В. А. Серов «Девочка с персиками» (1887) Нет, наверное, сейчас человека, который, побывав в столице нашей Родины Москве, хотя бы раз не посетил расположенную в Лаврушинском переулке Государственную Третьяковскую галерею. Датой основания Третьяковской галереи принято считать 1856 год. Именно тогда известный молодой московский коллекционер, купец и промышленник Павел Михайлович Третьяков приобрёл первые работы современных на тот момент русских художников, задавшись целью создать коллекцию, которая в будущем могла бы перерасти в музей национального искусства. Начиная с первой выставки в 1871 году Третьяков становится главным покупателем картин передвижников, оказывая тем самым им, а вместе с ними и всему русскому искусству неоценимую услугу. Впоследствии И. Е. Репин, один из главнейших представителей передвижничества, скажет: «П. М. Третьяков … вынес один на своих плечах вопрос существования целой русской школы живописи». Но поддержка здесь была обоюдной. Сочувствуя благородным устремлениям Третьякова, художники нередко шли навстречу собирателю: они не продавали своих картин, пока их не посмотрит и не выскажет своего мнения Третьяков. Главными критериями отбора произведений для Третьякова были их типичность для направления или времени и их высокие художественные качества. Каждое новое десятилетие вносило в его галерею новые имена и новые веяния. В начале XX века Третьяковская галерея становится одним из крупнейших музеев не только России, но и Европы. Она активно пополняется произведениями как нового, так и старого русского искусства. Из года в год растёт число её посетителей. Если раньше новые поступления выставлялись отдельно и не смешивались с основным собранием П. М. Третьякова, то теперь развеска всех произведений была подчинена общему историко-хронологическому принципу, соблюдаемому и поныне.

Читать далее...

Восьмидесятые годы были удивительно плодотворным периодом в жизни Ивана Константиновича Айвазовского. В 1881 году он создал один из своих шедевров, картину «Черное море». Лето 1886 года было проведено им в постоянной работе, плодом которой явилась целая серия новых картин. Конец 1886 года и первая половина 1887 года были необыкновенно обильны выставками. После весенней, академической и московской выставок, осенью 1886 года, новая серия его произведений была выставлена в Одессе, Николаеве, Киеве, Харькове и других городах России, а также в Ницце, Ментоне и Бухаресте. Художественный критик Владимир Стасов так писал о значении Айвазовского для русского искусства: «Маринист Айвазовский по рождению и по натуре своей был художник совершенно исключительный, живо чувствующий и самостоятельно передающий, как никто в Европе, воду с ее необычайными красотами».
Произведения этого периода отличает особая простота содержания, приглушенная красочная гамма, виртуозность исполнения. С годами его мастерство крепло, а образы моря, которые создавала его кисть, становились все более тонкими и многогранными.
Все эти характеристики в полной мере можно отнести к картине «Берег моря». Этот морской пейзаж был написан в 1886 году. На картине изображен морской прибой у скалистого берега, который едва различим сквозь серебряную пелену напитанного влагой воздуха. Превращаясь в хрустальную россыпь пены, волны с шумом разбиваются у ног путников. Лишенный внешнего блеска сюжет располагает к размышлению и покоряет легкостью и свежестью исполнения.

Картина “Морской берег. Прощание” была создана Иваном Айвазовским 1868 году, по всей видимости, во время его пребывания в Феодосии. Прославленный маринист был щедрым покровителем своего родного города. Благодаря ему в Феодосии была открыта художественная школа, инициированы археологические раскопки, а весной 1868 года начато строительство железной дороги.
Айвазовский с большим теплом относился к Феодосии и всегда возвращался в этот город, считая его своим единственным домом. Аллегорический мотив прощания, изображенный на картине, созвучен настроению, которое мог испытывать художник, покидая родные края, отправляясь в очередное путешествие. Как и во многих произведениях мастера 1860-х годов, важную роль в этой композиции играет постановка интенсивного освещения, придающего картине особое эмоциональное звучание. Вся живописная поверхность полотна окрашена горячими лучами рассеянного алого и оранжевого света, эффектно выделяющего основные композиционные объемы. Пространство картины разделено на несколько планов, маркированных силуэтами прощающихся в правой нижней части композиции и далее, следующих по диагонали - шлюпкой, ожидающей моряка, и кораблем на горизонте. Восходящее из-за горизонта солнце символизирует начало нового дня и начало нового морского путешествия.
В своем творчестве Айвазовский часто обращался к изображению мотивов встреч и прощания, как к идее, близкой самому художнику, обращенной к мироощущению человека эпохи романтизма. Подобные сюжеты можно встретить на других известных картинах мастера: “Встреча рыбаков на берегу Неаполитанского залива” (Государственная Третьяковская галерея, 1842); “Утро на море” (ГМЗ “Павловск”, 1849).

Для написания картин известный художник Михаил Врубель вдохновлялся русским фольклором, былинами, он придавал каждому герою особенные черты. Так произошло и с полотном «Царевна-Лебедь». Рассказываем, кто изображен на нем, и как живописцу пришла идея картины.

Прообраз Царевны-Лебедь
Михаил Врубель написал картину «Царевна-Лебедь» в 1900 году после выхода оперы Николая Римского-Корсакова. На этом полотне, как и на многих других работах, художник изобразил свою жену — известную певицу Надежду Забела. После того, как живописец увидел ее выступление в роли Царевны-Лебеди в опере Римского-Корсакова «Царевна-лебедь», он решил написать свою музу. Стоит отметить, что между образом Надежды Забелы на картине и в реальности мало сходства. Врубель лишь вдохновлялся красотой и чарующим голосом возлюбленной, а царевна на полотне — это плод воображения живописца. Искусствоведы считают «Царевну-Лебедь» одним из самых загадочных полотен. Дело в том, что художник объединил в героине несочетаемое: свет и тьму, холод и тепло.


Сказочный мир
Образ царевны детализирован. Врубель подчеркивает превращение женщины в лебедя с помощью птичьей выразительности глаз, острого очертания губ. Мы видим, что у нее роскошный белый наряд. Также художник создает музыкальность образа царевны за счет переливов красок, игры серых и розовых полутонов, сияния драгоценностей. Мы чувствуем сказочную атмосферу, как будто героиня затягивает нас в волшебный мир. Врубель пишет ее со спины, она смотрит на зрителей печальными глазами. У царевны приподняты брови, сжаты губы. В сказке Александра Пушкина образ Царевны-Лебедь светлый, радостный. На полотне Врубеля же тревожный. Героиня как будто беспокоится о чем-то, скрывается от нас. Живописец мастерски передает лицо, пальцы, легкую ткань царевны. На картине мы видим игру света и тени. Также во время ее написания художник использовал мазки мастихина. Он создавал уникальные перламутровые оттенки.


Все женщины Врубеля в образе Царевны-Лебедь
Считается, что лебедь — это символ вдохновения. Благодаря этому образу можно узнать самые темные и загадочные стороны жизни. Царевна как будто манит зрителей. Мы восхищаемся красотой ее лица, большими глубокими глазами, хрупкими длинными пальцами. Замерзшая вода, огонь придают героине таинственности. Врубель создает впечатление, что Царевна-Лебедь — это лишь видение, которое сейчас исчезнет.
Искусствоведы считают, что эта работа вобрала в себя все предшествующие женские образы на полотнах художника. Это символ непостижимой красоты.


«Царевну-Лебедь» купил Михаил Морозов. Впервые она была представлена публике в 1901 году на выставке «36-ти художников». А потом по завещанию коллекционера картину передали в Третьяковскую галерею.

Карл Брюллов «Смерть Инессы де Кастро», 1834 год
История одной картины

На этой картине мы видим молодую женщины с двумя детьми, возле которой столпились воинственно настроенные мужчины. Давайте попробуем разобраться, что же здесь происходит.

Картину создал живописец Карл Брюллов, который любил писать полотна по мотивам реальных исторических событий. Не стала исключением и эта работа, изображающая эпизод из жизни фаворитки португальского короля Педру I Инессы де Кастро.

Инесса была придворной дамой жены Педро — Констансы Мануэль. Педру тогда был ещё инфантом, и Инесса пленила его своей красотой. Между влюблёнными была длительная романтическая связь, от которой родилось четверо детей.

После смерти Констансы Педру тайно обвенчался с Инессой и стал жить с ней как со своей женой. Всё это, конечно, не устраивало отца инфанта — короля Афонсу IV. Он хотел выгодно женить сына на королевской особе и вовсе не желал борьбы за престол своих наследников с незаконнорожденными внуками.

Согласно преданиям, Афонсу дождался отсутствия Педру и ворвался в спальню к Инессе, в надежде убить её и детей. Однако, тронутый видом несчастной женщины, молившей о пощаде, король сжалился над ней и внуками и ушёл. Именно этот эпизод и отразил в своей картине Карл Брюллов.

Позже советники короля всё же добились разрешения на устранение неугодной женщины, и 7 января 1355 года Инессе де Кастро отрубили голову.

Педру был возмущён таким поведением короля и придворных, он восстал против отца и вверг страну в длительную гражданскую войну, закончившуюся, по требованию народа, примирением сторон. Вскоре после этого король умер, и Педру взошёл на трон.

Причастные к казни Инессы попытались бежать, но Педру отыскал их и жестоко отомстил за любимую. По преданию, король лично выдрал им сердца, одному из груди, а другому со спины.

В 1361 году останки Инессы де Кастро торжественно перенесли из монастыря св. Клары в Коимбре и поместили в саркофаг в монастыре Алкобаса.

У Педру и Инессы было четверо детей, один из который не прожил и года. Остальные трое стали инфантами и прожили хорошую жизнь.

СТРАННЫЙ МАЛЬЧИК С ПОРТРЕТА ЛЕВИЦКОГО Любовь – тайна человеческой души. Люди безуспешно бьются над её разгадкой. Откуда она приходит и куда уходит? Почему не даётся тем, кто за ней гонится, и неожиданно обрушивается на тех, кто её совсем не ждёт? Отчего любовь зачастую обходит любимцев фортуны и щедро одаряет пасынков судьбы? Д.Левицкий "Портрет Фавста Макеровского в маскарадном костюме" Этот завораживающий детский портрет кисти Дмитрия Григорьевича Левицкого, стал символом галантного восемнадцатого века. На нём вы видите прелестного мальчика с фарфоровым личиком в роскошном маскарадном костюме. Но есть в его облике какая-то странность. Слишком серьёзно лицо этого ребёнка с недетским взглядом, поза его вычурна, а фон картины тревожен и мрачен. Были даже предположения, что это не ребёнок, а карлик. Но всё же это портрет мальчика, правда, весьма необычного. Имя у него тоже диковинное Фавст Макеровский. Фавст – русский вариант имени Фауст. Жизнь его напоминает сентиментальный роман, недаром имя у него литературное. С удьба полной мерой отвешивала ему горести и радости. Фавст Макеровский, как пели в старинных романсах, «тайный плод любви несчастной». Матери своей он не знал, а отцом его был Пётр Матвеевич Нестеров, личность весьма оригинальная: военный, страстно увлечённый искусством. Он дружил с художниками, в том числе с Левицким. Пылкий прапорщик пережил роковую любовь, перевернувшую всю его жизнь. Можно предполагать, что его возлюбленной была замужняя женщина, возможно польская аристократка. Такие выводы напрашиваются потому, что Нестеров спешно вышел в отставку, взял незаконнорождённого сына к себе, записав его польским шляхтичем, и никогда не женился. Он сделал всё, чтобы избежать скандала и спасти любимую от позора. Пётр Матвеевич поселился в своем имении, устроив там живописный парк, пруды и оранжереи. Всю любовь своего разбитого сердца он отдал обожаемому сыну. Дав мальчику, многозначительное имя, он и фамилию ему придумал под стать: Макеровский, от французского выражения: «mon couer» - моё сердце. Мать младенцу заменила тётя, родная сестра Нестерова, посвятившая свою жизнь племяннику. Так что, несмотря на печальные обстоятельства появления на свет, детство Фавста можно назвать счастливым.

Читать далее...

Анри Жерве «Возвращение с бала» , 1879 год
На этой картине мы видим семейную пару, которая, по всей видимости, находится в ссоре. Жена лежит на диване в расстроенных чувствах и, скорее всего, плачет, а муж сидит в глубоких раздумьях и явно злится. Давайте попытаемся разобраться, что же между ними произошло.

Пара только вернулась с бала, что можно понять по бальному платью женщины, а так же по названию картины. Совершенно очевидно, что мероприятие прошло для них не очень радостно. Скорее всего, между супругами вспыхнула ссора из-за ревности.


Присмотревшись, можно заметить, что муж значительно старше своей молодой жены. Хотя мы не видим лица женщины, но художник отчётливо даёт понять, что она весьма хороша собой и привлекает внимание поклонников.

Возле дивана на полу лежит букет цветов, который, вероятно, был подарен расстроенной женщине одним из гостей бала. Это, конечно же, разозлило ревнивого супруга, и он дома швырнул ей в лицо этот букет.

Лепестки цветов валяются по полу, словно осколки, намекая, что брак пары разбился вдребезги. Но растрёпанный букет — это ещё не самое страшное на этой картине.

Присмотревшись, можно заметить, что мужчина сидит в одной перчатке. Это значит, что вторую он бросил в лицо своему обидчику, вызвав его на дуэль.

В то время дуэли были вполне обыденным явлением, поэтому можно не сомневаться в том, что поединок состоится и одного из враждующих вскоре не будет в живых.

У молодой женщины есть все шансы остаться вдовой. Впрочем, если она не любила своего супруга, то не будет чувствовать горечи утраты и сможет выйти замуж за того, за кого велит сердце.

Лоуренс Альма-Тадема «Розы Гелиогабала», 1888 год

Зачем героев этой картины засыпали лепестками роз
На этой картине мы видим людей, который сидят за столом на некоем пьедестале, окружённом колоннами. Если приглядеться, то внизу тоже можно увидеть людей, только они почему-то засыпаны лепестками роз. Давайте попробуем разобраться, что же здесь происходит.

Картину создал британский художник нидерландского происхождения Лоуренс Альма-Тадема, который любил использовать в своей живописи исторические сюжеты. Не стала исключением и его работа «Розы Гелиогабала», отсылающая нас к событиям, происходившем в Древнем Риме.

За основу своего произведения мастер взял историю из сборника старинных рукописей, известного под названием «История августов». Случай описал римский историк Элий Лампридий, который рассказывал о жизни Гелиогабала — римского императора из династии Северов. Гелиогабал вёл праздный и распущенный образ жизни, чем вызывал народное возмущение и всеобщую ненависть. Император любил издеваться над людьми и жестоко шутить.

Согласно легенде, однажды Гелиогабал пригласил гостей на пир, в разгар которого все пришедшие были осыпаны благоухающими лепестками роз. Казалось бы, в этой затее не было ничего плохого, вот только люди начали задыхаться от резкого аромата и умирать прямо на месте. Именно этот момент и изобразил на своей картине «Розы Гелиогабала» Лоуренс Альма-Тадема.


Художник очень эффектно воплотил на холсте задыхающихся людей, которые оказались буквально погребены под ворохом розовых лепестков. Они похоже, даже не совсем понимают, что с ними на самом деле происходит.

Сам император и его приближённые, похоже, довольны происходящим. Они рады, что шутка удалась, при этом их совсем не смущает вся жестокость ситуации.

Трудно сказать, происходило всё это на самом деле или нет. Хотя история описана в старинных рукописях, современные исследователи подвергают сомнению достоверность труда «История августов». До сих пор ведутся дискуссии о том, можно ли отнести сведения из этой книги к биографическим. Также неизвестны цели и задачи данного сборника.

Так или иначе, история с лепестками впечатляла многих творцов и легла в основу не одного произведения искусства. В настоящее время картина «Розы Гелиогабала» находится в частной коллекции и не доступна широкому кругу зрителей.

(еще одна версия происшедшего)
В те времена, как и сейчас, было особым шиком осыпать залы и дорожки лепестками роз. Гелиогабал любил роскошный образ жизни, имел много розариев, (что могли себе позволить только очень знатные и богатые люди) и во время своих грандиозных пиров действительно осыпал гостей розами. Не известно, было ли это на самом деле, но легенда гласит, что однажды жестокой забавы ради он приказал с головой завалить приглашённых лепестками, отчего люди и задохнулись просто, будучи опьянённые вином, не сумев из-под них выбраться.

Завалить огромное помещение до потолка — это отсылка к непомерному богатству Гелиогабала, а идея убить людей таким циничным образом — к его непомерной жестокости. Так что скорее всего история эта — лишь иносказание. Необычная легенда...

Жюль Бастьен-Лепаж «Деревенская любовь», 1882 год

Перед нами знаменитая картина французского художника Жюля Бастьен-Лепажа под названием «Деревенская любовь». На ней мы видим двух молодых людей, которые стоят по разные стороны покосившейся изгороди. Парень и девушка мило беседуют и, вероятно, пытаются признаться друг другу в чувствах.
Девушка стоит спиной, поэтому мы не видим её лица. Она сняла платок, который висит теперь на изгороди, показав зрителю две тоненькие косички. Лицо парня можно хорошо разглядеть. Видно, что в данный момент он смущён, поскольку делится со своей возлюбленной самым сокровенным — своими чувствами, а может просто подбирает подходящую тему для разговора.
Картина написана в стиле натурализма — любимом стиле Бастьен-Лепажа. Просто удивительно, насколько реалистично прорисованы люди, дома и природа вокруг. Художник смог грамотно передать особенности времени года, переливы цвета листвы и травы, земляную фактуру.
Очень чётко мастер изобразил лица героев, их эмоции и чувства. Например, девушку мы видим только со спины, но хорошо можем понять, что она смущается.
«Деревенская любовь» считается одним из самых удачных произведений Бастьен-Лепажа. Она с восторгом воспринялась критиками и другими художниками. Многие русские мастера живописи высказали мнение, что картина больше русская, чем французская.
Худочник Михаил Нестеров даже высказал мнение, что это полотно должно висеть в храме: "Мнение же мое было таково: картина «Деревенская любовь» по силе, по чистоте чувства могла быть и в храме. Картина эта, по сокровенному, глубокому смыслу, более русская, чем французская. Перед картиной «Деревенская любовь» обряд венчания мог бы быть еще более трогательным, действенным, чем перед образами, часто бездушными, холодными. Бастьен-Лепаж поэтическим языком в живописи выразил самые чистые помыслы двух любящих, простых сердцем людей".
Высоко оценил картину и Валентин Серов, который был знаком с творчеством Бастьен-Лепажа по московскому собранию С.М. Третьякова и часто говорил: "Я каждое воскресенье хожу туда смотреть «Деревенскую любовь»".
Художник Виктор Борисов-Мусатов настолько проникся картиной, что даже посвятил ей стихотворение:
"Давно ли был мой идеал
Учитель Коновалов наш?
Но в Третьяковке побывал —
В мечтах один Бастьен-Лепаж."
В Третьяковскую галерею «Деревенская любовь» попала 1885 году, после того как Сергей Третьяков приобрёл её на посмертной распродаже полотен Бастьен-Лепажа в парижской галерее Жоржа Пети. С тех пор она украшает российские выставки. В настоящее время картина находится в Пушкинском музее в Москве.

Бертольд Вольц «Раздражающий господин», 1874 год

На этой картине мы видим типичный поезд 19 века, в вагоне которого сидят три пассажира. Но на первом плане только два из них — молодая девушку и мужчина средних лет.
Девушка довольно юна и красива. Она одета во всё чёрное, что может говорить о её трауре. Она слишком молода, чтобы хоронить мужа, а, значит, умер кто-то из её близких родственников, возможно, мать или отец.
На лице героини можно увидеть слёзы. Вероятно, они вызваны горем от потери родственника. А может красавица расстроена из-за навязчивых ухаживаний джентльмена с соседнего сидения?
Мужчина уже не молод, но имеет весьма претенциозный вид. У него дерзкие усы, шляпа, сигара. Всё это говорит о том, что денди активно пытается привлечь внимание женщин.
Наклоняясь над спинкой сиденья, горе-кавалер пристально смотрит на даму, размахивая зажжённой сигарой. Похоже, он пытается завязать беседу, хотя очевидно, что у его попутчицы нет такого желания.
Девушка совершенно не настроена на знакомство. Наоборот, она раздражена, в её взгляде чувствуется негодование. Вот только сделать красавица ничего не может. Она путешествует одна и никто не может за неё вступиться. Слёзы девушки могут быть вызваны именно её беспомощностью в данной ситуации.
На заднем плане с краю холста, нарисован ещё один персонаж, который почти обрезан художником. Этот пожилой человек с угрюмым лицом хорошо понимает весь смысл происходящего, но предпочитает не вмешиваться в ситуацию.
Вероятно, он не чувствует в себе ни моральных, ни физических сил, чтобы заступиться за барышню. Мужчина просто сидит, потупив взор и старается делать вид, что ничего не происходит.
Картина написана в жанре "проблемных", который был очень популярным у европейских художников конца 19 века. Этот жанр представлял собой картину с сюжетом, который нёс какой-либо конфликт, причём не только внешний, но и внутренний.
Обычно такие произведения вызывали многочисленные споры и предположения. Их даже обсуждали в газетах, на различных встречах и приёмах. Это жанр был хоть и недолговечен, но очень популярен и явно перекликается с работами русских передвижников.

Алексей Корзухин «Надоел», 1886 год

На этой картине художник изобразил молодую женщину, которая прикрывается книгой от назойливого кавалера, в очередной раз явившегося к ней в гости. Мужчина снял головной убор в знак приветствия и протягивает даме букет цветов. Только она совсем не рада подарку.
Как можно понять из названия картины, кавалер приходит к сюда не в первый раз и уже порядком надоел героине. Но, видимо, мужчина не теряет надежды.
Художник намеренно расположил героев по разные стороны тропинки, показывая, что им не по пути. В руки девушки автор вложил книгу, вероятно, делая акцент на том, что герой её романа никак не вяжется с образом пожилого джентльмена в белом костюме, стоящего у калитки.
Мужчина очень самонадеян и активен в своих ухаживаниях. Возможно, он даже выпил для храбрости, что можно понять по его красному лицу.
Если бы девушка сама принимала решения относительно своей личной жизни, можно было бы сказать, что у пожилого ухажёра нет шансов. Однако в то время последнее слово было за родителями. Если отец красавицы решит, что успешный немолодой чиновник будет для неё выгодной партией, ей придётся выйти за него замуж.
Картина «Надоел» была написана в заключительный период творчества Алексея Корзухина. Художник долго работал над полотном и неохотно отправил его на академическую выставку.
В настоящее время работа находится в собрании Пермской художественной галереи, которая выкупила картину у внучки живописца в 1948 году.

Владимир Маковский «Приезд на дачу», 1899 год

На этой картине мы видим семью, которая приехала из города, чтобы провести лето на даче. Хозяева стоят на пороге дома, а прислуга заносит многочисленные вещи — сумки, шляпные коробки, узлы с вещами и даже удочки. Скорее всего, тут встречают главу семейства, который по будням работает, а по выходным приезжает отдохнуть и навестить семью.
Дачи занимали важное место в жизни русского человека в 19 веке. Начиная с мая, из Москвы и Петербурга тянулись вереницы экипажей, наполненных разнообразным скарбом – посудой, одеждой, книгами. Горожане приезжали в дачные посёлки на всё лето, уезжая, порой, только в конце сентября.
На дачах, вдали от городской суеты, всё было создано исключительно для отдыха. Вставали обычно не раньше 10 утра, после чего шёл завтрак, прогулки, купание, верховая езда. По вечерам ходили друг к другу в гости, устраивали настольные игры, представления и другие коллективные развлечения.
Евгений Гюнтер в своей книге «На дачу. История загородной жизни» пишет:
«По магазинам, как говорят сейчас, не бегали – разносчики подвозили продукты на телегах прямо к самому крыльцу. Утром – свежий хлеб и молоко, ближе к обеду – мясо или рыбу. Выйдет, скажем, дачница на террасу после дневного сна, там её мороженщик поджидает, а у него за спиной уже кондитер со сладостями маячит!»
По дачным посёлках часто гастролировали как бродячие артисты, так и солидные театральные труппы. Известный любитель загородной жизни Антон Чехов в своих воспоминаниях писал:
«До сих пор в деревне были только господа и мужики, а теперь появились ещё и дачники. Все города, даже самые небольшие, окружены теперь дачами. И можно сказать, дачник лет через двадцать размножится до необычайности. Теперь он только чай пьёт на балконе, но ведь может случиться, что на своей одной десятине он займётся хозяйством».
Как мы видим, гениальный писатель предчувствовал перемены, которые скоро произойдут не только в дачной жизни, но и во всей стране.

Джон Малер Кольер «Леди Годива», 1898 год

Почему героиня картины едет на лошади обнажённой

На этой картин художник изобразил обнажённую женщину, которая едет на белой лошади по средневековому городу. При этом на улицах совершенно нет людей, поэтому героиню никто не видит. Давайте попробуем разобраться, что же здесь происходит.

Сюжет картины основан на исторической легенде о леди Годиве — англосаксонской графине, супруге эрла Мерсии Леофрика. Годива была очень добрым человеком и постоянно просила мужа снизить непомерно высокие налоги, от которых страдали местные жители. Леофрик был непреклонен, но однажды на очередном пиру, будучи сильно пьяным, он пообещал снизить налоги, если его жена проедет на лошади по улицам города Ковентри обнажённой.

Годива поставила любовь к народу выше собственной стыдливости и решилась на этот шаг: 10 июля 1040 года она проехала без одежды через весь город верхом на лошади.

Местные жители очень уважали свою покровительницу, поэтому в назначенное время они закрыли ставни и двери своих домов и не выходили на улицу, поэтому никто не видел прекрасную обнажённую всадницу.

Леофрик был поражён самоотверженностью своей супруги и сдержал слово, снизив налоги.

Исследователи до сих пор расходятся во мнениях об исторической достоверности этой легенды. По одним данным Годива вступила с Леофриком в брак до 1010 года и, следовательно, к 1040 году была, по средневековым меркам, уже довольно пожилой женщиной.

При этом исследование летописей подтвердило, что, начиная с 1057 года, когда скончался граф Леофрик, в Ковентри налоги действительно в течение долгого времени не взимались. До сих пор остаётся неизвестным, каким образом это связано с легендой и связано ли вообще.

Фредерик Уильям Бёртон «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на лестнице башни», 1864 год

На этой картине мы видим влюблённую пару, которая застыла в объятиях на башенных ступеньках. Совершенно очевидно, что мужчина и женщина общаются скрытно и могут побыть вместе всего лишь несколько минут. Давайте попробуем разобраться, почему же так получилось.

Картину написал прерафаэлит Фредерик Уильям Бёртон, который любил создавать полотна по мотивам литературных произведений. Не стала исключением и эта работа, которая называется «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на лестнице башни».

При написании этого шедевра мастер вдохновился датской балладой, повествующей о двух влюблённых — Хеллелиле и Хильдебранде. Она была дочерью короля, а он — один из 12-ти охранявших её рыцарей. Несмотря на то, что Хильдебранд тоже был принцем (сыном короля Англии), отец Хеллелилы считал его неподходящим кандидатом для своей дочери. Тогда влюблённые решили бежать, прихватив королевскую казну.

За ними была организована погоня, но Хильдебранд был смелым и отважным рыцарем. Он дал серьёзный отпор противникам, убив короля и шестерых его сыновей. Хеллелила попросила любимого пощадить самого младшего, седьмого брата. Но как только она это сделала, Хильдебранд лишился своих сил и был повержен.

Младший брат повёз Хеллелилу обратно во дворец, прицепив её волосами к седлу лошади.
Мой брат взял меня за золотые локоны
И привязал к своему седлу.
Не было такого даже самого маленького корня,
Который бы ни ранил моих ступней.
Не было такого даже самого маленького сучка,
который бы ни ранил ног маленькой Хиллы.

Когда Хеллелилу привезли домой, брат настаивал на казни, но мать пожалела её и продала в рабство.
Так продали они меня за новый колокол
Который повесили в церкви Девы Марии
Когда моя мать услышала бой колокола,
Её сердце разбилось на части.

Хеллелила попала в услужение к королеве, которой и рассказала свою историю, после чего упала замертво. Именно часть этой грустной истории и изобразил на своём полотне Фредерик Бёртон.

Мастер выбрал для картины момент, на котором влюблённые смогли бегло встретиться на лестнице башни. Видно, что пара не может жить друг без друга, но зная сюжет поэмы, становится понятно, что им не суждено быть вместе.

Примечательно, что художник не выносил запах масла или, что более вероятно, растворителей, поэтому он писал только красками на водной основе — акварелью и гуашью. Картина «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на лестнице башни» написана акварелью, поэтому со временем она портится из-за солнечного света. В результате, полотно приходится хранить в специальном защитном боксе.

Эдмунд Блэр Лейтон «К оружию!», 1888 году

Что омрачило бракосочетание этой пары
На этой картине мы видим молодую пару — мужчину и женщину, которые спускаются по лестнице.
Судя по их одежде, они — молодожёны, которые только что обвенчались и теперь выходят из готического собора.
На девушке мы видим удивительной красоты белое платье, расшитое по подолу золотистыми цветами. Сверху на платье надета атласная, отороченная белым мехом накидка, а к поясу пришита изящная сумочка под цвет платья. Волосы девушки украшает нежно-розовый венок, а в руках она держит маленький букет невесты.
Позади молодых мы видим их родственников и гостей, которые вслед за ними выходят их собора. Однако церемония эта совсем не радостная. Лица как у молодых, так и у гостей серьёзные и встревоженные.
Справа мы видим рыцаря, на которого так напряжённо смотрят герои картины. Он в доспехах и полном обмундировании, явно готовится к бою. Рыцарь не один — за его спиной мы видим целый отряд рыцарей верхом на конях и с копьями в руках — они все приготовились идти в какой-то военный поход. Что же произошло?

Рыцарь с тревогой указывает молодому мужу в сторону городских ворот. Судя по всему город в опасности, возможно на него готовятся напасть и нужно срочно его защищать.

Картина называется «К оружию!», а следовательно, рыцарь хочет, чтобы молодой мужчина, едва успевший вступить в брак, присоединился к отряду и пошёл с ними защищать родной город.

Судя по всему, молодой супруг является не последним человеком в городе, возможно он знатный вельможа, а может и сын самого короля. Не случайно же предводитель рыцарей зовёт его на войну прямо в день бракосочетания. Значит, без него не обойтись

Можно понять тревогу молодой жены — она не хочет, чтобы мужа забирали на войну сразу после свадьбы. Молодой человек тоже озадачен. Защищать город — это его долг, но как оставить супругу в день свадьбы?

За ситуаций наблюдают любопытные горожане. Многие выглядывают из окон домов, а некоторые стоят на пороге церкви.

В целом картина оставляет тревожное впечатление. Свадебная церемония прервана войной, а будущее города туманно.

Сегодня картина «К оружию!» хранится в частном собрании и не доступна широкому кругу зрителей.

«Завтрак на траве» Эдуард Мане. История одной картины.
«Завтрак на траве» (фр. Le dйjeuner sur l'herbe) — скандально известная картина французского художника Эдуара Мане, написанная в 1863 году. В настоящее время находится в 29-м зале музея Орсе в Париже.

Мане задумал «Завтрак на траве» во время воскресной поездки в Аржантёй, на берег.
Идея картины родилась на природе. Мане, наблюдая купающихся, воскликнул: «Кажется мне пора приняться за нагую натуру. Ну что же, я им покажу, как это делается. Когда ещё был в ателье, я копировал Джорджоне — нагую женщину с музыкантами… Но у меня все будет по-другому — я перенесу сцену на воздух, окружу её прозрачной атмосферой, а люди будут такими, какими мы их видим сегодня».

Мане фамильярно называет свою картину «Квадратная вечеринка» — так ходят слухи о двух обнаженных женщинах-проститутках. Перевернутая корзина, символ похоти, подтверждает, что интерпретация полотна больше не аллегорическая или мифологическая, а эротическая, отсюда и разразился скандал в то время.

На переднем плане обнаженная женщина — Викторина Мерент , модель, которую Мане чаще всего использует. В центре художник представляет голландского скульптора Фердинанда Линхоффа , брата Сюзанны Мане , урожденной Сюзанны Линхофф, на которой Мане поздно женился. Мужчина, полулежавший на траве, — Эжен Мане .
Одеты мужчины как денди. Они так увлечены разговором, что, кажется, совсем не замечают женщины. Перед ними лежит скинутая женская одежда, корзина с фруктами и круглый хлеб.
Наконец, женщина, купающаяся в пруду на заднем плане, — модель, хорошо известная друзьям-художникам Мане, Александрин-Габриэль Мелей, которая позже станет Александрин Золя .

Стиль и мастерство картины также шокировали публику и критиков: зарисованный пейзаж (вдохновленный, однако, эскизами семейного имения Мане в Женвилье) напоминает вымышленную обстановку, законы перспективы нарушены (женщина за спиной — план должен быть меньше), градиенты игнорируются в пользу контрастов света и цветов, которые создают впечатление, что персонажи плохо интегрированы в искусственную композицию, которая раскрывает мазки кисти. Однако, вставляя в картину многочисленные вводящие в заблуждение намеки (например, нереальное сопоставление фруктов из разных сезонов), художник напоминает об иллюзии сцены, которую не следует интерпретировать в первую очередь.

Картина озадачивает «неправильной» перспективой: слишком крупной женской фигурой дальнего плана в автономно освещённом, ирреальном пространстве. Фону картины не хватает глубины, создаётся впечатление, что вся сцена происходит не на природе, а в студии. Это впечатление усиливается светом, почти не дающим теней. Однако и в этом кроется не ошибка, а мудрый расчёт. Помимо «фрагментирования» (термин Э. Мане) — перенесения классической темы в современную обстановку — картина отличается напряжённым изобразительным пространством. Такой приём подчёркивает необычность сочетания классического мотива и новой эстетики, основанной на контрастах локальных тонов: чёрного, белого, зелёного. Мане противопоставил классической аллегории чистую эстетику цвета и символику пространства. Обращаемое изобразительное пространство картины обретает пластическую силу и подчёркивает содержательную двусмысленность. Естественно, что такую идею мало кто мог понять в те годы даже в среде художников.

Стиль картины порывает с академическими традициями того времени. Резкий «фотографический» свет устраняет полутона. Мане не пытался скрыть мазки кисти, и картина поэтому в некоторых местах выглядит неоконченной. Нагота в «Завтраке на траве» очень отличается от мягких и безупречных фигур Александра Кабанеля и Ж. О. Д. Энгра. Картина Мане не нашла поддержки у публики, а художника даже обвинили в сумасшествии и неумении рисовать. Публика также расценила как провокацию неуважение к принципам академического искусства: «ни один элемент картины не соответствовал господствующим представлениям о прекрасном, а вся в целом она представлялась пощечиной хорошему вкусу».

Выбор сюжета картины — двое полностью одетых мужчин с нагой женщиной на природе — вызвал полное непонимание и обвинения в декадентстве и плохом вкусе. Публика была возмущена не только сюжетом, но и тем, как обнажённая женщина бесстыдно смотрит прямо на зрителя, а также узнаваемостью персонажей. Критик Л. Этьенн писал: «Какая-то голая уличная девка бесстыдно расположилась между двумя франтами в галстуках и городских костюмах. У них вид школьников на каникулах, подражающих кутежам взрослых, и я тщетно пытаюсь понять, в чём же смысл этой непристойной загадки». Картиной возмущался даже такой смелый мастер как Г. Курбе. На защиту Мане выступили только его друзья писатели Ш. Бодлер и Э. Золя.

Эмиль Золя, защищая художника от нападок критиков и представителей академической живописи, называет картину шедевром, на котором представлена «крепко скомпонованная натура»

Потеряв всякое почтение к живописцам прошлого, он стремится затмить их, чтобы изобразить сексуальность буржуазных нравов своего времени, скрытую под натиском романтизма: Чудесный Персик или водоносная муза Тициана становится купальщицей. чье отношение можно интерпретировать как человека, охваченного сильным желанием, или проститутку, которая старается умыться после полового акта; лягушка в левом нижнем углу полотна — имя, которое студенты давали проституткам; священного голубя заменяет снегирь, который расправляет крылья над молодой женщиной в процессе облегчения; перевернутая корзина — символ потери невиновности; фрукты (персики, вишня и инжир), такие как раковины устриц (известные как афродизиаки), вызывают эротическую метафору, связанную с нескромной наготой (не обрамленной аллегорическими или мифологическими условностями, которые традиционно допускали наготу в контексте исторической живописи), настоящая провокация и нападение на мораль.

Друзья. а вы что думаете по поводу этой картины и помогла ли статья вам лучше разобраться в этой работе? И в своем отношении в целом к этой картине?

Иоганн Георг Мейер фон Бремен «У колодца», конец XIX века

Объяснение у колодца. Почему героиня отвернулась от своего кавалера
На этой картине мы видим молодую пару — девушку и юношу, которые сидят возле источника с водой. На первый взгляд может показаться, что у молодых любовное свидание, однако не всё так просто.
Герой картины явно испытывает тёплые чувства к девушке. Он нежно смотрит на спутницу и держит её за руку. В другой руке парень держит розу нежно-розового цвета, что может символизировать искренние чувства.
Девушка же выглядит грустной и даже немного недовольной. Юная красавица отвернулась от парня и смотрит в пол.
Возможно, между молодыми в этот момент происходит объяснение. Парень признался девушке в своих чувствах, а она не отвечает ему взаимностью, поэтому не знает что ему ответить.
Судя по всему, герой влюблён в девушку давно. Видимо они часто встречались у источника, когда приходили сюда, чтобы на брать воды. За водой они пришли и сейчас — в руках девушки мы видим кувшин, а возле парня стоят вёдра и лежит коромысло.
Молодые люди часто болтали по-дружески возле колодца. Парень постепенно влюбился в юную красавицу и вот сейчас ошарашил её своим признанием.
Вполне возможно героиня и испытывает некую симпатию к своему воздыхателю, поэтому не спешит отвечать отказом.
Позади девушки мы можем увидеть цветущий вьющийся куст, который обвивает стену. Он просто усыпан красивыми цветами, что может свидетельствовать о том, что рано или поздно любовь всё же расцветёт в сердце девушки. Вполне возможно, со временем она ответит молодому человеку согласием.
Отдельного внимания на картине заслуживает пёс, которые спокойно лежит, ожидая своего хозяина. Он словно поддерживает юношу, как будто говоря: «Не дрейфь, хозяин! Я с тобой!»
Образ собаки символизирует преданность и верность. Художник, таким образом показал, что юноша будет верным и надёжным мужем.

Алиса Мэри Хейверс «Красавица из деревни», 1883 год

На этой картине художник изобразил молодую женщину, которая идёт по деревне, крепко прижав к себе малыша и опираясь на дорожный посох. За спиной путницы узелок с вещами, предвещающий долгую дорогу.
Присмотревшись к картине внимательнее, можно заметить, что жители деревни смотрят вслед женщине, показывают на неё пальцем и смеются. Сюжет полон осуждения, сплетен и грязных пересудов.
Вероятно, молодая мама родила ребёнка без мужа, поэтому и стала предметом насмешек со стороны местных жителей. Скорее всего, они не давали прохода несчастной женщине, чем вынудили её покинуть город.
Среди сплетников можно увидеть молодого мужчину, который не смеётся над героиней. Он, кажется, наоборот, сочувствует ей и думает о её дальнейшей судьбе.
Парень смотрит словно заворожённый, возможно, его пленила красота путницы. Он совсем не хочет примыкать к сплетникам, но и заступаться за женщину не торопится. Вероятно, боится мести со стороны жителей деревни.
Сама женщина вовсе не держит злобы на своих обидчиков. В её лице нет ненависти и осуждения, только печаль и безграничная тоска.