Джаз на протяжении своей истории никогда не был популярной музыкой, им восхищались лишь те, кто действительно чувствовал его душой. На этот счет хорошо ответил Луи Армстронг, которого спрашивали "Что такое джаз?". Он сказал "Если вы спрашиваете, то вам этого никогда не понять".

Широкоизвестная легенда гласит, что джаз родился в Новом Орлеане, откуда на старых колесных пароходах добрался по Миссисипи до Мемфиса, Сент-Луиса и наконец до Чикаго. То, что Новый Орлеан — колыбель джаза, подтверждают и грамзаписи. Все без исключения джазовые пластинки, записанные и неграми и белыми до 1924, а может быть, даже и до 1925 года, сделаны музыкантами из Нового Орлеана. Но, возможно, самое убедительное свидетельство в пользу того, что родина джаза — Новый Орлеан, заключается в характере самого города. Новый Орлеан не похож ни на один город США. Основанный в 1718 году Жаном-Батистом Ле Муаном, с первых своих дней он стал крупным городом американского Юга, неся в себе в значительно большей степени черты франко-испанской, чем англосаксонской культуры. Его духовной родиной была Франция. Для города был характерен дух свободы, выражавшейся, помимо прочего, в любви к развлечениям и увеселениям. Новый Орлеан часто называли Парижем-на-Миссисипи, и он всем стилем своей жизни подтверждал это название. Итак, в период между 1895 и 1910 годами в Новом Орлеане сложилась большая группа музыкантов, игравших самую различную музыку — блюзы, регтаймы, марши, популярные в быту песни, попурри на темы из оперных увертюр и арий, собственные оригинальные пьесы. Армстронг впоследствии часто включал в свои импровизации фрагменты популярных оперных мелодий. Как правило, цветные креолы не играли блюзы, предпочитая им классическую музыку, а негров, напротив, влекла музыка «грубая», насыщенная рег-ритмами и синкопами, близкими их родному фольклору. Эти два направления постепенно сливались: марш, регтайм, уорк-сонг, блюз — европеизированная африканская музыка и африканизированная европейская музыка — все варилось в одном котле. И вот однажды из этой мешанины возникла музыка, доселе неведомая, ни на что не похожая, — музыка, которой за три последующих десятилетия предстояло покинуть улицы Нового Орлеана, увеселительные заведения и танцзалы и завоевать весь мир.

С открытием Сторивилла быстро выросло количество оркестров новоорлеанского джаза, а их чернокожие исполнители из прежних музыкантов-любителей превратились в профессионалов. Сложившийся в Новом Орлеане либеральный дух способствовал широкой популяризации музыки новорлеанских чернокожих пионеров в среде белого населения Нового Орлеана. Следствием этого стал процесс интенсивного образования белых оркестров, имитирующих стиль своих чёрных земляков. В 1913 году при участии лучших белых пионеров джаза в Новом Орлеане возникает знаменитый «Оригинал Диксиленд Джаз Бэнд».Трубач Ник Ла Рока становится его лидером. Правда в те годы слово «джаз» ещё не вошло в употребление и вышеприведённое название этот ансамбль получил позднее, в 1917 году, когда он дебютировал в Нью-Йорке, где в рекорд-студии фирмы Victor были сделаны исторические записи, открывшие счёт обширному архиву джазовых пластинок и дисков. Ядро оркестра составили Ник Ла Рокка (корнет), Эдди Эдвардс (тромбон) и Генри Рагас (рояль).

Джoзеф «Кинг» Oливер (1885 Новый Орлеан ― 1938) — американский джазовый корнетист и дирижёр. Начинал обучение музыке как тромбонист, примерно с 1907 года играл в разных духовых и танцевальных оркестрах, а также участвовал в небольших негритянских группах в барах и кабаре Нового Орлеана. В 1918 году он перебрался в Чикаго, где через два года собрал свой первый оркестр. В 1922 году коллектив под названием «King Oliver’s Creole Jazz Band» начал выступать в зале Lincoln Gardens. Подобно многим джазовым корнетистам новоорлеанского периода, Оливер играл в мелодическом стиле преимущественно в квадратной ритмике (в противоположность ритмической свободе молодого Армстронга и его последователей). В игре Оливера встречались различные эффекты, заимствованные из блюзового вокала, он часто использовал сурдины разных форм, изменяя тембр своего инструмента.
Оливер выступал почти исключительно со своим коллективом и хорошо справлялся с обязанностями лидера. Успех Креольского оркестра во многом обеспечила строгая дисциплина, которой Оливер требовал от музыкантов. Из всех корнетистов раннего новоорлеанского периода только Оливер делал записи, и возрождение этого стиля, начавшееся вскоре после кончины музыканта, обязано именно ему.
Джозеф Оливер родился 11 мая 1885 года в бедной семье. Мать Вирджиния Джонс работала поварихой на хлопковой плантации. . Отец Натан Оливер по одним источником был рабочим, по другим данным — церковным проповедником. В детстве в результате несчастного случая Оливер ослеп на один глаз (впоследствии при игре на музыкальном инструменте Оливер любил надвинуть на больной глаз котелок, чтобы никто не обращал внимания на его дефект). В 15 лет после смерти матери приехал в Новый Орлеан, работал поденщиком и осваивал корнет, а также тромбон. Примерно в то же время Оливер начал играть в одном из местных духовых оркестров, в период формирования раннего джаза Оливер выступал в известных негритянских и креольских ансамблях Нового Орлеана. В начале 1910-х годов он работал в Сторивилле и в разное время играл практически со всеми новоорлеанскими пионерами джаза. К 1915 году его уже считали одним из ведущих джазменов города. С 1907 года Оливер вовсю зарабатывал музыкой, играя в различных оркестрах: в Olimpia Band (1911—1914), в оркестре Кида Ори (1914—1917), а также в Eagle Band, Onward Band и Magnolia Band. В 1915 году вместе с Сиднеем Беше собрал собственную группу и в 1918 году переехал в Чикаго, где добился огромного успеха, выступая в клубе Royal Gardens и кабаре Lincoln Gardens. В 1917 году в связи с вступлением Соединенных Штатов в Первую мировую войну власти объявили Новый Орлеан стратегически важным городом и под этим предлогом закрыли увеселительные заведения, дававшие работу многочисленным музыкантам. Из-за этого началась мощная миграция музыкантов на север, в первую очередь в Чикаго, где к началу 1920-х годов сконцентрировались лучшие музыкальные силы, как из Нового Орлеана, так и из других городов США. Типичным примером таких ансамблей и стал собранный Кингом Оливером коллектив Creole Jazz Band. В 1922 году молодой Луи Армстронг по приглашению Оливера начал работать в Creole Jazz Band вторым корнетистом. Сам Армстронг позднее говорил об Оливере, как о своём учителе, и называл его «Папа Джо». Имея в своем составе новоорлеанских знаменитостей — кларнетиста Джонни Доддса, его младшего брата ударника «Бэби» Доддса, чикагскую молодую и образованную пианистку Лил Хардин, тромбониста Оноре Дютре и контрабасиста Уильяма Мануэля Джонсона, бэнд исполнял образцы импровизационного новоорлеанского джаза. Оркестр, в котором мастерски использовались переклички двух труб, записал такие хиты, как «Mabel’s Dream», «Dippermouth Blues», «Chimes Blues» и «Canal Street Blues». Позже к Оливеру присоединились Барни Бигард, Джимми Нун и Альберт Николас, и вместе с ними в 1928 году оркестр записал еще несколько хитов — «Someday Sweetheart», «Dead Man Blues» и «West End Blues».

После переезда с Creole Jazz Band в Нью-Йорк Кинг Оливер допустил крупный просчёт, оказавший роковое влияние на всю его дальнейшую жизнь: он отказался от регулярных выступлений в Cotton Club, клубе, который позднее стал трамплином к известности оркестра Дюка Эллингтона.
В середине 1930-х популярность Кинга Оливера стала сходить на нет. Из-за пристрастия к сладостям у него развилась болезнь зубов, в связи с чем мастерство владения корнетом и тромбоном стало ухудшаться. Помимо этого Великая депрессия повлияла на финансовое положение Оливера: банк, в котором находились его деньги, обанкротился, в результате чего Оливер был вынужден устроиться уборщиком и швейцаром в казино Wimberly’s Recreation Hall.
По некоторым данным у Оливера развился артериосклероз, и, будучи неспособным оплачивать лечение, он скончался от внутримозгового кровоизлияния в городе Саванна 8 апреля 1938 года. Музыканта похоронили на кладбище Вудлон в Нью-Йорке, где покоятся также многие из джазовых последователей Кинга Оливера: Коулмен Хоукинс, Лайонел Хэмптон, Уильям Кристофер Хэнди, Макс Роуч и Майлс Дейвис.
В 2007 году Кинг Оливер был посмертно введён в Зал Славы Ричмонда.

Henry Red Allen (1908-1967) - Трубач, один из героев 30-х годов. Принято считать, что его искусные мелодические импровизации предвосхитили творчество таких трубачей, как Рой Элдридж и Харри Суитс Эдисон. Дон Эллис сказал: "Рэд Аллен — один из самых волнующих творческих джазменов всех времен".
В детстве в Новом Орлеане играл в духовом оркестре отца, в котором, кстати, работали Сидней Беше, Кинг Оливер и Луи Армстронг. В 1923 вошел в оркестр кларнетиста Джорджа Льюиса, в 1925 — в бэнд Джона Хэнди, в 1926 — в состав Фэтса Марейбла. В 1927 был вторым трубачом Кинга Оливера (первоначально это было место Армстронга). В 1929 приехал в Нью-Йорк, чтобы работать в оркестре Луиса Рассела (бывший пианист бэнда Оливера) и стал известен благодаря записям именно с этим составом. В 1933–34 — приглашенный солист в оркестре Флетчера Хендерсона, в 1937–40 — в составе Blue Rhythm Band, в 1937–40 — в оркестре Луи Армстронга. В 1940 собрал секстет и завоевал огромную популярность, работая в клубах Нью-Йорка, Бостона и Чикаго. Его хиты 40-х годов — Canal Street Blues, Ride, Red Ride. В 50–60-е годы сотрудничал со многими музыкантами традиционного джаза, выступал на фестивалях в Америке и Европе.

Эдвард Кеннеди (Дюк) Эллингтон (1899 — 1974) — пианист, аранжировщик, композитор, руководитель оркестра, представитель джазового искусства. Посмертно награждён Пулитцеровской премией.
Эллингтон был великим композитором — экспериментатором и новатором в музыке XX века. Он сам однажды сказал в интервью:
«Я чертовски непостоянен. Я никогда не могу остановиться на том, что я сделал, мне всегда хочется попробовать сделать что-то новое.»
Его творческий путь был полон открытий. Он создает то стиль джунглей, то стиль настроения, то обращается к академическим европейским музыкальным формам — сюитам, рапсодиям, балету и опере.
Его оригинальные оркестровые произведения оказали большое эстетическое воздействие на развитие культуры 20-го века.
Каждый значительный джазовый оркестр прямо или косвенно испытал на себе его влияние.
Эллингтон изменил роль контрабаса, тенора и баритон-саксофона в биг-бэнде.
Он впервые начал использовать человеческий голос как инструмент.
Положил начало латиноамериканскому джазу композицией «Caravan».
У Дюка Эллингтона, в отличие от многих его чернокожих соотечественников, было вполне счастливое детство. Его отец Джеймс Эдвард был дворецким и некоторое время служил в Белом доме. Позже работал копировщиком в Военно-морских силах.
Мать была глубоко верующей и хорошо играла на пианино. Поэтому религия и музыка сыграли большую роль в его воспитании.
Мальчика окружали достаток, покой и родительская любовь. Мать давала ему уроки игры на фортепиано. С семи лет Эллингтон занимается с учителем музыки, а, примерно, с 11 лет сочиняет музыку самостоятельно.
Затем приходит увлечение рэгтаймом и танцевальной музыкой. Свою первую композицию, в стиле рэгтайм, «Soda Fountain Rag» Эллингтон написал в 1914 году.
Несмотря на музыкальные успехи, Эллингтон обучается в специализированной школе по прикладным наукам и собирается стать профессиональным художником.
Выигрывает конкурс на лучшую рекламную афишу города Вашингтон. Работает плакатистом. Однако музыку не забывает, совершенствует технику игры на пианино, изучает теорию гармонии. Удовольствие рисовать и работать с красками проходит. Отказывается от предложенного места работы в институте Пратта по прикладному искусству.
В конце концов, в 1917 году он решает стать профессиональным музыкантом. Проходит неофициальное обучение у известных вашингтонских музыкантов. Руководит местными ансамблями. 2 июля 1918 года женится на Эдне Томпсон. 11 марта 1919 года у Дюка Эллингтона рождается сын Мерсер Эллингтон. В 1919 году Дюк знакомится с Сонни Гриром, барабанщиком первого эллингтоновского бэнда.
В 1922 году происходит первый выезд в Нью-Йорк Эллингтона, Грира, Хардвика (соседа Дюка) на краткий ангажемент. В Нью-Йорке Эллингтон берет неофициальные уроки у признанных мастеров фортепиано Джеймса П. Джонсона и Уилли Лайона Смита. В 23 года Эдвард Кеннеди Дюк Эллингтон начинает играть в квинтете «Вашингтонцы» (Washingtonians), руководство над которым он постепенно берет в свои руки. Ансамбль состоял из его друзей — барабанщика Сонни Грира, саксофониста Отто Хардвика, трубача Артура Уэтсола.
От друзей из-за любви к щёгольской одежде Эллингтон получает прозвище 'Duke' (герцог). Осенью 1923 года ансамбль Эллингтона отправляется в Нью-Йорк, получает ангажемент в клубе «У Бэррона» в Гарлеме, а затем на Тайм Сквер в «Hollywood Club» (позднее его переименовали в «Kentucky Club»).
В 1926 году Эллингтон знакомится с Ирвингом Миллсом, который становится менеджером всех дел Дюка на продолжительный период. После нескольких сезонов работы в Kentucky Club ансамбль преобразуется в оркестр из десяти человек, и с 4 декабря 1927 года закрепляется в престижном гарлемском клубе «Cotton Club». Появляются известные композиции Дюка «Creole Love Call» и «Black & Tan Fantasy», «The Mooche» и др.

В 1929 году оркестр выступал в ревю Флоренца Зигфельда. Регулярные радиотрансляции из «Cotton Club» программ оркестра делают Эллингтона и его оркестр известными.
В феврале 1931 года оркестр Эллингтон открывает первый концертный тур.
В том же 1931 году инструментальная версия одного из его стандартов «Mood Indigo», опубликованная лейблом Victor, становится очень популярной.
1932 год. Оркестр Эллингтона дает концерт в Колумбийском университете.
Композитор нацеливается на более сложные музыкальные сюжеты. Работает над «Creole Rhapsody». В 1931-33 годах становятся популярными его пьесы «Limehouse Blues» и «It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)» с вокалом Айви Андерсон (Ivie Anderson). За три года до официального начала эпохи свинга Дюк Эллингтон уже, фактически, заложил фундамент нового стиля. Важными вехами на этом пути стали темы 1933 года — «Sophisticated Lady» и «Stormy Weather» (автогры Harold Arlen and Ted Koehler).
Большой успех приносят гастроли в Европе(1933). Оркестр выступает в лондонском «Палладиуме», происходят встречи Дюка с принцем Уэльским, герцогом Кентским.
Затем выступления в Южной Америке (1933) и тур по Соединенным Штатам (1934). Репертуар в основном составляют композиции Эллингтона. В тот момент в оркестре играют саксофонисты Джонни Ходжес, Отто Хардвик, Барни Бигард, Харри Карни, трубачи Кути Уильямс, Фрэнк Дженкинс, Артур Уэтсол, тромбонисты Трикки Сэм Нэнтон, Хуан Тизол, Лоренс Браун. Эллингтона называют первым подлинно американским композитором, а его свинговый стандарт «Caravan», написанный в соавторстве с тромбонистом Хуаном Тизолем (Juan Tizol), обходит весь мир. 1938 год знаменателен совместным выступлением с музыкантами филармонического оркестра в нью-йоркском отеле «Сен-Реджис». Мастерство композитора и музыканта получает признание не только у критиков, но и у таких выдающихся академических музыкантов, как Игорь Стравинский и Леопольд Стоковский.
В годы Второй мировой войны Эллингтон создает ряд больших инструментальных пьес. 23 января 1943 года выступает с концертом своих произведений в знаменитом Карнеги-Холле (Carnegie Hall), где проходит премьера «Black, Brown and Beige». Весь сбор средств от концерта идет в помощь Красной Армии.

По окончании войны, несмотря на закат эпохи биг-бэндов, Эллингтон продолжает гастролировать со своей новой концертной программой. Сборы от выступлений, начавшие постепенно падать, он пополняет гонорарами, которые получает как композитор. Это позволяет сохранить оркестр. Начало 50-х — самый драматичный период в жизни эллингтоновского бэнда. Чувствуя снижение интереса к джазу, из оркестра один за другим уходят «ключевые» музыканты. На несколько лет Дюк Эллингтон уходит в тень. Однако, уже летом 1956 года происходит триумфальное возвращение на большую сцену на джазовом фестивале (англ.)русск. в Ньюпорте. Композитор снова попадает в фокус, его фотография украшает обложку журнала «Time», он подписывает новый контракт с Columbia Records. Первый релиз — концерт «Ellington at Newport» — стал самым удачным и продаваемым альбомом в карьере музыканта. Дюк Эллингтон снова становится востребованным концертным исполнителем. Маршруты его гастролей расширяются, и осенью 1958 года артист снова объезжает Европу с массированным концертным туром. Дюка представляют королеве Елизавете и принцессе Маргарет на фестивале искусств в Англии. В 1961и 1962 годах Эллингтон записывается вместе с Луи Армстронгом, Каунтом Бэйси, Коулменом Хокинсом, Джоном Колтрейном и другими выдающимися мастерами джаза.

Последние годы (1965—1975 С середины 60-х композитор 11 раз уходил с церемонии награждения Grammy победителем.
В 1965 году премия достается ему в номинации «лучший большой джазовый ансамбль» за альбом «Ellington '66». Трек «In the Beginning, God» отмечается в 1966 году как лучшая джазовая композиция. Бэнд выступает в Белом доме, на Виргинских островах и снова в Европе. Выступает с Бостонским симфоническим оркестром. В 1966 и 1967 годах Эллингтон проводит две серии европейских концертов с Эллой Фицджеральд. Со своим коллективом отправляется в продолжительный тур по Ближнему и Дальнему Востоку. С этим турне совпало издание пластинки «Far East Suite», которая принесла своему автору победу в номинации «лучший большой джазовый ансамбль».
С такой же формулировкой Эллингтон унес Grammy с церемонии 1968 года за альбом «And His Mother Called Him Bill». Этот альбом композитор посвятил своему коллеге и близкому другу Билли Стрейхорну, который умер в 1967 году.
Прием в Белом доме в 1969 году по случаю 70-тилетия Дюка. Вручение ордена Свободы президентом Ричардом Никсоном. Новое европейское турне. В Париже в честь семидесятилетия Дюка Эллингтона был устроен банкет, на котором его приветствовал Морис Шевалье.
До последних месяцев жизни Дюк Эллингтон много ездил и концертировал. Его удивительные выступления, наполненные вдохновенными импровизациями, привлекали не только многочисленных слушателей, но и получали высокую оценку профессионалов.
В 1973 году врачи диагностировали у него рак легких. В начале 1974 года Дюк Эллингтон заболел пневмонией. Через месяц после своего 75-летнего юбилея, рано утром 24 мая 1974 года, Эдвард Кеннеди «Дюк» Эллингтон ушёл из жизни. Газеты всего мира опубликовали известие о его кончине на первых полосах. Заголовок некролога в «Нью-Йорк таймс» гласил:
«Дюк Эллингтон, магистр музыки, крупнейший композитор Америки скончался в возрасте семидесяти пяти лет».
Президент Никсон выступил с заявлением, в котором говорилось:
«Тонкость, глубина, изящество и вкус, вложенные Эллингтоном в его музыку, сделали его в глазах миллионов людей у нас и за рубежом виднейшим композитором Америки. Память о нем будет жить в грядущих поколениях, в музыке, которую он подарил своему народу».
В редакционной статье воскресного выпуска газеты «Таймс» говорилось:
«В лице Дюка Эллингтона американский джаз завоевал заслуженное уважение и признание». Похороны, состоявшиеся 27 мая на кладбище Вудлон в Бронксе (Нью-Йорк), широко освещались. «Он был любим во всем мире и всеми слоями общества. Его любили французы и немцы, англичане и ирландцы, арабы и евреи, индусы и пакистанцы, атеисты и католики. Он был одновременно изысканным, простым, весёлым, терпимым, позитивным, ироничным, непосредственным, как ребёнок, и искренним христианином. Он был прирождённым аристократом, который прекрасно знал, как вести себя в обществе. Он был величайщим новатором в своей области и, в то же время, парадоксальным консерватором, он строил новые вещи на основе старого и презирал преходящую моду» - говорил Стэнли Дэнс, биограф Дюка Эллингтона.

Картер Беннет Лестер - американский джазовый музыкант (саксофон, кларнетист, труба, фортепиано), композитор, аранжировщик, руководитель оркестра.
Будущий мастер импровизаций на альт-саксофоне, композитор и аранжировщик родился 8 августа 1907 г. в Нью-Йорке. Его настоящее имя – Беннет Лестер Картер. Первые уроки музыки Картер получил от матери, которая играла на фортепиано. Мальчик достаточно рано понял, что сам хочет играть не на клавишных, а на духовых инструментах. Он сам скопил деньги на трубу, а затем приобрел и саксофон. В 1920-е годы Бенни Картер выступал со многими джазовыми оркестрами, занимался аранжировками.
В 1932 г. в Нью-Йорке музыкант организовал собственный оркестр, в который пригласил звезд свинга - Чу Берри, Тудди Уилсона, Сида Катлита и Дики Уэллса.
Через несколько лет Картер уехал в Европу – сначала он играл в Париже с оркестром Вилли Льюиса, а затем был приглашен в Великобританию в качестве аранжировщика для танцевального ансамбля BBC. На родину он вернулся в 1938 г., чтобы сотрудничать с Бенни Гудменом, Каунтом Бейси, Дюком Эллингтоном и Гленном Миллером.
В 1940-х годах начался взлет карьеры Картера-аранжировщика. За свою жизнь Бенни создал тысячи аранжировок для кино и телевидения, а также для ведущих вокалистов – Билли Холидея, Эллы Фитцджеральд, Луи Армстронга, Рэя Чарльза и многих других.
Бенни Картер играл для своего однофамильца – президента США Джимми Картера и его «коллег» – Джорджа Буша-старшего и Билла Клинтона. За вклад в джазовое искусство музыкант и аранжировщик получил три премии Грэмми. Свою деятельность концертирующего музыканта, композитора и аранжировщика продолжал до конца 70-х годов. Оказал большое влияние на джазовых музыкантов нескольких поколений.

Джoнни Доддс (1892 — 1940) — американский кларнетист, один из первых сольных джазовых исполнителей на этом инструменте.
В раннем возрасте Доддс приехал в Новый Орлеан, где обучался игре на кларнете у Лоренцо Тио. На ранних этапах своей творческой карьеры играл в разных небольших джазовых оркестрах. В 1920 году его пригласил в свой оркестр Джозеф Оливер. Доддс переезжает в Чикаго.
После распада оркестра Оливера в 1924 году Доддс периодически участвует в небольших ансамблях, в том числе в знаменитых «Горячей пятёрке» и «Горячей семёрке» Луи Армстронга и «Горячих красных перцах» Джелли Ролла Мортона. С начала 1930-х годов из-за усилившейся болезни Доддс почти прекратил выступления.
Доддс — один из крупнейших джазовых музыкантов новоорлеанского периода. Его игру отличали высокий профессионализм, виртуозное владение инструментом и мягкое, отчасти блюзовое звучание. Творчество Доддса оказало влияние на последующие поколения джазовых кларнетистов, в частности, на Бенни Гудмена.
Дискография музыканта включает в себя несколько десятков альбомов, записанных во второй половине 1920-х годов.

Bailey Mildred (урожденная Ринкер, Rinker) («Mrs. Swing»; «Rockin» Chair Lady») (1907- 1951), американская джазовая певица (свинг). Способности к пению проявила с юных лет. В 1929 была приглашена в этот оркестр Пола Уайтмена в качестве солистки. В 1931 познакомилась с Кеннетом Норвиллом («Редом» Норво), который принимал участие как ксилофонист в радиоконцертах уайтменовского оркестра, и в 1933 стала его женой. Через год оба ушли от Уайтмена, совместно руководили собственным ансамблем (октетом, состав которого Норво со временем расширил до биг-бэнда). С 1939 Бэйли концертировала с различными биг-бэндами. В 1940-е гг. много работала на радио, организовала серию шоу-программ. B 1950 вынуждена была прервать музыкальную деятельность из-за тяжелой болезни, которая оказалась неизлечимой. В историю Милдред Бэйли вошла как первая известная «белая» певица в джазе (в действительности по происхождению метиска, имеет предков-индейцев). Превосходно владела выразительными средствами блюза и джаза, обладала природным чувством свинга (за это получила прозвище «Миссис Свинг»). Индивидуально своеобразный тембр ее высокого сильного голоса (сопрано), экспрессивная интонация, динамичный бит — качества, благодаря которым она получила широкое признание в среде музыкантов и любителей джаза. Ее преемницей была Билли Холидей.

Russell Luis (1902 — 1963), американский джазовый пианист, аранжировщик. В 1930-е гг. стал известен как руководитель оркестра, с которым выступал и записывался Луи Армстронг.
Его отец — музыкант, играл в церкви на органе и руководил хором. Луис учился играть на гитаре, фортепиано и скрипке, с 15 лет был тапером в театрах и пианистом в местных оркестрах. В 1919 выиграл в лотерею 3 тысячи долларов, переехал в Новый Орлеан и начал выступать в клубах. В 1923 присоединился к Альберту Николасу, затем к Фредди Кеппарду и Джимми Нуну (1925, Чикаго), Кингу Оливеру (1925). В 1927 после неудачных гастролей с Оливером возглавил оркестр в нью-йоркском клубе «Nest», пригласив Альберта Николаса, Генри «Рэд» Аллена, Омера Симеона и Пола Барбарена. В 1935-43 постоянно сопровождал Луи Армстронга. В 1944-48 руководил новым оркестром в танцевальном зале «Savoy», после чего ушел из музыкального бизнеса, открыл в Бруклине магазин сувениров, работал таксистом и изредка давал уроки игры на фортепиано, изучая для своего удовольствия теорию музыки Шиллингера. В 1959 навестил родителей в Панаме и дал концерт классической музыки в церкви.

Эдди Ланг (Eddie Lang) - американский джазовый гитарист, считающийся отцом джазовой гитары, оказавшим большое влияние на многих гитаристов. Сальваторе Массаро (Salvatore Massaro) родился 25 октября 1902 года и был сыном итало-американского производителя музыкальных инструментов в Филадельфии, штат Пенсильвания. Сначала он брал уроки игры на скрипке в течение 11 лет. К началу 1918 года Массаро играл профессионально на скрипке, банджо и гитаре. Он работал с различными группами на северо - востоке США, работал в Лондоне (с конца 1924 по начало 1925), затем поселился в Нью-Йорке. Точно не известно, когда Сальваторе Массаро взял себе псевдоним Эдди Ланг, под которым стал известен любителям джаза. Ланг был первым важным джазовым гитаристом. Он был в состоянии эффективно интегрировать гитару в джазовые записи 1920-х годов. В 1929 году он присоединился к оркестру Пола Уайтмана (Paul Whiteman), и его можно увидеть и услышать в фильме «Король джаза». Когда Бинг Кросби (Bing Crosby) ушёл от Уайтмана, Ланг гастролировал с Кросби в качестве его аккомпаниатора. Их можно увидеть вместе в фильме «Большая трансляция» (1932, Big Broadcast). Эдди Ланг умер после тонзиллэктомии в Нью-Йорке 26 марта 1933 года в возрасте тридцати лет. Эту операцию Лангу сделали по настоянию Кросби, чтобы Эдди мог озвучивать роли в фильмах Кросби. Голос Ланга был хронически хриплым, и он надеется, что операция исправит эту ситуацию. Неясно точно, что послужило причиной смерти, скорее всего неконтролируемое кровотечение сыграло свою роль. Автор Джеймс Саллис утверждает, что Ланг умер под наркозом, не приходя в сознание.
В 1977-м запись Ланга "Singin' the Blues" с Фрэнки Трамбауэром и его оркестром при участии корнетиста Бикса Байдербека была введена в Зал славы Grammy. В 1986 году Ланг был введен в Big Band и джазовый Залы славы.

Hines Earl («Папа», «Papa») (полное имя Хайнс Эрл Кеннет, Hines Earl Kenneth) (1905 — 1983), один из величайших американских пианистов в истории джаза. Подражая Луи Армстронгу, создал на фортепиано так называемый «стиль трубы». Прозвище «папа» сохранилось за ним со времен участия в чикагских радиопрограммах, где его именно так представляли слушателям.
Отец играл на трубе в EUREKA BRASS BAND, мать — органистка. Мальчиком играл на корнете в духовом оркестре, с 9 лет занимался на фортепиано в Питтсбурге и родители мечтали сделать его концертирующим классическим пианистом. Уже в школе собрал джазовое трио, а профессиональный дебют состоялся в 1922 в Чикаго, где он аккомпанировал вокалистам и работал в оркестре Кэрола Диккерсона вместе с Луи Армстронгом. Первый успех принесли записи c «Горячей семеркой» Армстронга (1927-28), запомнилиcь соло Хайнса в хитах West End Blues, My Monday Date. В 1927 играл со знаменитым трубачом в чикагском «Sunset Cafe», а в конце 1928 собрал свой первый бэнд для выступлений в танцевальном зале «Grand Terrace», откуда велись прямые трансляции и пианист сам представлял свои программы. В 1947 Хайнс возглавил один из клубов Чикаго, но через год принял приглашение Армстронга и вошел в ансамбль ALL STARS. В 1951 покинул своего кумира, с которым отношения были не совсем гладкими. «Меня хотели видеть в роль сайдмена, а не равноправного партнера», — скажет он позже. В1950-е гг. работал в клубах Калифорнии (почти всегда становился их владельцем), регулярно вел радиопередачи и изредка собирал биг-бэнды. В 1964 вернулся на большую сцену, собрав септет (труба, тромбон, 2 саксофона, контрабас и ударные). Через год был выбран в символический «Зал славы», а весь 1966 гастролировал в Европе (в том числе и в СССР). В 1970-е гг. выступал с сольными программами, участвовал в крупнейших фестивалях.

William Henry “Chick” Webb (1909 – 1939) - джазовый барабанщик, руководитель оркестра. Прозвище «Малютка» (англ. Chick) получил за свой небольшой рост (130 см). Не зная нот, он был бэнд-лидером одного из лучших оркестров Эры Свинга - он просто помнил наизусть все аранжировки. Чик Уэбб родился и вырос в Балтиморе, штат Мэриленд. В раннем детстве в результате падения он повредил несколько позвонков, оставшись из-за этого карликом-горбуном. Врач посоветовал родителям трёхлетнего Уилли позволить мальчику игру на барабанах в качестве лекарства для одеревеневших суставов. Уильям с готовностью исполнил предписание, яростно колотя по всем горшкам, банкам и сковородкам в доме. В своем родном городе Балтиморе он зарабатывал продажей газет и, купив свои первые ударные, начал играть на улице. Игре обучался самостоятельно. В его джаз-бэнде начинала свою карьеру Элла Фицджеральд. В двадцать два года Уэбб переехал в Нью-Йорк и через пару лет стал руководителем джаз-бэнда. Заручившись поддержкой Дюка Эллингтона, Уэбб играет в танцевальных клубах Нью-Йорка. В 1930 году он активно гастролирует и начинает выступать в легендарном «Савое», который с 1931 года становится родным домом для его оркестра.
Уэбб стал уникальным барабанщиком — как руководитель оркестра, он продвигает новое звучание свинга. В «Савое» проводились «Битвы джаз-бэндов», где оркестр Чика Уэбба часто брал вверх над соперниками. Как, например, в известном соревновании с оркестром Бенни Гудмена на звание «Короля Свинга».
В 1935 году Чик буквально удочерил юную певицу Эллу Фицджеральд, взяв её в свой джаз-бенд вокалисткой. Большим успехом в 1938 году стал их совместный хит «A-tisket, A-tasket».
Умер в 1939 году после обострившейся болезни туберкулёза. После его смерти джаз-бэнд возглавила Элла Фицджеральд.