг (Гильденстерн, которого не менее гениально сыграл Гэри Олдмен). Розенкранц постоянно ведет философские диспуты с самим собой, пытаясь разобраться в смысле своего существования. А Гильденстерн пытается познать окружающий мир, повторяя физические опыты Архимеда, Галилео Галлилея и Исаака Ньютона. Не зря эти два персонажа постоянно путают имена друг друга, не понимаю кто же из них кто.

И очень важными персонажами являются актеры бродячего театра. Стоппард использует театр как основную метафору жизни. Не зря идея спектакля многократно повторяется – актеры играют спектакль о том, как другие актеры тоже ставят спектакль. Владелец труппы и является создателем спектакля, главными героями которого являются Розенкранц и Гильденстерн. Они словно уже находятся в чистилище снова и снова отыгрывая свои роли. И даже попытка вырваться из этого роли оказывается частью пьесы.

Герои заканчивают свой круг жизни. И концовка всем известна, но… Стоппард не зря вкладывает в уста Гильденстерна слова: «Может быть в следующий раз получится лучше». И поэтому весть о том, что Розенкранц и Гильденстерн мертвы уже некому приносить, абсурдность земных устремлений приводит к ожидаемому финалу. Стоппард показывает, что жизнь – это пьеса, не имеющая конца, у которой есть Творец, лишь репетиция главного действа – реализовывается в Вечности.

Кормак Маккарти уже давно был одним из любимых моих американских писателей. А благодаря телефильму Томи Ли Джонса «Сансет Лимитед» представилась возможность познакомиться и с его драматургией. Его премьера состоялась на канале HBO в феврале 2011 года. На широкие экраны фильм не выходил. Весь фильм проходит в одной обшарпанной комнате. Минимализм при этом весьма символичен: запертая дверь, старое кресло, лампа, распятие. Двое мужчин – Черный (Сэмюэль Джексон) и Белый (Томи Ли Джонс) молча сидят за столом в слабоосвещенной комнате. Между ними лежит всего одна книга – Библия.

Все это свойственно Кормаку Маккарти. Он вообще любит убирать лишнее – имена, городские локации, географические привязки. Остается только конфликт и постепенно нагнетаемое напряжение. Причем достигается это все за счет диалогов и ничего больше. Только словесная дуэль. Предыстория тоже предельно проста. Некий профессор пытается совершить самоубийство, бросившись под поезд «Сансет Лимитед», но его спасает негр. Он и приводит профессора к себе домой, и между ними завязывается диалог. Негр оказывается бывшим преступником, убийцей, который в тюрьме уверовал в Бога и стал проповедником.

Камерная история выстраивается предельно просто и понятно. Посвященный и пламенный христианин пытается спасти потерявшего всякие ориентиры атеиста. Но у Маккарти всегда так – как только история кажется простой и ясной, тут и проявляется сложность внутри самой драматургии. И самый важный вопрос, который стоит перед зрителем: можно ли спасти человека отчаявшегося?

Атеист против христианина. Тьма против света. Все очень контрастно. Сначала мы видим как Проповедник обрушивает на своего гостя свои аргументы и сарказм, убеждая в силе любви Бога. Мы узнаем и жизненный бэкграунд Проповедника, понимая, что он сам выбрался из тьмы в свет. Суть непрекращающегося теологического спора – добро и зло, жизнь и смерть, семья и одиночество, культура и цивилизация, вера и отчаяние.

Язык у Маккарти точный и сочный. Многие фразы просто хочется записывать, настолько они афористичны. «Я серьезен, как сердечный приступ». «Просыпаясь по утрам я стараюсь держаться за Иисуса, иногда приходится переходить на ручное управление». Что здесь черное, а что белое? Кто сам Черный – ангел-хранитель, миссионер, раскаявшийся убийца? Кто Белый – простой интеллектуал, страшащийся исчезновения смысла своей разумной жизни, жертва или искуситель? Полтора часа этой схватки оставят больше вопросов, чем ответов.

Кульминационный вопрос ставит сам Проповедник, предельно честно формулируя самое важное: « "Я не сомневаюсь, я просто задаю вопросы". "А разве есть разница?" "Да. Когда ты задаешь вопросы, ты хочешь узнать правду, а когда ты сомневаешься – хочешь узнать, что правды нет"». Но потом наступает черед проповеди атеиста, который просто погружает своего собеседника в пучину своей личной тьмы. Во второй части фильм превращается в бергмановскую притчу о сомнении и кризисе личности. Это усугубляется харизмой героя Томи Ли Джонса и той тьмой, которой наполнено сердце героя. Из этого тупика нет выхода. И кажется, что Проповедник терпит неудачу. Его гость уходит во тьму, а Черный сидит и плачет от отчаяния на полу, задавая вопросы Богу, почему он потерпел поражение.

И концовка может показаться страшной и безысходной, если бы… Когда Черный сидит на полу, отчаянно спрашивая Бога о причине своего поражения, за его спиной начинает всходит солнце, озаряющее светом весь мир и комнату. А значит Профессор ушел не во тьму, значит есть еще надежда. И еще одна важная мысль, которую пытался донести до зрителей автор: мы может терпеть поражение, и это и есть самое главное испытание нашей жизни. Не боль, не страдание, а поражение в борьбе за другую душу. И это часть нашей жизни. Но за ночью и тьмой всегда приходит рассвет.

Давно уже Кристофер Нолан был у меня в любимых режиссерах. Я, если честно, опасался смотреть «Дюнкерк», боясь разочароваться в творчестве режиссера, манеру которого очень люблю. Но тут дело даже не индивидуальной манере Нолана. Ему удается совмещать несовместимое — авторское кино с массовым. Это удается немногим, и Нолан в этом достиг филигранности.

«Дюнкерк» посвящен трагическим событиям Второй мировой войны. Фильм основан на событиях Дюнкеркской операции — эвакуации морем английских, французских и бельгийских частей, блокированных у города Дюнкерк немецкими войсками после Дюнкеркской битвы в 1940 году. По официальным данным военно-морского министерства Великобритании, в ходе операции, которая получила кодовое название «Динамо» (в период с 26 мая по 4 июня 1940 года) с французского побережья в районе Дюнкерка было эвакуировано в общей сложности 338 226 военнослужащих союзников.

Это то, что остается за кадрами фильма. А что в итоге мы видим на экране? В кино принято снимать фильмы о военных победах, а не самых грандиозных поражениях. Но на самом деле это фильм не о поражении, это кино о человеке на войне и цене жизни, там трусость идет рядом с подвигом и храбростью и самопожертвованием. Но без утомительных морализаторских проповедей о долге перед всем человечеством. Просто кто-то спасает свою жизнь, а кто-то чужую, потому что так нужно.

Нолан гениально работает с временем. Уже набившее оскомину нелинейное повествование у Нолана превращается в единственный прием, который помогает раскрыть основные идеи режиссера. Нолан очень любит работать с временем, развивая разные линии в повествовании и сводя их в итоге вместе. Роли в фильме исполнили Марк Райлэнс, Кеннет Брана, Том Харди и другие актеры. Но это настоящий успех Тома Харди. Я не большой любитель этого актера, но так сыграть по сути только крупными планами почти без слов и одними глазами — просто великолепно!

Фильм происходит в трех стихиях — воде, воздухе и земле. Режиссер их перемешивает, умело погружает героев в них и заставляет проявить все человеческое через сопротивление этим стихиям. Конечно там есть и огонь. Но, как это не парадоксально, Нолан обошелся без натурализма, сделав ставку на само тошнотворное ощущение страха и ужаса. Герои ведь и не с фашистами сражаются, они сражаются с самой войной, со смертью за жизнь. И это настолько сильно передано через драматургию, очень точные музыкальные фоны и лица, что слов там особенно не нужно. Еще более восторженных отзывов заслуживает оператор Хойте Ван Хойтема, уже снимавший для Нолана «Интерстеллар». Его серо-синяя палитра превращает фильм в завораживающее и невероятное визуальное путешествие.

Нолан в фильме отвечает на простой и важный вопрос: что такое война? Это сражение жизни против смерти. Каждый из героев пытается выжить и при этом, по возможности, сохранить человеческое лицо, остаться человеком в нечеловеческих условиях. А кто-то просто сознает свой долг и просто делает его. Как герой Тома Харди на своем самолете. И в этом главная заслуга и главный пафос фильма, от которого не тошнит. Но даже после окончания просмотра ты невольно возвращаешься к фильму и продолжаешь размышлять над увиденным.

Было такое время, когда кинематографистам приходилось просто брать штурмом оплоты советской морали и проявлять чудеса фантазии, чтобы поставить комедию положений или эксцентрическую комедию. Ну, во-первых, на советских экранах впервые появился британский юмор. И Титов доказал, что ничего недоступного в британском юморе, вопреки устоявшимся штампам, нет. Любим же мы, в конце концов, Бернарда нашего Шоу.

Комедия «Здравствуйте, я ваша тетя!» была снята по пьесе Брэндона Томаса «Тетка Чарлея». Премьера спектакля по произведению Томаса прошла еще в 1892 году в Лондоне. Надо ли говорить, что это была «бомба». Билеты раскупили на несколько месяцев вперед, поэтому создатели спектакля перенесли действо в более вместительный театр. Но и туда билеты смели в первый же день, а те, кому не досталось мест, пытались проникнуть на представление через черный ход. Через месяц спектакль снова переехал на еще более просторную площадку.

Мало кто знает, но пьеса «Тетка Чарлея» была экранизирована не раз и не только в Лондоне и в России. Первые фильмы о бездомном Бабсе Баберлее, не по своей воле переодевшемся в женское платье, были немыми, и сняты они были в Италии и в США. Правда, в оригинальной версии есть несколько отличий от советской экранизации: у Брэндона Томаса тетку Чарлея звали донной Люсией, ну, и названия «Здравствуйте, я ваша тетя!» у них не было. Это исключительно наша придумка, точнее небольшое заимствование у Фаины Раневской, которая произносила эту фразу в фильме «Легкая жизнь».

Изначально Армен Борисович претендовал на роль полковника Чеснея, ведь он уже играл этого старого солдата, не знающего слов любви, в театре. В очереди за ролью хромого полковника стоял и Зиновий Гердт. Но тогда актер служил в театре Сергея Образцова, и вся труппа должна была ехать на гастроли в Европу. Гердт буквально мечтал о мундире Чеснея, он молился, чтобы начальство отказало им в выезде. Но как назло чиновники выпустили за железный занавес всех. Осталось два кандидата — Джигарханян и Козаков. Режиссер Виктор Титов ради эксперимента решил испытать харизму Армена Борисовича в другом образе и предложил ему сделать дубль в качестве судьи Кригса. Надо ли говорить, что после этого первого дубля знаменитый полосатый костюм алчного чиновника буквально «прилип» к Джигарханяну.

Если говорить о фильме, то его часто сводят к набору банальных гэгов, которые там великолепны и, действительно, ушли в народ. Вспомнить хотя бы «Я тебя поцелую, потом, если захочешь». Но это во-первых, поклон советского режиссера «великому немому». Каждый из героев фильма воплощает в себе образ звезд немого кино: Джеки Чесней – это, конечно, Бастер Китон в исполнении Олега Шкловского, Чарли Уэйкем – это Гарольд Ллойд в блистательном исполнении Михаила Любезнова, а Бабс Баберлей – это, конечно, великий Чарли Чаплин, который достался тогда еще неизвестному актеру Александру Калягину и принес ему славу.

Но простая эксцентрическая комедия у советского режиссера превратилась в элегантный карнавал и при этом трагикомедию о любви и бедности, что так близко всегда русскому человеку. Кстати, о бедности. Исполняемая в фильме Александром Калягиным песня «Любовь и бедность» — стихотворение Роберта Бёрнса «Poortith Cauld and Restless Love» в переводе Самуила Маршака на музыку Владислава Казенина. Но это не единственная песня на стихи Бёрнса. В сцене, где Бабс Баберлей впервые встречает в кинотеатре, а потом и вручает цветы Элле Делей, звучит инструментальная версия песни «Auld Lang Syne», автором слов которой также является Роберт Бёрнс. В итоге получилась филигранная комедия, которая запоминается именно невероятной актерской игрой, каждый персонаж в ней уникален.

Удивительно как самые сильные впечатления от произведений искусства не блекнут со временем. Фильм американского режиссера авторского кино Джима Джармуша «Пес-призрак: путь самурая», который он снял в 1999 году, я посмотрел примерно тогда же. Меня поразила и очаровала эстетика фильма, а я тогда еще увлекался восточными единоборствами. Но только со временем начинаешь понимать, о чем Джармуш снял фильм.

Формально, фильм снят в жанре гангстерских фильмов о киллерах. Наёмный убийца по прозвищу «Пёс-призрак» (Форест Уитакер) живёт в соответствии с бусидо, кодексом чести самурая. Он ведёт уединённый образ жизни, разводит голубей, проводит время в тренировках и чтении «Хагакурэ», собрания изречений самурая Ямамото Цунэтомо, жившего в XVIII веке. Восемь лет назад Пёс-призрак чуть не погиб в ходе бандитской разборки. Случайно проходивший мимо Луи (Джон Торми), итальянский мафиози, спас ему жизнь. С тех пор Пёс-призрак, объявив себя вассалом Луи, выбирает путь самурая. Он в совершенстве владеет огнестрельным и холодным оружием, разбирается в электронике, и работает на Луи в качестве киллера. Для общения Пёс-призрак использует голубиную почту. На этом спойлеры закончились.
А теперь мои собственные впечатления от фильма. Авторское кино для меня загадка. Не могу назвать себя его фанатом, но именно из авторского кино вышли многие очень яркие режиссеры. Для меня Джим Джармуш живой классик. И именно «Пес-призрак: пусть самурая» я считаю одним из самых важных фильмов у режиссера, потому что с этого фильма нужно начинать его смотреть и тогда другие его произведения будут понятны для восприятия.

Джармуш всегда снимает фильмы о поэтах, поэтичности мира и поэтическом восприятии. Все его герои в той или мной степени поэты, даже если не пишут стихов. Вот и Пес-призрак поэт – просто он решил из своей жизни написать поэму, точку в которой ставит сам. Что важно в этом кино? Это кино и культуре и культурах. Кино Джармуша мультикультурно. То есть он показывает столкновение культур и цивилизаций. Восток тут служит Западу и при этом все видят, что мир меняется, и много об этом говорят. Герои постоянно говорят о том, что мир меняется.

Джармуш считает, что важно быть открытым для мира другого человека. Для этого не обязательно знать язык друг друга. Пес-призрак дружит с гаитянским мигрантом Раймондом, который говорит только по-французски, и они прекрасно друг дурна понимают. Для этого Джармуш вводит свою излюбленный прием рефрена – повторения. Герои повторяют мысли друг друга. В фильме Джармуша много самоцитат. Например, появление индейца Никто, который был героем в его предыдущем фильме «Мертвец». Уходящий герой Пес-призрак встречает на улице нового Самурая, которого играет рэпер RZA. Опять тут взаимопроникновение двух культур – восточной (Пес-призрак) и западной (RZA носит нательный крест, как символ христианской культуры).

Все гангстеры в фильме опереточные. Они старые, слушают рэп, смотрят классические мультики и не могут заплатить за аренду. Это фильм, которым Джурмуш прощается с гангстерским кино. Очень важны в фильме ироничные отсылки к штампам в экшн-фильмах. И при этом там много внутренних ссылок. Например, Джармуш показывает, что мир очень сложен. Он это делает через книгу, которую передают герои друг другу – сборник рассказов японского писателя Акутагавы «Расёмон». А Пес-призрак так и впрямую рассказывает содержание его новеллы «В чаще», где взгляд на событие мы видим с разных точек зрения. Раймонд называет своего друга Медведем. И главный герой встречает двух охотников, которые убивают медведя. Режиссер не скрывает своих намерений от зрителя. Вообще это кино для ума, которое невероятно интересно смотреть, особенно из-за визуального ряда.

Интересно как фильмы детства по-другому воспринимаешь в разном возрасте. Странно возвращаться в эмоции, которые уже переживал и вспоминать то, что думал когда-то о героях и фильме, когда впервые его смотрел. Тогда я был на стороне героев, потом на стороне родителей, потому что появились свои дети, а теперь я понимаю и вижу те ошибки, которые понаделали взрослые. Ах да, смотрели мы сегодня фильм режиссера Ильи Фреза «Вам и не снилось» по повести Галины Щербаковой.

Коротко: это история школьной любви, которая стала культовой и породила, к сожалению, множества подражаний в реальной жизни. Главные герои фильма "Вам и не снилось" – московские старшеклассники Рома Лавочкин (Никита Михайловский) и Катя Шевченко (Татьяна Аксюта). Катя вместе с матерью Людмилой Сергеевной (Ирина Мирошниченко) и отчимом дядей Володей (Евгений Герасимов) летом переехала в новую квартиру и с первого сентября начала учиться в новой школе. Одним из ее одноклассников оказался Ромка, и вскоре между ним и Катей возникла любовь — нежная, трепетная и чистая. Окружающие долго не могли поверить, что Ромку с Катей связывает не типичная для их возраста подростковая влюбленность, а по-настоящему глубокое чувство. Однако произошедшие впоследствии драматические события показали всем, что любовь Ромео и Джульетты из девятого класса была такой силы, что многим из них даже не снилось.

Мое резюме об этом фильме. Я не поддерживаю высокий пафос госпожи Галины Щербаковой о великой силе любви. Ведь она просто взяла сюжет Шекспира и перенесла его в нашу действительность. Банально, но резонанс, который произвел фильм и повесть показывают, что конфликт этот вечный и история вечная. Что я могу сказать о самой истории, как ее представили создатели фильма. Единственным взрослым человеком, сознающим свою ответственность и понимающим смысл того, что он делает является Ромка. Все остальные наломали столько дров, что раскидать эту поленницу весьма сложно в реальной жизни.

Для меня это фильм о том, как созависимость разрушает жизнь не просто одного человека, а и жизнь других людей. Нужно учиться говорить с близкими о своих проблемах, а не пытаться переделать других людей. Именно поэтому в фильм введена линия учительницы Тани и ее возлюбленного Миши, которых сыграли Елена Соловей и Леонид Филатов. Взрослые люди не в силах понять, что пытаются переделать друг друга, вместо того, чтобы понять и принять любимого. И это разрушает их жизнь. Что ожидало впереди Ромку и Катю, которая полностью растворилась в обретенном чувстве, просто потому, что чувствовала свою ненужность в новом браке своей мамы. И это очень хорошая возможность для нас, взрослых, подумать о том, что мы делаем и как мы ценим наших детей, готовы ли мы к диалогу и совместному решению возникающих проблем. Или пытаемся ложью и манипуляциями достичь своей цели, считая, что она оправдывает все средства.

А если отвлечься от смыслов, то хотелось бы отметить невероятную актерскую игру на всех уровнях. Школьники настолько круто сыграли, что они кажутся совершенно реальными, живыми, яркими и интересными. Ну а про музыку А. Рыбникова я вообще молчу.

Вот уже полгода исполнилось нашему киноклубу, который начинался как домашний и вырос до целой группы единомышленников и киноманов. Решил публиковать свои небольшие отзывы о фильмах, которые мы смотрели в киноклубе. Начнем с "Криминального чтива" Тарантино.

Настала и моя очередь написать про свои впечатления от фильма «Криминальное чтиво» Квентина Тарантино. Постараюсь не очень растекаться по древу, но не уверен, что у меня получится. Постараюсь не повторяться. То есть очень кратко скажу, что мне не нравятся другие фильмы Тарантино, хотя я их пытался смотреть и понять. Но этот фильм для меня абсолютный шедевр не просто режиссера, но и киноискусства конца XX века, который определил мейнстрим, по которому стало двигаться кино в XXI веке.

Немного о сюжете. Я уже не буду долго писать о нелинейной структуре фильма. Нарушенная хронология и логика изложения вообще стала фирменным стилем Тарантино. Он сам говорит, что ему нравится играться со структурой драматургии. Части сюжета «Криминального чтива» были разделены, перемешаны и показаны в «неправильном» порядке; техника, до этого использовавшаяся режиссёрами французской «Новой волны», в частности Жан-Люком Годаром и Франсуа Трюффо, а также Стэнли Кубриком в «Убийстве». Всего в сценарии можно насчитать шесть частей, при этом авторские названия имеют три из них: «Винсент Вега и жена Марселласа Уоллеса» (Vincent Vega and Marsellus Wallace’s Wife), «Золотые часы» (The Gold Watch) и «Ситуация с Бонни» (The Bonnie Situation). Первая и последняя части (Ограбление) пересекаются во времени и происходят в одном и том же месте. Две хронологически последовательные части («Винсент Вега и жена Марселласа Уоллеса» и «Золотые часы») показаны также одна за другой. На этом мое цитирование Википедии заканчивается.

Итак, что я бы хотел отметить. Нелинейная структура позволила Тарантино достичь своей цели. Как и любое гениальное кино, в фильме есть несколько пластов. Во-первых, как и понятно из названия, это филигранная пародия на криминальные фильмы. И можно на этом остановится. Фильм-стеб, что тут нового? Но у фильма есть очень четкая смысловая канва, которой придерживается режиссер. Что же это за канва?

Тарантино показывает воплощение Высшего замысла, или проще сказать Божьей воли в нашем мире, полном насилия и греха. Причем, фильм обвиняют в сценах жестокости и насилия. Но если внимательно присмотреться, то сцен с насилием можно пересчитать по пальцам. И все они оправданы. А идея очень простая. Ее мы слышим из уст Джулса: «Просто признай, что это Божье чудо». Божественный замысле присутствует в нашей жизни, но вот увидеть его и откликнуться или продолжать жить, не замечая его, это зависит от человека. И ту два героя – Джулс и Винсент. Один откликнулся на Высший замысел и решил измениться и тут же его желание было испытано в сцене в кафе. И Винсент, который считает это случайностью, а, значит, и его жизнь случайна. И он погибает от рук Бутча. И еще одна важная идея: зло наказывает себя. То зло уничтожает и наказывает зло. Это очень четко видно в разных историях. Для этого Тарантино оставляет маркеры. Например, Бутч уезжает на мотоцикле вместе с подружкой, на баке которого написано «Grace» - благодать. То есть ему дается новый шанс в жизни, незаслуженно.

Да, о Библии. Джулс постоянно цитирует книгу пророка Иезекииля, причем всегда разные отрывки. Но вы не найдете этих слов в Библии. Это фейк. Но фейк продуманный и важный. В этих отрывках содержится послание для самого Джулса и один из этих отрывков становится основой для его первой проповеди. Суть его простая: кто Пастырь, кто праведник, а кто грешник? И ответ простой: праведников там нет, но у героев есть возможность выбрать путь. И Джулс его выбирает и остается жив, а Винсент гибнет, и это тоже результат выбора.

Что скажешь? Гениальное кино, которое будут смотреть и трактовать по-своему еще очень долго.

О кинопоэзии Джима Джармуша. Очень люблю его медитативные и поэтические фильмы. Обзор, кстати, очень крутой.

А не повторить ли нам наш летний кинотеатр? Я сейчас мало бываю в блоге по ряду причин. Сейчас много проектов, которые отнимают все мое время. Вторая моя книга находится уже у издателя, и мне нужно садиться за третью книгу.  План уже написан, теперь самое сложное: огромное количество материала, который нужно собрать, прочитать источники, посидеть над документами. И, конечно, мои радиопроекты, которые выходя еженедельно в прямом эфире и в записи.

И поэтому нужно расслабиться, и посмотреть летнее кино. И начнем мы с фильма "Изгои" Фрэнсиса Копполы 1982 года, экранизация культового романа Э. Хинтон. Пересмотрел только вчера и понял, что острота впечталений до сих пор не угасла. Великолепный фильм, хоть и снят он довольно просто. Хинтон написала роман, когда ей было 16 лет.

Пишу статью о фильме "Землетрясение", одним из сценаристов которого был мой друг, и слушаю эту музыку.

Мэттью Макконахи было не впервой играть адвоката. Вот только образ Микки Холлера — это полная противоположность образу Джейка Бригенса из фильма «Время убивать». Холлер — более матерый и более жесткий персонаж. Для Макконахи работа над этим проектом стала очередным важным этапом в его актерской карьере. И критики, и широкая публика, и, что немаловажно, автор романа-первоисточника Майкл Коннели оценили его актерское мастерство. Ведь Мэттью Макконахи удалось передать всю сложность натуры своего героя, адвоката Микки Холлера, разъезжающего по большому городу на своем «Линкольне», который служит ему своеобразным офисом на колесах.

Клайв Касслер — живой классик современной американской детективной и приключенческой литературы. Экранизация романа «Сахара» сохранила все лучшее, что было в тексе-первоисточнике: лихо закрученный сюжет, атмосферу и харизматичных героев. И огромная заслуга в этом Мэттью Макконахи, сыгравшего главного героя ленты. Он «оживил» во многом схематичного персонажа и предал ему яркость и индивидуальность.

Роман «Контакт» Карла Сагана стал одним из главных событий в мире научной фантастики середины 80-ых годов. Но своей экранизации он ждал более десяти лет. За проект взялся режиссер фильмов «Назад в будущее» и «Форрест Гамп» Роберт Земекис. И картина вышла в прокат в 1997 году и была удостоена премии «Хьюго» за лучшую экранизацию научно-фантастического произведения.

Мэттью Макконахи досталась роль Палмера Джоса, священника-философа, идейного оппонента главной героини, Элли Эрроуэй. Она учёный-астроном и убежденный агностик. Ее сыграла Джоди Фостер. Но, несмотря на противоречия, главные герои все-таки приходят к согласию, а их отношения перерастают в нечто большее, чем просто научно-философские дискуссии.