Эмилия Флеге — муза и ангел Густава Климта

Самой излюбленной темой для картин Густава были женщины: эротичные, чувственные, роковые, волевые и такие страстные, они буквально царят в его произведениях. А если на полотнах художника и встречаются изредка мужские образы, то они лишь призваны служить своеобразным живым фоном, и ещё больше оттеняют волшебный мир женщин. Картины Густава имели не только успех и признание у зрителей, но и суровое порицание консервативных Венских кругов, которые обвиняли живописца в откровенной порнографии. Впрочем, разве Климт единственный среди Художников, которые черпали вдохновения в женщинах, и женщины отвечали ему безусловной взаимностью.Женщин было много,они охотно входили в жизнь этого необыкновенного мужчины, некоторые даже рожали детей, на что они рассчитывали? Заканчивалась работа над картиной, появлялся новый замысел, а значит почти всегда и новая женщина.

Отношения с двумя женщинами в жизни Климта стоят особняком: Адель и Эмилия. Эта статья про Эмилию, Эмилию Флеге.

Пейзажи — другая грань творчества

Густава Климта 

Густав Климт. 

Вспоминая великого австрийского художника Густава Климта, прежде всего приходят на память такие его картины, как "Поцелуй", "Золотая Адель", "Наяды","Рыбки" (серебряные и золотые), "Три возраста женщины","Ожидание", "Упоение"... Многочисленные женские портреты... Женщины, Женщины, Женщины! Его музы, его любовницы, его подруги, его заказчицы. 

Пейзажи — это другая грань его творчества. К пейзажной живописи Климт обращается довольно поздно, ему уже было за тридцать. Несмотря на это, и то, что писал он свои пейзажи эпизодически, во время летнего отдыха на озере Аттерзее, художник оставил около 50-ти пейзажей (это почти четверть его работ). 

Фруктовые деревья, 1901

Цветочные ковры полей. Орнаментальные мозаики фруктовых садов, сосновых и берёзовых рощ. Словно светящиеся витражи,— отражения в озёрах. Пейзажи Климта можно рассматривать не только как картины, но и как произведения прикладного искусства. Климт стирает границы между различными видами и жанрами ,а в сущности, между искусством  "чистым" и "функциональным". Подобное стремление объяснимо. Отец его был ювелир, сам Густав Климт изучал прикладное искусство в Художественно-промышленной школе, увлекался мозаикой. Поездка в итальянскую Равенну в 1903 году, увиденные там золотые мозаики, способствовали началу "золотого периода".

Яблоня, 1912

Густав Климт. Портрет Сони Книпс

Густав Климт. «Соня Книпс», 1898 г. Холст, масло. 

Внутренний мир Климта, тщательно оберегаемый им от постороннего вторжения, находился под двойной «нагрузкой», ведь его жизнь и творчество совпали с переломной эпохой, и ее новыми, быстро меняющимися формами изобразительного искусства. Во все века актуальный в живописи образ женщины, «ринулся» на свободу, избавляясь от затхлых устоев традиционности, и теперь, для Климта пришло время выставить на суд общества идеал своей женщины – «настоящей», когда чарующей, но иногда и бросающей в дрожь, и все же, сохраняющей загадочность и глубину.

Время роковых соблазнительниц, окруженных символами, и заставляющих зрителя испытывать широчайшую гамму чувств, постепенно приближалось, пока же художник создавал портреты дам из верхушки венской знати, в основном той, которая щедро финансировала «Сецессион».

В 1898 г. Климт написал «Портрет Сони Книпс», первую работу из этой серии, запечатлев на полотне жену одного из самых богатых австрийских промышленников – Книпса, мецената, покровительствовавшего Модерну. Глубоко индивидуальное произведение, в котором объединились нескольких стилей, на первый взгляд может показаться даже шаблонным.

Дама, знающая себе цену, смотрит гордо, и со сдержанностью аристократки, но обратив внимание на ее пальцы, судорожно вцепившиеся в подлокотник кресла, зритель тут же ощутит исходящую от героини волну внутреннего напряжения, даже дрожи. Почувствовав это несоответствие внешнего и внутреннего состояний, молодая женщина уже перестает ассоциироваться с воздушной бабочкой, готовой вот-вот вспорхнуть. Легкость, которой художник наделил облик модели, появилась благодаря почти импрессионистской манере написания нежно-розового платья.

Ассиметричное положение фигуры и затемненное пространство второго края, напоминают о приверженности Климта дальневосточному стилю. Также этот прием позволил добиться максимальной четкости и выразительности портретируемой.

Густав Климт. «Дама с веером»

Густав Климт. «Дама с веером», 1917-18 г. Холст, масло.

Смерть матери в 1915, оказалась для Климта наиболее чувствительным ударом судьбы за все годы его жизни. Живопись, представлявшую для художника наибольшую ценность в жизни, он не бросил, резких стилевых изменений в творчестве тоже не произошло, но мрачные мотивы в ряде произведений, все-таки были заметны. К счастью, этот период длился недолго, и волшебство природы и, конечно же, обворожительные женщины, чарующе засияли в новых полотнах Климта.

Сюжеты с доминированием женщины то исчезали, то появлялись, но полумифические существа, от одного взгляда которых мужчины превращались в безвольных рабов, остались в прошлом. Может быть, Климт уже перестал «бояться» этой дикой, непредсказуемой, иногда гибельной энергии, которую он видел в женщине, и наконец-то разглядел в ней что-то более интригующее?

Картина «Дама с веером» принадлежит к поздним работам Климта, но в ней, как и в ряде прежних произведений, можно найти не только изысканный эротический подтекст, но и много психологических моментов, интересных ценителям творчества художника.

Заметно, что мастер, создавая образ восточной женщины, не изображал какую-то определенную личность. Обольстительная красавица обладает индивидуальностью, у нее есть ярко выраженная харизма. Это не женщина-вамп, под невозмутимой маской которой скрывается мощь, способная испепелить все живое. Тело модели оголено предельно естественно, с «математической точностью», безо всякого намека на вульгарность. Именно это, оставленное открытым для «домыслов» плечо, хоть и ненавязчиво, но «изуверски расчетливо» порабощает мужчину. Тонко передана и чувственность модели.

Покончено с чересчур откровенными сюжетами, часто с трудом воспринимаемыми самыми верными почитателями творчества художника, но парадокс, теперь зрителю самому хочется, или мерещится, как кимоно соскальзывает с плеч прелестницы, и…

Может ли такая женщина быть служительницей «сферы» телесных утех, ответить сложно, наверное, это очередная психологическая загадка от Климта, заставлявшего зрителей самим искать ответы.

Судя по независимому виду Дамы, «платные отношения», скорее всего, не ее уровень, но изображения цветов и птиц, оригинально обогативших модернистский колоритный фон, в восточном искусстве несут определенную смысловую нагрузку (например, курица, может означать женщину легкого поведения). Также в очередной раз Климт мастерски применил свой «фирменный прием», когда одежда модели, соприкасаясь с элементами фона, плавно перетекает в него.

Более прозаично, но не менее возвышенно звучит одно из мнений историков, полагающих, что «всего лишь» грация и женское изящество, которые боготворил Климт, стали источником вдохновения и основным мотивом, побудившим художника к созданию этого шедевра.

или Другая Адель

«…Ужасно нежная и томная…Одухотворенное лицо…Самодовольная и элегантная», этот отрывок из фразы Марии Альтман – племянницы Адели Блох-Бауэр, с восхищением и любовью вспоминавшей свою знаменитую тетку, наиболее удачно подходит в качестве эпиграфа к четвертой – заключительной работе Климта, на которой увековечена одной из его своеобразных «муз».

«Портрет Адели Блох-Бауэр II» написан мастером в 1912, спустя пять лет после создания им «Золотой Адели». Красота героини с годами не увяла, ее темные волосы и яркие чувственные губы по-прежнему привлекательны; их контраст с бледным тоном полотна придает им умеренно дозированную свежесть. Взгляд такой же уверенный, правда в нем добавилась еле уловимая печаль. Гармонично смотрится «фирменный» климтовский орнамент. Мастер не стал создавать перспективную глубину, решив остановиться на плоскости.  В обычной двухмерной плоскости изображено и платье Адели, касается это и интерьера, разделенного на две части: красную и зеленую.

Густав Климт. «Три возраста женщины»

К разряду необычных и, без преувеличения, загадочных работ Климта, относится произведение «Три возраста женщины», в котором художник снова обращается к постоянно волнующей его женской теме, но уже в более «расширенном» аспекте, затронутом ранее в картине «Любовь». Условно поделив жизненный путь женщины на три наиболее важных периода, Климт не только сделал ударение на цикличности этого пути, но еще показал жизнь и смерть, в их нераздельной связке; может быть поэтому, при созерцании сюжета можно почувствовать как чувство радости, так и «заразиться» унынием и грустью.

Беззаботное младенчество, переданное через детскую фигуру, показывает, скорее всего, лишь «отправную точку» только что начавшегося бытия, и вызывает всего лишь умиление. Стилизованный образ молодой женщины, которая пребывает в гармонии с собой и окружающим миром, что подчеркнуто ее изображением на фоне яркого орнамента жизни, резко контрастирует с персонажем старухи, вызывающе натуралистическим. В таком противопоставлении этих двух образов можно найти символический смысл, показывающий две фазы жизни: первая, когда женщина достигла уже многого, но еще «наслаждается» ощущением возможности сделать выбор в любом, касающемся лично ее, вопросе, и вторая – всего лишь мириться с «плодами» сделанного ранее выбора, со слезами воспринимая реальность.

В этом произведении обнаженные тела персонажей далеки от климтовской эротики, не всегда понятной публике, а тем более, критике, но свежесть жизни и свет, исходящие от матери и ребенка, многократно оттеняют ссохшуюся плоть старухи, восстанавливая в композиции своеобразный баланс.

Лишь в единичных случаях комментировавший свое творчество, Климт всегда оставлял за зрителем право самостоятельно находить смысл изображенного на картинах, не давая каких-либо «наводящих» подсказок; не стала исключением и «Три возраста женщины»: казалось бы, тематика работы однозначно женская, но задержав свое внимание на персонаже старухи, может возникнуть вопрос, волнующий каждого: «не так ли выглядит окончательный Суд, о котором говорит Писание?»

 ПОЭЗИЯ И ЖИВОПИСЬ: 

Сэр Лоуренс и Густав Климт


Альма-Тадема Сэр Лоуренс

САША ЧЁРНЫЙ

Создатель мой! Спасибо за весну!
Я думал, что она не возвратится,-
Но... дай сбежать в лесную тишину
От злобы дня, холеры и столицы!
Веселый ветер за дверьми...
В кого б влюбиться, черт возьми?


Густав Климт. Сад цветов, 1905-1907 гг.

Густав Климт. «Дама с веером»

Густав Климт. «Дама с веером», 1917-18 г. Холст, масло.

Смерть матери в 1915, оказалась для Климта наиболее чувствительным ударом судьбы за все годы его жизни. Живопись, представлявшую для художника наибольшую ценность в жизни, он не бросил, резких стилевых изменений в творчестве тоже не произошло, но мрачные мотивы в ряде произведений, все-таки были заметны. К счастью, этот период длился недолго, и волшебство природы и, конечно же, обворожительные женщины, чарующе засияли в новых полотнах Климта.

Сюжеты с доминированием женщины то исчезали, то появлялись, но полумифические существа, от одного взгляда которых мужчины превращались в безвольных рабов, остались в прошлом. Может быть, Климт уже перестал «бояться» этой дикой, непредсказуемой, иногда гибельной энергии, которую он видел в женщине, и наконец-то разглядел в ней что-то более интригующее?

Картина «Дама с веером» принадлежит к поздним работам Климта, но в ней, как и в ряде прежних произведений, можно найти не только изысканный эротический подтекст, но и много психологических моментов, интересных ценителям творчества художника.

Заметно, что мастер, создавая образ восточной женщины, не изображал какую-то определенную личность. Обольстительная красавица обладает индивидуальностью, у нее есть ярко выраженная харизма. Это не женщина-вамп, под невозмутимой маской которой скрывается мощь, способная испепелить все живое. Тело модели оголено предельно естественно, с «математической точностью», безо всякого намека на вульгарность. Именно это, оставленное открытым для «домыслов» плечо, хоть и ненавязчиво, но «изуверски расчетливо» порабощает мужчину. Тонко передана и чувственность модели.

Покончено с чересчур откровенными сюжетами, часто с трудом воспринимаемыми самыми верными почитателями творчества художника, но парадокс, теперь зрителю самому хочется, или мерещится, как кимоно соскальзывает с плеч прелестницы, и…

Может ли такая женщина быть служительницей «сферы» телесных утех, ответить сложно, наверное, это очередная психологическая загадка от Климта, заставлявшего зрителей самим искать ответы.

Судя по независимому виду Дамы, «платные отношения», скорее всего, не ее уровень, но изображения цветов и птиц, оригинально обогативших модернистский колоритный фон, в восточном искусстве несут определенную смысловую нагрузку (например, курица, может означать женщину легкого поведения). Также в очередной раз Климт мастерски применил свой «фирменный прием», когда одежда модели, соприкасаясь с элементами фона, плавно перетекает в него.

Более прозаично, но не менее возвышенно звучит одно из мнений историков, полагающих, что «всего лишь» грация и женское изящество, которые боготворил Климт, стали источником вдохновения и основным мотивом, побудившим художника к созданию этого шедевра.
 

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Портрет Маргарет Стонборо-Витгенштейн

Тонкий знаток женской психологии Климт, легко предугадывал, в каком ракурсе желает себя видеть очередная представительница венского высшего общества, заказывающая у художника портрет. В реальной жизни дамы не всегда блистали совершенством, но кисть живописца творила чудеса, и женщины на полотнах хоть и имели слегка надменный вид, зато не были лишены очарования.

Бывали случаи, когда Климт «не справлялся» с заданием, и модель не получала желаемого, что и произошло в случае с картиной «Портрет Маргарет Стонборо-Витгенштейн». Отец девушки заказал портрет дочери в качестве свадебного подарка. По слухам, Маргарет, отличавшейся современными взглядами на жизнь, не понравилось то, что ее портретный двойник кажется робким, а от облика веет девической невинностью.

Возможно, недовольство Маргарет своим портретом, могло быть вызвано завышенным уровнем ее требований, ведь девушка отличалась образованностью и недюжинным природным умом. Кроме этого, среди увлечений Маргарет значилась и психология, и она была дружна с Зигмундом Фрейдом, а известный философ Витгенштейн приходился ей родным братом.

Допускают, что позировать Климту, Маргарет могла и без одежды, накинув лишь палантин, такой же по оттенку, как и свадебное платье; по свидетельству современников художника, он часто рисовал моделей обнаженными.

Совершенство композиции достигнуто «скромным» подходом автора, отказавшегося от традиционного использования золота, что переместило внимание зрителя на лицо героини, и ее платье.

Вернисаж одной картины:

Древо жизни — Свершение»

Густав Климт. Триптих «Ожидание — Древо жизни — Свершение»

Работа над фризом, заказанным Климту для обеденного зала дворца Стокле в Брюсселе, потребовала от художника применения всех своих творческих возможностей, предоставив шанс на практике защитить идеи Сецессиона, для которого разделение искусства на «чистое» и «функциональное», считалось неприемлемым.

Мозаика для обеденного зала в стиле модерн, была бы отличным дополнением к архитектуре дворца, задуманной в соответствии с этим направлением, поэтому заказчики – промышленник Стокле и его супруга, обратились к нескольким художникам, в том числе и к Климту – мастеру, «знающему толк» в современном декорировании. Достижение гармонии между архитектурой здания и помещений, а также фризом для зала, представляло задание не из легких, но было несколько упрощено благодаря тому, что строительство дворца велось параллельно с созданием картин, украсивших зал.

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. "Поцелуй"

Картина «Поцелуй» является одним из самых известных произведений Густава Климта. Оно относится к «золотому» периоду творчества художника и в полной мере отражает все особенности данного этапа. Название «золотой» связано прежде всего с техникой работы, которая преобладала в это время. Климт активно использовал оттенки золотого, работал с сусальным золотом. В соответствии с этим, преобладающим цветом на картине «Поцелуй» является золотой. Такой оттенок занимает большую часть полотна.

Картина символична и даже несколько схематична. Сюжет довольно прост. В центре полотна изображены две фигуры, стоящие на краю скалы. Мужчина наклонился к женщине, чтобы поцеловать ее. Пара абсолютно отделена от всего, что ее окружает, молодые люди увлечены друг другом. Примечательно, что никакие детали больше не видны, их просто нет. Да и зритель оказывается несколько отстраненным, сторонним наблюдателем.

Оригинальность картины и в необычном целостности фигур. Кажется, что мужчина и женщина слились воедино, стали одним целым. Однако автор все же разделил их с помощью различного орнамента. Причем исследователи отмечают, что узоры подобраны художником в соответствии с полом героев. Фигура мужчины изображена с помощью четких, строгих форм и оттенков. Женщина же выделена посредством более мягкого, утонченного орнамента.

Фон картины также выполнен с использованием оттенков золотого. Вкрапления этого цвета напоминают мерцающие звезды. Этот эффект подчеркивает ощущение, будто герои стоят не просто на краю скалы, но на краю вселенной, одни в целом мире. Это впечатление усиливается также плавным перетеканием одних линий и форм в другие.

Полотно «Поцелуй» выделяется в общем ряду работ Климта. Большая часть его картин посвящена обнаженной натуре, в «Поцелуе» же любовь изображена целомудренной, нежной, особое внимание уделено одежде. Однако популярная во времена создания картины теория Фрейда все же нашла свое отражение в полотне.

Характерно, что лицам героев картины художник уделил мало внимания. Если лицо женщины видно зрителю, то лицо мужчины скрыто. Однако накал чувств, буря эмоций чувствуется в позе влюбленных. Примечательна отрешенная фигура женщины, которая буквально дышит покорностью, и страстная, трепетная фигура мужчины.

Исследователи предполагают, что в основе картины «Поцелуй» автобиография художника. Считается, что в образе женщины, Климт воплотил черты Эмилии Флеге, которая сыграла важную роль в жизни художника.

Вернисаж одной картины: 

Портрет Эмилии Флёге

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Портрет Фрицы Ридлер

Позволяя кисти Климта увековечивать своих жен, заказчики, а это, в основном, сановитые чиновники или представители богатых семей, вряд ли интересовались, что означали замысловатые орнаменты, или символы, которыми автор обильно «нашпиговывал» портреты.

Слава Климта в Вене не ограничивалась его оригинальным творчеством, она касалась и его страсти к женщинам, может быть, поэтому художник, тонко чувствовавший внутренний мир модели, дополнял обычные женские образы символами эротического характера, с виду казавшимися «невинным» орнаментом.

Густав Климт. Портрет Фрицы Ридлер, 1906 г. Холст, масло.
Галерея Бельведер, Вена, Австрия

На картине «Портрет Фрицы Ридлер», зритель «встречается» не с женой государственного чиновника, коей на самом деле была эта женщина, а скорее, со жрицей любви. Голова модели находится на уровне орнаментального окошка, может быть, для того, чтобы получилось сходство с головным убором Марии Терезии, кисти Веласкеса. Только самые внимательные обнаружат, что сексуальная символика – «павлиньи глаза», образуют кресло, на котором восседает героиня и, с трансформацией этого предмета в орнамент, исчезает его глубина и форма. Акцент золота, исчезнувший было из картин, проявился с новой силой.

Сложно определить, что эротического нашел художник в этой немолодой, несколько разочарованного вида даме, да и искал ли он его вообще, но зрителя как бы зовут подсмотреть за героиней с помощью этих таинственных глаз. Может быть, психолог Климт разглядел во фрау Ридлер не столько спутницу важного чиновника, игравшую в его жизни роль «декора», а всего лишь женщину, истосковавшуюся по романтическим отношениям.

В этот период творчества, Климт смещал акценты в сторону крупных орнаментальных вставок, причем иногда они выглядели главнее самого облика портретируемого.

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Портрет Евгении Примавези
 

Любопытно, почему Климт, просто бесивший критику своим пренебрежением к ее мнению, или иногда экстраординарно отвечавший на злобные нападки, побаивался, с его же слов, актрисы Евгении Примавези – жены банкира Отто Примавези, крупного заказчика, покровительствовавшего творчеству художника.

«Бодрящий» эффект от созерцания картины «Портрет Евгении Примавези» ощущается сразу, она не «отпускает» зрителя, воздействуя на его подсознание неповторимым цветочным мотивом. В этот период живопись Климта обогатилась цветовыми решениями, заимствованными у Матисса и Ван Гога.

Густав Климт. Портрет Евгении Примавези. Холст, масло

Художник нередко изображал женщин облаченными в воздушные платья, и их полупрозрачные одежды сливались с таким же фоном, поэтому, лицо портретируемой было в сюжете главным. Теперь же, Климт «соткал» настолько замысловатую ярко-пеструю одежду, что зрителю, помимо его воли, приходится задерживать свой взгляд на цветастом платье Евгении. Наверное, если бы на сосредоточенно-строгом лице не сиял яркий румянец, балансирующий композицию, то облик модели стал бы тусклым, окончательно уступив позиции многоцветному декору.

У специалистов эта картина на особом счету, ее психологическое воздействие на подсознание человека, считается очень сильным. После нее, Климт написал еще одну картину такого плана – «Дорожка в саду и куры», к сожалению, утраченную в 1945-м.

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Шуберт за фортепиано

Вернисаж одной картины: 

Густав Климт. Обнаженная истина

Сложно определить степень «скандальности» работ Климта, через которые он доносил до зрителя свои взгляды на мир, пропущенные через «эротическую призму» видения тех или иных событий. Художник сторонился политики в любых ее проявлениях, но свободу искусства, заключенного, по его убеждению, в жесткие рамки традиционности, он отстаивал со всей мощью своего таланта, мастерски нажимая на самые «болевые» точки современного ему общества.

Густав Климт. «Обнаженная истина», 1899 г. Холст, масло.
Австрийская национальная библиотека, Вена, Австрия

В 1899 добропорядочная венская публика была шокирована произведением Климта «Обнаженная истина», в котором автор изобразил голую женщину, с чувством превосходства, и даже с неким вызовом, «насмехающуюся» над оскорбленными чувствами приличного общества. Художник «объявил» о начале новой эпохи своего творчества, которое можно было бы назвать «натуралистическим». В образе модели нет и намека на традиционные каноны живописи, с их идеализацией женского тела. В облике рыжеволосой модели явно угадывалась обычная кокотка, не замороченная какими-либо комплексами; она только что гуляла венскими улицами, и по первому требованию «работодателя», немедленно разделась для позирования.

Заведомо зная реакцию общества на это произведение, Климт решил изощренно поиздеваться над чувствами «добропорядочной толпы», снабдив картину цитатой из Шиллера, в которой говорится, что нравиться многим – плохо.

Часть исследователей творчества Климта связывают этот символический персонаж с его Юдифью, считая эти образы олицетворением чувственных инстинктов, представляющих собой источник зла.

Посещает зрителя «Обнаженной истины» и еще одна, несколько «крамольная» мысль, связывающая самого автора картины с изображенной моделью, зеркало которой «предлагает» возмущенной публике посмотреть в свое отражение и задать себе сокровенный вопрос: «а каков же внутри я, если останусь один на один с собой, отбросив внешнюю оболочку?»

Фото дня:

Картины Густава Климта и их герои

Эта фотография была сделана в Метрополитен музее в Нью-Йорке в 1987 году. На фотографии Мада Примавеси рядом со своим портретом кисти Густава Климта. Ее портрет был написан в 1912 году, когда Густав Климт был очень модным художником. Состоятельные люди Вены старались заказать у него портреты членов своей семьи. Мада была дочерью банкира и мецената, которому удалось заказать не только портрет дочери, но и портрет жены.

Картина дня: Густав Климт.

Пейзаж с березами, 1901

Вернисаж одной картины.

Густав Климт. "Идиллия"

Картины Климта глубоко символичны – их трудно прочитать с одного взгляда, в них нужно вдумываться, прикидывать, выдвигать гипотезы и отвергать их. А самое захватывающее в них то, что единой разгадки, которая подойдет всякому, для них нет. Каждый волен толковать их так, как вздумается ему, в зависимости от своего мировоззрения и взгляда на жизнь. Ведь у всех разные приоритеты и разный способ восприятия действительности.

Так «Идиллия» вряд ли может показаться кому-то истинно идиллической. В центре картины мать, ласкающая детей – сценка милая, целомудренная, приятная взгляду. В ней торжествует жизнь, извечное возрождение и непрерывность, счастье, покой и радость материнства.

Картина дня: Густав Климт.

Мучительная печаль.

Фрагмент фриза "Бетховен"

Вернисаж одной картины.

Густав Климт. "Смерть и жизнь"

Знаменитый австрийский художник стал родоначальником модерна в Австрии. Главные темы его полотен – прекрасное женское тело. В связи с этим, основная часть его работ пропитана откровенными эротическими сюжетами.

В раннем возрасте у Густава обнаружилась тяга к живописи. В студенческие годы Густав вместе с младшим братом Эрнстом и лучшим другом Францем Мачем создали художественную команду, которая быстро стала известной и популярной. Молодые люди трудились над эскизами к масштабному мероприятию, приуроченному к серебряной свадьбе императора Франции, Иосифа и его невесты – императрицы Елизаветы. Стиль оформления торжества напоминал полотна Рубенса и направление венецианской школы.