(и еще 81 записям на сайте сопоставлена такая метка)
Другие метки пользователя ↓
алла пугачёва анастасия волочкова артефакты баня владимир путин воронцовы звёздная жизнь звёздные дети звёздные скандалы звёздный скандал звёздный стиль звёзды звёзды без комплексов звёзды без комплексов звёзды в купальниках звезды история история кино история моды история нравов их нравы конкурсы красоты коронавирус ксения собчак купальник курорты курорты мира максим галкин мир живописи мир девушек мир девушки мир женской моды мир женщины мир живописи мир животных мир жмвописи мир фото мир фотографий мифология модельный бизнес полезная информация полезные советы приколы прикольно рпц усадьбы филипп киркоров чп шоу-бизнес это интересно
Соблазнительные морские нимфы Мориса Дени |
Дневник |
«Зелёный берег моря. Перро-Гирек (пастухи)»
Морис Дени стал одним из самых ярких представителей французского символизма. Сказать, что художник, специализирующийся на томных иллюстрациях, вечерних закатных красках, чувственных женских образах, одной своей этой работой покорил французскую публику, не совсем верно — картина «Зеленый берег моря» была исполнена в качестве декоративного десюдепорта для украшения дома Морозова на Пречистенке.
«Рай»
Сразу поясню, десюдепорт — буквально переводится «над дверью» — декоративная композиция, расположенная над дверью.
Имя Морозова мною уже упоминалось, да и вы, мои дорогие, уверена, знаете его прекрасно — меценат, коллекционер, человек довольно тонкого вкуса.
Панно «История Психеи»
У Дени с Морозовым был крайне плодотворный синтез: деньги и искусство порой дают отличную смесь. Художник искал в своем пейзаже настолько сочные и тропические сочетания красок и нежных расслабленных линий, что словно слышишь на фоне этой картины музыку, ее саундтрек. Лично у меня ассоциируются с музыкой Клода Дебюсси. А у вас?
Кстати, в окружении Дени было много людей из музыкальной сферы — от очень именитых композиторов (Дебюсси, Шоссон и Террас) до неизвестных музыкантов. Один из них, увидев картину «Зелёный берег моря», и окрестил ее героинь нимфами.
Те самые нимфв. Фрагмент «Зелёного берега моря»
Вообще Перро-Гирек — это коммуна во французской Бретани, и едва ли там есть нимфы. Но, как бы то ни было, хоть и нимфы — существа мифические, музыканты — люди творческие. Спишем им такую аллегорию!
Из собрания Морозова картина закономерно перекочевала в ГМИИ имени Пушкина, где вы ее сейчас и можете лицезреть в постоянной экспозиции наряду с импрессионистами.
Галерея искусства стран Европы и Америки, где «Берег» можно увидеть сегодня
А какие ваши самые любимые картины? Поделитесь названиями самых сочных и солнечных. Поднимем друг другу настроение! Лайк, если статья была интересна. И до встречи, друзья!
https://zen.yandex.ru/media/artplay/soblaznitelnye...-deni-5dbc3d5d8600e100b1079fe4
|
Метки: мир живописи |
Скандалы вокруг «Махи» Франциско Гойи. |
Дневник |
14 сентября
Однажды, из-за картины «Маха обнаженная», Гойя чуть было не оказался эшафоте. А случилось это так.
Первый министр Испании Мануэль Годой заказал Гойе картину для своей коллекции обнаженных натур. Художник написал для министра не одну, а целых две картины – «Маха обнаженная» и «Маха одетая». Полотна повесили таким образом, что «Маха одетая» закрывала собой «Маху обнаженную», а с помощью хитроумного механизма первая картина отодвигалась в сторону и зрителю открывалась вторая.
1 из 2
Франциско Гойя "Маха одетая" 1797 - 1800 (Листайте картинки)
Такой механизм был придуман неспроста. «Маха обнаженная» являлось довольно откровенной картиной, и одной из первых, на которой изображена настоящая нагая женщина, без намека на мифологию. Такое полотно могло навлечь бед. Что, собственно, и случилось.
В 1808 году к Годою с обыском явилась Испанская инквизиция и обнаружила картины «откровенного содержания», среди которых была и «Маха обнаженная». На суде министра вынудили сдать всех художников, которые писали для него картины.
Мануэль Годой.
Гойе удалось избежать серьёзного наказания, так как авторитет инквизиции падал и они небыли так суровы, как в былые годы. Художника отчитали, обвинили в безнравственности и назвали опасным для общественности. Картины конфисковали, и периодически они хранились в Академии Сан-Фернано. В 1901 полотна передали в музей Прадо.
Франциско Гойя. Автопортрет
Начиная с 1930 года изображение «Махи обнаженной» вызвало волну скандалов, которая прокатилась, практически, по всему миру. В тот год Испания выпустила марки с той самой Махой Гойи. Консервативные католики устроили громкие протесты, мол, эти марки угроза нравственности, и могут извратить детей, которые эти марки коллекционируют.
Скандал вышел за границы Испании. Всемирный почтовый союз получал письма с претензиями, но никак не реагировал. Американский журнал Time поддержал возмущение статьей:
«Неприличная картина уже достаточно плоха, но почтовая марка, чью обратную сторону нужно лизать!»
К концу 1930 года почтовый Департамент США запретил в своей стране марки с «Махами». Письма, на которых были наклеены эти марки, попросту блокировали и отправляли обратно адресату.
Марка "Маха обнаженная"
В Бельгии с марками тоже было строго. В 1952 году полицейские конфисковали все марки с «Махой» из одного местного магазина, назвав их аморальными.
Картины «Маха одетая» и «Маха обнаженная» хранятся в музее Прадо. Марки встречаются на аукционах и рынках филателистов.
Подписывайтесь на канал и узнавайте больше об искусстве.
Не забывайте комментировать и делиться статьей. Спасибо.
https://zen.yandex.ru/media/id/5c50a5104d5f1400ad9...-goii-5d7c7da32f1e4400ad0a7349
|
Метки: мир живописи |
Роскошные женщины и дорогие автомобили на картинах Роба Хефферана. |
Дневник |
Роб Хефферан.
продолжение:
Школа, однако, была своего рода проклятием для Роба. Чувствуя себя перемещенным в чужую среду, он чувствовал разногласия со своими сокурсниками и стремился быть среди единомышленников, чьи сердца и умы были взволнованы Старыми Мастерами и которые видели красоту и вдохновение в окружающем их мире.
За исключением выдающегося учителя изобразительного искусства, школа мало что сделала для поддержки амбиций Роба стать художником.
Роб Хефферан. Из серии "Elegance"
С 1985 по 1989 годы Роб изучал искусство в художественной школе Падгейт. Именно здесь он получил первое признание и почувствовал, что его впервые поняли его современники. Он процветал в этой стимулирующей таланты и дарования среде, где поощрялась свобода мысли и выражения.
Общение с другими свободолюбивыми людьми, пребывающими в погоне за чистым художественным выражением, было освобождающим и обширным опытом. Именно здесь он победил чувство изоляции, которое он испытывал в течение своих неблагополучных лет традиционного образования.
Роб Хефферан. Из серии "Elegance"
Роб Хефферан. Из серии "Elegance"
В 1990 году Роб получил место в университете, чтобы учиться на степень в области иллюстрации. Но через год он решил пойти по иному пути. Увлекательный год пролетел стремительно, Роб упорно трудился, чтобы собрать портфолио.
Его исключительная универсальность в качестве дизайнера и иллюстратора позволила ему заключить ряд престижных контрактов, начиная от громких рекламных кампаний и заканчивая предоставлением художественных работ для детских книг.
Роб Хефферан. Lagonda LG6 Drophead Coupe
Роб Хефферан. Porsche 911 GT2 RS
Хотя он добился значительных успехов в коммерческой сфере, он никогда не позволял этому факту отвлекать его от первоначальной цели и стремления в течение всей жизни стать художником на полный рабочий день. В 2003 году первая выставка работ Роба была встречена с большим одобрением критиков, настолько, что каждая картина была продана в ходе выставки.
Его работы сейчас востребованы и продаются по всему миру коллекционерам и частным лицам, которые ценят его уникальный стиль. Несмотря на то, что он по-настоящему современный художник, постоянно исследующий творческие темы и границы, Роб черпает вдохновение из полотен прерафаэлитов.
Роб Хефферан. Из серии "Elegance"
Роб Хефферан. Из серии "Elegance"
Художественная галерея Манчестера представляет собой оазис для Роба, где он проводит восхитительные долгие часы, размышляя над работами некоторых из наиболее уважаемых мировых художников. С неутолимой страстью изучать новые техники, оценивать различные эклектичные стили и изучать все великие художественные движения, он находит много времени и возможностей, чтобы утолить свой неугасимое стремление расти и развиваться дальше.
Роб Хефферан. Elegantly Wasted
Работы Роба обладают способностью оживлять каждый мазок кисти ощутимым воодушевлением и оригинальностью, которой веет от холста. Они охватывают наши чувства в восхитительном взаимодействии с окружающей действительностью, что, в свою очередь, является отличительной чертой по-настоящему талантливого художника.
Хотя каждая картина, которую Роб создает, индивидуальна, каждая из них обладает одним и тем же внутренним сиянием и поразительным реализмом, который заставляет глаз дважды взглянуть, чтобы увидеть, действительно ли картина является живописным произведением, а не красиво составленной фотографией.
Роб Хефферан. Fire For You
С неподражаемой оригинальностью Роб привлекает наблюдателя к своим работам, погружая его в свой мир и гипнотизируя своей радостью жизни. С легким изяществом Роб мягко ссылается на изобильную красоту, которая окружает нас, нам понадобится только одна минутка, чтобы остановиться и по-настоящему увидеть то, что было скрыто от нашего взора раньше.
Роб Хефферан. Из серии "Elegance"
Образные фигуры Роба прекрасно сбалансированы. Каждая из его работ свидетельствует о его безошибочной способности создавать атмосферный фон, чувственный мазок кистью. Любители искусства сразу же откликнутся на яркость и проницательность каждого портрета, поскольку присутствие изображённого вызывает глубокую ответную реакцию зрителя.
Роб Хефферан. Из серии "Elegance"
Роб Хефферан. Untitled
Сегодня Роб Хефферан находится на переднем крае современного изобразительного искусства. Его искусство востребовано коллекционерами со всего мира, что принесло ему репутацию одного из самых знаменитых и коллекционируемых художников современности.
https://zen.yandex.ru/media/artkafe/roskoshnye-jen...erana-5db6b786bc251400b21ae862
|
Метки: мир живописи |
Художник Михаил Александрович Врубель: печальная магия «Царевны Лебедь» |
Дневник |
Если уж заводить разговор о врубелевской «Царевне-Лебедь» (1900), то начать надо с того, что послевкусие глубокой печали воздействует на сердце гораздо сильнее, чем невероятная красота загадочной красавицы.
Только первые мгновения картина погружает в омут восхищенного молчания. Чем дольше смотришь, тем громче начинает пульсировать тревога, необъяснимая, но нарастающая.
"Гадалка", 1895
Неслучайно Михаилу Врубелю пришлось всю жизнь биться практически в одиночку над тайнами мироздания. Даже самые близкие, искренне любившие художника люди, не могли разделить с ним его творческую одержимость; ведь образы, вырывавшиеся брызгами красок на его холсты, не подчинялись ни одному известному художественному стилю. Он был инопланетянином, прилетевшим, чтобы рассказать землянам об иных мирах и другой, тонкой ипостаси человеческой души.
"Автопортрет",1904-1905, карандаш,акварель, ГТГ, Москва
"Демон сидящий"
"Принцесса Грёза", 1896, ГТГ
"Утро", 1897, ГРМ
Удивительное дело: когда жизнь по капле сочилась, и тело умирало на глазах, дух художника становился ещё сильнее, ещё точнее ложился каждый штрих простого карандашного наброска. Портрет В.Брюсова (1906 г), законченный за несколько дней до того, как Врубель ослеп, стал настоящим откровением даже для самого поэта. Живое объёмное, полное жизни лицо выступило с листа буквально после первых уверенных линий. Не зря про Врубеля говорили, что беря в руки уголь или карандаш, он возрождался к творчеству, как Феникс.
"Портрет Брюсова",1906, ГТГ
"Жемчужная раковина", 1904, ГТГ, Москва
Дар живописца стал для него и проклятьем, потому что мир, который он изображал, не соответствовал той реальности, к которой привыкли современники. Это потом, к закату, в искусство ворвался импрессионизм, и вдруг оказалось, что Врубель своими полотнами просто предвосхитил будущее; что он наисовременнейший из всех существующих. Но в это время он уже рисовал только врачей, санитаров, соседей по палате, и даже «Роза в стакане» выглядела отчаянно усталой.
"Роза в стакане",1904, ГТГ, Москва
"Демон летящий",1899, ГРМ
"Демон поверженный", 1902, ГТГ, Москва
Так вот, о «Лебеди». Совсем неслучайно, что картина появилась всего за шесть лет до окончательного и трагического ухода художника из мира искусства. Всю силу своего невероятного таланта Врубель вложил в этот холст, пытаясь оставить потомкам самый правдивый рассказ о себе. Эта красота, возникающая внезапно из хаоса миллионов шершавых нервных мазков; эта демоническое совершенство, понимающее всю двойственность своей натуры; это недовоплощение из птицы в женщину (или наоборот?), всё это – мучительная попытка разобраться в себе и представить неистребимый даже болезнью талант на суд зрителей.
Царевна-Лебедь",1900, ГТГ, Москва"
Она рядом, – стоит протянуть руку, и пальцы ощутят призрачную лёгкость перьев. Она невероятно далеко, там, за морем, в сказочной реальности, какая и не грезилась простым смертным. Нам остаётся только немо восхищаться магией искусства, понимая, что ещё мгновение, – и она уйдёт, растворившись в прозрачном воздухе вечерней зари.
"Шестикрылый Серафим",1904, ГРМ
Предлагаем для обсуждения статьи, нажмите и читайте:
https://zen.yandex.ru/media/zhivopis/hudojnik-miha...lebed-5da7ceb7118d7f00be27d67e
|
Метки: мир живописи |
Художник Дмитрий Шорин: хипповая красота и самолеты без искусственного нагнетания |
Дневник |
Не стоит тешить себя иллюзией, что, показав в своем произведении некий переломный, или даже последний, миг человеческой жизни, достаточно ограничиться прямым указанием на событие. Многие сталкивались с этим еще на этапе романтической чернухи, свойственной дозревающему юношеству: изобразишь, скажем, человеческую фигуру, а не натурально получилось, не страшно, игрушечно. Висит он себе эдак мешком, и нет энергии, нет "жизни" в кадре. Облом. И творчество - под диван!
Дмитрий Шорин родился 17 апреля 1971 года в городе Новосибирске. Учился в нескольких институтах, в каждом по несколько лет. Факультеты, которые выбирал Дмитрий всегда были тесно связаны с миром творчества и дизайна.
В 1993 году он вступил в Товарищество художников “Свободная культура”. Художник был удостоен чести выставлять свои работы в Мраморном дворце Государственного русского музея - он был самым молодым участником выставки, которому выпал такой шанс, и он увенчался громким успехом. Дмитрий занимается не только живописью но и скульптурой. На создание одного экспонат уходит более трех месяцев.
Интересным является тот факт, что руководство аэропорта "Пулково" (Санкт-Петербург) разместил в терминале четыре его работы - это девушки - ангелы с крыльями самолётов. Плюс в здании аэропорта размещен их совместный с Сергеем Шнуровым проект "Летное Поле".
Любитель самолетов и предметов времен СССР - наверное такой вывод можно сделать если посмотреть все картины живописца. Его женщины странные, естественные, не нагнетаемые искусственным путем, эдакая “хипповая” красота в дырявых джинсах и потертых кедах. Девушки питают любовь к самолетам. Дмитрий изображает их задумчиво смотрящих в небо, погруженных в мир мечтаний и девичьих грез.
Они скучны и мечтательно-задумчивы, эмоционально сухие, но одновременно хочется раскрывать их сокровенные тайны и законы. Окружённые праздностью бытия и ограничены жандармом инстинктов вечных принципов нравственности. Сюжеты выполнены без заданного сценария, но это не мешает дать им высшую оценку по пятибалльной шкале.
Не только представительницы прекрасного пола могут позволить себе полетать в облаках. Посмотрите на паренька. Мне почему то немного смешно от его выражения лица. Он весь такой брутальный снаружи, и оказывается мягкий внутри, и скорее всего ранимый внутри. Думаю, что художник не зря показал то, как мужчина откинул назад галстук, таким образом решив освободится от плена офисной и городской суеты, а портфель он сменил на одуванчик. Его пушинки, такие же лёгкие как его состояние сейчас.
Интересно не правда ли?) Пирсинг в языке у девушки заменяет иглу от тонарма. Интересно послушать что же за музыка там играет. И как изменился звук виниловый пластинки. Вам разве нет? Вот верите нет, если бы у меня был проколоть язык, и где - нибудь запылился проигрыватель, я бы обязательно попробовала. Может это вандализм над предметами, но я загорелась этой идеей! 🤦♀️
В картинах нет строгой трактовки и статики композиции, даже не смотря на то, что художник пишет лица крупным планом - портрет. Чётко прослеживается динамика движения. Говорят об этом и разнообразные схемы, в которых немного нарушена симметрия. Понимание того, какой такой энергии не хватило творению. Эта энергия - движение. Как если бы слушатель сопереживал симфонии настолько, что становился ее соавтором на уровне внутреннего слуха, так автор художественного произведения должен предоставить взору зрителя траекторию для перемещения неких зрительных точек, концентратов внимания.
Максимум резкости, контраста, четкости и света на представленных фигурах, с "расплыванием" элементов окружающего фона от силового центра полотна. Если добавить к этому, что куда интереснее недосказанность (допустим как лицо противоположного пола облаченного в карнавальную маску или повернутого к зрителю спиной), выраженная в том, что герои целиком не так выразителены, как, скажем, только лишь отдельно взятые их ноги, да еще и увиденные глазами самого человека, то получаем увиденную картину в исполнении Дмитрия.
Каждая картина Дмитрия - это самостоятельный внутренний мир. Выбор той или иной героини объясняется очень просто, художник даёт нам контраст, где каждая из них независима от окружающих предметов и имеет свой яркий красочный характер, но социально и жизненно не активна. Но для таких людей всегда найдётся место в обществе, а то все станут похожи на Шурочку из "Служебного романа".
https://zen.yandex.ru/media/zjivopis/hudojnik-dmit...aniia-5d9e419978125e00add209bf
|
Метки: мир живописи |
Первые дамы без одежды на полотнах русских живописцев |
Дневник |
В. Серов Портрет Иды Рубинштейн. 1910. Холст, темпера, уголь
Сегодня, стоит открыть Интернет или включить первый попавшийся фильм, как на человека посыплется целая серия картинок с обнажёнными или полуобнажёнными женщинами. Степенью откровенности удивить кого бы то ни было не просто сложно, а давно перестало быть возможным, ибо целые поколения росли, глядя на людскую распущенность и принимая её как данность.
Однако так было далеко не всегда. Ещё в начале прошлого столетия в России никто не рисовал дам без одежды. Некоторые живописцы использовали моделей-мужчин, которые представали абсолютно голыми на их полотнах. Но женщин – никогда. Конечно, на Западе, начиная с эпохи Возрождения, использование натурщиц было в широком ходу. Так создавались сцены из мифологии и целый ряд более или менее скандальных работ.
Но вернёмся в Российскую империю и вспомним, как первые обнажённые дамы появились на холстах отечественных художников.
В 1897 году к руководству мастерской при Московском училище живописи, ваяния и зодчества пришёл Валентин Александрович Серов. Эта должность изначально его не привлекала. Он долго отказывался от преподавания, так как не видел в себе склонности к подобной работе.
👉 Валентин Александрович Серов (Википедия)
Русский живописец и график, мастер портрета, академик Императорской Академии художеств.
Родился: 19 января 1865 г., Санкт-Петербург, Российская империя
Умер: 5 декабря 1911 г. (46 лет), Москва, Российская империя
В. Серов, Автопортрет
И правда, по свидетельствам современников, Серов был человеком угрюмым и с людьми сходился плохо. Однако именно его влияние привнесло серьёзное новшество в живопись эпохи.
Из воспоминаний Владимира фон Дервиза:
В семье Саввы Мамонтова, в которой Серова с детства считали родным, его называли Тоша – никто уж не помнил почему. Когда же Савву Ивановича арестовали, обвинив в растрате, лишь немногие друзья вступились за мецената, письмо Николаю II передал Тоша, заканчивавший в те дни портрет царя. Заступничество помогло – Мамонтова перевели из тюрьмы под домашний арест. Портрет был закончен, однако императрица Александра Фёдоровна, некогда учившаяся рисовать, решила показать художнику, где надо подправить изображение. Серов молча протянул ей палитру. Императрица обиделась и удалилась, Николай только рассмеялся.
В.Серов. Портрет Николая II. 1900г
Он открыл класс, ученики которого рисовали обнажённых женщин. Моделью для многих из них стала муза Серова, Вера Ивановна Калашникова. Её лицо можно увидеть на картинах Машкова, Ульянова, Пищалкина и других мастеров эпохи. Калашникова была профессиональной натурщицей.
С её помощью живописец создал лучшие шедевры, выполненные гуашью и акварелью. Вера Ивановна позировала и для знаменитого портрета Генриетты Гиршман. Серов наложил черты одной женщины на образ другой, стараясь работать по принципу, который использовали величайшие гении Ренессанса.
Первая выставка, на которой были представлены картины выпускников класса под руководством Валентина Александровича, состоялась в Третьяковской галерее под занавес XIX столетия. Она носила интригующее название «Магия тела» и показывала обнажённую натуру в новом ракурсе.
Нужно отметить, что отношение к работам Серова у современников было двояким. С одной стороны, его талант не отрицался, что и послужило поводом для назначения его наставником в уважаемое образовательное учреждение. С другой, он часто изображал на своих портретах черты, которые не видели в себе сами модели. Художник был склонен выискивать скрытое и смотреть в самую глубь.
«До того как нас, молодежь начала двадцатого века, отравил микроб нового искусства, Серов был нашим кумиром», — признавался один из основателей футуризма Давид Бурлюк, который не мог не оценить «могучую», по выражению Велимира Хлебникова, кисть Серова. О магической силе его воздействия говорил Сарьян, об искании в искусстве новых путей — Маяковский.
«В комнату с ним входила невидимо атмосфера любви и суда над всем ложным, фальшивым, так же медленно, не блистая радугой красок, входило в сознание наше его огромное творчество, — и оставалось там жить навсегда», — скажет о Серове Андрей Белый.
«Серов сам — самое трудное в искусстве», — писал в 1911 году по поводу кончины художника Николай Рерих. Действительно, не всегда до конца понятное его современникам, искусство мастера и по сей день продолжает волновать нас своей выразительностью и своей недосказанностью, иронией и подспудным, затаенным трагизмом — своей сложностью и своей простотой. Перефразируя Рериха, — и «теперь, с проходящими годами, все более нужным становится облик Серова в истории русского искусства».
Источник
Могила В. А. Серова на Новодевичьем кладбище
Смерть настигла художника внезапно. 22 ноября 1911 года он ехал в поместье, принадлежащее Щербатовым, где должен был писать картину, у Валентина Александровича случился приступ стенокардии. Он прожил всего 46 лет, из которых 30 посвятил искусству.
Он не только замечал потаённые особенности личности, как хороший психолог, но и изображал их в утрированной форме, создавая фактически карикатуры. И это далеко не всегда приветствовалось. Подобный талант и смелость, необходимая для его практического выражения, заслуживает восхищения.
Недаром ведь Валентин Александрович считается классиком отечественной живописи, а его вклад в развитие искусства давно не подлежит сомнениям и обсуждениям.
https://zen.yandex.ru/media/creation/pervye-damy-b...iscev-5da687438d5b5f00ad7c046d
|
Метки: мир живописи |
Художник Сергей Резниченко: бездна по имени «женская душа» |
Дневник |
Наше знакомство с творчеством Сергея Резниченко было похоже на своего рода «разведку боем». Поначалу, изучая его работы, испытываешь странную смесь колкого душевного неуюта, замешанного на субъективном антагонизме, и холодного, отстранённого профессионального интереса. И, право слово, не берёшься сказать, какая составляющая этой пары преобладает в, так сказать, «коллективном сознательном».
*
*
Но в то же самое время надо отдать должное: всё, что делает господин Резниченко — очень талантливо. Что даёт нам моральное право делать такое заявление? — Тот простой факт, что вещи малосодержательные, эпатирующие ради самого эпатажа и не несущие в себе искреннего эмоционального заряда,— никогда не оставляют «послевкусия». Они похожи на глупого собеседника или ушлого торгаша: «Вы жалеете, что уделили ему время, которое могли бы потратить с гораздо большим удовольствием или толком».
*
*
Мы же, прервав просмотр полотен Резниченко, ощутили, что не можем просто махнуть на них рукою и отправиться искать иной источник вдохновения. Нет, уважаемый читатель, мы совершенно явственно «отрефлексировали» его полотна. Там, где на холстах конъюнктурщиков вовсю «выпирает» вымученный, «силиконовый» эротизм, герой нашей статьи лишь придаёт объём образу очередной своей героини. Там, где иные скатываются с обрыва пошлости — Резниченко «гуляет по краю», приглашая и нас вместе с ним заглянуть в бездну по имени: «Женская Душа».
*
*
Умышленная гиперболизированность, заведомая дисгармоничность, а также «кричащая», порою какая-то «ярко-чёрная» (иначе выразить своё ощущение от ряда картин мы не смогли) аура произведений вступает в прямой конфликт с чувством прекрасного. Зато потом ощущение, сходное с дегустацией качественного старого вина: обжигающий глоток, хаос последовательно вырывающихся «на передний план» и заслоняющих друг- друга ощущений, и наконец — богатое, «мощное» и утончённо-благородное послевкусие.
*
Вполне прочувствовав весь этот непростой «букет», мы решились на «второй подход». Только на сей раз вооружившись готовностью к деконструкции его произведений и настроем на сугубо «технические» действия. Вы, дорогой читатель, наверняка знаете, как это обычно бывает, когда не получается прийти к единому мнению даже с самим собою, и на помощь эстетическому восприятию приходится звать логическое. Методы и средства, тени и оттенки, линии и доминанты, границы и переходы, свет и цвет... Скучно, но необходимо.
*
Результат оказался неожиданным. Вместо того, чтобы «развинтить» механизм психологического взаимодействия, которым живописец пользуется для общения со своим зрителем, и посмотреть: «Что там у автора внутри?», мы сами постепенно оказались в роли изучаемых. Из субъект стали объектом своих же изысканий. Картины мастера заставили нас невольно обратиться ко многим, как вполне обыденным, так и интимно-табуированным мотивам собственного восприятия жизни и мира. И выводы, к которым мы пришли, оказались удивительно просты и понятны.
*
Обнажённые красавицы — лишь лежащая на поверхности метафора «оголённых», «натянутых» нервов; что встречающиеся тут и там нарочитые изломанные линии — отсылки к «переломным», то есть кульминационным мгновениям жизни героинь, разыгрывающимся перед нашими глазами. Ну а «фирменные» чувственные изгибы — в первую очередь «шифр», разгадав который Вы получаете куда большее удовольствие, нежели чисто эстетическое наслаждение от созерцания прекрасного женского тела, несущего вторичную, «вспомогательную» функцию.
*
Так часто бывает: ваш будущий лучший друг поначалу Вам совершенно не нравится. Вы ощущаете, что его суждения «резонируют» и диссонируют с Вашим мироощущением, а тон — бескомпромиссен, провокационен и даже насмешлив. И это поначалу отталкивает, заставляет «закрыться». Зато потом, когда вы даёте ему шанс, такой человек вполне может обогатить Ваш внутренний мир собственной уникальной точкой зрения. Выяснится, что те черты, которые вы принимали за проявления несносного характера — на самом деле признаки искренности, глубокого ума и недюжинного таланта, которому тесны рамки обыденности. А разве бывает лишним ещё один умный, проницательный взгляд на вековечную тайну все времён и народов под названием: "Женщина"? Мы полагаем — нет.
*Картины без названий
Предлагаем для обсуждения статьи, нажмите и читайте:
https://zen.yandex.ru/media/zhivopis/hudojnik-serg...dusha-5d5397e3cfcc8600adda5a6b
|
Метки: мир живописи |
Константин Сомов со своими маркизами, но без «Дамы в голубом» |
Дневник |
Русский музей к 150-летию со дня рождения художника показывает 150 его работ
07 августа 2019
Константин Сомов. «Вечерние тени». 1900. Фото: Государственный Русский Музей
Творчество одного из основателей общества «Мир искусства» Константина Сомова (1869–1939) было замечено с первых его шагов на профессиональном поприще. Его работы высоко ценили коллеги по цеху Александр Бенуа, Валентин Серов, философ Василий Розанов называл его гениальным художником. Разве что знаменитый критик Владимир Стасов видел в творчестве Сомова одну из угроз национальной культуре. После того как в начале 1920-х Сомов уехал за границу, на родине его имя долгие десятилетия было вычеркнуто из истории отечественного искусства. И только в годы оттепели о Сомове вновь заговорили, его картины стали выставляться, а в 1969 году, к 100-летнему юбилею художника, в Русском музее состоялась его первая персональная выставка.
Константин Сомов родился в Петербурге в дворянской семье. Его отец был хранителем коллекций Императорского Эрмитажа, мать — музыкантом. В доме висели работы Франческо Гварди, малых голландцев, Павла Федотова, Карла Брюллова. Сомов рано проявил тягу к художеству, посещал воскресные классы рисовальной школы Общества поощрения художников. Окончил Императорскую академию художеств, в 1893–1894 годах посещал мастерскую Ильи Репина, где одновременно с ним учились Игорь Грабарь, Дмитрий Кардовский, Филипп Малявин, Анна Остроумова. В 1897–1898 годах жил в Париже и занимался в Академии Коларосси. А в начале 1900-х Сомов принимал самое деятельное участие в оформлении журнала «Мир искусства».
Константин Сомов. «Поцелуй». Из издания Das Lesebuch der Marquise. Ein Rokokobuch von Franz Blei und Constantin Somoff («Книга маркизы. Произведения эпохи рококо») Munchen H. von Weber Verlag. 1908. Фото: Государственный Русский Музей
С 1914 года он уже член Императорской академии художеств, а с 1919-го — профессор Петроградских государственных свободных художественных учебных мастерских. В 1923 году Сомов выехал в Америку в качестве уполномоченного «Русской выставки». В Россию он не вернулся, поселившись с 1925 года во Франции. Похоронен на парижском кладбище Сент-Женевьев-де-Буа.
Сомов особо славится своей книжной графикой, иллюстрациями к Пушкину и Гоголю. Увлеченный XVIII столетием, он создал ряд живописных и графических работ, посвященных Галантному веку, самая известная из которых — фривольная «Книга маркизы», в которую художник подобрал даже тексты на французском языке.
На выставке в Михайловском замке представлены все сферы художественной деятельности Сомова: живопись, графика, станковый рисунок, книжные иллюстрации, рисунки для журналов, фарфоровая скульптура. Всего около 150 работ: 50 живописных, остальное — графика. Современники ценили его и как выдающегося мастера портрета, и даже спорили, кто значительнее в этом жанре — Сомов или Серов. На выставке в ГРМ почти два десятка портретов и целый ряд автопортретов Сомова. Впервые зрители увидят и его миниатюры: иллюстрации, экслибрисы, виньетки.
Константин Сомов. «Автопортрет». 1898. Фото: Государственный Русский Музей
Основной партнер нынешней выставки в Русском музее — Третьяковская галерея с ее замечательным собранием живописи и особенно графики Сомова. «Наши московские коллеги щедро поделились с нами работами художника, — рассказал Владимир Круглов, ведущий научный сотрудник отдела живописи второй половины XIX — начала XXI века и куратор выставки. — Хотя несколько работ не приехало в Петербург, в частности „Дама в голубом“ и „Вечер“».
Кроме того, работы из своей коллекции предоставил Государственный музей изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, а из петербургских музеев в выставке участвуют Пушкинский Дом, филиал Музея Академии художеств — Музей-квартира Бродского, а также частные коллекционеры.
Работы Сомова есть также в Пермском художественном музее, в Нижегородской картинной галерее, в музеях Ярославля, в Приморской картинной галерее во Владивостоке, где, в частности, находится великолепный портрет Генриетты Гиршман (1911) кисти Сомова. Но они, к сожалению, по разным причинам на выставку не приехали.
Государственный Русский музей
Константин Сомов
8 августа – 4 ноября
|
Метки: мир живописи |
Художник Пластов Аркадий |
Дневник |
Пластов Аркадий Александрович является советским художником. Живописец появился на свет в 1883 году. Отец с ранних лет учил своего сына основам живописи, так как по специальности был иконописцем. Среднее образование Аркадий начал получать в обычной школе, проучившись там три года. После он перешёл в духовное училище. По окончании училища художник продолжил своё обучение в духовной семинарии. Овладев сертификатом о среднем образовании, у Аркадия Александровича проснулась тяга к живописи, из-за чего тот решил связать всю свою жизнь с живописью. Чтобы получить квалификацию в данной сфере деятельности, он решил поселиться в Москве.
Родник
Весна
Жаркий полдень
Художник отучился в нескольких художественных училищах, и смог попрактиковаться у таких знаменитых художников, как: А.М. Васнецов, Л.О. Пастернак, А.С. Степанов, А.Е. Архипов и многих других. В 1917 году художник вернулся к себе на родину, в Симбирские губернии, из-за начала Октябрьской революции. Он даже не смог окончить училище в связи с нестабильной политической обстановкой в Москве. В родном краю Аркадий сначала занимался земледелием, а уже после, всерьез занялся живописью.
Аркадий Александрович Пластов получил за свою жизнь большое количество наград в сфере живописи. К примеру: два ордена Ленина, медаль «Белый Лотос», Народный художник СССР и так далее. Умер Аркадий 12 мая 1972 года.
Стиль:
Картины художника напоминают работы Герасимова и Кончаловского, как будто он вдохновляется ими. Так оно и есть, Аркадий Александрович решил продолжить писать произведения искусства в тематике коллег. Аркадий Александрович Пластов является ярким представителем эпохи соцреализма. Основными сюжетными жанрами были — портреты и иллюстрации. Работы художника в основном отображают в себе крестьянскую и обычную жизнь. Смотря на картины Аркадия, вспоминается сразу что-то тёплое и родное. Он является одним из немногих художников, которому удаётся в конечной работе сохранить что-то поистине живое и реальное. В произведениях живописца редко или совсем не встречается повествовательного стиля, который присущ 1930-1940 годам. Многие критики и деятели представленной сферы называют данный жанр «бессобытийный» и не разделяют видение художника. Аркадий не мог подстроиться под определенные шаблоны и рамки, так как он по своей натуре простой, но одновременно глубоко чувствующий человек, что прослеживается у него в работах.
Мама
Пастухи
Произведения искусства:
Одной из самых первых и знаменитых картин является картина, которая имеет название «Купание коней». Данная картина была написана художником специально для выставки «20 лет РККА». Работа, которая носит наименование «Колхозное стадо» также стала одной из самых популярных и узнаваемых у художника. Основной изюминкой представленного произведения искусства является то, что в картине нет конфликта или определённого события, возле которого все завязано.
Фашист пролетел
Купание коней
Сенокос
Картина «Сенокос», написанная художником в 1945 году, в первую очередь показывает радость людей и гордость за свою Отчизну. Художник стал обще узнаваемым после выставки в «Третьяковской галереи», которая была посвящена Великой Отечественной войне. На той выставке была представлена Картина А.А. Пластова — «Фашист пролетел». Почти все, кто видел данную картину, испытывали чувства грусти и сострадания. Репродукцию признали одной из самых лучших картин той эпохи.
https://zen.yandex.ru/media/zjivopis/hudojnik-plas...kadii-5d7e3df4e4f39f00ae5d03c6
|
Метки: мир живописи |
«Обнаженная танцовщица» Анхеля Сарраги и не только |
Дневник |
Сегодня мы отправимся в новое путешествие — в Мексику. На повестке дня имя художника уникального — «человека-парохода», которое известно во всем искусствоведческом мире. Если вы о нем не слышали, с удовольствием знакомлю!
Анхель Саррага «Дары» (1910)
Анхель Саррага, а если поточнее Анхель Саррага-и-Аргуэльес — мексиканский художник, поэт-модернист, путешественник и яркая фигура начала 20 века.
Путешествовать молодой человек начал в 17 лет — бурная натура требовала новых пейзажей за окном, а неуемная энергия — знаний. Учебы в Академии художеств в Мехико определенно было мало, и Саррага отправляется в тур по Европе (1904 год). Обучение наш герой решил продолжить в Королевской Академии искусств в Брюсселе, далее были стажировки, как бы мы сейчас сказали, в Испании — в Мадриде, Саламанке, Толедо. Потом была Италия (1909 год) — мекка всех художников, где молодого человека ждал настоящий успех: Музей Орана (один из известнейших музеев, между прочим) купил его ранний шедевр — картину «Обнажённая балерина», по которой, кстати, многие художника сейчас и знают.
«Обнаженная балерина» («Обнаженная танцовщица») 1908
Потом был парижский период (с 1915 года) — работа над художественным оформлением пьесы «Антоний и Клеопатра» в театре и даже членство в составе жюри Осеннего сезона (выставки) в Париже.
В 1926 году Альберто Пани, мексиканский посол во Франции и тонкий ценитель искусства, попросил его украсить приёмную мексиканского посольства в Париже. Саррага берётся за дело с энтузиазмом и пишет аж 18 картин. Кстати, эти работы были представлены на выставке в Нью-Йорке.
Святой Себастьян, 1912 (Мексиканский национальный институт изящных искусств)
Во время Второй мировой войны Саррага возвращается в родную Мексику, где создает фрески в клубе Банкиров и в соборе Монтеррея. Художника обожала страна, а он, по личному признанию, в Европе так и не почувствовал себя как дома.
Жизнь художника была яркой и насыщенной на фоне непростого времени. 22 сентября 1946 года Анхель Саррага умер в городе Куэрнавака от воспаления лёгких, ему было всего 60 лет.
Портрет Рамона Новарро, 1929
Работы Сарраги находятся в крупнейших музеях мира — в Италии, Испании, Франции и, конечно, его родной Мексике.
Вам знакомо имя Сарраги? Знали, что мексиканская живопись — это не только Фрида Кало?
Ставьте лайки, подписывайтесь на канал. Впереди много интересного, друзья!https://zen.yandex.ru/media/artplay/obnajennaia-ta...-tolko-5d7db9891febd400c4d7082
|
Метки: мир живописи |
«Обнаженная натурщица в контрапосте» Пьера Боннара |
Дневник |
Пьер Боннар вошёл в историю как величайший колорист, творивший в конце 19 — начале 20 веков.
Гений цвета любил не только сочные цветовые решения, но и обнаженную натуру. Надо сказать, работы подобной тематики создавались им с особым обожанием. Не спешите упрекать Боннара в любви к нимфоманкам — верной натурщицей выступала любимая жена художника Марта.
1908 г. Масло, холст. 125 cm x 109 см. Королевский музей изящных искусств, Брюссель, Бельгия
Сегодня подробно рассмотрим чудесную работу Боннара «Обнаженная натурщица в контрапосте».
Боннара красиво называют последним проводником эстетики импрессионизма. Но нужно отметить, что художник постоянно эволюционировал, и в 1908 году художник выходит на новый уровень, создавая полотна, в которых свет становится основным действующим лицом.
Другая работа Боннара — «Обнаженная женщина» (1923)
Удачной по своей цветовой пластичности становится работа «Обнаженная натурщица в контрапосте». Об этом я и говорю — появилось то, чего раньше в картинах Боннара не было: сюжет уходит на второй план, целиком растворяясь в цвете.
Эротизм — визитная карточка художника, прочно укоренившаяся в более ранних картинах Боннара, никуда не извещается, присмотритесь, здесь она присутствует в абсолютно оригинальной манере: флакон духов в руках у героини (Марты), одежда, небрежно скинутая на пол, и туфли!
«Обнаженная у окна» (1922)
Боннар был столь же колористически сложен, сколь изысканен. А вы знакомы с работами Боннара? Нравится его манера письма?
https://zen.yandex.ru/media/artplay/obnajennaia-na...nnara-5d563df69515ee00ac6da662
|
Метки: мир живописи |
«Девочка с персиками», «Всадница»: судьба женщин с известных картин |
Дневник |
Эти женщины знакомы каждому, но мы ничего не знаем о том, как они жили, кого любили и почему стали музами великих художников.
Текст: Виктория Торновая·27 июня 2019
Мир женской красоты и очарования всегда вдохновлял творцов. Художники посвятили прекрасным музам не одну сотню картин. Кто-то изображал вымышленных героинь, иные использовали натурщиц. На полотнах, давно переживших своих создателей, остались запечатлены как известные, так и простые девушки. Одни были для художников любовным интересом, с другими их связывали исключительно рабочие отношения. WDay.ru расскажет истории женщин, которых вы видели, но о судьбе которых не знаете ничего.
Фото
Hulton Fine Art Collection/UIG via Getty Images
Пьер-Огюст Ренуар написал 4 портрета актрисы Жанны Самари. Они познакомились в салоне мадам Шарпантье, где Огюста привлек свет, как будто бы исходивший от Жанны. Девушке на тот момент было 20 лет, она жила недалеко от мастерской художника и играла в театре. Жанна была невысокого роста, пухленькая и с искренней улыбкой. Она играла роли хохотушек-служанок, которые помогали господам плести интриги и выпутываться из сети. Но девушка хотела исполнять и серьезные роли. Она мечтала о славе.
Ренуар и Самари работали больше года. Ходили слухи, что они были любовниками. Но актриса говорила о художнике так: «Ренуар не создан для брака. Он сочетается со всеми женщинами, которых пишет, через прикосновение своей кисти». В 25 лет девушка вышла замуж за богача Пола Лагарда. Родители жениха были шокированы выбором сына. Они пытались помешать свадьбе, а когда это не удалось, отказались даже присутствовать на церемонии бракосочетания.
Самари чувствовала себя счастливой в роли жены и мамы. Она родила троих детей и даже написала детскую книжку. Вот только жизнь ее оборвалась очень быстро. В 33 года Жанна заболела брюшным тифом и умерла. Но Ренуар сумел подарить ей ту славу, о которой Самари мечтала. Она надолго пережила и натурщицу, и самого художника.
Фото
DeAgostini/Getty Images
Чечилия Галлерани родилась в благородной итальянской семье. По законам того времени в 10 лет девочка уже была помолвлена, но через 4 года помолвку по неизвестным причинам расторгли. В 14 лет Чечилию отправили в монастырь, где она познакомилась с герцогом Людовико Сфорцей. Завязался роман, который герцог даже и не пытался делать тайным. Он поселил девушку в родовом замке и часто посещал ее. В результате этой связи Чечилия забеременела.
Однако стать законной супругой герцога ей не удалось. Людовико Сфорца был вынужден заключить династический брак с Беатриче д’Эсте. Его жене, конечно, не понравилось присутствие любовницы в доме. Чечилия родила сына, которого герцог оставил себе, а девушку выдал замуж за обедневшего графа.
В этом браке Чечилия родила четырех детей. Но это не помешало ей открыть первый литературный салон в Европе. Она приглашала философов и поэтов, сочиняла сонеты, свободно писала и говорила на латыни. Неудивительно, что, познакомившись с Леонардо да Винчи, она быстро нашла с ним общий язык. Известно, что они были очень близки, обращались друг к другу на «ты». И это в эпоху, когда даже друзья и близкие родственники были на «вы».
Достоверных доказательств, что «Даму с горностаем» Леонардо написал с Чечилии, нет. Но сохранился сонет Бернардо Беллинчионе «К портрету мадонны Чечилии, написанному Леонардо», а также письмо Галлерани к подруге, где она пишет про портрет.
Бьются исследователи и над загадкой самого знаменитого портрета да Винчи — «Моны Лизы». До сих пор не утихают споры, кто же действительно на нем изображен. Одни предлагают, что это была Лиза дель Джокондо, супруга торговца шелком из Флоренции. Другие уверены, что это и не женщина вовсе, а натурщиком для «Моны Лизы» стал ученик и, по слухам, любовник Леонардо Джакомо Капротти.
Фото
Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images
Портрет юной Марии художнику Владимиру Боровиковскому заказал ее жених, Сергей Лопухин. Девушка происходила из благородного семейства Толстых. Художник запечатлел Марию в возрасте 18 лет, в расцвете ее молодости и красоты. Может показаться, что девушка позирует в парке. На самом деле это декоративный фон, вся работа велась в мастерской Боровиковского.
Через год после создания портрета Мария и Сергей обвенчались, девушка сменила фамилию. Но брак оказался несчастным. Мария так и не смогла родить детей, а в 24 года умерла от чахотки.
Трагическая судьба девушки привлекла к портрету повышенное внимание. В дом, где висела картина, стали стекаться посетители, чтобы посмотреть на деву. Но вскоре о полотне пошла дурная слава. Ходили слухи, что портрет заколдован и незамужнюю девушку, которая посмотрит на него, ждет смерть от чахотки. Чтобы прекратить сплетни и не пугать людей, картину спрятали. Позже ее выкупил для своей коллекции Павел Третьяков. И портрет красавицы Марии доступен каждому в Третьяковской галерее.
Фото
Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images
Героини известного полотна Карла Брюллова вызывали споры в художественных кругах. Петр Третьяков приобрел его и поместил в коллекцию как портрет Юлии Павловны Самойловой — близкой подруги и возлюбленной Брюллова. Однако позже нашлись архивы, в котором сам художник записал этот портрет как «Джованина на лошади». Сопоставление этой работы с другими картинами, на которых изображена семья Самойловой, доказало, что на «Всаднице» мы видим двух приемных дочерей Юлии Павловны — Джованину и Амацилию.
Самойлова воспитывала обеих девочек как родных, но официально не удочерила. Известно, что Амацилия была дочерью итальянского композитора, близкого друга Самойловой Джованни Пачини. Джованину раньше тоже называли его родственницей. Но композитор в воспоминаниях пишет только об Амацилии, да и сама Юлия Павловна ни словом не обмолвилась о другой воспитаннице в письмах к Пачини.
Установить личность Джованины удалось с помощью найденной дарственной, в которой она значится как Джованина Кармина Бертолотти, дочь покойного дона Джероламо и госпожи Клементины Перри. По девичьей фамилии матери, совпадавшей с фамилией второго мужа Самойловой, можно предположить, что Джованина была его племянницей.
Воспитанницам графиня гарантировала большое приданое. Однако исполнить обещание не смогла — к тому времени Самойлова разорилась, и девушкам пришлось взыскивать обещанные деньги и имения через суд.
Фото
De Agostini Picture Library / Getty Images Plus
Симонетта Веспуччи прибыла во Флоренцию в 16 лет вместе с супругом Марко Веспуччи. Девушку мгновенно признали первой красавицей города. Ее благосклонности добивались все знатные мужчины, включая правителя Флоренции Лоренцо Великолепного и его младшего брата Джулиано Медичи. Между Симонеттой и Джулиано в итоге возникла связь. Кто-то говорит, что они были любовниками, другие утверждают, что любовь была чисто платонической. Во время рыцарского турнира в 1475 году Джулиано даже назначил Симонетту дамой своего сердца.
Образ прекрасной дамы идеально воплотился в девушке. Ей посвящали сонеты, художники выстраивались в очередь, чтобы написать ее портрет. Одним из них был Сандро Боттичелли. Самыми известными произведениями, на котором он запечатлел образ Симонетты, стали «Весна» и, конечно, «Рождение Венеры».
Однако последнюю картину ему пришлось писать по памяти. Девушка умерла в 23 года от чахотки — хотя ходили слухи, что причиной смерти был яд. Закончить «Рождение Венеры» Боттичелли смог только спустя 9 лет после ее смерти. Считается, что всех Мадонн и Венер Сандро до конца жизни писал исключительно с Веспуччи. В старости он завещал, чтобы его и похоронили рядом с музой. Желание художника было выполнено.
Фото
Picturenow/Universal Images Group via Getty Images
Веру Мамонтову писали художники Виктор Васнецов, Николай Кузнецов, Михаил Врубель. Но в памяти она осталась героиней картины Валентина Серова «Девочка с персиками». Портрет появился случайно. 11-летняя Вера однажды влетела в комнату, где находился художник, и, взяв персик, присела за стол. Серов предложил девочке позировать для него. Вера, конечно, согласилась. Она с детства знала художника. Он был ровесником ее старших братьев, часто приезжал в их семейное поместье. Серов был старшим товарищем Веры в играх, участвовал в домашних спектаклях, которые ставили в доме Мамонтовых.
Два месяца Вера была вынуждена сидеть за столом. Работа над портретом шла каждый день, по несколько часов. Для бойкой девочки это было испытанием. Но Серов нашел способ уговорить Веру — после каждого сеанса они вместе катались на лошадях. После окончания работы художник подарил картину маме Веры, Елизавете Мамонтовой. В 1877 году Серова наградили премией Московского общества любителей художеств за «Девочку с персиками».
А судьба Веры Мамонтовой сложилась не столь удачно. Она вышла замуж за Александра Самарина, родила троих детей. Брак был очень счастливым, супруги искренне любили друг друга. Но в 32 года жизнь Веры трагически оборвалась. Она сгорела за 3 дня от воспаления легких. А ее муж больше никогда не женился.
Фото
Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images
О романе австрийского художника и жены сахарозаводчика Фердинанда Блох-Бауэра говорила вся Вена. Климт находил в любовных связях вдохновение, публике было широко известно о его многочисленных увлечениях. Адель также не отличалась кротким нравом. Она была хозяйкой модного салона, где собирались поэты, художники и другие представители творческой элиты Вены. Так она и познакомилась с Климтом. Когда вспыхнул их роман, никто не знал, но Фердинанду не нравилась роль обманутого мужа. И тогда он решил пойти на хитрость.
Зная, что Климт быстро устает от своих любовниц, он решил ускорить процесс. И заказал художнику портрет неверной жены. Его расчет оправдался. Густав ответственно подошел к работе. За четыре года он создал два портрета и около 100 эскизов. За это время любовники полностью охладели друг к другу. Однако есть предположение, что Адель служила Климту моделью еще для одной картины — «Юдифь II», которую художник представил через два года после «Портрета Адели Блох-Бауэр».
Климт умер в 1918 году, Адель пережила его на 7 лет. Перед смертью она попросила мужа завещать три картины, в том числе ее портрет, музею Бельведер в Вене.
https://www.wday.ru/stil-zhizny/kultura/devochka-s...r=https%3A%2F%2Fzen.yandex.com
|
Метки: мир живописи |
Чувственные красавицы Пола Келли |
Дневник |
В восточной части Канады есть провинция – Новая Шотландия, которая занимает всю территорию одноименного полуострова. Именно здесь в 1955 году и родился Пол Келли - будущий талантливый художник.
Впрочем, в раннем детстве малыш мечтал стать ковбоем, но, взрослея, почувствовал в себе признаки пробуждающегося призвания. Позже Пол утверждал, что всегда был художником, независимо от собственных желаний и предпочтений.
В 1973 году Пол Келли поступил в университет Маунт-Эллисон в Саквилле штата Нью-Брансуик, где изучал искусство живописи. В 1975 году Келли получил степень бакалавра.
Вскоре его работы завоевали широкую известность, а популярность самого Пола распространилась далеко за пределы Канады. При этом художник с семьей продолжает жить в Лахевене (Новая Шотландия) в собственном доме, имеющем уже вековую историю.
Сфера его интересов достаточно разнообразна: он увлекается бегом, катается на лодках, проводит время с друзьями и семьей, занимается домом и хозяйством. И, конечно, уделяет много времени своему творчеству: пишет замечательные картины и стихи. Удивительно, насколько уравновешенный образ жизни художника противоречит той жаркой чувственности и страсти, которой буквально кипят его произведения.
Впрочем, восхищаясь женской красотой, автор умудряется балансировать на грани между эротикой и чувственностью, никогда не путая одно понятие с другим.
Все детали его картин мастерски сочетаются друг с другом, даже если художник создаёт иллюзию случайности и внезапности. Эта умелая продуманность композиций позволяет говорить о мастерстве и таланте её создателя.
Каждая картина выполнена с любовью и уважением к женщине. Говоря о своих работах, автор отмечает, что воспевает чувственную красоту, не умаляя при этом человеческие качества и интеллект женщин. Но, концентрируя наше внимание именно на красоте, автор призывает нас ценить её, не проходить мимо.
Он сравнивает женскую привлекательность с великолепием восхода солнца, которое обязательно нужно оценить, несмотря на то, что сам начинающийся день может нам предложить.
Каждая картина Пола Келли является результатом долгой и тщательной работы. Чтобы создать поистине привлекательный образ, от взгляда на который перехватит дыхание, одного замысла мало. Необходим талант художника Пола Келли, который успешно реализует задуманное.
Еще по теме: Фрески на необычных поверхностях от серфингиста Hula. https://zen.yandex.ru/media/id/5cf165830179be00af3...kelli-5d10824a42c5c800b004049f
|
Метки: мир живописи |
Обнажая красоту. Художница Эвелин де Морган |
Дневник |
Сегодня модно говорить о лондонской школе живописи — Тёрнер, Блейк, Фрейд — все они жили и творили в разное время, но оставили яркий след в истории британского искусства.
Сегодняшняя статья будет особенной. Во-первых, она посвящена женщине, художнике, сумевшей раскрыть новые грани, ранее неизвестные английскому обществу. Во-вторых, некоторым из вас, уверена, будет интересно узнать новое имя в истории живописи.
Эвелин де Морган родилась в Лондоне в 1855 году — время, надо сказать, не самое простое для женщин, желающих творчески развиваться и вообще проявлять себя где-либо, кроме как в на семейном поприще.
В 15 лет девушка становится самой юной слушательницей Школы изящных искусств. Окончив ее с отличием, отправляется за вдохновением во Флоренцию. Но проявит себя Эвелин именно на родной земле.
Прерафаэлиты — течение, взявшее исток с группы английских художников и плавно перетекшее в русло мировой живописи. Английская живопись вообще ставилась своими серыми и дымчатыми красками и довольной чопорностью сюжетов. Эти джентельмены добавили огоньку, затронув довольно смелые темы — они попробовали раскрыть грани женской чувственности.
А кто мог знать женскую природу лучше, чем сама женщина? Так, Эвелин берётся за кисть, из под которой выходят чудесные полотна, которые в отличие от работ прерафаэлитов, имеют новое световое и цветовое решение.
Эвелин де Морган «Клития» (1887г.)
Одна из самых известных и эффектных в своей смелости работ — «Клития» (1887), хранящаяся в Лондонском музее.
В основе сюжета лежит история из греческой мифологии.
Клития— нимфа, чью любовь самонадеянно и жестоко отверг Аполлон. Страдая от неразделенного чувства, девушка все время наблюдала за солнечным диском. Она потеряла покой и утратила интерес к еде. Лишь утренняя роса смачивала губы нимфы. Клития таяла на глазах, бледнея и угасая, а затем превратилась в цветок подсолнечника, поворачивающего свою головку вслед за солнцем.
Грустная типично женская история, в которую Эвелин де Морган вдохнула новую жизнь, раскрыв абсолютно девичью природу переживаний, поместив героиню в позу, не характерную ранее для мировой живописи.
Одна из самых популярных работ — «Ариадна на Наксосе» (1877г.)
У художницы есть и другие яркие работы, обнажающие героинь — и морально, и физически. Эвелин делала это без пошлости, не переходя грань, намеками, тонко подчёркивая женскую психологию.
«Любовное зелье» (1903г.)
Умерла Эвелин де Морган в возрасте 63 лет, состоявшись и как художница, и как жена — она была замужем за Вильямом де Морганом, довольно известным художником по керамике. По воспоминаниям друзей четы, их брак был счастливым.
Елена Троянская (1898г.)
Картины де Морган представлены в Галерее искусств Уолкера, собраниях Национал него фонда в Найтшейес-корте и занимают почетное место в Национальной портретной галерее Лондона.
А какое направление в живописи близко вам? Как относитесь к творчеству женщин-художниц? Расскажите в комментариях, буду очень ждать!
https://zen.yandex.ru/media/artplay/obnajaia-kraso...organ-5d36cf201e8e3f00adb79620
|
Метки: мир живописи |
Кем на самом деле была девочка с картины? |
Дневник |
«Утро». Т. Яблонская. 1954 г.
Продолжаю рассказывать об экспозиции Новой Третьяковки на Крымском валу.
Эта картина знакома каждому советскому и российскому школьнику: она была в школьном учебнике «Родная речь», и по ней писали сочинения. Помните? Картина создаёт радостное, светлое настроение. Немного по-итальянски выглядит комната: солнце, листья, арки. Она кажется огромной, а на самом деле это лишь комната в коммуналке в доме №46 по улице Большой Васильевской в городе Киеве.
Девочка с картины – тринадцатилетняя дочка художницы Лена. Она проснулась, делает зарядку, собирается в школу (на стуле – школьная форма, пионерский галстук, ленты). На столе – завтрак. Из распахнутого окна по дому разливается солнечный свет. Впереди у девочки – долгий прекрасный день. Она счастлива.
Картина передаёт настрой эпохи: совсем недавно умер Сталин, ночь ушла, уступив место утру и надеждам на лучшее.
Героиня картины родилась 24 июля 1941 года. Её родители – Татьяна Яблонская и Сергей Отрощенко – тем летом закончили Киевский художественный институт. Сергей сразу ушёл на фронт, и дочка родилась без него. Назвали, как просил отец, Леной. К счастью, он вернулся живым.
Репродукция картины печаталась на открытках, в журналах и, как я уже упоминала, в учебниках. Там, в журнале «Огонёк», её увидел мальчик Арсен из Алма-Аты. Как многие школьники, он вырезал картинку из журнала и повесил на стену. Арсен буквально влюбился в девчонку с картинки. Окончив школу, Арсен переехал в Москву и поступил в Строгановское училище. Там он познакомился с девушкой, и между молодыми людьми завязался роман. На летние каникулы девушка поехала к Арсену домой, в Алма-Ату… и увидела картину на стене! Это и была Лена! Она призналась, что на картине изображена она. Лена хотела стать художницей, но уехала учиться в Москву, чтобы не пользоваться известным именем матери в родном Киеве.
Лена вышла замуж за Арсена, стала Бейсембиновой. Она работала мультипликатором, иллюстрировала книги, делала гобелены, там живет до сих пор. У них родился сын Зангар, тоже стал художником. Есть внуки и правнуки.
Татьяна Яблонская прожила долгую жизнь и умерла в родном Киеве в 2005 году в возрасте 88 лет.
(по материалам wanderings.online)
https://zen.yandex.ru/media/jivopis_kormi/kem-na-s...rtiny-5d018ad2dbeaba00b08b639a
|
Метки: мир живописи |
Любовь вне времени и пространства в живописи современных художников. |
Дневник |
Любовь матери - это единственная любовь, от которой нельзя ждать измены.
Все остальные человеческие чувства просто прах в сравнении с любовью материнской. Возникнув один раз, она остаётся на всю жизнь, не оставляя женщину не на миг. Величайшие художники мира неоднократно обращались и обращаются к этой теме, которая по сути бездонна, как и сама любовь матери к своему ребёнку.
Давайте просто посмотрим на отображение этого чувства в работах современных художников.
Аманда Руссиан (австралия)
От этого полотна веет теплом и радостью. Художница сразу направляет взгляд зрителя на основной объект картины - живот будущей мамы. Дети и мамин живот - главные действующие лица картины, а сама молодая мамочка, будто бы растворяется в окружающем пространстве присутствуя лишь как наблюдатель.
Пино Даени (Италия)
Игра контрастов - грубые мазки фона и одежды, цветов, противопоставляются отлично прописанным лицам, на которые автор сразу обращает взгляд зрителя. Видно что молодая женщина, чем то озабочена в отличии от непоседливой малышки на руках.
Анна Роуз Бейн (США)
Классика жанра - кормление младенца. Эта тема, пожалуй, будет всегда, потому что лучше всего раскрывает таинство материнской любви.
Владимир Волегов
После трапезы можно и пошалить немного. Тела младенца и женщины будто плавают в неясных складках тканей. Малыш и мама составляют единое целое, но в то же время выделяются три главных элемента: грудь - центр картины, связывающая малыша и маму.
Рикардо Санц (испания)
Контрастные цветовые гаммы сразу выдвигают на передний план маму и дочь. Здесь соединяются улыбчивая детская непосредственность и отвлечённое раздумие. Непринуждённость поз создаёт ощущение домашнего уюта и какой-то интимности.
Рикардо Санц (испания)
Очень похожая по стилистике работа. Однако контраст детства и взрослости значительно усилен дополнительными предметами, которые разделяют картину на две половинки: левую - зона детства, а правая - территория взрослой женщины.
Рикардо Санц (испания)
Рикардо Санц (испания)
Анна Винницкая
Женщина цветы и ребёнок, что может быть теплее и гармоничней.
Винсенте Ромеро Редондо (Испания)
Алекс Алеман (Испания)
Самую заледеневшую душу согреет тепло материнского сердца.
Александр Шилов "Утро"
Думаю, что при просмотре подобных произведений, мы становимся добрее и человечнее, что-ли. Уходит напряжённость жизненной суеты, оставляя тепло и покой.
Использованы материалы открытого доступа.
https://zen.yandex.ru/media/id/5cdbdaad7e949900b21...nikov-5cee4350e927bd00ae01954f
|
Метки: мир живописи |
Пьер Огюст Ренуар |
Дневник |
Французский живописец Пьер Огюст Ренуар (Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919) – одна из ключевых фигур, стоящих у истоков импрессионизма. Уже при жизни он добился немалого успеха и признания среди соотечественников. Сейчас же его имя стоит в одном ряду с Альфредом Сислеем, Клодом Моне и другими основоположниками импрессионизма.
Будущий великий живописец был выходцем из простой семьи портного. Он был шестым ребенком из семи. Вероятно, именно поэтому Ренуар с детства трудился наравне с родителями. Свой первый заработок он принёс в дом в возрасте 13 лет, устроившись в мастерскую по росписи посуды.
Художник создавал портреты, натюрморты, городские и морские пейзажи, жанровые зарисовки и даже ню. До наших дней дошло более 1400 картин Ренуара, 1377 из них написаны в импрессионистской манере. Помимо живописных работ, он некоторое время занимался скульптурой и графикой.
Следует также отметить талант Ренуара к пению: попав после переезда семьи из Лиможе в Париж в церковный хор, будущий великий художник произвёл огромное впечатление на своего регента. Кто знает, как могла бы сложиться его судьба, не откройся в тот же период его талант к живописи?
В отличие от других представителей своего направления, Ренуар мало интересовался пленэрами. Его практически не волновала игра света как таковая, все приёмы импрессионистов он воплощал в других работах: в основном это были портреты довольно обеспеченных людей того времени и его близких. Пьер Огюст Ренуар часто повторял, что ничего не смыслит в живописи, его интересуют только женщины, дети и розы. Более того – любые разговоры об искусстве нагоняли на него тоску, а порой и вовсе приводили в бешенство.
Однако он неслучайно считается мастером светского портрета. Художник наделял изображения толикой сентиментальности, вызывающей безапелляционное расположение зрителей. В своих картинах Ренуар показывал человека в неожиданных жизненных ситуациях, при общении с близкими и родными, в единстве с красотой природы. Мастер стремился показать праздничную сторону жизни горожан. На его работах мы видим безмятежные сцены отдыха, пестрых героев, динамичные прогулки, балы с танцами.
Несмотря на то что в разные периоды творчества Ренуар кардинально пересматривал многие свои приёмы, особенностью его письма всегда была эмоциональность, лёгкая мимолетность. Он делал быстрый живописный набросок, создаваемый по первому впечатлению. Именно к этому всегда стремились в своих исканиях импрессионисты.
Ранний период творчества Ренуара связан с усердными поисками жанра и стиля. Его учителем в Школе изящных искусств, куда молодой человек пришёл после закрытия мастерской росписи посуды, был Марк Габриэль Шарль Глейр. Юный художник много экспериментировал и в итоге был захвачен новым направлением живописи – импрессионизмом.
Уже в этот период он не ограничивался одним жанром и создал портрет «Мать художника» (The Artist`s Mother, 1860), картину «Возвращение лодочной вечеринки» (The Return of the Boating Party, 1862) и цветочный натюрморт «Корона из роз» (Crown of Roses, 1858). Их отличают воздушность и эмоциональность передачи, но пока ещё неуверенность воплощения. В картинах чувствуются налёт навязанной академической школы и непреодолимое желание выйти за границы принятого.
Первой успешной работой Ренуара, высоко оцененной на Салоне, стал портрет его возлюбленной «Лиза с зонтиком» (Lise with Umbrella, 1867). Строгое изображение молодой девушки в белом платье ненадолго стало визитной карточкой живописца. В это время Ренуар находился под влиянием художников Барбизонской школы, а также Эжена Делакруа и Гюстава Курбе.
В период с 1874 по 1882 год Ренуар вместе со своими товарищами из общества «Анонимное кооперативное товарищество» боролся за право быть услышанными и в итоге во многом благодаря этому добился всеобщего признания. Правда, первая выставка юных импрессионистов стала провальной, а само имя «импрессионисты» казалось оскорбительным. Несмотря на это, все участники товарищества так или иначе добились успеха.
Именно в эти годы из-под руки художника выходят, пожалуй, сильнейшие его произведения: «Камилла Моне и ее сын Жан в саду в Аржантее» (Camille Monet And Her Son Jean In The Garden At Argenteuil, 1874), «Розовый и синий» (Pink and Blue, 1881) и «Бал в Мулен де ла Галетт» (Dance at the Moulin de la Galette, 1876). Кстати, уменьшенная копия последней стала самой дорогой картиной Ренуара. Она была продана в 1990 году на аукционе Sotheby's в Нью-Йорке за 78 миллионов долларов.
Следом за ним, до начала 1890-х годов длится так называемый «энгровский период» творчества Ренуара. Сам же художник называл его «кислым». Под влиянием работ классиков эпохи Возрождения вкус живописца меняется. Ренуар решительно отказывается от импрессионизма и возвращается к реализму.
В этот период он создаёт ещё одну громкую картину - «Большие купальщицы» (The Great Bathers, 1884—1887), на которой изображены три обнажённые девушки. Линии рисунка на нем стали куда более чёткими, краски утратили яркость, да и другие картины словно бы стали «холоднее».
Следующее десятилетие творчества Ренуара принято называть «перламутровым периодом». Это имя он получил благодаря тому, что в живописной манере художника появилась склонность к переливчатым цветам. Наиболее характерны для этого времени работы «Яблоки и цветы» (Apples and flowers, 1895-1896) и «Женщина, играющая на гитаре» (Woman playing the guitar, 1896). На данном этапе художника особенно интересовали полотна Вермеера и Рембрандта.
Заключительный период творчества Ренуара принято называть «красным». И в этом случае не стоит искать скрытые смыслы: просто художник стал отдавать предпочтение тёплым красным и розовым оттенкам. Именно в это время он страдал то от одной болезни, то от другой и в результате оказался прикован к постели и рисовать мог лишь с большим трудом сжимая кисть ослабевшими пальцами.
Всю свою жизнь Пьер Огюст Ренуар отшучивался, что ничего не смыслит в живописи. За несколько часов до своей смерти он попросил дать ему кисть, краски и новую палитру, чтобы написать натюрморт с собранного для него букета. Его последними словами было:
«Кажется, я начинаю в этом что-то понимать» © Artifex.ru
https://zen.yandex.ru/media/artifex/per-ogiust-renuar-5ce5b12b7ebafe00b3397e38
|
Метки: мир живописи |
Судьба русского художника Николая Богданова-Бельского |
Дневник |
Николай Петрович Богданов-Бельский, появился на свет в 1868 году 8 декабря, в Тверской области в д. Шитики. Был одним из художников товарищества передвижных выставок. Николай рос без отца, мать работала батрачкой (наемная рабочая) и от кого она забеременела неизвестно. Видимо ей удалось соблазнить талантливого человека для продолжения своего рода.
"За чтением письма" - полотно в Сумском областном художественном музее имени Н. Х. Онацкого. Дата написания картины: 1892 г. Автор: Николай Петрович Богданов-Бельский
Детство Николая до 13 лет было тяжелым, так как не имея собственной жилплощади, Николай вместе с матерью проживали у дяди, где их терпели из жалости. После окончания школы, уехал учиться в село Татево (Тверская обл.) в очень популярное учебное заведение - ученого Сергея Александровича Рачинского, который стал для Николая не просто учителем, а человеком который помог будущему художнику найти себя и выбрать правильное направление в жизни, более того Николай проживал в его доме, где написал большую серию картин с деревенскими жителями, чаще детьми и пейзажами.
"Вступительный день" - полотно в частной коллекции
В 14 лет Сергей Александрович устроил учиться Николая в иконописную мастерскую, а через 2 года в Московское училище живописи, впоследствии художник тепло отзывался и всю жизнь говорил, что чувствовал себя очень обязанным этому замечательному человеку. Через 5 лет обучения - в 1889 году Николай был награжден большой серебряной медалью за картину - "будущий инок (молодой монах)". Шедевр через 2 года приобрел влиятельный предприниматель Козьма́ Тере́нтьевич Солдатёнков, но в дальнейшем картина была у него выкуплена супругой императора Александра III.
Картина "Будущий инок" - полотно в частной коллекции
После чего один год проходил обучение изобразительному искусству у Ильи Ефимовича Репина в Академии, затем уехал во Францию, где знакомился с работами художников, какое то время проработал за рубежом.
На родине Николай под заказ пишет портреты императорской семьи и других влиятельных людей из высшего общества, для чего ему соответственно приходилось приезжать в Санкт - Петербург. Благодаря таким клиентам он зарабатывал хорошие деньги, по возвращению домой никогда не позволял себе расслабиться и отдохнуть, художник продолжал беспрерывно работать, как робот. Начиная с 45 и до 50 лет у Николая пик популярности, о его картинах пишут все возможные печатные издания. На выставках, как в России, так и за границей ажиотаж, произведения выкупались музеями и очень богатыми коллекционерами.
"У дверей школы"- полотно в экспозиции Русского музея. Дата написания картины:1897 г. Автор: Николай Петрович Богданов-Бельский.
В 1917 началась революция, события которой влияют на искусство. Образовываются различные пропагандирующие сообщества свободной живописи, из-за чего началось гнобление живописцев с реалистичным стилем. В тот момент, в Риге уже проживал талантливый русский художник и друг С.Виноградов. В 1921 году, Николай разводится со своей супругой и перебирается к другу. Здесь ему помогают устроить выставку, на которой почти все картины выкупаются. Такой успех взбодрил художника, после чего он начинает усердно и много работать. Представляет серии своих картин еще через год, потом через два и снова успех, и пристальное внимание прессы.
Параллельно в 1922 году у него начинается любовная переписка с замужней женщиной Антониной, прибывала в браке с немцем, имела два сына. Через 5 лет она ушла с сыновьями от мужа к художнику и в 1932 году свою сильную любовь Антонина и Николай скрепили в церкви. Со своей второй супругой Николай был счастлив до конца своих дней, она была хозяйственной, очень вкусно готовила, а так же была любимой натурщицей мужа.
"Жена Антонина среди цветов"- полотно в частной коллекции
В 76 лет у Николая подкосилось здоровье, было необходимо хирургическое вмешательство и Антонина увезла его в Берлин, где определила в хорошую клинику. После проведенной операции Николая с другими пациентами перемещали то в Бункер, то обратно в палату из-за бомбардировки Берлина, в связи с чем тяжелобольной художник прожил всего несколько дней. Николая не стало 19.02.1945 года.
https://zen.yandex.ru/media/4minute/sudba-russkogo...skogo-5cd176ec24de2d00b2de01c0
|
Метки: мир живописи |
«Женские дела» в стиле «ню». История одной картины |
Дневник |
Фрагмент картины Alfred Schwarzschild (1874-1948), Nu Allonge
Она сидела, сидела, ждала его к обеду, а он явился поздно вечером, и даже отказался ужинать.
– Скорее, скорее, – сказал он. – У меня вдохновение! О, ты моя любимая жена! О, ты моя Муза! Я напишу такую картину! Ты войдешь в историю!
– Может, не надо?
– Как не надо? Когда ты выходила за меня замуж, ты сказала, что поверила в мой талант! Надо. Только представь – ночь. Над тобою звезды… На горизонте – горы! Ты лежишь и смотришь в небо мечтательным невинным взглядом. Не таким, как сейчас. Не хмурься.
– Какие горы? Мы на равнине живем! Погода – пасмурная. Где лежать-то?
– В комнате! Я ведь художник… Я пририсую и горы, и сделаю легкий намек на звезды… Давай, быстрее… Ты ведь моя Муза? Моя жена?
– Давай перенесем? На несколько дней… Я не очень хорошо себя чувствую.
– Искусство – исцеляет! Ты даже не заметишь, как тебе станет лучше!
– Мне не станет лучше, я знаю свой организм. Я сейчас нервная и злая… Где ты шлялся?
– О, неужели я слышу это от тебя? От моей любимой жены? Пойдем, пойдем, скорее… – Художник схватил жену за руку, и потащил в комнату, которую называл студией… Она сопротивлялась, пыталась ему всё объяснить, но он не слушал.
А зря!
Художник расстелил коврик прямо на полу.
– Вот сюда. Погоди, кошку прогоню, а то мешать будет. – Он выгнал кошку.
– Я не хочу сегодня позировать!
– А если у меня завтра вдохновения не будет? Ты меня любишь?
– Ооо! Да что это такое? Что мучения?
Только… Она любила его. И решила немного помучиться. Ради него, ради искусства.
– Положи руку под голову, смотри в небо!
Она положила руку под голову, но тут же убрала её…
– Я тебе сказал под голову!
– У меня болит… Низ живота, я ведь тебе сказала…
Фрагмент картины Alfred Schwarzschild (1874-1948), Nu Allonge
– Сейчас всё пройдет! Представь – над тобою звезды, ты должна смотреть, размышляя о том, одни ли мы во Вселенной или нет? Сейчас пошла мода на такие картины…
– Глупая мода. Мы одни!
– Не спорь со мною. Просто смотри вверх… – Художник принял вдохновенную позу, и… – Да что такое? Что у тебя с лицом? Где философский взгляд?
– Мне плохо. Еще и ты со своим искусством… Я не актриса. Мне действительно очень плохо. И твое искусство меня не исцеляет. Пиши, как есть или я уйду… И если не хочешь настоящего скандала, то...
– Руку положи под голову!
– У меня живот болит.
В итоге, они немного поругались. Художник не слышал её. А она хотела сказать, что вдохновение – вдохновением, но надо учитывать и её состояние.
– Ты эгоист!
– Нет, я думал, что ты – моя Муза, а ты поела немытых фруктов, и у тебя болит живот.
– Я не ела фрукты, как не поймешь! У меня «женские» дела… Ты просто не знаешь, что это такое…
– А дела искусства – важнее…
А потом у художника была выставка. Женщины, которые подходили к этой картине усмехались, а мужчины не могли понять – что не так было с женой художника, почему у неё такой страдающий вид?
Alfred Schwarzschild (1874-1948), Nu Allonge
Они перешептывались друг с другом… Кто-то смеялся. Художник негодовал. Но его картина стала легендой… И остряки от искусства так её и прозвали: «Женские дела» в стиле «ню». Без всякой философии и без мыслей на тему: одни ли мы во Вселенной или нет?
https://zen.yandex.ru/media/liten/jenskie-dela-v-s...rtiny-5cb99561a07b5e00b2ccfe7e
|
Метки: мир живописи |
Почему этот чудесный портрет вызвал такой дикий скандал?! |
Дневник |
"Портрет мадам Икс" Джона Сарджента изображает молодую женщину в черном платье с подчеркнуто повернутой в профиль головой, опирающуюся одной рукой на столик. Дама подает себя с великолепным апломбом, и, хотя с точки зрения классических пропорций, ее лицо не отличается совершенством (длинненький крысиный носик), в целом она выглядит как красавица.
"Портрет мадам Икс" , художник Джон Сарджент
Картина прекрасная. Трудно оторвать от нее взгляд. И художник, и модель возлагали на это полотно большие надежды, но действительность оказалась совершенно иной. Как ни странно может показаться на нынешний взгляд, но это лаконичное полотно с изображением хорошо одетой и со вкусом причесанной женщины вызвало скандальную реакцию общественности. За что?!
На портрете изображена Виржини Готро, американка, ставшая звездой парижского полусвета. Ее мать была француженкой, отец - итальянцем, семья владела плантацией в США, но после смерти отца, мать с дочерью переехали во Францию. Здесь Виржини вышла замуж за банкира Пьера Готро, который предоставил своей жене возможность жить в свое удовольствие.
Джон Сарджент, Мадам Готро поднимает тост
Виржини полностью отдалась во власть светских развлечений и, будучи особой увлекающейся, легко заводила романы. Статус жены банкира давал возможность вращаться в определенных кругах, но все же проникнуть в самые высшие сферы, о чем Виржини мечтала, она пока не могла.
В надежде, что успех картины поможет и ее светским успехам, она согласилась позировать Сардженту. Художник же был одержим ею. Он писал картину, следуя за Готро в Париже и в ее загородном доме. Позировать времени у Виржини находилось мало, она была, как всегда, занята светскими обязанностями. Тем не менее, портрет был завершен и выставлен в Салоне.
Джон Сарджент за мольбертом
Эффектная картина, где известная дама полусвета была изображена в полный рост в платье со спущенной с плеч бретелькой, произвела действительно фурор. Хотя имя модели под картиной не было обозначено, мадам Готро узнали. Она уже имела определенную репутацию, и эта бретелька воспринималась как намек на ее фривольное поведение. Кроме того, розовое ухо, выделяющееся на фоне белой кожи, тоже казалось чем-то непристойным.
В общем, реакция на картину была такой насмешливо-бурной, что художник и его модель были в шоке. Сарджент потом переписал бретельку, приподняв ее на плечо. Но спасти дело это уже не могло.
Виржини не сумела при помощи портрета подняться в высшие круги парижского света, а Сарджент после скандала вообще потерял всех клиентов и был вынужден уехать из Франции. Правда, потом в США он сделал неплохую карьеру.
Густав Куртуа. Портрет мадам Готро
Интересно, что когда через семь лет Густав Куртуа пошел по неверному пути Сарджента и написал портрет мадам Готро, буквально процитировав его в зеркальном отражении, эта картина никакого скандала не вызвала. Виржини тут тоже демонстрирует свой медальный профиль, но повернута налево, а платье на ней не черное, а белое. При этом бретелька спущена с правого плеча, а ухо опять-таки розовое.
Красивый портрет, но уступает сарджентовскому по глубине образа и элегантности. Кроме того, он явно вторичен. Возможно, поэтому он не получил такой буйной реакции зрителей.
Виржини потом позировала для Антонио де ла Гандара, который тоже изобразил ее в профиль в светлом платье, немного со спины. Этот портрет сама мадам Готро любила больше всех прочих. Реакция зрителей тоже была благосклонной.
Виржини Готро умерла в Каннах в 1915 году, ей было 56 лет.
https://zen.yandex.ru/media/lichop/pochemu-etot-ch...andal-5c8de989d4eea800b27483f9
|
Метки: мир живописи |
