«Девочка с персиками» - один из лучших портретов знаменитого живописца и графика В. Серова. На картине изображена двенадцатилетняя Вера Мамонтова, дочь известного мецената и промышленника, хозяина имения Абрамцево С.И. Мамонтова. Образ сидящей за столом девочки воплощает гармонию светлого и ясного дня.
Первоначальное название было "Портрет В.М.". В дальнейшем название было изменено, поскольку на картине в самом деле получился не портрет конкретной девочки, а самый настоящий обобщенный образ самой юности - веселой озорницы, присевшей на минутку за стол. У девушки выразительные глаза с пляшущим внутри огоньком, будто она задумала какую-то новую проделку. Сама поза ее показывает, как нелегко ей усидеть даже недолгое время за столом, как хочется сорваться и убежать играть в сад. Холодноватый фон картины и строгая обстановка комнаты контрастирует с розовой кофточкой и красным бантом, оттеняется смуглым лицом девушки, ее темными глазами. Вся комната проникнута солнечным сиянием, которое подчеркивается мягкими тонами персиков и листьев, уже желтеющим деревом за окном. Нежный румянец играет на щеках девочки и гармонирует с персиками, находящимися неподалеку. Как сразу после ее создания, так и сейчас, много лет спустя, эта работа поражает зрителя своей свежестью, легкостью, теплотой и радостью.
Картина «Девочка с персиками» долгое время находилась в Абрамцеве, в той же комнате, где и была написана. А потом ее передали в Третьяковскую галерею, в Абрамцеве же в настоящее время висит копия этого произведения.

Картина написана на озере Удомля близ Вышнего Волочка в Тверской губернии. Церковь на картине написана с этюда «Деревянная церковь в Плёсе при последних лучах солнца». Полотно передает безграничность просторов русской природы и навевает философское настроение, что создается опосредованно, путем ассоциаций, внушаемых ширью земных пространств и тяжелым небом с мощными давящими облаками.
Вода и небо на картине захватывают, поражают человека, будят мысль о ничтожности и быстротечности жизни. На крутом высоком берегу стоит одинокая деревянная церковь, рядом кладбище с покосившимися крестами и заброшенными могилами. Ветер качает деревья, гонит облака, затягивает зрителя в бесконечный северный простор. Мрачному величию природы противостоит только крохотный огонёк в окне церквушки.
Это глубокое полотно Левитан создавал под звуки Траурного марша из «Героической симфонии» Бетховена. Именно под такую торжественную и печальную музыку рождалось произведение, которое один из его современников назвал «реквиемом самому себе».

"Три богатыря" (в последнее время считается более правильным название "Богатыри") - самая крупная, самая значительная картина Виктора Васнецова – это мощная эпическая песнь России, ее великому прошлому - картина, призванная выразить дух русского народа.
Васнецов работал над картиной почти двадцать лет. На картине изображены три богатыря — Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алёша Попович (главные герои русских былин). Посередине на вороном коне Илья Муромец, смотрит вдаль из-под ладони, в одной руке у богатыря копье и щит, в другой булатная палица. Слева на белом коне Добрыня Никитич, вынимает меч из ножен, готовый в любой момент ринуться в бой. Справа на коне рыжей масти Алёша Попович, держит в руках лук со стрелами,а к седлу прикреплены гусли. В сравнении со своими товарищами он молод и строен. На боку у Алёши Поповича колчан. Трое богатырей стоят на широкой равнине, переходящей в невысокие холмы, посреди пожухлой травы и изредка проглядывающих маленьких ёлочек. Небо пасмурное и тревожное, означает грозящую богатырям опасность.
Прибегая к изобразительной гиперболе, Васнецов наделяет своих героев исконными качествами русского характера. Илья Муромец олицетворяет основательность, мудрую неторопливость и опору на опыт и традиции народа. Гордый боевой дух и стремление защищать свою землю воплощены в Добрыне Никитиче. А в образе Алеши Поповича нашло отражение поэтическое, созерцательное начало русской души, чуткость ко всем проявлениям красоты.
Художник не поскупился на подробности, каждая деталь в картине имеет свой смысл. Богатыри стоят на границе поля и леса. Прекрасный мастер "одухотворенного" пейзажа, Васнецов блистательно передает состояние природы, созвучное настроению богатырей. А движениям коней, развевающимся на ветру конским гривам вторит желтый ковыль. В небе клубятся белые тяжелые облака. Вольный ветер собирает их в тучи, гуляет по выжженной солнцем земле. Хищная птица, парящая над кромкой леса, и серые могильники вносят дополнительную интонацию опасности. Но весь облик богатырей говорит о надежности этих защитников Русской земли.

На севере диком стоит одиноко
На голой вершине сосна,
И дремлет, качаясь, и снегом сыпучим
Одета, как ризой, она.

И снится ей всё, что в пустыне далекой,
В том крае, где солнца восход,
Одна и грустна на утёсе горючем
Прекрасная пальма растет. /М. Ю. Лермонтов/

«На севере диком стоит одиноко», — абсолютный лирический шедевр Лермонтова, вольный перевод гейневского стихотворения «Сосна стоит одиноко», сделанный поэтом едва ли не молниеносно, по просьбе князя Вяземского, накануне рокового отъезда на Кавказ.
Назвав эту картину первой строчкой из известного стихотворения Лермонтова, Шишкин недвусмысленно указал на ее источник. Это художественное произведение было выбрано Шишкиным для иллюстрации собрания сочинений, которое готовилось к выпуску в свет и приурочивалось к 50-летию со дня гибели поэта. Заказчиком был петербургский издатель П. П. Кончаловский, один из пайщиков известного книгоиздательства И. Н. Кушнерева. В подготовке богато иллюстрированного издания приняли участие Врубель, Серов, Васнецов, Поленов.
Так же, как и в стихотворении Лермонтова, в картине мощно звучит тема одиночества. На неприступной голой скале, посреди кромешной тьмы, льда и снега, стоит одинокая сосна. Луна освещает мрачное ущелье и бесконечную даль, покрытую снегом. Кажется, в этом царстве холода нет больше ничего живого. Но наперекор морозам, снегам и ветрам дерево живет.

Портрет написан по рассказу Н.М.Карамзина "Бедная Лиза". В то время, когда художник писал свою «Бедную Лизу», в устав императорской Академии художеств был введен новый пункт, по которому запрещалось принимать в академию детей крепостных, или, как они были названы в указе, «русских рабов». Художник, естественно, был возмущен этим фактом. Ответом его стал портрет бедной Лизы. К тому времени, когда появился этот портрет, интерес к одноименной повести Карамзина, написанной еще в XVIII веке, в 1792 году, заметно поутих. Однако художник счел возможным еще раз напомнить публике о трагической судьбе девушки.
Сюжет: После смерти отца, «зажиточного поселянина», юная Лиза вынуждена трудиться не покладая рук, чтобы прокормить себя и мать. Весной она продаёт ландыши в Москве и там знакомится с молодым дворянином Эрастом, который влюбляется в неё и готов даже ради своей любви оставить свет. Влюблённые проводят вместе все вечера, разделяют постель. Однако, с потерей невинности Лиза потеряла для Эраста и свою притягательность. Однажды он сообщает, что должен вместе с полком выступить в поход и им придётся расстаться. Спустя несколько дней Эраст уезжает. Проходит несколько месяцев. Лиза, оказавшись в Москве, случайно видит Эраста в великолепной карете и узнаёт, что он помолвлен (он проиграл в карты своё имение и теперь вынужден жениться на богатой вдове). В отчаянии Лиза бросается в пруд. Правда, соблазнителя — Эраста, виновника самоубийства Лизы, Карамзин заставляет умереть от раскаяния.
Кипренский, сам немало переживший, не мог не видеть реальных причин, погубивших девушку. Ведь его собственная мать была жертвой крепостнических законов.
Кипренский и изобразил Лизу в тоске и печали. Юная миловидная девушка с мольбой смотрит на того, с кем ей должно расстаться. В ее дрожащей руке красный цветок — символ любви. Весь пафос карамзинской повести, послужившей источником для этой работы, заключён в одной фразе: «И крестьянки любить умеют!».

На рубеже XVIII — начала ХIХ века Боровиковский обратился к новому для него типу группового семейного портрета. Это позволило художнику внести новые качества в открытую им форму лирического портрета.
К числу наиболее удачных относится портрет сестёр княжон Анны Гаврииловны и Варвары Гаврииловны Гагариных. В его композицию вводится жанровое действие. Две молодые девушки, одетые по-домашнему, заняты музицированием. Mладшая — играет на гитаре и смотрит в нотный лист, который держит старшая сестра. Изящные позы, живые глаза, нежные овалы юных лиц, тонкие переливы серебристо-серых, фиолетово-розовых и голубых тонов, приветливая природа. Изысканная ярко-красная гитара не вносит диссонанс, а лишь подчеркивает светлые образы сестёр.
Хотя замысел этой картины близок идеям сентиментализма, показывая идиллию домашнего быта и нежные чувства, рождаемые музыкой, все же он несёт в себе значительный элемент новизны: в основу его положен мотив активного действия. В соответствии с ним и характеры девушек уже не скрыты тенью неопределенной мечтательности: в них больше конкретности и естественности.

Обычная на первый взгляд сцена чаепития под сенью дерева превращается у Перова в обличительную остросоциальную картину. Повёрнутый углом к зрителю стол со стоящим на нём самоваром делит пополам небольшое, по формату близкое к квадрату полотно. Так же на две части распадается и мир героев картины: по одну сторону оказывается толстый сытый поп, по другую – нищие инвалид и мальчик. Впечатление социальной драмы усиливает Георгиевский крест героя Крымской войны на груди инвалида. Вместе с тем воплощению мысли о необходимости восстановить справедливость и вернуть миру утраченную гармонию служат идиллический пейзаж фона и кругообразный ритм композиции картины.
Сюжетом "Чаепития", послужили действительные происшествия, которые Перов наблюдал во время путешествия по окрестностям Москвы. Подобное чаепитие происходило у него на глазах, когда он ходил к Троице-Сергиевой лавре. Он видел и самодовольно-равнодушного священника, и робкого послушника, которых потом изобразил на своей картине. Единственно, что он присочинил – старого воина калеку с оборванным мальчиком, которых прогоняет молодая служанка.
Художник заостряет социальные характеристики персонажей вплоть до гротеска, дабы воочию указать на конкретных носителей общественного зла – церковников.

Короткими, залитыми слепящим солнцем зимними днями 1909 года в загородном доме усадьбы Нескучное писала Зинаида Серебрякова автопортрет, известный под названием "За туалетом". Композиционно картина представляет собой изображение художницы, отражённое в зеркале — видна рамка зеркала и, кроме того, свеча с подсвечником в левом нижнем углу изображена дважды, вместе со своим отражением. Молодая женщина, изображённая на картине, смотрит на себя в зеркало и расчёсывает волосы. Автопортрет, написанный двадцатипятилетней женщиной, оставляет ощущение радости, отрады, чистоты. На портрете словно схвачен момент искрящегося счастья, душевного равновесия. Женщина молода и счастлива, полна энергии и ребяческого задора.
По настоянию Евгения Лансере (брата художницы) Зинаида Серебрякова послала автопортрет на VII выставку Союза русских художников, проходившую в 1910 году в Петербурге. Работа была хорошо встречена публикой и критиками. Прямо с выставки картина «За туалетом» была приобретена Третьяковской галереей.
Так стремительно вошла в большое искусство замечательная русская художница Зинаида Евгеньевна Серебрякова.

Пейзажам Серебряковой не свойственна внешняя эффектность, скорее поэтическая ясность восприятия. Темой для большинства пейзажных работ художницы стали окрестности родного Нескучного - поля, увиденные с пологих холмов, речки с зелеными берегами, цветущие яблоневые сады, осенние парки. Одно из самых известных из них - "Зеленя осенью" - показывает обширные поля, видимо, покорившие жительницу тесного Петербурга. Впечатления, выраженные Серебряковой в этом пейзаже, созвучны описаниям Александра Бенуа, который приезжал в Нескучное и оставил воспоминания: "Вид, открывавшийся оттуда, был поистине восхитительный в своем безграничном просторе и в своей солнечной насыщенности. Ряды невысоких холмов тянулись один за другим, все более растворяясь и голубея… Все дышало благодатью".
В декоративной трактовке цвета, в плоскостном изображении пространства ощутимы отзвуки модерна. Художница избирает нечто характерное для этого вида, создавая свой образ родного места.
В дальнейшем Нескучное разделит судьбу многих имений, оно будет сожжено и разрушено. Гибель усадьбы стала началом тяжелого периода в жизни самой художницы, которая столкнется с утратами и расставаниями. Нескучное навсегда останется для нее символом родины и счастья.

Семь портретов учениц Смольного института создавались в семидесятых годах XVIII века по инициативе Ивана Бецкого. Цикл символизировал появление нового просвещенного человека и стал художественным гимном первому реформаторскому порыву Екатерины Великой. До 1917 года картины находились в Большом Петергофском дворце, в неотапливаемом помещении. В Русский музей они поступили в плачевном состоянии. Первая советская реставрация привела «Смолянок» в чувство, но назвать эти работы приближением к авторскому замыслу с позиций сегодняшнего дня нельзя. Возвращение «Смолянок» состоялось уже в XXI веке благодаря новым технологиям и самоотверженному труду специалистов Русского музея.
Алымова изображена в белом шелковом платье, установленном для воспитанниц старшего (четвертого) возраста Воспитательного общества благородных девиц.

Алымова Глафира Ивановна (1758 − 1826) − дочь полковника И. А. Алымова. С 1764 по 1776 воспитанница Смольного института, по окончании которого с золотой медалью первой величины и шифром Екатерины II была взята ко Двору. Фрейлина Екатерины II (с 1776), была одной из лучших арфисток того времени, впоследствии статс-дама. Ее первый муж ¬ литератор, масон, вице-директор АН А. А. Ржевский, второй − И. П. Маскле, учитель французского языка и переводчик басен И. А. Крылова, впоследствии русский консул в Ницце. Была награждена орденом св. Екатерины Малого креста. Умерла в Москве.

Наряду с другими картинами 1895 года, «Март» и «Золотая осень», картина «Свежий ветер. Волга» считается одной из наиболее ярких и праздничных картин Левитана. Замысел этой картины родился у художника в 1890 году, когда он находился в Плёсе, а закончена картина была только через пять лет. Она была выставлена на 24-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок («передвижников») в 1896 году.
На картине изображёна река Волга в солнечный ветреный день. В правой части на переднем плане находится самоходная баржа с крупным парусом, навстречу которой плывёт белый пассажирский пароход. Также на переднем плане изображена лодка с одиноким гребцом, а вдалеке на заднем плане виден какой-то город.
Известный искусствовед Алексей Фёдоров-Давыдов так писал в своей статье о творчестве Исаака Левитана: "В любом сюжете Левитан был органично современен, изображал не природу вообще, а современный ему пейзажный облик своей страны. Волга была для него кипучей, исполненной деятельной жизни великой русской рекой («Свежий ветер. Волга»). Художник не знал противоречий между так называемыми лирическими и сюжетными пейзажами, как не знал противоречий между камерными и монументальными образами."
Ветром, свежим ветром, настойчивым и упрямым, насыщено это прекрасное полотно. Кто знает, не рассеют ли его порывы летучие легкие облака в бескрайне высоком небе, простершемся над столь же бескрайней синевой великой реки или, быть может, нагонят новые облака, которые вскоре закроют от нас ясный солнечный лик и лягут тяжелой мрачной тенью на речной простор? Весело и задорно гуляет ветер на широком раздолье знаменитого левитановского пейзажа, напрягает могучий парус самоходной баржи, прибивает к воде дымы пароходных труб, покрывает хлопотливой рябью величавую стихию еще недавно таких плавно уравновешенных волжских вод. Низко-низко летают над рекой белокрылые чайки. Хоть и ветреный, но погожий летний день. Где-то в стороне, за пределами холста, светит солнце, и освещенный им белый парус расписной расшивы торжественно выделяется на голубом фоне неба. Тяжело и едва приметно кренится расшива под ветром, дующим ей в корму. Празднично сверкает над синей водой ее нарядный красный борт, выразительно контрастируя с белизной паруса и встречного пассажирского парохода.
Композиция картины как бы вовлекает нас в ее бодрую, жизнерадостную атмосферу, словно свежий волжский ветер и впрямь дует нам в затылок, чтобы, обдав своим трепетным дыханием, умчаться вперед, в картину, в ее беспредельную, неуловимую даль, в ее ликующую красоту.

На марках:

1. Морской пейзаж. 2007
Алексей Владимирович Адамов (1971) - художник-пейзажист и маринист, автор сотен работ, посвящённых Азовскому морю, а также природе южной и среднерусской полосы.

2. Вид на Борисоглебский монастырь. 2001
Николай Иванович Боровской (1946) - известный российский живописец, признанный мастер портрета и пейзажа.

3. Гимнасты СССР. 1964-65
Дмитрий Дмитриевич Жилинский (1927) - Народный художник России, действительный член Академии художеств. Автор многочисленных сюжетных полотен, картин-портретов, в которых удачно, новаторски, переосмыслены традиции древнерусской иконописи и живописи раннего Возрождения. Принадлежит к поколению художников "сурового стиля", но стилистически стоит особняком.

4. Памятник Юрию Никулину. 2000
Александр Иулианович Рукавишников (1950) - скульптор, народный художник Российской Федерации. Мастер монументальных и станковых композиций, скульптурных портретов.

5. Айдан. 1967
Таир Салахов (1928) - советский, азербайджанский и российский художник-живописец, вице-президент Российской Академии художеств. Народный художник СССР.

6. Село Акиньшино. 1995
Владимир Яковлевич Юкин (1920-2000) - пейзажист, заслуженный художник РСФСР (1987), народный художник Российской Федерации (1995), один из основателей художественной группировки «Владимирская школа пейзажной живописи».

Картина написана Нестеровым в Уфе на сюжет, взятый из «Жития преподобного Сергия»: Отроку Варфоломею, будущему Сергию, не давалась грамота, хотя он очень любил читать, и он втайне часто молился Богу, чтобы тот наставил и вразумил его. Однажды в поле, куда Варфоломей пошёл по приказанию отца отыскивать коней, он увидел под дубом старца-черноризца, саном пресвитера. Старец молился, отрок подошёл к нему и поведал скорбь своей души. Сочувственно выслушав мальчика, старец начал молиться о просвещении дитяти свыше, затем, достав ковчег, вынул малую частицу просфоры и, благословив ею Варфоломея, сказал: «Возьми, чадо, съешь: сия даётся тебе в знамение благодати Божией и разумение Святого Писания». А когда отрок съел просфору, старец сказал ему: "О грамоте, чадо, не скорби: отсего дне дарует ти Господь грамоте умети зело добре". Так и случилось.
Нестеров долго не мог найти натуру для образа Варфоломея. И вот однажды, - как писал художник, - идя по деревне, я заметил девочку лет десяти, стриженую, с большими широко открытыми удивленными голубыми глазами, болезненную. Рот у нее был какой-то скорбный, горячечно дышащий. Я замер, как перед видением. Я действительно нашёл то, что грезилось мне: это и был «документ», «подлинник» моих грез.
Картина Нестерова вызвала противоречивые толки, с критикой выступил Стасов, но Павел Третьяков приобрел ее для своей галереи. А это был головокружительный успех для молодого художника. Религиозная тематика вовсе не была чужда передвижникам, только она решалась у них в сфере искусства, а не церкви, то есть не в сфере религии, а библейской мифологии. Картины на собственно религиозные темы по определнию должны висеть в церквях, где на них молятся, как иконам. На картины в музеях не молятся, а ими любуются. Одно дело – религиозное чувство, вера, другое – чисто эстетическое восприятие изображений, будь то ангелы, Христос, послушницы или старцы.
Нестеров справедливо считал, что именно "Видением отроку Варфоломею" он останется в памяти поколений.

«Неизвестная» считается одним из наиболее значительных и известных произведений Ивана Крамского. Дав полотну такое название, художник придал ему ореол таинственности и интриги. Живописцу удалось создать произведение, стоявшее на грани портрета и тематической картины.
На полотне изображена молодая женщина, проезжающая в открытом экипаже по Аничкову мосту. Она одета по последней моде 1880-х годов. На ней бархатная шляпка с перьями, украшенное мехом и лентами пальто, муфта и тонкие кожаные перчатки. Взгляд царственный, таинственный и немного грустный.
«Неизвестная» до сих пор остаётся загадкой художника. Ни в письмах, ни в дневниках он не оставил упоминаний о личности неизвестной. Существует версия, что прототипом к картине послужила курская девушка крестьянка Матрёна Саввишна, вышедшая замуж за дворянина Бестужева. Крамской познакомился с ней в Санкт-Петербурге и был пленён её красотой. Но в частном собрании Д. Фридриха в Праге хранится этюд, на котором та же женщина изображена, видимо, более достоверно. Также существует версия, что на картине изображена дочь художника, София Ивановна Крамская. Есть также версия, что это княгиня Екатерина Долгорукая, многолетняя содержанка императора Александра II, мать четверых его незаконнорожденных детей, которая позировала Крамскому урывками, и художник вынужден был приглашать других натурщиц. Это и вводит искусствоведов в замешательство: портрет написан с использованием эскизов и набросков с разных женщин.
Когда в 1883 году мэтр художников-передвижников Иван Крамской выставил этот портрет на 11-й выставке Товарищества передвижников, вдруг разгорелся скандал. Странно, ведь с нынешней точки зрения картина выглядит абсолютно невинно. Скандальным был в то время сам факт появления дамы без имени среди прочих «своих» портретов выставки: людей с именами – деятелей культуры и науки; или «идейных» полотен с героями – простыми гражданами-тружениками (крестьянами, купцами, студентами). Портрет так и остался единственным примером подобного изображения.
Портрет часто ошибочно называют «Незнакомка» из-за одноименного стихотворения Александра Блока.

На марках:
1. А.В.Балашов. Памятник Ф.И.Шаляпину. г. Казань. 1999 г.
2. С.А.Гавриляченко. Казачьи проводы. Стремянная. 1999 г.
3. А.Н.Ковальчук. Мамонты. г.Ханты-Мансийск. 2007 г.
4. Г.А.Леман. Теплый день. 1996 г.
5. В.И.Нестеренко. Русская Мадонна. 2005 г.
6. А.И.Суховецкий. Осень. Интерьер. 1992 г.

Маяковский, Шаляпин. Гиляровский, друзья-художники, видевшие эту картину на выставке «Союза русских художников», восторженно отзывались о ней. «Академик Архипов написал замечательную картину: изба, окно, солнце бьет в окно, сидят бабы….—говорил тогда Константин Коровин.—До сих пор я не видел ни в русской, ни в иностранной живописи ничего подобного. Нельзя рассказать, в чем дело. Замечательно переданы свет и деревня, как будто вы приехали к каким-то родным людям, и когда вы смотрите на картину, вы делаетесь молодым». Действительно, глядя на четырех молодых женщин в красном и на героинь всех последующих этюдов-портретов, не можешь избавиться от ощущения, что перед тобой—родные, знакомые женщины. прекрасные в своей естественности и простоте. Работая над картиной «В гостях», Архипов делал много этюдов деревенских женщин да так увлекся, что. и окончив картины, все продолжал писать своих «баб», радуясь новым типам, молодым и «в возрасте», веселым и шумным, охотно приходившим к приветливому, простому в обращении, серьезному в работе Абраму Ефимовичу.
В стремлении создать женский образ, характерный для эпохи в целом, художник не всегда сосредоточивался на конкретных лицах. Чаще его «крестьянки в красном» смотрелись как обобщенные, пламенеющие декоративные панно, на которых красный цвет затмевал все, горел мощно и победоносно. Был ли в этом просчет или свой особый смысл? Мнения расходились. Одни критиковали его, считая, что он поддался новым, формалистическим веяниям в искусстве, другие восторгались, называли его подлинно революционным художником. И время показало, кто был прав в этих спорах.
Художник вкладывал в приглянувшиеся ему женские образы и свое личное восприятие и понимание красоты. «Бабы» Архипова не походили на тех, что писал Малявин. В них не было стихийности, разгула, разрушительных, вырывающихся наружу страстей. Напротив, они пронизаны пафосом жизнеутверждения. Чувствуется, что художнику нравились бодрые, трудолюбивые землячки. Он молодел, глядя на них, и заставлял молодеть других. Он писал их широким мазком, сочно, темпераментно.

1. Д.А. Белюкин "Бабье лето. Раннее уро". 2003 г.
Дмитрий Анатольевич Белюкин (1962) - Народный художник России, член- корреспондент Российской академии художеств, член Студии военных художников им. М. Б. Грекова.
Дмитрий Белюкин объездил с этюдником полмира. Святая Земля, Афон и Синай вдохновляли его на создание монументальных, захватывающих дух полотен, но всё же центральной в творчестве художника всегда оставалась тема России. Пейзажи Родины — старинные монастыри и храмы или равнинные пейзажи, где лишь вдали сверкают золотом купола церквей. В картине, репродуцированной на марке, художнику удалось запечатлеть редкие ускользающие дни бабьего лета.

2. А.А. Любавин "Девочка и город. 2005 г.
Любавин Анатолий Александрович (1956) - живописец, Заслуженный художник РФ, Действительный член Российской академии художеств, профессор, Вице-президент Российской Академии художеств.
В своем творчестве Анатолий Любавин не касается политических, конъюнктурных и экзотических сюжетов. В течение многих лет он пишет старый чайник, вазу, детскую лошадку, дочерей, жену и деревню. Многие работы переписываются им по несколько раз. Трудно определить жанр полотен Анатолия Любавина. В его картинах нет аллегорий и оптического обмана. Он не имитирует натуру. По замыслу - вроде бы натюрморт. По персонажам – «фотографическая карточка на память». По цветовой пластике и ритму – музыкальное произведение. Искаженная перспектива, фигуры и предметы, подчиненные живописно-графической перекличке, порождают лирический диалог внутри холста.

3. В.П. Полотнов "На реке Трубеж". 2008 г.
Валерий Павлович Полотнов (1949) - Народный художник России, Секретарь ВТОО "Союз художников России".
Картинам В.П.Полотнова свойственна неброская цветовая палитра и особая прозрачная ажурность. Любимая тема – провинциальный пейзаж (в большом городе художнику не хватает простора, воздуха – "хоть рубаху на себе рви"). И на каждом полотне – золотые купола, устремленные в бескрайнее небо.

Эта картина является одной из самых известных картин Поленова.
В июне 1877 года Василий Поленов переехал из Санкт-Петербурга в Москву и стал снимать квартиру на углу Малого Толстовского и Трубниковского переулков близ церкви Спаса на Песках. Из окна своей квартиры он и написал этюд к пейзажу «Московский дворик». Поленов так описывал историю создания картины: «Я ходил искать квартиру. Увидал записку, зашел посмотреть, и прямо из окна мне представился этот вид. Я тут же сел и написал его».
На картине изображён типичный старый московский дворик в начале лета. Солнце ещё не взошло высоко над горизонтом. Во дворе играют дети, идёт женщина с ведром, стоит запряжённая в телегу лошадь. На заднем плане купола церкви.Тишина. Неторопливо течет повседневная жизнь обитателей дворика. Сердечностью, ясной улыбкой озарен пейзаж. Чувство покоя и безмятежности разлито в природе. По словам искусствоведа Т. В. Юровой, «В. Д. Поленов вложил в полотно всю силу своей любви к людям и к жизни, именно эта любовь делает поэтическими самые обычные прозаические вещи».
«Московский дворик» — пейзаж-картина. Это произведение может быть названо картиной не только благодаря композиционной завершенности, гармоничности и законченности исполнения, но прежде всего в силу значительности, типичности образа реальной действительности. Пейзаж Поленова дан в столь обобщающей форме, что вызывает в памяти множество подобных уголков в старой Москве и в далекой провинции.
Картина Василия Поленова имела на выставке художников-передвижников 1878 года большой успех и принесла художнику известность.

Левитан любил рисовать осенние пейзажи. У него было более сотни картин, связанных с этим временем года. Среди них картина «Золотая осень» является одним из самых известных произведений художника. На ней изображена небольшая речка, окружённая деревьями, покрытыми жёлтой и красной осенней листвой. Вдали видны деревенские домики, поля, а далее, на горизонте — осенний лес, окрашенный в оттенки жёлтого цвета. Яркие, мажорные, оптимистические цвета этой картины не являются характерными для творчества Левитана — обычно он использовал более мягкие и нежные тона.
Левитан - мальчик из еврейской семьи, по сути отказавшийся от своего происхождения, отдав всего себя и положив себя на алтарь русской культуры. Картина «Золотая осень» среди других его картин занимает очень важное место. Левитан здесь изображает самый простой мотив - это среднерусская природа с русской речкой, уходящей от зрителя в глубину пространства, с лугами, с небольшим березовым леском, темнеющими далями, озимыми полями. То есть самый обычный среднерусский пейзаж, утопающий в золотых красках осени. И вот при всей простоте и, казалось бы, обыденности мотива Левитан наделяет эту картину каким-то особым торжественным патетическим настроением. Он словно приглашает нас охватить эту землю, эту роскошную природу, купающуюся в красках золота. Любоваться этой землей и прославлять ее. Один из очень известных исследователей творчества Левитана Федор Давыдов написал в своей книге о Левитане, что картина звучит, как поэма, как высший ранг поэтического, как гимн, гимн действительно русской природе, красоте русской природы, потому что здесь этот вид, эта многокрасочность, эта яркость, праздничность красок, она дает нам возможность прославлять русскую природу.

Эта, ставшая хрестоматийной картина, была написана в марте 1895 года, полностью с натуры, без предварительных этюдов, за несколько сеансов. Левитан в это время жил в усадьбе Горка, расположенной в полутора километрах от деревни Островно, ныне входящей в состав Удомельского района Тверской области. Усадьба принадлежала тайному советнику Ивану Николаевичу Турчанинову, и там часто проводила время его жена Анна Николаевна с дочерьми. Главным зданием усадьбы был двухэтажный дом с мезонином, окрашенный в желтоватый цвет.
Левитан писал картину на задворках усадьбы, стена которой видна в правой части картины. Солнечный мартовский день, начавший уже таять снег, деревья и просёлочная дорога, подходящая к крыльцу, у которой, греясь на солнышке, смирно стоит лошадь с санями. Эта лошадка стоит в центре пейзажа и составляет его неотъемлемую часть. Сохранилось даже имя лошади с усадьбы «Горка» — Дианка. Дверь в доме открыта. Эта деталь не случайна, она играет в пей­заже большую роль. Открытая дверь говорит о присутствии человека. Всё выглядело бы зна­чительно бедней без такой, казалось бы, несущественной подробности, мелочи. Общее настроение ожидания трогает нас в картине. Это ожидание прихода настоящей, теплой, могучей и неотвратимой весны. Скорое наступление её ощущается во всем: в ослепительном снеге, и в набухших почках, и в цвете теней, которые из холодно-синих становятся лиловатыми. Оттенки снега, синие тени деревьев и голубое небо создают очень живописную картину - сюжет, который потом не раз повторялся в пейзажах других русских художников.
Что, собственно, изображено на картине "Март"? Всего-навсего задворки обыкновенной усадьбы, пригретые и освещенные солнцем, тающий снег с синими тенями, тонкие ветки деревьев на фоне неба, весело и ярко освещенная стена дома. Но сколько во всем этом сладкой, безотчетной весенней мелодии, и может ли быть что-нибудь проще, безыскуснее и одновременно нежнее, напевнее этой обыденной на вид картины?
И. Левитана называли "чистым пейзажистом". Впоследствии не раз высказывалось мнение и о том, что именно с "Марта" импрессионистские приемы стали неотъемлемой частью левитановской живописи.