Судьба Григория Журавлeва – человека верующего и с чистой душой поражает силой веры и красотой души.

    Василий Дмитриевич Поленов.  Христос и грешница (Кто из вас без греха?)

Впервые картина была показана на XV Передвижной выставке 1887 года. Глазам зрителей предстала сцена, основной смысл которой заключался, по мысли художника, в несении людям идеи добра и всепрощения. «Кто из вас без греха, первый брось на нее камень», - ответил Христос возбужденной гневом толпе на вопрос о том, как поступить с женщиной, изобличенной в прелюбодеянии (по закону Моисея ее следовало подвергнуть избиению камнями). Согласно Евангелию, люди, «обличаемы совестью», разошлись. Так Христом был преподан народу наглядный урок новой морали.

Сюжет картины, замысел которой возник у Поленова еще в период его учебы в Академии художеств в 1868 году, позволял ему выразить важные для него нравственные проблемы, содержащиеся в евангельском повествовании - идею христианской любви к ближнему и нравственное самосовершенствование. Потому так важно для него было ее название. Уже на склоне лет Поленов с огорчением писал в одном из писем: «Картина эта была названа мною Кто из вас без греха. В этом был ее смысл. Но цензура не позволила поставить эти слова в каталоге, разрешили Христос и грешница... А в музее Александра III ее назвали «блудная жена», что совершенно противоречит евангельскому рассказу, где ясно сказано, что это согрешившая, а не блудная женщина... Так название и осталось. Оно и не мое, и не соответствует евангельскому рассказу».

Картина стоила художнику больших трудов и длительных периодов разочарования. Ее живописно-пластическое решение, композиционная разработка по существу оставались академическими с той только разницей, что основная по смыслу группа не являлась центральной. Вместе с тем стремление быть исторически точным заставило художника обратить особое внимание на достоверность архитектуры, пейзажа, предметов материальной культуры, костюмов, переданных средствами реалистической живописи. Возникшая при этом необходимость уравновесить красочно и линейно все части полотна путем сопоставления красочных пятен, в мерном чередовании которых исчезает глубинность линейного построения, привела его к стилистическим решениям близким живописи модерна. Таким образом, синтез, которого добивался художник, пытаясь обновить академическую живопись новейшими художественными средствами, оказался недостаточно серьезным и глубоким, что осознавал и сам Поленов. При этом сама попытка обновления академического искусства была значительна для русского искусства.

Василий Дмитриевич Поленов был ярким разносторонним художником с широким кругом творческих интересов. Однако главное место в творчестве Поленова занимает огромное полотно «Христос и грешница (Кто без греха?)» (1888), в котором автор стремился рассказать библейскую историю как реальное жизненное событие.

     Еще в юношеские годы под впечатлением картины Александра Иванова «Явление Христа народу»

  Александр Иванов. Явление Христа народу

у Василия Поленова зародилась идея создать большое полотно этического содержания, способное воздействовать на зрителя силой своего драматизма. По мнению художника, именно такое произведение отвечало бы запросам времени, духовным потребностям людей.

     Написанию картины предшествовали поездки в Египет и Палестину, изучение быта, нравов и колорита древней Иудеи. Первые эскизы были сделаны во время пенсионерской поездки в 1873 и 1876 годах. Путешествие на Восток было необходимо художнику, чтобы "вжиться" в атмосферу библейского повествования, проникнуться его духом, создать в картине исторически достоверную обстановку.

     Свой долг художника Поленов видел в концентрации сил для создания евангельского цикла картин «Из жизни Христа» (1899-1909), который он мыслил себе «рядом картин и сцен, связанных между собой эстетической атмосферой. Первой работой этого цикла оказалась картина «Христос и грешница».

   Сюжетом этого полотна послужила легенда о Христе и грешнице, описанная в Евангелии от Иоанна, в главе VIII. Там говорится: «Иисус же пошел на гору Елеонскую. А утром опять пришел в храм, и весь народ шел к нему. Он сел и учил их. Тут книжники и фарисеи привели к нему женщину, взятую в прелюбодеянии, и, поставивши ее посреди, сказали Ему: Учитель! эта женщина взята в прелюбодеянии; а Моисей в законе заповедовал нам побивать таких камнями: Ты что скажешь? Говорили же это, искушая Его, чтобы найти что-нибудь к обвинению Его. Но Иисус, наклонившись низко, писал перстом на земле, не обращая на них внимания. Когда же продолжали спрашивать Его, Он восклонившись сказал им: кто из вас без греха, первый брось в нее камень. И опять, наклонившись низко, писал на земле. Они же, услышавши то и будучи обличаемы совестью, стали уходить один за другим, начиная от старших до последних; и остался один Иисус и женщина, стоящая посреди. Иисус, восклонившись и не видя никого кроме женщины, сказал ей: женщина! где твои обвинители? никто не осудил тебя? Она отвечала: никто, Господи! Иисус сказал ей: и Я не осуждаю тебя; иди и впредь не греши».

     Воплощая в произведении идею всепрощения, победы добра над злом, Поленов придавал большое значение названию. Авторское название «Кто из вас без греха?» было заменено цензурой на «Христос и грешница». Картина экспонировалась на XV Передвижной выставке в Петербурге и в Москве, где была куплена Александром III для своей коллекции.

    Полотно Иркутского музея - уменьшенное повторение одноименной картины 1888 года, находящейся ныне в Русском музее. Вот что писал об этом Д.В. Поленов, сын художника: «Оно (полотно Иркутского музея) было сделано потому, что купивший картину Александр III разрешил везти ее в Москву, а для дальнейшего путешествия по провинции велел сделать с нее копию. Копию сделал С.А. Коровин, писавший фигуры и пейзаж, а лица - сам В.Д. Поленов. Происходило это в Москве, в доме С.И. Мамонтова».

     В 1885 году Поленов исполнил угольный рисунок на холсте в размер картины (музей им. В.Д. Поленова), «который он оставил в таком виде и не стал записывать красками, потому что считал законченной вещью».

Тивериадское озеро


 Василий Поленов. Тивериадское озеро

 Василий Поленов.  Монастырь над рекой

Перов Василий Григорьевич. Портрет художника А.К.Саврасова

До весны еще ой как далеко! Но когда речь заходит о замечательном русском пейзажисте Алексее Кондратьевиче Саврасове, тотчас всплывает в памяти название его картины Грачи прилетели, а также некоторые подробности последних лет жизни художника. Иногда встретишь утверждение, что ничего лучшего Грачей живописец в последующие годы не создал. И как-то опускается, что были у А.К. Саврасова и другие достойные картины, что преподавателем он был незаурядным, что… Что же касается Грачей, то ведь вполне логичен напрашивающийся вопрос: «А можно ли создать в пейзаже вообще что-то превосходящее эту картину?» Равновеликое, но иное можно. И создавалось. Но определение «превосходящее» здесь не уместно.

Алексей Саврасов. Живопись. Грачи прилетели. 1871

Живопись, как и большинство видов деятельности человека, имеет этапы «подспудного» развития. До А.К. Саврасова русские художники писали вненациональные пейзажи (наверное, не совсем верное утверждение, требующее уточнения). В 1871 году на первой экспозиции Товарищества передвижных художественных выставок (1871) картинами Грачи прилетели А.К. Саврасова и Оттепель Ф.А. Васильева было положено начало новому направлению в пейзажной живописи — русскому лирическому пейзажу. Можно сказать, что после саврасовских Грачей многие отечественные художники обратились к среде обитания простолюдина. «…Саврасов радикально отказался от отношения к пейзажу как красочному сочетанию линий и предметов.

Алексей Саврасов. Живопись. Радуга. 1875

Он избирал уже не исключительно красивые места сюжетом для своих картин, а, наоборот, старался отыскать в самом простом и обыкновенном те истинные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо действуют на душу. С Саврасовым появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле». Так сказал ученик об учителе. И. Левитан о А. Саврасове...

Алексей Саврасов. Живопись. Весна. Провинциальный дворик, 1880-1890-е

Он особенно остро ощущает своеобразие ранней весны, когда деревья еще оголены; осень и зима содержат для него также много чарующе-притягательного. Поэтому излюбленным для художника остается мотив обнаженных стволов и сучьев, их изгибы и переплетения. Тоненькая сетка ветвей, прозрачная и легкая на фоне голубого неба, в «Грачах» говорит о готовящемся весеннем обновлении природы. Доминирующее в картине лирическое настроение преображает и придает особую поэтичность, казалось бы, простому, неприхотливому мотиву. Из воспоминаний художникаКонстантина Алексеевича Коровина, ученика Саврасова: "Большого роста, с сильной и мощной фигурой, этот величайший артист с умным и добрым лицом производил впечатление отеческой искренности и доброты. Он, как многие русские, любил своих учеников всем сердцем и душой - его мастерская была свободнейшим учреждением всей Школы, он был контрастом строгих классов, фигурного и натурного, преподавателей которых сильно побаивались... Саврасов, этот был отдельно. Часто я его видел в канцелярии, где собирались все преподаватели. Сидит Алексей Кондратьевич, такой большой, похож на доброго доктора - такие бывают. Сидит, сложив как-то робко, неуклюже свои огромные руки, и молчит, а если и скажет что-то - все как-то не про то - про фиалки, которые уже распустились, про то, что вот уже голуби из Москвы в Сокольники летают..."

Алексей Саврасов. Живопись. Осень. Деревушка у ручья, 1870-е.

Алексей Саврасов. Живопись. Осенний лес. Кунцево. Проклятое место, 1872

Алексей Саврасов. Живопись. Осень, 1871

Алексей Саврасов. Живопись. Зимний пейзаж, 1871

Алексей Саврасов. Живопись. К заутрене. Морозная ночь.
1880-1890-е

Алексей Саврасов. Живопись. Зимний пейзаж. Оттепель. 1890-е

Алексей Саврасов. Живопись. Зима. 1873

Алексей Саврасов. Живопись. Сельское кладбище в лунную ночь.1887

Алексей Саврасов. Живопись. Дворик. Зима. 1870-е

Алексей Саврасов. Живопись. Сухарева башня. 1872

Алексей Саврасов. Живопись. Зимняя дорога.
1870-е

Алексей Саврасов. Живопись. Скоро весна, 1874

Алексей Саврасов. Живопись. Ранняя весна, 1880-1890-е

Алексей Саврасов. Живопись. Сосновый бор на берегу реки, 1890-е

Алексей Саврасов. Живопись. Украинский пейзаж, 1849

Алексей Саврасов. Живопись. После дождя, 1880-е

Алексей Саврасов. Живопись. Село Болгары.1872

Алексей Саврасов. Живопись. Село Болгары. Малый минарет и развалины Белой палаты, 1872-1874

Алексей Саврасов. Живопись. У ворот монастыря.
1875

Алексей Саврасов. Живопись. Вид Киева с Днепра на Печерскую лавру, 1852

Алексей Саврасов. Живопись. Дубки, 1850-е

Алексей Саврасов. Живопись. Лето

Несмотря на большое количество лирических пейзажей, Саврасов никогда не замыкался в рамках интимной лирики. Его влечет к себе и более широкий, безбрежный мир, размашистое дыхание которого ощущается во всех предидущих  картинах художника.

Алексей Саврасов. Живопись. Бурлаки на Волге, 1871

И все же во всех  картинах Саврасова улавливается безграничное веяние весны, того самого чистого, только что пробужденного мира...

Алексей Саврасов. Живопись. Вид на Московский Кремль. Весна, 1873

Таинственным, эмоционально волнующим предстает перед зрителем творчество украинской народной художницы Марии Приймаченко . В ее декоративных росписях, кажется, сконцентрировался художественный дар многих поколений народных мастеров, донесших до нас из глубины веков свои представления о прекрасном и безобразном, о добре и зле.
Родилась Мария Приймаченко в 1908 году в с. Болотня на Киевщине. Детство ее  было омрачено страшной болезнью – полимиелитом. Это наложило на судьбу девочки особый отпечаток: она росла серьезной и внимательной, любящей природу и все живое, сострадательной и доброй. Рисовать начала рано. Расписывала хаты – свою и соседей.
Талант Приймаченко был замечен. Часто так случается, что яркие народные таланты открывают профессиональные художники. В судьбе Марии Приймаченко таким первооткрывателем стала Татьяна Флору. В 1936 году народную художницу приглашают в экспериментальные мастерские при Музее украинского искусства в Киеве – своеобразную школу народного творчества. Мария Приймаченко работает много и плодотворно: рисует, вышивает, расписывает керамику.
Мария Приймаченко принимает участие в выставке народного искусства 1936 года и награждается дипломом 1-й степени. С тех пор ее работы с неизменным успехом экспонируются на выставках – отечественных и зарубежных. Сама же художница почти безвыездно живет в своем селе. Именно Болотня с ее природой, ее бытом, ее традициями наложила отпечаток на творчество Марии Приймаченко. Оно представляет собою феномен удивительного сплава конкретного, фантазийного и, наконец, подсознательного. Нередко образы рождаются во сне, а уже потом воплощаются в картинах. Связи творчества Марии Приймаченко с наидревнейшим искусством несомненны. В ее композициях находят свое воплощение идущие из недр народной мифологии образы фантастических зверей и птиц. Ее творчество – это сгусток эмоциональных впечатлений от преданий, легенд, от самой жизни. За ним ощущается огромная школа народного искусства, многовековая культура украинского народа.
Мир сказочный и таинственный властно влечет Марию Приймаченко. Взаимодействие зверей, птиц, растений так органично, так естественно, так прекрасно в ее творчестве. Философия добра выступает в нем как категория содержания. Однако как противодействие, противоборство добру в ее работах появляется зло. Если прообразы "добрых" зверей и птиц почти всегда легко угадываются – львы, медведи, зайцы, аисты, ласточки, то "зло" – сила химерная и неузнаваемая. Но и здесь художница прибегает к своему излюбленному приему "очеловечения" – фантастические звери у нее с большими глазами, отороченными ресницами.

По сложности композиции и одновременно гармоничности особое место в творчестве Марии Приймаченко занимают сюжетные картины. В них сказка и быль, фантазия и реальность сплавлены в единый организм, в котором воплощена мысль о великом единстве Природы. Люди в этих картинах эпически спокойны и полны достоинства.
Общечеловеческая тема борьбы добра и зла проходит через все творчество Приймаченко. Добро у нее всегда побеждает. Тема радости бытия соединяется у нее с темой печали (во многих работах изображается украшенная цветами и рушниками могила).

В 1986 году художница создала работы, в которых нашла свое отражение экстремальная ситуация в жизни нашего народа – авария на Чернобыльской АЭС. Так вновь трансформируется в ее творчестве тема борьбы светлых и темных сил.
Общечеловеческое значение творчества Марии Приймаченко состоит в том, что оно связывает истоки древнейшей культуры с современностью. Мир ее образов необычайно притягателен.

Васильки в синей вазе. 1962

Девушка-украинка. 1965

Красные маки.  1982

Лесной павлин. 1962

Подсолнух жизни. 1963

Свадьба. 1982

Птица. 1962

Сватает Иван Галю. 1972

Праздник. 1972

Сидит баба на печи, прядет кудель. 1969

Конь стоит грустит.1962

Подсолнухи с пчелами.1962
Свадьба.1971

Калиновая роща.1967

Молодой медведь по лесу ходит.1971

Парень пашет .1972

Годы мои молодые, придите ко мне в гости.1969

Украинские танцоры.1963

Жар-птица в цветах.1962
Медведи на пасеке.1965

Русский инок Григорий (в миру Георгий Иванович Круг) совмещал молитвенное предстояние Богу с послушанием иконописания.

Он родился в Петербурге в 1909 году. В 1921 году переехал в Эстонию, окончил гимназию в Нарве, одновременно учился живописи и графике в Таллине, затем поступил в художественную школу в Тарту и наконец совершенствовался в этом искусстве в парижской Академии Художеств под руководством художников Милиоти и Сомова. Позднее у Георгия Ивановича определилось призвание к иконописанию. Технику его он изучал у известного в то время иконописца Федорова.

Иноком Григорием за его сравнительно недолгую жизнь было написано очень много: несколько иконостасов, отдельные иконы, фрески в разных храмах. Он всегда придерживался лучших традиций древней иконописи.

Его письму принадлежат фрески и часть иконостаса в храме Трехсвятительского Подворья в Париже, Его решение весьма оригинально: в грубой кладке сделаны фресковые изображения, словно прорыв из грубой материальности этого мира в Царство Небесное. иконостасы в Святодуховском скиту, в одном из православных храмов в Англии, в детском летнем лагере в Нормандии, в одном из православных храмов в Голландии. У нас в России находится образ Казанской Божией Матери, подаренный о. Григорием церковно-археологическому кабинету Московской Духовной Академии, несколько икон находится в России у частных лиц - образ Господа Вседержителя и другие. Таков далеко не полный перечень написанного о. Григорием.

Все знания по иконописанию и характеристике икон инок Григорий записал  в своей книге  "Мысли об иконе".

http://www.wco.ru/biblio/books/krug1/Main.htm

Последние годы инок Григорий почти безвыездно жил и работал в Святодуховском скиту.

Умер 12 июня 1969 г. во Франции. По особому распоряжению французских властей похоронен в ограде Храма-скита Св. Духа близ ст. Куаньер за Версалем.

Казанская икона Божией Матери

Икона из Меснил-Сен-Дени (скита Святого Духа).
Размер иконы 25x33.

Святая Троица

Роспись церкви преподобного Серафима Саровского, Монтгерон, Франция.

Спас Нерукотворный

Роспись Парижской церкви Трех Святителей.

Спас Нерукотворный

Россия. Частная коллекция

Преображение Господне.

ИВАНОВ Александр Андреевич (1806-1858) – живописец, один из представителей русского классицизма. Учился в Петербургской Академии художеств, у своего отца А.И. Иванова и в классе А.Е. Егорова. В 1830 как пенсионер побывал в Италии, Австрии и Германии. В 1831 жил в Риме. За картину Явление Христа Марии Магдалине (1834-1836),

посланную в Петербург в качестве пенсионерского отчета, был удостоен звание академика. В 1837-1857 трудился над главной своей картиной Явление Христа народу...

Разумом не осознать этот нечеловеческий труд - два десятка лет у необъятного, как мир, холста. Но Иванов не Бог. И ему нужны дни и часы раскрепощения. В такие минуты является Николай Васильевич Гоголь. Писатель и художник подружились мгновенно. Лихо драпируясь в широкий романтический плащ и, подобно своему герою Чичикову, питая слабость к ярко-пестрым жилетам, Гоголь ходит с Ивановым повсюду, смешит Александра Андреевича лукавыми хохлацкими побасенками, подкармливает в местных ресторациях, потчует разносолами собственного приготовления. Совершенно разные, они удивительно дополняют друг друга. Немногословие художника весьма устраивает красноречивого Николая Васильевича. При этом Гоголь отмечает: "Как умеет слушать Иванов - всем своим существом!"

Иванов слушает Гоголя, как пророка грядущего Христа, как поэта Божьей милостью. И однажды, упросив позировать, вставляет своего гениального друга в смятенную толпу "Явления" в роли весьма неоднозначной. Вглядитесь в картину, и вы увидите: схожий с Гоголем человек стоит ближе всех ко Христу.

Уезжая из Рима, Гоголь свел Иванова с семьей графа Апраксина, сыгравшей в жизни художника роковую роль. Дочь Апраксиных Мария пленила сердце старого уже художника, и он позволил себе "забыться". Безродный бедняк и вечный пенсионер возомнил, что юная аристократка тоже неравнодушна к нему. И, кажется, был недалек от истины: Мария действительно влюбилась в его творческий гений и чистую душу. Во избежание скандала девушку тут же выдали за ровню - князя Мещерского.

В 1858 г., когда были исчерпаны окончательно все средства к жизни, художник решил возвратиться в Петербург, с тем, чтобы там продать картину, на вырученные деньги осуществить, давно задуманное, путешествие на Восток и затем окончательно поселиться в Москве, которая, как думал Иванов, рано или поздно снова должна стать центром русской жизни. Но мечтам его не суждено было сбыться. Картина – главное дело его жизни встречена прохладно, не оценена, нет и намека на ее приобретение. Всего шесть недель прожил он в Петербурге. Через несколько часов после его смерти лакей из придворной конторы принес пакет: царь за недорогую цену решил купить “Явление Христа народу”....Ивановское полотно стало прототипом великой картины, изменившей судьбу молодого художника Чарткова в гоголевской повести "Портрет". В свою очередь в образе живописца Гоголем в произведении выведен художник А.Иванов.

Эпилог

Сам же Гоголь писал, что великое творение, такое как “Явление Христа”, растит, воспитывает, создает самого художника: за годы работы его талант, натура становятся глубже, значительнее – нужно нравственно, идейно подниматься до своего замысла.

Работа над этой картиной стала синонимом творческой деятельности художника. В письме отцу он ясно сообщает свой план: «Я бы хотел, чтобы без рассказов были понятны мысли, в нем помещенные. Иоанна я представлю с крестом, чтобы каждый вдруг понимал, что это Иоанн... Сзади Иоанна  ученики его, из коих некоторые были впоследствии Христовыми. ...я представил подле Иоанна Крестителя молодого Иоанна апостола и евангелиста, а далее Андрея, брата Петрова; я постараюсь обоим дать типы, изобретенные Леонардо да Винчи в «Вечери тайной»… На этой стороне картины стоит в воде дед со внуками; далее молодой человек, сходящий в воду, оглянулся к громкому гласу, вопиющему в пустыне...» Потом художник перечисляет фигуры одну за другой. В этом перечислении еще отсутствуют зажиревший богач и измученный неволей раб. Композиция картины превосходно продумана и выявлена. Здесь Иванов следовал своему собственному стремлению. Фигуру Христа он обособил, поставил отдельно от остальных участников события. Люди, собравшиеся на берегу Иордана, разделяются на жаждущих получить избавление и на тех, кто не желает обновления. Мы видим, что одни и другие смешаны в толпе. В истории искусства это единственный случай, когда автор до такой степени проникся одной темой. Все силы и материальные и духовные сосредоточил он на своей картине. Из проведенных в Италии двадцати восьми лет по крайней мере около десятка лет художник потратил на нее. Общий характер отдельных персонажей можно определить как состояние ожидания чего-то лучшего, как упование на то, что это лучшее приведет к уничтожению зла. Отсюда вытекало убеждение, что душевные порывы людей получат удовлетворение и этим утвердится правда на земле.

На выставке в Русском музее в честь 200-летия со дня рождения Гоголя центральное место в экспозиции занимают  два наиболее известных прижизненных портрета Гоголя - работы Моллера и Иванова....

Портрет работы Ф. Моллера. Рим, 1841 г.

Портрет А.А. Иванова. 1841 г.