Этапы жизни... Художник Richard Macneil. Вся живопись художника здесь Этапы жизни Человеку...
Без заголовка - (1)Художник Richard Macneil. Художник Ричард Макнейл (Richard Macneil) родился в 1958 ...
Yoga Journal №58 (2013/2014) - (0)Yoga Journal №58 (2013/2014) Россия Журнал о йоге, который завоевал популярность во вс...
Yoga Journal №59 (февраль 2014) - (0)Yoga Journal №59 (февраль 2014) Россия Журнал о йоге, который завоевал популярность во вс...
Yoga Journal №62 (июль-август 2014) - (0)Yoga Journal №62 (июль-август 2014) Россия Журнал о йоге, который завоевал популярность во...
Вот именно так я себя сейчас чувствую и ощущаю. |
|
Метки: Медитация творчеством |
Рисунки акварельными карандашами. |
|
Метки: акварельные карандаши рисунок акварельными карандашами рисунок рисунки |
Рисунки пастелью. |
|
Метки: пастель рисунки пастелью рисунок рисунки |
Рисунки карандашом. ПРОДОЛЖЕНИЕ |
Метки: рисунки рисунок рисунки карандашом рисунок карандашом |
Рисунки карандашом. ПРОДОЛЖЕНИЕ |
|
Метки: рисунки рисунок рисунки карандашом рисунок карандашом |
Рисунки карандашом. ПРОДОЛЖЕНИЕ |
Метки: карандаш рисунки карандашом рисунки рисунок |
Рисунки карандашом |
Метки: карандаш рисунок рисунок карандашом УРОКИ РИСОВАНИЯ |
45 фильмов и сериалов для изучения английского языка |
|
Как печатать по-французски |
|
Коды с Alt для французских букв |
|
Домашка |
|
Чёрно-белые трафареты |
|
Учимся рисовать карандашом: Для начинающих художников Авторы: Наумова Людмила Викторовна |
/books.google.ru/books?id=gLc5AgAAQBAJ&pg=PA4&lpg=PA4&dq=очень+хочется+рисовать+это+болезнь&source=bl&ots=ElSafyBHji&sig=N-2d4sRZqYX5Y7rV1BBTCAwqxl8&hl=ru&sa=X&ved=0ahUKEwiR-fO28KLOAhXJFCwKHZ31A-0Q6AEIJDAB#v=onepage&q=очень хочетÑÑ Ñ€Ð¸Ñовать Ñто болезнь&f=false
|
СОДЕРЖАНИЕ: Много полезной инфы |
Композиция:
Перспектива:
Рисунок:
Живопись:
Разное интересное:
Дневник начинающего художника:
|
Что правильно, штриховать или тушевать? |
Блог Александры Мережниковой. Научиться рисовать может каждый!
Написать на эту достаточно спорную и для кого-то даже болезненную тему, меня сподвиг этот комментарий:
Алла: Я преподаю в Х.Ш,,, все годы учила звонкому штриху, как и меня когда то учили- НЕ ТУШЕВАТЬ, а штриховать по форме, хоть предмет, хоть портрет! Но в последнее время только везде и вижу ТУШЕВКУ! Разве это правильно?
Ответ у меня получался очень развернутым, поэтому я решила вынести его в отдельную статью.
Уважаемая Алла! Меня, так же, как и вас, учили прежде всего штриховать. И я тоже огорчаюсь оттого, что растушеванных работ в последнее время появляется все больше, а красивой твердой графики все меньше. Но прежде, чем говорить о том, правильно это или нет, хочу отметить вот что: повсеместное распространение тушевки ЗАКОНОМЕРНО.
В первую очередь это происходит благодаря изобилию фотографии. В настоящее время фотоизображение стало восприниматься как визуальный эталон. Все чаще в адрес художественных работ можно услышать такой (сомнительный, с моей точки зрения) комплимент: «Как красиво! Прямо как фотография!». Причем так говорят не только неискушенные зрители, я слышала эту фразу даже от своих бывших студентов-художников.
И, коль скоро сходство рисунка с фото вызывает восхищение, то верно и противоположное: в массовом представлении все, что делает графическую работу не похожей на фотографию, может восприниматься как дефект, возникший из-за недостатка мастерства художника.
Разумеется, спрос не может не отразиться на предложении, — художники, зарабатывающие творчеством часто вынуждены подстраиваться под вкусы публики. Представьте, что в числе уличных художников, рисующих портреты, появится один, пишущий в духе позднего Пикассо. Вряд ли к нему выстроится очередь… Зато спросом всегда пользуются работы в фотореалистическом ключе. Особые приметы таких портретов: глубокие черные тени, множество ярких бликов и, конечно же, плавные РАСТУШЕВАННЫЕ тональные переходы.
На самом деле, ни таких резких теней (при нормальном дневном свете), ни бликов на каждом выступающем участке лица в реальности не увидишь (так же, как например, красных зрачков). Эти эффекты возникают на фотографии при съемке со вспышкой, но зритель, завороженный иллюзией документальности, не обращает на такие мелочи внимания.
Франко Клун (Franco Clun)
Работа в стиле фотореализма бесспорно требует от автора огромного мастерства. Это и безупречный глазомер, и умение правильно воспринимать и передавать тональность, также значительную роль играют опыт и терпение. Все это не может не восхищать. Но главный минус фотореализма, с моей, опять же, точки зрения, заключается в том, что этот стиль требует отказа от индивидуальности. Все штрихи, мазки, линии, — то, из чего складывается художественная МАНЕРА, тщательно прячутся, затушевываются.
Я говорю в основном о портрете потому, что портрет всегда был и остается самым притягательным жанром. По моим наблюдениям, большинство тех, кто хотел бы научиться рисовать, стремятся рисовать именно портреты. При этом основной источник информации сейчас для многих — это интернет. Художественные школы и мастерские есть не везде, да и доступны не всем (в силу возраста, финансовых возможностей, отсутствия времени и т. д.). Рисовать дома за компьютером кажется намного удобнее. А если есть выход в сеть, то возможности учиться намного шире.
Однако, попробуйте набрать в поисковике что-нибудь вроде «портрет рисунок». Какие визуальные образцы вам даст всемирная паутина?
В лучшем случае на один классический рисунок придется десяток перерисованных фотографий. Они чаще всего и становятся образцом для подражания.
Виноваты в этом отчасти и мы, преподаватели рисунка. В том, что не умеем привить вкус к хорошей графике. Не умеем внятно объяснить, как надо.
Чего стоит, например, требование штриховать «по форме». Абсолютно все, даже те, кто впервые взял в руки карандаш, знают, что штриховать надо именно по форме и никак иначе. Но что конкретно означает это требование, совсем не ясно.
Если форма простая, например куб, как располагать штриховку на гранях? Вертикально, горизонтально? Наносить штрихи в обоих направлениях, по сути рисовать решетку, это будет правильно? А если штриховать по диагонали?
Труднее, если форма округлая. Я видела рисунки, на которых чашки сверху донизу заполнены эллипсами разной кривизны. Ведь это «по форме». И уж совсем непонятно, как подступиться к шару.
Таким образом, проблемы возникают уже при попытке штриховать простые геометрические формы, что уж говорить про такие сложные, как лицо человека. Гораздо проще взять фотографию и просто копировать, растушевывая светотеневые переходы, чем разбираться, как там штриховать «по форме».
Беда в том, что классическая система обучения перестает отвечать требованиям времени. Академическое обучение рисунку длительное, да и если честно, довольно скучное. Мало кто способен подолгу и с удовольствием рисовать все эти кубы, призмы и цилиндры. И рисуют люди самостоятельно то, что интересно и так, как понимают.
Правильно это или не правильно?
Мне кажется, пока не сформируется какая-то достойная альтернатива классической системе обучения рисунку, ситуация не изменится. Мы будем везде видеть исключительно растушеванные копии фотографий.
Ну и наконец, отвечу на поставленный вначале вопрос: что правильно,штриховать или тушевать? Думаю, это в большей степени дело вкуса, и зависит от стиля, в рамках которого существует художник. Если это фотореализм, то тушевка будет более правильной и органичной.
Однако, могу предположить, что мода на фотореалистичные рисунки со временем пройдет или трансформируется во что-то иное. Как любая мода.
|
Немного о перспективе. |
Когда говорят о перспективе применительно к рисунку, имеют в виду прежде всего линейную перспективу.
Без знания законов линейной перспективы невозможно реалистически нарисовать даже самый простой предмет, какую-нибудь коробку. При этом, сделать правильный перспективный рисунок достаточно просто.
Даже само слово «перспектива» переводится с латыни как «смотреть сквозь». На гравюре Дюрера «The painter of the lying woman» можно видеть, как художник использует в работе стекло (и, кстати, обратите внимание на сложный перспективный ракурс модели).
Дюрер «The painter of the lying woman»
|
Перспектива — основы. |
Итак, мы уже говорили об общих законах линейной перспективы, теперь я бы хотела проиллюстрировать, как их учитывать при рисовании. И прежде всего, как выбрать подходящую отправную точку для рисунка.
Для начала давайте рассмотрим несколько терминов, принятых в науке о построении перспективы.
На картинке изображен так называемый «перспективный аппарат«.
Линия горизонта и точка Р — самые важные для построения элементы. От их расположения во многом зависит конечный результат.
На линии горизонта сходятся все линии, параллельные предметной плоскости. А точка Р сама будет точкой схода для всех линий, направление которых совпадает с направлением нашего взгляда.
Посмотрите снова на картинку выше. Вы видите, что «здания» расположены как раз таким образом, что часть линий будут идти в том же направлении, что и взгляд человека, а другая часть параллельны картине. То, что увидит человек при таком расположении предметов, будет называться Центральной перспективой. Это самый простой видперспективы.
Здесь наглядно видно, что при центральной перспективе часть линий сходится в главной точке, а перпендикуляры к ним параллельны линии горизонта (и краю листа). Если вы помните, когда мы рисовали кубик, я советовала избегать подобного расположения. Однако, в рисунке интерьера и в пейзаже центральная перспектива используется очень широко. А еще шире — в художественной фотографии (наберите в поисковике «перспектива» и посмотрите, какие картинки найдутся).
Здесь хорошо видно, что главная точка картины вовсе не обязательно будет находиться в центре. Поскольку главная точка картины — это проекция нашего взгляда, мы можем сами выбирать место, где она будет находиться.
Посмотрите, как меняется рисунок в зависимости от расположения главной точки:
Точно также, мы можем влиять на высоту линии горизонта, и задавать ее высоко или низко, в зависимости от желаемого результата:
Низкий горизонт в истории живописи обычно применялся в парадных портретах, в изображении архитектуры, батальных сцен — везде, где требовалось подчеркнуть величие и монументальность сюжета. Взгляд сверху вниз (или высокий горизонт), соответственно, дает противоположный эффект. Прием с использованием разной высоты горизонта настолько же действенный, насколько простой — зритель, глядя на картину, скорее всего не заметит, что горизонт опущен или поднят, но необходимое художнику впечатление останется.
Есть еще один параметр, влияющий на изображаемую перспективу — это угол зрения. Но эта информация скорее необходима в черчении, чем в рисовании, поэтому я не буду подробно на этом останавливаться. Все же при рисунке с натуры, мы в любом случае, используем наблюдательнуюперспективу.
Вообще, тема перспективы довольно обширна, даже если не вникать в тонкости построения, так что на эту тему еще будут статьи. Однако, здесь достаточно один раз разобраться, чтобы в дальнейшем не допускать ошибок.
|
Угловая перспектива. |
В прямой перспективе используется только 1 точка схода. Однако, стоит развернуть предмет относительно вертикальной оси, для его изображения потребуются уже 2 точки схода:
Вид перспективного построения, где используются 2 точки схода прямых, называется угловой перспективой. Ключевым моментом в перспективном рисунке предметов, расположенных под углом к зрителю, будет нахождение точек схода. Если вы неправильно расположите эти точки, предмет, который вы строите, будет казаться искаженным.
Как же их найти?
Самый простой вариант — когда предметы развернуты под углом 45` по отношению к взгляду художника. Помните, когда мы строили перспективу комнаты, диагонали квадратов сходились в дистанционных точках? Поскольку угол диагоналей именно 45`, можно предположить, что приугловой перспективе и стороны предметов, расположенных под этим углом, будут направлены также в дистанционные точки:
Итак, в этом случае обе точки схода для параллельных линий будут находиться на равном расстоянии от главной точки зрения Р и совпадать с дистанционными.
Если предмет развернут под любым другим углом, точки схода будут находиться на разном расстоянии от Р, причем чем ближе к Р 1-я точка схода, тем дальше от нее 2-я:
Если вы вытянете руки параллельно сторонам куба (здания), вы покажете прямо на точки схода:
Самая частая ошибка, которую допускают при построении угловой перспективы, это слишком близко расположенные точки схода параллельных линий:
Проверить себя очень просто: ближайший к вам угол прямоугольного предмета в перспективном рисунке должен выглядеть тупым. Если этот угол 90` или меньше, значит точки схода слишком сблизились друг с другом.
Поскольку расположение точек схода зависит от того, как развернут предмет к художнику, в одном и том же рисунке может быть какцентральная, так и угловая перспектива:
В натюрморте для каждой вещи приходится искать собственные точки схода.
Чтобы окончательно разобраться с тем, что такое угловая перспектива, я предлагаю сделать 2 задания:
Ге, «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе»
А я хочу еще раз напомнить, что в рисовании используется прежде всего наблюдательная перспектива. То есть, вы не строите предметы, а рисуете то, что видите. А поскольку точка схода параллельных линий часто находится далеко за пределами листа, важно уметь видеть прежде всего угол разворота предметов. Если визуально этот угол оценить трудно, можно использовать простой прием: вытянуть руку с карандашом и совместить его с видимой гранью объекта — так легче уловить направление линий.
|
Как рисовать, за столом или за мольбертом? |
Мне недавно пришел на почту такой вопрос: «Как лучше рисовать, за столом или за мольбертом?»
Если честно, меня этот вопрос озадачил. Я поняла, что вертикальное положение листа при рисунке стало для меня настолько привычным, что я воспринимаю его как само собой разумеющееся. И мне даже не приходило в голову, что многие рисуют, сидя за столом. У этого способа рисовать есть существенный минус, поэтому я решила ответить на вопрос здесь, на своем блоге.
Когда лист лежит перед вами горизонтально, то, что на нем нарисовано, вы видите в перспективе, то есть, искаженно.
Допустим, вы положили перед собой лист бумаги и рисуете на нем круг и квадрат (лист бумаги на столе изображен в перспективе):
То есть, вы думаете, что это круг и квадрат. А когда разворачиваете рисунок прямо, то оказывается, что нарисовано на нем вот что:
Ну, круг и квадрат — формы простые, привычные. Можно легко заметить ошибку и исправить. А если нарисовано что-нибудь посложнее, часто, глядя на законченный рисунок, возникает странное чувство, будто что-то не так, но вот что именно?
Или, к примеру вы рисуете портрет. Допустим, такой:
А когда вешаете портрет на стену, видите, что на нем изображен совсем другой человек (плюс, композиция съехала куда-то вниз):
И вы не можете понять, как же это произошло?
Это, конечно, не значит, что рисовать сидя за столом, нельзя. Но я бы советовала, во-первых, брать бумагу небольшого формата (не больше А4 — альбомного листа). Во-вторых, когда будете рисовать, время от времени ставить лист вертикально и смотреть, не поплыла ли форма. Тогда перспективных искажений вполне можно избежать.
Мольберт предпочтительнее для более-менее больших рисунков. Ну и для живописи, разумеется. Никому же не придет в голову натянутый холст положить на стол и так писать?
Мольберты бывают разные, но существенное отличие между ними одно: за одними мольбертами нужно рисовать сидя, за другими — стоя. Мне, как преподавателю, нравятся мольберты, перед которыми приходится стоять. И не потому, что я люблю мучить учеников. Просто, когда стоишь, удобнее отходить от работы и смотреть со стороны. Это тоже нужно для самопроверки. Дело в том, что расстояние между работой на мольберте и художником не больше полуметра, а ошибки часто видны только на расстоянии.
На каком расстоянии? Нужно, чтобы весь рисунок целиком попадал в поле зрения. Лучше всего он будет восприниматься на расстоянии, равном его 1,5-2 диагоналям. То есть, если вы пишете картину 50*70 см, у вас должна быть возможность отойти назад хотя бы на 1,5 (а лучше, 2) метра.
И третий вариант — если покупать мольберт дорого (или места в квартире для него не достаточно), а за столом рисовать неудобно, можно использовать планшет. В принципе, не обязательно нужен именно планшет, это может быть любая доска, лист фанеры, или даже просто книжка большого формата. В общем, что-то, к чему можно прикрепить лист.
Планшет по размеру должен быть больше, чем рисунок. Можно поставить его на колени, другой край опереть о край стола, и так рисовать — я последнее время в основном так и поступаю. И, аналогично, нужно время от времени ставить планшет вертикально и отходить, чтобы взглянуть на рисунок на расстоянии.
|
Для чего нужен ластик? |
Совсем не для того, чтобы стирать. Ластик художнику нужен для того, чтобы рисовать, как ни странно это звучит.
В начале работы над рисунком ластик не нужен вообще, как и в середине, по 2 причинам:
При этом идеально построить с первого же раза даже самый простой предмет, такой как куб, для новичка (и не для новичка) практически невозможно.
Как же быть в этой ситуации?
Ну, во-первых, не стирать. Все линии нужны, в том числе и неправильные — они в конечном итоге сольются и будут создавать тон. Для этого линии построения должны быть достаточно легкими и светлыми. Поэтому предварительный рисунок можно выполнять твердыми карандашами и без лишнего давления. Если линия кажется не на месте, не стирайте ее. Нарисуйте рядом еще одну, потом еще одну — до тех пор, пока не найдется точная. Ее можно выделить поярче, а остальные спрятать за штриховкой. Так найти правильную линию намного проще, чем стирая и рисуя каждый раз на чистом листе.
Во-вторых, существует альтернатива ластику — это формопласт. Он не стирает карандаш, а слегка облегчает общий тон, оставляя все линии и штриховку на своих местах. И что важно, в отличие от ластика, он не разрушает структуру бумаги.
Ластик нужен в тех случаях, когда нужно стереть что-то полностью, до цвета бумаги. То есть, для нанесения бликов и усиления контраста на завершающей стадии рисунка.
Чтобы рисовать ластиком, нужно его заточить. Но, конечно, не так, как карандаш. Ему нужна острая кромка.
Часть ластиков, которые можно встретить в магазинах, уже имеют такую кромку:
(та половина, что предназначена для стирания ручки, в рисунке не используется).
А часть не имеют:
Тогда канцелярским ножом можно разрезать его по диагонали. Острым уголком можно нарисовать и тонкую линию, и плоскость, в зависимости от того, какластик развернуть:
Чтобы понять, как рисует ластик, попробуйте сделать простое упражнение, «рисунок наоборот». Затонируйте лист мягким карандашом (заодно потренируетесь держать карандаш и отработаете штриховку). А потом нарисуйте что-нибудь с помощью ластика.
У меня получилось так:
рисунок ластиком
У меня это упражнение заняло минут 10, не больше. Как видите, ластиком можно даже выявлять полутона — все зависит от силы нажима. Правда, я не удержалась, и в конце все же слегка усилила тени карандашом — начальный тон оказался недостаточно темным.
Не забудьте подложить под ладонь листок бумаги, чтобы не растирать штриховку. А еще ластик пачкается графитом, и вместо белого тона можно случайно нарисовать пятно. Поэтому, время от времени нужно его чистить, то есть стирать лишний графит об стол или другой лист.
|
Цветовой круг. |
Цветовой круг — это схема, показывающая, как связаны между собой цвета видимого спектра. Таких схем в теории цвета существует множество. Первую модель цветового круга предложил еще Исаак Ньютон. Он состоял из семи секторов — как вы догадываетесь, это были 7 цветов радуги. Собственно, Ньютон и выделил эти цвета спектра как основные.
Очень ценной оказалась идея о непрерывности цвета, на цветовом круге можно наглядно видеть, как один цвет плавно переходит в другой.
Как видите, в цветовом круге отсутствуют черный и белый, то есть, ахроматические цвета, которые, строго говоря, цветами не являются. Это модель взаимодействия спектральных цветов.
Сейчас чаще всего художники и дизайнеры используют цветовой круг Иттена:
В основе модели лежат 3 основных цвета: красный, желтый и синий. Этих красок достаточно для получения всех остальных цветов спектра. Промежуточными красками будут оранжевый, зеленый и фиолетовый.
12-ступенчатый цветовой круг удобен для подбора гармоничных цветовых сочетаний из 2-х, 3-х или 4-х цветов.
Сочетания 2-х цветов:
Комплиментарные цвета — расположены на концах диаметра круга.
Предельно удаленная пара.
Сочетания 3-х цветов:
Классическая триада — цвета расположены на вершинах правильного треугольника, вписанного в цветовой круг.
Аналогичная триада — 3 ближайших друг к другу цвета.
Контрастная триада.
Сочетания 4-х цветов:
В этой схеме каждая пара цветов будет комплиментарной.
При использовании этих схем нужно учитывать количество цвета. Самый простой вариант — это взять один цвет за основу, а остальные использовать как дополнительные, в качестве акцентов. Также можно менять яркость — то есть разбавлять исходный цвет белилами. В общем, вариантов достаточно много.
Надо сказать, что круг Иттена будет правильным только в случае физического смешения красок — в живописи, полиграфии или промышленности. При смешивании световых лучей основными цветами будут красный, синий и зеленый (RGB). О различных вариантах смешивания цвета я напишу позже.
Круг — не единственная геометрическая модель спектра. Различные цветовые схемы могут накладываться на треугольники, призмы, даже на звезду. Сейчас нередко используется квадратные схемы — в них объединяются 2 модели получения цвета: CMYK и RGB. То есть, основными цветами будут красный, желтый, зеленый и синий. Сравните:
Ну и напоследок, схемы — это не железное правило, можно их использовать, а можно даже и не знать об их существовании и полагаться только на свой вкус. Все же восприятие цвета — вещь глубоко индивидуальная, и один и тот же цвет может казаться абсолютно разным, в зависимости от того, где и как он использован.
Если хотите узнать о цвете больше, можно почитать:
Искусство цвета | Иоханнес Иттен — эта книга была и остается одной из лучших книг по колористике.
|
