Давид — мраморная статуя работы Микеланджело, впервые представленная флорентийской публике на площади Синьории 8 сентября 1504 года. С тех пор пятиметровое изваяние стало восприниматься как символ Флорентийской республики и одна из вершин не только искусства Возрождения, но и человеческого гения в целом. В 1873 году во избежание порчи от воздействия осадков и выветривания статуя была перенесена в один из залов Академии изящных искусств. Её место на площади Синьории заняла в 1910 году копия.
Статуя, предназначенная для кругового обзора, изображает обнажённого Давида, сосредоточенного на предстоящей схватке с Голиафом. В этом сюжете состояло иконографическое новшество, поскольку Вероккьо, Донателло и прочие предшественники Микеланджело предпочитали изображать Давида в момент торжества после победы над гигантом.
Юноша готовится к бою с превосходящим его по силе врагом. Он спокоен и сосредоточен, но мышцы его напряжены. Брови грозно сдвинуты, в них читается нечто устрашающее. Через левое плечо он перекинул пращу, нижний кончик которой подхватывает его правая рука. Свободная поза героя — классический пример контрапоста — уже подготавливает смертоносное движение.
Подобно другим ренессансным изображениям ветхозаветных персонажей, «Давид» не обрезан, что расходится с иудейской традицией. В XX веке власти Иерусалима отказались принять у флорентийцев слепок со статуи, поскольку та изображает героя израильского народа в облике итальянца XVI века.

>

«Оплакивание Христа» — первая и наиболее выдающаяся пьета, созданная Микеланджело Буонарроти. Это единственная работа скульптора, которую он подписал.
Фигуры Девы Марии и Христа были высечены 24-летним мастером из мрамора по заказу французского кардинала Жана Билэра для его гробницы. В XVIII веке статуя была перенесена в одну из капелл базилики святого Петра в Ватикане.
В 1972 году на статую напал со скальным молотком австралийский геолог венгерского происхождения Ласло Тот, кричавший, что он Христос. После реставрации статуя была установлена за пуленепробиваемым стеклом справа от входа в собор.
Микеланджело переосмыслил в духе высокого гуманизма традиционное для северной готики скульптурное изображение безжизненного Христа на руках матери. Мадонна представлена им как совсем юная и прекрасная женщина, которая скорбит об утрате самого близкого ей человека. Фигуры трактованы как единое целое, их соединение поражает слитностью. Вместе с тем скульптор тонко противопоставляет мужское и женское, живое и мёртвое, нагое и прикрытое, вертикальное и горизонтальное, чем вносит в композицию элемент напряжения. «Пьета» послужила образцом для последующих трактовок этого иконографического сюжета. По степени законченности и проработки деталей «Пьета» превосходит почти все прочие скульптурные произведения Микеланджело.

«Моисей» — мраморная статуя ветхозаветного пророка высотой 235 см, которая занимает центральное место в скульптурной гробнице папы Юлия II в римской базилике Сан-Пьетро-ин-Винколи. Над этой скульптурой с 1513 по 1515 годы работал Микеланджело. По бокам от Моисея стоят фигуры Лии и Рахили, выполненные учениками великого мастера.
«Моисей» представляет собой фрагмент грандиозного замысла гробницы Юлия II, который не осуществился из-за финансовых трудностей наследников понтифика. Первоначально гробницу предполагалось установить в базилике св. Петра. Скульптор выполнил для неё ещё несколько фигур, в том числе «Восставшего раба» и «Умирающего раба», которые не вошли в окончательную версию гробницы из-за изменившегося масштаба.
Ощущение скрытой мощи передано за счёт обуздания объёмной плотности, отказа от массивных выпуклостей, которые характеризовали раннее творчество Микеланджело.
Пророк изображён с рожками вследствие неверного перевода нескольких строчек библейской книги «Исход». В тексте на иврите сказано, что израильтянам было трудно смотреть в лицо Моисея, так как из него исходили лучи света. Однако, слова лучи и рога на иврите пишутся одинаково. В данном конкретном случае после слова лучи стоит слово свет, то есть это словосочетание нужно перевести однозначно как «лучи света».
Колоссальная духовная сила ветхозаветного героя выражена пластическим языком, который по мощи и богатству принадлежит к высшим достижениям изобразительного искусства.

Работы Микеланджело украшают лучшие соборы Италии, самые известные музеи и галереи мира. Искусствоведы постоянно "находят" все новые работы скульптора, который никогда не считал нужным подписывать свои работы (подписал лишь одну). На сегодняшний день известно о 57 скульптурах Микеланджело, из которых около 10 безвозвратно утрачены.
Особенностью Микеланджело было то, что он участвовал в создании своих скульптурных шедевров на всех стадиях, начиная с выбора мраморной глыбы и перевозки ее до мастерской. Мастер никому не доверял даже простейших транспортировочных и погрузочных работ. Он уже в огромной глыбе видел свое произведение и относился к ней, как к хранилищу будущего шедевра.
Микеланджело считал скульптуру, а не живопись, привилегированным средством самовыражения и творчества. В основном, первыми произведениями, выполненные художником, являются скульптуры, поскольку рисунок служил для обучения, а через скульптуру он мог воплотить свои идеи в форме.
Среди ранних работ скульптора достоверно его авторство установлено лишь у нескольких. Среди них фигура "Бахуса". Бог вина и веселья изображен умиротворенно пьяным. Сопровождающий героя сатир тихонько хихикает за спиной разгульного божества. В работе чувствуется некоторая несмелость автора, не слишком хорошее знание анатомии, условность пропорций. Несмотря на явные формальные погрешности, молодому Микеланджело удалось создать гармоничный образ, очень пластичный и впечатляющий.
«Мадонна Брюгге» — мраморная статуя Мадонны с младенцем Христом, высотой 128 см, выполненная Микеланджело Буонарроти в 1501-04 гг. вскоре после завершения работы над ватиканской «Пьетой». Это единственная статуя Микеланджело, которая еще при его жизни была вывезена из Италии, чтобы украсить церковь Нотр-Дам в ткаческой столице Европы — городе Брюгге.
Тондо Таддеи - круглый мраморный барельеф, созданный Микеланджело ок. 1504 −1506 гг., с 1830 года произведение входит в коллекцию Королевской академии художеств в Лондоне. Скульптура изображает сидящую Деву Марию с маленькими Иисусом и Иоанном Крестителем. Иисус вытянулся на коленях матери через всю плоскость тондо, и оглядывается через правое плечо на Иоанна, который стоит над ним и протягивает ему птичку. Иисус кажется испуганным, а его мать задумчиво, с легкой улыбкой наблюдает за их игрой. Здесь центральной фигурой является сам ребенок, а не Мадонна.
«Лоренцо II Медичи» - мраморная статуя, изображающая Лоренцо II Медичи, герцога Урбинского, созданная Микеланджело в течение 1526—1534 гг. Статуя входит в композицию надгробия Лоренцо II Медичи в капелле Медичи.
Созданные в период с 1513 по 1519 г. для надгробия папы Юлия II две статуи рабов - «Умирающий раб» и «Скованный раб», (обе - 1513-1516, Лувр, Париж), задуманные как противопоставление прекрасного и сильного юноши, пытающегося разорвать путы, столь же прекрасному юноше, бессильно повисающему в них.

Микеланджело принес Сикстинской капелле славу, не сравнимую ни с чем. Здесь до сих пор ощущается присутствие этого человека, чьё сознание могло вместить, а рука исполнить невероятный замысел, сохраненный на сводах капеллы. В течение многих лет великий Микеланджело с неизмеримым упорством продолжал свой труд. В то время свод представлял собой небесную сферу, усыпанную звездами, и Микеланджело был специально вызван в Рим папой Юлием Вторым для выполнения росписи этого огромного пространства свода. Микеланджело работал над фресками капеллы с 1508 по 1512 годы. Его тяга к величественному, монументальному, пожалуй, нигде не получила столь яркого воплощения как в фигурах Пророков и Сивилл. Средний пояс свода украшают девять сцен из Книги Бытия, среди которых всемирно известная фреска Сотворение Человека.
Это самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения. Микеланджело трудился один, без помощников. В организации росписи мастер расчленил потолок написанными арками и двумя продольными арками, выделив в средней части плафона девять полей, поместив в них сцены из Ветхого Завета, первой части Библии. В ней повествуется об истории человечества до пришествия Христа.
Во всех изображениях росписи Микеланджело воспел силу, мужество и красоту совершенного человека. Таков у него и Адам, а Бог-творец — это тот, кто вносит порядок в хаос, устраивая материальный мир по началам разума и гармонии. Большие фигуры пророков и сивилл составляют незабываемую галерею образов, олицетворяющих разнообразные чувства, действия, эмоции.
Четверть века спустя, между 1536-1541 годами, Микеланджело вернулся в Сикстинскую капеллу, на этот раз уже при папе Павле Третьем Фарнезе. Его новая огромная фреска «Страшный суд» занимает всю алтарную стену капеллы. Для её создания пришлось отказаться от двух фресок, написанных Перуджино, и замуровать два огромных стрельчатых окна. Микеланджело в отрицании всех канонов изобразил Христа с поднятой вверх правой рукой. Жест, отделяющий праведников от грешников, выступает смысловым центром композиции. Следуя божественной воле, праведники воспаряют в Рай, грешники низвергаются в Ад.

Микеланджело мог познакомиться с техникой фрески в мастерской Гирландайо, где он обучался около 1487—1488 годов. В то время Гирландайо работал над фресками в капелле Торнабуони во флорентийской церкви Санта-Мария Новелла. Однако в течение долгих лет Микеланджело не практиковался в ней, работая как скульптор, а не живописец. Тем не менее Микеланджело взялся выполнить заказ, вероятно, желая показать, что не отступит перед трудностями и не побоится неизбежных сравнений с великими флорентийскими мастерами, рядом с которыми он сформировался как художник. Всё указывает на то, что Микеланджело принял поручение не так уж неохотно.
Микеланджело построил «летящие» леса — настил, опирающийся на крепления, вмонтированные с помощью нескольких небольших отверстий в стены, около верха окон. Такой тип лесов позволял работать сразу по всей ширине свода. К тому же не было необходимости в опорах, располагавшихся на полу, что экономило древесину и не препятствовало использованию часовни для проведения служб.
Вопреки распространённому утверждению, согласно которому художник был вынужден работать лёжа, Микеланджело стоял на лесах, запрокинув голову далеко назад. Трудности работе добавляло плохое освещение. Несколько лет, проведённых под сводом капеллы, пагубно отразились на здоровье Микеланджело: он страдал артритом, сколиозом и инфекцией ушей, развившейся из-за краски, попадавшей на лицо.
Каждый день укладывался слой штукатурки такой площадью, какую мог записать художник за один день. Микеланджело рисовал по влажной штукатурке, используя технику отмывки для покрытия широких областей цветом, затем, после высыхания поверхности, он повторно проходил эти области, добавляя оттенки и прорисовывая детали.
Главная тема цикла — доктрина потребности человечества в Спасении, даруемом Богом через Иисуса. Открыт вопрос самостоятельно ли художник разработал иконографию свода, исследователи также задаются вопросом насколько нашло отражение в этой работе собственное духовное и психологическое состояние Микеланджело.
Центр плафона Микеланджело отвёл истории Адама и Евы. Первый эпизод из центральной группы — Сотворение Адама — одно из наиболее знаменитых изображений в истории мировой живописи. Микеланджело выбрал момент, когда Бог протягивает руку Адаму, передавая ему жизнь. Энергичное движение Создателя, окружённого свитой, подчёркнуто необыкновенно гармоничной позой первого человека на Земле.
На парусах сводов с обеих сторон и в торцах капеллы Микеланджело поместил самые большие фигуры: двенадцать персонажей, олицетворяющие предвидение будущего Спасения: семь пророков Израиля и пять сивилл Древнего Мира, их имена значатся на табличках под постаментами. Пророк Иона изображён над алтарём, пророк Захария — у входа в капеллу.
Сивиллы — пророчицы, жившие в храмах по всему Древнему миру. Считается, что сивиллы, изображённые Микеланджело, предсказывали рождение Христа.

Хотя Микеланджело при своём пристрастии к пластике придавал колориту второстепенное значение, тем не менее колорит у него силен и гармоничен, Фресковую живопись Микеланджело ставил выше масляной и последнюю называл женской работой.
Скрытный и необщительный, Микеланджело мог обходиться без преданных друзей и до 80 лет не знал женской любви. Искусство он называл своею возлюбленной, картины – своими детьми. Только на закате жизни Микеланджело встретил знаменитую красавицу-поэтессу Витторию Колонну и горячо полюбил ее. Это чистое чувство вызвало появление стихотворений Микеланджело, которые были потом изданы в 1623 г. во Флоренции. Жил Микеланджело с патриархальной простотой, много делал добра, был, вообще, ласков и мягок. Только наглость и невежество он карал неумолимо. С Рафаэлем был в хороших отношениях, хотя и не был равнодушен к его славе.

Начало темы "Пуссен на марках разных стран" см. рубрика "Художники разных стран-1".

"Жизнь Пуссена отражена в его творениях и так же красива и благородна, как и они. Это прекрасный пример для всех, кто решил посвятить себя искусству". /Эжен Делакруа/
"Моя натура влечет меня искать и любить вещи, прекрасно организованные, избегая беспорядочности, которая мне так же противна, как мрак свету". /Никола Пуссен/











На марках:

1.1 Автопортрет. 1650. Париж. Лувр.
1.2 Мидас и Бахус, 1625. Мюнхен. Старая Пинакотека.

2.1 Мидас моется в ручье Пактолус. Нью-Йорк. Метрополитен.
2.2 Вознесение Девы Марии. 1650. Париж. Лувр.
2.3 Музы: Мельпомена, Эрато и Полимния. Париж. Лувр.
2.4 Святое Семейство со св. Елизаветой и св. Иоанном Крестителем. 1655. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж.

3. Венера, Сатир и Купидон. 1528. Париж. Лувр. Картина художника Корреджо. На марке ошибочно приписана Пуссену.
4. Венера, Фавн и путти. 1630-е. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж.

5. Оплакивание Христа. 1657. Дублин. Национальная галерея.

6. Чудо Святого Франциска Ксаверия. 1641. Париж. Лувр.

7. Суд Соломона. 1649. Париж. Лувр.

8. Венера в эскорте Энея. 1639. Руан. Музей искусств.

9. Святое семейство на ступенях. 1648. Вашингтон. Национальная галерея.

10. Моисей защищает дочерей Иофора (рисунок). Париж. Лувр.

Редко какому художнику удалось создать стиль, который бы стал носить его имя. Это удалось итальянскому художнику Микеланджело Меризи да Караваджо (1573–1610). Караваджизм — это стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником его считается Караваджо. Он один из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени. В караваджизме характерен интерес к точной передаче особенностей натуры, подчёркнутый реализм в изображении предметов. Важная роль уделяется объёму, а именно свету и тени в картине — контрастному освещению фигур, выдвинутых на передний план. Искусство Караваджо оказало огромное влияние на творчество не только многих итальянских, но и ведущих западноевропейских мастеров XVII века. Через этап караваджизма прошли П. П. Рубенс, Д. Веласкес, Рембрандт, Ж. де Латур.













1. Давид с головой Голиафа. 1606-1607. Вена. Музей истории искусств.
Караваджо в бегах. У него снова проблемы з законом. Но в этот раз все иначе – он разыскивается по обвинению в убийстве. И он делает то же, что обычно, то что умеет лучше всего – пишет картины, в том числе и эту. Самое поразительное то, что безжизненная голова гиганта с текущей из перерезанного горла кровью, - это автопортрет художника. Существует объяснение необычного решения - Караваджо отослал картину в Рим вместе с просьбой о помиловании, и отрубленная голова грешника-автора - это жест покаяния.

2. Юдифь и Олоферн. 1598. Рим. Палаццо Барберини.
Согласно легенде, Олоферн был полководцем армии Навуходоносора, вторгшейся в Иудею. Вавилоняне осадили город Ветилую, в котором жила целомудренная и богобоязненная молодая вдова Юдифь. Надежды для горожан не было никакой. Надев красивые одежды и взяв с собой служанку, она отправилась в стан врага и сделала так, что Олоферн проникся к ней доверием. Когда в один из вечеров он заснул пьяным, она отрезала ему голову и вернулась в родной город. Вражеская армия, оказавшись без начальника, в панике разбежалась. Юдифь вернулась к своей прежней жизни и до конца соблюдала безбрачие. Черты лица Юдифи на картине Караваджо выражают не триумф или страсть, а скорее решимость и отвращение.

3. Неверие апостола Фомы. 1602. Потсдам. Сан-Суси.
Как сказано в Писании: «Фома же, один из Двенадцати, называемый Близнец, не был с ними, когда приходил Иисус. Другие ученики сказали ему: мы видели Господа. Но он сказал им: если не увижу на руках Его ран от гвоздей, и не вложу перста моего в раны от гвоздей, и не вложу руки моей в рёбра Его, не поверю». Спустя восемь дней его встреча с Учителем состоялась, и на картине Караваджо отобразил этот драматический момент, когда обуреваемый сомнениями апостол Фома уверовал наконец в истинность божественного Воскресения.На холсте — четыре мощных фигуры без лишних мелочей и проработанного фона, подробностями которого Караваджо часто пренебрегал.

4. Христос у колонны. 1607. Руан. Музей изящных искусств.

5. Жертвоприношение Исаака. 1602. Флоренция. Уффици.
Караваджио изображает известный библейский сюжет :ангел останавливает Авраама, который уже готов принести в жертву своего сына Исаака и хотя в Библии сказано, что Авраам слышит голос с неба, Караважо рисует ангела, стоящим на земле.

6. Призвание святых Петра и Андрея. 1604. Лондон. Хэмптон-корт.

7. Ужин в Эммаусе. 1602. Лондон. Национальная галерея.
О явлении Христа двум ученикам на третий день после Распятия повествует Евангелие от Луки. Эпизод, точнее изображение ужина, кульминационного момента, стало очень популярно в изобразительном искусстве XVII века. Два ученика, направляющиеся из Иерусалима в Эммаус, встречают незнакомца. Тот осведомляется, отчего они печальны. Ученики, удивлённые его кажущимся неведением, рассказывают о событиях последних дней. В ответ незнакомец изъяснял им сказанное о Нём во всем Писании. Ученики приглашают его разделить с ними вечернюю трапезу. Христос, преломив хлеб и благословив их, наконец был узнан, но тут же «…стал невидим для них».

8. Поцелуй Иуды. 1602. Дублин. Национальная галерея Ирландии.
Сюжет картины основан на сообщениях евангелистов о последних днях земной жизни Иисуса Христа. Иуда Искариот, один из учеников Иисуса, предал его, раскрыв место пребывания и указав на него страже, когда Христос выходил из Гефсиманского сада.

9. Экстаз святого Франциска. 1595. Хартфорд. Атенеум Уодсворта.
Франциск - один из самых высокочтимых итальянских святых. На картине запечатлено известное историческое событие, имевшее место 17 сентября 1214 года. Поднявшись на гору Верна в верховьях Тибра, сплошь поросшую вековыми хвойными и лиственными лесами, Франциск провел сорок дней и ночей в посте и молитве. Караваджо запечатлел момент, когда преподобный забылся в религиозном экстазе, лёжа на земле под могучим развесистым буком. Этот распространённый в живописи сюжет он воспроизводит по-своему, решительно отказавшись от явившегося святому огненного шестикрылого серафима, а также от обретённых чудесным образом стигматов, то есть кровоточащих язв наподобие ран от гвоздей при распятии Христа. Картина лишена какой бы то ни было религиозной экзальтации.

Караваджо приобретал с каждым днем все большую известность, - писал о нем биограф Джованни Пьетро Беллори, - главным образом благодаря колориту, - уже не мягкому и светлому, как раньше, а насыщенному, с сильными тенями, причем применял он часто много чёрного цвета, чтобы придать формам рельефность. И до того он увлекся этой манерой, что ни одной из своих фигур не выпускал более на солнце, но помещал их в закрытую комнату... используя луч света, вертикально падающий на основные части фигуры, оставляя все остальное в тени, дабы светотень давала резкий эффект. Тогдашние римские живописцы были в восторге от этого новшества, в особенности молодые...








На марках:

1. Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
Это шедевр раннего периода творчества Караваджо на мифологическую тему. Название картины возникло позже, когда в лице выздоравливающего от болезни юноши, изображённом на полотне, признали бога виноделия Вакха. Не имея возможности заплатить натурщику, художник срисовал для картины своё зеркальное отражение.

2. Медуза Горгона. 1597. Флоренция. Уффици.
Голова Медузы окаменяла всех, кто на неё смотрел или до неё дотрагивался. Изобразительное искусство долгое время изображало её в отвратительном виде, но позднее художники стали изображать ее прекрасной, хотя и внушающей ужас, обыкновенно — с крыльями над висками и змеями в волосах. Внешне ужасное страшилище, изображаемое художниками в позднее средневековье и в эпоху возрождения, постепенно сменилось изображениями ужасного выражения красивого лица. Лучшей картиной, изображающей Медузу Горгону, считается работа Микеланджело Меризи да Караваджо.

3. Нарцисс. 1599. Флоренция. Национальная галерея старинного искусства.
Согласно легенде во время охоты Нарцисс увидел в реке своё отражение, влюбился в самого себя, не смог с ним расстаться и умер от голода или страдания. Когда пришли за его телом, его там не было, но на том месте, где оно должно было быть, вырос цветок нарцисс. Сюжет картины минимален: Нарцисс и его отражение. Нарцисс Караваджо будто загипнотизирован собственным отражением, будто склоняется все ниже и ниже, приближая собственную гибель, и одна его рука уже воды касается, но другой он еще устойчиво опирается о берег, а значит остается надежда, что благоразумие возьмет верх и вернет человека в устойчивое положение на суше. Однако нет никаких явных указаний на то, что исход будет именно таким.

4. Музыканты. 1595. Нью-Йорк. Метрополитен.
Трое юношей в условно-театральных костюмах сидят и готовятся к репетиции. В центре музыкант подтягивает струны лютни, скрипач внимательно вглядывается в ноты, между ними, третьим с рожком Караваджо поместил себя. Слева изображён Амур со стрелами за спиной, занятый виноградом.

5. Ужин в Эммаусе. 1602. Лондон. Национальная галерея.

6. Пишущий Святой Иероним. 1605. Рим. Галерея Боргезе.
В этой картине, написанной Караваджо специально для Шипионе Боргезе, художник изобразил святого Иеронима за его учеными трудами. Льющийся сквозь невидимое окно свет выхватывает из полумрака красное одеяние святого, его голову с крутым, выпуклым лбом мыслителя, книги, лежащий на столе череп.

Первые годы жизни художника в Риме, куда он прибыл около 1590 года, не имея от кого-либо протекции, были суровыми. Для заработка Караваджо писал цветы и фрукты на картинах других художников, а затем стал самостоятельно создавать своеобразные жанровые сцены и натюрморты. Изображая уличных мальчишек, цыганок, посетителей кабачков, гадалок, корзин с фруктами, Караваджо одним из первых утвердил право на существование этих жанров. Главное в произведениях Караваджо конца 16 столетия — не повествование, а характерный типаж. Историографы Караваджо отмечают, что живописец с пренебрежением относился к творчеству великих мастеров прошлого и даже к античному искусству.






На марках:

1. Блок Афганистана:
На полях блока: Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
1а. Гадалка. 1597. Париж. Лувр.
По мнению Д. Беллори, этим полотном Караваджо хотел доказать, что можно вдохновляться и сюжетами, взятыми из реальной жизни, а не только древними мраморными статуями или работами Рафаэля. «Для этого, – продолжает Д. Манчини, – Караваджо пригласил уличную гадалку и предложил ей показать, как она предсказывает судьбу. Кроме нее, он изобразил и юношу – одна его, обтянутая перчаткой, рука, лежит на эфесе шпаги, а вторая, обнаженная, протянута к гадалке. Эти две поясные фигуры помогли художнику достичь небывалого реализма». Юноша явно неопытен в житейских делах; выражение лица и взгляд гадалки — выдают даму опытную, расчетливую и искушенную.
1b. Ужин в Эммаусе. 1602. Лондон. Национальная галерея.

2. Блок Доминика:
На полях блока: Корзина с фруктами. 1596. Милан. Амброзианская библиотека.
2а. Кающаяся Магдалина. 1597. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
2b. Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
2с. Вакх. 1596. Флоренция. Уффици.
2d. Святой Матфей и ангел. 1602. Рим. Сан-Луиджи-деи-Франчези.

3. Блок Сан-Томе и Принсипи:
3а. Распятие Святого Петра. 1602. Рим. Капелла Черази церкви Санта-Мария дель Пополо.
Трое палачей, изображенные в довольно непривлекательных позах, с лицами, либо повернутыми в сторону, либо скрытыми в тени, —пытаются поднять массивный деревянный крест, к которому за ноги приколочен апостол Петр — то есть вниз головой. У Караваджо святой мало похож на героя-стоика; это обыкновенный старик, на лице которого читается страдание и страх смерти. Вся сцена производит на зрителя мрачное и отталкивающее впечатление, напоминая, что смерть апостола — это не героическая драма, а гнусная, подлая, отвратительная казнь.
3b. Юдифь и Олоферн. 1598. Рим. Палаццо Барберини.
3с. Шулера. 1594. Форт-Уэрт (США). Музей Кимбелла.

Удивительная конкретность и материальность форм отличают заказные религиозные произведения художника, принесшие ему скандальную известность необычной жизненностью и демократизмом. Смело трактует Караваджо религиозные образы, не боясь грубости и резкости, сообщая им черты сходства с простонародьем. Суровый реализм творчества Караваджо не был понят его современниками, приверженцами «высокого искусства». Обращение к натуре, которую Караваджо сделал непосредственным объектом изображения в своих произведениях, и правдивость ее трактовки вызвали множество нападок на художника со стороны духовенства и официальных лиц. Вспыльчивый нрав Караваджо и постоянные столкновения с окружающими усугубляли жизненные трудности. Убив во время игры в мяч своего партнера, он был вынужден бежать из Рима. Последние годы его жизни прошли в скитаниях.





На марках:

1. Блок Гамбия:
На полях блока: Портрет Караваджо работы Оттавио Леони (в зеркальном изображении). 1621. Флоренция. Библиотека Маруселлиана.

1а. Семь деяний милосердия. 1607. Неаполь. Церковь Пио-Монте-делла-Мизерикордия.
Семь деяний милосердия — христианская традиция, восходящая к Библии. В соответствии с Евангелием католическая церковь перечисляет шесть деяний милосердия: 1. Накормить голодного. 2. Напоить жаждущего. 3. Дать приют страннику. 4. Одеть нагого. 5. Посетить больного. 6. Посетить заключённого в темницу. 7. Похоронить мёртвого. Караваджо впервые создал сложную композицию, разместив все деяния на одной картине. Работа произвела сильное впечатление на заказчиков, и они поклялись, что впредь это творение ни за какие деньги не должно покидать главный алтарь церкви Пио Монте делла Мизерикордия. Ими был также наложен строгий запрет на его копирование.

1b. Обращение Савла. 1601. Рим. Капелла Черази церкви Санта-Мария дель Пополо.
Святой Павел (до обращения его звали Савлом) был поначалу ярым гонителем христиан, но во время своего путешествия в Дамаск пережил встречу с самим Христом. Ослепительный свет пролился с неба, и раздался голос, вопрошавший: "Савл, Савл, зачем ты гонишь Меня?" Хотя в самой Библии не указывается, каким образом путешествовал Савл, традиция предписывала изображать его упавшим при виде божественного явления со своей лошади. Этот сюжет живописцы часто использовали и до Караваджо, но никогда еще он не показывался столь реалистично и драматично.

1с. Портрет Алофа де Виньянкура. 1608. Париж. Лувр.
Караваджо написал не слишком много портретов - сохранившиеся до наших дней можно пересчитать по пальцам. Единственный известный женский портрет его кисти погиб в Берлине во время Второй мировой войны. Наиболее удавшимся считается "Портрет Алофа де Виньякура". Виньякур, Великий Магистр Мальтийского ордена и фактический правитель Мальты, изображен на нем в полный рост, в латах и с оружием. Караваджо создал этот портрет во время своего пребывания на острове в 1607-08 годах.

1d. Давид и Голиаф. 1599. Мадрид. Прадо.
Караваджо создал несколько вариаций на эту тему. На этой картине юный Давид готовится с триумфом продемонстрировать голову врага народу.

1е. Успение Богоматери. 1601-06. Париж. Лувр.
Это полотно Караваджо было отвергнуто священнослужителями по причине "недостойного изображения". Мария здесь показана действительно умершим человеком, а не прекрасной женщиной, как бы уснувшей перед тем как переместиться на небо (именно такого изображения требовали существовавшие каноны). На этот раз критика в адрес Караваджо была особенно яростной, что отмечено всеми биографами художника. Д. Манчини в своей книге приводит и вовсе невероятный факт - будто бы Караваджо писал фигуру Богородицы с трупа проститутки, утонувшей в Тибре (и этот факт подтверждают другие источники).

1f. Воскрешение Лазаря. 1609. Мессина. Региональный музей.
Луч света прорезает пространство. Свет, который, как прожектор, высвечивает действующих персонажей, который противопоставлен тьме и пустоте и сам является действующим лицом полотна - отличительная особенность Караваджо. Свет скользит по фигурам Христа, Лазаря, его друга, Марии и прямо сейчас, в эту секунду этот неземной свет воскресит к жизни оплаканного брата. Могильщики ухватились и едва удерживают плиту, которую только что отвалили от гроба. Они отвернулись, не желая смотреть смерти в глаза. На землю выкатились кости, череп, спали погребальные пелены с Лазаря. И вот его рука, будто отозвавшись на слова: «Лазарь, выйди» - уже тянется к свету. Смятение, горе, любопытство, недоумение на лицах присутствующих. Нет ликования, нет понимания, что чудо уже случилось, так неожиданно и вопреки законам природы оно вошло в их жизнь.


2. Блок Сент-Винсент и Гренадины:

2а. Отречение святого Петра. 1610. Нью-Йорк. Метрополитен.
Отречение апостола Петра — новозаветный эпизод, рассказывающий о том, как апостол Пётр отрёкся от Иисуса Христа после его ареста, что было предсказано Иисусом еще во время Тайной Вечери. Пётр отрекся трижды в страхе, что его тоже арестуют, а услышав, как пропел петух, он вспомнил слова своего Учителя и горько раскаялся.

2b. Лютнист. 1596. Санкт-Петербург. Эрмитаж.

2с. Гадалка. 1597. Париж. Лувр.

2d. Ужин в Эммаусе. 1602. Лондон. Национальная галерея.

Вся жизнь Караваджо была, как сжатая пружина: на пределе, на грани. Некогда раскачиваться, некогда примеряться. Некогда черновики каллиграфическим почерком заполнять. Даже картины писал без эскизов. Но на холстах, не замученных прелюдиями, было главное дыхание настоящего. Не эрзац, не подделка, не фальшивка. За такие не стыдно, кто бы ни призвал к ответу.
Вся жизнь и всё творчество Караваджо — это толи борьба со смертью, толи игра с ней. Его искусство — это драма света и тьмы. Хотя он породил целую школу подражателей, после его смерти итальянская живопись стала казаться чрезвычайно скучной.







На марках:

1. Блок Либерия:

1а. Обезглавливание Иоанна Крестителя. 1608. Валлетта (Мальта). Собор Святого Иоанна.
Сцена казни Иоанна Крестителя происходит, вероятно, в тюремном дворе, на фоне мрачного тюремного здания, в окне которого смутно виднеются две фигуры, сквозь решетку наблюдающие за экзекуцией. На полу лежит мертвый Иоанн Креститель. Алая драпировка прикрывает его ягодицы, кровавым языком «стекая» на пол, почти повторяя очертания лужи крови, образовавшейся по соседству. Голова Крестителя отрублена, рядом валяется меч, но скорее всего, экзекуция была произведена кинжалом, который полуобнаженный палач держит в заведенной за спину правой руке. Он схватил голову Иоанна за волосы, чтобы положить ее на большое блюдо, которое держит наготове молодая служанка. Девушка наблюдает за происходящим спокойно и бесстрастно. Столь же бесстрастен стоящий рядом мужчина с бородкой, который, по всей вероятности, следит за исполнением приказа царя Ирода — мужчина указывает пальцем на блюдо, приказывая палачу положить на него голову казненного святого. Пожилая служанка — единственный персонаж, проявивший в этой трагической ситуации человеческие чувства. На ее лице читается сочувствие и глубокая печаль, от избытка эмоций она обхватила руками голову.

1b. Юдифь и Олоферн. 1599. Рим. Дворец Барберини.

1с. Жертвоприношение Авраама. 1603. Флоренция. Уффици.

1d. Медуза. 1598. Флоренция. Уффици.


2. Блок Палау:

2а. Ужин в Эммаусе. 1606. Милан. Пинакотека Брера.
В 1601 году Караваджо написал картину на евангельский сюжет о явлении Христа двум ученикам на третий день после воскресения. Вторично к этому сюжету Караваджо обратился в 1606 году, находясь в изгнании.

2b. Се человек. 1600. Генуя. Палаццо Россо.
Ecce Homo («се человек») - слова Понтия Пилата об Иисусе Христе. Согласно Евангелию от Иоанна, прокуратор Иудеи Понтий Пилат показал народу Иерусалима после бичевания Иисуса Христа, одетого в багряницу и увенчанного терновым венцом, желая возбудить сострадание толпы. Выражение стало крылатым. Его употребляют, в частности, когда хотят указать на достойное сострадания положение цивилизованного человека нашего времени.

2с. Амур-победитель. 1602. Берлин. Картинная галерея.
Изображённый мальчик несомненно бог любви, так как он держит в руке стрелы — один из атрибутов Амура. Окружающие его предметы символизируют разные сферы человеческой деятельности, и юный бог торжествует над всеми. Ему покорны искусства и науки (музыкальные и геометрические инструменты, книги) , воинские доблести (части доспехов) и даже власть (корона, скипетр).

2d. Христос у колонны (Бичевание Христа). 1607. Руан. Музей изящных искусств.
Физические издевательства Иисус претерпел не только от иудеев (ПОРУГАНИЕ ХРИСТА), но также от римской власти. Именно «Пилат взял Иисуса и велел бить Его». Крайне лапидарное свидетельство евангелистов обросло множеством подробностей в трудах средневековых богословов. Узника раздевали (Христос обычно изображается в одной набедренной повязке, как мы видим это на обеих картинах Караваджо на эту тему).


3. Блок Либерия.
Кающаяся Магдалина. 1594. Рим. Галерея Дория Памфили.
Первый женский образ в творчестве Караваджо — «Кающаяся Мария Магдалина» показывает способность художника на глубокую и поэтически значительную трактовку образа.


4. Блок Гвинея.
Святой Матфей и ангел. 1602. Рим. Сан-Луиджи-деи-Франчези.
Две фигуры ярко выделяются на глухом чёрном фоне. Вдохновлённый Матфей внимает витающему над ним в вихре белых одежд небесному посланцу. Поза Матфея неустойчива — простой табурет, на который он опирается коленом, накренился над пустотой. В то же время апостол сохраняет естественность и непринуждённость, записывая слова ангела. Жест ангела, отгибающего пальцы, указывает на то, что он даёт точные указания.

Реализм Караваджо – это нечто большее, чем просто подражание природе; в его живописи сочетаются глубокое понимание психологии человека и точная передача характера света и формы, что дает возможность преобразить реальность в драму, разыгрывающуюся на холсте. Личность и события биографии Караваджо поражают воображение почти так же сильно, как и его живопись.







На марках:

1. Блок Гамбия.
Поцелуй Иуды. 1602. Дублин. Национальная галерея Ирландии.

2. Блок Аден/Верхняя Яффа.
Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.

3. Блок Гамбия. Блок Сан-Марино.
Отдых на пути в Египет. 1597. Рим. Галерея Дория-Памфили.
Очаровательный шедевр, одна из немногих сцен, размещённая художником в пейзажном окружении, пронизана магическим вечерним светом в нежной и тонкой гармонии цветов. День угасает в музыке виолы, на которой играет юный ангел. Святой Иосиф держит перед ним ноты. Ангел прекрасен, и, поворачивая голову с нежным профилем, он открывает крылатые плечи и обнаженное тело, прикрытое покрывалом. Под звуки нежной мелодии задремала с Младенцем на руках сидящая на земле Дева Мария. Похоже, музыка тронула даже осла, традиционно считающегося глупым и упрямым.

4. Блок Палау.
Неверие апостола Фомы. 1602. Потсдам. Сан-Суси.

5. Блок Доминика.
Пишущий Святой Иероним. 1605. Рим. Галерея Боргезе.

6. Блок Сент-Винсент.
Шулера. 1594. Форт-Уэрт (США). Музей Кимбелла.

Автопортреты Караваджо в его картинах.
Самый известный портрет Караваджо - это карандашный рисунок Оттавио Леони, римского друга Караваджо. Портрет выполнен спустя несколько лет после гибели художника в 1621 году.
«Больной вакх». Большинство искусствоведов считают её автопортретом художника. Здесь Караваджо впервые использовал зеркало, чтобы точнее передать натуру в своём одержимом преклонении перед правдой жизни.
Считается, что автопортретами Караваджо являются:
Первым автопортретом Караваджо считается картина «Музыканты», на которой художник изобразил себя вместе с ещё двумя молодыми музыкантами и Амуром заднем плане.
Голова Медузы. Некоторые исследователи полагают, что это тоже автопортрет.
Человек с фонарем справа на картине «Взятие Христа под стражу».
На полотне «Мученичество апостола Матфея» в глубине на заднем плане среди перепуганных прихожан Караваджо дал собственное изображение — мужчина в чёрном камзоле, наблюдающий за происходящим со страдальческим выражением лица. У него вид человека, незадолго до этого события пережившего глубокое нервное потрясение. Это, пожалуй, один из самых проникновенных автопортретов, выражающий подлинную сущность художника. В пронзительном взгляде читается столько боли и сострадания, которые не были так отчётливо зримы ранее в его работах. Эти чувства стали проявляться с особой выразительностью и глубиной после потрясшей его казни Джордано Бруно.
Голова Голиафа на картине «Давид с головой Голиафа». Придав отрубленной голове собственные черты, Караваджо, возможно, намеревался отправить картину кардиналу Боргезе, чтобы тот убедил дядю Павла V отменить смертный приговор. Голова Голиафа производит жуткое впечатление — это измученное страданиями лицо художника с отсутствующим взглядом полузакрытых веками глаз. Взявшись за написание необычного автопортрета, Караваджо хотел выразить раскаяние в содеянном и тем самым вымолить прощение.



На марках:
1. Портрет Караваджо. Рисунок Оттавио Леони. 1621. Флоренция. Библиотека Маруселлиана.
2. Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
3. Музыканты. 1595. Нью-Йорк. Метрополитен.
4. Давид с головой Голиафа. 1610. Рим. Галерея Боргезе.
5. Поцелуй Иуды. 1602. Дублин. Национальная галерея Ирландии.

Микеланджело Меризи, прозванный Караваджо, предопределил появление самого своеобразного направления в живописи 17 века, барокко. Этим словом, переводимым с португальского как жемчужина неправильной формы, дословно «жемчужина с пороком», стали называть искусство отличное от господствовашего в то время академизма и маньеризма. Картины живописца настолько шокировали и не соответствовали канонам времени, что на выставках их в первые часы завешивали сукном, чтобы зрители предварительно осмотрели остальные полотна.








На марках:

1. Лист марок Сомали:
1а. Отдых на пути в Египет. 1597. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
1b. Гадалка. 1597. Париж. Лувр.
1с. Музыканты. 1595. Нью-Йорк. Метрополитен.
1d. Марта и Мария Магдалина. 1598. Детройт. Институт искусств.
На картине изображены библейские сёстры Марфа и Мария Магдалина.У Марты лицо в тени. Она наклоняется вперед, страстно споря с Марией, которая вращает апельсиновый цветок между пальцами. Зеркало, которое держит Мария, символизирует тщеславие. Главное в картине - это лицо Марии, которое изображено в момент начала преобразования.

2. Гадалка. 1597. Париж. Лувр.
3. Отдых на пути в Египет. 1597. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
4. Ужин в Эммаусе. 1602. Лондон. Национальная галерея.
5. Ужин в Эммаусе. 1606. Милан. Пинакотека Брера.
6. Лютнист. 1596. Санкт-Петербург. Эрмитаж.
7. Лютнист. 1596. Нью-Йорк. Метрополитен.

Илья Репин охарактеризовал так творчество самого Караваджо и его последователей: «Искусство, где кровь кипит, где сил избыток. Оно страшное, резкое, беспощадное, реальное. Его девиз: правда и впечатления».






На марках:

1. Погребение Христа. 1603. Ватикан. Пинакотека.
Картина Караваджо была написана по заказу для римской церкви Санта-Мария-ин-Валичелла, принадлежащей ордену ораторианцев. На ней изображены Иоанн Богослов и Никодим, поддерживающие тело Христа, Богоматерь, Мария Магдалина и Мария Клеопова, в отчаянии воздевшая руки к небу. Картина "Погребение Христа" вызвала в свое время ожесточенные споры - в ту пору не было принято изображать Иисуса Христа в столь произвольной форме. Караваджо добавляет элемент, несущий в картине большую эмоциональную нагрузку, - колоссальную каменную плиту, на которой стоят герои. многие критики увидели в этой плите "краеугольный камень" Нового Завета, камень, на котором была основана церковь.

2. Обезглавливание Иоанна Крестителя. 1608. Валлетта (Мальта). Собор Святого Иоанна.
В день своего рождения Ирод устроил богатый пир. На празднике перед гостями плясала Саломия, дочь Иродиады. Она так угодила этим Ироду, что он поклялся перед гостями дать ей все, чего бы она ни попросила. Саломия пошла к матери за советом. - Дай мне здесь на блюде голову Иоанна Крестителя, – сказала девушка, когда вернулась к гостям. Ирод опечалился: он боялся гнева Божиего за убийство пророка, но не мог нарушить неосторожной клятвы. Св. Иоанну Крестителю отрубили голову и отдали Саломии.

Караваджо в своих работах всегда испытывал пристрастие к живописи с натуры. Он тщательно прописывал каждую деталь, пытаясь приблизить её к оригиналу. Именно Караваджо ввел новый для Рима жанр - натюрморт как таковой. Если из его жанровых работ убрать будь то фигуры людей, фрукты, приборы, остатки ужина, музыкальные инструменты, все эти детали все равно продолжают жить своей жизнью, являя собой почти самостоятельный центр притяжения. В склонности Караваджо к натурализму было только одно желание – как можно более точно отразить предмет, обстановку, героев вплоть до применения зеркала как независимого от сетчатки глаз экрана передачи изображения и мощного светового потока в моделирование объектов. При помощи резких светотеней, которые ранее не приветствовались мастерами эпохи возрождения, Караваджо добивается необычайного напряжения в стоп кадре своих работ.








На марках:

1. Корзина с фруктами. 1596. Милан. Амброзианская библиотека.
В картине наряду со спелыми и сочными плодами и листьями присутствуют также гнилые и увядшие, в результате чего картина становится не гордым утверждением природы и жизни, но печальным раздумьем над сущностью нашего бытия.

2. Юноша с корзиной фруктов. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
«Юноша с корзиной фруктов» написана в то время, когда художник был настолько беден, что не мог оплачивать натурщика и рисовал картину, смотря на себя в зеркало. Эта его привычка сохранилась и в дальнейшем. В наше время было отвергнуто предположение о том, что картина является автопортретом художника, и появилась другая гипотеза – полотно изображает «Осень» и вместе с другими работами этого периода составляет аллегорический цикл «Пять чувств», показывая «Вкус». В 1971 году появилось предположение, что юноша предлагает себя зрителю, а корзина с фруктами является метафорой лакомого эротического блюда. В том же году о картине «Юноша с корзиной фруктов» стали говорить как о выражении Христовой любви, спасающей и дарующей жизнь вечную. Известна трактовка полотна как изображение реальности, лишенное символических вымыслов.

3. Кающаяся Магдалина. 1597. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
В Новом Завете повествуется о бывшей блуднице Марии Магдалине (названной так по месту рождения — городу Магдале), которая была возвращена к праведной жизни Иисусом Христом, изгнавшим из нее семь бесов. После этого Мария Магдалина стала верной последовательницей Иисуса. Это первая работа Караваджо, выполненная им на религиозную тему. Однако поза изображённой им на полотне грешницы со спокойно сложенными на животе руками никак не выражает её раскаяния. Она скорее смирилась с порочной жизнью, из которой уже не в силах вырваться, о чём говорит её скупая слеза по щеке. Столь приземлённый и противоречащий традиции показ грешницы в образе обычной римской проститутки заставляет по-иному взглянуть на композицию картины.

4. Нарцисс. 1599. Флоренция. Национальная галерея старинного искусства.
В картине «Нарцисс» можно увидеть обычного юношу в простой одежде, склоненного к воде. Он явно не богат и не отличается изумительной красотой, но привлекает внимание своей человечностью, сходством с каждым из современников Караваджо. Картина почти симметрично поделена надвое границей между водой и сушей, и художник равное внимание уделил как изображению героя, так и изображению его отражения. Равнозначность реального и отраженного миров подчеркивает противоречивый характер эпохи, в которой жил и творил Караваджо, а значит, и противоречивый характер искусства Барокко.

5. Мальчик, чистящий фрукты. 1592. Флоренция. Коллекция Роберто Лонги. 1593. Лондон. Хэмптон-корт. Королевская коллекция.
В этой первой работе, написанной в Риме, всё предельно просто — на сером фоне стены выделяется фигура мальчика в белой полотняной рубахе, сидящего за кухонным столом и занятого привычным делом. Таких мальчишек на побегушках можно было повстречать в любом трактире.

6. Амур-Победитель. 1602. Берлин. Картинная галерея.
Название картины обычно связывают с изречением Вергилия "Всё побеждает Амур, и мы покоряемся любви". Амур держит в руке стрелы - один из своих атрибутов. Окружающие его предметы символизируют разные сферы человеческой деятельности, и юный бог торжествует над всеми. Ему покорны искусства и науки (музыкальные и геометрические инструменты, книги), воинские доблести (части доспеха), власть (корона, скипетр). Нарочитый натурализм в изображении "мальчика", акцентированная деталировка обнажённого детского тела и лукавая улыбка далеко не по-детски искушённого "амура" — вызывают у зрителей ассоциации, связанные, скорее, не со сферой мифологии, науки или власти, а со сферой весьма свободных нравов, царивших в Италии в эпоху Возрождения.

Значение Караваджо оказалось неслыханным, потому что никто иной, как он первым в истории европейского искусства провозгласил сутью художественных образов жизненно конкретные явления, людей за свойственными им занятиями, вещи, которые их окружают в действительности. Новаторство концепции Караваджо заключалась в той жёсткой прямоте, с какой живопись стала буквальным воспроизведением жизни. Причём творческие установки мастера, как и его многочисленных последователей в разных европейских странах, так называемых «караваджистов», не менялись даже и тогда, когда они обращались к религиозным сюжетам.

1

2


3

4


5

6

7

На марках:

1. Пишущий cвятой Иероним. 1607. Валлетта (Мальта). Собор cв Иоанна.
На привычно тёмном фоне горизонтальная композиция: пишущий старец, стол и неизменный натюрморт — книги, перо и череп, — который рифмуется с лысой головой Иеронима, одного из столпов церкви, эрудита и первого переводчика Библии на латинский язык.

2. Бичевание Хриcта. 1607. Неаполь. Национальная галерея Каподимонте.
Картина производит гнетущее впечатление. Христос, связанный и с терновым венцом на голове, стоит около мраморной колонны. Трое палачей обступили его кольцом. Тот, что справа, выкручивает Христу руки, желая поставить свою жертву в удобную для экзекуции позу; тот, что слева, помогает своему подельнику, пытаясь тянуть Иисуса за волосы. На переднем плане третий истязатель наклонился, приводя в порядок свое орудие пытки. Лица палачей, перекошенные звериной злобой, а также использованные художником мрачные, темные цвета усиливают ощущение ужаса перед тем, что должно произойти через несколько минут.

3. Поклонение паcтуxов. 1609. Меccина. Региональный музей.
Картина «Поклонение пастухов» - шедевр сицилийского периода живописца - считается одним из высших достижений последнего периода творчества художника. Перед уставшей Богородицей, только что разрешившейся от бремени, преклоняются пастухи. Предполагают, что три персонажа изображают святых – это апостол Павел, Иоанн Креститель и апостол Пётр.

4. Мадонна Лорето (Мадонна паломников). 1604. Рим. Церковь cв Авгуcтина.
Два пилигрима преклонили колена перед статуей, стоящей возле колонны. Мадонна с Младенцем взирают на молящихся спокойным и внимательным взглядом. Фигура женщины почти полностью скрыта в тени (отчетливо видна лишь ее голова в складчатой шапочке), а вот тощий зад и грязные ступни её компаньона вызывающе сверкают на переднем плане. Некоторые исследователи считают, что Мадонну художник писал со своей подруги Магдалины, из-за которой он дрался на дуэли. Мария написана с любовью, однако большая часть ее фигуры находится в тени. Несколько необычна склонённая набок голова Богородицы, однако мастеру удалось придать ее позе убедительность.

5. Обращение Савла на пути в Дамаcк. 1601. Рим. Санта Мария дель Пополо.
Композиция картины обрела классическую завершённость и простоту, поражающие совершенством исполнения и суровой жизненной правдой. Ничего лишнего. Главное для художника — создание эффекта сопричастности происходящему, отчего персонажи с их смелыми ракурсами максимально приближены к переднему плану. Новаторским выглядит использование света, когда всё изображённое на полотне сразу предстаёт взору зрителя.

6. Мученичеcтво cвятого Петра. 1601. Рим. Санта Мария дель Пополо.
Лица трёх подручных палача скрыты, что делает их грубые фигуры ещё более устрашающими на нейтральном тёмном фоне. Падающий справа пучок света раскрывает необычную композицию картины, которая имеет крестообразную форму, образованную диагональю креста с пригвождённым к нему апостолом и расположенными на полотне фигурами его истязателей, чьи головы, руки и ноги почти выпирают из плоскости полотна, а контрастная светотень рельефно лепит объёмы. В мученичестве апостола побеждает грубая сила, которая поначалу вызвала оторопь у настоятеля церкви, и он даже засомневался: а стоит ли устанавливать в капелле Черази столь пугающее своей жестокостью полотно.

7. Святой Матфей и ангел. 1602. Рим. Сан-Луиджи-деи-Франчези (Церковь cв Людовика Французского).
Сюжет картины связан с явлением Матфею ангела, вдохновившего его на написание одного из Евангелий. Вдохновлённый Матфей внимает витающему над ним в вихре белых одежд небесному посланцу.

Две эпитафии, содержащие сведения о рождении и смерти Караваджо:
Микеланджело Меризи да Караваджо — рыцарь Иерусалима, превосходный соперник природы, проживший тридцать шесть лет, девять месяцев и двадцать дней, — умер восемнадцатого июля 1610 года.
Микеланджело Меризи — сын Фирмо да Караваджо, в живописи не имевший равного себе живописца, но лишь [равный] самой природе, умер в Порто Эрколе, отправившись туда из Неаполя, возвращаясь в Рим — XV дня августа, в год с Рождества нашего Спасителя 1610 — жил тридцать шесть лет, девять месяцев и двадцать дней — Марцио Милези, юрисконсульт — Другу [обладавшему] исключительной гениальностью.





На марках:

1. Мадонна и младенец со святой Анной (Мадонна деи Палафреньери). 1606. Рим. Галерея Боргезе.
В картине, представляющей собой аллегорию Непорочного зачатия, изображены Мадонна и маленький Христос, давящие ногами змею, и Святая Анна, покровительница братства деи Палафреньери. Фигура Святой Анны, едва выступающая из тени благодаря бликам света, уже написана в стиле, типичном для позднего творчества Караваджо.

2. Успение Богоматери. 1606. Париж. Лувр.
Поскольку работа писалась для церкви в Трастевере, районе, населённом в основном беднотой, художник старался передать царившую там атмосферу. На картине убогое и мрачное помещение с непомерно высоким кессонным потолком. Только что поднят с помощью висящего шнура тяжёлый балдахин кровавого цвета и за ним открылась сцена, преисполненная подлинно трагедийного звучания. Всё внимание автора сосредоточено на раскрытии типических характеров простых людей, которых сплотило постигшее их великое горе. В центре бездыханное тело Девы Марии, написанной автором по памяти, так как свою натурщицу ему не удалось отыскать. Рядом тесно стоящие апостолы. Двое из них не в силах сдержать рыдания прикрывают руками лица. У изголовья стоит, подперев рукой опущенную голову, Иоанн. Особо выделяются мощные фигуры Петра и Павла; один из них поднял руку, как бы призывая остальных к молчанию в надежде, что Мария вот-вот очнётся ото сна. На переднем плане у самого края полотна — согбенная фигура плачущей Марии Магдалины, сидящей на низком стульчике.

3. Семь деяний милосердия. 1607. Неаполь. Церковь Пио-Монте-делла-Мизерикордия.
Выполненной в изгнании картине «Семь деяний милосердия», написанной Караваджо с огромной художественной энергией и выразительностью, свойственны бравурность и патетические интонации. Структура композиции чрезвычайно сложна. Обычно все деяния изображались на отдельных картинах, но Караваджо впервые создал сложную композицию, разместив все деяния на одной картине.

4. Мадонна Розария. 1607. Вена. Музей истории искусств.
Караваджо написал «Мадонну дель Розарио» для алтаря церкви Сан Доменико, но картину церковные власти не приняли и выставили на продажу. Об этом известно из письма Питера Пауля Рубенса, который перед возвращением в 1608 году на родину, посетил Неаполь. 15 сентября 1607 года он писал своему «патрону» - герцогу Мантуи: «Я увидел также нечто чудесное, которое исполнено здесь и предназначено теперь для продажи... Это две прекраснейшие картины Микеланджело да Караваджо. Одна — «Мадонна дель Розарио», исполненная, как алтарная картина.

5. Иоанн Креститель. 1602. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
Моделью для этой картины послужил Чекко ди Караваджо, слуга и ученик Караваджо, также изображённый на картине «Амур-победитель» и ряде других. Юный Иоанн показан полулежащим; одна рука расположена на шее барана, он повернулся к зрителю с озорной улыбкой. На картине практически ничего не говорит о том, что изображён пророк — ни креста, ни кожаного ремня, из символов присутствует только клочок кожи верблюда, затерянный в складках красного плаща, и баран. Выбор животного тоже не каноничен — животным Иоанна Крестителя, как предполагается, был ягнёнок, что является отсылкой на приветствие им Христа как «Агнца Божьего», пришедшего, чтобы забрать грехи человечества. Баран же часто является символом похоти.

6. Портрет Алофа де Виньянкура. 1608. Париж. Лувр.
Караваджо прибыл на Мальту из Неаполя в июле 1607 года, и начал сразу работать с написания портретов Виньякурта и других знатных рыцарей мальтийского ордена госпитальеров. В этом известном портрете Караваджо изобразил магистра Алофа де Виньякурта в парадных рыцарских доспехах, держащим скипетр ордена. Доспехи Алофа де Виньякурта сохранились до настоящего времени и являются одним из сокровищ оружейной галереи Дворца в Ла Валлетте. Живое выражение лица мальчика-оруженосца и его пристальный взгляд на картине у Микеланджело да Караваджо получились настолько привлекательными, что эта картина была затем несколько раз скопирована художниками, посещавшими Мальту в более поздние времена.