Франсуа Буше: импозантные дамы в одеждах и без

Бонжур, мадам и мсье! На улице все течет, слякоть, грязно, небо серое и солнца не видно. Ну точь-в-точь как Париж 18 столетия!=)

И что бы настроение не портилось от такой серости, я решил написать статью про яркого художника и его шикарные полотна.

Вы что нибудь слышали о Франсуа Буше? Если нет, то сейчас вкратце расскажу. Итак, этот мсье был весьма занятной личностью. В отличии от многих других художников, Буше был очень разносторонним мастером. Он не ограничивался написанием только картин. Буше еще был декоратором и гравером.

Если вам в руки вдруг попадется подлинник книги Овидия или Боккачо, вы сможете лицезреть труды Буше и в них. Да-да, он еще и книги иллюстрировал.

Франсуа Буше – "Муза Эрато"

А еще, Франсуа Буше смог так высоко взлететь, что заслужил звание придворного художника, а потом и "первый художник короля". А кто ему покровительствовал, как думаете? Маркиза де Помпадур! Она была поклонницей творчества Буше. Поэтому ничего удивительного, что художник часто участвовал в украшении ее особняков и дворцов.

Франсуа Буше – "Девушка с розами"

Но давайте уже поговорим о самих картинах. Буше был представителем рококо, отсюда и все характерные черты этого стиля на полотнах. Воздушность, легкость и завитушки - без этих составляющих не обходится ни одна картина художника.

На каждом полотне обязательно должно быть пышное убранство - огромное количество материи, которое волнами обволакивает женские фигуры, цветы и яркие ленты в волосах, без них тоже никуда.

Франсуа Буше – "Девушка с тамбурином" 1761 год

Франсуа Буше был тот еще проказник и озорник. Мало того, что он изображал нагие образы, так еще мог запечатлеть даму при "интересном" действии в весьма пикантной позе. Например, у него есть картина "задранная юбка", так вот это сюжет, так сюжет. Думаете там просто ветром задрало подол? Как бы не так! По гуглите, посмотрите и сами все поймете.

Да и в целом, он явно обожал женщин - изящные формы, грациозные позы - видно, как художник ласкает кистью женские фигуры.

Это интересное сочетание - импозантные женщины с детскими чертами лиц. Такое личико придает образу нежности и невинности, в то время, как жесты рук и положение тела на картине, говорят совсем об обратном.

Франсуа Буше – "Диана после охоты" 1745 год

Картины Буше изобилуют пестрыми красками, при этом посмотрите, какие классные сочетания! А главное глядите, как шикарно у него выглядит природа. Какая глубина, переходы и изящная красота в каждой детали.

Кстати, есть еще один замечательный художник, который создавал подобного рода шедевры - это Фрагонар.

Франсуа Буше – "Пастух, играющий на свирели пастушке" 1747-50 годы

Ну вот, написал статью, полюбовался яркими картинами и сразу легче стало. Теперь и серость за окном не так напрягает. Надеюсь, что и вам понравились полотна Франсуа Буше. Оревуар, читатели, увидимся в новых статьях!

 

 

 

https://zen.yandex.ru/media/id/5bcffb4d8068a800aba...i-bez-5c80b4bd671c5100b32ef93e

 

 

Молодая натурщица на этой картине Буше обладала пикантным телом и ее не опекали родные

Прекрасные полотна художника должны быть достойны украсить мою спальню. Эта натурщица была миловидна, обладала пикантным телом и ее не опекали.

Продолжаю разыскивать картину, которой решусь украсить свою спальную комнату - мой будуар. Полотно должно нравится всем - и мне, как женщине, и мужской половине - как мужчине.

Хочу повесить что-то в стиле рококо, но в тоже время чтобы не отвлекать мужа от мыслей обо мне.

Как вам эта прекрасная дама на полотне? Недавно узнала про нее немного больше, в конце напишу. А пока еще немного интересных фактов.

Итак, выше вы уже лицезрели картину моего самого любимого, утонченного, гениального художника Франсуа Буше. Его работа "Одалиска на синей софе" дарит радость всем желающим с середины 18 века. Сейчас она находится в Лувре. Работа по-праву считается лучшей у этого художника и признана одной из известнейших картин мира. Кстати, в моей спальне тоже синее покрывало.

Франсуа Буше жил в Париже в 19 веке и был весьма достойным живописцем и декоратором. Представленный сюжет - лежащая, отдыхающая женщина или девушка - один из его любимейших. Мой взор уже привлекла вот эта его замечательная работа "Отдыхающая девушка на кушетке".

https://imgprx.livejournal.net Картина расположена в галерее "Старая Пинакотека" в Германии.

На самом деле молодая натурщица с обеих картин не фантазия художника, а вполне реально жившая Мари-Луиза О'Мерфи, которой на тот момент было 15.

Когда ее выбирали для позирования, то говорили о ней так:

Она соответствовала критериям - обладала миловидной наружностью, пикантным телом, спокойным нравом, и ее не опекали родные.

Кстати, Франсуа Буше был одним из любимейших художников короля любвеобильного Людовика XV, а уж тот знал толк в искусстве. И Мария-Луиза стала его возлюбленной.

А какую бы картину с красивой женщиной для украшения повесили у себя в будуаре вы?

https://zen.yandex.ru/media/lover/molodaia-natursc...odnye-5c5f62c59e90b000addf0b7b

 

 

Игорь Майков и его картиныttps://zen.yandex.ru/media/aaa/igor-maikov-i-ego-kartiny-5c6691394a187700aeb45b77

 

Игорь Майков латвийский художник родился в 1966 году. С 1994 года его картины постоянно экспонируются в галереях Латвии и некоторых других стран. Рисовать Игорь начал еще в раннем детстве. Художник создает многослойные картины маслом. Многие из его работ находятся в частных коллекциях ценителей живописи многих стран: Канады, США, Германии, Финляндии, России и др.

Подборка картин:

1.

 

3.

4.

5. 6.

 

7.

8.

9. 10.

 

11.

12.

13.

14.

15.

16.

17.

18.

19.

20.

21.

22. 23.

 

24.

 

25.

26.

27.

28.

29.

30.

31.

32.

33.

 

 

10 картин Рафаэля, которые вы должны знать

Рафаэль Санти родился в 1483 году в Урбино, Италия. С основами живописи его познакомил отец Джованни Санти - художник рисовавший для герцога города. В последствии Рафаэль обучался у живописца Пьетро Перуджино и стал одним из величайших художников своего времени. Мы покажем некоторые работы мастера эпохи Возрождения.

1. Афинская школа

Афинская школа, 1511

"Афинская школа" - одна из фресок, украсившая Апостольский дворец в Ватикане. На ней изображен почти каждый из великих греческих философов, включая Платона и его ученика Аристотеля, которые находятся в центре. Некоторые из философов напоминают современников Рафаэля: Леонардо да Винчи в роли Платона, а Микеланджело, опирается на кусок мрамора, как Гераклит.

2. Сикстинская Мадонна

Сикстинская Мадонна, 1512

"Сикстинская Мадонна" - эта картина была заказана в 1512 году папой Юлием II для церкви Сан-Систо в Пьяченце. В настоящий момент она находится в Галерее старых мастеров в Дрездене, Германия. Картина наиболее узнаваема, благодаря двум ангелам в самом низу картины. Впервые пара ангелов была скопирована отдельно от остальной работы в 1803 году, что в итоге привело к появлению целых маркетинговых компаний с их образами, от марок и открыток до простыней и оберточной бумаги.

3. Диспута

Диспута, 1509-1510

Еще одна фреска из Апостольского дворца в Ватикане. Действие в произведении включает в себя и небо и землю. В верхней части мы видим образ Христа в окружении Девы Марии, Иоанна Крестителя и других библейских фигур, в том числе Моисея и Адама. Бог находится над Иисусом, а Святой Дух у ног Христа. В нижней части фрески изображены разные святые, епископы, папы, священники и поклоняющиеся люди. Присмотревшись, можно увидеть в правой части Данте Алигьери в лавровой короне, символизирующей его поэтическое величие.

4. Преображение

Преображение, 1516-1520

Картина была написана по заказу кардинала и будущего папы Джулио Медичи. «Преображение» стало последним произведением Рафаэля перед его смертью в 1520 году. Картина является кульминацией его художественной карьеры. Фигуры людей в нижней части картины очень стилизованы и имеют искаженные позы, что является характерной чертой маньеризма - стиля живописи, возникшего в последние годы итальянского Возрождения. Картина также считается предшественником стиля барокко из-за драматического напряжения фигур, а также из-за сильного использования кьяроскуро.

5. Три грации

Три грации, 1505

На одной из ранних работ мастера изображены три грации из классической мифологии. Фигуры нарисованы согласно классическим представлениям - две фигуры обращены к зрителю, одна смотрит в противоположенную сторону. Хотя художник старался изобразить анатомию женщин реалистично, эта работа не такая изысканная, как его более поздние работы.

6. Автопортрет

Автопортрет, 1504-1506

В настоящее время картина находится в галерее Уффици во Флоренции. Считается, что Рафаэль написал ее в период между 1504 и 1506 годами, хотя подлинность картины время от времени ставилась под сомнение. Это связано, главным образом, с плохим состоянием картины, что не позволило историкам искусства однозначно приписать ее Рафаэлю. Кроме того, в более современную эпоху из банковского хранилища появился почти идентичный портрет, ставящий под сомнение версию Уффици. Тем не менее, он стал, пожалуй, самым наиболее узнаваемым образом художника.

7. Портрет Бальдассаре Кастильоне

Портрет Бальдассаре Кастильоне, 1514-1515

Портрет Балдассаре Кастильоне - друга Рафаэля - считается одним из величайших портретов эпохи Возрождения. Кастильоне был дипломатом, гуманистом и автором книги диалогов «Придворный»; он считается типичным примером джентльмена Высокого Возрождения. С Рафаэлем они встретились в Урбино, городе, где родился художник. К 1504 году они стали близкими друзьями. Рафаэль изображает своего друга в элегантном костюме, подходящем для джентльмена.

8. Обручение Девы Марии

Обручение Девы Марии, 1504

Эта великолепная картина, написанная маслом в 1504 году, показывает церемонию обручения Марии и Иосифа. Считается, что картина Пьетро Перуджино на ту же тему послужила вдохновением для Рафаэля, когда он работал над собственной версией. Как заявил итальянский художник и историк 16-го века Джорджо Вазари, стиль Рафаэля «превосходит манеру Пьетро» благодаря мастерству, с которым он захватил перспективу в этой работе. Цвета яркие, а лица фигур на переднем плане детализированы и отмечены спокойным присутствием, которое весьма реалистично.

9. Портрет папы Юлия II

Портрет папы Юлия II, 1511-1512

Написанное в 1512 году это изображение папы Юлия II непохоже на любой другой папский портрет. Обычно папу изображали фронтально или в профиль на коленях. Также исключительным было выражение лица, показывающее глубокую задумчивость. Этим портретом Рафаэль открыл новую модель для папских портретов, которая просуществовала около 200 лет. Джорджо Вазари описал эту работу как «настолько правдивую и реалистичную, что портрет заставил всех, кто видел ее, дрожать, как будто это был сам живой человек».

10. Триумф Галатеи

Триумф Галатеи, 1512

Завершенный в 1514 году «Триумф Галатеи» - это фреска, которую Рафаэль написал для виллы Фарнезе в Риме. В греческой мифологии рассказывается о прекрасной нереиде Галатее, которая влюбилась в крестьянского пастуха. В этой сцене Рафаэль показывает Галатею в окружении кентавров и морских существ, в том числе тритона (наполовину человек, наполовину рыба), который похищает морскую нимфу.

ttps://zen.yandex.ru/media/cantatas/10-kartin-rafaelia-kotorye-vy-doljny-znat-5c1ffa75e12fa300aac18270

 

 

Что здесь происходит: Антонио Поллайоло. Аполлон и Дафна

Артхив пытается разобраться, что происходит на картинах, на которых, казалось бы, творится черт знает что.

Златокудрый, одетый с покушениями на моду юноша, обнимает за талию хрупкую прелестницу. Тонкий, небрежно переброшенный через плечо шарф развевается на ветру. Вся его поза — молодецкая удаль, движение, порыв. На скулах играет румянец, разгоревшийся то ли от долгого преследования, то ли от вожделения. Девушка тоже определенно недурна собой. Есть, впрочем, в ней особенность, которую иные привереды сочли бы изъяном: вместо рук у красавицы — раскидистые ветви, усеянные густой листвой. На ее лице — выражение спокойного превосходства, она знает, что победила. Ее взгляд словно говорит: полегче, приятель. Придержи поводья. Только без рук.

Так что здесь происходит? Юный мичуринец несет на рынок саженец, выкопанный в окрестностях Чернобыля? Веганы пожинают плоды своих диет и убеждений? Или объяснение следует искать в той штуке, которая болтается у героя на поясе и напоминает бонг?

Аполлон и Дафна. Антонио Поллайоло, 1475

Антонио Поллайоло жил во второй половине XV века во Флоренции. На пару с братом — Пьеро — Антонио владел ювелирной мастерской. Братья изготовляли украшения и гравюры, разрабатывали эскизы для текстильного производства, выполняли заказы Святого Престола. Их бизнес процветал.

Антонио не был визионером, как его современник Иероним Босх — в нем сложно было заподозрить излишне богатое воображение. Это был основательный человек, крепко стоявший на земле двумя ногами. Как и полагается мастеру эпохи ренессанса, Антонио Поллайоло живо интересовался анатомией человеческого тела. Одним из первых художников Возрождения он начал заниматься в анатомическом театре. По свидетельствам Джорджо Вазари, он снимал с трупов кожу, чтобы лучше понять, как устроена мускулатура. Мифологические сюжеты он обычно использовал как повод поупражняться в изображении перевитой венами, вздувшейся от напряжения плоти. Случалось, он справлялся и вовсе без сюжета.

Битва обнаженных мужчин. Антонио Поллайоло, 1470

Здесь же Антонио Поллайоло обходится без анатомических подробностей — тот редкий случай, когда история интересует его больше, чем бицепсы и дельты. Эта история — миф об Аполлоне и Дафне.

Однажды, воспылав чувством к горной нимфе Дафне, Аполлон погнался за ней, «словно собака за зайцем». Аполлон был богом-перфекционистом. Во всем, что делал, он достигал совершенства. И бегал он тоже хорошо. Времена были смутные — дикий мир, мир без адвокатов, мир до Харви Вайнштейна и Кевина Спейси. Девушке не приходилось рассчитывать на поддержку в твиттере и щедрые отступные в суде. Поняв, что от погони ей не уйти, Дафна попросила помощи у матери — богини земли Геи. Наверняка Гея могла воздвигнуть на пути Аполлона гору или непролазные кущи или сделать так, чтобы перед ним разверзлась пропасть. Возможно, у нее было специфическое чувство юмора. Или ей просто не хватило времени, чтобы подумать. Гея превратила дочь в лавровое дерево.

Тут, разумеется, возникают вопросы. Аполлон был завидным ухажером — знатные родители, тюнингованные колесницы, пентхауз на Олимпе. Кроме прочего, в отличие от Харви Вайнштейна, он был хорош собой — стоило ли противиться?
На этот счет существует несколько версий. Согласно одной, Дафна хранила обет целомудрия и не собиралась делать поблажек даже Аполлону. Другая утверждает, что конфликт интересов возник по вине Эроса, пославшего Аполлону стрелу любви, а Дафне — стрелу антипатии. Впрочем, возможно решающую роль сыграла личность самого Аполлона — вполне выдающаяся, но слишком противоречивая.

Аполлон не зря носил прозвище Феб — «лучезарный». Он был подобен солнцу: живительному и прекрасному на расстоянии, но смертоносному для всех, кто осмелился подойти слишком близко. В хорошем расположении духа он врачевал болезни, в скверном — насылал на города чуму. Он играл на лире и радовал своим искусством публику при всяком удобном случае. Но с того, кто осмеливался вызвать его на музыкальный поединок, запросто мог, например, содрать кожу.

Аполлон и Марсий. Хосе де Рибера

Как-то Аполлон состязался с неким отважным сатиром в игре на флейте — решить, кто победил, должны были трое судей. Двое благоразумно присудили победу Аполлону, третий — небезызвестный царь Мидас — отдал голос его оппоненту. За это Аполлон наградил его ослиными ушами — бедняга до конца жизни носил тюрбан.

Кроме прочего, Аполлон был феноменально любвеобилен — даже по олимпийским меркам. Девушки, юноши, боги, смертные — кажется, его внимания избежала только лернейская гидра (впрочем, и на этот счет стопроцентной уверенности нет).
К слову, по некоторым данным, Дафна была давней обсессией Аполлона. Однажды он устранил своего соперника — некоего Левкиппа. Тот пытался подкатить к Дафне, переодевшись в женское платье, и Аполлон посоветовал нимфам искупаться голышом: обман был раскрыт, Левкипп — разорван на куски.

В общем, Аполлон был божеством с темпераментом, его ухаживания — чреваты сюрпризами почище, чем превращение в лавр.
Миф об Аполлоне и Дафне не растратил актуальности за тысячелетия. Возможно именно в здешних древесных метаморфозах следует искать причины того, что сегодня недостаток любовного пыла нередко характеризуется словом «бревно». Многие живописцы были очарованы этим сюжетом — кто-то, подобно Поллайоло трактовал его буквально. Кто-то — как метафору недостижимого идеала, вечно ускользающей красоты.

Аполлон и Дафна. Джон Уильям Уотерхаус, 1908

Что касается, заключенной в мифе морали, она очевидна. Не сумев заполучить нимфу, Аполлон воспользовался деревом. Он сделал из его листвы небезызвестный лавровый венок. И превратил свидетельство натурально эпик-фейла в символ абсолютного триумфа. Что позволено божеству, не позволено Вайнштейну.

Автор: Андрей Зимоглядов, artchive.ru

https://zen.yandex.ru/media/artchive/chto-zdes-pro...dafna-5c52e0afc4d55f00ae6c8729

 

 

Райский сад, для написания которого потребовалось два гения и два котика

Единственный недостаток этой картины - среди изобилия трудно заметить котиков. Но мы найдём

Это картина "Райский сад и грехопадение Адама и Евы" из музея Маурицхёс (Гаага). Над ней работали два художника - Питер Пауль Рубенс и Ян Брейгель Старший (по прозвищу Бархатный).

Они были самыми знаменитыми художниками в Антверпене и, вместо того чтобы стать заклятыми врагами, стали сотрудничать. Вместе они создали около двух десятков картин.

Они были очень разными художниками. И каждый на совместных полотнах писал то, в чём был силён.

Разумеется, Рубенс отвечал за пышущие здоровьем человеческие фигуры. Адам и Ева - его рук дело.

Брейгель славился умением изображать пейзажи, животных и выписывать мельчайшие детали на натюрмортах. За всю разнообразнейшую флору и фауну на этой картине отвечал Брейгель.

В райском саду Брейгель изобразил и животных, которые были отлично знакомы европейцам (например, лошадей и собак)...

Вместо того, чтобы указать нам, где на картине сидит котик, собаки заинтересовались утками.

...и диковинных зверей и птиц - павлина, верблюдов, слонов, льва, тигра и леопарда.

Некоторых экзотических животных художник мог видеть (и зарисовать) в зоологическом саду. А некоторых - подсмотреть на картинах других художников.

Разнообразные животные и растения на картине про рай нужны прежде всего для того, чтобы изобразить невероятное изобилие. Но в некоторых из них любопытный зритель может увидеть зашифрованные смыслы. Так, обезьяна символизирует человеческие пороки и глупость, а виноград - это своеобразный "анонс" новозаветных событий: Тайная вечеря с вином и искупительная смерть Христа (виноград рифмуется ещё и с кровью).

Котики, кстати, тоже могут означать грехи и пороки, символизировать дьявола. Но, скорее всего, они тут просто для юмора. И для красоты, конечно:)

Вот первый:

Кажется, лев несколько огорчён тем, что другие звери обратили внимание на какого-то там кота, а не на него.

А вот и второй - он несколько теряется на фоне яркого павлиньего хвоста:

https://zen.yandex.ru/media/art_cats/raiskii-sad-d...otika-5c5b32d34f0ac600ad153c27

Сайт художника
Николая Чукова

• ГАЛЕРЕЯ
• КОНТАКТЫ
• СТАТЬИ

Маша у окна

Дочь Машенька на даче в возрасте, когда кукол сменяют книги. Картина показывает интерьер деревенской мастерской художника. Практически все в ней художник построил своими руками – вплоть до лавок и русской печки собственной конструкции.

http://chukovart.ru/photogallery/masha_u_okna/

 

 

История одного шедевра: сколько девушек на картине «Голубые танцовщицы»?

Друзья! Хочется ввести новую рубрику «История одного шедевра», и я с удовольствием отправляю её на ваш суд. Лёгкие статьи-вбросы об истории создания известных полотен, не отягощенные морем букв. Попробуем? Пишите в комментариях, что думаете по этому поводу. Давайте общаться!

Сегодня гвоздь вечера — «Голубые танцовщицы» Эдгара Дега. Дега — французский импрессионист, на этом, пожалуй, всё.

Мастер света и любитель балетного закулисья (да и сцены тоже, чего уж там). Любитель балерин, одним словом.

А вот как художник сам комментировал происходящее:

«Люди называют меня живописцем танцовщиц. Но им не приходит в голову, что мой интерес к танцовщицам продиктован интересом к движению и красивой одежде».

 

«Голубые танцовщицы» — работа позднего периода творчества Дега, когда у него начало стремительно падать зрение и он писал крупными цветовыми мазками.

Существует версия, что на картине изображены не 4 девушки, а одна в движении. Присмотритесь: вот она наклоняется к пуантам, далее поправляет платье — левая бретель, правая, склоняется, держась за декорацию.

Дега обожал работать с пастелью. У него были свои приёмы (говоря современным языком, лайфхаки): он аккуратно обрабатывал рисунок паром, чтобы придать карандашам мягкость и как бы раскрошить их, растушевать на бумаге. Благодаря этому рисунок в миг приобретал волшебное мерцание. А для блеска Дега замачивал пастель в тёплой воде и использовал для нанесения на холст большую кисть.

https://zen.yandex.ru/media/artplay/istoriia-odnog...scicy-5c30f3df53bb6f00aaaef033

 

 

Обнаженная "Одалиска" Карла Брюллова

Карл Брюллов – жемчужина русской живописи. Нет человека, который бы не видел его "Всадницу", "Последний день Помпеи", "Итальянский полдень" (та картина, на которой итальянка с прекрасным декольте собирает виноград). Ещё одна картина, менее знакомая зрителю, –роскошный "Нарцисс". Прочитать любопытные факты о ней можно здесь.

Впрочем Брюллов – это не только коробка конфет, невинные "Помпеи" и даже вполне себе целомудренное декольте итальянки.

Наш с вами художник коснулся весьма чувственной и смелой темы, которую не обошли стороной Матисс, Франсуа Буше, Жан-Огюст Энгр и даже Ренуар.

Энгр, "Большая одалиска"

Да-да, сегодня речь пойдёт об одной из самых откровенных работ Карла Брюллова – его "Одалиске".

Начну с того, что эта работа хранится в Милане, так что, восхитившись ее красотой и изящными изгибами одалиски, побежать в музей, чтобы увидеть оригинал, не получится. Если вы, конечно, не живете в Милане. Кстати, вдруг среди вас есть те, кто видел картину в живую, напишите впечатления, с удовольствием послушаем! Для всех остальных информация: полотно хранится в Музее современного искусства "Вилла реале" в Милане.

Италия – стала особенным местом для Брюллова, она поразила его, влюбила в себя и оставила гостить на целых 14 (!) лет. А ведь так все невинно начиналось: брат художника – Александр был талантливым архитектором и выиграл грант от "Общества поощрения художников" на посещение Италии, Карл поехал с ним, а вернулся в Россию только спустя 14 лет.

Из Италии Брюллов путешествовал в Грецию и Турцию, и они также оказали влияние на его работы в определенный период творчества. Так была написана и наша с вами "Одалиска". Ведь одалиски – это наложницы, прислужницы в гареме. Они тонки-звонки, покорны, чувственны и, как следствие, необыкновенно поэтично изображаются художниками в своих произведениях.

Петербургское сообщество относилось к Брюллову благосклонно, он и по сей день остается одним из самых популярных русских художников, но итальянцы полюбили русского живописца с неимоверной силой! Даже сейчас 1/3 опрошенных жителей Италии с гордостью называют Карла итальянским художников. Ну не драться же с ними? Сойдёмся на том, что Карл Брюллов стал русско-итальянским достоянием, и помнят о нём далеко за пределами нашей страны.

https://zen.yandex.ru/media/artplay/obnajennaia-od...ullova-5bd3faa668be0c00aa8b289

Все художники

Оболенский Михаил Васильевич (1896 - 1979)

Оболенский М. В. "Крым." 1972г., масло, холст
60 x 80

250,000 руб. Купить картину

Оболенский М. В. "Горный пейзаж." 1957г., масло, картон
24 x 34

45,000 руб. Купить картину

Оболенский М. В. "Цветущий персик." 1958г., масло, картон
24 x 34

55,000 руб. Купить картину

Оболенский М. В. "Лесная чаща" 1961г., масло, картон
24 x 34

25,000 руб. Купить картину

Оболенский М. В. "Берег моря." 1964г., масло, картон
25 x 34,2

55,000 руб. Купить картину

Оболенский М. В. "Залив." масло, картон
20 x 33,4

Оболенский М. В. "Пейзаж с деревом." масло, картон
24 x 33

Оболенский М. В. "Деревенский пейзаж." 1970г., масло, картон
25 x 34,5

Радимова Т. П."Солнечный день."Купить картину

Витинг Н. И."Рябина"

Черемных М. М."Где у нас в городе не скользко?"

Шишкин И. И."Зимний лес"http://www.artpanorama.su/?category=artist&id=558&show=short

 

 

Горячий шоколад: Ли Прайс

Ли Прайс – американская художница из Нью-Йорка, которая занимается фигуративной живописью и создает нежные работы в пастельных тонах, направленные на исследование аспектов женской природы.

Горячий шоколад

В своих работах Ли пытается передать, свойственное женщинам потребность заботиться о других прежде, чем о себе.

«В основном я делаю автопортреты. В своих работах я пытаюсь показать некоторое смятение. Показать то состояние, когда реальность становится слишком некомфортной для нас и, что мы с этим делаем. Порой эти действия повергают нас в ещё больший дискомфорт, но я стараюсь не концентрироваться только на негативном аспекте, но и показать положительную сторону этого побега... но в большей степени его абсурдность.»

Лиза в ванной с шоколадным тортом

Многие задаются вопросом: почему на картинах почти всегда действие происходит на кровати или в ванной комнате? Потому что, именно эти места являются привычным местом уединения для еды.

Закуски

Ведь многие женщины, воспитанные родителями, а затем обществом, заботятся в первую очередь о других, потом о себе. Поэтому приходятся подавлять многие свои желания, свой аппетит, и лишь затем, в тайне ото всех потакать своим слабостям. Конечно, можно это применить не только к еде, ко многим слабостям , в общем-то, любого человека.

Интимность обстановки подчеркивает секретность компульсивного поведения, где окружающая среда ставит акцент на абсурдности ситуации.

Спящая

Масло

Картины Ли показывают нам, что еду мы наделяем качествами, не присущими ей, люди ищут утешение в неподходящем источники, пытаясь убедить себя, что временное облегчение, полученное человеком, будет бесконечно долгим и поможет избежать неприятных чувств. На самом деле оказывается, что человек продляет и усиливает свои страдания.

Мороженое ll

В большинстве работ на картинах отсутствуют лица женщин – это прием использует художница, чтобы показать постыдность таких поступков.

О своем выборе карьеры художника Ли говорит следующее: "Мои мысли мотивируют меня к творчеству. Я думаю, суть искусства именно в этом. Если у вас есть что сказать, вы должны найти способ сказать это и вы просто обязаны СКАЗАТЬ. И у меня есть мысли, которые лично мне кажутся очень важными. Но более важно, что я чувствую отдачу и важность этого для других. Искусство - это способ единения с людьми."

Утешение

Спящая с персиками

Бульон

https://zen.yandex.ru/media/id/5b32118699eaf400a90...60d7e12fa300aac1969b?from=feed

Женщины в картинах знаменитых зарубежных художников (более 100 картин)

Разное → Культурное наследие

 

Приближается Международный Женский День, и поэтому свою публикацию я хочу посвятить милым и очаровательным женщинам — ведь без них человечество просто не существовало бы. В этой публикации вы сможете увидеть женщин разных эпох, народов, национальности, возрастов, социального и семейного положения, взглядов на мир, реальных и вымышленных, таких, какими их видели запечатлевшие их художники, и какими они притягивали восхищенные взгляды зрителей в свое время и продолжают притягивать много веков спустя.

Рафаэль Санти “Дама под покрывалом (Донна Велата)”


Джон Уильям Уотерхаус “Прекрасная Розамунда”


Джеймс Эббот Макнил Уистлер “Каприз в пурпурном и золотом”


Франческо Айец “Певица Матильда Джува-Бранка”


Клод Моне “Дама в саду”


Гюстав Моро “Единороги”


Фредерик Лейтон “Девушка кормящая павлинов”


Эдгар Дега “Балет”


Альфонс Муха “Зодиак”


Клод Моне “Женщина с зонтиком”


Огюст Ренуар “Большие купальщицы”


Поль Гоген “Таитянские пасторали”


Джованни Больдини “Прогулка в парке”


Франц Винтерхальтер “Княгиня Татьяна Александровна Юсупова”


Огюст Ренуар “Зонтики”


Жан Огюст Доминик Энгр “Портрет графини Луизы д'Оссонвиль”


Гюстав Моро “Галатея”


Александр Кабанель “Рождение Венеры”


Альфонс Муха “Зима”


Альфонс Муха “Осень”


Альфонс Муха “Лето”


Франц Крюгер “Портрет императрицы Александры Федоровны”


Джеймс Тиссо “Девушки, разглядывающие японские безделушки”


Данте Габриэль Россетти “Возлюбленная (Невеста)”


Гюстав Курбе “Женщина с попугаем”


Джеймс Эббот Макнил Уистлер “Симфония в белом”


Гюстав Курбе “Девушки на берегу Сены”


Эдуард Мане “Бар в Фоли-Бержер”


Жан Огюст Доминик Энгр “Портрет мадам Инес Муатесье”


Поль Гоген “Ее звали Вайраумати”


Фредерик Лейтон “Пылающий июнь”


Иоганн Фредерик Овербек “Италия и Германия”


Жан Огюст Доминик Энгр “Жанна д'Арк на коронации карла 7 в реймсском соборе 17 июля 1429 года”


Джон Уильям Уотерхаус “Магический круг”


Жан Огюст Доминик Энгр “Большая одалиска”


Клод Моне “Камилла Моне в японском костюме”


Эдуард Мане “Олимпия”


Джеймс Тиссо “В ожидании парома”


Гюстав Моро “Саломея танцующая перед Иродом”


Энтони Сэндис “Фея Моргана”


Адольф Бугро “Рождение Венеры”


Джон Уильям Уотерхаус “Леди Шалот”


Никола Ланкре “Портрет танцовщицы Камарго”


Питер Рубенс “Вирсавия возле фонтана”


Джорджоне “Спящая Венера”


Антонис ван Дейк “Портрет маркизы Елены Гримальди Каттанео”


Лукас Кранах старший “Венера и Амур”


Себастьяно Риччи “Диана и Каллисто”


Томас Гейнсборо “Портрет достопочтенной миссис Грэм”


Франсиско Гойя “Зонтик”


Никола де Ларжильер “Элизабет Трокмортон”


Ангелика Кауфман “Портрет дамы в образе Венеры”


Ян Вермер “Молочница”


Жан Оноре Фрагонар “Молодая девушка за чтением”


Караваджо “Святая Екатерина Александрийская”


Аньоло Бронзино “Портрет Элеоноры Толедской с сыном Джованни”


Тициан “Венера Урбинская”


Якопо Амигони “Юпитер и Каллисто”


Леонардо да Винчи “Дама с горностаем”


Жан Оноре Фрагонар “Качели”


Франсуа Буше “Туалет Венеры”


Жан-Батист Шарден “Молитва перед обедом”


Франсуа Буше “Юпитер и Каллисто”


Франсуа Буше “Туалет Венеры”


Диего Веласкес “Венера перед зеркалом”


Франсуа Буше “Диана после купания”


Иоганн Баптист Лампи старший “Портрет императрицы Екатерины II с аллегорическими фигурами Крепости и Истины


Тициан “Даная”


Уильям Хогарт “Портрет Мэри Эдвардс”


Корреджо “Юпитер и Ио”


Ян Вермер “Молодая женщина с кувшином”


Ян Госсарт “Даная”


Ян ван Эйк “Портрет Маргариты ван Эйк”


Ян Вермер “Девушка с жемчужной сережкой”


Франсиско Гойя “Маха обнаженная”


Питер Рубенс “Соломенная шляпка (Сусанна Фоурмен)”


Мартен ван Хемскерк “Портрет Анны Кодде”


С. Кендрик «Зимняя роза»


Леонардо да Винчи “Мона Лиза”


Пьеро ди Козимо “Портрет Симонетты Веспуччи”


Аньоло Бронзино “Портрет Лукреции Панчатики”


Рембрандт “Даная”


Франсуа Буше “Отдыхающая девушка”


Сандро Боттичелли “Рождение Венеры”


Ян Сиберехтс “Пастушка”


Симон Вуэ “Аллегория богатства”


Тициан “Венера перед зеркалом”


Петрус Кристус “Портрет девушки”


Рафаэль Санти “Поэзия”


Леонардо да Винчи “Леда с лебедем”


Леонардо да Винчи “Портрет Беатриче д'Эсте”


Клод Моне “Девушки в лодке”


Леонардо да Винчи “Женщина с распущенными волосами”


Рубенс “Портрет Елены Фоурмен”


Рафаэль Санти “Портрет Иоанны Арагонской”


Рафаэль Санти “Портрет молодой женщины с единорогом”


Рафаэль Санти “Портрет Элизабет Гонзаго”


Сандро Боттичелли “Весна”


Сандро Боттичелли “Женский портрет”


Сандро Боттичелли “Портрет Симонетты Веспуччи”


Рубенс “Портрет Марии Серра Паллависи”


Рафаэль Санти “Портрет Маддалены Дони”


Клод Моне “Дамы в саду”


Сандро Боттичелли “Возвращение Юдифи”


Леонардо да Винчи “Портрет Джиневры де Бенчи”


Рафаэль Санти “Донна Гравида”


Рубенс “Туалет Венеры”


Леонардо да Винчи “Портрет Лукреции Кривели”


Леонардо да Винчи “Леда”


Клод Моне “Читатель”


Рубенс “Шубка”


Рафаэль Санти “Портрет дамы”


Леонардо да Винчи “Голова девушки”


Франц Винтерхальтер “Императрица Евгения в окружении фрейлин”

 

 

 

https://babiki.ru/blog/kulturnoe-nasledie/39336.htm

7 ноября 201822:01 Ася Емельянова

"Демон" и еретический Иисус: выставка в Ватикане

•  
• 1
•  
•  
•  

19 ноября в соборе Святого Петра в Ватикане тысячи людей со всего мира смогут увидеть уникальные картины и иконы из музеев Москвы, Иваново, Нижнего Новгорода и Перми. Специальный и сложнейший проект Минкульта и Третьяковской галереи по отправке русских шедевров стал возможен благодаря содействию фонда "Искусство, наука и спорт" Алишера Усманова. Как проходили транспортировка и монтаж?

Ну, что с ним, с "Демоном", могло случиться в дороге? Не подменили же? Но первое, что проверяют кураторы, "почерк на бумаге – наш", инвентарный номер совпадает – "5600" — и только теперь, не дыша, с фонариком изучаем каждую трещинку.

К путешествию "Демона" готовили — укрепляли красочный слой. Картина сложная — трещины и расслоение. Врубель много раз ее переписывал. И не просто переписывал – соскабливал. Десятки раз.

Ревизию проводят вместе реставраторы России и Италии, сверяясь с каждой строчкой в отчете. Читаем: "Участки механического кракелюра местами с приподнятостью краев стабильны. Ярко выраженный слом по внутреннему ребру нижней планки подрамника, правее фигуры участки сломов с единичными мелкими утратами. Вертикальный потек пожелтевшего лака. Третьяковка сдала. Ватикан принял.

А за нашими иконами будут следить специальные датчики. 19 климатических витрин заказали в Германии к этой выставке. Правильная влажность — 50%. Это же дерево. "Троица". Паисий. XV век! Каждый ящик — по размеру, чтобы не "напрягать" икону, крепления укутаны войлоком. Сделано все, чтобы иконам было комфортно.

Комфортно будет и зрителю — стекло на всех картинах и витринах — антибликовое и антивандальное. С охраной в Ватикане — полный порядок. Крыло Карла Великого с шедеврами Третьяковки охраняет швейцарская гвардия .

Переносимся в Москву, в Третьяковку, ведь год готовились, решали, чем можно ответить на Рафаэля, на Караваджо, на Беллини — шедевры Пинакотеки Ватикан привез в 2016-м. Ответный визит готовили вместе с вятским музеем, Музеем Рублева, пермской галереей и многими другими.

Некоторые работы никогда не покидали Россию. "Неутешное горе" Крамского, к примеру, в том числе и из-за своих размеров: работа такая огромная, что в Рим ее отправляли в двух ящиках, — отдельно холст и раму.

За финансирование этого бесценного проекта и каталога снова отвечал благотворительный фонд Алишера Усманова "Искусство, наука и спорт". С Третьяковкой фонд связывают 12 лет дружбы и сотни проектов.

Мы снова в Ватикане. Проверяем, каков он, эффект "Демона", опрашиваем первых зрителей, но сначала – охрану и техперсонал. Это только кажется, что в искусстве они не понимают.

Зрителя заставят поработать: коридор Бернини — под наклоном. "Паломничество" — так на итальянский перевели название выставки — нужно будет совершить. С куратором и автором экспозиции Аркадием Ипполитовым идем между ящиков. Поворачиваем голову направо, налево, читаем композицию. Отказавшись от хронологического подхода, он создавал пары, заставляя XV век вступать в диалог с XIX. Малевич здесь рядом с со "Страшным судом" XVI века и еще непонятно? кто более авангарден. Петров-Водкин рядом сj святым Георгием — небесным покровителем России.

Центр экспозиции — "Христос в темнице" (XVIII век) — по сути еретический образ, ведь объемные изображения Иисуса были запрещены. Крутимся, цепляем взглядом "Христа в пустыне" Крамского и портрет Достоевского, нащупываем аналогии. Разгадывать эти головоломки страшно и интересно. Директор музеев Ватикана Барбара Йатта — русская по бабушке — не может дождаться, когда закончат монтаж, чтобы лично пройтись по коридору Карла Великого.

"Я заинтригована. Увидела краем глаза некоторые вещи, которые кураторы решили повесить вместе, которые кажутся, на первый взгляд, несовместимыми. Но когда их видишь вместе, понимаешь, почему они это сделали", — сказала Йатта.

Выставка — бесплатная. Она останется в Италии до февраля. Русский путь от Дионисия до Малевича проделают миллионы человек, ведь музеи Ватикана — одни из самых посещаемых в мире.https://www.vesti.ru/doc.html?id=3084282&cid=7

Откровенный художественный шедевр Жана Энгра. «Одалиска с рабом»

Весьма откровенный художественный шедевр под названием «Одалиска с рабом» был создан выдающимся французским живописцем Жаном Огюстом Домиником Энгром в 1839 году.

В настоящее время Энгр считается лидером европейского академизма XIX века, а картина «Одалиска с рабом» одной из лучших работ мастера и общепризнанной классикой.

Но какая же история предшествовала созданию этого знаменитого произведения искусства?

«Одалиска с рабом» (первая версия), 1839 год.

Картина является ярким примером ориентализма (экзотических традиций свойственных восточному мировоззрению) с европейской спецификой.

На холсте изображена обнаженная одалиска (наложница), музыкант и раб евнух в интерьере гарема.

За свою долгую карьеру Энгр изобразил множество сцен происходящих в гаремах. Первой подобной работой мастера стала «Большая одалиска», созданная в 1814 году.

«Большая одалиска». Энгр, 1814 год.

Примечательно, что сам Энгр никогда не бывал на Ближнем Востоке и вообще не имел реального представления о восточных традициях.

«Одалиска с рабом» изображает лишь воображаемую сцену, написанную в Риме, где художник жил с 1835 по 1841 год, являясь директором местной художественной академии.

Но откуда же художник взял сами образы героев картины?

Ключевой фрагмент картины с изображением наложницы.

Считается, что одалиска (наложница) была написана по мотивам предыдущих работ мастера.

Изображение музыканта создавалось в студии, где художнику позировал специально приглашенный мужчина-модель.

Остальные же детали были заимствованы из гравюр (в XIX веке подобным образом поступали многие европейские художники).

Энгр работал над картиной со свойственной ему заботой и даже привлекал для ее создания некоторых своих учеников в качестве помощников.

Одним из них был Раймонд Бальце (также ставший в последствии достаточно известным художником), который впоследствии писал о своем опыте работы:

Энгр начал свои исследования с природы и подготовил набросок на холсте. Потом заставил учеников проработать менее важные детали, такие как архитектурные элемента, мозаика, ковры, мебель и инструменты... Затем все, закончилось фигурами и гармонизированием композиции, которую Энгр выполнил лично.

В сентябре 1840 года картина была доставлена в Париж, где получила крайне положительные отзывы критиков.

«Одалиска с рабом» (вторая версия), 1842 год.

Произведение стало столь популярно, что в 1842 году Энгр с помощью двух своих учеников создал вторую версию картины, на которой изображенные события происходят не в помещении, а на открытой веранде.https://zen.yandex.ru/media

Обнаженная святая и другие тайны, скрытые в художественном шедевре Тициана

Библейская история Марии Магдалины является очень известной. И сама Мария включена в пантеон наиболее почитаемых христианских святых.

Ее жизнь и личность неизменно связаны с Иисусом Христом.

Именно она осталась у креста после Его смерти, принимала участие в похоронах, и пришла к гробнице после воскресения Иисуса, первой увидев ее пустой.

Мария Магдалина и Христос.

Ее образ и история на протяжении веков вдохновили многих художников.

История молодой женщины, которая в желании избавиться от грехов ушла в пустыню молился Богу, стал главной темой трех картин известного художника венецианского ренессанса Тициана.

Удивительно, что Тициан изображает святую в том числе и достаточно вызывающе, полуобнаженной.

Но почему же известный мастер XVI века показал святую в столь, мягко говоря, неподобающем виде и какие еще тайны скрыты в изображении?

Все три картины представляют собой сцену молящиеся женщины на фоне пейзажа. Изображения кающейся Марии Магдалины возникла в кульминационный момент творчества Тициана и считаются истинным отражением его творческого мастерства.

Тициан изображает Марию, как молодую и очаровательную девушку.

Распущенные длинные волосы спадают на плечи, залитые слезами глаза полны смирения и ожидания некого чуда.

Опухшие губы, руки прижатые к груди свидетельствуют о глубоких переживаниях и чувствах из самой глубины человеческой души.

В целом ее лицо изображено в порыве благочестиво сожаления.

Примечательно, что на менее вызывающих вариантах картины за фигурой святой можно заметить темную скалу и мрачное небо.

В правом нижнем углу перед Марией череп, а на нем открытая книга - символы веры и быстротечности человеческой жизни.

Но почему же в одной из вариаций картины Мария изображена с обнаженной грудью (на других же она лишь слегка прикрыта)?

По мнению современных искусствоведов, полуобнаженный образ молодой женщины вполне сочетается с представлениями об идеальной красоте человека эпохи Возрождения.

Тициан старается привлечь внимание к девушке, заставить зрителя икать детали и в то же время добавляет в каждую из картин окружающие предметы по библейским мотивам, дополняя произведения особой историей.

В отличие от работ флорентийских мастеров кисти, чья основная цель заключалась в захвате форм, Тициан, кроме передачи идеальных человеческих пропорций, уделяет большое внимание цветам и способу нанесения красок на холст.

Тонкие цветовые тона, игра света и тени, создают особо впечатляющий художественный образ, моментально захватывая зрителя.

А обнаженность же является лишь способом привлечения внимания.

https://zen.yandex.ru/media/zodchestvo/obnajennaia...ciana-5b659447505f6500a95d4d5b

Непростая история создания картины «Спящая Венера»

«Спящая Венера» кисти одного из величайших мастеров эпохи Возрождения Джорджо Барбарелли да Кастельфранко (более известного как Джорджоне) веками привлекает внимание, как обычных людей, так и многочисленных исследователей.

Работа окутана огромной таинственностью, особенно с учетом того, что Джорджоне умер раньше, чем картина была завершена.

До недавнего времени существовало великое множество научных теорий касательно авторства картины, так как достоверно известно, что сам автор умер не успев закончить шедевр.

Автопортрет Джорджоне, 1508—1509 год.

Считается, что ландшафт и небо были позже закончены Тицианом, который в 1534 году нарисовал «Венеру Урбинскую» и еще несколько других, весьма похожих на «Спящую Венеру» лежащих обнаженных женщин.

Тициан. «Венера Урбинская», 1538 год.

Приобретенная в 1695 году правителем Саксонии Августом Сильным, она часто упоминалась современниками именно как «знаменитая Венера лежащая в пейзаже Тициана».

Описывавший «Спящую Венеру» в 1525 году Маркантонио Микель упомянул, что рядом с Венерой также был изображен Купидон.

Однако, взглянув на картину, мы его так не увидим.

Но куда же он мог исчезнуть?

Проведенное в начале XXI века исследование картины в инфракрасной области спектра позволило выявить еще ряд удивительных, но тщательно скрытых особенностей.

Под несколькими слоями краски был действительно изображен Купидон со стрелами, что придавало первоначальному варианту картины гораздо больший эротизм.

В окончательном же варианте работы он достигается за счет поднятой правой руки Венеры и расположения левой руки между ног.

Инфракрасное исследование также показало, что картина неоднократно переписывалось и помимо Джорджоне и Тициана над ней, по всей видимости, работал еще один, ныне неизвестный автор.

Вклад в пейзаж «Спящей Венеры» особенно заметен при сравнении с фрагментом его известного произведения «Любовь небесная и Любовь земная».

Несмотря на то, что картина называется «Спящая Венера», загадкой остается то, действительно ли на ней изображена богиня любви и красоты.

История о Венере спящей в саду, встречается еще в римских поэмах, но Джорджоне не оставил ни каких записей относительно своего замысла.

Фрагмент фрески с изображением Венеры из Помпеи, I век нашей эры.

Несомненно, изображенная девушка выглядит прекрасно, однако загадкой остается то, почему же Тициан и другие художники завершавшие картину убрали с нее ряд первоначальных элементов, сделав обнаженную фигуру доминантой в крайне минималистическом окружении.

https://zen.yandex.ru/media/zodchestvo/neprostaia-...05f6500a95d557d?&from=feed

Почему откровенное изображение «Венеры перед зеркалом» Диего Веласкеса считается нетрадиционным

Картина «Венера перед зеркалом», написанная выдающимся живописцем Диего Веласкесом в период между 1647-1651 годом, считается одним из известнейших произведений испанского Золотого века.

Богиня изображена лежащей на кровати в достаточно откровенной позе, перед зеркалом, которое держит Амур.

И несмотря на то, что тема произведения является достаточно распространенной и явно мифологической, само изображение богини является абсолютно нетрадиционным.

Но что же не так с этим откровенным шедевром?

С древних времен изображение богини Венеры со спины было достаточно популярным мотивом для многих произведений античности.

Примечательно, что при столь откровенном виде богини, ее ноги практически всегда изображались согнутыми в коленях, а любые мифологические атрибуты вовсе отсутствовали.

Копия традиционной римской статуи Венеры.

Однако в отличие от большей части более ранних портретов Венеры, на которых она блондинка, Венера Веласкеса, - это брюнетка.

Само же произведение впервые было описана как «голая женщина».

Вероятно из-за его спорного характера, ведь саму женскую фигуру можно определить как Венеру лишь из-за присутствия Амура, который на удивление изображен без таких традиционных атрибутов, как лук и стрелы.

Круглолицый Амур выглядит достаточно вульгарно и держит в руках шелковую ленту, символизм которой так и не был однозначно определен историками искусства.

Но, как правило, считается, что это своего рода символ уз любви и борьбы за красоту.

По другой версии, лента является символом оков, что находит подтверждение в тоскливом выражение лица Амура.

Но самым неоднозначным и при этом ключевым элементом в понимании картины является зеркало, которое держит Амур.

Богиня смотрит на зрителя именно через него и только в размытом зеркальном отражении мы можем увидеть ее лицо.

Само размытое изображение не только весьма нехарактерно для стиля барокко, но и противоречит традиционной иконографии богини, поскольку Венера - это богиня красоты, но в размытом отражении этот факт не вполне очевиден.

Внешний вид размытого лица приводит лишь к мысли, что вместо идеала красоты перед нами самая обыкновенная и даже некрасивая женщина.

Именно лицо Венеры является главным скрытым смыслом картины, который несмотря на многочисленные исследования так и не был разгадан.

Некоторые критики объясняют его как своеобразный намек на лживость красоты, однако истинный символизм, по всей видимости, был известен лишь самому художнику.https://zen.yandex.ru/media/zodchestvo/pochemu-otk...e91e41e36100a9990ed0?from=feed

15 интимных иллюстраций о любви, которые заставят вас немного покраснеть

Одна корейская девочка очень любила смотреть мультики и уже в 4 года начала рисовать. Повзрослев, Ян Сэ Ын (Yang Se Eun) прославилась своими иллюстрациями про любовь и интимные отношения одной пары. Кореянка рисует в Photoshop и публикует своё творчество под псевдонимом Zipcy.

«Иногда один рисунок занимает день-два. Однако с некоторыми иллюстрациями я могу просидеть неделю. Самое лёгкое для меня — нарисовать черты лица, самое сложное — глаза, которые должны буквально светиться от любви», - рассказала художница, на Инстаграм которой подписались более полумиллиона человек..

 

Источник →

Ключевые слова: Общество

Опубликовано 27.06.2018 в 13:23

22 шедевра живописи в стиле ню

Многие считают, что современное поколение очень развращено по сравнению с предыдущими, подкрепляя это тем, что девушки выставляют в социальных сетях слишком вызывающие снимки. Однако женское тело во все времена было предметом вдохновения и объектом желания для художников, поэтов и музыкантов.

Больше всего живописи в стиле ню подарила нам эпоха Возрождения. Однако мастера живописи более позднего периода воспевали красоту женского тела не хуже своих предшественников.

Жюль Жозеф Лефевр «Мария Магдалина в гроте» (1836)

Владислав Подковинский «Женский оргазм» (1894)

Джон Кольер «Леди Годива» (1898)

 

Андерс Цорн «В лодке Вернера» (1917)

Андерс Цорн «Размышления» (1889)

Зинаида Серебрякова «Баня» (1913)

«Лежащая обнаженная» (1935)

 

«Спящая натурщица» (1941)

Герберт Джеймс Дрейпер «Гора туманов» (1912)

Борис Кустодиев «Русская Венера» (1925–1926)

Игорь Эммануилович Грабарь «Флора» (1926)

Александр Михайлович Герасимов «Деревенская баня» (1938)

Аркадий Александрович Пластов «Трактористки» (1943)

Пал Фрид «Обнаженная»

Стив Хэнкс «Контуры» (1999)

«Солнечная сюита» (1999)

Владимир Гусев «Удивление» (2002)

Алисса Монкс «Добро пожаловать» (2006)

«Пресс» (2006)

Гарри Холланд «Обнаженная» (2012)

«Обнаженный твист» (2012)

Александр Луфер «Три грации» (2002)

 

 

Источник

Ключевые слова: живопись, интересно, картины, невероятно, ню, удивительно, эротика

Опубликовал Daniel , 02.12.2016 в 12:01