Здравствуйте!

Меня зовут Андрей Тарусов, я художник-иллюстратор. Два года назад, я выпустил тематический календарь с пин-ап девушками «Apocalypse Tomorrow 2012» на тему конца света.

Я нарисовал его в качестве шутки, но календарь вызвал резонанс в интернете, он разлетелся п разным сайтам и мне стали приходить письма от желающих его купить. Так я напечатал свой первый календарь. На этом я не остановился и через год выпустил еще один шуточный календарь с актрисами Золотого Века Голливуда и классическими монстрами того же периода.

В этом году тема напросилась сама собой – Олимпийские игры! Я связался с Сочинским оргкомитетом и предложил им сотрудничество. Они не захотели портить себе репутацию обнаженными ретро-красотками, предпочитая зайчиков и медвежат. Но так как я был слишком воодушевлен этой идеей, чтобы от нее отказываться, я решил нарисовать неофициальный календарь.
Поэтому я не использовал ни один товарный знак Сочинских игр, но это даже пошло календарю на пользу. Я представил, как бы могли выглядеть Зимние Олимпийские игры, если бы в Советском Союзе был секс. Было не просто совместить стилистику американского пин-апа 50х годов и плакатного искусства СССР. За основу я взял советские плакаты, картины Дейнеки и мозаику московской станции метро Маяковская.
Так же я придумал дополнить изображение стихами, стилизованными под агитационную поэзию Советского Союза. Их написала моя подруга Лена Клименко специально для календаря.

Цветовую палитру я выбрал в соответствии со стилем: красно-бело-голубую. Девушек нарисовал в классических пин-аповских позах, но с советским задором в глазах.


Для того, чтобы выдержать все в заданном стиле, я решил не использовать современный спорт-инвентарь, а сделать все оборудование 40-50х годов.

Здесь я впервые публикую свой календарь. Вы можете оценить мою задумку и поддержать ее реализацию. Для этого Вы можете пожертвовать немного денег на его печать и через месяц он будет у Вас на стене. Так же я планирую напечатать в качестве благодарности открытки и футболки.


Источник

1.


2.


3.


4.


5.


6.


7.


8.


9.


10.


11.


12.


13.


14.

1.


2.


3.


4.


5.


6.


7.


8.


9.


Источник

forbes.ru/forbes-woman-phot...en/photo/1 В Москву привезли обширную коллекцию работ Натальи Гончаровой — знаменитой русской авангардистки, уехавшей в начале XX века в Париж. Это самая крупная выставка Гончаровой в России за последние 100 лет: до 16 февраля 2014 года в Третьяковской галерее будут представлены около 400 экспонатов, большинство из которых раньше в России не выставлялись. Гончарова получила признание не только в России, но и в мире. Ее самая дорогая работа - «Цветы» - была продана более чем за $10 млн. И это рекорд для произведений искусства, созданных женщинами.


Наталья Гончарова «Цветы» (1912 год)

Цена: $10,9

Аукцион: Christie’s

Год продажи: 2008

Эта картина считается знаковой для русского авангарда. В ней Гончарова смешала последние веяния европейского искусства (она изучала полотна Гогена, Матисса,Пикассо) и собственное новое направление – лучизм. Этот стиль - одну из ранних форм абстракционизма - Гончарова придумала вместе с мужем, футуристом Михаилом Ларионовым. Художники изображали лучи света цветными линиями, и таким образом передавали образ предметов. Они считали, что предметы в восприятии человека — это «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета и попавших в поле нашего зрения» («Манифест лучизма»).



Луиза Буржуа «Паук»

Цена: $10,7 млн

Аукцион: Christie's

Год: 2011

Американка французского происхождения Луиза Буржуа дожила почти до ста лет и попробовала себя практически во всех основных направлениях искусства ХХ века — кубизме, футуризме, сюрреализме, конструктивизме и абстракционизме. Но прославилась Буржуа, прежде всего, как скульптор. Все ее работы объединяет уникальная система символов. Ключевая тема ее творчества — детские воспоминания. Паук, а точнее паучиха, в знаковой системе Буржуа — это символ матери. «Она была такой же умной, терпеливой, чистой, рассудительной и обязательной, как паучиха. И она умела защитить себя», — говорила художница о своей матери.

Гигантские бронзовые скульптуры паучих Луизы Буржуа бьют рекорды на аукционных торгах. Последней рекорд принадлежит почти семиметровой «Паучихе» из частной коллекции в долине Напа неподалеку от Сан-Франциско: 8 ноября 2011года ее приобрели на Christie's за $10,7 млн.


Наталья Гончарова «Испанка» (1916 год)

Цена: $10,7 млн

Аукцион: Christie’s

Год продажи: 2010

Это полотно было написано Гончаровой во время Первой мировой войны. Тогда в жизни художницы произошли серьезные перемены. Она переехала из России в Париж, где делала декорации для «Русских балетов» Дягилева. В «Испанке» проявилось мастерство Гончаровой как театрального художника: в композиции была передана мощная энергия испанского танца. При этом ей удалось сочетать детализацию театральных декораций и упрощение, присущее абстрактному искусству. В «Испанке» проявилась радикально новая техника, которую позже назвали театральным конструктивизмом.



Наталья Гончарова «Сбор яблок» (1909 год)

Цена: $9,8 млн

Аукцион: Christie’s

Год продажи: 2006

По итогам торгов «Импрессионисты и мастера XX века» в 2006 году «Сбор яблок» установил рекорд для русской живописи. Правда, кто купил картину, не известно: покупатель пожелал остаться неизвестным.

В тот момент, когда была написана эта работа, художница увлекалась импрессионизмом, постимпрессионизмом, кубизмом и футуризмом, но особенно ощутимо в ней влияние Гогена. Вдохновлялась Гончарова и русской иконописной и лубочной традицией. В результате возник целый цикл «Сбор плодов», выполненный в совершенно оригинальной манере.



Джоан Митчелл «Без названия» (1959 год)

Цена: $9,3 млн

Аукцион: Sotheby’s

Год продажи: 2011

«Без названия» - одна из первых работ Митчелл в новом для нее на тот момент стиле абстрактного экспрессионизма. Митчелл, по данным берлинской трейдинговой компании Artnet.com, является самой успешной художницей по аукционному обороту. За период с 1985 г. по 2013 г. было продано 646 ее работ, за них покупатели заплатили в общей сложности $239,8 млн. В отличие от других американских художников, работавших в стиле абстрактного экспрессионизма, Митчелл обращалась к европейской традиции.



Тамара де Лемпицка «Мечта» («Рафаэла на зеленом фоне») (1927 год)

Цена: $8,5 млн

Аукцион: Sotheby’s

Год продажи: 2011

Тамара де Лемпицка — американская художница с польскими корнями, которая некоторое время жила в Санкт-Петербурге. Она работала в стиле ар-деко, возникшем в 1920-30-х годах и впитавшем дух «века джаза». «Мечта» была написана Лемпицка в плодотворный парижский период и после торгов 2011 года оказалась самым дорогим из творений художницы. До этого самыми дорогими ее работами были проданные в 2009 г. «Портрет Марджори Ферри» ($4,9 млн) и «Портрет мадам М.» ($6,1 млн).


Джоан Митчелл «Салют, Салли!» (1970 год)

Цена: $7 млн

Аукцион: Chistie's

Год: 2012

Эта картина посвящена старшей сестре Митчелл, Салли. Работа резко отличается от ее прежних полотен. В жизни художницы настали светлые времена, что отразилось на холсте. «Салют, Салли!» — яркая и солнечная картина. К 1970 г. Митчелл обрела постоянный дом, поселившись в небольшом городке Ветей в 55 км от Парижа. Там она наблюдала за природой и постоянно рисовала на своей террасе, в основном подсолнухи и прочие яркие цветы. Митчелл получила признание парижской публики — первая персональная выставка абстракционистки прошла в французской столице в том же 1970 г.

Картина написана маслом по холсту . До продажи полотно находилось в частной коллекции.


Кэди Ноланд «Озвальд» (1989 год)

Цена: $6,6 млн

Аукцион: Sotheby’s

Год: 2011

Американка Кэди Ноланд — скульптор и автор инсталляции, работающий в стиле постмодернизма. Пик ее творчества пришелся на 1980-1990 гг., а свою последнюю работу Ноланд создала 11 лет назад. Это, впрочем, не мешает ее картинам дорожать. По данным Bloomberg, Ноланд - один из трех художников, чьи работы сильней всего подорожали за последние 13 лет (+ 5,488 %). Столь впечатляющих цифр она добилась в том числе и благодаря проданному за $6,6 млн «Озвальду».

Скульптура изображает Ли Харви Освальда - единственного подозреваемого в убийстве американского президента Джона Кеннеди. Ноланд работала над этой инсталляцией в привычной для себя технике. Она использует образы из СМИ (вырезки из газет, кадры хроники), увеличивает их и с помощью шелкографии, наносит на листы алюминия, а потом вырезает. Чтобы придать фигурам выразительности, в некоторых случаях она делает отверстия — следы от пуль.

Произведения Ноланд находятся в ведущих галереях. Ее персональные выставки проходили в США, Японии, Европе, а работы продаются ведущими аукционными домами мира.


Тамара де Лемпицка «Спящая» (1930 год)


Цена: $6,6 млн

Аукцион: Sotheby's

Год: 2011

Портреты, в том числе и в жанре "ню", занимают серьезное место в творческом наследии де Лемпицка. Она создавала образ сильной и сексуальной женщины (не удивительно, что одной из главных собирательниц работ Лемпицки стала Мадонна). Мир художницы наполнен роскошью, дорогими платьями, идеальными телами.


Наталья Гончарова «Цветущие деревья» («Яблоневый цвет») (1912 год)

Цена: $3,96 млн

Аукцион: Sotheby’s

Год: 2011

В этой работе Гончарова, как утверждают критики, куда ближе к живописной французской традиции XIX века, чем к произведениям Казимира Малевича и Василия Кандинского.
Источник

1.


2.


3.

Английский художник-акварелист Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden)


1.


2.


3.


4.


5.


6.


7.


8.


9.


10.

Американский художник, скульптор, дизайнер, кинорежиссер, издатель журналов, писатель, коллекционер, продюсер Энди Уорхол (Warhol Andy, настоящее имя Эндрю Вархола) родился 6 августа 1928 г. в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США), в семье эмигрантов-русинов из деревни Микова, тогда находившейся в Австро-Венгрии, а в настоящее время в Стропковском районе северо-восточной Словакии.

Сведения о дате рождения Энди Уорхола весьма противоречивы. Разные источники указывают разные годы – 1927, 1928 и даже 1930, а также разные даты 6 августа и 28 сентября. Сам же художник датой своего рождения считал 6 августа 1928 г.

Родители эмигрировали в Америку еще до рождения троих своих детей.

Уорхол изучал коммерческое искусство в Институте технологии Карнеги (сейчас – Carnegie Mellon University) в Питтсбурге. В 1949 г., окончив институт (графический дизайн) и получив степень бакалавра искусств, он переехал в Нью-Йорк, где вначале работал художником – иллюстратором в разных журналах, в том числе Vogue и Harper"s Bazaar, оформлял витрины, делал открытки и плакаты. Успех принесли ему графические работы в области рекламы, особенно рисунки обуви для компании "И.Миллер".

Работа в коммерческой рекламе принесла Вархоле известность и изменила его имя. Однажды подпись под его рисунком была набрана неправильно и он решил оставить это написание имени и стал Энди Уорхолом.

В 1952 г. состоялась его первая выставка в Нью-Йорке, а в 1956 г. он получил почетный приз "Клуба художественных редакторов".

Первую половину 60-х гг. XX века Энди Уорхол занимался созданием карандашных рисунков, на которых были изображены долларовые банкноты. В 1960 г. он создал культовое произведение – бутылку кока-колы. В апреле 1961 г. в витрине нью-йоркского универмага Bonwit Teller появился его полиптих "Супермен", "Маленький король", "Попай", "До и после", "Рекламное объявление".

Следующий этап творчества художника был связан с овладением техникой шелкографии. В 1962 г. он начинает работать в технике шелкографии, сначала черно-белой, потом многоцветной с применением акриловых красок. Первая шелкография была посвящена бейсболу.

В 1962 г. Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены в кричащих цветах банки кока-колы и консервов, в том числе знаменитые изображения банки томатного супа "Кэмпбелл", ставшие визитной карточкой Энди Уорхола.

Впоследствии Уорхол стал создавать более эпатажные произведения, такие как выполненные в кислотной манере портреты Мэрилин Монро, Лиз Тэйлор, Элвиса Пресли, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна. Отдельная, практически кичевая работа называлась "Губы Мерилин Монро".

В 1963 г. Уорхол открыл в центре Манхэттена студию, которую назвал "Фабрика". Студия была устроена как коммерческое предприятие, она производила до 80 шелкографий в день, а в год выпускала около тысячи работ. На ней трудилась целая команда рабочих и была налажена работа по "массовому производству" портретов знаменитостей. Работы Энди Уорхола стали настоящим символом коммерческого поп-арта и американской художественной культуры XX столетия.

Исследователи особо отмечают значительный вклад Энди Уорхола в кинематограф, журналистику и фотографию. Всю свою жизнь Энди посвятил художественной фотографии, ее обработке и "массовому" распространению. Искусствоведы отмечают такие его работы, как The Andy Warhol Museum, Christie’s, Picture Alliance, AP, Stern Magazine, Cinetext и многие другие.

В 1970-е гг. Уорхол приобрел "Полароид", начал самостоятельно фотографировать и потом переводить полученные фото на холст.

К этой серии относятся портрет матери (1974), портрет исследователя творчества Пикассо Джона Ричардсона, портрет галерейщика Лео Кастелли (все – шелкография), а также цветные гравюры (на основе собственноручно снятых фотографий) с изображениями Джейн Фонды (1982) и Ингрид Бергман (1983).

В 1963 г. Уорхол начал снимать фильмы, в основном немые, и на протяжении пяти лет (с 1963 по 1968 г.), во время которых Уорхол занимался "кинопроизводством", он создал несколько сотен фильмов, включая 472 трехминутные кинопробы или портреты персонажей, десятки короткометражек и более 150 фильмов с определенным сюжетом (60 из них были выпущены в свет), переходя от черно-белых немых работ к сценарным цветным фильмам, по своей продолжительности напоминающим обычное кино.

Первый его фильм назывался "Поцелуй" и длился 50 минут, затем были фильмы "Танец", "Стрижка", "Еда", "Сон".

В 1964 г. были созданы двухчасовой немой фильм Batman Dracula и восьмичасовой немой фильм Empire, "13 самых красивых женщин" , "13 самых красивых мальчиков", "Питье", "Лицо", "Одинокий ковбой" и др. В середине 1960-х гг. Уорхол перешел от черно-белых немых работ к сценарным цветным фильмам (чаще всего эротического содержания), по продолжительности напоминающим обычное кино. В 1968 г. Уорхол вместе с Полом Морисси создал первый игровой фильм "Плоть".

3 июня 1968 г. психически неуравновешенная писательница, феминистка Валери Соланас, снявшаяся в его фильме "Я – мужчина", серьезно ранила его выстрелом из пистолета. После покушения Уорхол стал постоянно посещать ближайшую церковь, исповедоваться и причащаться.

Параллельно с экспериментами с любительским кино Уорхол продюсировал первую альтернативную рок-группу The Velvet Underground (Бархатный андеграунд), выступив продюсером нескольких альбомов этой группы и выполнив дизайн обложки их первого диска. С 1966 по 1968 г. он снял несколько фильмов с участием группы.

В 1966 г. Уорхол придумал для концертов группы мультимедийное световое шоу Exploding Plastic Inevitable (EPI) (Взрыв пластика как неизбежность), сочетавшее в себе многоэкранное проецирование фильмов, цветные лучи света, цветовые вспышки и т.д.

Он также выступил дизайнером обложек ряда концептуальных альбомов таких как Sticky Fingers группы The Rolling Stones.

В 1968 г. был опубликован первый роман Уорхола "А", состоящий из записи обрывков телефонных разговоров на "Фабрике". В 1969 г. он основал журнал "Интервью" (inter/VIEW), который задал новый стиль репортажа о новостях культуры и создал особую доверительную манеру проведения интервью.

В 1970 г. Энди вернулся к живописи и создал, в частности, более двух тысяч портретов Мао, в 1984-1986 гг. он создал и картину "Карта СССР" с отмеченными местами сосредоточения ракет SS 11 и SS 20 (на этой же карте видна и территория Китая), а в 1986 г. – портрет Ленина.

В 1975 г. появилась книга "Философия Энди Уорхола" (от Э до Ъ и обратно), в 1980 г. вышла книга "Попизм: Уорхол в 60-е". "Дневники Энди Уорхола" (The Andy Warhol Diaries) были изданы в 1989 г., уже после его смерти.

В 1980 г. Уорхол решил организовать собственное телевидение, разработал проект нового кабельного канала (Andy Warhol"s TV) и стал его директором.

В 1984-1986 гг. Уорхол возвращается и к темам раннего поп-арта и технике шелкографии: "Гамбургер", "Бифштекс за 99 центов", "Будь мужчиной с крепким телом".

На протяжении всей жизни Уорхол коллекционировал живопись, мебель, драгоценности, предметы декоративно-прикладного искусства. Пресытившись поп-культурой, в 1980-е гг. он стал покупать антиквариат и украшать свое жилище шедеврами классического искусства. После его смерти его коллекция была распродана на аукционах Сотбис.

Энди Уорхол умер в Нью-Йорке 22 февраля 1987 г. Братья перевезли тело художника в Питтсбург, где похоронили его на территории католической церкви византийского обряда (церковь Св.Духа).

Свое состояние, оценивающееся в 100 млн долларов, художник завещал своему фонду для помощи художественным организациям.

В 1989 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке посвятил художнику полномасштабную ретроспективную выставку.

В 1994 г. открылся Музей Уорхола в Питтсбурге, коллекция которого насчитывает 4 258 единиц хранения, в том числе 800 живописных работ, созданных в период с 1940-х до 1987 гг., ряд шелкографий, графических работ, фотографий и скульптур, кино и видеоработ.

Скандальная репутация Уорхола способствовала росту цен на его работы. В настоящее время рыночная стоимость картин Уорхола нередко измеряется десятками миллионов долларов.

Жизнь художника описана в документальном фильме Чака Уоркмана "Сверхзвезда: Жизнь Энди Уорхола" (1990).

РИА Новости 12.05.2010

Кто-то рекомендует биографическую ленту "Я соблазнила Энди Уорхола"



1.


2.


3.


4.


5.


6.


7.


8.


9.



10.

Вчера бьіла на его вьіставке в Милане)


11.

1.


2.


3.


4.


5.


6.


7.


8.


9.


10.


11.


12.