(и еще 543 записям на сайте сопоставлена такая метка)
Другие метки пользователя ↓
алла пугачёва анастасия волочкова артефакты баня владимир путин воронцовы звёздная жизнь звёздные дети звёздные скандалы звёздный скандал звёздный стиль звёзды звёзды без комплексов звёзды без комплексов звёзды в купальниках звезды история история кино история моды история нравов их нравы конкурсы красоты коронавирус ксения собчак купальник курорты курорты мира максим галкин мир живописи мир девушек мир девушки мир женской моды мир женщины мир живописи мир животных мир жмвописи мир фото мир фотографий мифология модельный бизнес полезная информация полезные советы приколы прикольно рпц усадьбы филипп киркоров чп шоу-бизнес это интересно
Удивительная судьба девочки с картины «Утро». |
Дневник |
270
10
4675 подписчиков
Елена с картины Т. Яблонской
Когда история жизни девочки стала доступна общественности, о работе вновь заговорили. И не удивительно, ведь картина, которую девочка слегка стеснялась, определила ее судьбу и привела к весьма счастливым обстоятельствам.
Действительно, картина «Утро» – образчик соцреализма. Это солнечное и прекрасное произведение о юности, красоте, любви к жизни и надеждам на светлое будущее. Но за пределами холста у юной героини было все немного иначе.
Татьяна Яблонская. Утро. 1954
Девочка со страницы школьного учебника, о которой гадали и сочиняли поколения школьников, на самом деле дочь художницы – Лена. А за гранью ее светлого счастливого мирка довольно суровая реальность: бедная коммуналка, мать в разводе и всё в таком духе. Лена о жизни не особо распространялась и домой не водила друзей, смущаясь скромного быта. Но пример матери ее вдохновил, она тоже решила связать жизнь с искусством.
Лена с мамой-художницей Яблонской
На другом конце страны – в Алма-Ате юный художник Арсен восхищался Леной, точнее, ее солнечным образом на маленькой репродукции на стене. Это было нечто вроде юношеской влюбленности в недосягаемый идеал, и он возил репродукцию с собой повсюду. Взял ее и в Москву, поступая в художественное училище.
Но эта история не была бы столь удивительной, если бы Лена и Арсен не встретились в Москве, обучаясь вместе в художественном. Это похоже на чудо, но когда Арсен показывал ей эту репродукцию, которая его так вдохновляет, Лена смутилась и призналась, что это она и есть. Сохранить такую деталь биографии было несложно, ведь она не носила фамилию матери.
Такое невиданно совпадение еще больше сблизило молодых людей – дружба перешла в роман, а затем в крепкий многолетний союз. Пара уехала в Казахстан.
Фото Арсена из семейного архива Лены
Сорок лет пролетели один счастливым мгновением. Говорят, они любили друг друга невероятно. А, значит, Лена все же не повторила судьбу матери, разведенной с художником. Напротив! С Арсеном они шли по жизни легко и радостно, занимались иллюстрацией детских книг и мультфильмов. Воспитали сына. А в 2000 году Арсен ушел из жизни, и фея утреннего света осталась одна.
Фрагмент работы
Лена в той самой комнате. Фото: Пересъемка Алмаза ТОЛЕКЕ
Репродукцию «Утра», конечно, затеряли в переездах. Но для Елены была милее другая работа с ее изображением. Это портрет, который набросал муж, подписав на обороте: «Я тебя люблю. Ты этот рисунок не выкидывай».
https://zen.yandex.ru/media/id/5d5a93c8d11ba200ad9...-s-kartiny-utro-5f3e57add42285
|
Метки: мир живописи |
Художники Диана и Анатолий Коробкины: лирика реализма |
Дневник |
194
21
28 685 подписчиков
Она — мастер мгновенного впечатления, сложной формы и изящного оттенка. Её кисть стремительна и легка, выходящие из-под неё текстуры — до непредсказуемости разнообразны.
Диана Коробкина,«Гончие», 2012, холст, масло, 30×60
Диана Коробкина,«Тройка», 2018, холст, масло, 82×116
Диана Коробкина, «Зимний простор», 2018, холст, масло, 50х90
Что не мешает им органично соседствовать и отчётливо «перекликаться», располагаясь на удалённых участках и планах произведения. Разнесённые в пространстве объекты «встраиваются» в единый «ансамбль», «синхронизируется» ритм, темп и тембр живописного повествования. И всё это — благодаря таланту нашей героини, позволяющему поставить сильнейшие стороны импрессионизма на службу преимущественно реалистическим, фигуративным композициям.
Диана Коробкина,«Маки», 2012, холст, масло, 30х60
Диана Коробкина,«Вечерний луч», холст, масло, 60х80
Диана Коробкина,«Одуванчики», холст, масло, 30х60
Диана Коробкина,«Портрет Евы», холст, масло
Он — верный адепт реализма, мастер портретной живописи и жанровых зарисовок. Выразительность и достоверность мимики и жеста, всегда безупречный выбор ракурса и безошибочная «расстановка» доминант — его «визитные карточки».
Анатолий Коробкин, «В церковной ограде»,холст, масло, 45×55
Анатолий Коробкин, «Осенние листья», 2008, холст, масло,30×40
Анатолий Коробкин, «Вечерняя радуга», 2010, холст, масло, 50×80
Впрочем, всё перечисленное — своего рода «обязательный минимум», который ждёшь от выпускника Российской Академии живописи, чьё профессиональное становление происходило в мастерской Ильи Сергеевича Глазунова. Однако, ни один, даже наивеличайший педагог мира, не смог бы научить нашего героя вселять тихую печаль в подёрнутые пеленой воспоминаний глаза стариков.
Анатолий Коробкин, «Портрет», холст, масло,70×60
Не рассказал бы о том, как заставить зрителя буквально «слышать» колокольный звон и скрип санных полозьев, любуясь старинным городским пейзажем.
Анатолий Коробкин, «Перед Рождеством», холст, масло, 60×80
Как совместить вожделенную хрупкость и холодную отстранённость в нервном движении обнажённых девичьих плеч...
Анатолий Коробкин, «Маленькое зеркало», холст, масло, 65×75
Чтобы написать такое — нужно прожить, прочувствовать, постичь до конца тот миг, который после станет сюжетом новой картины.
Анатолий Коробкин, «Нефритовое ожерелье»,холст, масло,55×80
Нужно отметить: по меркам мира изобразительного искусства наши герои ещё совсем молоды. Он — 1974 года рождения, она — 1980. Но уже сегодня о них вполне уместно отзываться как о тех самых художниках, которые наряду с более опытными, именитыми и (так сказать) «титулованными» коллегами развивают лучшие традиции отечественной школы изобразительного искусства. Более того: их творческий дуэт — настоящая «жемчужина» современной русской живописи.
Точнее: «жемчуг» до поэтичности утончённого таланта Дианы, оправленный в «золото» психологизма и техничности Анатолия. Возможно, этот факт покажется некоторым нашим коллегам несколько спорным, но сами мы твёрдо убеждены: оба художника (осознанно или нет — не суть важно) почерпнули немало нового в творчестве друг-друга. По крайней мере — в тех его аспектах, которые касаются «свежести» взгляда на ставшие «привычными» темы; нового «угла зрения» на ранее «отрефлексированный» материал...
Анатолий Коробкин, «Обнаженная под солнечным светом», холст,масло,50×70
Анатолий Коробкин,«Утро», холст, масло, 120×80
Анатолий Коробкин, «Осень», 1999, холст, масло, 60×70
Подводя некоторый итог сказанному: сегодня многие работы четы художников Коробкиных находятся в престижнейших частных собраниях. А их творческие планы позволяют надеяться на то, что мы ещё не раз удивимся, восхитимся и глубоко задумаемся, путешествуя взглядом по их уникальным живописным мирам.
Анатолий Коробкин, «Туманное утро», холст, масло, 65х75
Диана Коробкина, «Русское поле», 2018, холст, масло, 60х100
https://zen.yandex.ru/media/zhivopis/hudojniki-dia...lizma-5fb37fe5f6872f437e5a1a1e
|
Метки: мир живописи |
Художница из Японии Чи Йоши: невинные представительницы прекрасного пола |
Дневник |
66
3
1960 подписчиков
Сегодня речь пойдет о современной художнице из Японии Чи Йоши, которая пишет удивительные картины в сюрреалистичном стиле.
Чи Йоши родилась в небольшом японском городке Кочи в 1974 году. Ее родной город славится традиционной японской атмосферой, которая и вдохновляла юную художницу.
Восточные храмы, традиционные замки, расписные кимоно местных жителей нашли отражение в творчестве Чи Йоши.
Чтобы получить высшее образование, девушке пришлось перебраться в Соединенные штаты Америки, там она в начале двухтысячных годов получила звание бакалавра искусств в художественном колледже города Массачусетс.
Затем Чи Йоши долгие шесть лет обучалась художественному делу у мастера, пишущего в реалистичном стиле, Адриана Готлиба.
Обучение у известного художника позволило девушке отточить мастерство и сформировать собственный стиль, работать в котором доставляло бы удовольствие.
В родные края девушка решила не возвращаться. Сейчас она по-прежнему живет и творит в США, в Лос-Анджелесе.
Картины Чи Йоши завоевали множество наград и премий на международных конкурсах, стали участниками большого количества масштабных выставок.
Работы художницы можно увидеть во всемирно известных галереях по всему земному шару.
Несмотря на то, что большая часть полотен художницы находится вне времени и пространства, сам автор успешно пользуется благами цивилизации.
Девушка – активный пользователь социальных сетей, она продвигает свои работы в Инстаграм и Facebook.
Количество подписчиков неуклонно растет. Это весьма удобно, людям уже не обязательно посещать выставки и музеи, покупать журналы и прочее, достаточно просто включить гаджет и можно любоваться творчеством любимых мастеров.
Девушка предпочитает писать картины маслом, оно идеально подходит для воплощения фантазий художницы.
Ее сюрреалистичные картины затрагивают вечные философские вопросы, заставляют на несколько мгновений остановиться и задуматься о важном.
Знатоки живописи часто сравнивают работы Чи Йоши с полотнами фламандских мастеров.
Действительно, мягкость черт лица, грамотное затенение, тонкая прорисовка деталей позволяют провести такую параллель.
Однако использование символизма добавляет картинам атмосферы современности. Поэтому смело можно сказать, что работы Чи Йоши уникальны и пока не имеют аналогов в своем роде.
Мастера вдохновляют отношения людей друг с другом, их чувства, переживания и поведение.
Психика каждого человека уникальна и удивительно прекрасна, что и отражает в своем творчестве японская художница.
Большинство картин богато на мифические архетипы. Кажется, что они никак не связаны с сюжетом. Но эти детали лишь делают полотна более загадочными и фантазийными.
Картины пестрят сказочными животными, инопланетными растениями, таинственными насекомыми, восхитительными головными уборами.
Чи Йоши демонстрирует нам прекрасных представительниц женского пола. Они невинные и чувственные, хрупкие, но в то же время необычайно сильные. Героини могут похвастаться красивой фигурой и привлекающими изгибами.
Японской художнице прекрасно удается объединять в своих работах различные культуры и эпохи, современные символы и вечные проблемы.
|
Метки: мир живописи |
Живописец Порада: нереальные идеи сюрреализма и показ женского тела |
Дневник |
16
1
Даниэль Порада – известный польский живописец.
Как и многие мастера живописи, он начинал свой путь с рекламных изображений: плакатов, визиток и прочего.
Но душа Даниэля стремилась к настоящему душевному искусству. Это стремление художнику удалось осуществить. Он прекрасно реализовал себя как талантливый живописец. Но обо всем по порядку.
Даниэль имеет среднее специальное и высшее образование. Он учился в академическом лицее, расположенном в одном из городов Польши. Затем Даниэль перебрался в Краков, чтобы продолжить обучение искусству.
Он поступил в ВУЗ, который входит в топ самых популярных и престижных учебных заведений страны и даже Европы. Это Академия Изобразительных Искусств.
Студент ответственно относился к учебе и старательно выполнял все практические задания. Поэтому неудивительно, что университет он окончил с отличием.
Дипломная работа также получила высокую оценку преподавателей. Студент работал над ней вместе с профессором Кунке – владельцем студии, занимающейся производством плакатов.
Получив красный диплом в области графики, Даниэль решил поработать в сфере рекламы. Он рисовал интересные нестандартные плакаты.
Ко вчерашнему студенту обращались заказчики из разных компаний и производств.
Особенно хорошо Даниэлю удавались постеры к кинокартинам. Многие из них стали узнаваемы и популярны.
Например, прославленный фильм «Катынь», награжденный премией «Оскар», своим постером обязан Даниэлю.
Но коммерческие рекламные успехи мало вдохновляли художника. Он мечтал о настоящем искусстве.
Одна лишь реклама не удовлетворяла творческих запросов души мастера.
Излюбленным материалом для творчества стал акрил. Акриловые краски для художника – это не просто способ нанести краску на холст, а сочетание приемов уникальной техники с самовыражением.
Преимуществом акриловых красок является их быстрое высыхание. Даниэль удачно сочетает разные текстуры и использует оригинальные цветовые решения.
Центральный мотив творчества художника – изображение женских образов.
Красота прекрасных представительниц женского пола вдохновляла творцов во все времена. Даниэль Порада не стал исключением в этом вопросе.
На его картинах женщины красивы и нежны. Но кроме этого, они обладают богатым внутренним миром.
Художник показывает нам чистые прекрасные души девушек. И делает это весьма талантливо и оригинально.
Даниэль Порада пишет в сюрреалистичном направлении. Он часто изображает прекрасных дам вместе с дикими животными. Это и волки, и лисы, и дикие кошки, и даже аллигаторы. Художник ловко сочетает, казалось бы, несочетаемое.
В своих работах Даниэль Порада лицом к лицу сталкивает различные миры, которые никогда не встретятся друг с другом в реальности. Художник стремится обратить внимание общественности на роль женщины в современном социуме.
Он особенно гордится своей картиной «Регина». С помощью нее мастер кисти отдает дань уважения всем женщинам этой планеты. Даниэль считает, что мужчины излишне жестоки и суровы. По мнению мастера, это время должно сменить время восхваления и уважения женского начала.
В настоящее время Даниэль Порада живет и работает в родной стране. Его работы представлены на многих международных выставках.
ttps://zen.yandex.ru/media/filmy/jivopisec-porada-nerealnye-idei-siurrealizma-i-pokaz-jenskogo-tela-5fa5ba963a59d851057a682b
|
Метки: мир живописи |
Реалистическая живопись художника Уильяма Уитакера - изысканно-утонченные женщины |
Дневник |
Художник Уильям Уитакер (William Whitaker) родился в Америке ещё в 1943 году.
Сегодня он один из ярчайших представителей современного американского искусства, который создавал произведения в реалистическом направлении.
Уильям с детских лет постоянно находился в мире искусства, так как его родители были художниками. Его способности к художественному творчеству проявились уже к шести годам, что очень радовало отца.
Отец сделал всё, для того, чтобы развивать талант Уильяма, обучая его техникам рисования акварелью и маслом.
В детстве и юности художника окружали произведения искусства, связанные с абстрактным экспрессионизмом.
Самыми тёплыми воспоминаниями о детских годах являются для Уильяма запахи и звуки отцовской студии.
Когда юноше исполнилось семнадцать лет, он поступил в штате Юта в университет, где обучался изобразительному искусству.
Живописи Уильям учился у известного американского художника-портретиста Элвина Гиттинса.
Благодаря этому, Уильям смог на высоком уровне освоить академический рисунок и живопись. У него проявлялась склонность к точному рисованию.
После того, как художник изучил множество стилей, он всё-таки выбрал направление традиционного реализма.
Творческие поиски и эксперименты с применением различных стилей рисования в конечном результате привели Уильяма Уитакера к выбору традиционного реалистического направления.
Именно оно соответствовало его творческому душевному состоянию.
После окончания Ютовского университета, художнику был присвоен статус бакалавра. Далее он продолжал обучение в городе Лос-Анджелесе (Институт Искусств Отиса).
В течение многих лет Уитакер работал преподавателем. Это был университет, названный именем Бригама Янга.
Затем он занялся студийной практикой.
Художник постоянно совершенствовал своё мастерство. Его картины украшают коллекции историко-художественных музеев и музеев изобразительных искусств Америки, Санкт-Петербурга, Флориды.
Уитакер считал, что духовная сила является ценностью живописи. Весь творческий путь художника проходил через реализм.
В его работах ощущается спокойствие и умиротворение, а женщины выглядят так, как будто находятся в трёхмерном пространстве.
Создаётся ощущение, что персонажи объёмны и осязаемы, а созданный интерьер, уходит в глубину картины.
Уитакеру очень импонировало то, что в последнее время многие талантливые молодые художники стали работать в классическом стиле живописи.
Художник охарактеризовал своё отношение к классическому традиционному реализму, как к чему-то магическому и сверх духовному.
Картины мастера кисти уникальны. Они немного тяготеют к иллюзиям античного и библейского мира.
Изысканно-утончённые женщины, изображённые на картинах художника, привлекают одних зрителей своими хрупкими плечами и изящными линиями шеи,
других же блестящими голубыми глазами, третьих ― знакомыми отстранёнными жестами, разделяющими историю чьих-то любовных отношений.
И хотя в картинах больше холодных цветов и наблюдается эмоциональная сдержанность образов, его полотна можно назвать настоящими порталами в другие миры, запечатлевшими один миг жизни.
Все картины нарисованы с натуры и немного созвучны старомодной традиции.
Американский художник Уильям Уитакер навсегда останется признанным виртуозом классического реалистического направления живописи.
https://zen.yandex.ru/media/id/5dc3cc35fe289100b1a...nnoutonchennye-jensciny-5fa5b3
|
Метки: мир живописи |
Кокетливые дамы и знойные восточные рабыни в живописи Константина Разумова |
Дневник |
57
9
7140 подписчиков
26 октября
907 дочитываний
50 сек.
Женская красота бессмертна. Она вдохновляла и будет вдохновлять художников на протяжении всего существования человечества. Женщина изображенная Разумовым совмещает в себе видение красоты сразу нескольких эпох. Написанные им невероятные образы околдовывают, погружая зрителя в фантазии вне пространства и времени.
Художник Константин Разумов
Вашему вниманию представлены работы современного российского художника Константина Разумова (1974г.р), выпускника Новоалтайского художественного училища и московской академии Ильи Глазунова.
Художник Константин Разумов
Стиль написания картин Разумова совмещает в себе реализм с импрессионизмом.
Волшебная реалистичность главных героев, преимущественно женских образов, несёт в себе основную эмоциональную и эстетическую нагрузку. В их изображении манящая пикантность играет особую роль, но не выходит за рамки дозволенного.
Художник Константин Разумов
Европейские и восточные девушки демонстрирую различное видение эстетики. В изображении первых доминирует завуалированная пикантность через невербальные знаки и намёки. У вторых-полная открытость как в одеянии, так и в позах, демонстрирующая беззащитность и покорность.
Художник Константин Разумов
Фон является совмещением акцентированного на эмоциональной атмосфере импрессионизма и богатого потрясающе прописанными деталями реализма. Его основная функция-раскрытие образа героини за счёт помещения её в колоритную локацию.
Художник Константин Разумов
В диссонанс зрителя может ввести тот факт, что, несмотря на наряды XIX века, либо восточные одеяния, он видит перед собой очертания современной девушки. Это сделано намеренно, с целью показать, что красота вокруг нас, просто она спрятана под груду однотипной, нелепой ткани.
Художник Константин Разумов.
Потрясающий стиль Разумова вкупе с актуальностью тем работ сделали его невероятно популярным не только в России и СНГ, но и в Европе, США и даже в Азии.
Художник Константин Разумов
Я вдохновлён утончённостью этих милейших дам, их тоненькими носиками и стройными ножками, маняще приоткрытым бюстом и загадочным, томным взглядом. В этих женщинах прекрасно всё, кроме отсутствия их рядом. Разум способен возродить в душе весну даже в самый ненастный период.
Художник Константин Разумов
Понравились ли вам репродукции картина Константина Разумова? Какие чувства и эмоции они у вас вызвали? Поделитесь своим мнением в комментариях под публикацией.
Художник Константин Разумов
|
Метки: мир живописи |
Иллюстрации Роберта МакГинниса |
Дневник |
Robert McGinnis
Всемирно известный художник, чьи произведения, отмеченные наградами, охватывают более шести десятилетий. В знак признания его заслуг в 1993 году он был избран в Зал славы Общества иллюстраторов. (Общество иллюстраторов - это некоммерческая образовательная организация, базирующаяся в Нью-Йорке, посвященная прославлению и обучению людей искусству иллюстрации) и присоединился к компании других признанных Обществом мастеров: Нормана Роквелла, NC Уайета, Максфилда Пэрриша, Уинслоу Гомера, Роберта Пика, Фредерика Ремингтона и Фрэнка Маккарти.
Работы Роберта видели миллиарды людей по всему миру, но большинство из них, вероятно, не знали, что это произведение создал Роберт.
Роберт написал картины для многих журналов ( The Saturday Evening Post, Good Housekeeping Magazine, Guidepost Magazine, National Geographic ). А еще он создал картины для обложек более чем 1200 книг в мягкой обложке, сыграв значительную роль в буме криминального чтива в 1960-х и 1970-х годах. Его работы охватывают множество жанров и сюжетов, от детективных романов до триллеров, готических романов, загадок убийств, любовных романов и романов Дикого Запада.
https://zen.yandex.ru/media/shano/illiustracii-roberta-makginni
|
Метки: мир живописи |
Гиперреализм стиля фэнтези в картинах художницы Джули Белл |
Дневник |
2322 подписчика
22 октября
Современное направление художественного искусства, как никогда больше, отдает предпочтение мифологическим сюжетам в живописи XXI века. Художница Джули Белл (Julie Bell) пишет свои картины маслом, придавая сюжету своих работ причудливые черты стиля фэнтези, выраженные через современное направление гиперреализма.
Нужно отметить два любопытных факта из биографии художницы, которые достаточно ярко повлияли на её творчество. Джули Белл является профессиональным мастером культуризма и участвовала во множестве соревнований в этом виде спорта.
Также, американская художница замужем за живописцем перуанского происхождения Борисом Вальехо, который пишет свои картины в стиле мифологического гиперреализма, с яркими сюжетами фэнтези.
листайте галерею:
Сюжетный гиперреализм в картинах Джули Белл, это не только образы героев ее картин, с телами, напоминающими внешний вид героев древнегреческой эллады.
Гиперреализм в её работах, это современный миф, пропущенный через призму нескольких эпох героический свершений всего человечества.
Художница в своих работах подчеркивает идею того, что современный человек может быть не только обычным потребителем. Он может быть и героем себя самого, своих поступков, мыслей и эмоций.
листайте галерею:
Такой современный мифологический и героический эпос в сюжетах большинства картин художницы, выражен не только через человеческие образы.
Это стремление к динамике, как единственному процессу человеческого бытия, выражен в ее работах, через многочисленные идеи животных.
Именно динамичные образы лошадей, тигров, волков и птиц, раскрывают сюжетную линию противостояния двух противоположностей, двух идей в человеческом сознании.
Все животные в ее работах отражают символы человеческого альтер-эго.
листайте галерею:
В этой альтернативе отсутствует как рациональный ум, так и холодная расчетливость. Такое альтер-эго в сюжетных линиях американской художницы создает чувственную импрессию, которая выходит далеко за рамки обычного человеческого существования.
Иными словами гиперреализм стиля фэнтези в её работах, выражает преодоление самого себя. Выход в иную сферу бытия, через постоянную встречу с самим собой.
Художники и супруги: Джули Белл и Борис Вальехо
Идеи художницы всегда стремятся к полету, как единственному факту человеческого счастья. Поэтому, часто герои ее картин изображены с крыльями, напоминающими ангельское измерение в сюжетных и семантический интерпретациях любого культурного кода.
листайте галерею:
https://zen.yandex.ru/media/sobitiy_and_mneniy/gip...icy-d-5f90d94a6ca69c78021ebf0e
|
Метки: мир живописи |
Чувственный импрессионизм в картинах итальянской художницы Франчески Стрино |
Дневник |
101
5
Создается впечатление, что пониманием чувственных образов в современном мире обладает только женщина. Итальянская художница современного импрессионизма, работает в стиле создания чувственного женского образа в своих картинах.
Импрессионизм, это всегда красота конкретного момента, выраженная чувственными образами в картинах художников.
Иными словами, фигуры картин и написанные образы, должны у стороннего наблюдателя раскрывать чувства, эмоции и впечатления.
В картинах художницы Франчески Стрино эти впечатления проецируются в основном через женские фигуры в её картинах. Сами фигуры не имеют абсолютно никакой статичности, а представляют из себя еле уловимый, но яркий динамизм.
Этот динамизм становится нам понятней, ясли мы перенесем фокус своего наблюдения, с взглядов героев и героинь ее картин, на форму тела. Это форма всегда не прямолинейна и наполнена извилистыми движениями.
Создается впечатления, что фигуры, нарисованные на картинах художницы "сорвутся" в какой-то таинственный танец, неведомых нам мистерий человеческой души.
Яркой отличительной чертой работ художницы, являются её сюжеты. Зритель словно попадает в какой-то "магический театр", где происходит некий вид комедийного представления с легким наплывом таинственности.
Женщины в её картинах, это не совсем женщины. Это тайна, которая является самодостаточной сама по себе. Интересно, что в ее работах тема красоты, ангелов и любви носит открытый характер.
Тем самым итальянская художница пытается взглянуть в глубину эпох, в ту художественную традицию, которая предшествовала временам европейского ренессанса и художественного барокко.
Это взгляд, с помощью фигуративных образов художницы легко проходит сквозь призмы культурных эпох и сосредотачивает свое внимание на "даме сердца", образ которой был так популярен в европе XVI века.
Каждая из героинь ее картинных сюжетов, это современная Дульсинея Тобосская, выраженная через призму реалий XX-XXI веков.
От этого картины итальянской художницы обретают особенную актуальность и даже некий вид романтизма, которого так не хватает в динамике современного мира больших городов.
Франческа Стрино родилась в итальянском городе Неаполь, в 1979 году. Значительное влияние на живопись Франчески оказал ее отец, Джанни Стрино. Также художник, который пишет свои картины в стиле фигуративного реализма.
Итальянская художница окончила Академию изящных искусств Неаполя по направлению скульптуры и художественного искусства.
Технику написания картин маслом, художница унаследовала от итальянского живописца XV века, Якобелло Дель Фьоре и обучалась этом в вышеназванной академии.
В 2002 году по случаю двухсотлетия всемирно известной академии, она была приглашена представлять эту школу своими работами.
Спасибо за внимание и всем удачного дня.
https://zen.yandex.ru/media/sobitiy_and_mneniy/chuvstvennyi-impr
|
Метки: мир живописи |
Их любили короли: портреты фавориток |
Дневник |
6017
483
Скачайте удобный и быстрый Яндекс.БраузерУстановитьЗакрыть0+Реклама
25 369 подписчиков
Повествуем об искусстве, творчестве, картинах великих художников, талантливых современниках. Посвящается всем, кто любит живопись.
Здравствуйте! Читайте, комментируйте, вдохновляйтесь и подписывайтесь на канал!
Орацио Джентилески, «Диана Охотница», 2-я четверть 17-го века, холст, масло
«Каждый великий художник — натура возвышенная и утончённая». И это— неоспоримый факт. Высокие душевные порывы зовут его творить нечто прекрасное. Или пугающее. Или таинственное. Словом — нечто, выходящее за рамки обыденности. Живописец — это личность, призванная так или иначе ставить перед зрителями вечные вопросы о красоте и гармонии окружающего мира.
«Луиза де Лавальер и ее дети»
С утончённостью всё обстоит несколько сложнее. В общем случае понимается, что мастер кисти/грифеля/мастихина — человек крайне чуткий и ранимый. Но именно эта способность глубоко и остро переживать явления, игнорируемые более «толстокожими» людьми, и отличает подлинного мастера изобразительного искусства. Ему дано меткого «попадать в образ», наделять композиции метафоричностью, безупречно расставлять смысловые акценты при помощи игры света и тени. Именно поэтому каждый великий художник — подлинный «камертон» своей эпохи, запечатляющий в своих работах её дух и суть.
«Маркиза де Монтеспан и ее дети»
И потому совершенно неудивительно, что виртуозы кисти минувших веков любили изображать королевских фавориток в обрезе мифической Дианы. Или Артемиды. В таких работах эстетика высокого античного наследия встречается с желанием художников как можно точнее воплотить образы прекраснейших и одновременно опаснейших женщин своего времени. Тех, которые сумели пронзить сердца монархов любовной стрелой Амура и вознестись к олимпийским вершинам власти, богатства и престижа.
Предлагаем Вам, уважаемый читатель, вспомнить романтические истории прошлых веков и определить «Фавориток каких французских королей изобразили знаменитые живописцы?»
1. Франсуа Буше,«Диана де Пуатье в образе Дианы Охотницы», 1750
Франсуа Буше,«Диана де Пуатье в образе Дианы Охотницы»,1750, холст, масло
Пожалуй, нет более яркого и наглядного примера такой работы, нежели картина художника Франсуа Буше «Диана де Пуатье в образе Дианы Охотницы». Её героиней стала Диана де Пуатье (1499-1566 гг.), всемогущая фаворитка французского короля. Его Величество не предпринимал ни единого серьёзного шага, не посоветовавшись с нею. Более того: целый ряд государственных налогов собирался исключительно в её пользу. Замки, бриллианты, титулы и земли — всё это влюблённый монарх «бросал к ногам» возлюбленной. С её мнением считался сам Римский Папа, а иностранные послы совершенно перестали утруждать канцелярию Его Величества. Ведь для скорейшего и наилучшего рассмотрения наиболее срочных и важных дел всегда можно было обратиться к мадам Де Пуатье.
2. Клод Лефевр, «Франсуаза Луиза де ла Бом Ле Блан, герцогиня Вожурская, также известная как мадмуазель де Лавальер в образе Дианы Охотницы»
Клод Лефевр, «Франсуаза Луиза де ла Бом Ле Блан, герцогиня Вожурская, также известная как мадмуазель де Лавальер в образе Дианы Охотницы», холст, масло, Версаль
Луиза де Лавальер — исключение из всех возможных правил, лишний раз подтверждающее их верность. Эту худощавую миловидную скромницу, чьё лицо заметно портили следы оспы, никак не выходит назвать эталоном красоты своей эпохи. А мягкий характер и невероятная для придворной дамы её статуса целомудренность и вовсе закрепили за ней прозвище: «Святая Луиза». Век в качестве избранницы монарха был сравнительно недолог. Невыносимым обращение со стороны короля и вовсе заставило её отринуть высший свет и постричься в монахини. Что характерно: даже в монастыре наша героиня выделялась невероятной силой духа и неизменной добротой. Вот такая «Диана наоборот»...
3. Шарль Бобрен, «Франсуаза Атенаис де Монтеспан в образе Дианы охотницы»
Шарль Бобрен, «Франсуаза Атенаис де Монтеспан в образе Дианы Охотницы», холст, масло, Версаль
Пожалуй, Франсуаза Атенаис де Монтеспан... лучше всех подходит на роль земного воплощения богини Дианы. Быстрота её мысли, беспощадная меткость острот и непринуждённая, даже несколько прямолинейная манера поведения по свидетельствам современников удивительно органично сочетались с врождённой аристократичностью и умением «держать осанку» в высшем обществе. А ещё ей был удивительно к лицу маскарадный костюм древнегреческой богини-охотницы, который она как-то раз надела по случаю костюмированного балла.
4. Жан-Марк Натье, «Жанна Антуанетта Пуассон, маркиза де Помпадур в образе Дианы Охотницы», 1746
Жан-Марк Натье, «Жанна Антуанетта Пуассон, маркиза де Помпадур в образе Дианы Охотницы», 1746, холст, масло
Наша четвёртая героиня также была на диво хороша в образе вечно юной девы-лучницы. К тому же впервые она сумела обратить а себя внимание французского монарха как раз во время королевской охоты. Её выдающийся ум и широкие взгляды стали настоящим благословением для людей науки и искусства. Не в последнюю очередь усилиями мадам д'Этиоль, ставшей впоследствии маркизой и владетельницей усадьбы Помпадур, XVIII столетие стало «золотым веком» французской культуры. Жанна Антуанетта была едва ли не единственным человеком, умевшим урезонить короля, вывести из очередной депрессии и направить его помыслы на пользу и благо действительно заслуживавших того людей. В том числе — целого ряда замечательных живописцев.
Москва
Картина ""Прекрасная кухарка" Франс…
Картина (репродукция) "Геркулес и Ом…
Картина ""Пейзаж" Франсуа Буше"…
Картина (репродукция) "Кузница Вулка…
Картина (репродукция) "Аллегория жив…
Картина (репродукция) "Любовное пис…
Картина (репродукция) "Аллегория муз…
Картина ""Дама за туалетом" Франсуа Буше"…
Картина ""Занятия" Франсуа Буше"…
Романтика, картина "Франсуа Буше…
Франсуа Буше, «Отдыхающая девушка», 1752
https://zen.yandex.ru/media/zhivopis/ih-liubili-koroli-portrety-favorit
|
Метки: мир живописи |
258 12 Кисть и краски 1768 подписчиков Художник Махер Моркос - переплетение мировоззрения разных стран и консервативный уклад жизни 3 дня назад 5,2 т |
Дневник |
258
Людям, интересующимся живописью, всегда интересно наблюдать за творчеством художников другой страны, другого вероисповедания, других нравов.
Благодаря работам таких художников, можно проследить историю народа, понять, чем живут эти люди и чем увлекаются, во что они верят и на что надеются.
Одним из таких художников является Махер Моркос – коренной уроженец Египта, который родился в Каире, в 1946 году. Семья Махера была интернациональной: его мать была египтянкой, а отец – итальянцем.
Возможно, именно это обстоятельство и сделало работы Махера Моркоса поистине уникальными. Ведь в них так ловко объединены суровые обычаи восточной страны и свободные нравы Запада.
Увлекаться живописью мальчик начал с 13 лет. Немного потренировавшись, юный художник начал продавать свои картины прогуливающимся туристам на улочках Каира, где они разлетались как «горячие пирожки».
Семья мальчика была небогатой, поэтому этот заработок делал ощутимый вклад в семейный бюджет.
Стоит отметить, что художник не рисовал портреты туристов на «скорую руку», как это до сих пор популярно в туристических местах, а продавал собственные работы, на которых были изображены фрагменты жизни египтян.
В 14 лет Махер решил поучаствовать в национальном конкурсе, который организовывало правительство страны. Неожиданно для самого себя, он стал победителем!
После победы правительство поручило ему проиллюстрировать учебные пособия для школ страны. Махер успешно справился с этим заданием и стал известен чуть ли не каждому жителю Египта.
В 15 лет художник организовал собственную выставку, которая прошла в Каире. С этого момента мальчик понял, что живопись – это его судьба, и как бы ни был тернист этот путь, он будет только художником.
Однако родители парня так не считали и настаивали, чтобы сын поступил на врача или юриста.
В общем, получил, что называется, «земную» профессию.
Несмотря на то, что Махер обеспечивал себя сам, обучение в университете ему было не по карману, поэтому пришлось искать компромисс с родителями. В результате долгих споров парень поступил на факультет архитектуры.
Учеба была в какой-то мере связана с изобразительным искусством, и художник не переставал совершенствоваться в живописи. Параллельно с обучением он создавал новые шедевры.
Конечно, после того как мастер получил диплом архитектора, он ни дня не работал по специальности.
Махер Моркос очень тонко чувствует грань. Кому-то может показаться, что в его работах слишком много раздет*х тел и мало души. Но большинство ценителей искусства так не считает.
Работы Моркоса украшают как частные коллекции, так и знаменитые музеи. В его работах удивительным образом переплетаются мировоззрение других стран и консервативный уклад жизни родного Египта.
Возможно, это одна из главных причин популярности картин Моркоса по всему земному шару.
За свою жизнь художник стал обладателем многих престижных премий и наград, сегодня он является уважаемым членом таких крупных организаций, как "Западное наследие" и "Западные художники Америки".
Безусловно, Махер Моркос заслужил все эти звания и почести. Но как рассказывает сам художник, гораздо ценнее для него признание его таланта народом.
|
Метки: мир живописи |
Как художник Пимоненко споткнулся на популярности своей картины "Домой" - и получил выговор от передвижников |
Дневник |
4537 подписчиков
23 июля
Художник Николай Корнильевич Пимоненко (1862-1912) - киевлянин, но учился у Петербурге, в Академии художеств (правда, вынужден был бросить учёбу из-за болезни и вернуться на родину), был членом Товарищества передвижников, выставлялся в Европе.
Николай Пимоненко. Святочное гадание. 1888. Русский музей. ЛИСТАЙТЕ ГАЛЕРЕЮ ВПРАВО...
Николай Пимоненко. Святочное гадание. 1888. Русский музей. ЛИСТАЙТЕ ГАЛЕРЕЮ ВПРАВО...
Николай Пимоненко. Святочное гадание. 1888. Русский музей. ЛИСТАЙТЕ ГАЛЕРЕЮ ВПРАВО...
Николай Пимоненко. Святочное гадание. 1888. Русский музей. ЛИСТАЙТЕ ГАЛЕРЕЮ ВПРАВО...
Нельзя сказать, что его художника Пимоненко и сейчас широко известно, но вот его картины - были очень популярны у зрителя при жизни художника и многим покажутся знакомыми сегодня. Картину Пимоненко "Украинская ночь" можно встретить на обложке издаваемой в наши дни книги или в шуточном ремейке - это ли не популярность?!
Украинская ночь. Свидание. 1905. Курская картинная галерея им. А. Дейнеки. ЛИСТАЙТЕ ВПРАВО, чтоб увидеть доказательства популярности этой картины в наши дни...
Украинская ночь. Свидание. 1905. Курская картинная галерея им. А. Дейнеки. ЛИСТАЙТЕ ВПРАВО, чтоб увидеть доказательства популярности этой картины в наши дни...
Украинская ночь. Свидание. 1905. Курская картинная галерея им. А. Дейнеки. ЛИСТАЙТЕ ВПРАВО, чтоб увидеть доказательства популярности этой картины в наши дни...
Картины Пимоненко репродуцировались на открытках и шли в народ ещё при его жизни. Собственно, это и стало причиной скандала.
Одной из таких популярных картин была работа Пимоненко "Домой" ("Додому", если по-украински): едва держащегося на ногах мужа дома встречает жена, готовая задать ему хорошую трёпку. Казалось бы, что тут может быть скандального? Картина агитирует за трезвость и прославляет матриархат...
Николай Пимоненко. Домой. 1894
Открытки - это хорошо, это слава. Но однажды картина "Домой" появилась в качестве этикетки на бутылках с крепким напитком под называнием "Спотыкач". Его производила компания "Н.Л. Шустов с сыновьями", которая славилась агрессивной и при этом креативной рекламой: про напитки этого бренда сочиняли куплеты, а специально нанятые люди громко заказывали в питейных заведениях именно шустовскую продукцию. В рекламных целях использовался даже суд! В конце XIX века производители алкоголя Смирновы и Шустовы судились из-за использования торговой марки "Спотыкач": иск был копеечный, но о слушаниях писали все газеты, адвокаты сторон заливались соловьём, нахваливая напитки, название было у всех на слуху - подозревают, конкуренты просто договорились о таком пиаре.
Картина Пимоненко "Додому" на открытке и на бутылке (раритет до сих пор можно найти на аукционе).
Словом, многие неплохо заработали на участии в рекламных кампаниях бренда. Многие, но не Пимоненко. Его картину на этикетку поместили, не спросив разрешения. Но передвижники этого не знали, а потому, увидев живописно декорированные бутылки, отправили гневное письмо художнику:
- Мы считали тебя честным человеком и нашим товарищем, которым гордились, избрали тебя членом нашего общества за известность в художественном мире, ты стал академиком, но, оказывается, тебе этого мало! Ты пустился на низкие, подлые вещи, опозорил все наше общество, ты продал право на печатание своей картины «Домой» Шустову — водочному фабриканту, для этикетки к водке. Приезжай в Москву, полюбуйся, какую устроили тебе рекламу: девять человек по числу букв «Спотыкачъ» дефилируют по всем улицам Москвы с твоей картиной…
Пимоненко приехал. Полюбовался. И отправился к Шустову. Тот сначала отпирался - мол, не знаю такой картины. Но потом предложил художнику гонорар. Тут уж упёрся Пимоненко: от денег отказался и обратился в суд - с требованием запретить водочному магнату размещать его картину на бутылках с зельем. И художник выиграл: суд постановил изъять из продажи бутылки с картиной Пимоненко и уничтожить даже еще не наклеенные на бутылки этикетки.
https://zen.yandex.ru/media/pictures/kak-hudojnik-pimonenko-spotknulsia
|
Метки: мир живописи |
Шэрон Феникс: дерзкий вызов современности |
Дневник |
5 октября
В современном мире тату-культура всё ещё не воспринимается обществом как искусство. Однако зачастую тяжело оторвать взгляд от затейливых символов и изображений на теле прекрасной девушки. Вот, например, модель из Германии по имени Шэрон Феникс (Sharon Phoenix) покрыла всё своё тело татуировками.
Девушка добилась впечатляющей популярности, благодаря социальным сетям. Её кожа – это огромный холст, на котором тату-художники раз за разом оставляли свои шедевры, каждый из которых уникален. Они выполнены преимущественно в чёрной гамме, за исключением нескольких ключевых элементов.
На груди девушки изображены три черепа, центральный из которых коронован. На животе порхают бабочки. Правая рука посвящена в основном природной тематике, её украшают цветы, звёзды и маленькие пташки, однако и здесь встречаются черепа. На левые бок и ногу Шэрон Феникс набила затейливый рисунок, напоминающий острые закрученные языки пламени. Плечо же украшает женский портрет. На спине у Феникс изображены иероглифы.
Кроме того, на многих частях её тела можно обнаружить надписи или слова на английском – например, на груди, внизу живота и на руках. © Artifex.ruhttps://zen.yandex.ru/media/artifex/sheron-feniks-derzkii-vyzov-sovremenno
|
Метки: мир живописи |
Я бы хотел, чтобы эти девушки были настоящими. Но они существуют лишь на холсте |
Дневник |
5939 подписчиков
29 сентября
Женскую красоту воспевали во все времена. Художники писали картины, на которых навсегда запечатлели своих муз, поэты посвящали женщинам стихи. Очень много красивых песен, баллад и просто музыки были написаны под влиянием порыва страсти к женщинам.
В этой статье я покажу вам картины, написанные разными художниками, и все они посвящены женской красоте и утонченности.
Это работа художника Стива Хэнкса. Изначально мне показалось, что это фотография, посмотрите, насколько детально проработаны все детали. Поза, в которой он нарисовал девушку, позволяет обратить внимание именно на линии тела, а не на лицо.
Тем самым Стив Хэнкс подчеркнул тонкую, иногда неуловимую грациозность, которая есть в каждой женщине.
Вот картина под названием «Девушка уснула на диване под шум прибоя за балконом», тоже принадлежит Стиву Хэнксу, и она невероятная по своей атмосфере. И снова мы видим, что внимание уделено линиям и изгибам женского тела, а не лицу.
Вообще во всей моей подборке собраны картины, авторы которых делали акцент именно на женской грации.
Посмотрите на работу питерского художника Сергея Маршенникова, его работы всегда выполнены в самых настоящих традициях русской школы портретной живописи.
Некоторые картины этого художника хорошо известны людям, а что примечательно - довольно часто он рисовал свою супругу.
На мой взгляд эта картина является олицетворением женской нежности. Красивая, слегка сонная девушка сидит у окна, а ласковое солнце улыбается ей и окутывает ее каким-то невероятным светом.
Это еще одна картина, написанная Сергеем. Она вобрала в себя всю женскую чувственность, нежность, скромность и юность. Каждая деталь проработана художником до такой степени, что я иногда сомневаюсь портрет ли это.
В этой картине нет ничего отталкивающего и вызывающего, девушка выглядит очень красиво, картина притягивает взгляд своей реалистичностью и нежностью.
Данная картина появилась из-под кисти испанского художника Винсента Ромеро. Он с детства любил живопись и решил посвятить ей свою жизнь, ведь лишь таким образом он мог выразить себя.
На мой взгляд, картина в отличии о предыдущих, написана более мягко и не так четко. Но именно эти моменты придают ей воздушность и завораживают.
Сразу представляется это солнечное утро полное безмятежности, где девушка сидит на веранде и просто наслаждается природой. Возникает чувство спокойствия, когда не нужно никуда торопиться.
Следующие две картины, думаю, многие из вас видели на просторах интернета. Их автор Андре Кон. В своих работах художник использует красный цвет, который характеризует роскошь, страсть, эмоции и загадку.
В этой работе отражается непревзойденная красота дождя и женщины. Среди серости девушка в красном платье под белым зонтиком смотрится как луч солнца.
Все его работы вызывают ощущение, что вы смотрите на людей словно через окно, по которому бегут струйки дождя. В них нет четкости линий, и именно это придает им очарование.
Создается ощущение, что я просто мимолетно вторгся в чью-то жизнь и успел увидеть маленькую часть жизни человека, как фрагмент, который испарится через долю секунды.
И завершу свою подборку картиной, написанной мужем и женой Михаилом и Инессой Гармаш. На многих своих картинах пара изображает свою дочь.
Много картин этих художников посвящены девушкам и морю. Глядя на эту картину я вижу девушку, которая ждет любовь, думает об этом чувстве, прогуливаясь по берегу.
А может быть она скучает по своему любимому, поэтому она задумчива и даже немного грустна, но при этом она невероятно красива.
https://zen.yandex.ru/media/ingirlswetrust/ia-by-hotel-chtoby-eti-devushki
|
Метки: мир живописи |
Секрет изображения обнаженных дам |
Дневник |
16
1
2561 подписчик
3 дня назад
Женская нагота всегда привлекала и будет привлекать художников. Но от века к веку представления о том, что считать красивым, менялось. Красавицы Тициана очень сильно отличаются от красавиц Родена. Когда на картины, часто не покидает мысль, как можно так ровно держать спину, так высоко грудь и иметь такую разницу между бедрами и талией?
Ф. Гойя Маха обнажённая. Ок. 1797—1800. Музей Прадо, Мадрид
У большинства знаменитых моделей просто невероятное тело, стройное, гладкое, налитое жизненными соками. Не всегда это греческие богини, нередко земные дамы, например, герцогиня Альба, она же Маха. знаменитые обнаженная и одетая Махи Франсиско Гойи, в музее Прадо принято считать откровенно чувственными, не только из-за пикантно лежащих теней. Одна из наиболее характерных особенностей телесного облика Махи - ощущение того, что её тело натянуто на корсет, которого мы не видим и который при этом со всей очевидностью присутствует на портрете "одетом". Тело как будто не знает законов гравитации. Грудь высоко поднята широко расставленная грудь, абсолютно прямая спина откинувшейся на подушки дамы ничуть не менее привлекательная, чем откровенная улыбка.tps://zen.yandex.ru/media/modnoetelo/sekret-izobrajeniia-obnajennyh-dam-5f70a9d2fde6297ce354790
Ф. Гойя Маха одетая. Ок. 1797—1800. Музей Прадо, Мадрид
Это не просто портрет реальной женщины - это ещё и написанное красками ожидание от женского тела. Мечта, в которой присутствуют красивые и стройные ноги, тонкая талия, высокая грудь. Такое тело невозможно сотворить ни в тренажерном зале, ни в операционной. Но мечта всегда сильнее.
Если сейчас вы подумали, что Гойя не умел писать или не знал анатомии, спешу вам заверить, умел и знал. Но есть ожидания, свойственные поколениям, иногда нескольким. Конечно, мужчины умели снимать корсеты с реальных женщин и знали, что можно ожидать от тела, не знавшего спорта. Но мечта сильнее. Смотрите, как в том же стиле, что и Гойя работали фотографы и устроители выставок обнаженных женщин в XIX и начале XX века.
Открытка нач. XX в.
Аппетитные дамы затянуты в корсеты, создающие перепад между талией и бедрами. Но поверх корсетом ещё надето трико, тесное телесное трико, создающее эффект идеального обнаженного тела. Это дозволенная и очень широко распространённая эротика. Именно такое тело хотели обнимать и любить: высокая грудь, тонкая талия и пышные бедра. Сочетания редкое, но от этого не менее желанное.
P.S. Подписывайтесь на мой канал о истории тела! Будет интересно!
|
Метки: мир живописи |
Слияние воды и чувств в работах французской художницы |
Дневник |
3641 подписчик
8 сентября
Здравствуйте дорогие подписчики и гости канала.
Вода.
Она может уничтожать и может создавать.
Мы вышли из воды и стремимся попасть обратно. И зимой и летом. Зачем?
Чтобы ощутить себя, легкость и саму жизнь.
Вода поглощает все негативное, смывает с того, кто окунулся в воду. И придает силу, бодрость в купе с расслаблением, которое нам порой так необходимо.
Приглашаю Вас взглянуть на творчество французской художницы Мод Овиз (Maude Ovize), которая показала все грани чувств и эмоций в слиянии человеческой души с водой.
Родилась Мод в начале 80-х в Лионе.
В середине нулевых она окончила университет изобразительного искусства Сент-Этьена.
Она из тех художников, которые можно так выразиться одержимы лишь одной теме. И главная тема ее творчества - это вода.
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
Гармония и дисгармония.
Все это есть в образах, которая пишет художница.
Ее герои просто наслаждаются жизнью, купаясь и целуясь.
И вода как теплое одеяло укрывает их.
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
Чувство безмятежности. Чувство слияния воды и души.
То чувство единения с самим собой.
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
Очень четко и достаточно детально художница показала текстуру воды, ее взаимодействие и краски.
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
При просмотре ее картин возникает чувство натуральности и естественности ее описанных образов.
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
Картина художницы Мод Овиз (Maude Ovize).
Как сказано в одном из моих любимых фильмов - "Океан - это множество капель"
И правда.
Спасибо за прочтение.
Ваш Старый Ворчун.
https://zen.yandex.ru/media/borntoussr/sliianie-vody-i-chuvstv-v-rabotah-francuz
|
Метки: мир живописи |
Умопомрачительные женские образы кисти легенды итальянской живописи |
Дневник |
142
4
2065 подписчиков
Его картины есть ничто иное как подлинная ода женской красоте, ставящая всю остальную современную живопись в разряд подражания. Для критиков Видан является воплощением раннего импрессионизма Моне и Гогена, для зрителя-неиссякаемым источником вдохновения и невероятных эмоций.
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
Витторио Данжелико более известный под псевдонимом Видан (1965 г.р)-современный итальянский художник специализирующийся на классической масляной живописи в жанре импрессионизм. Выпускник элитных учебных заведений Художественный Лицей Милана и Академия изящных искусств Бреа. Является учеником и продолжателем дела всемирно известного живописца Пино Дени, а так же его племянником.
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
Видан-один из тех звёзд изобразительного искусства, гений которых был признан уже в раннем детстве. Талант мальчика раскрылся в полной мере благодаря не менее гениальному дяде, который, на тот момент, уже успел сыскать мировую славу.
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
Самостоятельный творческий путь Витторио начался в 1988 году после переезда в Соединённые Штаты, где он устроился на работу иллюстратором. В будущем иллюстрации дяди и племянника будут красоваться на обложках крупнейших изданий Италии и США, а так же книг знаменитых писателей и афишах культовых фильмов.
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
Несмотря на то, что каждая из работ выполнена в знойном средиземноморском стиле, присущем всем итальянским мастерам, в творчестве Видана прослеживается лёгкая нотка североамериканской раскрепощённости. Это позволяет художнику, сохраняя поклонение женской красоте, возвеличивая её, создать более приземлённые, близкие зрителю образы.
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
Женщина есть нескончаемый источник вдохновения художника. Её образ способен передать весь спектр человеческих эмоций и переживаний. Её красота есть венец природного творения. Оглядываясь назад, я осознаю что впереди нас ждёт нескончаемый поток всевозможных попыток материализовать любовь к женщине через искусство. И я хочу быть в центре этого течения.
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
В настоящий момент нет ни одной крупной галереи США и Европы, в которых бы не выставляли картины знаменитого Витторио Данжелико. Каждая из его написанных работ уже находится в частной или государственной коллекции, а цена на них определяется десятками тысяч долларов.
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
Стоит отметить, что в публикации вы лицезреете лишь репродукции в небольшом разрешении. Это не позволяет полноценно прочувствовать работу художника.
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
Расскажите о своих предпочтениях в живописи и впечатлениях от данных работ в комментариях под публикацией.
Художник Витторио Данжелико (Vittorio Dangelico, Vidan)
|
Метки: мир живописи |
Дина Калинкина. Позитив и провокация |
Дневник |
2 дня назад
Мы с художницей долго не могли встретиться для беседы. В итоге я приехал на её персональную выставку «НАГоЛО». Не знаю, в чём было дело: то ли в атмосфере выставки, то ли в том, что Дина Калинкина - просто жизнерадостный человек, но интервью вылилось в увлекательную беседу. Мы поговорили обо всём - от личного творческого пути до места художника в современном мире. А что из этого вышло - читайте ниже.
Artifex: Какова история вашего сотрудничества с Никольской галереей?
Мы были знакомы с Ирой Никольской уже давно. Когда она открывала этот проект, мне повезло: она пригласила меня как участника.
Artifex: Я хотел бы спросить про ваш стиль, на мой взгляд, он довольно необычный, и я не могу навскидку назвать что-то похожее. Вы сами его придумали?
Да, это самый лучший комплимент художнику – сказать, что его стиль ни на чей не похож (смеётся).
Artifex: Единственный, кто, пожалуй, приходит в голову - это Ван Гог. Особенно, если сравнивать ваши цветы. У него работы, конечно, поминорнее, но всё же... Поминорнее?
Может быть, это потому, что мы знаем его историю? (смеётся) Вообще, меня сравнивали с Матиссом, но я не вижу сходства. Матисс весь такой воздушный, а у меня есть чёткие контуры.
Artifex: А какие художники повлияли на ваше творчество?
Наверное, на то, что я в итоге выбрала именно этот стиль – вряд ли повлиял кто-то конкретный. Потому что на разных этапах любимые художники были разные. Когда мне было пятнадцать, то это вообще были реалисты. Крамской, Репина очень любила, Серова, но это уже на переходном этапе. Потом раньше я очень любила модерн, Климта, Альфонса Муху. Но сейчас я всё больше люблю «наивных» художников, например, Гари Банта. Но тоже не могу сказать, что они на меня влияют. Потому что, без ложной скромности, всё-таки надеюсь, что сама придумала этот стиль. Я к нему шла много лет, он не сразу возник.
Artifex: То есть вы не сидели и долго придумывали, а искали в процессе?
Сейчас много художников, которые так работают: разрабатывают концепцию и создают под неё выставку. У меня, скорее, накопительный процесс: я пишу разные работы, а потом собираю их под конкретную тему. Сейчас такая масса вариаций в плане техники: можно телом рисовать, можно разбрызгивать краску, что угодно можно...
Artifex: Я заметил, что тут бóльшая часть работ выполнена акрилом. Это у вас любимая техника?
Нет, это вообще очень странная закономерность. У меня «ню» занимает процентов тридцать моего творчества, натюрмортов и цветов гораздо больше, но их я пишу всегда маслом, а «ню» – всегда акрилом. Наверное, это повелось с того времени, когда приходишь на сеанс рисования, а по завершении сразу хочется забрать холст обратно. Ну, мало ли что… А акрил - он сохнет пять минут. Поэтому за сеанс в три– четыре часа я делала максимум, потом забирала холст и дома дорабатывала. И я тогда так настрополилась, что натуру теперь могу писать только акрилом, всё остальное – маслом. Это стало привычкой.
Artifex: А пробовали специально наоборот делать?
Да, но получается не очень. Думаю, акрил для натюрмортов слишком груб, он не даёт сделать такие переливы цвета, как хочется. И вообще, я часто другую задачу ставлю: видите, вот на этой картине фон написан одной краской - красной. Я преподаю и своим ученикам запрещаю так делать. Но конкретно в работах с натурой специально пользуюсь этим приемом, пишу буквально краской из банки.
Artifex: Чтобы соединить всё в единое пространство?
Скорее, чтобы подчеркнуть графичность. Если мои натюрморты – это живопись, то мои «ню» - это уже нечто среднее между живописью и графикой. Кто-то их даже с аниме сравнивает.
Artifex: А какая деталь ключевая в ваших работах?
Что касается «ню» - это определённо образ. Если в натюрмортах я иду от ощущений тепла и уюта, которые пытаюсь создать, то в «ню» хочется передать зрителю какой-то кусочек истории, чтобы он задумался. Очень нравится играть смыслами, и если это получается, то работа становится моей любимой. А вот, например, картина. Люди часто подходят и спрашивают: «А кто это? А почему у неё поцелуй на попе? А как она так себя поцеловала? А она хотела или не хотела?» (смеётся) И вот это здорово, когда зрители начинают что-то придумывать, когда у них мозг начинает работать.
Artifex: Раз уж мы про это заговорили, то расскажите про выставку, на которой мы находимся. Как вам вообще пришла идея создать экспозицию такого пикантного содержания?
Тут всё довольно просто: работы накопились, и хочется делиться. А говорят, что таким делиться нельзя. В фейсбуке в личку пишут, мол уберите, это не соответствует нормам соцсети. Я часто выставляюсь в муниципальных галереях, они предлагают неплохие залы, но не берут «ню», говорят, что дети ходят и всё такое. И вот распирает - а галереи не соглашаются. Так что да, накопилось, и я решила - пора действовать. У меня как-то была выставка «ПОП-АРТ», ну, одни попы на картинах. Знаете, был такой резонанс! Это, наверное, и стало неким толчком в развитии провокационной деятельности. Вообще, очень обидно, что «ню» так отбраковывают везде, это же такой эмоциональный всплеск.
Artifex: Возможно, «ню» просто воспринимается не как Эстетическое, а как Пошлое?
Может быть, хотя я-то держу себя в руках, некоторые делают работы и «покрепче». Это какое-то непонятное современное ханжество. Сейчас столько всего можно, повсюду показывают совершенно жуткие сюжеты, а тут, значит, «фу». Хотя я понимаю, почему мне люди иногда пишут всякие «нехорошие» вещи: честно могу сказать, что я провоцирую... Намеренно. Потому что сейчас, если не провоцировать, то тебя просто не заметят, жизнь напоминает ленту в фейсбуке: твоя картинка уехала вниз и про неё забыли. Что поделать, клиповое мышление. Есть какие-то ориентиры, которые висят в музеях, но их, скажем честно, мало кто видел. Сейчас уже невозможно быть художником одной картины. Некоторые ещё надеются такими стать, но это бессмысленно. Поэтому и нужно провоцировать.
Artifex: Я ещё заметил, что здесь почти все картины, кроме трёх, в одной стилистике. Они сильно отличаются почти абстрактной манерой. Как это произошло?
Это самые последние работы. Вот эта, чёрно-белая, вообще сделана специально для выставки пару дней назад, очень быстро, не боясь испортить. Можно сказать «тяп-ляп», но все её выделяют. А те две - это влияние знакомого художника, с которым вместе писали натуру. Я попробовала новую для меня технику и мне понравилось. Надо будет продолжить эту серию, хотя очень трудно выйти из привычной колеи. Artifex: Ну что ж, ловлю вас на слове и желаю творческих успехов. Спасибо за интервью!
Автор: Глеб Прокудин © Artifex.ru
https://zen.yandex.ru/media/artifex/dina-kalinkina...aciia-5f64b90dc833846a1deba1a5
|
Метки: мир живописи |
Зачем Венере драпировка? |
Дневник |
22
1
Установите быстрый Яндекс.БраузерУстановить0+Реклама
2497 подписчиков
1
Начиная с XVI века, изображения Венеры становится едва ли не эталоном для картин с обнаженной женской фигурой. Фигура, поза, интерьер всё обсуждается, рассматривается со всех сторон и повторяется от полотна к полотну. Но тут есть один нюанс, богиня почти всегда окружена драпировками, а не постельным бельем. Почему? Давайте разбираться.
Джорджоне «Спящая Венера», ок. 1508, Галерея старых мастеров, Дрезден.
Первая Венера с полотна Джорджоне "Спящая Венера", где женская фигура изображена на фоне идиллического пейзажа, спящей в изящной позе, взятой с одного из античных образцов. Но на первом плане не только прекрасное тело, но и драпировка, облагораживающая образ, отсылающая образованного зрителя к древнеримским статуям. Дорогой шелк, повторяющий изгибы женского тела, придает значимость женской наготе, уводя её сразу от всех видов обнаженности. Это божественная красота.
Д. Веласкес "Венера с зеркалом". Ок. 1647—1651. Лондонская Национальная галерея, Лондон
Даже изображение обнаженной Венеры в интерьере не предполагает излишнего эротизма. Веласкес "Венера перед зеркалом". Холодные тона драпировок, оттеняющих теплую женскую кожу, повторение контура женского тела алой тканью создают атмосферу торжественную и прекрасную. Здесь важен ещё один момент, оформленная прическа. Нет распущенных волос, создается впечатление, что Венера или уже готова выйти к гостям или скоро будет, а обнаженность - это её дорогой и изысканный костюм. Ведь драпировка шелком, бархатом, тафтой - это украшение для салона, а не для спальни.
Тициан "Венера Урбинская". 1538. Уффици, Флоренция
Совсем другое дело, когда у женщины на полотне распущены волосы, а вместо драпировки постельное белье. Венера, Даная, Клеопатра сразу становятся фигурами эротически привлекательными, наделенными земными чертами, домашними и понятными. Солидная, кровать, проседающая под тяжестью тела, реалистичный интерьер, не изысканные драпировки, а просто скинутая простынь, делают фигуру лишенной пафоса и мифологического контекста. Правда, такая картина тоже будет для внутренних покоев. Для салона нужны драпировки идеальная продуманность позы.
P.S. Подписывайтесь на мой канал о истории тела! Будет интересно!
https://zen.yandex.ru/media/modnoetelo/zachem-vene...irovka-5f6248c75477ff281ef0022
|
Метки: мир живописи |
