Япония – это огромная корпорация. Большая часть жизни японцев проходит в офисе, в однотипных деловых костюмах. Они помешаны на работе. Больше работаешь – лучше живешь. Это было правилом до недавнего времени.

Но появилось новое поколение японцев. Их родители достигли материального благополучия, у них есть все. Что же ещё надо? А эти молодые японки и японцы думают иначе. Они бунтуют против однотипных, скучных, серых будней. Они живут по своим правилам. Им хочется делать сумасшедшие вещи, творить, самовыражаться. Каждый человек – индивидуальность. Одежда это знак, это способ показать миру свою уникальность. Ты должен найти свой стиль, чтобы быть собой.

Японская уличная мода – это разнообразие цветов и форм, смесь всего на свете. Мягкие шляпы, разноцветные пальто, сумки разнообразных форм и цветов (самодельные сумки - это отдельный разговор…) Их одежда – слой за слоем, даже теплой весной – девушки могу надеть юбку поверх джинс, надетых поверх чулок, а мужчины – рубашки, одну на другую…

Они совмещают несовместимое, стремятся быть уникальными и в тоже время модными. Многие из них живут с родителями. Работают на полставки. Тратят большую часть заработка на одежду. Некоторые больны модой до «ненормальности» – скупают все вещи любимого брэнда, чтобы потом набить ими до упора свою маленькую квартирку – и... радоваться…

Приятно видеть классно одетого человека, так одетого – что сразу понятно, что это индивидуальность, личность. И как приятно, что появляется все больше людей, ищущих себя, свой стиль. Им не интересна жвачка, которой нас кормит большинство СМИ, их тошнит от заполонившего нашу страну «ширпотреба». Личности, для которых есть только один путь - быть собой.


Япония – это взрыв. В свое время резкий скачок произошел в промышленности, теперь поменялось сознание и что-то похожее происходит в японской моде.
Токио, как самый крупный город в мире, выступает в качестве дома для бесчисленных модных тенденций, от случайного к модным.

СТИЛИ:
Gyaru стиль("гал" на японском языке) являются случайными ,тенденции как правило, для женщин в возрасте 20 лет. Эти стили состоят одежды ярких цветов, которые часто контрастирует с темной кожей от поддельной продукции загара, и обесцвеченных волос. Иногда, готический стиль платья являются частью тенденции Gyaru, как тяжелый макияж и наращивание волос.




Onee Kei это женский вариант мужского стиля онии Kei. Эти обычаи включить в одежду американские и итальянские стили. Onee Kei - очень аксессуарный стиль, который начался в 1990-х и берет свое начало в стиле Gyaru - включает в себя более взрослый вид платья. Этот стиль также часто похож на стиль.

Лолита стиль- включает в себя наряды 19-го века и стиль викторианской эпохи короля Эдуарда, который тесно связан с видом фарфоровой куклы, в том числе это шляпки, ленты и кружева.

Decora стиль,одежда "украшения", одежда, которая требует максимального количества ярко окрашенных вещей. Это также очень аксессуарный стиль, в том числе боа из перьев, пластмассовые ювелирные изделия и нескольких слоев носков.

Японский Уличный стиль- это общий термин, но такой стиль одежды в основном заимствован из японской культуры хип-хоп проектов. Этот стиль включает в себя военные куртки,фирменные кроссовки и печатные футболки.

Стиль соседства
В Токио,в каждом оживленном районе свои вкусы моды, которые часто служат тенденцией для принятия и в других частях мира. Можно было бы сказать, что глобальная мода, во многих случаях берет свое вдохновение из современного японского стиля одежды.

















































http://www.be-in.ru
за фото спасибо http://copypast.ru

Само существование гейш овеяно множеством тайн и легенд, порой самых противоречивых и невероятных.
Собственно, называть гейш гейшами стали иностранцы, проникающие в древнюю Японию, т.к. на языке оригинала это слово звучит как «гэйся», где «гэй» обозначает искусство, а «ся» - человек. Совместив это, соответственно получаем «человека искусства». Иностранцы же мало того, что исковеркали первоначальное название профессии, так и сузили его (причем неправильно) до банальной проституции, а ведь гейша (будем употреблять именно этот термин, т.к., как ни крути, а он является более привычным нашему уху) совершенно необязательно оказывает сексуальные услуги. Более того, первоначально этого пункта даже не было, простите, в перечне её обязанностей (а также гейши не имели правительственной лицензии на оказание такого рода услуг). Что же входило в обязанности гейш?
В Японии все красивое возводится в культ: цветущее дерево, росчерк пера, изгиб спящей кошки. А гейши... К ним вообще отношение особое... Киплинг, написавший "Запад есть Запад, Восток есть Восток, и им не сойтись никогда", был абсолютно прав. Европейцы часто путают гейшу с девушкой из бара или обычной проституткой из злачных кварталов Токио или Киото. Проститутки в Японии, конечно, есть, они даже могут одеваться как гейши, но они — не гейши.



Гейши — это феномен, уникальная социокультурная традиция, не имеющая аналогов. Европеец не знает, что гейша, развлекающая, кокетливая, остроумная и эротичная, создана для увеселения мужчины, для того чтобы он почувствовал собственную исключительность, а не просто для сексуальных утех. Это истинные мастера искусства чувственности, искусства настроения.

Первоначально гейшами были мужчины – да-да! Существует несколько версий этих событий. Версия первая: гейшами являлся первоначальный состав театра Кабуки. Версия вторая: гейшами называли артистов квартала Ёсивары (в Эдо), развлекавших доблестных самураев (также их называли «хокэн» - «шуты»). Самураи почитали развлекательное общение с женщинами в чём-то нечистым и недостойным доблестных и учёных мужей, поэтому предпочитали представителей своего же пола, столь же образованных и могущих поддержать интеллектуальную беседу за чашечкой сакэ. И только с течением времени появились гейши-женщины, которые вытеснили с «арены» гейш-мужчин

Представителями этой профессии становились только женщины. «Золотой век» гейш пришёлся на XIX век, в те времена они были настоящими звёздами, музами для многих поэтов и художников. Тогда же и были заложены жёсткие традиции их искусства, дошедшего практически в неизменном виде до сегодняшних дней.
Жизнь и быт маленьких девочек, будущих гейш, с раннего возраста проходила в домах гейш — окия (яп. 置屋) — куда они зачастую продавались бедными семьями. Всё своё детство они вынуждены были работать сначала служанками, затем и ассистентками главных гейш в доме, которые обучали этих девочек азам будущей профессии и в дальнейшем помогали получать образование. В Японии подобная традиция имеет древние корни: ученик живёт в доме у своего учителя искусств, занимаясь сначала домашней работой, ассистируя ему и становясь в итоге мастером своего ремесла.



Будущие гейши обучались искусству пения и игры на музыкальных инструментах, искусству аранжировки цветов, умению выбирать и носить кимоно, традиционным танцам, каллиграфии и живописи, также гейши должны были уметь вести чайную церемонию (тяною). Таким образом, они получали практически всестороннее и неплохое для того времени образование, что позволяло им на равных участвовать в беседах с мужчинами, а иногда и занимать более превосходящую позицию по отношению к своим гостям.

Чтобы привести себя в порядок — сделать прическу и облачиться в кимоно, гейша тратит ежедневно от 4 до 5 часов.
Кимоно — "рабочая" одежда гейши. Настоящее кимоно не кроят и не шьют. Это цельный кусок ткани, который оборачивают вокруг тела и закрепляют с помощью нескольких поясов. Средняя стоимость такого чуда равна стоимости дешевой модификации "хонды" или "тойоты", но цена кимоно, предназначенного для особо торжественных случаев, может достигать цены "лексуса".
Затем — макияж. Гейша покрывает лицо белой пастой (в религиозном синтоистском обряде белый цвет означает чистоту), делающей его мягче и позволяющей губам выглядеть более ярко.
Гейша носит шиньон, который даже высокому мастеру стоит долгих часов труда. Шиньон заставляет гейшу спать, опираясь шеей на деревянный валик. Для японцев шея и верхняя часть спины, так же как и запястья, — предмет вожделения.

Внешне чрезвычайно сдержанные, они способны на игривую шутку, сохраняя при этом ореол благовоспитанности и отстраненности. В сексуальном отношении японцы не признают табу. Эротика, так же как пение и танцы, для них высокое искусство. Обучение гейши стоит больших денег. Обычно платят за это крупные компании или якудза — японская мафия. Прибыль составляет от 100 до 300% на вложенный капитал.
В прошлые века воспитание гейши начиналось с 10-летнего возраста, сейчас — по принятому после Второй мировой войны закону — с 16-летнего. Перед тем как вступить на это поприще, девушка заключает контракт с хозяйкой чайного домика: если она захочет изменить профессию, то ей придется откупаться немалыми деньгами.

Гейша ходит мелкими шажками, беззвучно скользя по полу в своих деревянных сандалиях. Ее движения изящны и слегка замедленны. Миниатюрная и необыкновенно грациозная, гейша символизирует женскую чувственность. Ее обнаженное тело под кимоно, умело удерживаемое несколькими поясами, — словно цветок, ждущий своего ценителя. Высокая, покрытая лаком прическа, белое лицо, искусно подкрашенные ярко-красной помадой губы, глаза, подведенные в направлении висков черным и красным цветом, — все в гейше напоминает куклу, призвание которой — быть женщиной.
нужно быть японцем, чтобы оценить сам факт приглашения в общество гейш. Хотя бы потому, что деньги здесь не имеют значения. Нужны рекомендации. Ведь визит к гейшам — своеобразный билет в закрытый клуб для почтенной публики.

Гейша должна покинуть окия, если выходит замуж. Но некоторые гейши, особенно сегодня, не хотят оставаться в профессии до старости и уходят просто по собственному желанию. Какой бы ни была причина, организовывается церемония «хики-ивай»,поздравление с уходом. Покидающая ханамати гейша рассылает своим клиентам, хозяевам чайных домиков, где работала, матушкам окия особое угощение: коробочку варёного риса, половина риса в которой белая, а половина — красная (подкрашивается бобами адзуки). Значение этого жеста — показать, что гейша уходит из мира гейш (красный рис) в обычную жизнь (белый рис).

Главный секрет гейш в другом, он определяется понятием "гармония". Гармония жестов, голоса и пространства. Кроткая, податливая и в то же время полная изобретательности и предупредительности, гейша является непревзойденной в искусстве возвысить мужчину. Гейша — служанка любви, идеальная женщина в идеальной обстановке.
С проституткой мужчина чувствует себя самцом, с гейшей — самураем, Эйнштейном, Моцартом, Пикассо, Сильвестром Сталлоне и Леонардо Ди Каприо одновременно.

Перепечатано из журнала "In flight review"
http://ru.wikipedia.org/

Японский бумажный фонарик называется ТЁТИН это традицио
нный вид японского искусства.Японцы делали фонарь из бамбука, а внутрь помещалась обыкновенная свеча.
Раньше фонари использовались ночью по прямому назначению, для освещения. Сейчас их делают больше для украшений и на праздники.
Обычно такие фонари развешиваются во время праздника, который проходит ежегодно 14-15 августа. У японцев со светом фонаря ассоциируется свет родительского дома и родного очага.
Этот фестиваль проводится в храме Касуга Тайся, одном из самых прославленных в Наре.

Такие фонари очень красивы и используются для украшения интерьера.
Изготавливаются они обычно из рисовой бумаги или шелка и имеют круглые или квадратные формы.






Есть еще плавучие фонарики, их делают в виде лодочек и запускают на реке или озере.
В фонарь внутри ставится обычная свечка, а стенки сделаны из толстой бумаги, которая пропускает неяркий свет от свечи.

Фонарик Саку Киринага (Shaku Kirinaga)



Название Саку происходит от старинной японской меры длины, которая составляла 30, 3 см. Киринага означает длинный и тонкий.
Обычно эти яркие и изящные фонарики составляют 91 см в длину и 33 см в ширину.
Иероглифы на фонарике читаются «Синсенгуми», и символизируют героическую группу японцев-фехтовальщиков конца 19 века, которые остались популярны и по сей день.


Фонарик Сакуси Тамагогата (Shakushi Tamagogata)



Традиционный фонарик в форме яйца, который вешают и зажигают в усыпальницах Синто по всей Японии.
Иероглифы произносятся как «Госинто», что означает «свет богов».
Классический японский фонарик такого вида имеет 67 см в длину и 43 см в ширину.

Фестивальные фонарики



Эти бумажные фонарики из гофрированной бумаги используют в ходе японских процессий. Их часто можно встретить в качестве украшений гробниц.
Размер такого фонарика 38 см в длину и 33 см в ширину.

Фонарик Гифу (Gify)



Орнаментированный фонарик Гифу обычно используют во время летнего буддийского фестиваля всех душ (Обон).
Обычно иллюстрируется растительными мотивами и имеет размер 45 см в длину и 30 см в ширину.

Фонари Изакая (Izakaya)



Эти большие красные фонари вешают у входа в японские закусочные изакая.
Размер такого фонаря 105 см в длину и 53 см в ширину. Из-за своего размера они требуют около месяца на изготовление.

Какой бы вид фонариков вы не выбрали, каждый из них передает дух вечности. Когда обращаешь внимание на маленький комочек света за тонкой стенкой бумаги, время останавливается, а собственная жизнь начинает видеться со стороны.

История возникновения и развития театра в Японии весьма любопытна. Первый театр в стране возник в эпоху Камакура, когда в расположенной на морском побережье столице всеми делами государства управлял могущественный сегунат. Это был всемирно известный теперь театр масок Но. Однако в то время он развивался под покровительством воинов и феодальных князей и был исключительной привилегией военных и был недоступен простому народу.

Первым демократическим театром Японии была так называемая драма Кабуки. Своё название он получил от глагола «кабуку», означаю­щего на японском «наклоняться вперёд». В более широком смысле «кабуки» можно истолковать как «непохожий», «запутанный», «отклоняющийся от нормы». Началом этого театра послужили танцы и сценки, исполняемые труппой актеров под руководством некоей О-куни. В старинных хрониках гово­рится, что она была красавицей, с волосами мягкими и длинными, как ветви ивы, и обликом походила на цветок персика. О-куни была не только актрисой, но и жрицей синтоистского храма в Идзумо.
Сейчас театр кабуки так же популярен, как театр но. Язык его жестов, грима и декораций глубоко символичен. Беленые рисовой мукой лица, яркий грим, известные во всем мире, это как раз черта театра кабуки, тогда как в театре но актеры выступают в традиционных масках. Кабуки отличается и особенным устройством сцены: актеры выходят на нее прямо из зрительного зала, по длинной дорожке, называемой «цветочной тропою». По ней же они покидают сцену. Традиционны для кабуки вращающиеся сцены, внезапно открывающиеся люки – эти технические изобретения были привнесены в театр в XVIII веке. Как и в других театрах, на представлениях кабуки декорации часто меняются прямо во время действия.Во время спектакля на сцене появляются «люди в черном» – это суфлёры. Они переставляют мебель, переодевают актёров и предполагается, что зритель их не видит.


Сейчас кабуки почитается как благородное древнее искусство, и его несколько скандальное прошлое давно забыто. А ведь во всю историю театра вплоть до XX века его часто запрещали по тем или иным причинам.
Уникальность искусства Кабуки состоит в том, что все женские роли исполняются актерами-мужчинами. Впервые попав на спектакль театра Кабуки, в первые минуты начинаешь ощущать себя несколько странно.
Кабуки – это такая штука, которую надо дозировать и принимать понемногу. Первый раз провести в зале полчаса – это уже достижение. Раньше представление длилось 10-12 часов, теперь спектакль длится примерно 6 часов. Согласитесь, для европейца сложно высидеть так долго. Кроме того, даже если вы знаете японский язык – это вам не поможет, актеры говорят на старояпонском.

Впрочем, говорят – это мягко сказано. Вам покажется, что они воют, как сирены или как ведьмы на шабаше, т.к. главным в речи актера считается не естественность, а ораторское искусство. Таким образом, текст произносят в манере завораживающей мелодекламации, которая представляет собой нечто среднее между пением и разговором. А когда диалоги сопровождаются музыкальным сопровождением, это придает движениям актеров больше ритмичности, они становятся похожими на движения странного танца.



Есть династии актеров Кабуки, которые насчитывают до 17 поколений. Они передают своё бесценное искусство быть марионеткой из поколения в поколение. Раньше, если в семье актёра рождалась девочка, это было печальное событие, ибо продолжить дело предков мог только мальчик. Требования, предъявляемые к актеру, очень суровы. Он должен пройти тщательную подготовку по многим видам театрального искусства – танцы, музыка. Техника актерской игры в театре Кабуки – не результат достижений актеров, а накопленный опыт, передаваемый из поколения в поколение.

Есть легенда об актёре, который был одним из лучших актёров оннагата (играющий женщину). Когда-то оннагата предписывалось носить женскую одежду и в повседневной жизни. Так вот, достигнув 70 лет, актёр ушёл на заслуженный отдых. Но однажды у него возникло желание в последний раз выйти на сцену и исполнить танец девушки. Его жена засомневалась: ну что ты выдумал, ты уже слишком стар и тебя засмеют. Муж сделал вид, что обиделся и вышел из дома. Через некоторое время в дверь постучала красивая девушка, она вежливо осведомилась о хозяине дома и, узнав, что его нет, сказала, что зайдёт позже. Сгорая от любопытства и ревности, женщина принялась расспрашивать мужа, как только он вернулся, что это за прекрасная незнакомка им интересовалась? Муж гордо ответил: «Этой девушкой был я. Убедилась? Так-то.»

Секрет красоты «оннагата» заключается в том, что эта красота создана искусством мужчин, наблюдающих за поведением и психологией женщин.

А сегодня японцы приводят на представления своих детей и устраивают в театре смотрины. Таким образом, жених имеет возможность понаблюдать, как девушка проявляет чувства во время спектакля. Проверить, значит, её на чувствительность.

Пьесы кабуки обычно двух жанров: о самураях (стиль Эдо) и о любви (стиль Осака). Покорить зрителей, с первых минут завладеть их вниманием – вот вершина мастерства актёров. По мнению актёров Кабуки, актёр, вживающийся в роль, играет хуже, чем тот, который смотрит со стороны. Это полностью противоречит системе Станиславского. Но вы бы видели, как японцы, в отличие от европейцев, на спектаклях волнуются и переживают!



В общем, независимо от того, понравился вам театр или вы поглядываете на часы и думаете, как бы побыстрее сбежать, вы не сможете отрицать, что это удивительное по своей цветовой гамме зрелище – красиво. А красоту на Востоке не объясняют – не принято. Она есть, и ею можно только любоваться. Хороший подход.

http://art.1001chudo.ru
http://shkolazhizni.ru

Эту статью я разбавила фото граффити,которые я сама снимала не только в родном городе.
В интернете много различных фото граффити,но мне интересны те,которые есть в вашем городе.Если есть желание выкладывайте в комментариях,любопытно посмотреть.

Граффити (итал. graffiti, от греч. γραφειν писать) — надписи или рисунки на стенах зданий и переходов, вагонах поездов и прочих вертикальных поверхностях.




История этого термина переносит нас к доисторическому человеку, рисующему на стене пещеры. Это явление, по-видимому, было вызвано человеческой жаждой общения.

"Граффити представляет собой страсть человека к общению".
Мир признал граффити не сразу. Граффити стали стихией, изменившей внешний вид улиц в конце XX века, и упоминание этого слова вызывает в воображении человека множество различных образов.



Граффити — надписи на стенах и т. п.
Спрей-арт (также именуемый граффити) — современный стиль рисования на стенах с использованием аэрозольной краски
Сграффито или граффито — техника создания изображений на многослойной штукатурке



Эстетика и приемы граффити используются в рекламе, дизайне, видео и т.п. Выставки граффити регулярно проводятся в официальных учреждениях культуры. Однако во многих случаях деятельность художников улицы рассматривается как хулиганство и проявление вандализма и преследуется законом. Граффити-надписи — неоднородное явление с динамичной историей, разнообразием стилей, программ и идеологий.



Техника граффити может соотноситься с легальной (writing) и нелегальной (bombing) деятельностью, художники занимаются написанием слов или составлением сюжетных композиций, преследуют политические, провокационные или чисто художественные цели. Все перечисленное не является границами граффити. Темы граффити разнообразны, как разнообразны личности и намерения его создателей.



Создание граффити — один из видов самовыражения молодежи.
Самоназвание современных художников граффити — райтеры (англ. writers).
Необходимо отметить, что многие из райтеров называют свои работы скорее «райтингом (письмом)», чем «граффити».



Граффити, какими мы видим их сейчас, зародились в Нью-Йорке как часть хип-хоп культуры в 70-х годах XX века. Первоначально для работ использовались обычные маркеры для граффити и аэрозоли, немало инструментов изготавливалось самостоятельно. Исторически граффити развивались из так называемых тэгов, авторских логотипов, объектами для которых становились поезда подземки.



Граффити — очень популярное искусство в мире. Следовательно, как и в любой другой сфере, в нем есть свои признанные мастера. Легенда граффити-искусства — Роберт Бэнкси — работает в хорошо узнаваемой сатирической манере. Его творения стали первыми образцами street-art (уличного искусства), которые стали продаваться за десятки тысяч фунтов на аукционе Sotheby's. Его граффити можно встретить во многих странах, хотя большинство работ он оставляет на стенах в Лондоне.



В России культура граффити пришла примерно в 96-м году, когда в Америке и Европе она давно уже стала модным течением. Художники рисовали на стенах баллонами (которые, кстати, тогда в России достать было очень сложно). В то время они были очень плохого качества, малоцветные (в наличии было всего 3-4 цвета). Поэтому рисование граффити на начальной стадии не отличалось замечательным качеством.



Примерно в 96—97 году появилось сильное течение райтеров, возглавляемое такими известными личностями из Москвы, как Ворм, Шаман, Марк United Styles, Мейк-ап, Алекс, Да Буги. Эти люди рассказали всей России, что такое граффити, зачем это надо, как это делается. Идеология граффити была проста и звучала примерно так: «Сделаем все красивым!»



Сейчас в Москве довольно много граффити-команд. Одна из них, граффити-команда «310» (бывшая группа «ЗЛО») «творит» в основном в Западном Административном Округе.



----------------------------------------------------------------
http://www.graffiti.calligraphy-mvk.ru

Серия сообщений "граффити":
Часть 1 - Граффити

Вобщем-то о Сальвадоре Дали можно много вычитать и в интернете,стандартные биографии и обличительные статьи,я решила построить рассказ об этом художнике на основе комментариев к его картинам.Глядя на его фото можно сказать,что этот человек с выпученными глазами и торчащими в стороны усиками явно сумасшедший,а картины-плод затянувшийся шизофрении.Но некоторые мне оч нравятся,я порой даже не могу объяснить чем,всё-таки в них что-то есть. :)
Испанский живописец, виднейший представитель сюрреализма. Его картины и рисунки, отмеченные безудержной фантазией и виртуозной техникой исполнения, представляют собой фантасмагории,работы высоко реалистичны по стилю и часто содержат шокирующие, похожие на сновидения образы.



Ранний Дали









Правда не похоже на то,что мы привыкли видеть?
Такие сюрреалисты, как Андре Массон, Макс Эрнст и Хоан Миро повлияли на Дали.Он рисовал образы, знакомые разуму: людей, животных, здания, пейзажи - но позволял им соединиться под диктовку сознания. Он часто сливал их в гротескной манере так, что, например, конечности превращались в рыб, а туловища женщин - в лошадей.Дали назовет свой уникальный подход "параноидально - критическим методом". Как утверждал художник, он освобождался от подсознательных образов, как сумасшедший. Единственным его отличием от сумасшедшего было то, что он не был таковым.
ПОСТОЯНСТВО ПАМЯТИ (это моя самая любимая картина)



Гость
ochenj unteresno
гений
Дали жжётващекрут.
котя
ДалИИИИИИИ!!!!!!!!!Обожжжжжаю........
Гость
Необыкновенно
имхоша
Не люблю Дали. Он параноик. Вы видели его взгляд?)) Хотя все гении-параноики...
ЯШ
Цените, т что имеете, а также время...
Гость
каждый видет свою реальность
j
абсолютно согласна с Dalila, неужели все что можно сказать оДали это"круто,жжет" и тому подобную болтовню....
Dalila
я очень люблю Дали,но от этих вышенаписанных слюней меня тошнит!
аня
мне б такую домой!!!!!! в оригинале! красота-страшная сила!
Шакал
Немного непосебе...но взгляд оторвать нереально!
Алекс
Время в глубоком сне на фоне рассвета-это круто
tano
Самая замечательная и наиболее известная картина. Реальность или вымысел?
Безымянный
Это весь Дали!!!
ваз
Время утекает-да это постоянство.Но а где время вперед?..-тоже постоянство!..

РУКА



Гость
ну здесь не надо здесь ничего понимать, надо чувствовать. Это не картинка это его внутреннее ощущение..
Гость
Анна....ты говоришь, что Дали - великий художник, а сама ты это осознаешь или просто где-то услышала????
Денис
Великолепная картина....
ИМХО, одна из лучших у Дали.
Гость
Да, кстати, Дали всегда забавляло, то, что люди через чур сильно задумываются над его работами, ведь иногда он рисовал просто дя удовольствия, причем ради мазохистского удовльствия)) Он рисовал натюрморт с рыбой весь облепленный мухами, привлеченными вонью его разлагающейся "натурщицы" и получал от этого нисказанное удовольствие))
Минотавр
Если картину долго рассматривать...
то можно увидеть большую головоломку.
j-с
О, Аня "молодец" давайте теперь считать все картины Дали мазней, т.к. то в чем нет смысла не искусство!
аня
"как можно понять мои произведения ,если я сам их не понимаю"-это я прочитала в книге про Дали !
Шакал
Не знаю...неэстетичная картина...на неё смотреть неприятно
Анна
Не стоит рассуждать о том, чего вы не можете понять. Сальвадор Дали - великий художник.
tano
Отлично. Яркие краски. Он изображает себя и отношение к миру.
эля
наверное у него просто опухла рука
Гость
Да, с такой рукой можно нетолько в таких картинах быть нарисованным.
ваз
Нищета с протянутой ручищей,
возведенная на пьедистал.А вокрух голодранцы,освободившиеся от остатков одежды и расхаживающие с достоинством по каменному городу. ВСЕ СЧАСТЛИВЫ!

НЕВИДИМАЯ СПЯЩАЯ ЖЕНЩИНА



Гость
Да, по Дали можно изучать Фрейда
Гость
Слов нет!!!
Эсма
да, здесь не поймешь это девушка или лошадь.Такое ощущение, что я тоже стану шизиком!
Гость
Ослепнуть можно
Гость
А помоему здорово! Можно мозг напрячь, а то серые клеточки уже без движения отмирать начинают
Гость
по моему у Дали была скрытая шизофрения
Гость
Действительно невидимая.
ваз
С.Д.-юморист.Так изнутри показать суть
женской плоти...

СРЕДНИЙ БЮРОКРАТ



Гость 26.02.2008 17:14
Кайфовый бюрократ
Гость 19.11.2007 18:42
Великолепно.Ощущения самые необычные))
ваз 04.06.2008 10:47
Получился тупоголовый зверек,который пожерает человечка.Но ротовое отверстие
у бюрократа должно быть глубоким.Они любят пожрать...На дальнем плане плоды их труда (большие кучи непонятно чего)

ГОЛОВОКРУЖЕНИЕ



Гость
Действительно голова кружится!!!
jinger-c
это головы не драконов, а льва, голова льва символизирует у доли только страсть, голова не окровавлена- страсть чистая. голубые сферы означают любовь
AL32
Что символизируют головы драконов и голубые сферы на картинах Дали?

З.Ы. Что происходит в верхнем правом углу?
Анна
Вы разве не ощущаете головокружения, глядя на эту картину?
tano
Странно.
ваз
От минета на крыше высотного сооружения
чердак конечно сносит.Можно и голову потерять.Но с тенями от шара и стороннего наблюдателя-явные графические ошибки.

ТЕНИ ОПУСКАЮЩЕЙСЯ НОЧИ



Канабис
Советую Рене Магритт - гораздо интереснее.
tano
Отлично.
По этой картине видно, что у художника больше дневных красок и света, чем тьмы и тени. По крайне мере по его мироощущению.
ваз
Эта ночь опустит не только тень...

ДЕВУШКА СО СПИНЫ



Sasha
Очень интерестно посмотреть на лицо..
Гость
она похожа на шпалоукладчицу облаченную в платье)))
ваз
Брюлловская итальянка, только со спины.
Женя
Шпалоукладчик это вы уважаемый гость,а это прекрасное творение Сальвадора Дали,сначала попробуйте так написать как он,а потом критикуйте

ЖЕНЩИНА У ОКНА



Китн
Самая лучшая картина Дали! Представляешь себя в этой комнате
Нюта
Интересная картина... Оч. реально
Dalila
отлично,хотя сильно отличается от большинства его картин!
ваз
Ожидание аллых парусов

АВТОПОРТРЕТ В СТИЛЕ КУБИЗМА



гость
Богатый внутренний мир)))
ваз
Если напряженно-долго впиваться в картину глазами,голова какого-то мужика
выпячивается во весь формат.Но больше это похоже на театральную декорацию или
эскиз для жестянщика- дизайнера.

РЫБА



Гость
Знали бы вы чего стоило бедному Дали дописать этот натюрморт!
Гость
насколько я помню, из дневников дали можно вычитать о мучениях при рисовании этого натюрморта: на бедного художника садились мухи, мешая ему отрисовать рыбку(на которую тоже садились мухи, закрывая ее от взора дали)...
Гость
незнаю как на счет мух, но очень оригинально

ПОДГЛЯДЫВАЮЩИЙ



Васильев
Я думаю, что Дали написал и видел таким Бога. Он тоже всех вас видит. Конечно от этого устанешь
Костюченко
Просто импотент, со всеми вытекающими последствиями- трагично.
Васильев
Костюченко, с чего ты взял, что он подглядывает за сексом или чем то запретным (для тебя запретным)? Я думаю, что он выше этого и устал, в чем ты прав- и то и другое трагично и гнетет.
P.S/ В тебе много жалости.
Костюченко
Разве подглядывать это не запретно? А люди дома так или иначе предаются интиму, поэтому подумалось, что он импотент. Да он другой, но врядли выше...
Васильев
А если абстрагироваться от названия?
Костюченко
А если абстрагироваться, то это одинокий, неудачно проживший свою жизнь, человек,который завидует чужому.

ПРАЗДНИК В ФИГЕРАСЕ



Шакал
Одна из лучших работ художника...прекрасная вещь!
таня
полностью согласна

ПЕЙЗАЖ БЛИЗ ФИГЕРАСА



гений
а скока она стоит?
Шакал
Честно...очень люблю Дали...но вот тут я его непоняла....
Гость
Если верить датам, Дали написал эту картину в шесть лет))
Гость
Красиво ничего не скажешь.
Гость
дааа, для шести лет -гениально!
------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------


Как видно к творчеству Дали невозможно относиться равнодушно :) А был ли он сумасшедшим,безумным гением или бездарностью-каждый сделает именно свой вывод.
Даю ссылку на сайт,где можно прочитать его дневник и узнать много нового и интересного.
http://www.artyou.ru/


# Между мной и сумасшедшим разница только одна: сумасшедший думает, что он в своем уме, а я знаю, что я не в своем уме.

# Увидел — и запало в душу, и через кисть проявилось на холст. Это живопись. И то же самое — любовь.

# Но где же оно, небо? Что оно такое? Небо не над нами и не под нами, не слева и не справа. Небо — в сердце человека, если он верует.
А я не верю и боюсь, что так и умру, не увидев неба.

# Добровольного идиотизма я не понимаю.

# Пока все разглядывают мои усы, я, укрывшись за ними, делаю свое дело.
--------------------------------------------------------------------Сальвадор Дали

Серия сообщений "живопись":
Часть 1 - О живописи
Часть 2 - Хуан Миро
...
Часть 5 - Клод Оскар Моне
Часть 6 - Джулиан Бивер
Часть 7 - Сальвадор Дали
Часть 8 - Мориц Корнелис Эшер
Часть 9 - Художественные идеи: Rainbow Inchies
...
Часть 26 - "Сто бабочек дарю тебе..." Художник Friedrich Hechelmanns.
Часть 27 - Объёмная живопись Джастина Геффри.
Часть 28 - Звездное небо Ван Гога

Камни учили меня молчанию.
Камни учили меня терпению.
Камни учили меня спокойствию.
Камни учили меня созерцанию.
Камни учили меня бесконечности мироздания.

Настоятель дзенского монастыря.

Японцы считали, что те места, где много камней, избираются богами (ками) для своего пребывания. Камни этих мест являлись объектами особого поклонения, так как были, по убеждению японцев, священны, а, значит, - наиболее чисты и надёжны именно в силу пребывания там божеств.
Особое значение камень приобрёл в эпоху Средневековья, когда укоренялась культура дзен-буддизма.
Японское государство находится на островах вулканического происхождения. Поэтому горами занята большая часть территории Японии, и вся жизнь коренного населения тем или иным образом связана с горами и камнями.



Осознать природу камней можно только тогда, когда начинаешь с ними работать.
Постепенно приходит понимание природы камней и их индивидуальности. Однажды вы можете почувствовать в них Время. И это начало диалога с камнями.
Приходит полное понимание фразы, которой японцы называли монахов– создателей садов: «монахи, договаривающиеся с камнями».
Действительно, с камнем можно «договориться». Но это получится только тогда, когда поймешь его природу, свойства, характер. И только тогда камень разрешит вам свободное обращение с ним.



Каждому новому камню в саду сразу же находилось именно его место. Этому способствовал предварительный «диалог» с камнем - изучение со всех ракурсов его цвета, свойств, фактуры. Самое главное в такой «экспертизе» - определение «лица» и «верха» камня.
То есть, нахождение самой интересной его стороны, которой мы будем любоваться в саду - стороны, которой камень будет «смотреть» вверх. Наиболее значимые стороны камня – его «лицо» и «макушка» - должны быть органично вписаны в окружающую камень среду.
Таким образом, художник сада, приступая к работе с камнями, должен постараться понять характер камней, их возможности. Это позволит выполнить наиболее интересные, выразительные композиции из камней, органично вписывая их в общую канву сада.



Японская традиция создания "эзотерических" садов, ставших впоследствии идеальными источниками медитативной релаксации, ведёт свой отсчёт примерно с 10-12 века нашей эры и достигает своей вершины уже к 14-16 векам.
Японские садоводы изначально руководствовались не отвлечёнными соображениями об идеальном саде, а вполне чётко очерченными концепциями дзен-буддизма, хорошо известного своим пристальным вниманием к человеческой психике.



Притом, что общие принципы построения японского сада давно и хорошо изучены специалистами, механизм их непревзойдённого психотерапевтического воздействия до сих пор оставался загадкой.
Действительно, композиция всегда составляется из нечётного количества камней: "три-два-два" или "два-три-два". Группы камней всегда образуют как минимум один треугольник. Если треугольников больше, то они всегда имеют общую вершину. Здесь всё понятно. Но медитации здесь причём?



Загадку, похоже, удалось разгадать группе исследователей из Киото — древней столицы феодальной Японии.
Проанализировав расположение камней, было обнаружено, что внешне хаотичная мозаика каменных глыб образует рисунок... кроны дерева.
Рисунок этот не виден глазу, но прекрасно воздействует на подсознание, вызывая ощущение единения с природой. Но лишь при условии, что наблюдатель смотрит на сад с нужной точки.
Именно этот скрытый от неподготовленного глаза рисунок является главной причиной необычного целительного эффекта, оказываемого творением неизвестного мастера на психику современного человека.

Теплые камни.
Садик задумчив и тих.
Вечер чудесный.

Мысли как песни.
В чувствах любовных своих
Медлить не станем.

Милый, скорее сними
Пестрые ткани.
Ах, как желают любви
Тёплые камни.


http://www.membrana.ru/

Когда-то давно, полторы тысячи лет назад, правитель страны Кудара, расположенной на юге Корейского полуострова, прислал японской императрице Суйко подарок – курительницу для благовоний, на крышке которой крепился камень, изображающий гору. Этой крышкой императрица любовалась до конца своих дней. Легенда гласит, что именно так родилось искусство бонсэки. Это искусство развивалось вместе с чайной церемонией, декоративным искусством, на камень насыпали песок и ложкой изображали волны, течение же изображали перьями птицы.



Сегодня бонсэки – один из традиционных видов японского искусства наряду с чайной церемонией, икебаной и ароматическим ритуалом кодо. Правда, по признанию самих японцев, оно не столь распространено в силу объективных причин. Чтобы создать даже маленький шедевр, мастеру бонсэки требуется несколько камней - суйсэки, до девяти видов песка – от крупных зерен до мельчайшей пудры, всевозможные перья, лопатки, ситечки... и много терпения.



"Бонсэки" - это искусство изображения пейзажей (например, морских или горных) на черном лакированном подносе с помощью белого песка (кварца) крупного, среднего и мелкого помола. Не всегда такая картина на подносе плоская. Мастера "Бонсэки" используют натуральные камни и другие предметы для придания объема своим произведениям.



Очень интересно наблюдать за работой мастера. Вооружившись несколькими видами перышек, ложечек и лопаточек, он легкими, но выверенными движениями разбрасывает песок по подносу, обсыпает им расставленные камни. С помощью перьев мастер добивается эффекта бурного течения реки, разбивающихся о скалы волн, снежных заносов, лунной дорожки на воде… Гармония белого и черного действует успокаивающе.



Занимаясь бонсэки, человек развивает в себе умение наблюдать за образами природы и воспитывает воображение. Ведь песок, используемый мастерами, может символизировать дома, людей, животных, растения… То, что увидите вы, зависит только от вашего воображения, - рассказала госпожа Фурукава. – И в том, что автор сам разрушает свою композицию, тоже есть смысл: если ты можешь что-то разрушить, значит, ты запомнил, как это делается, и всегда можешь воспроизвести это вновь.




Любой желающий стать мастером должен преодолеть несколько этапов: на первом этапе обучения нужно создать 12 определенных композиций, затем – 15 более сложных, потом – «нарисовать» 100 пейзажей. Вершина «карьерной лестницы» - 400 рисунков на подносе.

Википедия рулит!

Каллигра́фия (от греч. καλλιγραφία — «красивый почерк») — древняя отрасль прикладной графики, эстетическое оформление рукописного шрифта, также — учебная дисциплина, искусство красивого и быстрого письма.
До изобретения книгопечатания каллиграфия была основным способом графического оформления и организации знаков текста (за исключением монументальных надписей, и клинописи, не графической по принципу создания знаков). Технически связана с листовыми материалами (бумага, пергамент, папирус, шёлк) и графическими инструментами (тростниковое, птичье и металлическое перо, кисть) письменности. Википедия.
Каллиграфия проявляет красоту и гармонию внутреннего мира, пишущего человека.

Маленькие японцы учатся этому искусству в школе, но оно так и остается популярным хобби для взрослых.
Каллиграфия выполняется с помощью некоторых приспособлений. Традиционный набор для каллиграфии состоит из:
Ситадзики - черный коврик, который необходим для создания хорошей и удобной поверхности.
Бунтин - металлическая тяжелая палочка для закрепления бумаги.
Ханси - специальная тонкая бумага для каллиграфии.
Фудэ - кисточки. Кисточки могут быть разной толщины для написания различных элементов, например, скромный автограф автора пишется более тонкой кисточкой kofude, чем основные элементы вашей работы.
Судзури - металлический сосуд для чернил, он должен быть тяжелым, потому что сначала выполняет роль "ступки", в которой толчется материал для чернил.
Суми - черная твердая основа для чернил, которую следует растолочь перед использованием, но, конечно же, покупные чернила (сёдо:еки) также используются, но это уже не то :))
Мидзусаси - сосуд для воды, чтобы разбавлять чернила, когда это нужно.

В написании японских иероглифов очень важен порядок начертания линий, как правило, основной принцип - это слева-направо, сверху-вниз.
Т.е. любой иероглиф начинается с верхнего правого угла и заканчивается нижним левым. и англоязычные и русскоязычные ресурсы, которые позволяют изучить и поупражняться в порядке написания черт.
Текст же пишется двумя способами. Сейчас очень часто используется современный европейский порядок написания текста: слева-направо, построчно, но также довольно часто можно встретить традиционный порядок написания текста: справа-налево и сверху-вниз.Это когда текст представляет собой не строчки, а столбики иероглифов, их нужно читать с конца!
Существует три стиля написания иероглифов:
"печатным" способ- Kaisho (также как мы детьми писали печатными буквами по-русски), но японоговорящий человек, в действительности, мало пользуется этим способом.
Gyosho - полукурсивный и Sosho - курсивный способ написания иероглифов.

Овладение каллиграфии включает в себя: 1) изучение основных навыков письма в разной стилистической манере; 2) историю каллиграфии и теорию иероглифики; 3) знакомство с традиционной японской культурой и языком через каллиграфию.
Написанный текст должен доставлять эстетическое наслаждение. Зрительное восприятие текста по значению не уступало зрительному восприятию картины и играло важную роль в смысловом восприятии того же текста. Отсюда и получил громадное распространение культ каллиграфии.
Восприятие каллиграфии требует определенного уровня интеллектуальной и духовной культуры, ведь нужно не просто понять написанное, чрезвычайно важно увидеть и почувствовать, как написано.

Любовь(Аи)




Любовь и Страсть


Душа


Благодеяние


Богатство


Путь(дао)


Семья.Дом


Смерть


Ветры перемен, веющие сегодня над Японией, не проходят мимо и этой области японской культуры. Все чаще каллиграфические произведения, способные вместить массу оттенков настроения: восхищение, грусть, счастье, блаженство..., начинают использоваться как современный элемент дизайна интерьера, стилизующийся под запросы и требования нового времени, удовлетворяющие самые изысканные вкусы искателей современной экстремальной эстетики, находящихся далеко за пределами Японии.

Любое искусство — вне условностей, вне рамок, вне стандартов, где основной замысел — это замысел и настроение художника. Тот, кто пишет картину, вкладывает в нее всю свою душу, все свои мысли и порывы, пытаясь донести всё это до зрителя через кисть, холст, бумагу. Награда — отзывы, критика, пожелания, улыбки или слезы.

Спасибо Дикой Розе и порталу Http://nobarajapan.blogspot.com,за предоставленную информацию,а так же Рахманову Олегу за свои чудесные работы,их можно посмотреть на сайте автора http://www.hi-braa.spb.ru

В последние годы очень популярны стали японские сады - диковинные и порой непонятные для российского глаза сооружения. Между тем, японский сад - это прежде всего философия, мировоззрение и миропонимание. карликовые растения, причудливые ручьи, камни. Для японского сада характерна атмосфера таинственности, что и положено в основу паркового дизайна.
В японском городском саду на нас воздействуют не только красота и совершенство форм, но и весь дух вещей, внутреннюю силу которых мы ощущаем на каждом шагу. Если попытаться перенести японский парк в какую-либо иную страну, то ничего не получится. Дух, атмосфера - вот что главное в японском парке.





На высокой насыпи — сосны,
А меж ними вишни видны и дворец
В глубине цветущих деревьев…





Колокол смолк вдалеке,
Но ароматом вечерних цветов
Отзвук его плывёт.





Чуть дрожат паутинки.
Тонкие нити травы сайко
В полумраке трепещут.





Роняя лепестки,
Вдруг пролил горсточку воды
Камелии цветок.





Ручеёк чуть заметный.
Проплывают сквозь чащу бамбука
Лепестки камелий.





Алые сливы в цвету…*
К той, кого никогда я не видел,
Занавеска рождает любовь.





Майский дождь бесконечный.
Мальвы куда-то тянутся,
Ищут дорогу солнца.



Падает с листком…
Нет, смотри, на полдороге
Светлячок вспорхнул.





И мотылёк прилетел!
Он тоже пьёт благовонный настой
Из лепестков хризантем.




Блестят росинки.
Но есть у них привкус печали,
Не позабудьте!



Хотел бы создать я стихи,
С лицом моим старым несхожие,
О, первая вишня в цвету!





Я к цветущим вишням плыву,
Но застыло весло в руках:
Ивы на берегу!



Пригорок у самой дороги.
На смену погасшей радуге —
Азалии в свете заката.


за фото спасибо порталам mith.ru, ifolderlinks.ru,gardenia.ru
за стихи спасибо Хокку. Великому японскому поэту Басё.

"Иметь большой талант — это великое счастье, но, как правило, смешанное пополам с великим страданием"



Интересные факты

На мало искушенных в музыке слушателей Паганини воздействовал многими трюками вроде подражания пению птиц, мычанию коров, жужжанию пчел и других насекомых и т. п. За подобные номера завистники называли Паганини шарлатаном. Однажды на концерте он исполнил композицию только на двух струнах, которую назвал "Дуэтом влюбленных". Одна его почитательница восторженно сказала маэстро:
- Вы совершенно несносный человек, ничего не оставляете другим... Кто сможет вас превзойти? Только тот, кто сыграет на одной струне, но это же совершенно невозможно.
Эта идея весьма понравилась Паганини,его подняли насмех,но через несколько недель в концертах он уже играл сонату на одной струне...
Замолкли последние звуки знаменитой военной сонаты «Наполеон», никому в голову не приходило смеяться. "Всё-таки он не человек, это сам дьявол!", "Больше никто не может так привораживать людей", "Он делает струны для скрипки из кишок своих любовниц, а женщины так и льнут к нему", — пронёсся по залу тихий шепоток,-"теперь все слышат звуки преисподней."



Некоторые из музыкантов, современников Никколо Паганини, не хотели верить, что в технике игры на скрипке он превзошел всех виртуозов своего времени, и считали его славу раздутой. Однако послушав его игру, им пришлось смириться с этой мыслью.
Когда Паганини дал несколько концертов в Германии, впервые слышавший его игру скрипач Бенеш был настолько потрясен мастерством итальянца, что сказал своему приятелю Йелю, тоже известному скрипачу:
- Ну, мы все теперь можем писать завещание.
- Не все, - меланхолически ответил Йель, уже несколько лет знакомый с Паганини. - Лично я умер еще три года назад...


Паганини имел очень своеобразный характер, совершал непонятные, плутовские поступки. В толпе, слушавшей его импровизации на римских улицах, одни говорили, что он в сговоре с дьяволом, другие - что его искусство - музыка небес, ангельские голоса. Многие вплоть до XX века верили слухам, что в молодости Никколо прибег к помощи хирурга, который сделал ему операцию, чтобы повысить гибкость рук.



Скрипичные произведения Паганини - одни из труднейших для исполнения. Далеко не каждый виртуоз в состоянии точно следовать указаниям автора. Сам же он без видимых усилий извлекал из скрипки невероятные трели, исполнял сложнейшие вариации на одной струне. Он играл так, что слушателям казалось, будто где-то спрятана вторая скрипка, играющая одновременно с первой. Другого Паганини человечество до сих пор не получило.



Игра Паганини раскрывала столь широкие возможности скрипки, что современники подозревали, будто он владеет некой скрытой от других тайной; некоторые даже считали, что скрипач продал душу дьяволу. Все скрипичное искусство последующих эпох развивалось под влиянием стиля Паганини – его приемов употребления флажолетов, пиццикато, двойных нот и разных аккомпанирующих фигураций. Его собственные сочинения изобилуют очень трудными пассажами, по которым можно судить о богатстве технических приемов Паганини. Некоторые из этих композиций представляют лишь исторический интерес, но другие – например, Первый концерт ре мажор, Второй концерт си минор и 24 каприса – занимают почетное место в репертуаре современных исполнителей.

В Италии, в муниципалитете Генуи хранится скрипка гениального Паганини, которую он завещал своему родному городу. На ней раз в год, по установленной традиции, играют самые известные скрипачи мира.
Скрипка помещена в специальную витрину при температуре 20 градусов и влажности около 50 процентов. В другие города скрипку вывозят крайне редко, место хранения во время гастролей держат в строжайшем секрете, а рядом постоянно находится вооруженная охрана. Считается, что играть на этой скрипке можно не более часа, чтобы дерево не разрушалось от перемены влажности и температуры.
С 1954 года в Генуе ежегодно проводится Международный конкурс скрипачей имени Паганини.

за материал спасибо:
http://gazeta.aif.ru/,www.muz-urok.ru,Википедии

Серия сообщений "Ода скрипке":
Часть 1 - О классической музыке:
Часть 2 - Никколо Паганини
Часть 3 - Антонио Вивальди
Часть 4 - Ванесса Мэй
...
Часть 10 - Женщина-Скрипка диалог Евгении Шерман со Smolyak m
Часть 11 - Страдивари: Тайна кремонского мастера
Часть 12 - ТАЙНА КРЕМОНСКОГО МАСТЕРА

Джулиан Бивер – британский художник, известный своими рисунками, которые он делает мелом на тротуарах. И известен он тем, что создает росписи на асфальте, а также трёхмерные изображения.
Креативные рисунки на асфальте становятся все более модным увлечением. Проводятся специальные конкурсы и фестивали, что говорит о том, что рисунки на асфальте можно рассматривать как новый вид искусства.




Многие рисунки выглядят настолько реалистично, что даже не верится, что такая красота нарисована на плоской поверхности. 3D-эффект - один из основных приемов для создания реалистичности, который активно используется при их создании.









Street Painting, одно из направлений стрит арта (street art), отличается от граффити (классического): “уличная живопись” имеет дело с асфальтом (тротуаром), а граффити (graffiti) - со стенами зданий, заборами и прочими вертикальными поверхностями.











Джулиан Бивер занимается рисунками на тротуарах уже более 10 лет...
Он представлял свои работы на улицах Великобритании, Бельгии, Франции, Нидерландов, США, Германии, Австралии…
Художественное образование мастер получил в Англии и использует для работы именно английские мелки…
Однако техника разработана им самим, и эта оригинальная манера работы стала частью его стиля жизни.

Как нарисовано




А так- под нужным углом




«Не важно, что я рисую: объемную пачку сигарет Pall Mall или земной шар — главное, что это удивляет и радует…»
Рисунки Бивера не только мастерски выполнены, но и очень неожиданны…






























Джулиан Бивер:
— Я рисую обычными цветными мелками, после чего покрываю нарисованную картину специальным лаком. Такие картины совсем не долговечны, но в этом и есть прелесть — успеть насладиться иллюзией, пока она еще не стерта.
Кстати, все эти годы я ненавижу дворников и водителей поливальных машин. Эти люди ничего не понимают в искусстве…
Забавно, не правда ли?






Информация подготовлена по материалам Википедии
и особое спасибо Александру Никулину

Серия сообщений "живопись":
Часть 1 - О живописи
Часть 2 - Хуан Миро
...
Часть 4 - Японская живопись.Суми-э и не только...
Часть 5 - Клод Оскар Моне
Часть 6 - Джулиан Бивер
Часть 7 - Сальвадор Дали
Часть 8 - Мориц Корнелис Эшер
...
Часть 26 - "Сто бабочек дарю тебе..." Художник Friedrich Hechelmanns.
Часть 27 - Объёмная живопись Джастина Геффри.
Часть 28 - Звездное небо Ван Гога

Хочется большего,но времени как-то не хватает,да и возможности

























Мда...надо бы заняться снова.....

Выдающийся представитель импрессионизма.Слово «импрессионизм» произошло от французского слова «впечатление» «или impression».
«Моне – это только глаз, но зато какой глаз!» - восхищенно воскликнул однажды Поль Сезанн. Потрясающая внимательность и умение видеть мимолетные изменения окружающей среды позволяла Моне изображать движение света на воде и в пространстве. Пожалуй, Сезанн был прав, но не совсем. Моне не стал бы великим художником, не имея абсолютно свободолюбивый и независимый характер.
Возможно, судьба Клода Моне сложилась бы иначе, если бы он не познакомился с художником-маринистом Эженом Буденном, научившим его рисовать на пленэре и обращать внимание на красоту природы. Буденн и позже останется верным другом, благодаря советам и поддержке которого Моне стал настоящим художником.


Японский мостик


Тополя


Цветущий сад в Сент Андресс


Хризантемы


Подсолнухи


Море
1883 год познакомил Моне с прекрасным домом в Живерни, который он сначала снимал, а затем, почувствовав себя более свободным в средствах, выкупил. В этом доме художник прожил срок три года до конца своей жизни. Сад в Живерни стал еще одним творческим выражением художника – он затратил на воплощение идеального для себя уголка много сил и средств.Моне оказался страстным садоводом и флористом, цветы оказались для него предметом неистощимой фантазии и взамен дарили ему вдохновение.



Японский мостик


Садовая дорожка


Семья Моне в саду

«Увидев Клода Моне в его саду, начинаешь понимать, как такой великий садовник мог стать таким великим художником»
Гюстав Кан



Ирисы


В Живерни часто приезжали Сезанн, Ренуар, Сислей, Писсаро, Матисс и другие художники. Моне любил принимать их у себя, с удовольствием демонстрируя сад, оранжереи и свою уникальную коллекцию японских гравюр. Зная о страстном увлечении художника садом, многие друзья дарили ему редкие, уникальные растения. Так, например, появились в Живерни привезенные из Японии экзотические древовидные пионы
Сад был для Моне настоящей мастерской. Ежедневно он вставал в 5 утра, приходил сюда и без устали рисовал. Рисовал в любое время года, в любую погоду, в любой час дня. Увлекали его и прогулки по окрестностям. Художник любил алые от маков поля, тенистые дорожки вдоль берега Сены. Вода всегда восхищала художника, неслучайно он приобрел неподалеку от дома небольшой островок. Здесь Моне обзавелся лодкой и сторожкой, служившей ему одновременно мастерской




Художнику не хватало своего водоема, ведь он так привык к воде! Тогда он испросил разрешения у местных властей выкупить и облагородить небольшой запущенный пруд, прилегавший к его участку. Сегодня «Японский пруд» Моне уже в своем облагороженном виде с изящным мостиком и нежными кувшинками известен всем любителям его творчества. Если вам доведется побывать во Франции, не упустите возможности побывать на экскурсии в дом Моне в Живерни. Благодарные потомки стараются и в наши дни поддерживать особую атмосферу этого цветущего уголка, где, кажется вот-вот увидишь самого Моне среди цветов за мольбертом, поглаживающего свою пышную окладистую бороду.










В 1916 году, когда ему было уже 76 лет, справа от главного дома он построил просторную студию, которая получила название «Студия водяных лилий». Здесь художник реализовал свой последний грандиозный замысел – создал панели с изображением водяных лилий, образовавшие круговую панораму около 70 м в окружности






Пруд с водяными лилиями и ирисами


Это очень удивительно для гения, но Клод Моне был очень счастливым человеком. Он добился признания еще при жизни, любил и был любим, занимался любимым делом.

«Кроме живописи и садоводства я ни на что не гожусь»
Клод Моне

Серия сообщений "живопись":
Часть 1 - О живописи
Часть 2 - Хуан Миро
Часть 3 - Винсент Ван Гог
Часть 4 - Японская живопись.Суми-э и не только...
Часть 5 - Клод Оскар Моне
Часть 6 - Джулиан Бивер
Часть 7 - Сальвадор Дали
...
Часть 26 - "Сто бабочек дарю тебе..." Художник Friedrich Hechelmanns.
Часть 27 - Объёмная живопись Джастина Геффри.
Часть 28 - Звездное небо Ван Гога

Я вклинила среди своих любимых художников японскую живопись.:)Не хотелось её помещать где-то в конце раздела,т к она является одной из любимейших.Японская живопись столь же уникальна, как и вся японская культура в целом. Для неподготовленного человека традиционная японская живопись может показаться обычной «мазнёй», которую способен нарисовать даже маленький ребенок. Но это, разумеется, не так: нужна твёрдая рука и отточенное мастерство, чтобы несколькими скупыми штрихами изобразить картину.Мне очень нравится техника суми-э,она кажется очень простой,но не тут-то было,художник не имеет права на ошибку,иначе вся картина будет испорчена из-за малейшей неточности или неряшливости мазка. Хотя с другой стороны именно это и будоражит фантазию и делает картину "твоей".
В разделе "мой альбом" есть пара проб кисти в этой технике и "остатки "моих рисунков,которые не растащили друзья-подружки.

Живопись суми-э - искусство, которое возникло в Китае во времена династии Сун. В XIV веке оно проникает в Японию. Что это за искусство, можно понять из самого названия: слово суми-э представляет собой соединение двух японских слов, которые в переводе означают "тушь" (суми) и "живопись" (э). То есть суми-э - это тип монохромной живописи, похожей на акварель. Отличие живописи суми-э в том, что в ней присутствуют только черный цвет, а также широкая гамма серых цветов туши, растворенной в воде. Все это кажется лишь делом техники, однако очень важен при этом философский смысл.






После того как буддийские монахи завезли живопись суми-э в Японию, она стала быстро распространяться по странам Азии. Вобрав в себя мистический дух этой религии, суми-э в художественной форме воплотила ее основные мотивы.Простые черные линии, нанесенные на белую бумагу, могут представлять собой сложную модель, подобно тому, как в Дзен несколько произнесенных слов могут быть результатом многих часов медитации.
В задачу художника не входит фотографически точное воспроизведение действительности, он отбрасывает все то, что его не интересует. Он изображает природу такой, какой она рисуется в его воображении, воплощает самую ее суть.









Весенне утро.
Над каждым холмом безымянным
Прозрачная дымка.

Японская традиционная культура очень сдержана. Не криклива, не кичлива. Созерцательна. Касается самой сути - но очень осторожно касается, опасаясь грязным пальцем ненароком загубить хрупкое и прекрасное.





другие техники японской живописи-фуога,укие-э

Слово укиё, дословно переводящееся как «плывущий мир».
Гравюры в стиле укиё-э — основной вид ксилографии в Японии. Эта форма искусства стала популярной в городской культуре Эдо (современный Токио) во второй половине XVII века.Изначально гравюры были чёрно-белыми — использовалась лишь тушь, с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти.
Для укиё-э характерны картины обыденной жизни, созвучные городской литературе этого периода. На гравюрах изображались прекрасные гейши (бидзин-га), массивные борцы сумо и популярные актёры театра кабуки (якуся-э). Позднее стала популярной пейзажная гравюра.



Песни Ямато! Вы вырастаете из одного семени - сердца, и разрастаетесь в мириады лепестков речи - в мириады слов.



Люди, что живут в этом мире, опутаны густой зарослью мирских дел; и все, что лежит у них на сердце, - все это высказывают они в связи с тем, что они слышат и что они видят.



И вот когда слышится голос соловья, поющего среди цветов свои песни, когда слышится голос лягушки, живущей в воде, кажется: что ж из всего живого, из всего живущего не поёт своей собственой песни?.



Без всяких усилий движет она небом и землею; пленяет даже богов и демонов, незримых нашему глазу; утончает союз мужчин и женщин; смягчает сердце суровых воинов... Такова песня.



Как быстро летит луна!
На неподвижных ветках
Повисли капли дождя..



Лишь вершину Фудзи
Под собой не погребли
Молодые листья.





Вечерним вьюнком
Я в плен захвачен... Недвижно
Стою в забытьи.











В дом, где смеются, приходит счастье.
Счастья вам!

Серия сообщений "живопись":
Часть 1 - О живописи
Часть 2 - Хуан Миро
Часть 3 - Винсент Ван Гог
Часть 4 - Японская живопись.Суми-э и не только...
Часть 5 - Клод Оскар Моне
Часть 6 - Джулиан Бивер
...
Часть 26 - "Сто бабочек дарю тебе..." Художник Friedrich Hechelmanns.
Часть 27 - Объёмная живопись Джастина Геффри.
Часть 28 - Звездное небо Ван Гога

1853 - 1890 Голландский художник. Ван Гог решил стать художником в 1880 г., оставив недолгую и не слишком успешную деятельность в качестве проповедника. После краткого (1885 - 1886) обучения в Академии в Антверпене переехал в Париж, где под влиянием импрессионистов цвет и настроение его работ посветлели. В 1888 г. приезжает в Арль, на юг Франции. В том же году его навещает Гоген, и сильные разногласия между ними становятся причиной первого психического припадка Ван Гога. Его последующий акцент на выражении своего эмоционального состояния в творчестве принес ему звание постимпрессиониста. В 1890 г. переехал на север в Овер-сюр-Уаз, где покончил с собой.




ветки миндаля в цвету



деревенская улица



дома с соломенными крышами



дорога с идущим человеком,повозкой,кипарисом,луной и полумесяцем




звездная ночь



куст сирени



натюрморт с открытой библией



осенний пейзаж с четырьмя деревьями



терасса кафе ночью


церковь


Ван Гог был очарован столицей Франции. Здесь он познакомился со множеством художников, писателей, поэтов. С самых первых дней парижской жизни его захватывают импрессионисты и их живопись. Многие останутся его друзьями на всю жизнь. Благодаря ярким впечатлениям и вдохновению в палитре художника появляются светлые тона, свет и цвет начинают играть в картинах более важную роль. Он начинает писать отдельными мазками дополнительных цветов, однако очень скоро переходит к более простому и яркому выражению цвета.

Основным местом обитания для людей искусства было кафе «Тамбурин». Владела этим заведением на пересечении бульвара Клиши и Монмартра итальянка Агостина Сегатори, в прошлом модель Дега. Естественно, что Ван Гог влюбился.

Отголоски этого романа навсегда остались потомкам в творческом наследии художника. Одна из самых лучших его картин «Женщина в кафе “Тамбурин”». Хозяйка, сидя за одним из столиков кафе, стала воплощением светлой полосы в жизни Винсента Ван Гога.




звездная ночь над Роной




И напоследок семь картин "Подсолнухи",находящиеся не только в различных музеях мира,но и в частных коллекциях














«То, чем полны моя голова и сердце, должно вылиться в форме рисунка или картины».

Винсент Ван Гог

Серия сообщений "живопись":
Часть 1 - О живописи
Часть 2 - Хуан Миро
Часть 3 - Винсент Ван Гог
Часть 4 - Японская живопись.Суми-э и не только...
Часть 5 - Клод Оскар Моне
...
Часть 26 - "Сто бабочек дарю тебе..." Художник Friedrich Hechelmanns.
Часть 27 - Объёмная живопись Джастина Геффри.
Часть 28 - Звездное небо Ван Гога

"Когда смотришь на работающего Миро, его лицо, затем на линии, рождающиеся в процессе творчества, создается впечатление, что все освещается одним только чувством, одновременно сдержанным и интенсивным. Вам приходилось видеть как работает Хоан Миро, этот радостный счастливый человек, ощущающий себя создателем в любой из моментов, когда он рисует, делает наброски, что-то конструирует, рассказывает или напевает?
Он захвачен своим порывом и мы уносимся вместе с ним в его порыв и его взлет. Это довольно редкое явление - находится в присутствии столь живительной и тонизирующей энергии. Каждое из произведений Миро - это танцующий сад, поющий хор, опера, расцвеченная цветами, рождающимися в лучах света. Это мир - одновременно мимолетный и в то же время совершенно реальный. Сочность красок придает ему соответствующий акцент, содержательную выразительность. Чистейшую эмоциональность, немного ироничную, лишенную притворной слащавости. Этот дар - милость божия."



Крылья жаворонка, окруженные золотисто - голубым, присоединяются к сердцу мака, спящего на усыпанном бриллиантами лугу


пейзаж



пейзаж2

садовые растения и осел

рождение мира

Серия сообщений "живопись":
Часть 1 - О живописи
Часть 2 - Хуан Миро
Часть 3 - Винсент Ван Гог
Часть 4 - Японская живопись.Суми-э и не только...
...
Часть 26 - "Сто бабочек дарю тебе..." Художник Friedrich Hechelmanns.
Часть 27 - Объёмная живопись Джастина Геффри.
Часть 28 - Звездное небо Ван Гога

«Живопись — идеальный способ отвлечения. Я не знаю ничего другого, что бы более полно поглощало ум, не изматывая тело. Какими бы ни были сиюминутные беспокойства или тревоги за будущее, как только картина начата, им уже нет места в мыслях. Они уходят в тень и тьму. Весь свет мыслей человека концентрируется на работе. Время уважительно стоит в сторонке».Уинстон Черчилль

Серия сообщений "живопись":
Часть 1 - О живописи
Часть 2 - Хуан Миро
Часть 3 - Винсент Ван Гог
...
Часть 26 - "Сто бабочек дарю тебе..." Художник Friedrich Hechelmanns.
Часть 27 - Объёмная живопись Джастина Геффри.
Часть 28 - Звездное небо Ван Гога

"Не есть можно месяц, не пить - около недели, не слушать музыку даже один день - практически невозможно... Эту сладкую зависимость даже не хочется пытаться перебороть. Вот только одно настораживает - с каждым годом требуются все большие дозы удовольствий и удивлений, чтобы расшевелиться, чтобы застыть в первородном восхищении перед нежданным шедевром или наслаждаться изумительными ритмами, которые слышны только тебе...
С теми, кто подсел на такую же иглу - готов делиться компонентами радости."

Кто изобрел ноты?

Долгое время музыку не записывали. Ее пели или играли по памяти. Она переходила от одного исполнителя к другому и со временем искажалась. Надо было найти способ записывать музыку для того, чтобы она исполнялась именно такой, какой была сочинена автором. Так и возник способ записывать музыку при помощи нот.
Система нотной грамоты, принятая сегодня в западном мире, создавалась в течение веков — с конца IX века до начала 1700-х годов. Возникла она в соборах и монастырях Римской католической церкви.
Многие церковные службы пелись, но пели их по памяти. К концу IX века над словами молитвенника стали писать точки и черточки, а также рисовать маленькие завитушки. Эти значки еще не были нотами, они лишь показывали направление движения мелодии и были еще очень неточными.
К 900 году н.э. придумали более удобный способ. Знаки стали писать на определенном расстоянии выше или ниже горизонтальной красной черты, которая означала по высоте звука ноту «фа». Такая запись показывала, где нужно петь высоко, а где — низко.
Нотный стан был изобретен монахом Гвидо д'Ареццо. Он состоял из четырех линий. Этот способ сделал возможным показывать длительность каждой ноты. Он был усовершенствован в XIII—XIV веках. Ноты приобрели новую форму, к некоторым из них добавились палочки в соответствии с их длительностью. К 1600-м годам ноты стали круглыми, и музыкальная запись приобрела современный вид.



Что такое музыка?

Представьте, что вы ударили рукой по деревянному столу. Возник звук. Если вы ударите в колокол, он также зазвучит. Но этот звук будет называться тоном. Тон — это единичный музыкальный звук.
Музыка — это вид искусства, объединяющий тоны в благозвучные группы звуков. Мы иногда называем музыку языком звуков. Иногда мелодия состоит из звуков, следующих один за другим. Иногда они звучат вместе, гармонично.
Иногда звуки сталкиваются друг с другом. Но очень часто эти столкновения полны значения. Мелодия определяется подъемами, падениями или ровным движением звука. Она определяется также ритмом ударов, разделением на части, скоростью звучания, или темпом; имеет значение громкость и мягкость звуков.
Все эти звуки механические, рождаются чисто технически. Но мы не задумываемся над этим,
когда наслаждаемся музыкой. Мы не всегда можем выразить словами то состояние, которое музыка вызывает в нас. Мы просто чувствуем, что музыка вызывает радость, печаль, веселье, нежность, любовь, негодование — все оттенки чувств, которые не всегда могут быть переданы словами.
Музыка нравится нам своей красотой, а не тем, какие мысли она воплощает. Мы можем получить удовольствие даже от единичного музыкального звука голоса, скрипки, рожка или другого инструмента. Мелодия может нравится очень долго, можно хорошо знать ее, но восторгаться всякий раз так, как будто мы впервые слышим ее.
Музыка существует в различных формах, от гимна до симфонии, и в разных видах, от народных мелодий до опер.

Колоратурное сопрано — самый высокий женский голос. Колоратурным он называется потому, что ему подвластны самые сложные вокальные украшения — так называемые колоратуры. Очень часто этому голосу поручают партии сказочных персонажей - Царевны-лебеди в «Сказке о царе Салтане», шемаханской царицы в «Золотом петушке», той же Снегурочки. Их колоратуры напоминают пение птиц, журчание веселых ручейков. А кто не слышал знаменитого «Соловья» Алябьева! Он написан специально для колоратурного сопрано.
Среди певиц наиболее распространено лирическое сопрано - нежный, легкий голос. Для него сочинены партии Татьяны в опере Чайковского «Евгений Онегин», Наташи в «Войне и мире» Прокофьева и Тамары в опере «Демон» Рубинштейна, в которых преобладают черты душевной теплоты и мягкости, лиризма.
Часто встречается и другая разновидность сопрано - драматическое. Этим сильным и ярким голосом композиторы наделяют героинь с волевыми характерами и трудной судьбой. Таковы Наташа в опере «Русалка» Даргомыжского и Лиза в «Пиковой даме» Чайковского.
Бывают голоса, которые сочетают в себе разные качества, например, лирико-драматическое или лирико-колоратурное сопрано. Певцы с такими голосами способны исполнять самые разнообразные партии. Но выбирают для себя главным образом те, что оказываются более близкими по вокалу и художественному образу, героини.
Диапазон сопрано — от «до» первой октавы (самый низкий звук) до «до» третьей октавы (самый высокий звук). Самые знаменитые певицы-сопрано — итальянка Аме-лита Галли-Курчи, гречанка Мария Каллас и наша соотечественница Антонина Нежданова.

Самый низкий из всех голосов — это бас. Для него написано множество великолепных оперных партий: хан Кончак в опере Бородина «Князь Игорь», дон Бази-лио в «Севильском цирюльнике» Россини, Мефистофель в опере Гуно «Фауст», Фар-лаф в опере «Руслан и Людмила» и Иван Сусанин в «Жизни за царя» Глинки. Даже из этого короткого перечисления ясно, какие богатые возможности таит в себе бас,
какие разнообразные характеры способен он воплотить.
Наверное, нет на земле человека, который не знал бы имени знаменитого русского певца Федора Шаляпина. Его голос — высокий бас - обладал исключительной красотой. Благодаря широкому голосовому диапазону Шаляпин исполнял иногда и партии, написанные для баритона.

Серия сообщений "Ода скрипке":
Часть 1 - О классической музыке:
Часть 2 - Никколо Паганини
Часть 3 - Антонио Вивальди
...
Часть 10 - Женщина-Скрипка диалог Евгении Шерман со Smolyak m
Часть 11 - Страдивари: Тайна кремонского мастера
Часть 12 - ТАЙНА КРЕМОНСКОГО МАСТЕРА

я ужасная вредина,но люблю искусство!