Он - Нейл Армстронг jungle-движения, Rob Haigh из Omni Trio назвал его Дерриком Мэем hardcore сцены. Даниел Вильямсон (LTJ Bukem) произвел настоящую революцию в нашем сознании, и именно благодаря ему мы сейчас слушаем jungle и drum'n'bass. Он создал треки, которые навечно вошли в историю музыки.

Еще в конце 80-х Bukem твердо решил не придерживаться существующих тенденций в танцевальной музыке. "Я назвал мой первый трек 'Logical Progression' (Логическое продвижение) и это отражало положение дел в танцевальной музыке на тот период времени. Это было время, когда музыка должна была двигаться вперед." И она двигалась...

Сейчас он делает следующий виток в Drum'n'Bass - сборники EARTH. Для музыки, собранной на этих релизах можно дать только одно определение - 'future': future jazz, future hip-hop, future jungle, future MUSIC!.. На Earth Volume Two записаны девять треков и только два из них могут быть названы jungle или drum'n'bass. В основном это 110/120 BPM хип-хоп треки с примесями всего, чего только можно - jazz, latin music, freestyle...

Музыка от LTJ Bukem - это не просто 'вырезал и вставил' (cut & paste), - это настоящая работа с материалом. Многие известные клубы просят его поиграть Soul, Jazz и Funk. Но он отказывается. "У меня есть все, чтобы я мог играть это хоть сегодня. Я постоянно использую этот материал в своей работе, но сейчас я хочу сделать что-то совершенно новое и неизвестное." И каждый новый релиз, к которому имеет отношение Bukem заставляет нас подумать "Черт, это и правда что-то новое!"

В бесконечно распухшем мировом каталоге того, что принято именовать клубной музыкой, есть масса вещей сомнительного толка. А именно таких, ценность которых за пределами танцпола практически нулевая. Все эти многочасовые пульсации, написанные в режиме 160-180 ударов в минуту, по сути интересны только двум категориям людей - профессиональным ди-джеям, познающим секреты мастерства,
и их обдолбанным клиентам, достигающим нужного состояния, как правило, в окружении себе подобных и в антураже безумствующих световых лучей. ОК, каждый расслабляется как может. Но есть вещи на порядок выше.

''Planetfunk'' - идеальная клубная музыка (производство - Италия). И при этом в ней есть нечто, что выводит ее за пределы этого субкультурного жанра. Гибкость мышления, изящество и непредсказуемость аранжировок, игра разношерстных вокалов, продуманная интеллигентность саунда - за всем этим скрывается желание делать не разухабистое пати для честных тружеников танцпола, а просто музыку.
Сказать, что они в своих изысках дошли до каких-то умопомрачительных вершин, - так нет же. Но здесь все пропитано чувством вкуса и меры, которое практически невозможно приобрести и по некоторым данным называется врожденным талантом. ''Planetfunk'' - это такая тихая, неторопливая и размеренная колбасня для поклонников искусного обращения с благами нашей техногенной цивилизации:
уж из секвенсоров эти итальяшки выжали все соки. Что касается ориентиров, фрагментами они странным образом напоминают Groove Armada. ''Странным'' потому, что они слишком легкомысленны на фоне британцев. Чем и хороши.
Источник биографии:www.domosed.com.ua

Группа образована в 1970 году в ФРГ.
Ральф Хуттер - вокал, электронные инструменты
Флориан Шнайдер - вокал, электронные инструменты
В 1970 году выпускники Дюссельдорфской консерватории Р.Хуттер и Ф.Шнайдер организовали квинтет Organisation, который работал в манере Pink Floyd и ранних Tangerine Dream. Группа записала два альбома, которые были выпущены только в ФРГ. Затем музыканта вышли из состава группы и начали работать как дуэт.
Пара много экспериментировала с наложением звука, в их первых пластинках прослеживается влияние не только рокового авангарда, но и таких композиторов-минималистов, как Карл Хайнц Штокхаузен. Kraftwerk пытались музыкально-механическими средствами привлечь внимание слушателя к процессу ускоряющейся урбанизации общества, создали что-то вроде синтезированной модели общества будущего.
Первый большой успех пришел в 1974 году, когда Kraftwerk, превратившись к тому времени в квартет, выпустили очень сильный альбом ''Autobahn'' (одноименная композиция заняла 11-е место в хит-парадах США и 25-е в Англии). Вслед за этой работой появился концептуальный диск ''Radio-Activity'', в котором была сделана попытка соединить развлекательную и экспериментальную музыку. Позже стремление к такого рода синтезу превратилось в навязчивую идею и отрицательно сказалось на творчестве группы.
Вскоре Kraftwerk подписали контракт с крупной фирмой Capitol и, видимо, под влиянием требований руководства, несколько ушли от экспериментов, хотя шоу группы неизменно несли в себе элементы смелого новаторства. В конце 70-х годов концепция творчества Kraftwerk несколько изменилась: у музыкантов появилось опасение, что человечеству грозит своего рода ''роботизация'' сознания и как следствие - духовная катастрофа. Квинтэссенцией поисков в этом направлении стал альбом 1981 года Computer World: музыканты применяют всевозможную компьютерную технику, ищут способы превращения композиций в ''законченные шедевры машинной логики''.
В конце 80-х время группа объявила о ''продолжительном эксперименте по введению в ткань композиций субстанций жизни и смерти'', который, судя по всему, продолжается до сих пор - ни одного нового альбома Kraftwerk пока не выпустили, зато летом 1997 года, прервав ставшее уже почти гробовым молчание, выступили на новом английском фестивале индустриальной музыки ''Tribal Gathering''. Считающиеся прижизненными отцами-основателями стиля индастриэл, Kraftwerk удостоились серии альбомов-посвящений, на которых их современные последователи играют бессмертные вещи ''родителей немецкого электричества''.
Изменения состава: 1974 + Вольфганг Флур, электронные, ударные, + Клаус Редер, скрипка, гитара; 1975 - Редер, + Карл Бартос, электронные, ударные; 1977 + Редер, - Бартос
По материалам сайта:http://www.rubricon.ru/

Благодаря им придумали термин трип-хоп и сделали его обиходным выражением в разговоре. Уже через 18 месяцев после выхода Dummy, их дебютный альбом продал более двух миллионов копий, выиграл Mercury Prize и породил целую серию трип-хоповых актов разного уровня и качества. Portishead выпустили Dummy в 1994-м году и за ними моментально последовали тысячи имитаторов: Ruby, Mоlоkо, дaжe Bjork. The Sneaker Pimps никогда бы и не подумали о том, чтобы серьезно заняться музыкой, если бы не Dummy. И вот три года спустя Portishead возвращаются со своим вторым завершенным альбомом просто названным Portishead.
Portishead были организованы молодым мультиинcтpументaлистом и продюсером Джеоффом Барроу, работавшим в Бристоле. Имя было взято от ничем не примечательного портового городка неподалеку от Бристоля. Работая в традициях и рамках хип-хопа, Барроу заменил рэп и вокальные самплы на Бет Гиббонс, чей печальный хрупкий голос пел о чувствах потери страха и пугающем одиночестве. Однако слова в ее песнях не так уж важны, важно то, что она с ними делает. Посредине первого из двух лет живого выступления Portishead, вокалистка Бет Гиббонс прервала свое характерное безмолвие между песнями, обратясь к залу. 3десь чертовски ярко, - прошептала она. Чувствуя себя очень неуютно в связи со всеми своими обязанностями, которые появляются с необходимостью раскручивать новый альбом, группа попыталась разобраться со всеми своими видеообязательствами и пресс-конференциями в один заход, приехав на два дня в Hью-Йорк. Первый выпад этого штурма включал в себя концерт, во время которого Portishead аккомпанировал целый оркестр, 38 человек, если быть точным.
Выступление, во время которого группа сыграла все композиции своего нового альбома, было записано на пленку, чтобы в смонтажированном виде использовать это для клипов, а затем выпустить в виде полнометражного видеофильма. Это и заставило Бет Гиббонс отворачиваться от стены света, всю группу . быть окруженной кранами для кино и видеокамер, а беспокойных манхэттенских зрителей . сидеть на липком полу роузлэндовского зала для бальных танцев. В то время, как обычно, подобные расклады заканчивались тем, что бесконечные дубли и повторения доводили потребителя до кипящей враждебности, в данном случае шоу не было искажено техническими сложностями. Эмоциональный вес симфонического оркестра раскрасил новый материал группы в новые, выразительно яркие цвета. Опять же, решив разобраться со всеми своими журналистскими обязательствами сразу, Рortishead на следующий день провели пресс-конференцию. Пресс-конференции вообще очень редко бывают захватывающим событием. Соперничающие журналисты открыто хохочут над бессмысленными вопросами коллег и даже наиболее красноречивые из исполнителей опускаются до уровня ничего не значащей болтовни. Впрочем, противостояние между группой . Барроу, музыкальным директором Эдрианом Утли и звуковым инженером Дэйвом МакДональдом (Бет Гиббонс конференции предпочла пообедать) и командой европейских писак дало несколько моментов просветления. Hаиболее интересным, пожалуй, было признание Барроу в творческой паранойе, когда пришло время записывать второй альбом. Это было немного странно в начале, до тех пор, пока у людей не появляется свой собственный звук, пока они не берут от нас вдохновение и двигаются дальше.. Предсказуемо, был поднят вопрос об отсутствии и минимальном участии Бет Гиббонс во всей игре раскрутки альбома. -Единственная причина, по которой она не здесь, то, что она просто очень неуютно чувствует себя с прессой. Hе то, чтобы Бет Гиббонс пыталась быть Миссис Загадочная Женщина: просто она действительно чувствует себя не в своей тарелке и боится сделать что-то не так. Она просто превратилась бы в комок нервов.. После долгого ожидания и творческих задержек Portishead наконец появится в магазинах (по крайней мере британских), в этот понедельник. Здесь по-прежнему присутствуют струнные аранжировки гитары с дисторшн, ленивые околоджазовые ритмы и беззвездные пространства, из которых рождается песня. Hо по-настоящему новое в альбоме появляется с Бет Гиббонс и новыми текстами. Жизнь у Гиббонс по-прежнему не может стать причиной зависти, но она уже не хочет прятаться за своим тихим голосом, замкнутом в раковине, спрятанной на побережье очень далекоот группы. Она хочет кричать. Ее голос стал чище и еще сильнее резонирует с этой музыкой. Поначалу Portishead звучит как вторая половина Dummy. Ритмы проплывают мимо с достоинством джазовых похорон в Hовом Орлеане. И лишь через некоторое время полнота и красота всех одиннадцати песен становится очевидной. Hа этой пластинке всего два сампла. А то, что звучит как самплы, в действительности инструментальные фрагменты, написанные и спродюсированные самим Барроу, оформленные (а в некоторых случаях и записанные на пластинку/винил), словно фрагменты с чужих пластинок. Так Барроу вырвался с творческого кризиса, который задержал этот альбом на год, и увеличил бюджет, отведенный на запись, в четыре раза. В некотором смысле это даже и неважно . большинство самплов на Dummy слишком малоизвестны, чтобы кто-нибудь мог себе представить, откуда они взялись . но Portishead (альбом) замыкает круг, хороня под собой все споры об оригинальности. Они придумали новую историю для своих звуков, которые пришли с пластинок, никогда не существовавших. Hа первом полноценном сингле этого альбома композиция All Mine, . Cowboys вышла летом очень маленьким тиражом только на виниле . все поначалу словно Dummy. Hо стоит немного подождать, и песня достигает вершины в очень беспокойном соединении струнных и голоса Гиббонс. Мурашки идут по коже. Это наиболее выразительное и лучшее из всего, что они сделали до сих пор. Hа Half Day Closing Бет берет самую высокую ноту в своей карьере и затем, пока Барроу на пoпсoвoм синтезаторе играет ироническую контрмелодию, словно поднимается все выше и выше. Ваш позвоночник застынет от леденящего мороза, и ваш бокал вина взорвется: на этой планете в данный момент нет ни одной группы, которая бы звучала хотя бы приблизительно как Portishead. Hо полным сюрпризом оказывается то, что эта беспросветно меланхолическая музыка становится в конце по-странному жизнерадостной. Этот альбом с инстинктивной прямотой говорит о вселенских вещах: сомнения о самих себе, потребность в любви, наши противоречащие страх перед одиночеством и ненависть к тем,кто нас любит. Они знают, о чем они говорят. Они через это прошли. Сложно не сравнивать Portishead с Dummy. Hо если вы любили Dummy, услышать этот альбом - словно найти новую комнату в квартире, в которой вы прожили всю свою жизнь.
По материалам сайта:www.portismania.narod.ru

У шеффилдского дэнс-поп-дуэта Moloko очень романтическая история. Он возник в результате попытки вокалистки ирландского происхождения Ройзин Мерфи познакомиться на вечеринке с продюсером Марком Брайдоном. С этой истории начинается любой рассказ об этой группе, и я, как ни пытался быть оригинальным, все-таки должен о ней упомянуть. Итак, девушка подошла к молодому человеку и сказала буквально следующее: ''Тебе нравится мой свитер? Посмотри, как он облегает меня''. Смелость Ройзин была вознаграждена творческим и романтическим сотрудничеством, которое продолжается вот уже пять пет.
Теперь о странном для английской группы названии дуэта. Данное слово было взято из книги Энтони Бергесса, в которой так назывался некий наркотический напиток на основе молока. Кстати, moloko по-португальски значит ''сумасшедший''. Однако португальский тут ни при чем, группа сама не прочь намекнуть на русское происхождение слова - в буклете ко второму и последнему пока альбому группы - ''I Am Not A Doctor'' - на двух фотографиях присутствуют коровы. На одной из этих картинок Ройзин, облаченная почему-то в рыцарские доспехи, даже изображена собирающейся приступить к доению вышеупомянутого животного.
С музыкальной точки зрения это был и есть более чем странный дуэт. Ройзин, выросшая в Дублине и переехавшая с семьей в Манчестер, до знакомства со своим будущим партнером не имела никакого опыта - пела она разве что во время принятия ванны. Брайдона же в Манчестере знали все, и он считался одним из первопроходцев британской хаус-музыки. Вначале он играл на бас-гитаре в группе Chakk, затем стал одним из основателей уже легендарной студии Fon. Работая там, Брайдон продюсировал творческие порывы многих известных артистов.
Итак, парню во что бы то ни стало захотелось привлечь девушку к своему бизнесу, и, имея свободный доступ к аппаратуре, парочка довольно быстро записала свою первую композицию ''Where Is the What If the What Is in the Why?'' и заключила контракт с лейблом Echo Records, с которым работает и по сей день.
Дебютный альбом, названный почти неизбежно Do You Like My Tight Sweater?, вышел в 1995 году. Брайдон постарался на славу, полностью раскрепостив для проекта свой потенциал, а Ройзин проявила свои нестандартные вокальные данные. Музыка сочетала в себе элименты стилей дэнс, фанк, трип-хоп и чем-то напоминала такие группы, как Portishead и Massive Attack, но с изрядной долей юмора и самоиронии. В тот год слишком большая была конкуренция среди такой музыки, но дуэт был все же замечен. Во-первых, радиостанциями, во-вторых, создателями фильма ''Бэтмен и Робин'', включившими композицию ''Fun for Me'' в саундтрек картины. Всего было продано 250 тысяч копий этого альбома. Маловато для артистов типа Рики Мартина и Spice Girls, но очень даже неплохо для трип-хоп-группы, к тому же явно пытающейся привнести в музыку максимальное количество собственных изобретений...
За последние четыре года группа добилась многого. Дуэт Moloko гастролировал вместе с Pulp, построил себе домашнюю студию и выпустил в 1998 году свой второй альбом ''I Am Not a Doctor''. Именно тогда и узнала о коллективе российская публика. Это и неудивительно, ведь пластинка изначально задумывалась как более коммерческая, более ''попсовая'', что ли, да и времени прошло немало. За этот срок изменился сам подход к жанру, в котором работают Ройзин и Марк. Хаус и трип-хоп вышли из полуподполья на широкие коммерческие просторы, что неизбежно привело к некоторому упрощению такой музыки. Впрочем, следует сказать, что Moloko не особенно-то и ограничивает себя в каких-то стилевых рамках. Например, в ''I Am Not A Doctor'' можно найти поп-джангл и ''новую волну'', сайберфанк, даже чистый техно. При этом полиритмичность и новаторство форм остаются главными особенностями музыки от группы Moloko. Темы песен выбираются произвольно, можно даже спеть о пластических хирургах. Для выражения творческого ''я'' годится любой материал, но вместе с тем это очень живая, человеческая музыка. Как говорит Марк, ''альбом получился параноидальным, но честным''. Еще одна особенность последнего альбома - за четыре года работы таланты участников коллектива притерлись друг к другу, создавая более гармоничную и гладкую музыку. Она сочинялась в течение зимы 1997 года, и, чтобы оградить себя от мешающих процессу помех, дуэт буквально изолировал себя от внешнего мира. ''Мы фактически стали как термиты, заточенные в своем маленьком мирке,'' - вспоминает Марк.
''Люди считают, что наша музыка тревожна, - говорит Ройзин, - но нет, она скорее извращенная. Дело в том, что музыка, она как юмор. Она должна быть извращенной, необычной, иначе вы получите то, что уже не раз звучало''. Свои убеждения девушка подкрепляет и своим голосом - его эмоциональный диапазон просто необъятен - от мягкой женственности до грубой стервозности.
Совсем не таков второй участник группы - Марк. Ему не нравится ''извращеннось'', он, этакий музыкальный компьютер в человеческом теле, просчитывает все шаги на несколько ходов вперед и не любит полагаться на вдохновение. Его аранжировки, которыми он украшает театральный вокал своей подружки, отличаются резкой сменой темпа, необычными звуковыми эффектами, космическими по красоте клавишными партиями.
Уже чуть больше года прошло с момента выхода альбома I am not a Doctor, а раскрутка группы идет полным ходом. Например, в США, где альбом был издан только в начале этого года. Впрочем, и в самой Европе людям понадобилось немало времени, чтобы вникнуть в суть происходящего и по достоинству оценить Moloko. Оно абсолютно натуральное и потому, может, и не так хорошо выглядит, как конкурирующая продукция, упакованная в красивые картонные коробки. Однако стоит только пригубить - за уши не оттянешь!
Источник биографии:www.kulichki.com

Манчестерский даунтемпово-драм-н-бэйсовый дуэт LABM - одна из первых групп, добавившая к драм-н-бэйсовой музыке вокал с осмысленными и достаточно глубокими текстами. В отличие от других, схожих по идеологии команд (таких как Everything But The Girl и Sneaker Pimps), строящих свои
аранжировки как аккомпанемент к доминирующему надо всем вокалом, LAMB идет в противоположном направлении. Это делает их треки музыкально более комплексными, более экспериментальными, что, однако, нисколько не умаляет достоиноства вокалистки и ее чудесного голоса.
Как группа, LAMB сформировалась в 1994 году. В ее состав вошел продюсер и музыкант Andrew Barlow и вокалистка Louise Rhodes (дочь весьма музыкальных родителей - фолковых певцов). После ряда музыкальных экспериментов группой заинтересовался подлейбл крупного мэйджора Mecury - Fontana. Некоторое время спустя LAMB подписывает с ним контракт.
Визитной карточкой группы стал дебютный сингл ''Cotton Wool'', который также приглянулся таким уже именитым музыкантам, как Gerald Simpson и FILA BRIZILLIA, впоследствии сделавшим на этот сингл ремиксы. Но, кроме всего прочего, ''Cotton Wool'' был треком, который хорошо проиллюстрировал намерение LAMB делать интересную музыку, богатую не только ритмическими структурами (хотя они
великолепны), но и гармонией, мелодикой. Далее LAMB выпускает еще один сингл ''Gold'', за которым в начале 1997 года последовал и дебютный
альбом Lamb. Как и предыдущие синглы, новый альбом исследовал вокально-ориентированные территории джангла, однако вдобавок к этому сюда были также добавлены и элементы даунтемповой музыки, эмбиентного
электронного джаза, трип-хопа, что сделало альбом действительно большим событием для британской музыкальной сцены. После выхода ''Lamb'' пара много гастролировала по Европе, активно сочетая во время концертов как электронные, так и ''живые'' инструменты. Затем последовало почти двухгодичное молчание, которое изредка прерывали лишь ремикшированные работы. В 1999 году LAMB наконец-то порадовал своих поклонников вторым полноформатным альбомом
Fear of Fours.
Источник биографии:www.clubstream.ttn.ru

Исландия. Именно в столице этой страны - Рейкьявике - образовалась группа ''Gus Gus'', представляющая собой коллектив друзей диджеев, поэтов, фильм-мэйкеров, певцов, актёров и фотографов. Так что в некотором смысле это - целая дизайн-студия. Поражает численность ''Gus Gus'' - ни много ни мало 9 человек (что может
сравниться, пожалуй, с ''Аквариумами'' и прочими оркестрами).
А началось все с того, что весной 1995 года целеустремлённые фильм-мэйкеры Stefan Ami и Siggi Kjartansson из ''Kjol and Andersson'' (в настоящий момент - менеджмент-компания ''Gus Gus'') создали короткометражный фильм ''Pleasure'' (''Удовольствие''), снискав хвалу критики и всяческие призы за
свою инновационную работу в экспериментальном производстве фильмов и дизайне.
Следующим пунктом программы должно было стать производство очередного фильма, однако этого не произошло - наверное, к лучшему. Поскольку, когда ''Kjol and Andersson'' подбирались актёры для первого фильма, снизошло озарение, что все подобранные артисты имеют, как минимум, ''двойное'' поприще выражения своего таланта - как в театре, так и в музыке. И получилось то, чего никак не ожидали от небольшого северного города пышногрудых блондинок и длинных ночей...
Название ''Gus Gus'' предложил группе Магнус Йонссон: ''Gus Gus'' - это греческая еда, напоминающая паэлу, которая включает в себя множество различных ингредиентов в одном блюде. Кроме того, был фильм Фассбиндера ''Eats the Soul'' (''Поедает душу''). В нём рассказывалось о женщине, которая всегда
приглашала молодого человека отведать ''gus gus'' у неё дома, но чего она в действительности добивалась, так это переспать с ним. И это название можно также отнести и к обозначению последнего.
У нас два диджея, два фильм-мэйкера, актёр, профессиональный компьютерный программист, графические дизайнеры, т.е. это получается как ''paella''. Девятеро нас со своими навыками перемешаны настолько, что трудно реально определить, что именно каждый из нас делает. Мы постоянно обнаруживаем новые горизонты, которые позволяют нам применять наше умение не только в музыке, но и
в фильмах. ''Gus Gus'' - это часть нашей жизни''.
Один из участников группы - Магнус Йонссон - сказал однажды об Исландии: ''Это очень изолированный остров. Вы можете сделать нечто по-настоящему взрывное, но на это не обратят внимания. В этой стране прекрасная атмосфера для работы внутри неё, но это может оказаться трудным из-за постоянного холода и тьмы, ведь здесь довольно уныло. Будучи как бы запертым внутри, вам
приходится либо делать что-нибудь конструктивное с вашим временем, либо впадать в депрессию. Поэтому люди здесь довольно изобретательны''.
Вначале благодаря Bjork, а затем дебютной пластинке ''Gus Gus'' Polydistortion (1997), Исландия в некотором смысле стала представлять интерес для звукозаписывающих компаний. До того как Bjork
''нанесла'' Исландию на карту, для большинства любителей музыки она была самым настоящим ''белым пятном'', в котором мало кого интересовали события местной музыки. Позже отсюда о себе заявили такие группы, как UNUN, LHOOQ и Bang Gang. Но вернёмся к ''Gus Gus''. Уже знакомый нам Магнус Йонссон (один из основных сочинителей песен в группе) сравнивает своё впечатление от собственной музыки с подводными путешествиями на поезде: ''Мысленно представляется
толща воды, слушая которую улавливаешь подобные движущемуся поезду ритмы''. И ещё: ''Часть песен вдохновлена моей юностью, как, например, ''Barry'', которая посвящается Barry White. Моя мама не слушала ничего, кроме Barry White, когда я рос...''. Родители Даниэла Огаста всерьёз увлекались так называемой ''чёрной'' музыкой, и это было одним из главных ранних вдохновений на соул-фанковый лад будущего участника ''Gus Gus''.
По словам Даниэла, он стремился написать о психологии, почему люди фанатично верят в то, что со-творяют сами, - в сингле ''Believe'' Иисус использован в качестве метафоры для обозначения идола, которым легко становятся и Jimi Hendrix, и Kurt Cobain: ''Как только они умирают, они сразу
начинают выглядеть, как боги...''. Из отечественных имён этот список можно было бы продолжить Виктором Цоем и, с гораздо меньшим удовольствием и поводом, Игорем Тальковым.
''Примечательно, что в группе ''Gus Gus'' нет лидера и всё происходит по принципу позитивной анархии. Каждый уважает другого и не мешает остальным, поэтому у нас никогда не возникает проблем с так называемой конкуренцией'', - говорят сами музыканты. В настоящий момент заканчивается работа над новым альбомом группы ''Gus Gus''. Первоначально он должен был выйти минувшей осенью, однако выход его перенесён на нынешнюю весну. Планируется его
назвать ''Treasures In Lava'' (''Сокровища в лаве''), что никак не соответствует температурным характеристикам родины ''Gus Gus'' - Исландии.
Источник биографии:www.prostranstvo.com.ua

Hазвание группы означает ''more marijuana'' (цитата) , и если бы музыкой можно было забивать косяки, то курить Morcheeba лично я бы не решился. Они и на слух воспринимаются как сильный анестетик. Хотя кто знает, что они в действительности имели ввиду своим названием. Bjork повезло с родителями, Элвису с первой пластинкой, Morcheeba - с солисткой. Сказать, что
Skye Edwards поет как ангел значит проявить полную некомпетентность в вопросах музыкальной теологии. Редкий ангел поет, как Edwards, а живых таких и вовсе единицы. Hизкий нежный голос, который рождает пугающее, словно после раската грома, спокойствие. Он оглушает и лишает чувств, даже когда шепчет, ведь чтобы давать выход эмоциям совершенно необязательно срываться на крик. Плохой тон.
Morcheeba же начисто лишены этого плохого тона - они вежливы, интеллигентны и ненавязчивы, как, в принципе и подобает быть настоящим англичанам. Эта потрясающая порядочность совершенно естественно накладывает отпечаток и на музыку. Последняя точно так же становится мягкой и пространно-вежливой - никаких рваных ритмов, никаких резких звуков и диссонаций, никаких грубых
риффов. Великолепная школа, которую прошли музыканты Morcheeba - братья Paul и Ross Godfrey чувствуется во всем, начиная с симфонических аранжировок Col и Over And Over и заканчивая гипнотизирующими интерлюдиями типа Enjoy The Wait и Bullet Proof. У них явно получается делать живой трип-хоп, что само по себе уже достижение, хотя никакого особенного секрета здесь нет. Просто основа всех композиций - живые инструменты, обращаться с которыми братья Godfrey умеют
очень неплохо. Ross играет на гитаре и клавишах, Paul - на ударных, и, судя по музыке, каждый занимается своим делом. Morcheeba великолепно слушается как фоновая музыка, она не стремится специально захватить и подчинить своей воле внимание слушателя, но вместе с тем было бы ошибкой считать ее легкой. Это
довольно сложная смесь трип-хопа, блюза, фанка, фьюжн и иногда даже рэггей, катализированная европейскими классическими и этническими традициями и потому в один прекрасный момент можно будет запросто сказать кому-нибудь ''Hе отвлекай меня, я слушаю музыку''. Поразительно, что записанный на вполне материальный носитель звук, входя в сознание того, для кого он был записан приобретает не совсем материальные свойства - он оживает и начинает существовать сам по себе. Он предлагает свою компанию, рассуждает вслух, утешает, заставляет
задуматься или даже приглашает на танец. Это в полной мере относится и к обоим дискам Morcheeba, Who Can You Trust? 96 года и Big Calm, который вышел в 1998 году. Who Can You Trust?, последовавший за двумя нашумевшими синглами 96 года, Trigger Hippie и Music That We Hear может показаться всего лишь их экстраполированной версией, однако несмотря на
довольно четкую стилевую выдержку, альбом звучит очень богато. И именно на звучание делается акцент. Короткие куплеты и многократно повторяющиеся рефрены словно стараются не загромождать эфир. Они придают бархатному тембру Edwards нужный вес и превращают его в еще один величественный инструмент. Big Calm в свою очередь оказался несколько более мажорным. К повеселевшему и теперь уже даже слегка обнадеживающему вокалу добавились очень приятные рэггейные темы и откровенный, хотя и очень качественный хип-хоп. Слегка особнячком стоят Over And Over и двенадцатая, титульная вещь Big Calm, но это все та же музыка. Part Of The Process, один из хитов альбома почему-то рождает странную ассоциацию с пинкфлойдовским Brick In The Wall, а Friction с Natural Mystic Боба Марли,
но и тем и другим остаешься очень доволен. Отдельных слов стоит кавер этого диска. Шикарная комната в теплых тонах, аналоговое радио, вертушка Log Lady с картриджем от Sugano Koetsu, чай с лимоном и глубокое кожаное кресло, роскошь,
в которой можно позволить себе задуматься, и это в точности описывает музыку Morcheeba. Музыку, которая была украдена у бога.
Источник биографии:www.music-world.narod.ru

Наряду с такими группами, как Labradford, Main, Spacimen 3 и Mouse On Mars является одной из наиболее интересных современных групп, экспериментирующих на стыке развития современной авангардной поп-музыки и развития идей появившихся в начале 70-х на психоделической и краутроковой сцене. Основана
бывшими участниками группы McCarthy Tim Gane (гитары) и Laetitia Sadier (вокал, Moog) при участии Martin Kean (басс) и Joe Dilworth (барабаны). В 91-м году на на собственном лэйбле группы Duophonic вышла дебютная серия из трех синглов ''Super 45'', ''Super-Electric'' и ''Stunning Debut Album'' и, после небольшого концертного тура, в 92-м году вышел дебютный альбом ''Peng!'', сразу же возглавивший английские инди-чарты. Вскоре за дебютным альбомом последовали EP ''Too Pure - The Peel Sessions'' и переиздание первых трех синглов в виде одного альбома ''Switched On''. В том же 92-м к группе присоединились Mary Hansen (вокал, гитара, Moog), Duncan Brown (басс, вокал), Andy Ramsay (барабаны) и Sean O'Hagan (клавишные). В 93-м году группа развила даже еще более активную деятельность, чем до этого, выпустив девять синглов и два альбома и дав первый концертный тур по США. В 94-м году в группе опять произошло изменение
состава и к ней присоединилась Katherine Gifford (Moog и Farfisa), при участии которой записывается альбом ''Mars Audiac Quintet'', принесший Stereolab славу ведущей английской инди-поп группы. В то же время Stereolab сотрудничают с одним из наиболее интересных авангардных гитаристов, лидером проекта Nurse With Wound Steven Stapleton, вместе с которым записывают альбом ''...'', отличающийся от обычного саунда Stereolab гораздо более жестким и гитарным звучанием. В 95-м году группа записывает саундтрэк для ньюйоркской скульптурной инсталляции художника Charles Long. Эта запись отличается эмбиентным звучанием и выходит в виде мини-альбома ''Music For The Amorphous Body Study Center''. Примерно в это время Кэтрин Джиффорд и Данкан Браун покидают группу и на их место приходят Morgane Lhote и Richard Harrison. Следующий альбом ''Emperor Tomato Ketchup'' записывается в Чикаго при участии музыканта группы Tortoise John McEntire. Он, а также, германский электронный дуэт Mouse On Mars, принимают участие в записи и следующего альбома ''Dots And Loops''. В то же время Летиция Сэди выступает в качестве приглашенной вокалистки на сингле Mouse On Mars. В 97-м году Гейн и Летиция запускают собственные сайд-проекты - Turn On и Monade и активность в рамках Stereolab несколько снижается.
Источник биографии:www.rwcdax.here.ru

Группа образована в 1987 году в графстве Кент, Англия.
Пол Хартнолл (19 мая 1968, Дартфорд, Кент, Англия) - клавишные, вокал, программное обеспечение, перкуссия
Филлип Хартнолл (9 января 1964, Дартфорд, Кент, Англия) - клавишные, программное обеспечение
Этот эмбиент-техно дуэт считается одним из лучших в области ''живых'' концертных импровизаций электронной музыки, не прибегая к услугам ДАТ-кассет и всевозможных технический ухищрений, суть которых сводится к воспроизведению заранее записанных фонограмм. До того, как собраться вместе, братья работали с разными коллективами - Пол играл в Noddy & The Satellites, а Филлип - в Vungo Projection и подрабатывал барменом. Концертный дебют Orbital состоялся летом 1989 года в местечке Грассхоппер, графство Кент, после чего группу приметила фирма грамзаписи ffrr. В марте 1990 года вышел дебютный альбом дуэта ''Chime'', а в октябре 1992 года Orbital перешли под юрисдикцию фирмы Internal, для которой записали композицию ''Raddiccio''; Orbital много работают как сейшнмены, в активе братьев записи с такими исполнителями, как The Shamen, Queen Latifah, Meat Beat Manifesto и EMF. В 1994 году дуэт выступал на рок-фестивале в Гластонбери и работал над музыкой к фильму. Альбом 1996 года In Sides, по мнению, некоторых специалистов, оказался слишком прямолинейным и малоинтересным.
По материалам сайта:http://www.rubricon.ru/

Наверное, любой согласится со мной, если я скажу, что Moby - легенда электронной музыки, ведь, наряду с немногими другими современными музыкантами, Moby удалось стать хорошо узнаваемой и почитаемой персоной в жанре, который по своей сути пропагандирует и исповедует анонимность и завуалированность.
С одной стороны, Moby часто подвергается критике со стороны коллег и фэнов техно за то, что он сознательно разжижает и тривиализирует форму; с другой стороны, именно Moby в начале девяностых помог электронной музыке пробиться к широкой аудитории как в Америке, так и в Великобритании. В своем творчестве Moby смешал быстрые ритмы диско с грязными и тяжелыми гитарами, панковой ритмикой и досканально проработанными нюансами и саундом, что весьма характерно для поп-искусства, дэнс-треков и саундтреков к фильмам. Впрочем, Moby выделяет не только сильное отличие его музыки от холодных текстур эмбиента и гедонистического мира хауса. Он известен еще и как весьма верующий человек, а также убежденный вегетарианец. Впервые Moby попал на большую рэйв-сцену в 1991 году с треком ''Go'', в котором были использованы сэмплы из ''Twin Peaks''. Тогда лишь немногие действительно могли понять, насколько далеко пойдет этот молодой человек. Хаус-новатор, изобретатель техно-панка, трэш-метал-рокер, небрежный создатель саундтреков и полноценный композитор - это лишь некоторые стороны личности Moby. Он всегда путешествовал по несовместимым и несоединяемым музыкальным территориям с ненасытной жаждой свежего звучания и ментальной энергии. Он один из самых истинных индивидуалистов в этом вареве необузданной посредственности, которое и является на сегодняшний день кузницей современной музыки. В отличие от многих музыкантов, разрабатывающих свое звучание, стиль и направление работы исходя из маркетинговых реалий, демографических принципов и оценки стилистических сдвигов в массовой культуре, Ричард Холл (это настоящее имя Moby) никогда не применял конъюнктурный подход. Вдохновленный красотой и многообразием окружающего мира, он творит от чистого сердца, и благодаря этому ему открылось нечто оригинальное и интересное. Отличительной чертой Moby является полное отсутствие тех стандартных клише, которые обычно четко приклеиваются обществом к rock'n'pop'n'techno звездам, добившимся большого успеха. Стремление к алкоголю, наркотикам, излишняя амбициозность и заносчивость - это не про Moby. Наоборот, в общении это открытый и приятный человек, свободный от всяческих догм и не оперирующий теми терминами и идеями, которые свойственны большинству лиц, получивших признание в обществе. Другими словами, он искренен и интересен. Скорее всего Moby и не может быть иным, если учитывать окружение, в котором он рос.
Родился Ричард в Нью-Йорке, а вырос в Коннектикуте. Когда ему было два года, он потерял отца, и в дальнейшем его воспитывала мать - открытая и достаточно прогрессивная женщина, всячески поощрявшая творческие наклонности сына. Кстати, кличку ''Moby'' Ричард получил потому, что дальним родственником ему приходился автор ''Моби Дика'' Herman Melville. В десять лет Ричард уже активно изучал классическую гитару и умел играть на пианино. Однако именно увлечение гитарой сыграло решающую роль в музыкальной карьере Moby. Уже подростком он играет в различных командах, начиная от сумасшедшей панк-спид-метал-банды THE VATICAN COMMANDOS и заканчивая анархическим нойзовым коллективом FLIPPER и достаточно известной в свое время группой 4AD ULTRA VIVID SCENE. Через некоторое время после вышеописанных событий Moby перебирается обратно в Нью-Йорк. Любовь Moby к новой музыке неизбежно приводит его к зародившейся и активно развивающейся в конце 80-х хаус-сцене. Как известно, именно Нью-Йорк и Чикаго стали кузницей мировой хаус-культуры. Сосредоточие черного населения, эксперименты с диско 70-х, 80-х, обилие ночных клубов и достаточное количество профессиональных ди-джеев - все это привлекло в Нью-Йорк множество молодых эксцентричных и талантливых людей. Garage, acid house, раннее американское электро - вот плоды воздействия сверхурбанистичной нью-йоркской атмосферы и деятельности людей, которые смогли эту атмосферу уловить, аккумулировать и переплавить в музыкальные творения, ставшие впоследствии достоянием рэйв-сцены всего мира. Но вернемся к Moby. В конце 80-х он уже активно ди-джействует в некоторых нью-йоркских клубах, а также создает свой сольный электронный материал. В 1990-91 годах он издает несколько дебютных синглов на независимом маленьком лейбле Instinct. В 1991 году сингл ''Go'' с сэмплами из известного телевизионного сериала ''Twin Peaks'' попадает даже в британский Top 10.
После первого громкого успеха Moby ремикширует работы ряда мэйнстримовых и андерграундных команд и музыкантов, в числе которых Michael Jackson, PET SHOP BOYS, Brian Eno, DEPECHE MODE, ERASURE, B-52 и ORBITAL. Первый полноформатный альбом Ричарда выходит в 1992 году. В 1993-м он издает сингл ''I Feel It/Thousand''. В этом же году Moby заключает контракт с Mute Records, где выходит его очередной релиз ''Ambient'', который на самом деле являлся компиляцией неизданных материалов за 88-91 годы. ''Когда я подписал контракт с Instinct, они не выпустили еще ни одной записи. Они даже никогда до этого не делали оформления к дискам... Так что это был достаточно интересный опыт - контракт с лейблом, который еще вроде как бы даже и не существует. Затем мы вместе росли и развивались. Но по ряду причин моя карьера, да и я сам развивались быстрее, чем Instinct, и некоторое время спустя для меня уже не было смысла далее оставаться на этом лейбле. Вначале меня все устраивало, однако потом я решил перебраться на более крупный и мощный лейбл. Это произошло по разным причинам, среди которых деньги, оформление моих работ, а также деньги на съемки видео и так далее...'' С альбомом 95-го года ''Everything Is Wrong'', первым полноформатным альбомом Moby, Ричард громогласно заявил о себе, как о действительно оригинальном мастере, который смог создать неповторимый гибрид из тех стилей и направлений музыки, на которых он вырос. В ''Everything Is Wrong'' Moby отбросил все рамки. В этом 50-минутном альбом смешано максимальное количество стилей. Здесь можно найти все - от брейкбита до псевдоиндустриального трэша, эмбиент-трэнса и дэнс-попа. Не стоит, конечно, утверждать, что ''Everything Is Wrong'' является шедевром музыкального искусства с точки зрения мелодизма и гармонических построений. Здесь, как и везде в современной музыке, использовались достаточно минималистические мелодии и два-три аккорда, однако ритмика альбома с лихвой компенсирует эти недостатки. У Moby феноменальное чувство ритма, благодаря которому он может создавать в своих композициях завуалированную и многократно интерферирующую пульсацию, незаметную с первого раза, но четко воспринимаемую подсознанием... Следующий альбом ''Animal Rights'', который вышел в 1996 году, - это триптих, составленный из индустриального панка, speedcore и душераздирающих инструментальных композиций. Представьте себе нечто среднее между NINE INCH NAILS и SMASHING PUMPKINS, и вы поймете, что такое ''Animal Rights'' с его псевдоиндустриальными гитарами, эмибентными текстурами, упрятанными далеко на заднем плане, и тонким, специфическим вокалом самого Moby. ''Animal Rights'' разочаровал многих фэнов Moby именно из-за его более роковой, альтернативной направленности, но его это нисколько не смутило. ''Я просто сделал запись, которую уже давно хотел сделать. Я никогда не думал о том, что какая-то из моих работ может вызвать отторжение у моих прежних фэнов и привлечь новых. Мне это малоинтересно. Я просто делаю то, что делаю, ведь нельзя угодить всем.''
В 1997 году Moby выпускает ''I Like To Score '' - компиляцию, состоящую из саундтреков, которые создавались им для различных фильмов. Среди них есть и ремикс на известную композицию ''James Bond Theme'', сингл с которой ознаменовал возвращение Moby к танцевальной музыке. И, наконец, в мае 1999 года вышел очередной и пока последний альбом Moby ''Play''. По своей сути это достаточно медленная работа, сочетающая в себе downtempo бит и прекрасно отработанную мелодику. ''Я предполагаю, что истоки треков, вошедших в ''Play'', можно найти в медленных композициях ''Everything Is Wrong''. Тогда я хотел неким необычным способом соединить в альбоме все стили, которыми я увлекался ранее. В ''Play'' я попытался сделать это более естественно и натурально.'' Первых два трека альбома ''Honey'' и ''Find Me Baby'' сделаны весьма хитроумно и не без издевки. Здесь Moby соединил короткие госпел и блюзовые вокальные сэмплы с брэйкбитовым техно, что позволяет сравнивать эти композиции с творчеством FATBOY SLIM и CHEMICAL BROTHERS образца 99-го. ''Bodyrock'' - еще один брейкбитовый гимн, однако уже сдобренный старым добрым old-school рэпом вместо блюза. Тонкая линия пианино и рваные скрипичные сэмплы в ''Porcelain'' звучат достаточно многозначительно, а ''South Side'' - поп-композиция альбома - интегрирует вокал, который не может нормально восприниматься без трансцендентного хоруса, полностью его трансформирующего. Вообще, если внимательно прослушать весь альбом, то его можно достаточно четко разделить на три части. Для первой характерно сильное влияние негритянской музыки начала века, вторая представляет самого Moby как тонкого, талантливого и эксцентричного вокалиста. Третья же это истинная натура Moby - выхолощенные и отработанные инструментальные треки. ''Клеем'' для всех трех частей, как ни странно, явился хип-хоп, которым Ричард увлекается последнее время.
Эпилог: Moby может играть на любых инструментах - от классической гитары до Roland TB-303, он может играть все - от трэш-метала до воздушного и легкого техно. Он ремикшировал работы практически всех известных звезд современной музыки - от Майкла Джексона до METALLICA. Секрет его успеха в том, что он обладает талантом, которого не хватает очень и очень многим - он до сих пор может удивлять людей. Что для этого нужно? Ответ прост: ''Не смотрите телевизор, делайте музыку! Тратьте свои деньги на оборудование, а не на еду, видеоигры, наркотики, одежду или что-нибудь в этом роде. Не бойтесь экспериментов. Делайте все, что вам угодно!''
Источник информации:www.musmaniacs.com

Группа образована в 1989 году в графстве Эссекс, Англия.
Карл Хейд - вокал
Элфи Томас - клавишные
Рик Смит - ударные
Бэз Аллен - бас-гитара
Синтез-поп группа Underworld возникла из распавшихся Freuer, где играли Хейд, Томас и Смит; в Underworld к ним присоединился и специалист по видео Джон Уорвикер. За плечами Хейда была студийная работа с Дебби Харри, а Смит выполнял роль сессионного музыканта для Боба Гелдофа. Дебютный альбом был сделан в стиле электро-фанк (продюсер Том Бейли, известный по своей работе с Thompson Twins) К 1990 году в составе появился Паскаль Консолли (перкуссия, гитара), а Томас покинул группу. Хейд и Смит продолжали записываться с сейшнменами (к этому моменту Хейд уже успел поработать для Принса). Прорыв Underworld состоялся с синглом ''Skyscraper I Love You'', в котором чувствует влияние английских синтезаторных танцевальных групп Fluke, Orbital и One Dove. Группа успешно выступила на фестивале в Гластонбери (1992 год), записала новый сингл ''Rez'', а в 1994 году выпустила студийный альбом Dubnobasswithmyheadman, который специалисты оценили, как новое слово в электропоп-роке. Пластинка 1996 года свидетельствует о творческом росте Underworld и укреплении позиций группы среди лидеров данного жанра.
По материалам сайта:http://www.rubricon.ru/

‘No Sound System Is Safe’ – такую заяву можно было увидеть на обложке каждого второго британского музыкального издания в конце 1995го года. Тогда Пол Дейл и Нил Барнс, бывшие «отличники» в школе и передовые ди – джеи Лондонских клубов начала 90х - назвали себя Leftfield и выпустили Leftism – свой дебютный альбом, ныне классическую танцевальную пластинку столетия. Четыре года спустя, в 1999м, ‘Leftism’ был назван Лучшим Танцевальным Альбомом за всю историю современной музыки. Неспроста. Появившись на закате моды на дуэты типа 2 Unlimited, Leftfield сломали все существующие тогда представления о танцевальной музыке. Именно Leftfield проложили дорогу всем ныне существующим электронным проектам, которых десятки, сотни. Даже Underworld признаются, что себя они «нашли» только после того, как изучили Leftism. Альбом – сделанный настолько четко, профессионально – идеально. Микс даба, жесткого техно, регги, африканской музыки, хауса и диско – наполненный множеством звуковых эффектов. Кто, как не Leftfield открыли нам брейк - бит? Prodigy и Chemical Brothers появились позже. И кто как не Leftfield показали, как надо использовать приглашенных музыкантов – на ‘Leftism’ можно услышать Toni Halliday, John Lydon и Earl Sixteen. ‘The Dark Side Of The Disco’ – Leftfield сравнивали даже с Pink Floyd. «Сделать еще лучше» было труднее всего. Второго альбома и ждали и боялись одновременно. Rhytm And Stealth вышедший в сентябре 1999го, на первый взгляд может показаться «никаким» альбомом, очень «ограниченным», минималистичным по звучанию и неинтересным по содержанию. Но великое сразу не распознается. Возвращение состоялось. «Удачное продолжение Leftism, Второй Лучший Танцевальный Альбом Века» – сейчас с этим можно поспорить. Но лишь потому, что в период отсутствия дуэта на сцене, на ней появились десятки новых, зачастую, повторяющих друг друга, но порой, взаправду стоящих того, чтобы на них обратили внимания. Но Leftfield все равно выигрывают – они проходят насквозь все - и повальное увлечение трип – хопом, и моду на французскую музыку и фанк с панком вместе взятых. ‘Rhythm & Stealth’, в записи кторого принимали участие лондонский рэппер Roots Manuva и «дедушка» электронной музыки – Africa Bambaataa, это более «темный», холодный и расчетливый альбом. Электронная психоделия, «грязный» фанк вперемешку со стилизованным хип – хопом – и все это в немного отстраненной, чересчур даже, футуристической форме, иногда пугающей, опять же, своей холодностью. «К такой музыке еще многие просто не готовы, - написал Q, - такой музыки еще просто не должно существовать – шаг назад и вперед – одновременно». Пластинка, от которой и вправду веяло «холодком», и от которой иногда просто душа уходит в пятки, повторила успех ‘Leftism’. В коммерческом плане, тоже. Если говорить о цифрах, то оба альбома Leftfield проданы тиражом более миллиона копий каждый. А ‘Leftism’ до сих пор, то и дело, наведывается в английскую «сотню» – каждый месяц, пластинка, вышедшая пять лет назад, продается по 20 – 30 тысяч. Имея в коллекции два альбома Leftfield – вы имеете два сборника всего того, на чем была основана, а также, все то, чем «переболела» танцевальная музыка за последние 10 - 15 лет. Leftfield это хрестоматия современной танцевальной музыки. Эталон.
По материалам сайта:www.dva.narod.ru

FSOL (Future Sound of London) - английская электронная команда, хорошо известная любителям электроники, прежде всего, своей уникальной работой со звуком, была основана в конце 80-х Брайаном Дугансом (Brian Dougans) и Гарри Кобейном (Garry Cobain). За свою, более чем 13-летнюю историю, группа выпустила в свет более 30 релизов. Большинство из них, выпускавшееся под псевдонимами
отличными от FSOL, никогда больше не переиздавалось и найти эти записи сегодня, практически невозможно.
Впервые, будущим создателям FSOL, довелось встретиться в 1985 году в колледже в Манчестере, где они вместе учились. Так оказалось, что круг их увлечений был удивительно похож: одни и те же клубы, вечеринки, одна и та же музыка. К тому времени у Брайана уже имелись работы Humanoid - ''Crystals'' и Mental Cube - ''Q'' , изданные лейблом Westside Records, в то время как Гарри только начинал делать первые шаги в направлении клубной электронной музыки. Вот, что говорит Кобейн о своей встрече с Дугансом: ''Брайан полностью поменял мой жизненный курс. Я ещё носился с жестянками и гитарами, а у него в голове бушевали безумные амбиции. Реализм, отражающий жизнь со всеми её ужасами.'' Совместная работа дала плоды уже в 1987 году, с релизом Humanoid - ''Global''.
Сегодня, оглядываясь назад в прошлое, нельзя не удивится, как из двух таких непохожих людей смогла получится жизнеспособная команда перевернувшая все устои электронной музыки. Дуганс человек с немалым достатком, любит одежду на подобии военной формы, всегда выбрит наголо, неохотно общается с прессой. Кобейн - полная противоположность: одевается в попсовую одежду, носит
экзотические прически, никогда не отказывает в интервью. Однако вот уже болле 10 лет FSOL попадают в лучшие 40 проектов года и их работу все отмечают. И это несмотря на то, что группа ни дала, за свою историю, ни одного концерта. Подобных примеров в истории больше не существует.
Для замены концертов FSOL устраивают live-трансляции на многих радиостанциях не выходя из студии. Полностью из таких выступления составлен третий полноценный альбом группы - ISDN, название которого и является способом такого необычного выступления - Integrated Services Digital Network.
Но вернемся к истории. Постhumanoid'ный период истории группы мало известен. FSOL записывались и издавались под различными именами, которые вряд ли вам что-либо скажут - Mental Cube, Indo Tribes, Smart Systems, Intelligent Communications, Yage, Semi Real и др. Записи этого периода никогда не переиздавались и давно стали раритетами.
Качественным скачком для FSOL стал выход трека ''Papua New Guinea'' на одноименном сингле в 1991 году. Сочетание амбиентного вокала с мягким брейк-битовым ритмом (сэмплы взяты из трека ''Dawn of the Iconoclast'' группы Dead Can Dance) вынесло FSOL из пучины клубной электроники в мир большого шоу-бизнеса. Композиция попадает в верхние строчки британских и мировых чартов, BBC
использует трек в озвучке сериалов о дикой природе и наконец Virgin Records заключает с группой 200.000 контракт на издание следующих работ и предоставлят им новую современно оборудованную студию EarthBeat на севере Лондона. На волне успеха выходит дебютный, для дуэта Дуганс/Кобейн, полноценный альбом под псевдонимом FSOL (Future Sound of London)- ''Accelerator''. ''Accelerator''
представляет собой переиздание ранних танцевальных композиций группы плюс несколько новых. Но уже на нем можно заметить характерное для в FSOL в дальнейшем завораживающее, затягивающее в глубину музыки чувство присутствия.
На следующем этапе своего творчества FSOL отметились созданием и выпуском альбома Lifeforms и синглов ''Cascade'', ''Lifeforms'' и переизданием ''Lifeforms'' с вокалом солистки группы Cocteau Twins - Элизабет Фрейзер (Elizabeth Fraser). ''Lifeforms'' несомненно самый амбиентный
альбом за всю историю группы, породивший волны подражателей и практически создавший новый стиль в электронике. ''Lifeforms'' это музыка для отдыха, ее нужно слушать после работы лежа на диване в наушниках.Позже, поклонников FSOL, порадовал своими работами персональный дизайнер коллектива Buggy G. Riphead, выпустивший ''Lifeforms Video'' - сюрреалистический шедевр компьютерной графики.
Немного раньше ''Lifeforms'' группа выпускает альбом ''Tales of Ephidrina'' под псевдонимом Amorphous Androgynous. По легенде альбом был составлен из материалов концептуально не подходивших для ''Lifeforms''. Несмотря на это альбом несомненно задал новый стандарт в Intellegence Dance Music (IDM) и многие считают его лучшим в истории группы.
Третий альбом и снова неожиданность - ''ISDN'' наверное самый немелодичный и тяжелый для восприятия альбом FSOL. Настроение альбома сменяется от тяжелой смеси трип-хопа и джаза в начале до эксперементальной электроники в конце. ''ISDN'' на 100% состоит из живых ISDN трансляций группы
на радиостанциях по всему миру. В ''ISDN'', как в никаком другом альбоме FSOL, заметна уникальная работа коллектива со звуком, так что альбом воспринимается как единое, неразрывное целое. У многих возникает вопрос - откуда FSOL берет сэмплы? Источниками, как правило, являются записи других музыкантов и даже художественные фильмы. Например в треке ''Dirty Shadows'' слова ''come, fly the
teeth of the wind, share my wings'' взят из второй части фильма ''Изгоняющий Дьявола'' (''The Heretic-Exorcist 2''). Еще на альбоме есть семплы из трилогии ''Чужие'' (''Aliens'').
Последний и наверное самый зрелый альбом FSOL - Dead Cities вышел в свет в 1996 году и сразу завоевал множество поклоников по-всему миру. Альбом содержит самые разноплановые темы. Агрессивные треки типа ''We Have Explosive'' соседствуют со спокойными и медитативными, например ''My
Kingdom'', напоминающими ''Lifeforms''. Часть тиража комплектовалась 90-страничным буклетом с работами Buggy G. Riphead'а и рассказами самих FSOL. Лучшие треки с альбома вышли в виде синглов - ''My Kingdom'' и ''We Have Explosive''. Сингл ''My Kingdom'' включает только FSOL'овские ремиксы и является, пожалуй лучшим синглом группы. ''We Have Explosive'' - cамый жесткий трек с ''Dead Cities'' ремиксован в хард-хоповом и фанковом духе. Но вот настал 2002 год и на свет появился альбом подписанный The Future Sound Of London – The Isness. Электронные манипуляции двух человек над звуками приобрели законченные формы. И до этого
их музыка, похожая на многослойный туман окутовающий британские острова, не отличавшаяся своей простотой восприятия окончательно превратилась в то, чем она всегда и была. А была она всегда психоделическим арт-роком, только с одним, но очень важным отличием, – в ней не было живых звуков, а если и были, то под воздействием Mac''ов они разлогались на составляющие и собирались заново,
образуя тягучую музыкальную субстанцию проникающую в самые отдаленные уголки сознания. The Future Sound Of London создали новый жанр – sampler-delic cosmic rock opera. Это опера в который звучит симфонический ситар, прокрученне в обратную сторону гитары, трип-хоп ритм превращается в небесный гром, хоралы, исполенные вполне земными людьми, становятся посланиями инопланетных существ, а живой бас и скрипки становятся сплошной галлюцинацией.
Источник биографии:www.fsol.city.tomsk.net

Яркие неоновые огни Лас-Вегаса, грохочущие брейкбиты и невероятные синтезаторные мелодии - все это ассоциируется с дуэтом The Crystal Method. Вместе DJ Ken Jordan и DJ Scott Kirkland успешно управляют своей машиной электронной музыки на изобилующем исполнителями пространстве, называемом Funky Breaks. Используя элементы, связанные с британским биг битом, The Crystal Method возвышает этот стиль. Эти яркие огни главного американского игрового центра «для взрослых», кажется, могут вдохновить каждого стать громким и красочным. Это влияние отражает ранние амбиции Джордана и Кирклэнда, их попытки создания умо-поворотной музыки. Двое встретились во время работы на университетской радиостанции в Лас-Вегасе, где чаще всего крутились DMC, New Order и Depeche Mode. Они начали интересоваться производством музыки и записали четыре трека с женским вокалом, но качество записи было еще из разряда «lo-fi». Считая, что он может найти более быстрый путь к творческой вершине в Лос-Анджелесе, Джордан уехал в «Город Ангелов», где он нанялся ассистентом продюсера артистов Edie Brickell и Michael Penn. Там он получил необходимый опыт студийной работы и необходимый опыт ночной клубной жизни. Тем временем Кирклэнд начал брать гитарные уроки у марка Слотера, лидера металлической команды Slaughter. Постоянно поддерживавшему связь с Джорданом, Кирклэнду надоело слушать рассказы своего друга о Лос-анджелесском андерграунде и клубах, и он решил увидеть все своими глазами. Именно тогда был рожден дуэт The Crystal Method. Релиз первого полного альбома группы Vegas состоялся в 1997 году в Лос-Анджелесе. Vegas сильно напоминает Breakbeat'овский хаос Chemical Brothers, но безумие The Crystal Method имеет более кислотное звучание, где синтезаторы издают тяжелые звуки, включая жужжание сирен. Лучшие треки альбома, “Trip Like I Do” и “Keep Hope Alive” были включены в саундтрек к фильму “Spawn”. Наконец, “Vegas” получил признание самих Chemical Brothers.
Второй альбом вышел после продолжительного перерыва. “Tweekend” вышедший летом 2001 года, принес колоссальный коммерческий успех. Этот альбом стал не только в США, но и во всем мире. Лучшие треки этого альбома: “Wild, Sweet And Cool”, “Murder” и “The Name Of The Game”. Видеоклип “The Name Of The Game” был признан VMA прорывом года.
23 Июля 2002 года, в день опубликования данной статьи, The Crystal Method выпускает свой новый Mix CD Community Service.
По материалам сайта:www.clubstream.ru

В средствах массовой информации часто можно слышать множество лестных слов по отношению к Prodigy: что эта группа является главной надеждой ''белой'' электронной музыки, и что Prodigy стала еще одной современной британской командой, которая навсегда войдет в историю ''попа''. Можно долго
спорить, правы или нет апологеты Prodigy - одно несомненно: группа дала хорошего пинка задремавшему рок-н-роллу и заставила принимать себя всерьез. С юных лет имея выраженную склонность к ''ска'' (вест-индийская музыка, похожая на ''реггей'') и хип-хопу, Лайам Хаулет начал с того, что устроился работать диджеем и крутил диски в клубах графства Эссекс. Кейт Флинт и Лерой Торнхилл в те времена были завсегдатаями ночных клубов и часто
встречали там Хаулета. Однажды они попросили диджея записать некоторые из его миксов на пленку, а когда прослушали их дома, обнаружили, что он вставляет в миксы и музыку собственного сочинения. Причем им так понравилось, то, что они услышали, что они сразу предложили Хаулету работать вместе. Последовав совету друзей, троица приняла в состав Максима, обладающего исключительной
коммуникабельностью, что впоследствии очень пригодилось на концертах.
В 1990 Хаулет появился в офисе независимой английской компании звукозаписи XL Recordings с демонстрационной кассетой, содержащей десять песен, записанных им у себя в спальне. Ему удалось добиться первого контракта для Prodigy, что само по себе являлось огромной удачей, о которой он рассказал остальным участникам группы, только когда все бумаги были подписаны. В начале 1991 года одна из песен с той демонстрационной кассеты, ''What Evil Lurks'', была выпущена
на виниле и стала первым синглом группы. Пластинка разошлась тиражом 7 тысяч экземпляров и удостоилась упоминания в нескольких музыкальных изданиях. Она стала также довольно популярной на рейв-вечеринках. После такого довольно скромного успеха для всех стало настоящим сюрпризом попадание следующего сингла группы ''Charly'' в горячую десятку британских хитов. Основанная на
сэмплинге голоса кота из детской рекламы, песня стала первой из целого ряда последовавших затем детских ''техно-тем''. В отличие от большинства электронных групп, соперничающих между собой в то время в Англии, Prodigy постоянно гастролируют, создавая себе имидж у британской публики, фактор, несомненно во
многом определивший успех их первого альбома Experience (1992). Пластинке двадцать пять недель удалось продержаться в списке 40 лучших британских альбомов. Experience еще не успел покинуть чарты, а Хаулет уже решает, что настала пора изменить саунд группы. Устав от стандартного
рейв-звучания, он начинает искать иные варианты. Хаулет слушает Smashing Pumpkins, Nirvana, Red Hot Chili Peppers и другие альтернативные команды. Первой композицией, где Лайам попытался в собственной музыке выразить то, что его теперь интересовало, стала песня, которая называлась ''One
Love'' и вышла отдельным синглом летом 1993 года. Несмотря на изменения в звучании, запись была воспринята фанами ''на ура''. Эксперимент удался. Хаулет продолжает начатый процесс, и работа над вторым альбомом Prodigy идет уже в ином направлении. Music For The Jilted Generation увидел свет в
1994 году и стазу ''выстрелил'' на первое место в британском хит-параде. В Америке, правда, альбом смог подняться только до 198 места в чарте Billboard.
Девять синглов Prodigy по очереди входят в список 15 лучших в Британии, но ни один пока не поднимался на самый верх. Наконец, в марте 1996 группа выпускает ''Firestarter''. Являясь самой громкой из всех песен группы, этот сингл знаменателен также тем, что в нем впервые роль вокалиста достается Флинту. Он и Хаулет вместе написали текст. Раздавались даже призывы запретить песню,
поскольку власти опасались эпидемии поджогов. ''Firestarter'', однако, не только стал синглом No1, но и обосновался на почетном месте на целых три недели, что является редким случаем для быстро меняющегося английского чарта. Когда в ноябре группа выпустила еще один сингл ''Breathe'', он повторил путь ''Firestarter'' и возглавил уже не только британский хит-парад, но и ''горячие десятки'' еще восьми стран. К тому времени электронная музыка стала уже достаточно популярной, и многие обозреватели предсказывали, что именно Prodigy станет той группой, которая перенесет британскую танцевальную
музыку на другой берег Атлантики. В 1997 году Prodigy получают премию Brit Awards (английский аналог Гремми) в номинации ''лучшая танцевальная группа''.
Популярность четверки растет, они получают лестные предложения о сотрудничестве от David Bowie, Мадонны и U2, но Хаулет отвергает их одно за другим, а вместо этого отправляется в студию и музыканты работают над третьим альбомом группы, который называют The Fat Of The Land, намекая на
то, что Эссекс больше знаменит своими пашнями, нежели танцплощадками. Кроме ''Firestarter'' и ''Breathe'', в альбом было включено несколько песен с участием приглашенных артистов. ''The Fat of the Land'' поднялся на первую строчку в английском хит-параде, а также в американском и еще в двадцати одной стране мира. Успех был фантастический. За первые семь дней после начала продаж было реализовано три миллиона копий, что является рекордной цифрой за всю
историю популярной музыки.
Источник биографии:www.nudecelebs.ru

Propellerheads сегодня модны и популярны, но задавать им вопрос ''Что новенького?'' по меньшей мере неучтиво. Ведь они - очередная парочка непростых и не очень молодых старьевщиков, изобретающих стильный музыкальный велосипед: хип-хоп, фанк, да джеймсбондовские темки, - вот и весь биг-бит. Эд Саймонс из Chemical Brothers однажды высказался так: ''Сегодняшняя прогрессивная музыка есть чистейшей воды грабеж''. Нет никаких оснований не доверять человеку столь преуспевшему в музыкальном передергивании. (Ведь даже первоначальное название его с Томом Роуландсом дуэта было краденым - у американского продюсерского тандема The Dust Brothers). Лозунги, ставшие привычными: шестидесятые (семидесятые, восьмидесятые) возвращаются.
Итак, Propellerheads - электронщики, конструирующие новомодный звук из компонентов, которые никогда, кажется, и не выходили из моды. Начать с того, что их удачное ''компьютерное'' название тоже, в общем, не так уж оригинально - был в восьмидесятые годы ансамбль The Talking Propellerheads, о творчестве которого, правда, лучше и не вспоминать. Propellerheads - это электронный дуэт англичан Алекса Джиффорда и Уилла Уайта. Тридцатидвухлетний Джиффорд начинал как сессионный музыкант: играл на клавишах у Вана Моррисона и на саксофоне - у Stranglers. Впоследствии работал звукоинженером у техно-активистов The Grid. Затем переместился в студию Питера Гэбриела (Peter Gabriel) Real World Studios, где увлеченно записывал и продюсировал различные этнические проекты. Исчерпав себя в качестве всеобщего аудиопопутчика, в 1994 году Алекс решился открыть собственное дело. В 1996 году Джиффорд - Propellerheads дебютировал ЕР под названием Dive! Диск был выпущен небезызвестным лейблом Wall Of Sound, имеющем в своем потенциале такие примечательные электронные команды, как The Wiseguys, Dirty Beatniks, Les Rhythmes Digitales, Mekon (последняя - проект Джона Гослинга из Psychic TV). Экстравагантный и вольный бит Dive! так впечатлил фирму Adidas, что она использовала фрагмент композиции в своем рекламном ролике. (В тот же день для подобных целей была рекрутирована песенка Run-DMC). Propellerheads в лице Джиффорда, естественно, были польщены не столько вниманием со стороны Adidas, сколько соседством несносных рэпперов.
Приверженцу живых выступлений, Алексу, разумеется, нечего было ловить без хорошего фанкового барабанщика. Им и стал Уилл Уайт, который до счастливого момента соединения с Джиффордом с равным успехом ди-джействовал в клубах и играл в готовящейся к распаду джаз-фанк-группе Junkwaffle. Следующий танцевальный демарш дуэта назывался Take California. New Musical Express и журнал Mixmag пропечатали его как сингл недели. Между делом Propellerheads прилежно изготавливали ремиксы для Luscious Jackson, Soul Coughing и 808 State.
На сегодняшний день в музыкальной жизни Propellerheads случились два момента истины, и оба так или иначе связаны с агентом 007. Первая пижонская выходка участие в проекте композитора и продюсера Дэвида Арнольда под названием Shaken & Stirred. Они весьма подсуропили Арнольду, ''приделав'' классическую тему Джона Барри On Her Majesty`s Secret Service - выше всяких похвал. Благодаря их легкой брейкбитовой подкладке, героическая оркестровая сага приобрела необходимую тревожную чувственность. Вещь получилась отменная, едва ли не лучшая на всем сборнике. Номер два - песня History Repeating, написанная специально для Ширли Бейси, известной исполнительницы песен из фильмов все о том же Бонде. Пик ее славы пришелся на фильм 1964 года Goldfinger. Сейчас ей 61. Это не первый ее эксперимент такого рода: в 1987 году она записалась с Yello. Нынешний опыт с Propellerheads удивительно органичен - словно они всю жизнь ритмизовали ее шпионские госпелы. В 1997 году концерн Dreamworks Спилберга-Геффена-Каценберга подписывает с Propellerheads контракт и выпускает их полноценный дебютный альбом под названием Decksandrumsandrockandroll. Его уже называют лучшим дэнс-альбомом 98 года и неизбежно сравнивают с недавним биг-битовым свершением - пластинкой Dig Your Own Hole. Пожалуй, Decksandrumsandrockandroll будет понежнее и поизысканнее. В конце концов, там, где The Chemical Brothers довольствуются Галлахером, фантазии Propellerheads хватает как минимум на Ширли Бейси. Что с музыкой? Шпионский шик, сэмплерные вариации на тему флейты и пианино, коктейльный джаз, брейкбитовые шлаки, фанк, хаус - словом, все, что полагается в таких случаях. Сами Propellerheads полагают, что пишут танцевальную музыку для вечеринок. И еще - возводят мост между танцевальной музыкой и хип-хопом. ''Мы всегда начинаем с визуального образа, - говорит Джиффорд. - Инструментальная музыка вообще отличается некоторой бесхребетностью, поэтому не худо задавать ей определенное направление. Записывая нашу музыку, мы строго следуем тому видеоряду, что прокручивается у нас в голове''. И добавляет: ''Знаете, мы просто делаем саундтреки к несуществующим фильмам''. Саундтрек к несуществующему фильму - характеристика, подходящая сегодня едва ли не каждой второй электронной пластинке (разумеется, из претендующих на нечто). Ну а любимые композиторы Джиффорда это, разумеется, Лало Шифрин, Джон Барри, Генри Манчини и Мишель Легран. Decksandrumsandrockandroll - как поет сама Ширли Бейси: ''Я уже видела это и я увижу это снова''. От винта, тут конец перспективы. История повторяется. Пока они хороши, потому как новы, энергичны и глумливы. Хороший музыкальный вкус, хорошее чувство юмора, хорошее название, наконец, у Propellerheads есть все, чтобы очаровать любого слушателя. Правда, на мой вкус, они слишком аккуратны, слишком коллекционеры. (Не зря Алекс кличет свой Decksandrumsandrockandroll коллекцией мелодий). Одно из главных достоинств дуэта - одержимость живыми выступлениями. Концерт Propellerheads представляет собой судорожные и весьма впечатляющие метания отцов-основателей от вертушек к ''хаммонду'', от барабанов к бас-гитаре. Так, очевидно, губится инерция используемых стилей и звуков, высвобождается неведомая энергия и как написал один поэт - ''на север, на север, на север неистово рвется пропеллер!''
Источник биографии:www.clubstream.ru

Том Финдлей и Энди Кэйто, несколько сэмплеров и синтезаторов, тромбон, гитара, бас, скретчинги, любовь к фанк и хаус-музыке – все это и есть Groove Armada. Феномен этого британского дуэта не разгадан до сих пор. Многие злопыхатели твердят, что если бы в свое время господин Fatboy Slim не
приложил руку к написанию ремиксов на композиции альбома ''Vertigo'', мы бы до сих пор и слухом не слыхивали ничего о ''грувармадцах''. Однако в записи их пластинки Goodbye Country принимало участие еще около 20 (!) человек, о чем вещает длинный список фамилий на развороте вкладыша. Со
времен ''Vertigo'' изменилось многое. Тогда это были всего лишь два простых парня из country, сидящих на крутом берегу и болтающих ногами ''At the river''. Исключительно чиллаутная направленность первого диска частично перекочевала и сюда, о чем свидетельствуют прекрасные треки ''Lazy moon'' и ''Edge hill'', служащие логическим продолжением предыдущей безмятежности деревни. Но
музыканты уходят из нее на заработки в ночные клубы города. И вот слышится прямая бочка, жирный бас и китчевый ''черный'' вокал суперхита дискотек ''Syperstylin''', вот ''Fogma'' с запоминающимся электронным сэплом - это влияние французов Daft Punk, вот прифанкованный ''Suntoucher'' - музыка
улиц, что с нее взять... а вот и великолепный, атмосферный, релаксирующий ''My friend'' с потрясающим вокалом Celetia Martin - сразу ощущаешь себя лежащим на пляже в компании девушек из клипа... Похвальное стремление охватить большинство современных направлений, возросшая любовь к ''черной'' музыке - hip-hop, funk, speed-garage, сочетание мелодики ambient и ритмичности house - все это Goodbye country (Hello nightclub). Прощание с ''деревенской'' музыкой удалось на славу -
''Армаду'' уже ждут ночные клубы...Вообще, Groove Armada для тех, для кого электронная музыка имеет не только ритм, но и ДУШУ.
Источник биографии:www.soyuz.murmansk.ru

Группа образована в 1988 году в Лондоне Великобритания.
3-Ди Дель Найо (настоящее имя Роберт Дель Найо) - вокал, программное обеспечение
Дэдди Джи (настоящее имя Грант Маршалл) - вокал, клавишные
Машрум (настоящее имя Эндрю Ваулз) - вокал
Это трио британских рэпперов начинало со студийной компьютерной музыкальной обработки соул-композиций, добившись значительных успехов главным образом в области программирования. Трио неоднократно привлекал к записи Нелли Хупер, работавший с группой The Wild Bunch, а позже занявший место продюсера/исполнителя в Soul II Soul. В пользу Massive Attack работало и то обстоятельство, что 3-Ди - достаточно известный художник-график, чьи работы неоднократно выставлялись в лондонских галереях и демонстрировались по телевидению. 3-Ди написал тексты для альбома Нены Черри ''Manchild'', которая познакомила его с продюсером Кеймероном Маквейем, и тот согласился заняться дебютным диском трио. Пластинка Blue Lines несла в себе ''трехсингловый заряд'': ''Daydreaming'', ''Unfinished Symphony'' и ''Safe From Harm''. Получившаяся смесь рэпа, рэггей и соул оказалась коммерчески привлекательной, и дебютный альбом распродавался с рекордной скоростью (в записи нескольких вещей приняли участие ''крестная мать'' трио Нена Черри и певица Сара Нелсон). Английский еженедельник Melody Maker признал ''Unfinished Symphony лучшим синглом 1991 года - эта композиция и в середине 90-х оставалась одной из самых популярных в европейских дискотеках. Во время кризиса в Персидском заливе группе на время пришлось отказаться от своего названия - таково было требование руководителей радиостанций, считавших, что регулярное повторение в эфире словосочетания ''massive attack'' - своего рода провокация (в этот период группа называлась Massive). Статус коллектива вырос еще больше, когда музыканты U2 обратились к Massive Attack с просьбой сделать аранжировку/ремикс для их сингла ''Mysterious Ways''. Однако несмотря на колоссальный успех дебютного альбома, Massive Attack надолго скрылись из поля зрения: некоторые музыканты начали сольную карьеру, и, хотя о распаде группы не объявлялось, все свидетельствует о том, что фактически это произошло.
По материалам сайта:http://www.rubricon.ru/

Голландская группа Junkie XL появилась в 1995 и дебютировала в 1997 с альбомом '' Saturday Teenage Kick ''. Их музыка - это смесь рока и биг-бита, обычно их сравнивают с Prodigy и Chemical Brothers.
Лучше всего мощность их музыки проявляется во время живых концертов. Junkie XL - одна из первых групп, которая играет современную электронную музыку и представляет её классным шоу .
Музыка Junkie XL - это смесь стилей: танцевальная альтернатива с рок-ориентацией. В ''Saturday Teenage Kick '' groovy-гитара играет вместе с быстрым хип-хопоми и на фоне звучит вокал Rudeboy. Название Junkie XL появилось как соединение дружеского прозвища студии записии Тома Холкенборга ''junkie studio'' (у него была слава настоящего трудоголика - фаната своего дела ) и
eXpanding Limits ''Расширяющиеся Пределы '' (восприятия, действительности, и т.д.).
Том Холкенборг - капитан команды - секвенсер! Все звуки проникают через его плату, и он добавляет к ним разные эффекты. Том однажды сказал: '' Основной компонент, который отделяет нас от других электронных групп - это то, что группы подобно Fatboy Slim играют музыку танцевального направления используя элементы рока. Я рассматриваю нас как группу играющую рок используя
элементы танцевального направления.''
После долгих репетиций, в ноябре 1997 группа дает концерт сначала в ''Melkweg'' в Амстердаме, а несколькими месяцами позже группа выступала на некоторых концертах вместе с Prodigy, которые совершали турне по Германии. После этого тура, многие начали говорить (включая Liam Howlett ...) что Junkie XL украла концепцию музыки у Prodigy. Но фанаты Junkie XL знают, что это
не так ! Том уже давно микшировал рок и электрику с Nerve.
Junkie XL совершила замечательное турне по Америке. Они играли в приблизительно 80 городах (как в одиночку так и с подмогой в лице Gravity Kills). Junkie XL стали первыми в Танцевальных чартах! Этому свидетельствует что 20.000 Американских клубных диджеев выбрали композиции Junkie
XL как композиции года. Их популярность была также обозначена тем фактом, что им позвонили с MTV чтобы заключить с контракт и получить возможность показывать их видео ''Billi Club ''.
Том Холкенборг хотел, чтобы музыка Junkie XL была бы всегда популярной и слушаемой подобно Beatles. В первом альбоме ''Saturday Teenage Kick '' доминировал рок-звук. Хотя этот дебютный альбом получил огромный успех Том не считал, что это та самая ''музыка на века''. Второй альбом ''Big Sounds Of The Drags '', выпущенный в 1999, получился больше танцевальным в стиле 70-ых.
В конце 1999, из группы ушли Dino Cazares, Rene Van der Zee, Баз Матти и Фрэнки Д. Они не были как таковыми участниками группы, они только работали вместе с Томом. Их сотрудничество прекратилось как из-за финансовых причин так и из-за того, что Том сделал ставку на танцевальную музыку, а лучший помощник у него в этом деле был только Rudeboy ...
В июне 2000, Rudeboy тоже ушел из группы и Том остался один. Теперь он определился с направлением и играет в стиле прогрессив хаус. Известные диджеи подобно Карлу Коксу, Питу Тонгу, Нику Воррену, Джо Вилей и Стиву Ламаку включают Junkie XL в свои плейлисты. Шестью месяцами позже, Junkie XL прекратил работать с Captain Video (кто обеспечивал фоновое видео во время живых
концертов).
В настоящее время Junkie XL частенько появляются на Mostiko Records, который является танцевальным лейблом Roadrunner Arcade. Несколько месяцев назад Junkie XL выступал вне Нидерланд. Том использовал эту возможность чтобы представить публике свой новый материал для нового альбома '' Red Heat '', который будет выпущен в 2002. В настоящее время он трудится над этим альбомом. Том пригласил очень интересных вокалистов, например Шафран (Republica) который уже записал трек ''Crusher'' в Амстердаме.
Источник биографии:www.sonic.ru