Рембрандт ван Рейн – гениальный голландский художник. Родился и вырос в семье самого обыкновенного мельника в городе Лейдене. Там Рембрандт проработал вплоть до 1632 года, а после переехал в Амстердам. Спустя два года он женился на девушке из обеспеченной семьи Саские. Образ своей избранницы живописец увековечил на многих своих полотнах, передав всю ее женственность и красоту с особой любовью и нежностью. Но биография Рембрандта не настолько проста и обыденна, как может показаться на первый взгляд. Об этом свидетельствуют его произведения, которые отображают потаенную суть житейских явлений и передают внутренний мир портретируемых.
Книги о приключениях Анжелики весьма популярны во всем мире. А если кто не читал, то наверняка смотрел французские фильмы «Неукротимая Анжелика», «Анжелика маркиза ангелов» и другие. В главных ролях там блистали Роберт Оссейн и Мишель Мерсье.
Роберт Оссейн и Мишель Мерсье в фильме "Неукротимая Анжелика"
На роль Анжелики пробовались сотни актрис, утверждена была Марина Влади, в то время она была женой Роберта Оссейна. Но, Марина предпочла другой проект и в последний момент пригласили Мишель Мерсье. Кино получилось красивое, зрители всего мира с замиранием сердца следили за приключениями красавицы с весьма непростым характером. Читать далее
"О, как убийственно мы любим..." Любовь, любовь - гласит преданье -
Союз души с душой родной -
Их соединенье, сочетанье,
И роковое их слиянье.
И... поединок роковой...
И чем одно из них нежнее
В борьбе неравной двух сердец,
Тем неизбежней и вернее,
Любя, страдая, грустно млея,
Оно изноет наконец...
Вы любите секс? Вам нравится этот момент единения, когда весь мир уже не значит ничего, этот момент экстаза, когда гравитация не в счет, когда кажется, что ты в раю, и кроме одичавшего счастья, безграничной радости не чувствуешь ничего? Никаких жизненных тревог, никаких сомнений, никаких переживаний… Только наслаждение.
Не многие москвичи знают, что стоит в Кремле сказочный
дворец, построенный еще при царе Михаиле Федоровиче
Романове в XVII в. И уж совсем немногим довелось
побывать в царском Тереме.
Веселый и неутомимый Тициан всю жизнь прожил в Венеции – городе радости, кутежей, купцов и куртизанок. И во всех своих полотнах он, как и его соотечественники-художники, воспевал особенный, местный тип женской красоты. Правда, у Тициана это получалось лучше всех.
"Венецианская красавица" всегда полновата (по современным меркам - неприлично толста, хотя до "рубенсовских" толстушек и не дотягивает). У нее белоснежная кожа, что сразу выделяет ее среди смуглых итальянок, живущих в солнечной стране. А еще у нее особенный золотисто-рыжеватый оттенок волос. Его даже называют "тициановским" – в честь мастера. Однако цвет этот неестественный – чтобы добиться его, венецианки мазали волосы различными веществами, например, смесью лимона и шафрана (а то, сплетничают, и лошадиной мочой), и на долгие часы выставляли голову под палящие лучи солнца, чтобы волосы выгорели. Таково и большинство дам на полотнах Тициана.
Иван Крамской "Девушка с кошкой". 1882. Холст, масло. 71 x 58 см Музей Русского Искусства, Киев
Иван Николаевич Крамской свой главный вклад в изобразительное искусство сделал именно касательно жанра портрета. Ни в коем случае не умоляя его работы в исторической, религиозной и бытовой тематике. Но именно портрет раскрыл величайший талант этого живописца.
Он ухватывал самую суть, искал человека в человек, не боялся неожиданных ракурсов, особую роль уделял изображению лица и рук и создал совершенно новую трактовку детского портрета.
На представленном полотне изображена дочь художника – это София. Как тонкий лирик и смелый колорист раскрывается здесь мастер. Дочь его находится на пороге перехода из детства в юность, но никакого любования свежестью и молодостью зритель здесь не отыщет. Всё от того, что художник всегда видел в детях равноправных моделей, строя свой художественный диалог, в первую очередь, с полноценными личностями. Крамского нередко упрекали в излишней психологичности детских портретов.
Вот и здесь лицо девушки, прилёгшей на диван, серьёзно, а глаза задумчивы. Героиня погружена во взрослые мысли. Изломанная поза уравновешивается мягкими, нежными очертаниями кошечки. Очень выразительны руки и особенно длинные тонкие пальцы.
Отношение Крамского с дочкой были очень дружественными, если не сказать больше – эти два родных человека обожали друг друга. По творчеству художника можно отчётливо проследить, как взрослела и хорошела его дочь, так как мастер оставил множество её портретов. Судьба девушки была печальна: она была репрессирована и, избежав казни, долгое время провела в ссылке. Крамской уже этого не застал…
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
О любви немало песен сложено, да и картин написано предостаточно. Казалось бы, еще одну — полотно «Над городом» — нам представляет Марк Шагал, художник с тонкой душевной организацией, преданностью первой жене и нежным взглядом на мир. Но не тут-то было. Что скрывается за романтическим образом, рассказывает Снежана Петрова.
Бескомпромиссный борец за коммунистические идеалы, трибун революции – таким видится Владимир Маяковский в представлении многих современных читателей. И тому есть веские причины – в творческом наследии поэта значительную долю занимают патриотические произведения, сочетающие в себе жесткую критику врагов и неприкрытую пафосность. На таком фоне особенно ярко блистает лирический шедевр «Лиличка! Вместо письма». Как никакое другое произведение Маяковского, оно обнажает его подлинную, ранимую, любящую душу.
Эхо неистовой любви
Созданию стихотворения предшествовала встреча Владимира Маяковского с женщиной, которая стала его лирической музой и главной любовью всей жизни. Жарким летом 1915 года невеста Маяковского Эльза привела его в гости к своей сестре Лили, которая состояла в браке с Осипом Бриком. Красотой Лили не отличалась - некоторые современники и вовсе видели в ней монстра. Тем не менее, она оказывала гипнотическое, почти мистическое воздействие на мужчин. Сегодня психологи объясняют такую особенность Брик её гиперсексуальностью.
Косвенным подтверждением служат фотографии - не стесняясь, она позировала перед объективом обнаженной. Участь жертвы роковой женщины не обошла и Маяковского. Он влюбляется в Лили с первого взгляда и уже не может оставить её. Осенью он переезжает на новое местожительство - поближе к квартире Брик и знакомит супружескую пару со своими друзьями-литераторами.
Возникает подобие салона, где собираются творческие «сливки общества», и Маяковский получает столь желанную возможность регулярно видеться с Лили. Присутствие супруга не мешает развитию бурного романа. Чтобы представить, какие муки терпел Маяковский, находясь в этом, пока еще классическом, любовном треугольнике, можно забежать вперед и провести параллели с последующим периодом «жизни втроем».
В 1918 году Маяковский не выдержал накала чувств и обратился к Лили и Осипу с просьбой принять его в свою семью. Презрев все нормы морали, супружеская чета дала согласие. Впоследствии Лили убеждала окружающих, что живет с законным супругом под одной крышей только из жалости к нему, а душой и телом предана Маяковскому. Однако это было не так.
Из мемуаров Лили следует, что она занималась любовью со своим законным супругом, а Володю на это время запирали в кухне. Крича, плача и скребя дверь, он пытался прорваться к ним…
Лили же не видела ничего плохого в любовных страданиях Маяковского и считала, что именно после таких встрясок рождаются гениальные произведения. Вероятно, нечто подобное происходило и в мае 1916 года, когда в стихотворении «Лиличка!» Маяковский выплеснул всю бурю своих эмоций. Причем в момент создания шедевра любовники находились в одной комнате.
Вне правил
Исчерпав устные убеждения в искренности своих чувств, Маяковский обращается к возлюбленной в поэтической форме. Если у приверженцев романтизма даже несчастная любовь изображается с помощью светлых образов, то авангардист Маяковский использует совершенно другие приемы. Несмотря на нежное название, в самом стихотворении поэт выражает свои чувства грубыми, контрастными эпитетами.
Его слова грохочут как камнепад и лязгают как железо. Он сравнивает свои чувства с тяжкой гирей, ощущает, что сердце его заковано в железо. Любовь для него – это горечь, которую можно только «выреветь». Отдельные утонченные эпитеты, говорящие о цветущей душе и нежности, лишь подчеркивают грубость остальных фраз.
Как и большинство произведений Маяковского, «Лиличка!» написана по канонам футуризма, главный из которых – отказ от всех привычных канонов. И это кажется символичным.
Пренебрегая традициями супружеских отношений, выбирая свободную любовь, Маяковский использует столь же свободные и нетрадиционные инструменты для отражения своих чувств. Их непохожесть, нестандартность, уникальность подчеркивается множеством искаженных слов и неологизмов: опожаренном, крученыховском, иссечась, обезумлюсь…
Уже во время создания стихотворения, Маяковский видит выход из запутанного любовного треугольника в своем самоубийстве. Но тут же отказывается от смерти, которая не позволит ему даже просто видеть любимую женщину. По своему эмоциональному накалу «Лиличка!» не знает себе равных. При этом гению удаются выразить предельную страсть, используя восклицательный знак лишь однажды – в названии.
Путь к читателю
Первая публикация стихотворения состоялась в 1934 году – только спустя 4 года после гибели автора. Нетривиальное поведение Лили Брик послужило причиной последующих цензурных запретов, которые действовали до конца советской эпохи. Лишь в 1984 году, в Челябинске, увидел свет еще один сборник, включающий стихотворение «Лиличка!».
Лирический шедевр вдохновил и композиторов – музыку к нему написали Владимир Мулявин и Александр Васильев. Объединив в себе безмерную тоску и неприкрытое отчаяние, трогательную нежность и сентиментальность, откровенные признания Маяковского позволяют и сегодня почти тактильно, на физическом уровне, ощутить, сколь сильной и трагичной была его любовь.
Дым табачный воздух выел.
Комната -
глава в крученыховском аде.
Вспомни -
за этим окном
впервые
руки твои, исступленный, гладил.
Сегодня сидишь вот,
сердце в железе.
День еще -
выгонишь,
можешь быть, изругав.
В мутной передней долго не влезет
сломанная дрожью рука в рукав.
Выбегу,
тело в улицу брошу я.
Дикий,
обезумлюсь,
отчаяньем иссечась.
Не надо этого,
дорогая,
хорошая,
дай простимся сейчас.
Все равно
любовь моя -
тяжкая гиря ведь -
висит на тебе,
куда ни бежала б.
Дай в последнем крике выреветь
горечь обиженных жалоб.
Если быка трудом уморят -
он уйдет,
разляжется в холодных водах.
Кроме любви твоей,
мне
нету моря,
а у любви твоей и плачем не вымолишь отдых.
Захочет покоя уставший слон -
царственный ляжет в опожаренном песке.
Кроме любви твоей,
мне
нету солнца,
а я и не знаю, где ты и с кем.
Если б так поэта измучила,
он
любимую на деньги б и славу выменял,
а мне
ни один не радостен звон,
кроме звона твоего любимого имени.
И в пролет не брошусь,
и не выпью яда,
и курок не смогу над виском нажать.
Надо мною,
кроме твоего взгляда,
не властно лезвие ни одного ножа.
Завтра забудешь,
что тебя короновал,
что душу цветущую любовью выжег,
и суетных дней взметенный карнавал
растреплет страницы моих книжек...
Слов моих сухие листья ли
заставят остановиться,
жадно дыша?
Дай хоть
последней нежностью выстелить
твой уходящий шаг.
Архип Куинджи "Днепр утром". 1881. Холст, масло. 105 x 167 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.
В 1880-х Архип Куинджи вдруг скрылся от публики, запершись в своей мастерской. Живописец, которого вдруг стали горячо критиковать за излишнюю декоративность и экспозиционные хитрости (находились те, что утверждали, будто мастер искусственно подсвечивает свои полотна и поэтому от них исходит такое изумительное сияние), решил уйти на гребне своей славы. Куинджи спрятался ото всех на целых 20 лет!
Но перед тем как наглухо заточить себя в мастерской, художник выставил свои любимые работы, среди которых нашла своё место картина «Вечер на Днепре». Выставка была повторной (первая состоялась в 1879, а вторая в 1882 году).
Будто в назидание всем «говорунам», обвинявшим Куинджи в излишне ярком цветовом колорите, эту работу мастер решил совершенно иначе – только спокойные приглушённые тона. Однако картина никак не уступает по силе воздействия на зрителя его яркой «Берёзовой роще» или же, например, «Радуге».
Белыми, молочными цветами передана уходящая вглубь картины лента реки. Берега изображены с помощью серовато-зелёных и коричневых колеров. Главной эмоциональной силой картины является передача безграничного степного простора. Торчащий на переднем плане реденький куст репейника лишь подчёркивает эту идеальную ширь.
С первых секунд обращает на себя внимание небо – здесь явно можно заметить черты импрессионистского стиля. Наполненная световоздушная среда передана уверенными мазками голубого, жёлтого, розового и белого.
Куинджи нашёл равнозначную замену своей броской и яркой технике – это внутреннее свечение и волшебные переливы полутонов. Очень часто в картинах живописца можно увидеть совершенно конкретный источник света – солнце, луна, радуга, вокруг которых строится всё повествование, но в этой композиции автор отказался от своего излюбленного приёма. Лишь свечение неба, нежная световая вибрация и невероятная предрассветная белизна – вот, чем «дышит» эта притягательная, магнетическая картина.
Классическая композиция нашла новое цветовое решение, и это создало нужное настроение – звенящая тишина, спокойное утро, занимающееся над Днепром, которое сменило ночную мглу.
Удивительный Куинджи обладал уникальной способностью видеть то, мимо чего другие просто проходят мимо. Его картинам даже не нужно какого-либо цепляющего элемента, достаточно просто самого обыденного пейзажа и он, через талантливую кисть живописца, приобретает совсем иное значение, поражающее своей красотой и одухотворённостью.
По легенде, Элизабет Сиддал, с которой Джон Эверетт Милле писал тонущую Офелию, вскоре после завершения полотна скончалась. И хотя риск воспаления легких был вполне реален — девушка часами позировала, лежа в ванне, — к счастью, модель осталась жива, правда, не очень здорова. Для прерафаэлитов, стремившихся к предельному натурализму и писавших только с натуры, страдания натурщиков (их роли исполняли в основном друзья и родственники) были обычным делом. В целом как и страдания зрителей, совершенно растерявшихся при виде нового искусства, взбудоражившего Викторианскую Англию в 1850-х годах.
Джотто. Поцелуй Иуды. 1303-1305 гг.
Фрагмент фрески в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия
“Поцелуй Иуды”. История вероломного предательства учеником своего учителя. Изображение этого сюжета из Нового Завета часто встречается и на фресках, и в псалтырях, и на холстах. Историю эту не раз изображали и до Джотто, и после него.
Но “Поцелуй Иуды” Джотто (1303-1305 гг.) особенный. Разница между его фреской и работами его предшественников колоссальная. Судите сами. Ниже – миниатюра из псалтыри 12 века.
Леонид Пастернак "Портрет историка Ключевского В.О." - 1909. Бумага, пастель (по другой атрибутике — холст, темпера, гуашь).111 х 92 см. Государственный исторический музей, Москва.
Яркая и выразительная картина изображает знаменитого ученого во время лекции или заседания. Он уже не молод и убелен сединами, которые резко контрастируют с его длинным черным сюртуком. Историк изображен в профиль, устало опирающимся одной рукой на кафедру, а другой держащимся за поясницу. В зале много людей, внимательно слушающих все, что говорит этот известнейший человек.
Картина написана в импрессионистической манере, то есть на ней вы не увидите четкой прорисовки деталей и подробное изображение каждой мелочи. Полотно передает общее ощущение, дух общения, а также особую привлекательность личности главного персонажа. Мазки и линии на картине смелые и легкие, не имеющие четких форм и границ, но великолепно передающие пространство и объем помещения.
Цветовая гамма полотна богатая, достаточно яркая и насыщенная, но не рвущаяся на передний план, а слегка приглушенная, «задымленная» приятным включением синеватых тонов, которые словно окутывают контуры каждой детали и фигуры. Этот прием не только смягчает яркость локальных чистых цветов, но и углубляет тени, формируя пространство. Насыщенный красный цвет стены на заднем плане с картинами в массивных рамах благодаря этому не «прорывается» на передний план, а лишь выгодно подчеркивает выразительную фигуру ученого в темном одеянии.
Несмотря на то, что это портрет, на полотне есть множество других людей и большое количество разнообразных деталей. Фигуру историка окружают слушатели, античные скульптуры, картины на стенах и большая каменная ваза на колонне, рядом со столом находится какой-то рисунок или чертеж, на столе — фигурный стеклянный графин и стакан, чтобы во время лекции можно было выпить немного воды. Все эти детали превращают обычный портрет в очень выразительную и запоминающуюся жанровую картину.
источник: Арт Энциклопедия > Геннадий Занегин
В Индии было свое Эльдорадо, правда, добывали там алмазы, а не золото. И были эти алмазы впечатляющими. Называлось то место Голкондой. Так же назвал свою работу и бельгийский сюрреалист Рене Магритт. Причем не только назвал, но и использовал свойства алмаза — физические и символические — на своем полотне. Почему картина, при взгляде на которую вспоминается шутливая песня-пародия о дожде из мужиков, является шедевром, и что хотел сказать художник, объясняет Снежана Петрова.
Илья Репин "Читающая девушка" 1876. Холст, масло. 74 х 55 см, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань.
По некоторым данным считается, что на портрете изображена свояченица художника. В этом полотне в полной мере отразилось умение Репина передавать жизнь как она есть, не приукрашая и не умаляя ее прелести.
В центре картины изображена сидящая в кресле молодая девушка в объемном черном платье с длинными рукавами. Оно украшено простым полотняным белым воротничком и манжетами, больше никаких украшений и деталей нет, кроме едва заметной крупной пуговицы или броши на груди. У девушки пышные кудрявые длинные волосы приятного золотисто-рыжеватого цвета. Они кажутся светящимися, воздушными и особенно объемными из-за того, что свет находится за фигурой сидящей женщины.
Персонаж картины сидит в мягком кресле с высокой округлой спинкой и бархатной бордовой обивкой. Фон картины нейтральный, выполненный широкими мазками кисти серовато-оливковой краской. Складки платья прописаны рельефно, они подсвечены сзади и сбоку, благодаря чему весь силуэт девушки кажется очень темным и однородным, но не плоским, а объемным. Этот прием делает особенно выразительным лицо изображенной – оно рельефно выступает на монотонном фоне стены и кажется сияющим изнутри, озаренным внутренней энергией и красотой юности.
Девушка читает письмо, разорванный конверт от которого лежит у нее на коленях. Это большой лист бумаги, словно бросающий световые блики на лицо. Девушка заворожено смотрит на него, от волнения слегка приоткрыв рот. Но самое интересное, как обычно, скрывается в деталях. Кажется, будто письмо сидящая в кресле держит обеими руками. На самом деле это не так – она поддерживает бумагу только правой рукой, с другой стороны письмо подает ей рука кого-то, находящегося за пределами картины. Это вносит особую скрытую интригу в спокойный камерный сюжет произведения искусства.
Картина «Преподобный Роберт Уокер, катающийся на коньках на озере Даддингстон» Генри Реберна, которая сегодня считается иконой шотландской живописи, сто лет провисела в доме родственников Уокера, никому не известная. В 1914 году правнучка священника Беатрикс Скотт попыталась продать ее на аукционе, но, к счастью или сожалению, ей это не удалось – в предвоенной атмосфере люди не особенно хотели расставаться с деньгами. Позднее полотно оказалось в центре дискуссии – появилась версия, что вовсе не Реберн написал его. Однако Национальная галерея Шотландии, владеющая с 1949 года картиной, яростно защищает факт авторства Реберна. Потому что нельзя просто так взять и лишиться национальной живописной иконы.
«Медный всадник» Этьена Фальконе (история одного шедевра)
К 100-летию вступления на престол Петра I и 20-летию царствования Екатерины II было решено устроить нечто грандиозное. Корреспонденты императрицы Дени Дидро и Вольтер советовали подумать о скульптуре: стильно, лаконично, памятно. Своеобразный творческий конкурс на модель статуи закончился диктатом Этьена Фальконе – будущего автора: «Монумент мой будет прост… Я ограничусь только статуей этого героя, которого я не трактую ни как великого полководца, ни как победителя, хотя он, конечно, был и тем, и другим. Гораздо выше личность созидателя-законодателя».
Алексей Саврасов "Вид в окрестностях Ораниенбаума" -. 1854. Холст, масло. 78х118
Сурова, скромна и загадочна финская природа. Зрителю представлен обычный облачный день, древний дуб, два огромных валуна, живописный пень. Вдали едва угадывается женская фигура, а еще дальше, по морю бежит белоснежная яхта. У зрителя создается странное ощущение, словно за всем пейзажем наблюдают седые валуны под дубом. Фантазия превращает безжизненные камни в огромных фантастических зверей, укрытых ветвями векового дерева. Довершают сказочную атмосферу облака, практически полностью застилающие голубое небо.
Невольно задумываешься над тем, что произойдет, когда женщина добредет до валунов. На ум приходят многочисленные мифологические сюжеты о похищениях.
Цветовая гамма картины сдержанна и приглушенна. Серые валуны, светло-зеленая листва, желтая дорожка. Свет, которого еще предостаточно, заливает поляну, пытается осветить и валуны.
Коричневый глинистый берег, островки травы, два красных цветка... А может быть глаза лешего, хитро поглядывающие на зрителя. В этой работе каждый может увидеть нечто свое, особенное, невидимое другими.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Алексей Кондратьевич Саврасов - выдающийся русский живописец, пейзажист, основоположник лирического пейзажа. Замечательный педагог, преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Среди его учеников были К. А. Коровин и И. И. Левитан.
"Без воздуха пейзаж - не пейзаж! Сколько в пейзаж березок или елей ни сажай, что ни придумывай, если воздух не напишешь - значит пейзаж дрянь." (Саврасов А.К.)
Исаак Левитан "Весна. Большая вода". 1897. Холст, масло. 64,2х57,5, Государственная Третьяковская галерея, Москва
Любимая художником весна на этой картине изображена в период своего самого сильного проявления. Перед нами паводок, захвативший часть прибрежного леса и несколько деревенских построек. Лодка, которая в это время служит единственным транспортным средством для связи с миром, не только обозначает незримое присутствие человека в пейзаже, но и придает композиции логическую завершенность, связывает природное пробуждение с возрастающей активностью крестьян.
Золотистые охристые тона, которые использует автор для передачи теплеющего весеннего солнца, смешиваются с голубыми оттенками воды и неба. Подобное сочетание красок любили еще древние русские иконописцы для придания своим работам особой парадности и для изображения горнего мира.
Настроение работы очень бодрое, даже веселое. Деревья вырастающие из воды словно устремляются навстречу солнцу, небу и теплу, уставшие от зимнего сна, они расправляют свои ветви, как проснувшийся человек, потягиваясь, прогоняет остатки сна и приводит свое тело в "рабочее" состояние.
Затопленные сараи и бани выглядят, как корабли, выходящие в море. Водная гладь практически неподвижна. Отраженные деревья зрительно удлиняют картину, придавая композиции вертикальную устремленность и особую динамику. Природа проснулась, и ее первые глубокие вздохи породили это чудесное явление, приносящее радость и надежду на хороший, урожайный год.
Пройдет совсем немного времени и набухшие на деревьях почки лопнут зеленым буйством красок. Все затихло в ожидании этого главного весеннего чуда. Вода и тепло возрождают жизнь. Едва уловимые розовые оттенки придают всей композиции нарядность и энергичность. Во всем пейзаже чувствуется внутренняя динамика, ожидание чуда, предвосхищение красоты.
Работа отражает отношение автора к происходящему. Увидеть в паводке торжество вечного закона "неубиваемости" жизни мог человек искренне и безоговорочно влюбленный в свой родной край. Стоит только взглянуть на тонкие силуэты деревьев, на легкие облака на небе, на прозрачную воду, чтобы понять - автор любуется каждой мелкой деталью, выписывает каждую каплю живительной влаги, каждую веточку.
Опытный автор избегает резких и ярких красок. Он старается передать русскую весну максимально точно, ничего не приукрашивая. Поэтому палитра картины необыкновенно скромна, но правдива и реалистична. Русская природа не нуждается в украшениях, поскольку сама украшает мир лучше, чем какая-либо другая.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Михаил Врубель "Портрет С. И. Мамонтова" - . 1897. Холст, масло. 187х142,5. Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Портрет "русского Медичи" остался незаконченным. Художник старательно формирует образ богатого промышленника и блестяще образованного человека. Из полутьмы кабинета на зрителя смотрит властный, уверенный в себе человек. Поза его выдает некоторую неловкость, которую герой всеми силами старается скрыть.
Детали, создающие интерьер, "работают" на образ благотворителя и покровителя искусств. Автору удается создать атмосферу артистического кабинета талантливого промышленника, отличный вкус и непростой характер. Все вместе - замечательный образец парадного портрета, который написан с необыкновенным уважением и пиететом. Автор искренне восхищен своей моделью, старается всеми силами подчеркнуть неординарность личности и творческий склад ума.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
«Наполеон на Аркольском мосту» Антуан-Жан Гро (история одного шедевра)
Работу над картиной «Наполеон на Аркольском мосту» Антуан-Жан Гро начал буквально через день после событий, изображенных на полотне. Сам художник, который в том сражении был адъютантом Бонапарта, следовал за полководцем по пятам и тоже находился на мосту под пулями австрийцев, рискуя погибнуть и так никогда и не написать портрет. Картина, по замыслу Гро, должна была стать шедевром всей его жизни. Собственно, так и произошло.
Архип Куинджи "Снежные вершины". 1890-1895. Бумага, масло. 19 х 26,5 см, Чувашский художественный музей, Чебоксары.
Для этого великого мастера пейзажа природа была основным вдохновляющим фактором. Все его полотна поражают не просто удивительным мастерством изображения, но и виртуозным владением светом и цветом. У художника очень много работ, где использовались невероятные световые эффекты, которые столь характерны для некоторых природных явлений, а также времен дня. Мастер очень любил рассветы и закаты, лунный и солнечный свет, а также особые эффекты, которыми столь щедра природа гор.
Специфический свет и невероятное ощущение простора, столь свойственное горам, нашли свое отражение во многих полотнах мастера, посвященным Кавказским горам. Одна из них – небольшая картина, написанная в необычной технике – масляными красками на листе бумаги.
Несмотря на то, что размеры у полотна очень скромные, изображает оно величественную гору Эльбрус, легендарные снежные вершины которой привлекали множество различных людей. Для Куинджи изображение гор обладало особой привлекательной и притягательной силой. Они впечатляли его своим величественным видом и невероятно красивыми цветовыми и световыми вариациями.
В этой картине мастер использовал насыщенные, почти открытые цвета, которые удивительно точно передают холодное пространство и особый, звенящий от чистоты воздух. Голубые дали и насыщенные синие цвета отлично демонстрируют прохладные горные тени. В то же время, освещенные косыми, солнечными лучами участки выглядят свежими, зелеными и теплыми.
Красавец Эльбрус лежит вдалеке, занимая все пространство на горизонте. У его подножия раскинулась зеленая плодородная долина, по которой тонкой, синей змейкой вьется река. С общей холодной гаммой полотна резко контрастирует выступ скалы, залитый теплым солнечным светом на переднем плане. В отличие от остального изображения, выполненного крупными, размашистыми мазками широкой кистью, этот небольшой участок тщательно проработан. Он выполнен при помощи большого количества различных оттенков. Можно буквально физически ощутить скудную, но зеленую траву, отчаянно цепляющуюся за тощую почву в трещинах скал.
Именно с этого возвышенного участка художник и писал свою бессмертную картину. Только этот небольшой фрагмент кажется теплым и уютным, все остальное изображение, расположенное вдали, выглядит очень чистым, нежилым и очень возвышенным, как будто в горах на самом деле становишься намного ближе к небесам и богу.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Николай Рерих "Синие храмы" 1921. Холст, темпера 495 x 785 см, Собрание Джо Джагода, Даллас.
В 1920 году Николай Рерих уезжает в США, где организовывает большое выставочное турне по городам Америки. На американском континенте русской художник, философ, этнограф создал несколько серий картин с разным характером и содержанием. Работу, посвящённую Большому каньону в Аризоне, Рерих назвал «Синие храмы». Будучи пытливым исследователем, Рерих не мог не заинтересоваться удивительным местом – одним из самых глубоких каньонов на земле. Спустя полвека с момента создания картины, каньон будет внесён в список всемирного наследия ЮНЕСКО.
Одна из центральных философско-культурных идей Рериха провозглашала единство культур и народов, а Гранд-Каньон объединял в себе следы целых 4-х геологических эр. Вот и на картине горы и скалы каньон выглядят как слоеный пирог. Но ступенчатые вершины скал, Рерих представил в виде монументальных сооружений, храмов. Эта фантазия живописца органично вписалась как в концепцию его философских идей, так и в географическую картину местности. Словно некие сакральные сооружения, вершины скал глубочайшего каньона служат неким символом единства. Красота она ведь понятна всем, а красота, созданная природой в сложном и долгом процессе эволюции, принадлежит не одной стране или религии, народу или историческому времени – она принадлежит всему миру, человечеству.
Доминантным цветом в этой работе Рерих назначил синий. Здесь можно увидеть, кажется, все его оттенки: от тёмного ультрамаринового до нежного лазурного. Рерих очень любил работать с синим колоритом – мастер гениально писал небо, и благодаря его таланту, небеса буквально жили своей жизнью, радуя диковинными фигурами и очертаниями. В этой же работе небо Рерих оставляет фактически нейтральным, делая акцент на природную архитектуру каньона, монументальную, могучую.
Рерих нарочно использует темперу, зная, что и спустя годы насыщенный, синий цвет не утратит своей яркости и насыщенности, как краска на масляной основе. Художник смело оперирует цветовыми массами, облекая их в форму с помощью простых, понятных линий.
За своё сравнительно недолгое пребывание в Америке Рерих успел сделать многое – основать несколько культурных центров, художественных объединений в крупных городах, открыть Центр Искусства в Нью-Йорке. Его бурная художественная и общественная деятельность, многочисленные культурологические лекции вылились в заслуженное восхищение и признание на Западе, и в 1923 году в Америке появляется первый музей в мире, посвящённый только одному художнику, а именно музей Николая Рериха. Талантливого художника, выдающуюся личность, тонкого мыслителя здесь разглядели гораздо раньше, чем у себя на родине.
источник:Арт Энциклопедия > Геннадий Занегин
«Нападение ягуара на лошадь» Анри Руссо (история одного шедевра)
«Нападение ягуара на лошадь» Анри Руссо (история одного шедевра)
Анри Руссо, написавший невероятные по эмоциональной силе картины, никогда не выезжал за пределы парижских предместий. Для создания фантастических миров, наполненных необычными животными и дивными растениями, разукрашенных бесчисленным количеством оттенков и, кажется, пропитанных экзотическим духом, художнику было достаточно прогуляться по Ботаническому саду или Зоологическому музею, послушать рассказы путешественников или полистать открытки из дальних стран. Воображение Руссо дорисовывало недостающие детали и представляло новый, сказочный мир, в котором хотелось затеряться.
Иван Шишкин "Березовая роща". 1896. Холст, масло. 95,5x70. Ярославский художественный музей
Известная во всем мире картина "Березовая роща" была написана Шишкиным маслом в 1896 году. На данный момент картина находится в Ярославском художественном музее.
В картине преобладают оттенки зеленого, коричневого и белого. Казалось бы – сочетание цветов более чем простое, но удивительно удачное: глядя на картину, полностью ощущаешь себя среди этих деревьев, чувствуешь тепло солнечных лучей.
Залитая солнцем березовая роща словно бы сама излучает какой-то особенный свет, ощущаемый каждым, кто видит картину. Кстати, Шишкин, будучи патриотом своей страны, не зря выбрал героиней этой картины именно березу, ведь именно она считается национальным символом России с древних времен.
Удивляет невероятная четкость, с которой прорисованы все детали: трава кажется поразительно шелковистой, березовая кора как настоящая и каждый березовый листочек заставляет вспомнить аромат березовой рощи.
Этот пейзаж написан настолько естественно, что трудно даже назвать его картиной. Скорее подойдет название отражение действительности.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
![0001-001-JA-vstretil-vas[1] (623x316, 113Kb)](http://img1.liveinternet.ru/images/attach/c/5/85/642/85642949_0001001JAvstretilvas1.jpg)
![31b9227174dd[1] (568x38, 25Kb)](http://img1.liveinternet.ru/images/attach/c/5/85/663/85663257_31b9227174dd1.png){kind=small}
![0_4f03d_8dc594e6_XXL[1] (300x56, 16Kb)](http://img1.liveinternet.ru/images/attach/c/5/85/663/85663307_0_4f03d_8dc594e6_XXL1.png)
