Главная новость недели: на месте монстра-отеля открыли большой красивый парк. Десять лет пустырь напротив Кремля мозолил глаза прохожим, а теперь Москву не узнать.

Вы просили рассказать подробнее про новый парк “Зарядье”. Показываю.



1 Сегодня “Зарядье" открылось для всех. Первые два дня парк работал в тестовом режиме по приглашениям.


2 Теперь же сюда можно прийти в любое время дня и ночи, 365 дней в году.


3 Для тех кто забыл, что было на месте этого парка ещё каких-то десять лет назад. Гостиница “Россия” мне никогда не нравилась, она была реальным уродством.

Фото © aneko.com

4 И пустырь на её месте - ничуть не лучше. Те, кто критикует парк, что бы вы на его месте построили?


5 В честь дня города раздавали бесплатное мороженое.

Читать далее...

Продолжаем осматривать Парк Зарядье. Сейчас мы находимся на "Парящем мосту". Для продолжения самого процесса посмотрим, какие же виды с моста доступны фотографу.

02.


Здесь замечательный вид на Высотку на Котельнической, наверное можно сказать, что открыточный.
Я так понимаю фотографироваться будут на фоне этой сталинской высотки с большим удовольствием.
03.


Неплохо получается, но не хватает конечно голубого неба. Но чего нет в этот момент, того нет)
04.

05.


Москворецкая набережная
06.

07.


Теперь рассмотрим внимательно Раушскую набережную. Особенных архитектурных шедевров здесь нет. Золотые купола, что видны на втором плане (фото ниже) - Храма Святителя Николая в Заяицком. До 1870-х гг. это была Заяи́цкая набережная. В жилом доме XVIII-XIX веков под номером 22/21 "сидит" Управления ГУП «Мосгортранс» (это за ним видны купола церкви). Здание №16 справа от него принадлежит "Гапромбанку" (видно что новодел).
08.

Читать далее...

Всего 67 фото

Парк Зарядье! Только ленивый не написал о нем в своем блоге социальной сети. И это наверное я и есть) Странно, но почему-то не тянуло туда несмотря на искреннее любопытство и множество "страшных историй" связанных с открытием Парка Зарядье в начале сентября. Однако прошло почти два месяца и это просто надо было сделать - появиться здесь, осмотреться и сложить именно свое представление об этом амбициозном и дорогущем проекте городского парка что появился совсем рядом с Кремлем.

Теперь о поставленной самому себе задаче посещения парка. Мне было интересно, что же получили москвичи, "гости столицы" в результате и действительно ли для желающих оставить для себя память о Москве появилось множество новых захватывающих дыхание ракурсов для фотосъемки? И вообще, каково первое и общее впечатление о Парке Зарядье о котором уже складывается шлейф неоднозначных реакций и отзывов в прессе!? Осматривать парк мы будем скажем так "поверхностно", поскольку о проникновении во внутренние пространства этого природно-ландшафтного парка будет очевидно и определенно рассказано отдельно. А отправился я в Парк Зарядье кстати в искреннюю солнечную погоду, но пока добрался до Красной площади, это самое солнце скрылось, так что осматривать парк мы будем к сожалению при низкой облачности и отсутствии воодушевляющего осеннего голубого неба. Хотелось конечно разместить все фото в одном материале, но к слову оказалось - что бы представить подробное "поверхностное" впечатление о парке, рассмотреть все желаемые детали необходимо увидеть достаточно приличное количество фотографий, что я и попробовал воплотить. Так что будет два поста о Парке Зарядье. Первый - о его истории (не слишком правда насыщенный подробностями), свежих впечатлениях, а второй - уже о том, что-же можно увидеть с обзорного моста, с искусствеенной горы северных ландшафтов парка Зарядье и не только. Итак, приступим.

Первое упоминание о Зарядье относится к 1365 году, однако поселения торгового люда появились здесь уже в XII веке. Благодаря удобному расположению между Кремлём и пристанью на Москве-реке, Зарядье долгое время оставалось оживлённым торговым центром средневековой Москвы.
02.

Вид на Зарядье со стороны Московского Кремля

Главная улица посада называлась Великой (впоследствии - Мокринский переулок) и соединяла Константино-Еленинские ворота Кремля с речной пристанью. До постройки в 1938 году нового Большого Москворецкого моста Зарядье выходило к стенам Кремля. Возведённая в 1534-1538 годах Китайгородская стена отделила Зарядье от реки, и назначение района изменилось.
03.

Вид на Зарядье со Швивой горки. 1880 г.

Читать далее...

26 августа / 8 сентября Русская Православная Церковь отмечает светлый праздник, установленный в честь сретения, то есть встречи, Владимирской иконы Пресвятой Богородицы при перенесении ее из Владимира в Москву. Этот чудотворный образ Царицы Небесной был написан Евангелистом Лукой на доске от стола, за которым трапезовал Спаситель с Пречистой Матерью и праведным Иосифом. «Отныне ублажат Меня все роды. Благодать Рождшегося от Меня и Моя с этой иконой да будет», - сказала Богородица, когда увидела эту икону.



В благодарность Заступнице Небесной за чудесное избавление Москвы от полчищ хана Тимура-Тамерлана на месте встречи 26 августа / 8 сентября 1395 года чудотворной иконы был основан Сретенский мужской монастырь. В субботу, 30 сентября, благодаря Юле я вновь побывала на экскурсии по обители и узнала о важных вехах в ее истории и житии святых подвижников благочестия.

Наш замечательный экскурсовод из паломнической службы Сретенского монастыря - Мария


В 13-15 веках Русь страдала от разорительных набегов татаро-монгольских орд. Важнейшую роль в начале борьбы с иноземным игом и укреплении значения Москвы как центра объединения русских земель сыграл поединок схимонаха Александра Пересвета и воина хана Мамая Челубея на Куликовом поле. Вооружившись одной лишь схимой и горячей верою во Христа, инок Троице-Сергиевой лавры одержал великую духовную победу над ордынским богатырем, принеся себя в жертву и исполнив тем самым данную Спасителем заповедь Любви. «Нет больше той любви, как если кто положит душу свою за друзей своих» [Ин. 15:13]. 8 (21) сентября 1380 года в день празднования Рождества Пресвятой Богородицы войско святого благоверного князя Димитрия Донского одержало знаменательную победу над полчищем хана Мамая, положив этим начало освобождения земли Русской от золотоордынских угнетателей.

В Сретенском монастыре




Но еще около века с тех пор Русь страдала от набегов ордынских ханов. Так, спустя 15 лет после победы князя Димитрий Донского на Куликовом поле, над Москвой зависла новая страшная угроза - хан Тамерлан (Темир-Аксак) достиг пределов рязанских, взял город Елец и, направляясь к Москве, приблизился к берегам Дона.

В Сретенском монастыре


Великий князь Василий Димитриевич, старший сын Димитрия Донского, вышел с войском к Коломне и остановился на берегу Оки в ожидании врага. Великий князь, митрополит Московский Киприан и весь народ горячо молились Спасителю, Пресвятой Богородице и всем святым угодникам Божиим о милости и защите от иноверца. Василий Димитриевич попросил митрополита доставить из Владимира в Москву чудотворный образ Царицы Небесной. Крестный ход с Владимирской иконой Богоматери длился десять дней, и 26 августа по старому стилю городское духовенство, семья великого князя, знать и весь честной люд от младенцев до старцев в слезной молитве встречали на Кучковом поле (современная территория между Лубянской площадью и Сретенскими вратами) образ Пречистой. Моля о помощи Всевышнего, они крестным ходом проводили святыню до Успенского собора Кремля.
Читать далее...

Ваганьковское кладбище - одно из старейших кладбищ города. Название Ваганьково произошло от слова "ваганы" (схоже с западно-европейскими "вагантами"), означающего веселый народ, странствующих артистов, бродячих поэтов, шутов и скоморохов.
Сейчас это место известно многим как последнее земное пристанище многих знаменитых артистов, спортсменов, архитекторов, художников, писателей, поэтов и других известных людей. Но наша экскурсия была посвящена не заслуженным деятелям светского мира, а церковному некрополю кладбища.

Годом основания кладбища считается 1771 г. После эпидемии чумы императрица Екатерина II запретила любые захоронения в черте города. Село Новое Ваганьково находилось в 1 км от границы Москвы. Первыми на новом кладбище стали хоронить умерших от эпидемии безымянных москвичей. На протяжении долгого времени здесь хоронили небогатых горожан.
Экскурсию для нас проводил иерей Сергей Матюшин, который много лет служит клириком в храме Воскресения Словущего на Ваганьковском кладбище.
2.

Храм Андрея Первозванного - это единственный дореволюционный храм в Москве, освященный в честь апостола Андрея. При постройке в 1821-1824 году храма Воскресения Словущего изначально здесь были два флигеля. В одном из них разместилась богадельня, а в другом - гостиница для приезжих и чуть позже церковно-приходская школа. Эта школа была перестроена в храм Андрея Первозванного в 1916 году. Первоначально строительство храма здесь не предполагалось, поэтому была допущена одна исключительная особенность. Алтари православных храмов обращены на восток, а алтарь храма Андрея Первозванного смотрит на юг. Вот такое совершенно не типичное для православных церквей исключение.
3.


Но идти службам в этом храме было суждено недолго, и спустя два года церковь была закрыта. В ней устроили общежитие и помещение для кладбищенских служб. Богослужения вновь возобновились в храме после 1989 года, когда он был возвращен РПЦ.
4.


Небольшая часовня на фото сейчас находится на реставрации. Она интересна надписью о захоронении здесь Марии Васильевны Вешняковой в 1706 году, т.е. намного раньше основания самого кладбища. Можно предположить, что она была одной из тех "вагантов", проживающих здесь ранее.
5.

Читать далее...

Это тот самый памятник, который собирались поставить в городе Александров Владимирской области, но установку отменили из-за разгоревшейся вокруг памятника общественной дискуссии. Поэтому его поставили в Москве -- безо всякой дискуссии.





Источник: пресс-релиз Российского Военно-исторического общества:

На «Аллее Правителей» в Москве (Петроверигскийпереулок, дом 4, стр.1) появился новый экспонат – памятник Великому князю Московскому и всея Руси, Государю, первому царю всея Руси – Ивану IV Васильевичу.

Российскому военно-историческому обществу передан на ответственное хранение уникальный экспонат – памятник Ивану Грозному (скульптор – Василий Селиванов). Монумент должен был стоять в г. Александров Владимирской области, но установку отменили из-за разгоревшейся вокруг памятника общественной дискуссии.

Теперь скульптура стала музейным предметом и выставлена для всеобщего обозрения перед «Аллеей Правителей» в центре Москвы, на Китай-городе.


фото отсюда

Напомним, что «Аллея Правителей» создана Российским военно-историческим обществом в сквере, облагороженном в ходе реставрации здания в Петроверигском переулке, где ныне расположен «Музей военной формы одежды» РВИО.

Аллея призвана отобразить историю России в лицах ее правителей. Здесь установлены бюсты 33 человек, в тот или иной период осуществлявших верховное руководство страной – от великих князей периода образования Древнерусского государства до деятелей Временного правительства времен революции. Также в граните запечатлено генеалогическое древо рода Рюриковичей и ветви династии Романовых.

Воплотил образы правителей в бронзе Президент Российской академии художеств Зураб Церетели. Планируется, что до конца 2017 года «Аллею Правителей» пополнят еще 8 бюстов – от Владимира Ленина до Бориса Ельцина. Также на благоустроенной территории открыт «КиноСквер», где по вечерам проходят лекции, музыкальные вечера и кинопоказы.

ПРЕДЫСТОРИЯ
https://lenta.ru/news/2017/06/05/grozny_left/

Авторы памятника Ивану Грозному в Александрове увезли скульптуру из города

Руководство фонда «Русский витязь» и скульптор Василий Селиванов забрали у местных властей предназначавшуюся для города Александрова (Владимирская область) скульптуру Ивана Грозного. Сейчас они рассматривают другие варианты для ее размещения. Установка памятника в городе состоится, если районная администрация извинится за снос скульптуры с постамента, сообщает ТАСС со ссылкой на президента фонда Дмитрия Лысенкова.

По мнению Лысенкова, на территории городского МГУП «Благоустройство», где хранился памятник, никто не гарантировал его сохранность, и авторы переживали за его физическое состояние. Сейчас скульптуру перевезли на склад фонда «Русский витязь».

Лысенков заявил, что ему пришло уже несколько предложений альтернативных мест для памятника, в том числе в Москве, в Тульской области, в Подмосковье и на юге России. Окончательное решение о переносе еще не принято, и представители «Русского витязя» не собираются демонтировать постамент стоимостью около одного миллиона рублей.

Районные власти заявили, что если «Русский витязь» все-таки увезет монумент из города, они найдут других инвесторов, и закончат проект. «Мы сделаем благоустройство набережной и обязательно поставим памятник Ивану Грозному», — заявил агентству глава администрации Александровского района Игорь Першин.

В конце апреля памятник русскому царю исчез с места установки, пока его автор — скульптор Василий Селиванов — ходил на обед. Свидетели произошедшего были уверены, что монумент украли. При этом в администрации города тогда заявили, что памятник увезли с их разрешения, поскольку его открытие перенесли на лето.

***
Там в общем дикая чехарда была: по заявлению мэрии памятник поставили некие лица на пьедестал по собственному почину, поэтому мэрия его и эвакурировала.



http://shakko-kitsune.livejournal.com/1120174.html

В своих статьях я стараюсь подробно рассказать о всех деталях рассматриваемого сооружения. Дать основные исторические сведения, рассказать об архитектуре, показать значение здания в истории отечественной архитектуры.
Но в этой работе я решил немного отойти от такого научного подхода и просто показать фотографии. Фотографии изделий русских мастеров, которые верезали из дерева эти кружева и покрывали их золотой краской. И украсили своими изделиями церковь Покрова в Филях.

Читать фотографии .....





Читать далее...

Луис Багариа. Идущий Антонио Гауди на фоне храма Святого Семейства. 1915 год.

Антонио Гауди (1852-1926) родился в небольшом городке на Коста-Дорада. На родине архитектора ныне имеется Тропа модернизма, к нему никакого отношения не имеющая.
Папаша его был медных дел мастер, то есть делал котлы. Мальчик мог смотреть на процесс, и в результате с самого детства приучился мыслить не чертежами и схемами, а макетами и объемами. Это определило его творческий метод. Такое впечатление, что в его дальнейшей трудовой биографии чертежи зданий предоставлялись городским властям на утверждение, а после их подписания уже не особо интересовали архитектора.

В своем репортаже о посещении Барселоны я упоминаю его только через запятую, в общем списке знаменитых каталонцев, но и тогда, и сейчас мне понятно, что в случае с Гауди, как и в случае с Пушкиным, мы имеем дело не с талантом, а с гением. Для тех, кто не улавливает разницы, отмечу, что талантливость — качество довольно заурядное, ведь примерно треть человечества талантливо. Однако талант решает задачи, которые ему подсовывают заказчики, начальство, учителя, а гений решает задачи, которые кроме него даже никто не видит. Пушкину никто не поручал создать новый русский язык, а он это смог. По поводу Гауди затрудняюсь заявить столь же хлесткую формулу гениальности, но, к примеру, однажды он догадался, что стены в домах необязательно должны быть прямые…

При знакомстве с художествами мастера многие еще при его жизни задавались вопросом: «Гауди — гений или сумасшедший?».
Впервые этот вопрос прозвучал вслух на вручении дипломов архитекторской школы в Андалусии, единственного места на планете, которое кроме родной Каталонии посетил Гауди. Для успешного выпуска архитектор должен был сделать один объект. А далее — выпускной вечер в новую работу и новую жизнь. На ставший потом сакраментальным вопрос «гений или безумец?» молодой Гауди тогда холодно ответил: «По-моему я просто архитектор».
Действительно, версия безумия не имеет под собой никаких оснований. Гауди помнил о девизе французского архитектора Эжена Виолле-ле-Дюка: «Учиться на старых образцах, но только критически!». Один из немногих архитекторов в ХХ веке он исследовал естественные формы: природные линии и изгибы — вот, что его волновало.

Московский музей современного искусства в это лето представляет масштабную выставку «Антонио Гауди. Барселона», в основу которой положен многолетний проект-исследование. Там более полутора сотен экспонатов: чертежи, планы, макеты знаменитых зданий, а также мебель и декоративные элементы. Многое восстановлено, так как в 1936 году анархисты сожгли здание с большинством материалов Гауди.

Более двадцати лет Гауди, долгое время не имевший собственного жилья, прожил в "рекламном" доме планируемого котеджного поселка в парке Гуэль. Это первый в его жизни дом после дома родителей. И его построил ему другой архитектор, его друг и соратник Франсеск Беренгер-и-Местрес. На прежних его визитках, представленных на выставке, указывается адрес буфета, в который он со второго этажа из съемной комнаты спускался поесть или принять посетителей. А в парке Гуэль у него, наконец, появился собственный дом с башенкой, ныне дом-музей.

И вот, к примеру, кусок облицовки, показывающий, как с помощью плитки Гауди выкладывал изогнутые формы.



Крутая выставка! Мы с женой сходили туда и не пожалели, но, пожалуй, только потому что она была в Барселоне трижды, а я — дважды. А иначе не понятно, как это адекватно воспринимать! Макеты, к примеру, не раскрашены. Фигуры человека для масштаба на них не имеется. Ну и вообще…

Выставка поделена на пять разделов, первый из которых — вступительное жизнеописание архитектора, включая периоды учебы. Остальные четыре позволяют экскурсоводу интересно поговорить о ряде городских объектов Барселоны — школе Святой Терезы Авильской, дворце и парке Гуэля, домах Висенса, Бальо и Мила, храмах.
Читать далее...

Художественная жизнь Европы в XIX веке превратилась в арену практически непрерывной борьбы течений в изобразительном искусстве. Драматические события в истории Европы – многочисленные революции и войны, промышленный переворот, в корне изменивший не только образ жизни, но и социальную структуру общества, наконец, естественнонаучные открытия, значительно повлиявшие на формирование религиозного скептицизма, –поставили под сомнение систему духовных ценностей, существовавшую в течение нескольких столетий. «Христианская цивилизация теряет не просто одну из своих ценностей, она теряет даже больше, чем веру, – человека, устремленного к Богу, на смену которому приходит человек, направляемый идеями и действиями. Руководящая Ценность распадается на множество ценностей. Абсолют – вот что покидает западный мир», – писал Андре Мальро. Утративший традиционные идеалы художник с особой остротой ощущал безвыходность положения, которая в одних случаях проявилась в эмоциональном, трагическом переосмыслении современных событий, в других – в меланхолических размышлениях о скоротечности бытия. В эпоху кризиса гуманизма условием обновления искусства (и принципиальной возможности дальнейшего существования культуры) становится его способность к метаморфозе. Подлинное значение мысли Андре Мальро видится в утверждении им принципиальной «открытости» любого произведения – как разнообразным влияниям и диалогам, так и интерпретации зрителя.



Начало процесса освобождения живописи от главенства сюжета традиционно связывается с именем Эдуарда Мане. Неизменно возвращаясь в своем творчестве к искусству старых мастеров, Мане предлагает принципиально новые трактовки классического сюжета. Так, из «Натюрморта с пионами и секатором» исчезает детальная проработка предметов и фактуры, присущая классическим натюрмортам. Отсутствие фактуры возмещается быстрой, свободной манерой письма, изящным колоритом и особенным, характерным для Мане приемом освещения, когда сам объект кажется светоносным.


Эдуард Мане «Натюрморт с пионами и секатором», 1864, Музей д’Орсэ, Париж

Окончательное утверждения живописи, как акта «присвоения мира» происходит в творчестве Поля Сезанна. Его метод упрощения формы предметов способствовал уничтожению связи между сюжетом и его живописной интерпретацией, а также стиранию граней между жанрами. Композиция «Персики и груши» была исполнена мастером на рубеже 1880-1890х годов в мастерской в родительском доме – поместье Жа-де Буффан. Сезанн составлял натюрморты из обыденных предметов и муляжей фруктов, постоянных обитателей мастерской, которые волей художника превращаются в героев эпического действа с величавым пространственным ритмом, обретающим вневременный характер и смысл. Высшая степень сосредоточенности созерцания, явленная в картине, превращает ее восприятие в подлинное метафизическое переживание. Это настроение в творчестве Сезанна особенно высоко ценили в первую половину XX века, когда его имя стало синонимом обновленного представления о мировой художественной традиции для представителей самых различных направлений в искусстве.


Поль Сезанн «Персики и груши» Первая половина 1890х гг Холст, масло, ГМИИ им. А.С. Пушкина

Живописное наследие Сезанна получает развитие в творчестве Жоржа Брака, который в конце 1900х годов становится соавтором Пикассо в разработке кубистической техники. После Первой мировой войны, сохраняя формальные авангардные находки – коллажность, знаковость обобщенных плоскостных контуров в изображении предметов, игровые мотивы фактур – обманок, Брак наделяет свои композиции трепетностью, мягкостью, спокойствием, многочисленными отсылками к мастерам прошлого – от Шардена до Сезанна. Легкая размытость, волнистость форм натюрморта сродни мелодии – этот мотив ясно читается одновременно и на уровне изображения, и в названии работы – «Натюрморт с сонатой».


Жорж Брак «Натюрморт с сонатой», 1921, Музей современного искусства Париж

В 1860е годы европейские художники открыли для себя искусство Японии, которое оказало значительное влияние на западную культуру. Важнейшая роль здесь принадлежит цветной ксилографии – европейцы не только позаимствовали художественные приемы японской гравюры, но и оценили по достоинству эстетическую функцию тиражного искусства.
Читать далее...

---

Уже 2 раза был на выставке «Венеция Ренессанса. Тициан, Тинторетто, Веронезе. Из собраний Италии и России», проходящей в ГМИИ им. Пушкина.

Потрясен работами великих. Простота и величие сюжета и цвета. Именно цвета, краски вызывают у меня трепет. Дополнительно к полотнам великих в 3 залах размещены более поздние работы венецианцев из собрания ГМИИ. Наверное, они должны были показать, как основы, заложенные Тицианом, Тинторетто и Веронезе, развивались в последующем. Я же видел только бледные краски и невыразительность в сравнении с титанами возрождения.

На выставке 23 работы или по другим подсчетам — 22 (если два полотна Веронезе «Святой Иоанн Креститель. Святой Мина» — считать единым). Но больше и не надо, и так выходишь с выставки насыщенным, полностью наполненным и неспособным воспринимать на этот момент что-либо еще. У меня такое ощущение появляется обычно после 2-3 часов непрерывного просмотра незнакомой экспозиции где-нибудь в путешествии.

Мои фотографии не передают красоты этих творений (в свою защиту скажу, что и репродукции в альбоме имеют тот же недостаток). Так что, если есть возможность обязательно сходите на выставку. Каждое полотно — словно святыня, которую надо обязательно увидеть, чтобы понять её сакральность.

Традиционно, всем в венецианском ренессансе нравится, как мастера изображали ткани. Большинство моих знакомых восхищались работой Веронезе «Похищение Европы». Именно ткани одеяний вызывают первые ошеломляющие впечатления. Сразу вспоминаются строки из стихотворения Максимилиана Волошина «Венеция»:

О пышность паденья, о грусть увяданья!
Шелков Веронеза закатная Кана,
Парчи Тинторето... и в тучах мерцанья
Осенних и медных тонов Тициана...

Полностью стихотворение привожу в конце заметки. Ну и сразу тогда о структуре. Вначале — введение к выставке (текст ГМИИ им. Пушкина), потом фото с небольшими моими заметками. В завершении хронология деятельности Тициана, Тинторетто и Веронезе.

Введение к выставке (текст ГМИИ им. Пушкина)

В эпоху Возрождения Венеция переживала период блестящего расцвета искусства и, в первую очередь, живописи. В XVI веке там творила триада величайших мастеров кисти — Тициан Вечеллио (1488/1490–1576), Якопо Тинторетто (около 1518–1594) и Паоло Веронезе (около 1528–1588), которые участвовали в формировании европейской художественной культуры, оказав определяющее влияние на искусство последующих веков.

Несмотря на то, что вслед за быстрым поражением Камбрейской лиги (1508–1509) Венеция перестала претендовать на роль главного игрока на международной политической арене, в XVI веке это был богатый космополитичный город, один из самых густонаселенных на континенте, место пересечения культур и экономических интересов. Статус Венеции как города-легенды поддерживался благодаря тому, что представители городской элиты вкладывали огромные средства в картины, скульптуры, архитектурное обновление отдельных зданий и города в целом, а также в предметы роскоши. Постоянный спрос на произведения искусства со стороны местных и зарубежных клиентов привлекал в Венецию многих мастеров из соседних провинций, привозящих в лагуну собственные художественные традиции. Именно в этой многоликой реальности и сформировались живописцы, внесшие наибольший вклад в формирование венецианского стиля, — Тициан, Веронезе, Тинторетто. Эти художники родились в разных городах, принадлежали к разным поколениям, имели разный социальный статус и образование; творчество каждого из них отличалось неповторимым художественным языком и собственным стилем, но при этом они взаимодополняли друг друга.

Тем не менее в их судьбах много общего — к примеру, все они выполняли заказы для важнейших церквей Венеции и прилегающих территорий, а также работали по частным заказам, получаемым от крупнейших политиков и влиятельных персон. Кроме того, все три мастера возглавляли наиболее активно работавшие мастерские, которые, по венецианской традиции, были семейными.

Несмотря на то, что сходство этих мастеров является объективным фактом, большинство исследователей пыталось рассматривать их сосуществование в художественном пространстве Венеции как соперничество, упрощая контекст, который в реальности был гораздо более сложным: каждый из этих живописцев занимал свою нишу, обращаясь к разным категориям заказчиков и разным слоям общества. Они внимательно наблюдали за работой друг друга, изучали ее, и, в конечном итоге, сумели сформировать между собой тип отношений, исключавший открытое противостояние: каждый из них сохранял верность общим культурным корням, при этом четко осознавая собственную творческую индивидуальность.

Основанный на тематическом отборе произведений, этот выставочный проект ставит вопрос о самой вероятности существования соперничества между этими мастерами, а сопоставление их произведений позволяет выявить особенности художественного языка каждого из живописцев, показав их творчество в подлинном историческом, социальном и экономическом контексте.

Экспозиция дает зрителям уникальную возможность увидеть наиболее важные шедевры трех мастеров, хранящиеся в собраниях главных музеев Италии и России. На выставке соединились в одном пространстве портретные работы и произведения на религиозную тематику — от композиций, создававшихся для частных заказчиков, до крупных алтарных образов (вид живописи, в котором венецианские художники XVI века совершили подлинную революцию).

Кураторы выставки не обошли стороной и тему трактовки мифологических сюжетов, в рамках которых Тициан, Тинторетто и Веронезе обнаружили собственные подходы к раскрытию темы красоты, исполненной чувственности и живого трепета. Свобода и оригинальность интерпретации эротических сюжетов, свойственных мифологической тематике, на протяжении многих столетий прославляют венецианскую живопись XVI столетия — золотого века Тициана, Тинторетто, Веронезе.

ПАОЛО КАЛЬЯРИ, прозванный ВЕРОНЕЗЕ (около 1528–1588). Сусанна и старцы. 1580–1585. Холст, масло. Генуя, Палаццо Бьянко (предоставлено частным собранием)

Читать далее...

В этот раз доехали до дома музея художника Васнецова. Дом-Теремок, полный картин и милых интересностей.
сайт музея



Внезапно, среди обычных кирпично-бетонных домов такой вот теремочек, избушка, как из сказки.


Кому интересно про этот дом, интерьер и самого художника.


Внутри совершенно очаровательно! Столько деталей... Часики, лавочки с узорами, изразцы. Входишь и замираешь, не знаешь на что смотреть в первую очередь, глаза разбегаются.


Сложно поверить, что в обычном районе Москвы, только что ты шел по большому шумному проспекту, а тут вдруг ты оказываешься в тихой маленькой сказке. Жаль, что музей внезапно закрывался чуть ли ни на час раньше, чем обычно, поэтому мы тут не задумчиво и расслабленно бродили, а бегали, как ошпаренные, чтобы все посмотреть.
Я вот за такие проделки очень порицаю наши музеи, блин. Никакой инфы об этом не было.


Это не просто квартира-музей. А целая выставка картин! Жаль, к некоторым поближе не подойти, хотелось порассматривать.


Домишки! Милота какая!

Читать далее...

Только после посещения этой выставке прояснилось, что в век Просвещения понималось под "готикой"?
Этот период занимал в России преимущественно вторую половину XVIII века, когда правительство активно способствовало развитию наук и искусств. Возникли первые российские университеты, библиотеки, театр, публичные музеи и относительно независимая пресса. Наибольший вклад в российское Просвещение принадлежал Екатерине Великой, которая, как и прочие просвещённые монархи, играла ключевую роль в поддержке искусств, наук и образования.
Мир готического в Век Просвещения не был точно исторически определён. Под этим словом подразумевали все древнее, "варварское", отличающееся от классического вкуса, считавшегося правильным. Готическими именовали и древнерусские памятники архитектуры. А саму эпоху Древней Руси сближали с временами рыцарских преданий Западной Европы. Начавшееся с Баженова увлечение "готическим", долго затем продолжалось по придуманным им образцам. Баженов создал московскую архитектурную школу последней трети XVIII века, проектировал много, включая Царицыно и Кремлевский дворец.

1. Первый раздел выставки в Музее архитектуры - "Пропилеи". (Пропилеи - это парадный проход, проезд, образованный портиками и колоннами, расположенными симметрично оси движения на каком-либо участке.) В первом зале анфилады показаны возможные варианты реализации темы "готический вкус" в век Просвещения.




2. Интерьер готического собора в этом разделе соседствует с рембрандтовским видом старого Амстердама, или с панорамами древнерусских городов. В этом же разделе вводится сюжет о театре, о великосветских каруселях, а также тема готической меланхолии в культе руин на гравюрах Пиранези.




3.


Рембрандт Харменс ван Рейн (1606—1669). Вид Амстердама, 1640. Офорт

4.


Жак Калло (1592-1635). Вид укреплённого города с рыбаком на лодке
Читать далее...

Долго собиралась, и вот наконец-то я посмотрела эту крупнейшую коллекцию предметов ар-деко. Московский музей Ар Деко находится в историческом здании, являющимся памятником промышленной архитектуры (1883 г., архитектор - В.В. Столяров), на Лужнецкой набережной, дом №2/4. Изначально в нём был завод по производству химических красителей и фармацевтики Фридриха Байера, затем военной и авиационной промышленности, сейчас - это территория бизнес-центра. Пешком минут за десять - пятнадцать можно дойти от станций метро: Воробьевы горы, Спортивная и Университет. На прилегающей территории есть небольшая стоянка для машин.

Музей Ар Деко создан два года назад предпринимателем и меценатом М.О. Окрояном. Музейная коллекция, кроме произведений из бронзы и слоновой кости периода 1920-1930-х годов, включает мебель, светильники, много ковки, а также лампы и всевозможные консоли.








В период с 1918 по начало 30-х годов Европа переживала настоящий художественный, культурный и социальный бум, главными центрами которого стали Париж и Берлин, отчасти Вена.



Читать далее...

Понятие истины, начиная с эпохи Позднего Возрождения переживает метаморфозу, преображаясь из красоты в правду жизни, а завоеванное Ренессансом представление о человеке и человечности становится трагическим гуманизмом. Ведущей темой великих мастеров старшего поколения (Микеланджело, Тициана, Тинторетто) и их учеников-маньеристов становится борьба и гибель героя, ужас смерти и сопровождающая ее трагедия отчаяния, как правило, сюжетно связанные с эпизодами «Страстей». В то же время начинают проступать, приоткрываться черты нового мира: жизни не личности, а коллектива, не героев, а простых людей, существующих под знаком не красоты, а правды, не идеального, а реального.



Начало Нового времени – XVII век, названный исследователями «первым современным (modern) столетием», наследует от предшествующего этапа раздробление прежде единого художественного процесса и формирует систему культуры, сохраняющуюся в своих основных чертах вплоть до настоящего времени. XVIII век, эпоха Просвещения, открывается для Мальро чередой утрат: в конце предыдущего столетия умирают Веласкес, Вермеер, уходят Корнель, Расин, в середине века – Гендель и Бах, связанные с духовными ценностями отошедшей эпохи. При этом «христианская цивилизация, – по мнению Мальро, – теряет не просто одну из своих ценностей, она теряет даже больше, чем веру, – человека, устремленного к Богу, на смену которому приходит человек, направляемый идеями и действиями".



«Портрет Папы Павла III» Тициана из Государственного Эрмитажа в Санкт- Петербурге – вероятно, вариант портретной композиции из Музея Каподимонте в Неаполе. Подобно Бодлеру в стихотворении «Маяки», где великие живописцы председательствую перед Богом за погрязшее в грехе человечество, Мальро создает свой ряд «маяков» - гениев живописи. Тициан в их ряду. «Художникам не надо было заново открывать то, что открыл он ( а его открытие грандиозно, ибо он покончил с приматом линии). Возрождение достигает апогея в патрицианстве Тициана… Все чувства становятся отныне придворными художественного чувства, а оно служит их эталоном…» Мальро таким образом констатирует характерную для Ренессанса метаморфозу перехода к идеальному – собственно , эстетическому. Идеализация, отмечает он в этой связи, была для венецианцев выражением искусства.


Тициан Вечеллио и мастерская «Портрет Папы Павла III», 1545-1546 холст, масло, Государственный Эрмитаж Санкт- Петербург

Это очевидно, если сравнить с портретами Рембрандта превосходные портреты Тициана из Венецианской Академии: «Для Рембрандта изображать – значит не идеализировать…но даровать душу». Тициан и Рубенс сообщали лицам своих высоких заказчиков «царственное величие», тогда, как «Рембрандт пронизывает светом Христовым своих нищих». Частое сравнение Тициана с Рембрандтом у Мальро имеет свои основания, потому что Рембрандт формирует свой живописный язык в русле тициановской традиции. Между тем эти мастера принадлежат к разным эпохам. Их разделяет метаморфоза, связанная с «революцией» Караваджо на рубеже XVI-XVII веков, рождением живописи, порывающей с идеализацией, зачинающей искусство, ориентированное на правду жизни. Тем не менее, замечает Мальро, «у позднего Тициана…кисть повинуется драматическому лиризму; у Рембрандта тоже, хотя затаенному».


Читать далее...

В Государственном музее изобразительных искусств имени Пушкина прошла выставка «Голоса воображаемого музея Андре Мальро». Концепция Андре Мальро (1901 - 1976), знаменитого общественного деятеля Франции ХХ века, писателя, философа, участника движения Сопротивления, министра культуры в правительстве Шарля де Голля на время получила своё вещественное воплощение. «Воображаемый музей» – это эссе Мальро, написанное им в 1947 году. В нём, среди прочих, выражена мысль об идеальном музее, который объединяет различные стили и эпохи.  Куратором выставки стала президент музея Ирина Александровна Антонова.



Из самых разных уголков мира были привезены множество шедевров разных эпох и культур, которые расставили вперемешку. Выставка объединила более 200 экспонатов, организованных по биографическому и хронологическому признаку и отражающих философско-культурологическую концепцию «воображаемого музея» Андре Мальро. В экспозиции представлено несколько разделов: «Многоликая древность», «От сакрального к идеальному», «От идеального к реальному», «На пути к модернизму».



Были представлены произведения из собраний музеев: Лувр, Париж; Египетский музей, Берлин; Прадо, Мадрид; Музей средневекового искусства Клюни, Париж; Музей изобразительных искусств, Будапешт; Государственный Эрмитаж; Музей д’Орсэ, Париж; Музей современного искусства города Парижа; Государственная Третьяковская галерея, Москва; Музей Пикассо, Париж; ГМИИ им. А.С. Пушкина; Национальный музей восточных искусств – Гиме, Париж и др.



«Воображаемый музей» Андре Мальро - эвристическая модель, позволяющая переосмыслить назначение искусства, природу творческого акта, понимание факторов, определяющих жизнь искусства в веках.
Самый признак музея предполагает совместное пребывание изолированных артефактов, вырванных из родственной им среды и отлученных от породивших их почвы. Это одиночество сопровождается включением их во взаимодействие с другими, столь же обособленным объектами, как близкими по образному строю, так и весьма далекими, создающими вместе новый контекст, значительно более широкий, чем первоначальный.



Отсюда, по мнению Мальро, вытекает ослабление роли общекультурных и социальных факторов, а на первое место в качестве единой основы для диалога и сопоставления выдвигаются собственно художественные особенности памятников, их значение, как произведений искусства.



Сравнивая или противопоставляя друг другу памятники средневековой скульптуры, Андре Мальро обнаружил очевидные закономерности развития этого вида искусства: использование окружающей реальности только как предлога для творчества преображения художественных форм, единство «великого стиля» всех видов религиозных искусств.

«Алтарный образ Марии с Младенцем», сидящей на троне, отличается компактностью форм: платье Марии и хитон Младенца решены широкими вертикальными складками. Ассиметрия лиц и эффект закрытых глаз рождают ощущение молитвенной сосредоточенности образа, наделяя его духовной силой, отличающей лучшие образы романского искусства. По мнению Мальро, суровые черты и монументальность романской пластики идут от архитектуры, так как романский стиль «вытягивал и скручивал фигуры сообразно священному преображению».


Мадонна с Младенцем Каталонские Пиренеи XII в Дерево (орех), резьба, следы полихромии ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Скульптура из Гандхары представляет Будду в монашеском одеянии. Она могла служить для оформления ступы. В ней заметны характеристики, возникшие под влянием духовных сочинений буддийских монахов. Налицо также глубокое воздействие искусства эллинистической Греции, Греко-Бактрии, Рима: складчатое одеяние, напоминающее римскую тогу, положение рук – характерная для эллинистической иконографии поза философа.


Скульптура Будды Северо-западная Индия, Гандхара. IV-V вв ганч (природная смесь гипса с глиной) штамповка, подрезка, доработка, роспись Государственный музей народов Востока Москва
Читать далее...

Выставка «Шелковый лабиринт. Редкие платки Hermès из собрания Maison Carré Foundation» проходит во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства, Москва с 7 марта по 20 мая 2017 года. Дата закрытия перенесена с 14 мая.


Le Moyen Age / Платок Hermès Средние века. Фрагмент. Художник Christiane Vauzelles. 1960. Photo by Tatiana Gorbutovich

Совершенно не думала, что мне может понравиться выставка платков, да еще и современных. Но это все-таки платки Hermès – экспозиция очень красивая и интересная.

На выставке показано более 100 платков, созданных с 1938 года и до последнего времени.


2.

Le Moyen Age / Платок Hermès Средние века. Художник Christiane Vauzelles. 1960. В дизайне этого платка показан Париж и его жители времен средневековья. Этикетка. Photo by Tatiana Gorbutovich

Описание на сайте музея:

" Выставка редких платков Hermès из частной российской коллекции Maison Carré Foundation проходит с 7 марта по 20 мая 2017 года в Белом зале Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства. Maison Carré Foundation — это частная коллекция шелковых платков Hermès, собранная Александром и Екатериной Цыбиными, насчитывающая более 700 уникальных дизайнов и входящая в тройку крупнейших коллекций в мире. На площади свыше 650 м2 выставлены более 100 платков, в основном раритетных дизайнов, созданных с 1938 года и до наших дней. Каждый из представленных экспонатов является произведением искусства и обладает собственной уникальной историей. В 2017 году отмечается 80-летний юбилей начала производства платков Hermes – первым в истории компании был платок Jeu des Omnibus et Dames-Blanches, выпущенный в 1937 году, и его переиздание также будет представлено на выставке. Выставочный проект осуществляется силами самих коллекционеров, без какого-либо участия Дома Hermès.


3.

Le Moyen Age / Платок Hermès Средние века. Фрагмент. Художник Christiane Vauzelles. 1960. Photo by Tatiana Gorbutovich

Выставка «Шелковый лабиринт» состоит из трех разделов. «Ретроспектива ранних и редких платков Hermès 1930-60-х гг.» позволит проследить эволюцию развития дизайна культовых аксессуаров, которые являются объектом вожделения всех модниц мира. «Русская тема в платках Hermès» — платки, посвященные истории и культуре России. В этом разделе экспозиции также представлены предметы, послужившими вдохновением при создании дизайнов: традиционные русские игрушки, реконструкция сцены зимнего катания на санях, военная форма русской гвардии XIX века. В отдельном зале собраны лимитированные и специальные платки, посвященные известным событиям и персонам, а также выпущенные по специальным заказам и не поступавшие в продажу: к значительным военным и политическим событиям во Франции, к свадьбам и годовщинам европейских монархов, олимпийским играм, к значительным мировым политическим событиям, для авиакомпаний, часовых и ювелирных домов и т.д. Также отдельной экспозицией представлены графические работы русской художницы Александры Кольцовой-Бычковой (1892-1985), создавшей ряд эскизов одежды и аксессуаров для Дома Hermès еще в 1929 году (из собрания Музея ВМДПНИ). Все платки демонстрируются в подсвеченных лайт-боксах, что позволит в мельчайших деталях изучить всю красоту рисунка и орнамента на каждом шелковом шедевре, а также сопровождаются табличкой с кратким рассказом об истории создания данного дизайна.


4.

Le Moyen Age / Платок Hermès Средние века. Фрагмент. Художник Christiane Vauzelles. 1960. Photo by Tatiana Gorbutovich

Одной из самых дорогих частей выставки станут два уникальных стула работы итальянской художницы Карлы Толомео (Carla Tolomeo). Стулья-скульптуры высотой свыше 2м обиты велюром и винтажными платками Hermès. Работы Карлы Толомео находятся в собраниях музея Дома Hermes, Музея декоративного искусства (Берлин), Музея современного искусства (Загреб), семьи Берлускони, монарших семей Европы, а также в домах у Софи Лорен, Наоми Кэмпбелл, Сильвестра Сталлоне и других не менее известных персон.

Помимо собственно платков на выставке представлены авторские эскизы к некоторым из платков, а также исходные материалы, вдохновившие художников на создание дизайнов, производственные прототипы платков. Иконографика во вступительном разделе выставки рассказывает об истории шелковых платков Hermès, а на мультимедийных экранах показан процесс создания платков Hermès. Для детей будет работать специальная экспозиция и программа в Музейном образовательном центре.

Выставка частной коллекции Maison Carré Foundation — это уникальный проект, позволяющий заглянуть в удивительный мир дизайна моды XX века, узнать историю культового аксессуара. "


Некоторые экспонаты выставки в хронологическом порядке


5.

Jeu de Omnibus et Dame-Blanche / Настольная игра омнибусы. Художник Robert Dumas. 1937. Этикетка. Photo by Tatiana Gorbutovich

С этого дизайна началась 80-летняя история платка Hermes. В 1937 году Робер Дюма выбрал настольную игру Jeu de Omnibus et Dame-Blanche в качестве исходного материала для первого серийного платка Hermes.

Представленная версия является более поздним переизданием данного дизайна.

Читать далее...

Эта выставка в Пушкинском несёт такой объём информации и такой заряд впечатлений, что разложить по полочкам всё сразу не удаётся. Особенно, если учесть, что собрание произведений живописи и графики 1920-1930-х годов в Нукусе считается вторым в мире по объему и значимости после собрания Государственного Русского музея. Удивительно, что коллекция собрана одним человеком в советское время, вот до революции таких примеров было много.

Музей в Нукусе, столице Каракалпакии или как сейчас принято называть республики Каракалпакстан в Узбекистане, основан в 1966 году и назван именем его создателя - археолога, этнографа и художника Игоря Витальевича Савицкого (1915–1984). Он приехал в Каракалпакию из Москвы в 1950 году в составе Хорезмской археолого-этнографической экспедиции в качестве художника и остался в Нукусе навсегда, занявшись коллекционированием. Собирал, помимо археологии, работы как местных, узбекских, так и российских художников - искусство периода авангарда и поставангарда. В начале выставке в Отделе личных коллекций  - две его экспедиционные работы.




Эти сокровища мало кто видел, хотя искусствоведы и любители авангарда знали о существовании этой коллекции. Я узнала о ней по книге "Авангард, остановленный на бегу". Большая удача по нынешним временам, что на выставке разрешается фотографировать,  при этом подсветка и развеска картин благоприятствуют съёмке. Настолько мощная энергетика картин, что поместить их в одно сообщение не хочется и не получается. Вот например, только один зал...




Рядом висят две беспредметные живописные "Композиции" Ивана Кудряшова, двигавшего в своё время авангард в массы в Оренбурге, 1925-го и 1961-го, поскольку в поздние годы Кудряшов делал повторы ранних своих работ.


Иван Кудряшов. Композиция, 1925



Климент Николаевич Редько (1897-1958,1956?). Овернские крестьяне, 1933. Холст, масло



Соломон Борисович Никритин (1898-1965). Портрет девушки в красном, 1935. Холст, масло



Константин Истомин (1887-1942). Московский пейзаж. 1922. Холст, масло



Ирина Дмитриевна Штанге (1906-1991). Дождь,1930. Фанера, масло



А.А. Рыбников (1887-1949). Апокалипсис, 1918. Холст, масло

А есть совсем другое.  Владимир Комаровский в императорской России носил графский титул, учился в Париже, занимался иконописью. В сухой биографической справке перечислены факты: "подвергался арестам по обвинению в контрреволюционной деятельности в 1922, 1925, 1931, 1934, 1937. Расстрелян". Автор религиозно-теоретической работы "Письмо об иконописи" (1930).


Владимир Алексеевич Комаровский 1883-1937. Автопортрет, 1920-е. Фанера, масло





http://galik-123.livejournal.com/310123.html

С 20 сентября по 13 ноября в ГМИИ проходила выставка «Пиранези. До и после. Италия – Россия. XVIII–XXI века».
В экспозицию вошли более 100 офортов мастера, гравюры и рисунки его предшественников и последователей, слепки, монеты и медали, книги, а также пробковые модели из коллекции Научно-исследовательского музея при Российской Академии художеств, графические листы из Фонда Чини (Венеция), Научно-исследовательского музея архитектуры имени А.В. Щусева, Музея истории московской архитектурной школы при МАРХИ, Российского государственного архива литературы и искусства, Международного архитектурного благотворительного фонда имени Якова Чернихова. Впервые вниманию российского зрителя будут предложены гравировальные доски Пиранези, предоставленные Центральным институтом графики (Римская Калькография). В общей сложности на выставке экспонировались около 400 произведений. Выставка охватывает гораздо более широкий круг проблем и выходит далеко за границы творчества самого художника. «До» – это предшественники Пиранези, а также его непосредственные учителя; «После» – художники и архитекторы конца XVIII–XIX столетий, вплоть до XXI века.
Белый зал


Белый зал посвящен Античности. Пиранези в течение всей своей жизни занимался исследованием древнего Рима, подарив миру ряд крупных археологических открытий. Впервые российские посетители смогут увидеть листы из важнейших теоретических работ мастера, прежде всего четырехтомного сочинения «Римские древности» (1756) и других. Пиранези были описаны сохранившиеся памятники древнего Рима, реконструирована топография античного города, запечатлены исчезающие остатки античных памятников.



Пиранези был не только неутомимым гравером-исследователем, но и предприимчивым человеком, удачно использовавшим свой талант и знания в коммерческих целях. Со второй половины 1760-х годов он принимал участие в раскопках и начал воссоздавать памятники античного искусства, продавая их наряду с гравюрами.



Папа Климент XIII и другие члены семьи Реццонико оказывали покровительство Пиранези, поощряя его творческие замыслы. Кроме грандиозного, так и не реализованного проекта 1760 года по перестройке алтаря и западной части базилики Сан Джованни ин Латерано, в 1764-1766гг Пиранези реконструировал церковь Мальтийского Ордена Санта Мария дель Пиорато на Аветинском холме в Риме, а также спроектировал ряд интерьеров в резиденции папы в Кастель Гандольфо и его поемянников – кардинала Джованни Баттиста Реццонико и сенатора Рима Аббондио Реццонико.


Джованни Баттиста Пиранези Портрет папы Климента XIII. Фронтиспис к серии «О величии и архитектуре римлян…» 1761 Офорт, резец, ГМИИ им. А.С. Пушкина
Читать далее...

Зинаида Серебрякова родилась в 1884 году в художественной семье Бенуа — Лансере и с детства была окружена искусством. Ее дедом был архитектор Николай Бенуа, проектировавший здания в Санкт-Петербурге и Петергофе, отцом — скульптор Евгений Лансере, а дядей — Александр Бенуа, основатель группы «Мир искусства», куда входил и брат художницы — Евгений Евгеньевич Лансере. После смерти отца семья переезжает из села Нескучное под Харьковом в Петербург, однако Серебрякова неоднократно возвращается туда — на выставке можно увидеть рисунки с изображением семейного имения. В Петербурге художница учится в мастерской княгини Тенищевой, затем — у портретиста Осипа Браза, а также копирует произведения старых мастеров в Эрмитаже. Затем юная Серебрякова отправляется в Италию, а затем и во Францию, где учится рисунку в Академии де ла Гранд Шомьер в Париже. В 1924 году она покинет Россию и вернется в Париж навсегда, но этому предшествуют годы успешного творчества на родине.
Зинаида Лансере  была счастливой женщиной. Она вышла замуж за Бориса Серебрякова, который приходился ей двоюродным братом. История их любви была непростой. Конечно, многие были против брака близких родственников, но влюбленные соединились и  у них родились четверо детей. Борис Серебряков не был художником, он был инженером -путейцем, но это не помешало им быть очень счастливыми в супружестве. В 1919 году Серебрякова овдовела. Муж внезапно скончался от тифа, заразившись им в поезде, когда ехал к жене и детям в Харьковскую область. Никогда больше Зинаида не вышла замуж, храня верность своему единственному мужу..
Одним из самых радужных периодов ее жизни были годы до Октябрьской революции. На это время пришелся расцвет ее творчества и жизненных сил. Картина "За туалетом" была написана в 1909 году и куплена Третьяковской галереей. Это означало признание!
Взгляните на эту прелестную молодую женщину в зеркале.  Она счастлива, спокойна и очень хороша собой. В ее жизни все прекрасно. муж, дети, дом и живопись. Парадный автопортрет. Скоро все изменится. Октябрьский переворот отнимет у нее все, кроме таланта. Но она об этом еще не знает ...



Портрет любимого мужа Бориса Серебрякова



еще один автопортрет Серебряковой. Любимой моделью она стала сама для себя. И это очень символично





Совершенно уникальная картина, которую можно увидеть только на этой выставке. Она хранится в частной коллекции и выставляется крайне редко. Здесь художница изобразила себя в счастливом ожидании ребенка. Вглядитесь в эти бездонные глаза, в них сама вселенная!



А это фотография Зинаиды Серебряковой. Можно сравнить оригинал и картины ..



Картина под названием "За завтраком". Здесь художница изобразила своих детей. Началась первая мировая война и это отражается на лицах малышей. Они встревожены ...
Читать далее...

Экспонаты и отрывок из статьи каталога выставки «Людовик Святой и реликвии Сент-Шапель», проходящей в Музеях Московского Кремля с 3 марта по 4 июня 2017 года.




На выставке нет. Справа: коронация двенадцатилетнего Людовика IX. Большие французские хроники. 1375-1380. Пергамен. Национальная библиотека Франции, отдел рукописей / Grandes Chroniques de France. 1375-1380. Paris. Langue: français. Bibliothèque nationale de France, Département des Manuscrits, Français 2813. Source

25 апреля 1214 года в местечке Пуасси близ Парижа у будущего короля Франции Людовика VIII и его супруги Бланки Кастильской родился сын, которого нарекли Людовиком. 8 ноября 1226 года умер Людовик VIII и двенадцатилетний Людовик IX вступил на престол. 29 ноября года его короновали в Реймсском соборе. Людовик IX из династии Капетингов – реформатор, миротворец, гуманист XIII века, покровитель науки и искусства, единственный канонизированный французский король. Людовик IX вошел в историю как идеал средневекового христианского государя: справедливого судии, мудрого законодателя и заботливого устроителя королевства.

Фрагмент статьи из каталога выставки:

Людовик Святой и культура его времени. Олег Воскобойников

" Rex a recte regendo, слово «правитель» происходит от «справедливого правления». Так на заре Средневековья, создавая новые смыслы из словесных созвучий, определил суть власти святой Исидор Севильский. В самой словарной форме королевского титула средневековый человек видел и его содержание: правящий «неправильно», не recte, в общем-то уже не правитель, не гех.


2.

Деревянная скульптура «Людовик Святой». Фрагмент. Париж. Около 1300 г. Тисовое дерево, следы полихромной покраски. Происходит из Сент-Шапель (?), Париж. Национальный музей Средневековья, Клюни, Париж. Source. Скульптура полностью: Часть 1, илл. 6

Людовик IX Капетинг (1226-1270), вошедший в историю как один из самых ярких и харизматичных королей Франции и одна из самых обаятельных личностей богатого на обаятельные личности XIII столетия, очень серьезно относился к возложенной на него Богом роли. Если бы существовал «рейтинг» средневековых государей, Людовик IX, несомненно, вошел бы в первую десятку вместе с Юстинианом, Карлом Великим, Эдуардом Исповедником, Фридрихом II, Альфонсом Мудрым и некоторыми другими.


3.

Голова Короля. Иль-де-франс. Вторая четверть XIII в. Известняк. Музей Лувра, Париж. Голова короля из Лувра — важнейший образец французской скульптуры конца XIII в. Вместе с другой, очень похожей на нее головой, хранящейся в Музее Метрополитен в Нью-Йорке, она предположительно происходит из скульптурной группы королей, подобной тем, что находятся в верхних галереях Шартрского, Парижского и Амьенского соборов. Таким образом, луврский памятник, несмотря на некоторые «индивидуальные» черты, например, шероховатую фактуру, имитирующую эффект сбритой бороды, является не одним из первых портретов короля, как полагали ранее, а продуктом почти серийного, но высококачественного производства. Фотография: Gazprom.ru

Неслучайно среди историков принято говорить о XIII столетии во Франции как о «веке Людовика Святого», хотя оно началось при достаточно внушительной фигуре его деда, Филиппа II Августа (1180-1223), а завершилось с его внуком, столь же крупным политиком Филиппом IV Красивым (1285-1314).


4.

Замковый камень свода (?) в виде маскарона из листьев. Иль-де-франс. Около 1280-1290. Лютетский известняк. Дл. 42, ш.41,5, толщина 18. Национальный музей Средневековья, Клюни, Париж / Clef De Voûte Au « Masque De Feuilles ». Masque-au-feuillage. L’adoption de l’art gothique a déterminé, à partir du XIIe siècle, un nouvel emplacement de décor, les clefs de voûte, situées à l’intersection des arcs d’ogive qui couvrent les édifices religieux et civils, et ornées de représentations sacrées ou profanes. Sur cet exemplaire, des feuilles de chêne fusionnent avec un masque d’homme aux narines dilatées, évocation du caractère sauvage de la forêt / Hauteur: 42 cm. Largeur: 41,5 cm. Profondeur: 18 cm. Lieu de production: Paris. Lieu de découverte: Paris. 4e quart du XIIIe siècle. N° Inventaire: Cl. 11656. Musée national du Moyen Âge – Musée de Cluny. Source. В другом ракурсе (мне нравится больше) – фотография, сделанная на выставке

Продолжая дело династии, Людовик IX не только расширял семейный домен, но и ратовал за укрепление прерогатив монархии как таковой, монархии, которую в отечественной науке принято называть сословной, потому что сословия, действительно, вступили тогда в новый диалог с властью.


5.

Ковчег с фигурами апостолов и святых. Лимож. Вторая четверть XIII века. Медь, эмаль, бисер, дерево, выемчатая эмаль, чеканка, гравировка, позолота. В. 15,3, дл. 21,6, ш. 9,9. Происходит из сокровищницы Сен-Дени. Инв. № MR 343. Лувр / Châsse de Saint-Denis. Vers 1215-1220. 13e siècle. Limoges (origine) ю Technique/Matière: cuivre (métal), dorure, émail champlevé, verre (matière). Hauteur : 0.192 mLargeur: 0.214 m. Profondeur: 0.98 m. Paris, musée du Louvre. via. Оборотная сторона – в каталоге выставки почему-то фотография оборотной стороны. Реликварий на выставке

Эта монархия, впрочем, в не меньшей степени воспринималась как «священная». Исключительная связь государя с небесными силами оформлялась важнейшими ритуалами перехода — будь то помазание в Реймсском соборе или похороны.


6.

На выставке этой книги нет. Помазание в Реймсском соборе. Чин помазании и коронации короля. 1240-1270. Национальная библиотека Франции / Ordo ad coronandum regem et reginam Francorum. 1240-1270. Latin, français. Paris. Bibliothèque nationale de France, Département des Manuscrits, Latin 1246, fol. 17r. Source. Лист полностью

При Людовике IX сложный реймсский обряд был заново зафиксирован в замечательной, по счастью сохранившейся до наших дней, иллюстрированной рукописи.


7.

Распятие. Витраж. Париж, около 1270-1280. Стекло, свинец, гризайль. Находился в Сент-Шапель, Париж; принят на хранение в Музей Клюни в 1859 г. Национальный музей Средневековья, Клюни, Париж. Source. Эта небольшая сцена «Распятие» была извлечена из витража Сент-Шапель. По окончании реставрации витражей главный архитектор исторических памятников Э. Бесвильвальд передал эту композицию в Музей Клюни. Церковь, вероятно парижскую, откуда происходит этот медальон, определить не удалось. Сцена, первоначально выполненная в форме квадрифолия, по своему качеству соответствует парижским произведениям. Свинцовые контуры слегка тяжеловаты и плохо передают гибкость фигур и утонченность жестов исполненных горя Богородицы и святого Иоанна, но нисколько не искажают очертания фигуры Христа, выделяющейся на фоне белого стекла, на котором изысканно выписан край набедренной повязки.

Оба его крестовых похода, несмотря на видимые неудачи и даже трагические последствия, призваны были явить христианам, иудеям и мусульманам образ наихристианнейшего государя, rex christianissimus, способного на любые жертвы и, главное, на самопожертвование ради освобождения Гроба Господня.

Читать далее...

Дважды в год 18 апреля и 18 мая проходят дни исторического и культурного наследия. В эти дни открываются двери, закрытых для экскурсионного посещения в остальные дни, зданий посольств, расположенных в исторических особняках. Резиденция посла Швейцарии, фотоотчет о посещении которой предлагается вашему вниманию, находится в бывшем особняке Олениной-Думнова по адресу Малый Кисловский переулок, 5а/8. Экскурсия состоялась в 2016 году.


В XVII веке Иван Грозный поселил недалеко от своего опричного дворца кислошников — людей, которые занимались приготовлением солений и кваса. Так в Москве появилась Кисловская слобода. Позднее, уже в XVIII веке, этот район старой Москвы облюбовали аристократы. Так, в Малом Кисловском переулке большой участок земли приобрел вахмистр конной гвардии Николай Наумов. Его усадьба располагалась на месте современных зданий под номерами 3 и 5. Двухэтажные каменные палаты, сохранившиеся в основе дошедшего до нас строения 5А, стояли торцом к переулку, как было принято до указа Петра I, требовавшего "лицезреть фасад" только с проезжей части.


В 1761 г. усадьба была куплена подпоручиком конного полка Николаем Олениным и его супругой Анной. В семье Олениных в 1763 году родился мальчик Алеша, который впоследствии стал прототипом Митрофанушки, героя произведения Д.И. Фонвизина «Недоросль». Юный Алексей Николаевич Оленин до 19 лет слыл невеждой, но после того как ему в руки попало произведение Д.И. Фонвизина, он узнал в Митрофанушке себя и принял важное решение измениться к лучшему. И действительно, Алексей Николаевич добился во многом больших успехов — пройдя обучение в Дрезденской артиллерийской школе и в Страсбургском университете, стал членом Российской академии, Петербургской Академии наук, президентом Академии художеств, а впоследствии членом Государственного совета.


В 1832-1833 годах часть усадьбы снимала семья И.С. Тургенева, а в 1840-х гг. здесь жил у своего шурина после возвращения из ссылки декабрист З.Г. Чернышев. В 1873 году владельцем дома стал еще один известный представитель дворянского сословия — музыкант, ученик и друг П.И. Чайковского В.С. Шиловский. Петр Ильич Чайковский часто гостил у Шиловского, и даже однажды сочинил шутливое стихотворение:
Ты помнишь ли, как Кисловским проулком
На Знаменку свой направляя бег,
Резвились мы, подобно сдобным булкам,
Попавшим с печки прямо в мокрый снег...


В 1894 г. дом получил новый фасад по проекту архитектора П.М. Самарина, а на фронтоне появились буквы «ВД» — инициалы его нового хозяина Владимира Думнова, владельца известного в Москве издательства, которое выпускало первые сочинения Тургенева и Гоголя.


До недавнего времени в этом доме размещался консульский отдел посольства Японии. В 2014 году силами и на средства ГлавУпДК здесь завершилась реставрация. В честь 200-летних дипломатических отношений между Россией и Швейцарией старинная московская усадьба была отдана под резиденцию посла Швейцарии.













Читать далее...

Под занавес, в последний день работы выставки "Шедевры Византии", мы всё же воспользовались уникальной возможностью посмотреть в Москве, а не в Греции, сокровища византийского искусства. Устроители выставки продлили её работу до 23 апреля, и несмотря на неприветливую погоду, а может, и благодаря ей, народу было довольно много.
Эта выставка была третьим событием перекрестного года России и Греции (2016-2017), проходившего при активном участии Третьяковской галереи. Открытие первой выставки состоялось в мае 2016 года в Византийском и Христианском музее в Афинах. А в сентябре в Афинах проходил показ уникальных икон и деревянной скульптуры XV–XIX веков из Третьяковской галереи.
Выставка "Шедевры Византии" - ответный жест греческой стороны. Экспонаты высочайшего уровня были предоставлены музеем Бенаки, Византийским и Христианским музеем в Афинах и частной коллекцией Э. Велимезиса-Х. Маргаритиса.




Всего в экспозиции было 12 икон, две рукописи иллюстрированных Евангелий, серебряный крест и три предмета декоративно-прикладного искусства, но выставка удивила не количеством. Все иконы в очень хорошей сохранности, от них исходит мощный светящийся цвет.




Размещены все иконы таким образом, что их можно рассматривать с двух сторон и каждая находится отдельно от других. Каждый экспонат характеризует определенную эпоху в истории искусства Византии. Этот репортаж - для тех, кто не смог посмотреть на это собрание византийских реликвий.




Самый ранний экспонат - двусторонний крест X века. В древней Византии такие кресты использовались в больших городских крестных ходах по случаю праздника или вражеского нашествия, когда совершались особые молитвы об избавлении от врага.


Cеребряный процессионный крест конца Х века с выгравированными на нем образами Христа, Богоматери и святых. Серебро, позолоченное серебро, гравировка, чернь. Музей Бенаки

Если внимательно рассматривать его, можно увидеть, что образ Христа Пантократора, который традиционно для таких крестов располагался в центре, поднят на верхнюю перекладину. Это связано с тем, что посредине (в средокрестии) была вложена чтимая реликвия. Теперь на ее месте медная вставка приблизительно XVIII века - изображение Христа, восстающего из гроба.
Читать далее...

Истинное чудо Москвы – древние палаты в Шубине (памятник архитектуры XVII века), более известные как ресторан «Арагви». Огромный сталинский дом, один из парадных элементов Генплана-35, скрывал в своих недрах роскошный дворец времен Алексея Михайловича Романова. На конкурсе "Московская реставрация 2016" палаты получили сразу 3 награды!


Палаты в Шубине (в официальных материалах именуются «Гостиница "Дрезден") — памятник архитектуры XVII века (одно из старейших гражданских строений Москвы), сохранившийся в составе дома № 6 по Тверской улице Москвы. Обнаружены в 2004 году. По форме здание представляет собой «сложную тройню» — коридор-сени с тремя помещениями слева и тремя справа (такой же тип здания представляют собой московские Палаты Симона Ушакова и Палаты Аверкия Кириллова, которые, однако же, имеют лишь по два зала с каждой стороны). Стены помещений нижнего этажа — из белого камня, своды наполовину белокаменные, наполовину кирпичные. Верхний, парадный этаж сложен из крупного кирпича, на котором проставлены клейма орлов и единорогов (благодаря этому возможно датировать палаты третьей четвертью или серединой XVII века). Верхний этаж сохранил следы орнаментальной росписи (единственный известный в Москве случай росписи жилых палат вне Кремля).


В 1730-х годах палаты времен Алексея Михайловича были перестроены одним из князей Гагариных. В следующем веке были надстроены 3 этажа, и в 1837 году здание стало гостиницей «Дрезден». В ней проживали многие деятели культуры, в одном из номеров умер художник Василий Суриков. После революции в здание переехала редакция газеты «Правда». В 1930-х здание вместе с соседними было перестроено и приобрело нынешний вид. Тогда же, по инициативе, как считается, Лаврентия Берии, здесь был открыт ресторан грузинской кухни «Арагви».


Ресторан пользовался популярностью у высшего класса советского государства: партийных деятелей, учёных и деятелей культуры. Обычному человеку ресторан был практически недоступен из-за высоких цен и жёсткого фейсконтроля. В начале 2000-х годов ресторан был закрыт на реконструкцию. Тогда же была обнаружена кладка палат XVII века, и контроль за её сохранением взяла московская мэрия; в итоге древняя кладка была вписана в интерьер. Весной 2016 года ресторан, был открыт. На пространстве в 1800 квадратных метров располагаются 9 залов на 240 мест.







Читать далее...

Читать далее...

В этом году грядет столетие Октябрьской революции.  Дата, достойная внимания и, разумеется, нас ждет множество торжественных и не очень мероприятий по этому поводу. Обязательно кто-то будет давать оценку произошедшему, подвергать тщательному анализу и скрупулезно подсчитывать потери, которые понесла Россия встав на путь революции.
Но Музей Москвы пошел своим собственным и, как всегда, элегантным путем, устроив в Провиантских складах пиршество моды, красоты и  стиля ушедшей от нас эпохи.





Музей Москвы устроил великолепную выставку «Мода и революция». Организаторы попытались через призму стиля и моды взглянуть на события произошедшие сто лет назад. Но проект посвящен не только 1917 году, но также десятилетию до революционных событий и первым десяти годам советской власти. Рассматривая экспозицию можно проследить изменения в образе жизни советских людей. Неуловимые приметы времени заключены во флакончиках из под духов, сумочках, театральных афишах. Мода  и быт менялись под давлением обстоятельств. Был период, когда одежду  не шили, а перелицовывали. Вам известно такое слово? )))


Сумочка и обувь дамы Серебряного века


Читать далее...

Итак, чтобы посмотреть Белоколонный зал княгини Шаховской, тот самый на сцене которого постоянно выступали знаменитые артисты и всегда обитали самые оригинальные театральные труппы Москвы, мы отправились на концертную программу "Strauss & Штраус".

Когда запыхавшись мы вбежали в театральный гардероб, нас там поджидала только одна театралка - трёхцветная кошка, остальные зрители давно уже были в зале.




Этот зал, названный в честь владелицы усадьбы на Большой Никитской, имеет богатую театральную историю. В феврале 1885 года Е.Ф. Шаховская-Глебова-Стрешнева начала строительство нового парадного зала на втором этаже главного дома. Проект зала, украшенного по периметру двадцатью колоннами коринфского ордера, выполнил архитектор К.В. Терской. Позднее зал был назван Белоколонным. Помещение площадью около 400 кв. м., представляющее в плане квадрат, предназначалось для проведения общественных собраний, благотворительных концертов и других мероприятий, организуемых Шаховскими-Глебовыми-Стрешневыми.




На этой сцене ставились спектакли Частной оперы Саввы Мамонтова. Чуть позже здесь обосновался Оперный театр Зимина, играли свои спектакли артисты Камерного театра Таирова. Здесь бывал Собинов, а в 20-е годы работал Мейерхольд.


Читать далее...

Людовик IX и Маргарита Прованская вступают на корабль после освобождения короля из плена. Фрагмент миниатюры из рукописи «Житие и деяния монсеньера святого Людовика». Национальная библиотека Франции / « Le Livre des faiz monseigneur saint Loys », composé à la requête du « cardinal de Bourbon » et de la « duchesse de Bourbonnois ». 1401-1500. Français. Bibliothèque nationale de France, Département des manuscrits, Français 2829. Source

Хроника жизни французского «наихристианнейшего» короля Людовика IX из каталога выставки «Людовик Святой и реликвии Сент-Шапель», проходящей в Музеях Московского Кремля с 3 марта по 4 июня 2017 года.

Жизнь и деяния Людовика Святого: Хронология

1214

25 апреля в местечке Пуасси близ Парижа у принца Людовика Льва (сына Филиппа II Августа, будущего короля франции Людовика VIII) и его супруги Бланки Кастильской родился сын, которого нарекли Людовиком.


2.

Рождение будущего короля. Людовик учится читать. Большие францзские хроники. Grandes Chroniques de France. 1375-1380. Paris. Français. Bibliothèque nationale de France, Département des Manuscrits, Français 2813, f. 265r. Source

1223-1226

Правление Людовика VIII


3.

Коронация в Реймсском соборе. Чин помазании и коронации короля. 1240-1270. Национальная библиотека Франции / Ordo ad coronandum regem et reginam Francorum. 1240-1270. Latin, français. Paris. Bibliothèque nationale de France, Département des Manuscrits, Latin 1246, fol. 26r. Source

1226

8 ноября – смерть Людовика VIII и официальное вступление двенадцатилетнего Людовика IX на престол.

29 ноября – его коронация в Реймсском соборе.


4.

Людовик учится читать под руководством матери Бланки Кастильской. Миниатюра из рукописной книги Гийома де Сен-Патю «Житие и чудеса Святого Людовика». Франция, 1330-1340. Пергамен. Национальная библиотека Франции / Guillaume de Saint-Pathus, Vie et Miracles de saint Louis. 1330-1350. Paris. Bibliothèque nationale de France, Français 5716, f.15v. Source

1226-1234

Период регентства Бланки Кастильской при малолетнем короле.

1228

Основание цистерцианского аббатства Руайомон.


5.

Людовик учится читать в присутствии матери Бланки Кастильской. Часослов Жанны Наваррской. 1336-1340. Жан Пюсель, художник-миниатюрист (упоминается в документах с 1319 по 1335 годы). Национальная библиотека Франции / L'apprentissage de saint Louis. Heures de Jeanne de Navarre. Paris, BnF, département des Manuscrits, NAL 3145, fol. 85v. Source


1229

Парижский договор. Завершение Альбигойских войн, присоединение к домену французских королей графства Тулузского.

1230

Запрет всех видов ростовщичества во Франции.


6.

Непросто быть женой святого, ему не до супружеского долга. На миниатюрах: 1. Свадьба Людовика IX и Маргариты Прованской. 2. Людовик блюдет целомудрие. Гийом де Сен-Патю «Житие и чудеса Святого Людовика». Франция, 1330-1340. Пергамен. Национальная библиотека Франции / Guillaume de Saint-Pathus, Vie et Miracles de saint Louis. 1330-1350. Bibliothèque nationale de France, Département des Manuscrits, Français 5716, fol. 231v

1234

25 апреля – начало самостоятельного правления Людовика IX.

27 мая – женитьба короля на Маргарите Прованской (1221-1295).


7.

Людовик участвует в богослужении. Гийом де Сен-Патю «Житие и чудеса Святого Людовика» / Paris Bibliothèque nationale de France MSS Français 5716, f.23v

1236

Основание цистерцианского аббатства Мобюиссон.

Читать далее...

Опера "Сказки Гофмана" Жака Оффенбаха в Геликон-опере идёт уже почти 10 лет. Чтобы особенно не рисковать, выбрала этот спектакль, по-крайней мере можно получить удовольствие от музыки - в этой опере много прекрасных и запоминающихся мелодий. Это и "легенда о Клейнзаке" Гофмана из пролога, и куплеты Олимпии, и самая чарующая из баркарол в акте Джульетты. К тому же до середины 80-х годов опера "Сказки Гофмана", вообще, не ставилась на советской сцене, и мы её раньше не слышали в театре.
Эта опера, основанная на произведениях Эрнеста Теодора Амадея Гофмана и его биографии, долгое время имела недобрую репутацию. Во время второго исполнения в Вене случился пожар в театре - театр сгорел дотла, немало людей пострадало, были и погибшие. Подобное прискорбное происшествие имело место и на премьере оперы "Ундина", написанной самим Гофманом... В общем, тут тебе и мистика, и волшебная музыка, но главной целью было всё же знакомство с новой сценической площадкой в старой усадьбе. После парадной лестницы с зеркалами, японского фонтана, рисующего водой, паркета, инкрустированного редкими породами дерева, и колоннами, отреставрированными по технологии XIX века, идём в зал. И вот тут нас поджидает главный сюрприз...

1. Совершенно необычные ощущения испытываешь, входя в зал Стравинский, особенно в первый раз. Это какое-то нереальное пространство: с одной стороны, двор, вывернутый наизнанку и превращённый в зрительный зал, а с другой - античный амфитеатр для массовых зрелищ. От сцены ступенеобразно возвышаются ряды сидений, всё строение окружено высокими стенами, а над головами - не потолок, а звёздное небо.




2. В этот раз за бурной реакцией входящей в зал публики наблюдают снизу и снимают на видео...




3. Главный зал театра назван в честь Стравинского. Его сделали на месте двух дворов. Один двор заняла зрительская часть, другой - сцена и закулисье. Красное крыльцо стоит как бы на пьедестале, над уходящими вниз зрительскими рядами и сценой в глубине. Сейчас это крыльцо в псевдорусском стиле стало ложей для почётных гостей.




4. По возможности сохранена вся историческая кирпичная стена.




5. В зале - зрительские кресла из Испании, с фабрики, которая делала мебель для Королевского оперного театра в Мадриде. Все кресла изготовлены из выдержанного "акустического дерева", оно имеет свойства отражать звук.


Читать далее...

Выставка «Людовик Святой и реликвии Сент-Шапель» проходит в Музеях Московского Кремля с 3 марта по 4 июня 2017 года.


Миниатюра «Крестоносцы штурмуют Дамиетту». Жан де Жуанвиль. Книга благочестивых речений и добрых деяний нашего святого короля Людовика. Рукописная книга на французском языке. Около 1330-1340. Пергамен. Книга: 22,5 х 15,5 х 7; 392 листа. Национальная библиотека Франции / Jean de Joinville, Vie de saint Louis. 1330-1340. Manuscrit. Langue: français. Paris. Page 83 :prise de Damiette : les croisés entrent dans la ville. Bibliothèque nationale de France, Département des Manuscrits, Français 13568, fol. 83. Source

В записи: часть экспонатов, статья из каталога выставки и видеозапись лекции Михаила Бойцова «Константинополь: императоры и реликвии».

Главные герои выставки в Кремле: Людовик IX Святой (1226-1270) – французский «наихристианнейший» король, парижская Святая капелла – Сент-Шапель и образ реликвий, что в ней хранились. Святая капелла создавалась Людовиком IX как монументальный реликварий для величайших святынь христианского мира. Здесь находились Терновый венец Спасителя, фрагменты Креста Господня, камень Гроба Господня, копье Лонгина – всего 22 святыни. Эти реликвии, связанные с историей Страстей Христовых и его жизнью, ранее пребывали в Константинополе, в императорской часовне, а в 1239-1242 были перенесены Людовиком во Францию. В 1297 году Людовик IX канонизирован: папа Бонифаций VIII объявил его исповедником, т.е. человеком, который подавал пример жизни.


2.

Корона-реликварий. Долина Мааса (Льеж?), около 1260-1280. Серебро, драгоценные камни, инталии, жемчуг, горный хрусталь; позолота. Музей Лувра, Париж. Фотография: Gazprom.ru. Этот реликварий, происходящий из доминиканского монастыря в Льеже, был приобретен Лувром в 1947 году как «корона Людовика Святого». Декор короны обнаруживает сходство с крестом-реликварием Святого шипа в Льеже. Возможно, эта корона была одним из реликвариев, изготовленных для доминиканского ордена после того как Людовик IX отправил ему в дар Святой шип в 1267 г. В этом памятнике мощи святых составляют нечто вроде мистической короны, обрамляющей реликвии Страстей Христовых — частицы Истинного креста, Святого шипа и Святого копья. Корона состоит из восьми увенчанных цветами пластин, в центре каждой из них, под толстым слоем горного хрусталя, находятся реликвии; каждая пластина украшена вязью из дубовых листьев, подчеркнутых драгоценными камнями и инталиями. Крепления, соединяющие пластины, замаскированы статуэтками ангелов.

Отправной точкой проекта, инициированного Музеями Кремля, Центром национальных памятников Франции и Посольством Франции в России, послужила выставка, прошедшая в Париже в музее Консьержери в 2014-2015 годах из коллекций Центра национальных памятников, Лувра, Национальной Библиотеки, Национальных Архивов и Музея Клюни. Концепция московской выставки продумана и переосмыслена кураторами Музеев Кремля.


3.

Витражи из Сент-Шапель. Франция, Париж, до 1248. Центр Национальных памятников / Centre des monuments nationaux. Фотография: Gazprom.ru. Вид шести витражей

Из каталога выставки: вступление «От составителей»:

"Людовик IX занимает центральное место... среди великих людей христианского мира XIII века.
Выставочный проект в Музеях Московского Кремля вдохновлен тремя поразительными феноменами, неразрывно связанными между собой. Это удивительная историческая личность — Людовик Святой, бесценные христианские реликвии, обретенные им, и Сент-Шапель – жемчужина готической архитектуры, возникшая, по сути, как воплощение политической воли и духовной энергии короля.


4.

Двойная помолвка. Витраж. Франция, Париж, до 1248. 73 x 83. Происходит из Сент-Шапель, Париж. Демонтирован в процессе реставрации 1848-1853. Центр Национальных памятников. © Патрик Каде/Центр Национальных памятников / © Patrick Cadet / Centre des monuments nationaux. Source

Людовик IX Святой (1226-1270) — единственный из французских монархов, удостоившийся канонизации. Он вошел в историю как идеал средневекового христианского государя — справедливого судии, мудрого законодателя и заботливого устроителя королевства. Современников поражала его глубокая набожность, и многие еще при жизни Людовика считали его святым. Благочестие короля вдохновлялось примером нищенствующих францисканцев и аскетов-цистерцианцев — монашеских орденов, находившихся под его покровительством. Король прославился делами милосердия: в исторической памяти запечатлен образ Людовика, подающего пищу беднякам, омывающего ноги нищим в Великий четверг, совершающего «королевское чудо», возлагая руки на золотушных, исцеляющего эпилептиков и прокаженных.


5.

Крещение Христа. Витраж. Париж, около 1270-1280. Стекло, свинец, гризайль. Дм. 46, толщина 3. Находился в Сент-Шапель, Париж. Национальный музей Средневековья, Клюни, Париж. Source

Даже скептичный Вольтер заметил, что этот человек, вознесенный на вершину власти, «умел сострадать, словно всю жизнь его преследовали несчастья». Сокрушаясь о собственной греховности и несовершенстве своих подданных, он грезил о нравственном преобразовании общества, которое начал с собственной администрации, издав беспрецедентную серию законов, призванных улучшить нравы должностных лиц. Поразительно, как из личного благочестия короля и его стремления к очищению выросла целая система реформ управления и правосудия, укрепивших авторитет государя и изменивших саму французскую монархию.


6.

Людовик Святой. Париж, около 1300. Тисовое дерево, следы полихромной покраски. В. 63, ш. 20, толщина 15. Происходит из Сент-Шапель (?), Париж. Национальный музей средневековья, Клюни, Париж. via

Он был редким среди монархов того времени приверженцем морали в политике, благодаря чему снискал авторитет миротворца и арбитра в международных делах. Этот идеалист на троне, стоявший во главе крупнейшего государства Западной Европы, оставил максиму управления, актуальную во все времена: «Всей властью своею делай добро».

Читать далее...

Понемногу улеглись сумбурные, и в то же время яркие, впечатления от посещения бывшего Дома медицинских работников, а ныне Геликон-оперы, а ранее - усадьбы XVIII века. В годы моей "туманной юности", я часто бывала там на интересных вечерах или на просмотрах каких-нибудь особенных зарубежных фильмов. Помню этот Дом медика с уютным залом, лестницей, зеркалами во всю стену, - это был один из самых любимых клубов Москвы. И вот наконец, когда уже остались в прошлом переживания по поводу реставрации этой усадьбы, отгремели битвы за её сохранение и победило здоровое любопытство, выбрав для посещения оперу Оффенбаха "Сказки Гофмана", мы отправились в театр. Для того чтобы не торопясь осмотреть отреставрированную усадьбу, приехали заранее - перед спектаклем в Геликон-опере проводят экскурсии по историческим залам, рассказывая о владельцах усадьбы Шаховских.

1. Но времени всё равно не хватило - все исторические залы, кроме белоколонного зала княгини Шаховской, как раз того, в котором я бывала раньше, были открыты. О белоколонном зале расскажу отдельно, после уже запланированного посещения. Сначала всё же немного из услышанного об истории главного дома усадьбы Глебовых-Стрешневых-Шаховских.


Фасад театра «Геликон-опера» на Большой Никитской 19/16

В 1759-1761 годах в доме, где сейчас находится "Геликон-опера", жила Настасья Михайловна Дашкова, которая часто устраивала домашние концерты. На этих концертах пела ее невестка - Екатерина Романовна Дашкова.


Портрет Екатерины Романовны Дашковой (неизвестный художник, ок. 1762)

С 1768 года дом принадлежал сенатору и генерал-аншефу Федору Ивановичу Глебову. Занимая самое высокое положение в свете, Федор Иванович и его жена Елизавета Петровна принимали на Большой Никитской членов великокняжеской семьи и высший свет. После смерти мужа в 1799 году дом перешел к вдове Елизавете Петровне (урожденной Стрешневой). В 1803 году Елизавета Петровна выхлопотала для себя и сыновей разрешение именоваться Глебовыми-Стрешневыми.
С 1864 года главной наследницей огромного состояния Глебовых-Стрешневых стала двадцатитрехлетняя Евгения Федоровна Шаховская (в девичестве фон Бреверн). По Высочайшему повелению ей и ее мужу Михаилу Валентиновичу Шаховскому "дозволено именоваться князьями Шаховскими-Глебовыми-Стрешневыми".


Княгиня Евгения Федоровна и князь Михаил Валентинович Шаховские-Глебовы-Стрешневы

2. Обосноваться в Москве супруги смогли только в конце 1870-х годов. Княгиня немедленно приступила к перестройке родовой усадьбы Покровское-Стрешнево неподалеку от Москвы.




3. Домашний театр в Покровском-Стрешневе воодушевил Евгению Фёдоровну купить в 1885 году владение на углу Большой Никитской улицы и Малого Кисловского переулка. Почти все постройки бывшей усадьбы Зарубиных-Ефремовых были снесены. В 1885-1886 годах на свободной площадке по проекту К.В. Терского (автором фасада стал Ф.О. Шехтель) было построено здание частного театра в "русском" стиле. В 1887 году между театром и главным домом основной усадьбы был сооружен крытый переход на уровне второго этажа, удобно соединявший оба строения, до нашего времени переход не сохранился. Театр был построен для сдачи в аренду антрепренеру и актеру Георгу Парадизу. В 1910 году он был перестроен архитектором А.А. Галецким. Сейчас в этом здании находится театр имени Маяковского.




Главный дом усадьбы XVIII века тоже был перестроен его владелицей в 1886 году. Архитектор К.В. Терский пристроил к дому крыльцо в формах XVII века - со столбами-кубышками, висячей гирькой и шатром, по-видимому, графине нравился такой псевдорусский стиль. В Покровском-Стрешневе строил для княгини тот же архитектор и в таком же красно-кирпичном стиле.




4. В центре полукруга служебных строений Терский возвёл ворота с крепостной башенкой. В Калашный переулок выходили два флигеля, один из которых был решен в той же древнерусской стилистике. Парадный двор усадьбы Шаховских был одним из самых живописных в Москве. В XIX веке усадьба была театром, в котором выступали французские и итальянские актёры, а также труппа Венской оперетты.




5. Шаховские-Глебовы-Стрешневы вскоре утратили интерес к владению на Никитской улице. Они подолгу жили в Европе, а затем обосновались на курортах земли Гессен в Германии, откуда были родом предки Евгении Федоровны - фон Бреверны. После смерти мужа в 1892 году вдова окончательно покинула дом на Большой Никитской и жила или в Покровском-Стрешневе, или в Европе. Все строения московского владения сдавались в аренду. В парадных комнатах второго этажа главного дома устраивались "свадьбы и домашние балы".




6. В начале XX века здесь была открыта камерная сцена, а в советское время после 1937 года находился Клуб медицинских работников. Время его наибольшего расцвета пришлось на 70-е - начало 90-х годов прошлого столетия, когда им руководил Александр Семёнович Бертман - отец Дмитрия Бертмана.
В 2009 году по проекту архитектора А.В. Бокова начались работы по перестройке усадьбы Шаховских, в результате была разрушена часть исторических строений. В ночь на 19 июня 2011 года был снесён флигель усадьбы XIX века, несмотря на решение об отмене всех выданных ранее согласований о сносе исторической застройки в центре столицы.
Всё это уже осталось в прошлом...




7. Итак, входим в театр, и как обычно он "начинается с вешалки", т. е. с зрительского гардероба, куда нас вежливо направляют молодые люди, по-видимому студенты Дмитрия Бертмана, по блестящей чёрной лестнице.




8. Лестница и посетители многократно отражаются в ступенчатом зеркальном потолке и в зеркалах по обеим сторонам, а внизу под струящейся водой встречает нас огромная афиша очередной премьеры.




9. Реальный мир дробится на осколки, и мы попадаем в театральный мир, как будто в Зазеркалье..




10.




11.




12. В фоей гардероба висит портрет бывшей хозяйки усадьбы - княгини Евгении Фёдоровны Шаховской. Говорят, портрет очень понравился потомку Шаховских, посетившему усадьбу после реставрации.


Читать далее...

В Музеях Московского Кремля открылась выставка «Людовик Святой и реликвии Сент-Шапель». Золото, драгоценные камни, лиможские эмали, полированный хрусталь – узнайте про самые красивые экспонаты выставки, а также секреты истории, которые надо знать, чтобы как следует насладиться этими сокровищами.



Кто такой Людовик Святой

Французский король-крестоносец Людовик IX, который жил в XIII веке — единственный из французских королей, ставший святым. Это идеальный рыцарь, законодатель, благочестивый правитель и один из главных спонсоров готического искусства своей эпохи. По отцовской линии он был внуком французского короля-крестоносца Филиппа II Августа, по материнской — правнуком легендарной Алиеноры Аквитанской (то есть его мать была племянницей Ричарда Львиное Сердце). Сам он, в свою очередь, стал дедом Филиппа IV Красивого — отца «проклятых королей» и Изабеллы Французской Волчицы.

Скульптурный портрет Людовика Святого, ок. 1300 г.


Именно в правление внука, Филиппа IV Красивого, Людовик был канонизирован — всего 27 лет спустя после своей смерти. С той поры образцовый государь Людовик Святой стал покровителем французских монархов — недаром большинство из них брали тронное имя в его честь.

Людовик дважды ходил в крестовые походы — во время Седьмого попал в плен к неверным, а во время Восьмого — скончался. Поэтому Католическая церковь могла бы его канонизировать в лике «мучеников», как умершего во время подвига за веру. Однако он удостоился более почетного лика — «исповедник», который означает, что святой отличался безгрешным образом жизни и сделал чрезвычайно много для распространения христианской веры. Именно этому религиозному подвигу Людовика Святого и посвящена выставка в Кремле – а также расцвету готического искусства в период его правления.

Нижняя крышка переплета Евангелия с изображением Распятия

Читать далее...

Фоторепортаж из театра «Геликон-опера», бывш. городской усадьбы Стрешневых-Глебовых-Шаховских после реставрации 2015 года.

В 1886 г. княгиня Шаховская-Глебова-Стрешнева переделала родовой дом XVIII в. по проекту двух архитекторов. Федор Кольбе перестроил уличный фасад, а Константин Терский - двор и дворовый фасад. Уличный стал образцом европейской эклектики, а двор - замечательным примером псевдорусской стилизации. Терский стилистически объединил дворовый фасад усадебного дома с подковой служебных строений кон. XVIII в. В советские годы усадьбу занимал Дом медработника, в 1990-е гг. сюда въехал Театр «Геликон-опера».


Была проведена уникальная работа по восстановлению памятника архитектуры – главного дома усадьбы Глебовых-Стрешневых-Шаховских: укреплен фундамент, реконструированы подвальные помещения, заменены аварийные перекрытия, отреставрированы кирпичные стены и фасады. По сохранившимся образцам XIX века отреставрированы интерьеры усадьбы: кессонированные потолки, карнизы, лепное убранство. Восстановлены купол малого зала, колонны из искусственного мрамора, люстры, торшеры, бра. Пол в парадных залах и вестибюле украшен художественным паркетом, инкрустированным редкими породами дерева. Воссоздан интерьер парадной лестницы с мраморными ступенями.


В результате реконструкции площадь театра увеличилась с 5 до 13,5 тысяч кв. м. Внутренний двор преобразился в новый зал «Стравинский» на 500 мест, не уступающий по акустике, комфорту и техническому оснащению ведущим оперным театрам мира. Красное крыльцо внутреннего двора усадьбы стало ложей для почетных гостей. Малая сцена на 216 мест находится в старом здании театра, в котором проведена научная реставрация. Сцена театра оборудована 26 автономными платформами и кругом, перемещающимся в двух плоскостях, превращающимся в спираль. За несколько секунд полностью меняется пространство сцены и декорации. В глубине сцены – шесть колоколов (вес самого большого 260 кг), отлитых специально для театра в Воронеже.


Снимки конца 2015 года.








Читать далее...

Элегантные предметы интерьера, мебель и изящные статуэтки, выполненные руками художников, в пространстве музея Ар Деко обрели новую жизнь. Покажу ещё некоторые интересные предметы из этой коллекции.

1. Два панно Жана Дюнана в японской технике (дерево, резьба, лак, золочение) для салона лайнера "Нормандия":"Жатва" (на заглавном фото) и "Сбор урожая", авторские копии, около 1935 года.




2.




3.




4.




5.


Читать далее...

Эдгар Брандт (1880-1960). Набор из 8 стульев, 1920-е. Кованая сталь, мягкая обивка.  На столе Э. Тришара - скульптура Альфреда Джореля (предположительно 1840-1927). Обнажённая с павлинами

Продолжим знакомство с музеем Ар Деко, в котором демонстрируется уникальная коллекция произведений искусства.
Итак, для стиля ар-деко характерны роскошь, элегантность и шик, использование дорогих и редких материалов (слоновой кости, крокодиловой кожи, алюминия, редких пород дерева, серебра), этнические геометрические узоры, изысканность, интенсивные цвета, пёстрые орнаменты. Стиль ар-деко стал последним воплощением идеи абсолютной красоты в искусстве.

Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Пёрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия). Все они представлены в коллекции, а собрание Дмитрия Чипаруса - самое полное в мире. Покажу ещё несколько изящных статуэток Чипаруса.








Как и другие детали нарядов, плиссированная юбка его скульптуры "Аюта" появляется неспроста. В 1920-х годах плиссе ассоциировалось с древней Грецией и древним Египтом. Более того, испанский художник Мариано Фортуни, который помимо живописи занимался дизайном одежды, заново открыл так называемое "дельфийское платье" или "дельфос" - длинное плиссированное шёлковое платье в античном стиле, подчёркивающее линии тела. Среди его заказчиц были Сара Бернар и Айседора Дункан.



















Читать далее...

Долго собиралась, и вот наконец-то я посмотрела эту крупнейшую коллекцию предметов ар-деко. Московский музей Ар Деко находится в историческом здании, являющимся памятником промышленной архитектуры (1883 г., архитектор - В.В. Столяров), на Лужнецкой набережной, дом №2/4. Изначально в нём был завод по производству химических красителей и фармацевтики Фридриха Байера, затем военной и авиационной промышленности, сейчас - это территория бизнес-центра. Пешком минут за десять можно дойти от станций метро: Воробьевы горы, Спортивная и Университет. На прилегающей территории есть небольшая стоянка для машин.

Музей Ар Деко создан два года назад предпринимателем и меценатом М.О. Окрояном. Музейная коллекция, кроме произведений из бронзы и слоновой кости периода 1920-1930-х годов, включает мебель, светильники, много ковки, а также лампы и всевозможные консоли.








В период с 1918 по начало 30-х годов Европа переживала настоящий художественный, культурный и социальный бум, главными центрами которого стали Париж и Берлин, отчасти Вена. Пик популярности ар-деко пришёлся на период с 1925 по 1935 годы.




В 1925 году в Париже прошла "Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств", в которой приняли участие художники из Японии и практически из всех европейских государств, кроме Германии. Сокращенное название выставки дало жизнь термину "ар-деко", хотя были и альтернативные названия - "стиль джаз", "зигзаг модерн", "стиль Пуаре".




Раньше музейная коллекция размещалась в двух залах, теперь - в одном. И мне показалось, что выставочное пространство слишком перегружено изящными предметами и больше напоминает антикварный салон, чем музей.



Читать далее...

Часть 4 из 4: картины XVII-XVIII веков и аудиозапись экскурсии по экспозиции

Часть 1: от иконы XII века до «Оплакивания Христа» Джованни Беллини.
Часть 2: от Эрколе де Роберти до Веронезе. Караваджо. Пуссен.
Часть 3: Донато Крети. «Астрономические наблюдения».


Гвидо ди Пьетро, прозванный Фра Беато Анджелико (около 1395, Виккьо, Флоренция - 1455, Рим). Сцены жития святого Николая Чудотворца. Фрагмент. Около 1447-1449 (?). Пределла. Дерево, темпера, золото. 35,5 х 64,4 см. via

Все работы выставки «Roma Aeterna. Шедевры Пинакотеки Ватикана. Беллини, Рафаэль, Караваджо». Часть 4

Государственная Третьяковская галерея, 25 ноября 2016 - 01 марта 2017. На выставке были показаны произведения за 6 столетий – с XII по XVIII века. [Часть 1. Часть 2. Часть 3]

В конце записи – трехминутная видео- и 40-минутная аудиоэкскурсия по выставке.


2.

Сцены жития святого Николая Чудотворца. Фрагмент. Фра Беато Анджелико. Около 1447-1449 (?). via

С 25 ноября 2016 по 01 марта 2017 года в Инженерном корпусе Государственной Третьяковской галереи в Москве прошла выставка «Roma Aeterna. Шедевры Пинакотеки Ватикана». Дизайн экспозиции, представившей 42 произведения, разработали архитекторы Сергей Чобан и Агния Стерлигова. В пространстве третьего этажа Инженерного корпуса они создали залы, которые по своей конфигурации в плане напоминают Собор Святого Петра в Ватикане и площадь перед ним.


Картины XVII-XVIII веков:


3.

Лодовико Карраччи. Троица с мертвым Христом (Престол благодати). Обработано из фотографии: Евгений Разумный, Ведомости. Source. Превью репродукции картины из каталога Музеев Ватикана

Лодовико Карраччи (1555, Болонья - 1609, Болонья). Троица с мертвым Христом (Престол благодати). Около 1591.

«Лодовико Карраччи, уроженец Болоньи, вместе со своими двоюродными братьями Аннибале и Агостино основал в родном городе Академию вставших на правильный путь, сыгравшую важную роль в формировании искусства XVII века. Призывая к изучению великих мастеров Возрождения и возврату к природе, реформа Карраччи по своей сути была революционна и заложила фундамент искусства барокко. «Троица», мощное по своему эмоциональному воздействию полотно, написана сразу после посещения Венеции в 1591-1592 годах. Лодовико объединил отвлеченное иератическое изображение Троицы со сценой Оплакивания, с той разницей, что мертвое тело Христа принимает в свои объятия не Дева Мария, а Бог Отец, и добился того, что трансцендентный символ оказался представлен как нечто в одно и то же время великое и близкое человеку.» [1]

Carracci, Ludovico (Bologna 1555 - ivi 1619). Trinità con Cristo morto (Trono di Grazia). 1590-1591. olio su tela, cornice dorata. 172,5 x 126,5. Provenienza: dalla raccolta del Cardinal Flavio I Chigi, dal quale venne lasciato in legato a Innocenzo XII; nel 1693 nei Palazzi Vaticani; dal 1790 nella Pinacoteca di Pio VI. Collocazione: Edificio della Pinacoteca. Pinacoteca Vaticana. Sala XI


4.

Judith and her handmaid with the head of Holofernes, Orazio Gentileschi, 1611, Vatican Museum. via. Превью из каталога Музеев Ватикана

Орацио Джентилески (1563, Пиза - 1639, Лондон). Юдифь и служанка с головой Олоферна. Около 1624-1625. Холст, масло. 123x142 см.

«Тосканец Орацио Джентилески в юности уехал в Рим, где провел основную часть своей жизни. Караваджо был младше и приехал в Рим позже, но его картины произвели огромное впечатление на Джентилески. «Юдифь и служанка с головой Олоферна» — один из блестящих образцов раннего римского караваджизма. <...> Существует предположение, что Юдифь — портрет Артемизии, дочери Джентилески, первой профессиональной художницы, славившейся независимостью своего нрава.» [1]

" Поступление. В 1938 по завещанию Аньезе де Анджелис Джаммарелли. Инв. 41059

Первым, кто атрибутировал картину как работу Орацио Джентилески, был Диоклесио Редиг де Кампос. Она написана на сюжет, который Джентилески использовал неоднократно в разных вариантах — наиболее впечатляющий находится в коллекции художественного музея Уодсворт Атенеум в Хартфорде (Коннектикут, США).

Джентилески запечатлел момент, когда Юдифь передает корзину с головой Олоферна своей служанке Абре. Неожиданный шум заставляет их обеих насторожиться: Абра испуганно оглядывается, а Юдифь обращает свой взгляд к небесам, словно прося совета свыше. Испуга служанки она явно не разделяет. Джентилески подчеркивает различие между двумя женщинами: у высокородной Юдифи светлые волосы и голубые глаза, она богато одета, у Абры темные волосы и более чем скромный наряд, ее толстые руки резко контрастируют с нежными, изящными руками Юдифи.


5.

Орацио Джентилески. Юдифь и служанка с головой Олоферна. Около 1610-1612 (на сайте музея) / между 1621 и 1624 годами (Кейт Кристиансен). Уодсворт Атенеум, штат Коннектикут, США / Orazio Gentileschi, Judith and Her Maidservant with the Head of Holofernes, c. 1610-1612, Oil on canvas, 53 3/4 x 62 5/8 inches, The Ella Gallup Sumner and Mary Catlin Sumner Collection Fund, 1949.52. Wadsworth Atheneum Museum of Art. Source. Крупнее, но чуть хуже

В настоящее время картина из Пинакотеки Ватикана считается прекрасной версией, созданной в мастерской Джентилески как повторение картины из хартфордского музея. Юдифь менее идеализирована, чем на хартфордской картине, и столь реалистична, что ее можно принять за дочь Джентилески Артемизию. Полотно из музея в Хартфорде датируется Кейт Кристиансен и другими учеными временем между 1621 и 1624 годами, когда Орацио работал в Генуе. Полотно из Ватикана, должно быть, написано вскоре после него. Однако до сих пор неясно, что произошло с обеими картинами после их создания. Известно, что в «Итальянском альбоме» (1621-1627) Антониса Ван Дейка есть зарисовка «Юдифи» (возможно, изначальной ее версии). Кроме того в путеводителях по Генуе, изданных в XVIII веке, встречаются упоминания о «Юдифи» кисти Орацио в коллекции Карло Камбьязо и еще об одной картине на тот же сюжет в коллекции Пьетро Марии III Джентиле. Но нельзя сказать с уверенностью, что это именно полотна из Ватикана и Хартфорда. Известно лишь, что Джентиле, коллекционер с утонченным вкусом, был одним из постоянных покупателей работ Джентилески; более того, в инвентаре его коллекции, составленном в XIX веке, указываются размеры «Юдифи», близкие к размерам картины из хартфордского музея. Хотя и возможно, что «Юдифь» из Пинакотеки Ватикана действительно находилась в коллекции Карло Камбьязо, прежде чем оказаться в Риме, все-таки, чтобы пролить свет на судьбу одной из столь значимых работ школы Караваджо, необходимы дальнейшие исследования. " [2]

Gentileschi, Orazio (Pisa 1563 - Londra 1639). Giuditta e l'ancella con la testa di Oloferne. 1624-1625. Materia: olio su tela. 123 x 142 cm. Periodo Acquisizione: 1938. Tipo Acquisizione: Ingresso in Magazzino Quadri. Provenienza: donato dalla sig.ra Agnese De Angelis ved. Gammarelli a Pio XI il 17 giugno 1938. Collocazione: Edificio della Pinacoteca. Pinacoteca Vaticana. Sala XIII


6.

Pensionante del Saraceni (attivo a Roma, 1610 - 1620). Negazione di San Pietro. 1615-1619. Pinacoteca Vaticana. Source. Картина на выставке, via

Приписывается Пенсионанте дель Сарачени (работал в Риме в 1610-е - 1620-е). Отречение святого Петра. 1615-1619. 100 x 129 см

«Картина до 1943 года считалась работой Караваджо, но затем была приписана ученику Карло Сарачени, одного из главных представителей раннего караваджизма. Имя ученика пока не установлено, и его условно называют «Пенсионанте дель Сарачени», что по-итальянски значит «гость Сарачени». Его полотна выделяются среди работ других караваджистов: художник не погружает фон во тьму, но освещает всю картину ровным переливчатым светом. Сюжет картины — евангельская история об отречении апостола Петра. В ночь перед взятием под стражу Иисус предрек ему, что он три раза отречется до первых петухов. К Петру, ожидавшему вестей у ворот дома первосвященника, куда был отведен арестованный Иисус, подошла служанка и, узнав его, сказала: «И ты был с Иисусом Галилеянином», но апостол отрекся.» [1]

Pensionante del Saraceni (attivo a Roma, 1610 - 1620). Negazione di San Pietro. 1615 - 1619. Materia: olio su tela. Misure: cm 100 x 129; con cornice: cm 120 x 147 x 11. Periodo Acquisizione 1909. Tipo Acquisizione Ingresso nella Pinacoteca di Pio X. Provenienza: dalla Collezione Sacchetti (n.19); acquistato da Benedetto XIV per la Pinacoteca Capitolina nel 1748; nel 1818 trasferito in Vaticano; dagli appartamenti del Palazzo Apostolico Vaticano (Floreria Apostolica). Collocazione: Edificio della Pinacoteca. Pinacoteca Vaticana. Sala XII


7.

Autoreattr. a Bigot, Trophime (Arles 1579 - Avignone 1650). San Sebastiano curato da Irene. 1620-1634. via. Работа на выставке, via. Превью репродукции картины из каталога Музеев Ватикана

Приписывается Трофиму Биго (1579, Арль - 1650, Авиньон). Святой Себастьян, исцеляемый святой Ириной. 1620-1634.

«В 1960-е годы Бенедикт Николсон, один из главных специалистов по живописи караваджистов, выделил группу картин, обладающих некоторым единством манеры, что заставило предположить, что все они созданы одним художником. Особый французский дух позволил связать их с именем Трофима Биго, уроженца Арля, часто упоминающегося в римских документах между 1620 и 1634 годами. Центральной среди работ, приписанных Биго, является данная композиция. Изображен момент, когда святая Ирина, называемая также Ириной Римской, вдова святого Кастула, живым закопанного в землю, узнав о казни императором очередного христианина, прекрасного юноши Себастьяна, пришла со служанкой, чтобы предать его брошенное на поругание тело земле, но обнаружила, что он жив.» [1]

Autoreattr. a Bigot, Trophime (Arles 1579 - Avignone 1650). San Sebastiano curato da Irene. 1620 - 1634. Materia: olio su tela, cornice dorata. Misure: cm 98 x 137; con cornice: cm 131 x 164. Periodo Acquisizione: settembre 1912. Tipo Acquisizione: dono della Congregazione de Propaganda Fide. Provenienza: già collezione del Card. Innocenzo Ferrieri e del fratello Giulio Ferrieri (n. 115), legata con testamento del 26/03/1888 alla Congregazione de Propaganda Fide, poi nella Pinacoteca della Sacra Congregazione de Propaganda Fide e dal 1912 in Vaticano. Collocazione: Edificio della Pinacoteca. Pinacoteca Vaticana. Sala XIII

Читать далее...

Часть 3 из 4: Донато Крети. «Астрономические наблюдения»

Часть 1: от иконы XII века до «Оплакивания Христа» Джованни Беллини.
Часть 2: от Эрколе де Роберти до Веронезе. Караваджо. Пуссен.


Мелоццо дельи Амбрози, прозванный Mелоццо да Форли (1438, Форли - 1494, Форли). Фрагмент фрески, перенесенной на кадорит / Melozzo degli Ambrosi, detto Melozzo da Forlì, (Forlì 1438 - 1494) Un angelo che suona il liuto, 1480 ca. Frammento di affresco staccato, cm 93,5 x 117 Inv. 40269.14.10-1. Musei Vaticani. Pinacoteca. Source

Все работы выставки «Roma Aeterna. Шедевры Пинакотеки Ватикана. Беллини, Рафаэль, Караваджо». Часть 3

Государственная Третьяковская галерея, 25 ноября 2016 - 01 марта 2017. На выставке были показаны произведения за 6 столетий – с XII по XVIII века. [Начало. Продолжение]

Нарушая хронологию, вначале XVIII век: серия картин Донато Крети. Эта серия заканчивала выставку в отдельном зале. А потом – все оставшиеся работы, которые на мой взгляд менее интересны, кроме, может быть, пары вещей.


2.

Луна. Фрагмент. Из серии «Астрономические наблюдения». Донато Крети

Донато Крети (1671, Кремона - 1749, Болонья). «Астрономические наблюдения». Солнце. Луна. Меркурий. Венера. Марс. Юпитер. Сатурн. Комета. 1711. Холст, масло. Каждый по примерно 51 x 35 см.

Серия картин, вставленных в одну раму, изображающая ночные наблюдения всех известных на то время планет Солнечной системы, была написана, чтобы сподвигнуть папу Климента XI на строительство обсерватории.

" Поступление. Дар в 1711 Луиджи Фердинандо Марсили папе Клименту XI; до начала XX века — во дворцах Ватикана; затем в Кастель-Гандольфо; с 1932 — в Пинакотеке Ватикана. Инв. 40432 - 40439.


3.

Солнце / Donato Creti, (Cremona 1671 - Bologna 1749). Osservazioni astronomiche, 1711. Olio su tela, cm 51 x 35 ciascun pannello. Inv. 40432 - 40439. Musei Vaticani. Pinacoteca. Source

В 1711 году граф Луиджи Фердинандо Марсили заказал Донато Крети серию картин на тему «Астрономические наблюдения» и, присовокупив к ней различные документы, послал папе Клименту XI, чтобы убедить его профинансировать строительство обсерватории в Болонье.


4.

Солнце. Фрагмент. Из серии «Астрономические наблюдения». Донато Крети

До того Марсили, страстный астроном-любитель, с помощью ученого, математика и астронома, Эустакьо Манфреди уже построил обсерваторию в своем дворце. Когда ее пришлось разобрать, он основал в Болонье Институт наук, которому требовалось собственное здание с обсерваторией. Так как Болонья входила в папские владения, то лучше всего было заручиться покровительством понтифика.
Читать далее...

На надгробии Рафаэля в римском Пантеоне начертаны слова: «Здесь покоится Рафаэль, при жизни которого мать всего сущего — Природа — боялась быть побежденной, а после его смерти ей казалось, что и она умирает вместе с ним». Эпитафию написал друг художника кардинал Бембо. Еще при жизни Рафаэля современники наделили его эпитетом «божественный».


Рафаэль Санти. Портрет Аньоло Дони, фрагмент

Выставка "«Рафаэль. Поэзия образа». Произведения из галерей Уффици и других собраний Италии." закрылась. Государственный музей изобразительных искусств имени A.C. Пушкина совместно с галереями Уффици [] провели первую в России выставку работ Рафаэля Санти. Из музеев Италии были привезены восемь живописных и три графические работы. [[] В 2015 году во Флоренции был образован новый музейный комплекс «Галереи Уффици», включающий также Палатинскую галерею и другие музеи.]

В 2020 году во всем мире будет отмечаться 500-летие со дня смерти Рафаэля Санти. Выставка в московском Пушкинском стала первой в череде событий, приуроченных к этой дате.

Рафаэль в качестве живописца, рисовальщика, архитектора, поэта воплотил высший идеал эпохи Возрождения. Он смог придать визуальную осязаемость идеям ренессансных гуманистов. Благодаря этому между поэтическим творчеством его современников и созданными им портретными образами существует глубокое внутреннее родство.


2.

Рафаэль Санти. Руки Аньоло Дони. Photo by Tatiana Gorbutovich

Художник создал новый тип ренессансного портрета, в котором изображенное лицо, наделенное узнаваемыми чертами конкретного человека, предстает и как обобщенный образ своего времени. Замыслы мастера, воплощенные в портретах, раскрываются в сопоставлении с образцами современной Рафаэлю поэзии — представленными в контексте выставки: текстами Бальтазаре Кастильоне, Антонио Тебальдео, Лодовико Дольче, а также в стихотворном творчестве самого Рафаэля.

Многие русские поэты выражали свое преклонение перед художником в стихах, в их числе — Гавриил Романович Державин (1743-1816) и Александр Сергеевич Пушкин (1799-1837). "Наше всё" обращался к Рафаэлю неоднократно, начиная со своей подростковой поэмы «Монах», июнь-июль 1813:

"Взошедши в дом, где мирно жил Монах,
Не золота увидели б вы горы,
Не мрамор там прельстил бы ваши взоры,
Там не висел Рафа́ель на стенах."

[К слову: О поэме «Монах» — сначала только по названию — стало впервые известно лишь в 1863 году со слов князя А. М. Горчакова, который позже сообщил о том, что убедил юного поэта уничтожить «дурную поэму довольно скабрезного свойства». Однако автограф ее был обнаружен в 1928 году как раз в архиве Горчакова.]


3.

Рафаэль Санти. Руки Маддалены Дони, супруги Аньоло Дони. Photo by Tatiana Gorbutovich

Одна из самых известных фраз из Пушкина по рафаэлевской теме – из «Моцарта и Сальери», 1830:

"Моцарт
Ах, Сальери!
Ужель и сам ты не смеешься?

Сальери
Нет.
Мне не смешно, когда маляр негодный
Мне пачкает Мадонну Рафаэля,
Мне не смешно, когда фигляр презренный
Пародией бесчестит Алигьери.
Пошел, старик.

Моцарт
Постой же: вот тебе,
Пей за мое здоровье.

Старик уходит."


4.

Рафаэль Санти. Galleria Nazionale delle Marche, Urbino

Связь, возникающую между стихами Пушкина и живописью Рафаэля, подметил Виссарион Григорьевич Белинский, писавший о «Сикстинской Мадонне»: «Что за благородство, что за грация кисти! Нельзя наглядеться! Я невольно вспомнил Пушкина: то же благородство, та же грация выражения, при той же верности и строгости очертаний! Недаром Пушкин любил Рафаэля: он родня ему по натуре».

Работы, которые были на выставке:
8 картин и 3 рисунка


5.

1. Рафаэль Санти. Автопортрет. Около 1505. Дерево, масло. Галереи Уффици, Флоренция. Выставка Рафаэль. Поэзия образа. Произведения из Галерей* Уффици и других собраний Италии. Photo by Tatiana Gorbutovich. Автопортрет без рамы. Original (3898 x 5315)

Автопортрет Рафаэля из собрания Галереи Уффици — первое из нескольких известных изображений мастера. Он был выполнен в 1505 году, когда Рафаэлю было 22 года. С переезда во Флоренцию, пришедшемуся на 1504 год, начнется новый этап в жизни и творчестве художника. Можно предположить, что еще до переезда Рафаэль ощущал себя вполне состоявшимся мастером, ведь жанр автопортрета неотделим от размышлений художника о себе и своем общественном статусе.

На автопортрете мы видим юношеское лицо с правильными чертами, с которым гармонирует изысканная элегантность внешне неброского костюма. По словам искусствоведов, нейтральный фон, лишенный театральности, скромная одежда, аккуратно забранные под берет волосы свидетельствуют о стремлении художника к определенному идеалу красоты, воспринимаемой и как духовное совершенство.


6.

Рама автопортрета. Photo by Tatiana Gorbutovich

Внутренняя гармония и изящество этого образа созвучны идеалам гуманиста и друга Рафаэля Бальдассаре Кастильоне, получившим отражение в его трактате «О придворном». В этом знаменитом сочинении итальянского Возрождения, в частности, прославляется особое качество, называемое «sprezzatura» — умение человека вести себя так, как будто все ему дается легко, не выставлять напоказ усилий, благодаря которым достигнут результат.

На протяжении всего творческого пути Рафаэль был именно тем художником, который воплощал в жизнь ренессансное представление о живописи как о высоком искусстве, родственном труду литераторов и поэтов.


7.

2. Рафаэль Санти. Голова ангела. 1501. Дерево, масло (перенесена на холст). Пинакотека Тозио Мартиненго, Брешиа. По клику – в раме. Source

Небольшой по размерам фрагмент алтаря с изображением головы ангела обладает несомненной привлекательностью. Он был освобожден из-под слоя позднейших записей, закрывавших все изображение, кроме лица и плеч, и предстал теперь в своем первозданном виде. В этом фрагменте читается произведение зрелого художника. Перед нами деталь большой композиции, исполненной Рафаэлем для церкви Сант Агостино в Читта ди Кастелло, небольшом городе недалеко от Перуджи. Этот алтарный образ, оплаченный богатым торговцем шерстью по имени Андреа Барончи, был заказан Рафаэлю, которого в документах уже называют «мастер». В центре алтаря — фигура святого Николая Толентинского, побеждающего дьявола, а по сторонам — ангелы, держащие в руках таблички с латинским текстом церковной службы. Образ, представленный на выставке, находился справа от святого Николая.

В конце XVIII столетия сильное землетрясение повредило церковь, и алтарь был перевезен в Рим, а затем разобран на отдельные части. В начале XIX века итальянский коллекционер граф Паоло Тосио приобрел на антикварном рынке изображение головы ангела как «Портрет юноши». Помимо этого фрагмента известны еще три части алтаря. В Лувре находится другой ангел. «Мадонна» и «Бог Отец», выполненные ассистентом Рафаэля, хранятся в музее Каподимонте в Неаполе.

Написанное в 1501 году произведение позволяет понять пути становления художественного языка Рафаэля. В исполнении этого образа, воплощающего гармонию и спокойствие, легко увидеть характерный рафаэлевский тип лица, обрамленного развевающимися кудрями, которые написаны свободно, длинными мазками кисти. Возникают очевидные стилистические параллели с работами Пьетро Перуджино, учителя Рафаэля. Также ощутимо влияние других художников умбрийской школы — Бернардино Пинтуриккио и Луки Синьорелли, близко знакомого с заказчиком алтарной композиции.


8.

3. Рафаэль Санти. Портрет Элизабетты Гонзага. Дерево, масло. Галереи Уффици, Галерея статуй и картин, Флоренция. Фотография сделана в Уффици, июль 2016. Photo by Tatiana Gorbutovich. На выставке в Москве картина была не в этой раме, а в простой. В Уффици этикетка об авторстве говорит осторожно: приписывается Рафаэлю.

Портрет Элизабетты Гонзага, супруги герцога Урбинского Гвидобальдо да Монтефельтро, составляет пару с портретом ее мужа, также хранящимся в Галерее Уффици. Портреты попали во Флоренцию в конце XVII века без всякого упоминания об их авторе. С принадлежностью данного портрета кисти Рафаэля до сих пор не согласны некоторые исследователи.
Читать далее...