1920—1940-е годы

Начиная с весны 1920 года, сразу после изгнания белых, в Архангельске приступили к муниципализации домов, владельцами которых были лица, сотрудничавшие с прежним режимом или просто считавшиеся богатыми. Домовладельцам разрешалось оставить в личном пользовании лишь один дом из числа ранее имевшихся. Во владении Писаховых после смерти главы семейства, купца Григория Михайловича, находилось два дома: первый — на Троицком проспекте, второй — на Поморской улице. Первый дом сразу же перешёл в собственность города, а владельцами второго оставались Степан Григорьевич и Серафима Григорьевна. В 1921 году к ним без согласия хозяев подселили квартирантов, к тому же Писаховых не устраивал установленный горсоветом крайне низкий размер платы за наём^[7].

В 1920-м, после окончательного установления в Архангельске советской власти, Писахов начинает активно работать. В 1920–1921 годах он подготовил 5 своих выставок. Губисполком поручает ему приведение в порядок музеев Архангельска. По заданию московского Музея Революции делает зарисовки мест боёв с интервентами на Севере, а для Русского музея — зарисовки памятников архитектуры на Мезени и Пинеге. Осенью 1920 года участвует в комплексной экспедиции в Большеземельскую тундру. В 1923 году Писахов ведёт сбор материалов для этнографической экспозиции Севера на первой Всесоюзной сельскохозяйственной и кустарно-промысловой выставке в Москве.

Писахов Степан Григорьевич

(13 (25) октября 1879, Архангельск — 3 мая 1960, там же) — русский писатель, этнограф, сказочник и художник, преподаватель живописи. Известен главным образом историями из жизни поморов.

Биография

Детские годы

Отец писателя, еврей Год Пейсах, мещанин Шкловского общества Могилёвской губернии, крестился в православие и стал Григорием Михайловичем Писаховым. Отчество Михайлович он получил от крёстного отца — архангельского мещанина Михаила Прохорова. В Архангельске Григорий Писахов женился, записался в купеческую гильдию.

Живопись

Большая часть жизни Степана Писахова была отдана живописи. Рисовать Писахов начал ещё в раннем детстве. Писахов обучался в Училище технического рисования барона Штиглица, посещал частной студии Якова Гольдблата, занимался у итальянских мастеров, совершенствовал своё мастерство в Свободной академии в Париже. Таким образом, он был знаком с художественной жизнью Петербурга и европейских культурных центров. Но главной темой работ Степана Писахова оставался Русский Север^[10].

В творчестве Писахова Русский Север характернее всего отражён в беломорских пейзажах, большинство из которых было написано на Кий-острове близ Онеги, куда художник выезжал в 1910-е годы почти ежегодно на несколько месяцев. Бывал он там и позднее, в конце 1940-х годов, будучи уже в преклонном возрасте^[10].

В его картинах беломорского цикла — ощущение бесконечности мироздания. Природа раскрывается перед человеком, сливается с его существом. Картины просты по сюжету: камни, берег моря, сосны, среди которых выделяется одна — высокая и сильная. Особый свет: серебристый зимой и золотисто-жемчужный летом. Удивляет умение показать бесчисленное множество оттенков белого. Возможно именно потому, что Писахов в разное время года, суток, в разные годы жизни так часто повторял один и тот же мотив, он и сумел создать запоминающийся образ северного пейзажа, который часто называли «писаховские сосенки»^[10].

Внешний облик и характер Писахова

Писахов был чрезвычайно интересной личностью. Знаменитые литераторы, приезжая в этот город, непременно заходили в деревянный двухэтажный дом на улице Поморской, в котором жил писатель^[10]. Сам Писахов говорил, что для приезжих он стал обязательным «объектом» посещения при знакомстве с Архангельском: «Сначала осматривают Архангельск, потом меня»^[2]. Дети воспринимали Степана Григорьевича как живого персонажа из сказки^[10].

Интересующимся его жизнью Степан Григорьевич, как правило, рассказывал о себе одно и то же, но зато давал факты эффектные, поражающие необычностью. Перекочёвывая из одного очерка в другой, они придавали образу сказочника особую колоритность. Большинство ранних работ о Писахове написано его собратьями по перу — писателями и журналистами. Писатель Илья Бражнин, который уехал из Архангельска в 1922 году, пишет, что Писахов уже тогда «был живой исторической достопримечательностью Архангельска». Борис Пономарёв, журналист, историк северной литературы, который был знаком с Писаховым более четверти века, признавался, что помнит его только таким^[6].

Биограф Степана Писахова Ирина Пономарёва, которая общалась со многими людьми, хорошо помнящими Писахова, отмечала: «Каждому казалось, что он может рассказать о нём много. Все начинали рассказывать с большой охотой и даже с энтузиазмом. К удивлению рассказчиков, их повествование оказывалось хоть и живописным, но кратким»^[2].

Гиперборея. Ведическая Русь в картинах Всеволода Иванова

Всеволод Иванов. Гнев Богов.

Легенда о древней Гиперборее, это один из самых спорных и интригующих вариантов альтернативной истории. Быль это или сказка можно спорить, но Всеволод Иванов верит в неё всем сердцем. Странные Боги, стада одомашненных мамонтов и языческие обряды Ведической Руси – так видит художник мифическую культуру наших северных предков.

Всеволод Иванов. Борей - ветер возмездия.

Из-за чего свел счеты с жизнью официальный живописец наполеоновских побед:

Гро Антуан-Жан

(фр. Antoine-Jean Gros; 16 марта 1771, Париж — 26 июня 1835, Мёдон) — французский художник-академист, который снискал известность изображениями побед наполеоновской армии и внёс, таким образом, заметный вклад в формирование героического мифа о Наполеоне.

 <= Портрет Гро работы Ф.-П-.С. Жерара

В июне 1835 года из реки Сены в окрестностях городка Медон выловили тело мужчины. Проведенное расследование установило личность и обстоятельства, которые привели к этому печальному происшествию. Погибший оказался художником Антуаном-Жаном Гро, официальным живописцем Наполеона I. Пережив своего главного заказчика и работодателя на четырнадцать лет, Гро свел счеты с жизнью – когда осознал, что изменил делу своей жизни.

Карьера вопреки Революции

Михаил Врубель: трагедия гения

Художник за работой. Фото 1898 года

17 марта 2021 года знаменательная дата — 165 лет со дня рождения выдающегося отечественного художника XIX века Михаила Александровича Врубеля. Кто он? Гений, пытавшийся познать истины мироздания, или безумец, одержимый демоном? Творения художника и по сей день вызывают вопросы и противоречивые чувства, от восхищения до недоумения.

Семья и детские годы

Семейство Врубелей берет истоки от российского дворянского рода польского происхождения (от польского слова wrobel — воробей). Будущий отец художника, Александр Михайлович, строевой офицер, участник Кавказской кампании и Крымской войны, женился на дочери астраханского губернатора, Анне Григорьевне Басаргиной.

Михаил Александрович Врубель родился 17 марта (по старому стилю 5 марта) 1856 года вторым ребенком (всего в семье было 4 детей) в Омске, где служил отец.

В три года Михаил пережил большую трагедию: умерла его мать от чахотки. Сам же ребенок имел слабое здоровье.

После смерти супруги, Александр Михайлович с детьми переехал в Астрахань, где спустя 4 года женился повторно на талантливой пианистке Елизавете Христиановне Вессель.

Вы не поверите, что это скульптуры, а не живые люди, скульптор Кэрол Фейерман

Привет всем любителям искусства! С вами художник Александр Одинцов. Несколько лет назад я побывал в Венеции. И там, прогуливаясь по парку я увидел издалека девушку, сидящую на высоком кубе. Я подумал - что это такое? Как она туда попала и почему сидит неподвижно? Но подойдя поближе я понял, что это вовсе не девушка, это была гиперреалистичная скульптура. И дотого это было невероятно правдоподобно, что издалека нельзя было понять, что это не человек! Позже я узнал, что эти скульптуры создает Кэрол Фейерман. Сегодня я хотел бы рассказать вам об этой великолепной художнице.

Гиперреалистичная скульптура Кэрол Фейерман в Giardino della Marinaressa на Венецианской биеннале 2017. Фото автора

Кэрол Фейерман американский скульптор и художник родилась в 1945 году. Она является всемирно известным и признанным скульптором, новатором в мире гиперреалистической скульптуры. Вместе с Хэнсоном и ДеАндреа она стала одним из трех первооткрывателей этого движения в искусстве в 1970-х годах, создавая реалистичные скульптуры.

• царствующая персона в мире гиперреализма, Фейерман заняла почетное место в истории искусства.

искусствовед Джон Спайк

Гиперреалистичная скульптура Кэрол Фейерман в Giardino della Marinaressa на Венецианской биеннале 2017. Фото автора

Плодотворная карьера Кэрол охватывает более четырёх десятилетий и четырёх континентов. Она провела огромную работу в студии и в публичной сфере. Объединяя традиционные скульптурные материалы из стали, бронзы и смолы, с нетрадиционными средами, такими как вода, свет, звук и видео, Фейерман создаёт гибридные произведения сложной энергии и психологии.

Гиперреалистичная скульптура Кэрол Фейерман в Giardino della Marinaressa на Венецианской биеннале 2017. Фото автора

20 лет работы коту под хвост. Почему публика так и не оценила грандиозное полотно художника Александра Иванова?

Александр Иванов (1806–1858) — русский художник, чьё имя ассоциируется с одной главной картиной — «Явление Христа народу». Двадцать лет напряжённой работы, огромное полотно длиной 7,4 метра и высотой в 5,4 метра, отдельный зал для экспозиции в Третьяковке. Эту картину видели, наверное, все любители живописи, кто хоть раз был в Третьяковке — безучастно пройти мимо неё невозможно. ​

Явление Христа народу

Не было в русской живописи столь монументальных полотен, написанных с подобной тщательностью и вниманием к деталям. Впрочем, Иванов написал и другие картины — например, портрет Гоголя, и даже этюды в стиле НЮ, практически впервые в русской живописи среди русских художников — до этого как-то не принято было писать подобные «срамные» картинки. Академист Генрих Семирадский тут скорее исключение, да и рисовать он начал с 1865 года, уже после смерти Иванова.

Впрочем, все работы Иванова, по сути дела, являлись лишь подготовкой и этюдами к главному делу в жизни — написание «Явление Христа народу». Об этой картине мы и поговорим.

Сорок квадратных метров холста, великолепно проработанная композиция, реалистичные позы и жесты изображённых на ней персонажей — зачастую на картинах художников-академистов они были напыщенными и театральными. Даже сам Иванов не избежал в своих ранних работах подобного впечатления, как, например, на картине «Братья Иосифа находят чашу в мешке Вениамина».

«Братья Иосифа находят чашу в мешке Вениамина»

Но всё это было для самого Иванова напрасным. Титанический труд, дело всей жизни, всё это не принесло результаты, на которые рассчитывал художник. Почему так, давайте разбираться.

Зачем Рафаэль написал зеленый занавес сверху на картине “Сикстинская мадонна” и по какой причине эту картину сослали в провинциальную Пьяче 

Рафаэль Санти (1483-1520) — выдающийся итальянский художник эпохи Высокого Возрождения, новатор живописи, один из первых художников начавший писать масляными красками и создавать сложные многофигурные композиции, он удивительно гармонично соединял восхищение красотой человеческого тела, столь характерного для античности и христианскую мораль. Его Мадонны — воплощение кротости и христианской добродетели, но при этом они прекрасны и удивительно красивы. За свою недолгую жизнь — 37 лет Рафаэль Санти стал одним из самых известных богатых и уважаемых художников Италии, картинами которого восхищались все любители искусства.

Рафаэль Санти. Автопортрет.

Рафаэль писал легко и непринуждённо, творчество доставляло ему радость, он не мучился как Микеланджело во время работы над росписью Сикстинской капеллы, не задавался излишними вопросами как Леонардо да Винчи, для которого написание картин было схоже с поиском тайны, которую он так и не смог до конца разгадать.

Одна из лучших работ Рафаэля Санти «Сикстинская мадонна» была написана в 1513 году. Ей восхищался Фёдор Достоевский, именно про неё он и сказал своё знаменитое выражение «красота спасёт мир». Жуковский высказался ещё поэтичнее: «гений чистой красоты». Так-то эта фраза принадлежит ему, а не Пушкину, хоть великий русский поэт и очень ловко использовал её в стихотворении посвящённом Анне Керн.

Но ведь и было чем восхищаться — творчество Рафаэля на протяжении веков приводило в восторг всех художников, писателей и поэтов. Это квинтэссенция классической живописи, образец для подражания. Но почему именно Сикстинская мадонна считается одной из лучших картин Рафаэля и вообще мировой живописи, что в ней такого особенного? Постараемся разобраться в этой статье.

Сикстинская Мадонна

Композиция Сикстинской мадонны для своего времени была достаточно новаторской и интересной. Мадонна изображена в полный рост и идёт к зрителю, так создаётся полное ощущение, что она нисходит с небес и ни у кого не возникает сомнений, что это действительно Мадонна, а не просто женщина с ребёнком. Раньше художники писали несколько иначе — часто Мадонна с ребёнком просто сидела в центре картины на фоне обычного пейзажа, а по бокам располагались святые, которые вели между собой неспешную беседу как, к примеру, на картине Якопо д’Антонио Негретти.