То и дело слышишь тут и там: «Современные художники просто не умеют реалистично рисовать (лепить, писать) и именно поэтому выставляют писсуары или фотографируют на мыльницы свои трусы». Всё не совсем так. То есть, рисовать многие из них и правда не умеют, но слово «поэтому» тут неуместно, тут другая причинность. Это во-первых. А во-вторых – неумение реалистично изображать натуру – качество далеко не всех современных художников. Вот, есть, например, такой Рон Мьюик. Его скульптуры реалистичны настолько, что аж страшно. Знаете, есть такие художники которые на выставках ставят живых людей в качестве экспонатов? Строго говоря, скульптуры Мьюика отличаются таких экспозиций только масштабом и тем, что не моргают. Гигантские женщины и маленькие старушки, огромные младенцы... И, в общем, не очень понятно, что, грубо говоря, хочет сказать автор. Ну, кроме очевидного «Дайте бабла». То, что он предлагает рассмотреть человека в подробностях, ясно. Понятно и то, что при таких масштабах и изъяны человеческой внешности видны иначе, и вообще люди самого обычного облика, тем более ничуть не приукрашенные, могут пугать или вызывать жалость. А вот ни умиления, как красивая девочка в сарафанчике с ромашкой, ни восхищения, как всякие сиськи с драконами и мечами, скульптуры Мьюика у обывательского большинства скорее всего не вызывают. Не удивлюсь, если этому самому большинству Мьюик нравится даже меньше, чем русские критические реалисты: те, демонстрируя острые собственно социальные проблемы, по крайней мере, не избегали ритуальной композиции и часто наделяли своих героев мифической красотой; Мьюик же заявляет саму человеческую внешность как социальное явление, само тело как проблему. Осознанно ли он это делает? Да какая разница...








Взято здесь: http://www.artinthepicture.com/blog/?p=150, http://www.youtube.com

Прекрасные рисунки канадской художницы Крис де Лара (Cris de Lara), работает в жанрах пинап, шаржей на знаменитостей, рисунков для детей, иллюстраций и постеров; имеет свою собственную студию где занимается обучением рисованию и графике.



Смотреть дальше" target="_blank">http://clipday.ru/index.php[/more]

Смотреть дальше

В выставочном зале Успенской звонницы Московского Кремля закончилась выставка "Искусство Рене Лалика", проходившая в рамках года "Россия—Франция-2010" . На ней были представлены 170 работ великого французского ювелира и дизайнера из собраний акционерного общества "Лалик", музея Метрополитен в Нью-Йорке, Эрмитажа, лиссабонского Музея Калуста Гюльбенкяна, версальского Музея Ламбине, датского Музея искусства и дизайна, Государственного архива РФ и крупнейших частных собраний.
Это первый масштабный показ уникальных произведений выдающегося французского художника, имя которого в европейском ювелирном искусстве рубежа XIX – XX веков связано с рождением одного из самых романтических стилей в мировой художественной культуре – модерна. Рене Лалик – великолепный ювелир, мастер золотого и серебряного дела, прекрасный рисовальщик, блестящий стилист, дизайнер и мэтр художественного стекла – принадлежит к плеяде лучших художников своего времени. Его творения еще при жизни стали классикой XX столетия.

Читать дальше

Ар брют (фр. Art Brut — грубое искусство, необработанное, неограненное искусство) — термин, введенный французским художником Жаном Дюбюффе для описания собранной им коллекции картин, рисунков и скульптуры, созданных непрофессиональными мастерами, которые как с общественной, так и с психической точки зрения являются маргиналами (душевнобольные, инвалиды, заключенные, чудаки — одиночки, медиумы и т. п.). Их работы несут в высшей степени спонтанный характер и практически не зависят от культурных шаблонов. В частности, творчество душевнобольных не считается с конвенциями правдоподобия, живописной перспективы и условных масштабов, не признает разграничения реального и фантастического, иерархии материалов и т. д. В качестве эквивалента в англоязычной литературе используется термин искусство аутсайдеров, который ввел в 1972 искусствовед Роджер Кардинал. Близкие явления — маргинальное искусство, наивное искусство, фольк-искусство, визионерское или интуитивное искусство, новый вымысел (фр. Neuve Invention), примитивизм.



Читать далее

На черном рынке продажа предметов искусства по востребованности, конечно, проигрывает торговле наркотиками, оружием и сексуальными услугами. Тем не менее, кража музейных экспонатов или культурных ценностей из частных коллекций с целью их последующей реализации давно стала элементом четко отлаженного и прибыльного бизнеса. Оборот одного только американского подпольного арт-рынка специалисты оценивают в шесть миллиардов долларов. Неудивительно, что в мире ежегодно пропадают десятки тысяч картин, скульптур, гравюр, коллажей, что год от года только прибавляют в стоимости.

Перед вами список из десяти самых дорогих похищенных произведений искусства, судьба которых остается тайной, покрытой мраком.

Рафаэль «Портрет молодого человека»

Стоимость: около $100Читать далее
отсюда:http://banallex.livejournal.com/1075207.html

В музее Орсэ в Париже проходит выставка «Импрессионизм и мода» - совместный проект нью-йоркского Метрополитена, чикагского Института искусств и музея Орсэ. Основная идея выставки исключительно проста - соединить воедино две
популярнейшие темы, результат блестящ - очереди в кассу и толпы перед витринами.

Выставка действительно получилась исключительно интересной: во-первых, в нескольких залах можно полюбоваться на
известные и не очень известные полотна, собранные из разных европейских и американских музеев, во-вторых, можно увидеть великолепно сохранившиеся наряды и аксессуары второй половины ХIХ в., практически идентичные тем,
что изображены на картинах, многие из них из частных коллекций, то есть обычно недоступные зрителю, в-третьих, залы и отдельные экспонаты сопровождаются подробными информационными стендами, где приводится не только сведения о самих экспонатах, но и высказывания современников о моде. На выставке представлены более 80 экспонатов (живописные полотна, предметы гардероба, модные аксессуары, фотографии, модные журналы), охватывающих три десятилетия -  с конца 1850-х  до конца 1880-х годов.




1. Пьер Огюст Ренуар. Портрет мадм Шарпантье с детьми, 1878, Нью-Йорк, Метрополитен

Маргарита Шарпантье, жена известного издателя Жоржа Шарпантье, дружившая со многими
знаменитыми художниками и писателями, предстает в образе почтенной матроны и матери семейства
в своем салоне, обставленном в модном японском стиле. На диване рядом с матерью сидит ее
сын Поль, одетый девочкой, на лежащей собаке устроилась дочь Жоржетта. Дети одеты в одинаковые
шелковые платья с плиссерованными юбочками и шитьем, шелковые ажурные носочки и туфельки с розетками.
На матери - черное шелковое дневное платье с кружевной отделкой. Черный цвет подчеркивает благородство
и изысканность дамы.

2. Дневной туалет из черного шелка, ок. 1877, похожий на тот, в котором
мадам Шарпантье принимала гостей в своем салоне.

Выставка выходит за пределы живописи и истории моды - она затрагивает социологические и гендерные аспекты,  заставляя задумываться не только о том, какой была мода, как ее видели художники, но и о значении и восприятии моды в контексте социума того времени.

Во второй половине ХIХ в. французская мода перестает быть монополией аристократии; модно одетой можеть быть не только состоятельная дама, но и любая женщина, умеющая шить и обладющая вкусом. Популяризация моды осуществляется в значительной мере благодаря многочисленным иллюстрированным модным журналам, публикующим фасоны и выкройки, что позволяет женщинам и девушкам со скромными доходами шить себе платья и подбирать аксессуары в духе  современных модных направлениий. Среди редакторов и художников этих журналов, тоже, кстати, были женщины. Немалую роль в демократизации моды играет и возникновение крупных магазинов одежды, где можно приобрести полуфабрикат платья, а затем подогнать его и украсить лентами, кружевами, оборками по своему усмотрению и вкусу.
В это же время формируется образ Парижанки, который вдохновляет импрессионистов и одновременно возводится импрессионистами, журналистами и писателями в архетип, становясь основой популярных представлений о жительницах Парижа. Две цитаты того времени как нельзя лучше отражают суть данного образа. Одна из них принадлежит Арсену Юссе (Arsène Houssaye), журналисту, литературному критику и писателю: „La Parisienne n'est pas à la mode, elle est la mode.“ (Парижанка не следует моде, она сама - мода), другая - главному редактору журнала La Mode illustrée Эммелине Рэмо (Emmeline Raymond) : „Sans doute les Parisiennes sont femmes, mais elles sont plus femmes que toutes les autres femmes.“ (Несомненно, парижанки - женщины, но они более женщины, чем все остальные женщины). Парижанка, таким образом, это не только богатая дама, одетая в платье Чарльза Ворта, основателя высокой моды, но и любая портниха, швея, работница, служанка, которая умела удачно соединить фасон, ткань, ленточки, кружева, шляпку, зонтик и цветы, выбрать подходящее движение, жест, взгляд, вовремя надеть или снять перчатку или подобрать юбки, показывая башмачок. Парижанка - это непрерывное движение, изменение, творчество, переливы света на ткани, и это как нельзя лучше могли почувствовать и передать имрессионисты. Немалая роль в создании новых модных направлений принадлежала дамам полусвета, которые умело использовали одежду и аксессуары в искусстве соблазнения. Законодательницами стиля становились также женщины-художницы, женщины-актрисы, женщины-музыканты, женщины, ведущие независимый, артистический образ жизни, среди них - Берта Моризо, Ева Гонсалес, Мэри Кассат, Нина де Каллиас, чьи работы или портреты тоже представлены на выставке. Женщина в данном контексте предстает как субъект моды, она ее создает, она о ней рефлексирует и она же ее отображает в живописи.


3. Эдуар Мане. Парижанка, 1875, Стокгольм, Национальный музей

Дама одета в черный шелковый городской костюм для променада
или визитов, на голове подобранная в тон высокая шляпка, руки в перчатках.



4. Страница из модного журнала La Toilette de Paris, апрель 1877

Читать далее...

Интерьер в стиле модерн родился на рубеже девятнадцатого и двадцатого веков. На стыке эпох миру была необходима его высокая эстетика, чувственность линий, продуманность декора. Но прошло больше ста лет, а модерн и сейчас один из самых востребованных стилей. Почему? Модерн — это словно поэзия в архитектуре. Это музыка джаз. Его можно охарактеризовать одной фразой. «Модерн — это звуки саксофона в осеннем парке». Кружатся листья, опускаются в открытый футляр, и хрипловатый голос саксофона тает в наступающих сумерках. Золотые оттенки на сероватом фоне неба. 



1.
 

2.
 Читать далее