Я - фотографПлагин для публикации фотографий в дневнике пользователя. Минимальные системные требования: Internet Explorer 6, Fire Fox 1.5, Opera 9.5, Safari 3.1.1 со включенным JavaScript. Возможно это будет рабо
ОткрыткиПерерожденный каталог открыток на все случаи жизни
СтенаСтена: мини-гостевая книга, позволяет посетителям Вашего дневника оставлять Вам сообщения.
Для того, чтобы сообщения появились у Вас в профиле необходимо зайти на свою стену и нажать кнопку "Обновить
Программа телепередачУдобная программа телепередач на неделю, предоставленная Akado телегид.
Всегда под рукойаналогов нет ^_^
Позволяет вставить в профиль панель с произвольным Html-кодом. Можно разместить там банеры, счетчики и прочее
Создававшиеся на протяжении полутора десятков лет циклы клавирных сонат Моцарта принято по месту их сочинения или издания называть «мюнхенскими», «мангеймскими», «парижскими», «венскими». Сонаты в ту пору не считались подлинно концертным жанром: Моцарт чаще играл в академиях (так именовались открытые концерты) вариации и фантазии.
🎼 СТАС НАМИН. 🎼 СИМФОНИЧЕСКАЯ СЮИТА «ОСЕНЬ В ПЕТЕРБУРГЕ» 🎼
8 ноября 2021 года исполнилось 70 лет
Стасу Намину (Анастасу Алексеевичу Микояну)
К музыке Стас оказался приобщен с раннего детства. Его мать Нами Микоян – музыкант, искусствовед и писатель, в гостях у нее бывали Д. Шостакович, А. Хачатурян, М. Ростропович, Л. Коган, А. Шнитке, Г. Канчели, Г. Свиридов и другие известные музыканты и деятели искусств. Первым учителем музыки у Стаса был композитор Арно Бабаджанян.
Стас Намин – заметная фигура на небосклоне альтернативной российской культуры второй половины ХХ века: советский и российский певец, композитор, кинорежиссер, продюсер, фотограф, художник, театральный деятель, основоположник российского рок-движения и организатор рок-фестивалей, бессменный лидер и автор многих хитов групп «Цветы» и «Парк Горького», однако в последние десятилетия его музыкальное творчество все более концентрируется на экспериментах в симфонической музыке.
В конце девяностых созданный им Московский симфонический оркестр записал первые пять частей его симфонической сюиты «Осень в Петербурге». Все части симфонической сюиты были написаны Стасом Наминым в разное время. Первые были написаны еще в начале 80х, затем несколько частей было написано в 90х и последние части были написаны Наминым в 2000-х.
Полностью сюита была исполнена в Москве в Доме музыки 10 ноября 2011 года на творческом вечере Стаса Намина, посвященном его 60-летию.
Камерный оркестр Москвы «Русская филармония».
Дирижер Владимир Рыжаев.
История литовского музыкального и художественного искусства неразделимо связана с именем Чюрлёниса. Он - не только самый известный в мире литовский композитор и художник, но и личность, оказавшая значительное влияние на творческую мысль всей Литвы двадцатого века.
В городе Друскининкай, в окружении прекрасной природы и любящей семьи, Чюрлёнисом создавалась немалая часть знаменитейших картин и музыкальных опусов.
В цикле "Двенадцать романсов", ор. 21, можно отметить два основных типа произведений, характерных для вокальной лирики Рахманинова. К одному из них относятся светлые, созерцательные пейзажно-лирические зарисовки, большей частью краткие, лаконичные по объему и манере письма; другой составляют развернутые драматические монологи с контрастным развитием и детализированной по выражению декламационной вокальной партией.
Раньше других произведений, вошедших в ор. 21, был написан романс «Судьба» на слова А. Н. Апухтина. Если не считать некоторых ранних работ консерваторского периода, то это был первый опыт Рахманинова в овладении декламационным вокальным письмом. Создание этого романса, посвященного Шаляпину, которым он преимущественно исполнялся в первое время, было несомненно подсказано дружбой композитора с великим певцом.
С. В. Рахманинов у рояля, начало 1900-х годов, ему 27 лет. Как раз в это время был написан романс "Судьба"
Антонио Вивальди – талантливый скрипач, композитор, дирижер, священнослужитель и педагог. Он создал более 90 опер и 500 роскошных концертов для оркестра и соло инструментов.
Его прозвали «рыжий поп», За ним в доглядку инквизитор.
Вивальди, впрочем, хоть потоп… Он - бог- скрипач и композитор.
Контрастен: слабый и больной, Подвижный и взрывной, как порох.
Стопа молитв в руке одной, В другой - творений целый ворох.
В них солнце, лёгкость, чистота, Души Антонио движенье.
Лавины звуков красота, Всё - сердца мастера биенье….
Алевтина Зайцева
Будущий скрипач родился в Венецианской республике 4 марта 1678 года в семье Джованни и Камиллы Вивальди. Его отец был музыкантом и цирюльником. Такое странное сочетание в те времена было обычным явлением – в обязанности цирюльника входило не только подстригание и бритье клиентов, но также их музыкальное развлечение. Он передал сыну мастерство игры на скрипке и безупречный слух. Точная дата рождения Вивальди была установлена по особым обстоятельствам. Мальчик был недоношенным, так как родился на седьмом месяце. Существует легенда, что в тот день в Венеции было землетрясение, и это событие спровоцировало преждевременные роды. Мать пообещала, что если сын будет жить, то станет священником. Антонио сумел выжить, но отличался хрупким телосложением и слабым здоровьем. При таких ограничениях скрипка стала для Антонио настоящей отрадой. Уже в десятилетнем возрасте Вивальди начал играть в капелле Св. Марка, выполняя обязанности отца. Только один раз он отслужил мессу, но был освобожден от этой обязанности из-за плохого здоровья. Юноше позволили заниматься исключительно музыкой. Вивальди начал преподавать игру на скрипке в 25 лет. Он трудился в консерватории «Ospedale della Pietà». Консерваториями в то время назвались монастырские школы-приюты, где учились дети бедных и сироты. Композитор работал в школе-приюте в течение 1703 – 1740 годов. Вивальди активно трудился, лишь для приюта сочинив более 60 различных творений.
Испанский скрипач и композитор Пабло де Сарасате и его произведения
Пабло де Сарасате — испанский скрипач и композитор. Сарасате родился 10 марта 1844 года в Памплоне (Наварра) в семье военного капельмейстера и очень рано проявил музыкальные способности. Обучаться игре на скрипке начал с пяти лет под руководством отца, а уже три года спустя дал первый публичный концерт в Ла-Корунье. Общество проявило к юному виртуозу неподдельный интерес, и с финансовой поддержкой одной из местных графинь он смог начать обучение в Мадриде, где вскоре выступил в присутствии королевы Изабеллы.
✨ Сергей Рахманинов. Его виртуозность, творческое величие и жизненная история изменили музыкальный мир.
В 2023 году отмечается 150-я годовщина со дня рождения великого композитора и пианиста. Давайте рассмотрим, как его виртуозность, творческое величие и жизненная история изменили музыкальный мир.
1.Огромный талант и ранняя трагедия
Родившись 1 апреля 1873 года в русской аристократической семье, талант пианиста-Рахманинова был признан и воспринят рано. Однако это было также время, отмеченное трагедиями, смертью двух его сестер в формирующие его годы. После потерь в семье бабушка со стороны матери Сергея начала помогать в воспитании детей. Она часто водила молодых музыкантов на службы в православную церковь. Именно здесь он впервые столкнулся с православными церковными песнопениями и звуками церковных колоколов, да и вообще, стал как верующим человеком. Тема смерти и страх перед ней, а также звук пения и колоколов – это две темы, которые пронизывают всю жизнь композитора, навсегда меняя его и поглощая. Читать далее
История одной песни: "Школа танцев Соломона Шкляра (Пляра... Фляра... Кляра)"
"Танцы — это вертикальное воплощение горизонтального желания"
Популярная в советские времена песня-анекдот донесла до нас неповторимую атмосферу танцулек, которыми наслаждались продвинутые наши земляки еще сто лет назад.
Аркадий Северный - Школа танцев
Наши предки всегда были к танцам неравнодушны. Но языческие танцы у костра не считались чем-то диковинным, поскольку история еще раньше знала о пиррических (военных) танцах, служивших обязательной частью представлений греческого античного театра, религиозных празднествах в Ассирии и Египте, танцах в честь Аполлона, Вакха и других богов.
Пышные балы в Царском (Мариинском) дворце, залах бывшего купеческого собрания и Института благородных девиц в Киеве, как и нынешние, венские балы в оперном театре столицы Украины, тоже вряд ли затмевали и затмевают подобные действа в других столицах мира.
А вот школа танцев Соломона Шкляра, где избавляли от природной неуклюжести и обучали азам пластики, оказались единственной в своем роде.
Одесситы даже тщились доказать, что эта школа существовала не в Киеве, а в их городе. Но архивы опровергали эти попытки приписать сугубо киевскому явлению одесский адрес.
ГЕРОЙ С НОЖНИЦАМИ
Парикмахер Соломон Исаакович Шкляр жил на Большой Васильковской, 10, в доме, принадлежавшем Генриху Генриховичу Пфалеру, а стриг и брил на Бибиковском бульваре, 5. Наводя лоск на кавалеров с помощью ножниц и расчески, а также одеколона, который он закупал у своего приятеля Фридриха Пульса на Подоле. Зоркий Соломон обратил внимание, во-первых, на угловатые манеры киевлян среднего сословия, а во-вторых, на то, что у многих из тех, кому уже по возрасту было неловко слоняться по тому же Бибиковскому, просто негде познакомиться с барышней для серьезных взаимоотношений.
И Шкляр открыл школу танцев по тому же адресу, что и жил, на Большой Васильковской, 10!
210 лет со дня рождения Джузеппе Верди (1813–1901)
Джузеппе Верди – выдающийся итальянский композитор, автор 26 опер. Он был необычайно трудолюбивым и скромным человеком и обладал прекрасным чувством юмора.
Лучше всего о себе рассказал сам Верди.
«Родившись бедным в бедной деревне, я не имел средств получить настоящее образование: мне поставили под руки жалкий спинет, и через некоторое время после этого я стал писать ноты; ноту за нотой — и ничего другого, кроме нот!! Вот и всё»
Джузеппе Верди родился в глухой итальянской деревушке Ле Ронколе близ Буссето в семье деревенского трактирщика и пряхи. Мальчик Пеппино (так в детстве называли будущего композитора) мечтал заниматься музыкой. Он не мог без волнения слышать звуки уличной скрипки или церковного органа. Отец раздобыл для сына поломанный спинет, и юный Верди стал учиться музыке у церковного органиста.
Играя на инструменте, Джузеппе случайно нашёл на клавиатуре аккорд, который ему очень понравился. Однако повторить его на следующий день не получилось: он был безвозвратно утерян. Мальчик обиделся, взял молоток и стал с яростью бить им по клавишам. Зная о хороших способностях Верди, соседский мастер бесплатно починил разбитый спинет, сохранившийся и сегодня. Композитор завещал его основанному им Дому престарелых музыкантов в Милане.
✨ «We Are the World» — этой легендарной песне 38 лет
«We Are the World» — композиция, написанная в 1985 году Майклом Джексоном и Лайонелом Ричи, и записанная группой известных музыкантов USA for Africa (United Support of Artists for Africa), созданной по инициативе певца Гарри Белафонте специально для записи этого проекта. 7-го марта 85-го, эта запись увидела свет. К лету того года сингл стал четырежды платиновым, а клип, бесплатно снятый Говардом Мэлли и Крейгом Голином, посмотрели три миллиарда человек во всём мире.
Проект являлся благотворительным: средства собранные от записи этой композиции в размере $61.800.000 были направлены на закупку и доставку медикаментов, продовольствия, оказания медицинской и гуманитарной помощи голодающим в Эфиопии 1984—1985 годов.
МЫ — МИР
Настает время,
Когда мы слышим призыв,
Чтобы мир стал единым целым.
Люди умирают,
Пришло время, чтобы протянуть руку к жизни –
Величайшему дару на земле.Мы больше не можем
Притворяться каждый день,
Что кто-то где-то вот-вот изменится.
Мы все – часть
Большой, великой Божьей семьи,
И правда в том, что любовь – все, что нам нужно.Мы – мир,
Мы дети,
Мы те, кто делает день ярче,
Так давайте же начнем отдавать.
Мы делаем выбор,
Мы спасаем свои собственные жизни.
Но это так – мы сделаем день лучше,
Только ты и я.Поделись своим сердцем —
Они узнают, что кто-то о них заботится,
И их жизни станут сильнее и свободнее.
Как Бог показал нам, превратив камень в хлеб,
Мы все должны протянуть руку помощи.Мы – мир,
Мы дети,
Мы те, кто делает день ярче,
Так давайте же начнем отдавать.
Мы делаем выбор,
Мы спасаем свои собственные жизни.
Но это так – мы сделаем день лучше,
Только ты и я.
Когда ты беспомощен,
Кажется, что нет никакой надежды.
Просто поверь –
И ты не потерпишь поражение.
Давайте поймем:
Только тогда все изменится,
Когда мы объединимся
Мы – мир,
Мы дети,
Мы те, кто делает день ярче,
Так давайте же начнем отдавать.
Мы делаем выбор,
Мы спасаем свои собственные жизни.
Но это так – мы сделаем день лучше,
Только ты и я.
Нам кажется, что этот призыв как нельзя лучше относится и к трагическим реалиям сегодняшнего дня, которые сейчас переживает наша планета.
Леонард Бернстайн, выдающийся американский композитор, пианист и дирижер.
Началу его блистательной карьеры помог счастливый случай. Прославленный Бруно Вальтер, который должен был выступать с Нью-Иоркским оркестром в "Карнеги-Холл", внезапно заболел, поэтому за дирижерский пульт пригласили начинающего ассистента. Проведя всю ночь за изучением партитур, Бернстайн без единой репетиции прекрасно справился с задачей. Через несколько недель молодой дирижер был завален приглашениями из разных оркестров страны.
Демис Руссос - один из самых известных исполнителей Греции, обладатель необычного тенора завоевал сердца многочисленных поклонников талантом и умением красочно оформлять свои шоу-выступления. Певец оставил после себя уникальное музыкальное наследие, которое будет жить, пока среди людей звучит его голос.
Concerto Grosso ("Большой концерт") HWV 312-17 Георга Фридриха Генделя
"Было бы жаль только развлекать слушателей. Я хотел сделать их лучше"
Георг Фридрих Гендель
Полна прелести и неиссякаемой свежести оркестровая музыка Генделя. Concerti grossi («большие концерты») составляют ее основную массу. Впервые concerti grossi появились в Италии. Основоположником этого жанра светской инструментальной музыки считается один из крупнейших итальянских композиторов, скрипач-виртуоз Арканджело Корелли.
Типичный признак «большого концерта» заключается в том, что солирует, концертирует здесь не один инструмент, а группа однородных инструментов или несколько солистов, несколько разных концертирующих инструментов.
Наибольшую популярность приобрели 12 concerti grossi op. 6, появившиеся в конце 30-х годов в самый разгар артистической деятельности Генделя. В этих произведениях неисчерпаемы фантазия и изобретательность. Свободно сплетаются и чередуются вдохновенные лирические образы с возвышенной патетикой, героика и помпезность с искрящимся весельем, тонкий юмор с танцевальными образами.
Вершина инструментального творчества Генделя — его Concerti grossi.
«Большие концерты» Генделя принадлежат к великим сокровищам оркестровой музыки XVIII века.
Пусть музыка в душе твоей звучит,
Притягивая свет и теплоту.
И собирает множество друзей,
Творящих вместе добрую мечту.
Разгребал в очередной раз свои архивы и наткнулся на записи о музыке. Рассказывая о физике, на лекциях я не мог обойтись без влияния музыки на человека.
Слово Музыка происходит от слова муза, что по-гречески μοῦσαι — «мыслящие». Музы - это дочери бога Зевса и титаниды Мнемосины, либо дочери Гармонии, живущие на Парнасе богини — покровительницы искусств и наук.Это искусство интонации. С точки зрения акустики интонация — взаимосвязанные изменения частоты основного тона и интенсивности, развёртывающиеся во времени. Акустические параметры воспринимаются как модификации мелодического движения (выше/ниже, плавно/резко), мелодического диапазона (шире/уже), громкости (слабее/сильнее), темпа речи (быстрее/медленнее). Регулярности воспроизведения этих модификаций создают ритм. Музыкальное интонирование связано с психо-физиологическим состоянием людей, со словом, пластическим движением. Возникает понятие музыкальный строй. Звуковысотность, зафиксированная в музыкальном строе, предполагает развитие слуховых навыков (музыкальный слух), особой музыкальной памяти, удерживающей положение звука в высотном диапазоне, относительно других звуков.
Журнал Time собрал самые интересные и неожиданные результаты реальных исследований, показывающие, как музыка влияет на личность человека и на нашу жизнь в целом.
1. Музыкальные вкусы общества меняются в зависимости от социально-экономического уровня. В тяжелые кризисные времена в топ чартов выходят смысловые песни, более длинные и спокойные, более медленные и романтичные. По музыкальным пристрастиям можно даже предсказать состояние рынка: ожидая трудностей, общество выбирает песни попроще. И наоборот.
2. За последние 25 лет песни стали более «нарциссическими»: в текстах все больше слов, относящихся к своему «я», и все меньше тех, что описывают взаимодействие и позитивные эмоции («говорить», «делиться», «любовь» и т.п.) При этом практически все песни, занимающие первые строчки в чартах, содержат «репродуктивный посыл» - проще говоря, связаны с сексом.
3. А этим знанием давно и успешно пользуются владельцы баров и ресторанов. Во-первых, чем громче музыка, тем быстрее посетители осушают свои кружки и тем чаще заказывают новые. Во-вторых, там, где играет джаз или классика, люди наверняка потратят на еду больше денег, чем в ресторане с легкой музыкой или вовсе без нее.
4. Музыкальные вкусы могут многое рассказать о личности. Например, вдумчивую и сложную музыку (блюз, джаз, классику и фолк) предпочитают эмоционально стабильные люди, открытые к новому опыту, с интеллектом выше среднего и «хорошо подвешенным языком». К «попсе» тяготеют люди приятные и общительные, но не такие уж открытые и часто консервативные. А рэп, хип-хоп, фанк и электроника увлекают людей, которые ничего не таят за душой и отличаются либеральными взглядами. И, кстати, о либералах: их музыкальные предпочтения в принципе намного разнообразнее, чем вкусы консерваторов (что вполне ожидаемо).
5. Хорошая музыка помогает переносить боль и снижает чувство тревоги. Когда вы слушаете песню, мелодия влияет на ваше эмоциональное восприятие больше, чем слова. Какими бы они ни были.
Очень интересно всегда было рассказывать на лекциях о стоячих волнах и биениях в музыке.
Музыка воздействует на человека.
Все мы прекрасно помним, что организм человека состоит на 2/3 из воды. Это средний показатель. В действительности воды в организме может быть от 50% до 75% и наше здоровье напрямую зависит от качества этой воды. Качество – это, конечно же отсутствие вредных примесей, но не только! Одна из важнейших характеристик воды – ее энергетический заряд. Вода обладает памятью. Проведенные японским исследователем Масару Эмото эксперименты доказали, что если на воду воздействовать, например, музыкой, то в замороженном виде ее кристаллы будут тем совершеннее, чем выше положительный заряд музыки.
Вода нашего организма закодирована нашими мыслями, настроениями, поступками и эмоциями. В зависимости от полученного этой водой кода, мы либо комфортно себя чувствуем, либо ощущаем дисгармонию, переходящую в болезнь. Водой, закодированной положительными вибрациями, можно перекодировать воду нашего организма, а значит и скорректировать как ощущения так и поведение человека.
Музыка - это поток энергии. Он управляет нашими эмоциями, разумом, настроением. Музыка - это сила, которую можно употребить как во благо, так и во зло. Она является фактором, задающим направление развития цивилизации. Музыка, которая искажает гармонию звука и ритма самой жизни, - рок-музыка, джаз, ритмы вуду, блюз, - медленно, но неотвратимо разрушают человека - его психику, нравственность, душу, ум, чувства, тело...
Мир наполнен звуками.
Мы живём в мире, наполненном звуками, звуками слышимыми и неслышимыми, тихими и громкими, необычными и знакомыми, музыкальными и шумовыми, хаотичными и упорядоченными, звуками успокаивающими и раздражающими, целебными и подрывающими здоровье.
С древних времён люди использовали звук для получения информации об окружающем мире, для общения между собой.
Ещё находясь в утробе матери, человек слушает её сердцебиение, слышит её голос и музыку, сам издаёт приглушённые звуки.
Звук возникает в результате колебательного движения частиц и объектов: мельчайших, таких как атомы и электроны, и гигантских, таких как планеты.
Он представляет собой универсальную могущественную невидимую силу, способную вызывать как благоприятные (радость, вдохновение, исцеление, расслабление, умиротворение ...), так и разрушительные (раздражение, дезориентация, угнетение, опустошение, заболевание и даже гибель) изменения.
Музыкальные звуки
Музыкальные звуки выделяются среди других звуков тем, что их частоты связаны между собой определёнными пропорциями (гармониками). Эти же пропорции можно наблюдать во всём многообразии природных явлений от развития клетки и растений до движения планет вокруг Солнца, и в рукотворном мире - в архитектуре, искусстве, математике.
Музыкальные звуки, образующие музыкальное произведение, подчинены определённому ритму.
Известные ритмы 4/4, 2/4, 3/4, 6/8 ... имеют прямое соответствие ритмам жизненных процессов человека.
Почему музыка оказывает сильное воздействие на человека?
Человека можно сравнить с очень сложным уникальным и тонко настроенным музыкальным инструментом. Каждые атом, молекула, клетка, ткань и орган тела постоянно излучают частоты физической, эмоциональной, психической и духовной жизни.
Соответствие частот музыкальных звуков структурному строению тканей и органов человека, а музыкального ритма - ритмам процессов его жизнедеятельности приводит к тому, что музыка оказывает по принципу акустического резонанса очень глубокое и многостороннее воздействие практически на все функции в теле человека (кровообращение, пищеварение, дыхание, внутреннюю секрецию, деятельность нервной системы и мозга...), а также на эмоции, желания, чувства.
Когда звуковые волны проникают в тело человека, в его клетках возникают симпатические колебания. Высокое содержание в тканях воды помогает передавать звук. Общий механический эффект при этом можно сравнить с глубоким массажем на атомном и молекулярном уровнях.
Можно отметить, что на организм человека музыка оказывает как прямое воздействие (воздействие звука и ритма на клетки, органы, функциональные процессы), так и через воздействие на эмоции, которые в свою очередь влияют на множество физиологических процессов.
Нравственное начало в музыке
Музыка является универсальным человеческим языком. Она способна обходить логические и аналитические фильтры сознания и устанавливать прямой контакт с проникновенными чувствами из глубин души, памяти и воображения. Поэтому уважение к жизни и чувство моральной ответственности - необходимые предпосылки для сочинения, исполнения и использования музыки.
В древней Греции и Риме музыка, несущая здоровое начало, тщательно отбиралась для сохранения здоровья, чистоты и твёрдого характера. Пифагор, Платон, Аристотель считали музыку незаменимой для здоровья души, морали и расцвета культуры.
Какая музыка делает нас лучше?
Музыка, в которой звуки, ритм и музыкальный рисунок подчинены законам гармонии, оказывает благотворное воздействие на здоровье и развитие человека: гармонизирует мир чувств, исцеляет тело, наполняет энергией, силой; даёт пищу душе - духовные впечатления; воздействует на интеллект и мозг, улучшая память и ускоряя процесс обучения; продлевает жизнь.
Примером такой музыки является классическая музыка.
Великие композиторы всегда чувствовали связь между музыкой и нравственным, физическим и духовным здоровьем человека. Гендель не раз говорил, что он не хочет развлекать слушателей своей музыкой, он хочет «сделать их лучше».
Другой пример музыки, обладающей мощным гармонизирующим действием и большой исцеляющей силой, - древние мантры, песнопения, бажаны. Они являются живым чудодейственным наследием для нас и будущих поколений.
Музыкой, оказывающей благотворное воздействие на душу человека (её развитие, мир, гармонию, освобождение), является истинная народная музыка.
Воздействие искаженных звуков и ритмов на человека
Звук и ритм - фундаментальные понятия и основа мироздания.
Порядку и развитию живых систем соответствуют точные математические формулы ритмов.
Классические ритмы 4/4, 2/4, 3/4, 6/8 ... соответствуют этим формулам. Музыкальные стили, использующие эти ритмы содействуют жизненным процессам, восстановлению порядка, развитию.
Произведения музыки, которые искажают звук или не сохраняют эти ритмы (искажённая музыка), постепенно разрушают «настройку» тонкого и сложного «инструмента», которым является человек, приближая его к смерти духовной (деградации) и физической.
Первоначальное воздействие такой музыки воспринимается как насилие и искажение. Но по мере того, как под её воздействием разрушается эта тонкая и точная «настройка» человеческого организма на ЖИЗНЬ и РАЗВИТИЕ, человек утрачивает различение хорошего и плохого и перестаёт сопротивляться ей, приобретая плохую привычку. Удовольствие, которое он получает от этой музыки, не возвышает человеческое сознание, но ввергает в пучину животных чувств и страстей, агрессии, злобы, нигилизма, наркотиков, алкоголя, никотина, сахара; безответственных сексуальных отношений; убийства нерождённых детей.
Результатом воздействия рок-музыки на человека является полное физическое и духовное опустошение. Для рок-звёзд становится возможным жить только за счёт энергии, которую им отдают их жертвы-поклонники, одобряя, слушая, аплодируя, отдавая свое внимание.
В книге “Тайная сила музыки” Дэвид Тейм утверждает, что нет ни одной функции в человеческом теле, на которую не оказывала бы влияния музыка. “Исследование показало, что музыка воздействует на пищеварение, внутреннюю секрецию, кровообращение, питание и дыхание… Музыка действует на тело двумя различными путями: прямое воздействие, т.е. влияние звука на клетки и органы, и косвенное – через воздействие на эмоции, которые, в свою очередь, влияют на множество процессов в теле человека”.
Музыка – это сила, которую можно употребить как во благо, так и во зло, и которая является фактором, задающим направление развитию цивилизации. Аристотель сказал: “Всегда нужно остерегаться введения нового типа музыки как возможной опасности для всего государства, так как изменение стиля музыки всегда сказывается на важнейших аспектах политического уклада”.
К чему, к какой музыке мы придем в будущем? Перед нами встает серьезное испытание. Это испытание для каждого из нас – призвать музыку сфер и поддерживать внутреннюю гармонию. Источники музыки, открытые великими композиторами прошлых веков, остаются источниками многообразных музыкальных форм будущего.
Что делать, если наши дети слушают рок-музыку? Вот что советует психолог д-р М. Бэррик:
“Это делают все подростки: отделяются, чтобы стать личностями, расправляют крылья, стремятся найти общий язык с приятелями и выясняют границы родительской власти.
Обсуждайте всей семьей, что для вас значит ваша любимая музыка и песни. Спрашивайте ваших детей, что они думают о возможном воздействии нигилистических текстов песен и рваных ритмов на мысли, чувства и духовность. Слушайте их с уважением и открытым сердцем. Их музыкальный выбор открывает дверь в их внутренний мир. Поощряйте их рассказывать о своих чувствах. Но если вы не хотите, чтобы в вашем доме звучала рок-музыка, это ваше право как родителя”.
Немного поговорим о гармонии
Гармония в музыке одно из самых важных понятий. Как и в любом другом искусстве, гармония в музыке предполагает сочетание и единство всех её элементов. В переводе с древнегреческого, гармония означает – порядок, строй, слаженность, стройность.
Гармонией обычно называют благозвучное сочетание всех компонентов музыкального произведения – аккордов, интервалов, ладов и пр.
Гармония в музыке имеет схожее значение с гармонией в жизни. Гармония есть во всём. Это слово часто используется в моде, архитектуре, живописи и, конечно же, в музыке.
Гармония означает целостность, благозвучность, сочетание, складность, сообразность.
Ноты преобразуются в звуки, затем возникают тоны, аккорды, рождается произведение. Человеку, который не занимается тщательным изучением музыкального устройства, достаточно сложно определить степень сочетания всех элементов. На слух идет восприятие мелодии и мотива. Трагический, романтический, комедийный жанр произведений... Посредством тесной связи звуков передается настроение, душевные переживания героев или автора, который все переживает.
Интересно отметить, что Пифагор был не только математиком и философом, но и теоретиком музыки. Он занимался поисками музыкальной гармонии, поскольку верил в то, что такая музыка необходима для очищения души и врачевания тела и способна помочь разгадать любую тайну. Однажды, проходя мимо кузницы, Пифагор случайно услышал, как удары молотов создают вполне определенное созвучие, и после этого занялся экспериментами, пытаясь найти соотношения между высотой тона и числами. С помощью чаши с водой и однострунной арфы он изучил взаимосвязь между уровнем воды и длиной струны и обнаружил, что половина длины струны поднимает ноту на одну октаву вверх. Восемь звуков — до, ре, ми, фа, соль, ля, си, до — древнейшая музыкальная гамма. В наши дни темперированная гамма включает в себя двенадцать нот, включая диезы и бемоли, но в основе ее лежит изобретение, за которое мы должны благодарить Пифагора. Существует предположение, что Пифагоров строй — его гамму — усовершенствовал Архит, но и в античной Греции, и в эпоху Возрождения гамму из восьми звуков называли Пифагоровой диатонической гаммой.
Пифагорова теория музыки достигла даже небес. Пифагор разделял представление о сферичности мироздания и при этом первым назвал Вселенную «космосом». В те времена помимо Земли, Луны и Солнца были известны только Меркурий, Венера, Марс, Юпитер и Сатурн. Но еще Пифагор предположил существование «анти-Земли» и при этом выделял 10 небесных тел. Разумеется, это утверждение было тогда чисто теоретическим: число «10» для него символизировало гармонию Вселенной. Позже он увлекся идеей «музыки сфер», стремясь связать консонантные (гармонические) звуки с планетарными сферами. Он исходил из того, что интервал в пространстве между планетами — тот же, что и шкала высоты музыкального звука. Каждая планета, двигаясь с постоянной скоростью, проходит определенное расстояние, создавая звук. По мере того как расстояние планет от центра увеличивается, а вращение планет ускоряется, звук становится выше. Именно так Пифагор представлял себе музыку, которая звучит по всей Вселенной. О влиянии музыки на человека с древности было хорошо известно многим ученым, однако на связь музыки и чисел первым указал именно Пифагор.
Пифагор утверждал, что «музыка очень благотворно действует на здоровье, если заниматься ею подобающим образом». Поэтому пифагорейцы, «отходя ко сну,... очищали разум от дневного смятения и шума определенными песнями и особого рода мелодиями и этим обеспечивали себе спокойный сон с немногими и приятными сновидениями». Однажды Пифагору удалось унять гнев пьяного разбуянившегося юноши просто тем, что он велел флейтисту сыграть торжественную мелодию. Тем самым философ не только открыл целый ряд музыкальных эффектов, но и нашел им практическое применение в учебе и медицине.
Можно смело говорить о том, что гармония души – музыка в любом ее проявлении.
Посмотрите этот фильм, а потом мы поговорим о таком явлении, как КИМАТИКА
Что такое КИМАТИКА?Зарождение жизни звуком
Экстрасенс Эдгар Кейс назвал звукотерапию медициной будущего. Звук уже довольно широко применяется в лечебных целях — а значит, будущее, предсказанное Кейсом, уже не за горами. Исцеление происходит, когда разум и тело человека сливаются в общей гармонии. В этой главе мы рассмотрим разновидности звукотерапии, основанные на использовании обертонов и резонанса. Хотя звук наделялся целебными функциями ещё с древних времён, его применение в качестве инструмента врачевания ограничивалось рамками религиозных и эзотерических традиций. Однако в последнее время терапевтические свойства звука начали привлекать внимание научной и медицинской общественности. Возникли даже специальные организации, такие как Международное общество развития звукотерапии и ассоциация «Медицина и искусство», объединившие врачей, ученых и других специалистов в области звуколечения.
РЕЗОНАНС В МЕДИЦИНЕ
В основе всех известных мне видов звукотерапии лежит принцип резонанса. Как вы, вероятно, помните, «резонансной частотой» называется частота колебаний, присущая объекту от природы. Все в нашей вселенной пребывает в состоянии вибрации, в том числе и тело каждого из нас. Каждый орган, каждая кость и ткань обладает «здоровой» резонансной частотой. Если эта частота изменяется, орган начинает выбиваться из общего гармоничного аккорда, что и влечет за собой болезнь. Болезнь можно излечить, определив верную, «здоровую» частоту органа и направив на него волну этой частоты. Восстановление природной частоты в органе означает выздоровление.
«КИМАТИК-ТЕРАПИЯ»
Одним из первопроходцев в области звукотерапии стал английский остеопат, доктор медицины Питер Гай Мэн-нерс. С 1961 г. он занимался изучением воздействия звука на структуру человеческого тела и протекающие в нем химические процессы. Доктор Мэннерс ознакомился с результатами опытов доктора Йенни (который, как вы помните, изучал формообразующие свойства звуковых волн) и стал его последователем. Он изобрел электронный прибор, получивший наименование «Кимаскоп», и разработал методику так называемой «киматик-терапии». На протяжении более двадцати лет доктор Мэннерс с помощью «киматика» исцелял самые разнообразные болезни. Исходя из предпосылки, что болезнь вызывается сбоем резонансной частоты, он начал вычислять частоты, соответствующие здоровому уровню вибрации различных частей организма.
«В здоровом органе, — пишет доктор Мэннерс, — все молекулы имеют одинаковую структуру и гармонично взаимодействуют друг с другом. Если же в орган внедряется неверная частота, эта гармоническая взаимосвязь нарушается. Может случиться, что инородная вибрация окажется недостаточно мощной и природной частоте удастся пересилить её. Но более мощная вибрация может распространиться на весь орган, кость, ткань и так далее. Можно, однако, укрепить больной орган, направив в него волну, частота которой совпадает с его природной частотой. Захватчик будет нейтрализован, и в органе восстановится прежний уровень вибрации. Это должно повлечь за собой выздоровление».
Гармоники, производимые Кимаскопом, подвергаются компьютерной обработке — сводятся в таблицу и реконструируются, — после чего скорректированная частота направляется в поражённую зону. Гармоники Кимаскопа состоят из пяти разных частот, которые, по расчётам доктора Мэннерса, способны оказывать на человеческий организм наиболее мощное целительное воздействие. Звуки Кимаскопа принципиально отличаются от вокальных гармоник, которым посвящена эта книга: они создаются электронным прибором, и каждый из них представляет собой чистый тон. Тем не менее эти тоны являются гармониками эталонных частот человеческого организма, отделёнными от этих частот на такое количество октав вверх или вниз, чтобы их могло воспринять человеческое ухо. Эталонная частота (которая может находиться в диапазоне как инфра-, так и ультразвуковых частот) выступает в данном случае основным тоном по отношению к тонам-гармоникам, создаваемым Кимаскопом. Тоны эти составляют с основным тоном интервал в одну или более октав. Именно поэтому к ним и применяется термин «гармоники».
Компьютерная память Кимаскопа содержит тысячи составных гармоник, призванных возвращать поражённое болезнью тело в здоровое состояние. Каждому органу и каждому заболеванию соответствуют особые частоты.
Особыми же частотами лечатся психические расстройства. Вот лишь неполный перечень болезней, от которых избавляет Кимаскоп: анемия, астма, колит, запор, диабет, экзема, глаукома, порок сердца, различные виды грыжи, болезни почек, рассеянный склероз, ишиас, сонная болезнь, сифилис и тонзиллит. Если теория резонансной терапии верна, то звук может стать настоящей панацеей, лекарством практически от любого заболевания. «Киматик-терапия» — это лишь одна из множества новоизобрётенных звукотерапевтических методик. Эти разновидности целительства уже успели приобрести значительную популярность, однако для официального признания в медицинском сообществе им не хватает научного обоснования. Дело в том, что проведение необходимых исследований занимает много времени и требует значительных финансовых затрат, то есть помощи спонсоров. А организации крайне неохотно выделяют средства на разработку непроверенных методик, и круг, таким образом, замыкается.
И все же нехватка средств на научные изыскания не мешает звукотерапии снова и снова демонстрировать свою эффективность. Я беседовал со многими людьми, на себе испытавшими целительное воздействие звука. Кроме того, мне неоднократно приходилось собственными глазами наблюдать случаи исцеления под воздействием звука, в особенности вокальных гармоник (о чем вы прочтете подробнее в главе «Обертональное пение»).
К сожалению, пока ни один из этих случаев не удалось зафиксировать на видео. Но мне хочется верить, что огромный целительный потенциал, заложенный в звуке, в ближайшем будущем перейдет в разряд научно доказанных фактов. По моему мнению, исследователи должны сосредоточить внимание не на поиске доказательств эффективности звукотерапии, а на раскрытии механизмов этой эффективности. И я уверен, что в процессе таких исследований на первый план непременно выйдет феномен резонанса. В своей первой беседе с доктором Мэннерсом я спросил, каким образом ему удалось составить диапазон частот «ки-матики». Доктор ответил, что большинство из них были вычислены и рассчитаны научным путём, остальные же результаты были получены при помощи приборов, применяемых в радионике. Радионика исходит из предпосылки, что любое вещество излучает энергию — не просто обычную магнитную или электрическую, а энергию, проявляющуюся на тончайших, скрытых уровнях вибрации. Для выявления этой энергии применяются особые маятники, которые, реагируя на неё, начинают раскачиваться. При помощи подобных приборов исследователям и удалось определить частоты, соответствующие различным частям человеческого организма.
Доктор Мэннерс сообщил мне, что результаты лабораторных опытов (например, по выявлению природной частоты печени) совпали сданными радионических приборов. Следует при этом заметить, что один такой лабораторный опыт занимает несколько часов, тогда как исследование при помощи радионических приборов длится всего несколько минут.
«ЛЯМБДОМА»
Другой вид звукотерапии, разработанный Барбарой Хи-роу, основывается на пифагорейской таблице частот — «лямбдоме». (О «таблице лямбдомы» вкратце рассказывалось ранее, в главе «Теория музыки в научных дисциплинах».) Считается, что эту математическую систему разработал Пифагор, а спас от уничтожения его последователь Ямвлих.
Барбара Хироу, математик и художница, работает с «лямбдомой» уже на протяжении двадцати лет. Она убеждена, что в «лямбдоме» заключена формула излечения звуком, поскольку перечисленные в ней частоты способны посредством резонанса восстанавливать равновесие и гармонию в чакрах. Чакры представляют собой тонкоплановые энергетические центры, расположенные на центральной линии тела, то есть вдоль позвоночника. Во многих эзотерических традициях принят постулат, что энергия, воздействующая на физическое тело, исходит из чакр. В настоящий момент многие учёные проводят исследования, имеющие целью доказать существование чакр и других элементов тонкой энергетической системы в организме — таких как меридианы, на которых основана теория акупунктуры. Считается, что нарушения в системе чакр отрицательно влияют на состояние физического тела. Следовательно, методика восстановления баланса в чакрах одновременно является терапевтической техникой.
Разработанная Барбарой звукотерапевтическая система основана на восходящих и нисходящих гаммах синтезированных чистых тонов. Когда мне впервые довелось услышать эти звуки, они произвели на меня большое впечатление. Однако эта методика, видимо, не вполне подходит лично мне, и оттого я не смог по-настоящему ощутить её воздействие. Сама система, однако, меня очень заинтересовала; в особенности мне захотелось понять, по какому принципу подбирались нужные частоты. В отличие от меня, моя жена Карен, значительно более восприимчивая, в полной мере ощутила благотворное воздействие этих звуков. Прослушивая плёнку с записью частот «лямбдомы», она почувствовала, что определённые тоны вступают в резонанс с её чакрами, восстанавливая в них гармонию и равновесие. Столь же благоприятные отзывы я слышал и от многих других людей, работавших по системе Барбары Хироу.
Внимательно исследовав частоты «лямбдомы», я обнаружил, что все они гармонически связаны между собой. Пифагорейская «лямбдома», собственно говоря, и представляет собой таблицу соотношений между обертонами. Таким образом, на свои кассеты Барбара записывала всего лишь ряды гармонически взаимосвязанных частот. Вполне допустимо, что чакры также гармонически взаимосвязаны, а потому и подвержены воздействию гармонически взаимосвязанных тонов.
Многие исследователи, в том числе Ицхак Бентов, автор книги «Охота на дикий маятник» (Izthak Bentov. Stalking the Wild Pendulum), считают, что между эфирными полями организма — астральным и ментальным, например, — также существует гармоническая взаимосвязь. Более того: гармонически связаны между собой чакры и физическое тело человека.
ГОЛОС В ЗВУКОТЕРАПИИ
До сих пор мы рассматривали лишь те разновидности звукотерапии, которые основаны на гармониках, создаваемых электронными приборами. В процессе лечения пациент слушает эти гармоники либо в записи, либо непосредственно в воспроизведении самого прибора. Однако гармоник, которые способен производить наш собственный голос, мы пока не касались.
В своей первой беседе с доктором Мэннерсом я рассказал ему о технике обертонального пения, подробное описание которой вы найдете в главе десятой. Техника эта заключается в следующем: при помощи голоса целитель исследует физическое или эфирное тело пациента, а затем направляет туда гармоники, порождённые своим же голосом. Я неоднократно наблюдал эту методику в действии и могу засвидетельствовать, что она весьма эффективна. Я сказал доктору Мэннерсу, что, по моему мнению, эта методика практически идентична «киматик-терапии». Он согласился, добавив, однако, что медицинскую общественность скорее заинтересует инструмент, генерирующий целительные частоты, чем человек, выкрикивающий в лицо своему пациенту какие-то странные звуки.
Теоретически человеческий голос обладает не меньшим целительным потенциалом, чем электронный прибор, а, возможно, даже большим. Вы поймёте, насколько правомерно это заявление, если вспомните формулу «ЧАСТОТА + НАМЕРЕНИЕ = ИСЦЕЛЕНИЕ», приведённую в одной из предыдущих глав. Если человек создает звук самостоятельно, ему совсем несложно вложить в этот звук нужное намерение. Однако далеко не просто всегда помнить об этом, когда нажимаешь клавиши синтезатора или вводишь числовую последовательность в компьютер.
ГОЛОС КАК СРЕДСТВО ВОЗДЕЙСТВИЯ НА ЧАКРЫ
Методика восстановления равновесия в системе чакр при помощи голоса была описана еще три тысячи лет назад в аюрведе — ведической системе врачевания. В большинстве случаев воздействие на чакры сводится к пению мантр, однако может включать в себя и отдельные гармонически связанные звуки (о системе соответствия гласных звуков и чакр вы сможете прочесть подробнее в следующей главе). В числе прочих на системе гармонически взаимосвязанных тонов базируется и методика Рэндела Маклеллана.
Методика Маклеллана Рэндел Маклеллан, автор книги «Целительная сила музыки» (Randall McClellan. The Healing Forces of Music), разработал методику воздействия на чакры при помощи человеческого голоса. Суть её заключается в следующем: человек, желающий восстановить гармонию в собственной системе чакр, поёт ряд звуков, гармонически связанных между собой. Эта вокальная техника несколько отличается от обертонального пения, однако в основе её лежит тот же принцип — принцип гармонического ряда.
«Применение методики, основанной на принципе гармонического ряда, требует голосового диапазона, по крайней мере, в две октавы… — пишет доктор Маклеллан. — Если нижний тон этого диапазона принять в качестве второй гармоники, то основным будет тон на октаву ниже его, то есть основной тон здесь выходит за пределы голосового диапазона человека».
В системе доктора Маклеллана с нижней чакрой резонирует тон на октаву выше основного. Например, в До-мажоре, это нота до. Со второй чакрой резонирует тон на квинту выше предыдущего (в нашем примере — соль); с чакрой пупка — тон, составляющий с основным интервал в две октавы (снова до); с сердечной чакрой — тон выше предыдущего на большую терцию (ми); с горловой чакрой — тон выше предыдущего на квинту (соль); с чакрой третьего глаза — тон выше предыдущего на малую септиму (си-бемоль); и, наконец, венечной чакре — нота до, отстоящая от основного тона на три октавы. Таким образом, с семью энергетическими центрами человеческого организма вступают в резонанс ноты, соответствующие семи первым обертонам.
«Выстраивая ряд тонов, призванных воздействовать на чакры, — пишет доктор Маклеллан, — мы взяли за основу принцип гармонического ряда, то есть систему соотношений между 2-й, 3-й, 4-й, 5-й, 6-й, 7-й и 8-й гармониками. В результате обнаружилось, что природная взаимосвязь между основанием позвоночника, солнечным сплетением и теменем отражена в структуре гармонического ряда, где 2-й, 4-й и 8-й обертоны отделены друг от друга октавами (напомню, что соотношение частот, составляющих интервал в одну октаву, — 2:1). Взаимосвязь между второй и шестой чакрами выражена соотношением 3-го и 6-го обертонов, которые также отделены друг от друга октавой. Сердечной чакре соответствует пятая гармоника, несущая в себе стабилизирующую силу большой терции. Третьему глазу соответствует 7-й обертон».
К тому времени, как я познакомился с системой доктора Маклеллана, я и сам уже имел некоторый опыт как в области резонансного воздействия на энергетические центры, так и в обертональном пении. Используя в качестве основного тона частоту, резонирующую с моим физическим телом, я установил, что первый обертон резонирует с моей нижней чакрой, второй — со второй чакрой, третий — с чакрой пупка, четвертый — с сердечной, пятый — с горловой, шестой — с третьим глазом, а с «венцом» резонирует тон, на три октавы превосходящий основной. Овладев техникой создания вокальных гармоник, вы сможете испробовать это упражнение на себе и проверить, подходит ли эта система вашему организму.
Методика Кей Гарднер Кей Гарднер, музыкант и композитор, автор книги «Звуковое исследование внутренних органов» (Kay Gardner. Sounding the inner landscape), также разработала особую систему соответствия между чакрами и гармонически взаимосвязанными тонами. Ссылаясь на Питера Майкла Хэмела (автора работы «Через музыку к внутреннему Я»), Кей утверждает, что рагу Сарасвати (в тональности До-мажор) составляют ноты до, ре, ми, фа-диез, соль, ля и си-бемоль. Эти ноты соответствуют обертонам в пределах первых четырёх октав гармонического ряда. Кей соотносит ноту до с нижней чакрой, ре — со второй чакрой, ми — с чакрой пупка, фа-диез — с сердечной чакрой, соль — с горловой, ля — с третьим глазом, а си-бемоль — с «венцом». Для резонансного воздействия на чакры Кей применяет основные тоны, а не гармоники. Я, однако, включил описание её методики в настоящую главу, поскольку в основе также лежит принцип гармонического ряда.
Методика Штокгаузена: резонансное воздействие на мозг. Еще один способ терапевтического применения гармоник — резонансное воздействие на мозг. Мне часто приходится слышать от людей, занимающихся обертональным пением, что в момент создания вокальных гармоник они ощущают в голове вибрацию, а иногда, закрыв глаза, видят свет. Некоторые из них даже утверждают, что чётко чувствуют, как разные гармоники вызывают резонанс в различных зонах мозга. Подобные ощущения в процессе обертонального пения переживал и я. Возможность использования вокальных гармоник для стимуляции тех или иных участков мозга интересовала меня издавна. Я узнал о ней в 1984 г. из записанной на пленку лекции Пир Вилаят Хана, посвященной врачеванию при помощи звука.
«Как-то раз, — говорил Пир Вилаят, — я побывал в гостях у немецкого композитора Штокгаузена. За ужином он продемонстрировал мне своё удивительное искусство обертонального пения. Ему удалось пропеть двадцать восемь обертонов, чистых, как звон колокольчика. Господин Штокгаузен объяснил, что, производя обертон, он сосредоточивается на определённой точке в мозгу над верхним нёбом; и чем выше обертон, тем выше расположена соответствующая точка.
Мне пришло в голову, что при помощи вокальных гармоник можно создавать резонанс в различных областях мозга — например, в гипофизе. Резонанс немедленно активизирует его работу, и гипофиз начнёт выделять гормоны. Однако этот процесс необходимо строго контролировать: ведь бессистемное возбуждение гипофиза может нанести организму непоправимый вред. Крайне важно знать, к выработке каких гормонов приведет резонансное воздействие. Будут ли это гормоны роста? Или половые гормоны? Или какие-то иные? Таким образом, на деле все оказывается гораздо сложнее, чем на словах. Однако моей целью было лишь предложить вам направление научных разработок, которые, хочется верить, уже в следующем десятилетии принесут достойные плоды».
Карлхайнц Штокгаузен — немецкий композитор-авангардист, мистик и ясновидящий. Он первым сочинил музыкальное произведение специально для певцов обертонов. Этой композиции Штокгаузен дал название «Stimmung», что в переводе с немецкого означает «настройка». Его вклад в развитие гармонической музыки трудно переоценить. В числе учеников Штокгаузена были такие мастера обертонального пения, как английская целительница-звукотерапевт Джилл Пёрс и швейцарский музыкант и композитор Михаэль Феттер.
В сопроводительной статье к альбому «Stimmung» 1969 г. Штокгаузен писал: «Композиция Stimmung— не что иное, как один-единственный аккорд, звучащий на протяжении семидесяти пяти минут и за это время не меняющийся ни на полтона. Аккорд составляют одни лишь вокальные гармоники — вторая, третья, четвёртая, пятая, седьмая, девятая. Основного тона среди них нет… Певцам потребовалось полгода, чтобы научиться точно выпевать обертоны — девятый, десятый или одиннадцатый, тринадцатый — вплоть до двадцать четвертого… Процесс обертонального пения сопряжен с удивительными ощущениями: вы отчетливо чувствуете, как обертоны порождают вибрацию в разных участках вашего черепа. Если бы вы встретились с певцами по прошествии шести месяцев после всемирной выставки в Осаке, когда они впервые выступили с этой композицией, вы бы заметили, как сильно они изменились за это время».
Штокгаузен подразумевает не только перемены в характере и поведении. У певцов, выступавших с этой композицией более сотни раз, заметно изменилась форма черепа. Однако открытым остается вопрос: в чем заключается суть этих перемен? Затронула ли она лишь костную ткань черепа или охватила и сам мозг? Если резонансное воздействие на мозг путём создания вокальных гармоник действительно возможно, значит, существует значительно более безопасный способ стимуляции мозга, чем единственный научно признанный на данный момент метод — хирургическое вмешательство, когда через просверлённую в черепе дыру в мозг вставляют электроды.
ОБЕРТОНАЛЬНОЕ ПЕНИЕ В МЕДИЦИНЕ: ИССЛЕДОВАНИЯ И РЕЗУЛЬТАТЫ
Дон Кэмпбелл в книге «Рокот безмолвия» (Don Campbell. The Roar of Silence) рассматривает звук, и в частности гармоники, как средства воздействия на организм и, в частности, на головной мозг человека: «Вызывая в том или ином органе вибрацию, гласный звук активизирует его и наполняет энергией. От тона этого гласного зависит «точка попадания». Медицина не знает более безопасного и быстрого способа локальной стабилизации кровоснабжения, насыщения кислородом и притока энергии».
Джилл Пёрс, английская обертональная певица, неоднократно заявляла в интервью различным изданиям: «Обертональное пение обладает мощным оздоровительным воздействием… Когда вы поете, вы начинаете замечать в собственном организме такие физиологические и психологические процессы, которые в обычном состоянии уловить невозможно. Поскольку обертональное пение требует невероятной концентрации, в работу вступают те зоны мозга, которые раньше пребывали в бездействии. И когда это происходит, вы вдруг понимаете, что перед вами распахнулись двери в иной, высший мир».
Гармоники в системе резонансного воздействия. Выступая с лекциями перед учёными и врачами, я не раз затрагивал тему резонансного воздействия на различные участки головного мозга при помощи обертонов. Однако, несмотря на все мои усилия, эта теория до сих пор остается неразработанной. Правда, мне самому удалось достигнуть некоторых интересных результатов, которые, на мой взгляд, отчётливо указывают на возможность такого применения вокальных гармоник.
Некоторое время назад по моей инициативе была основана Ассоциация звукотерапевтов — некоммерческая организация, занимающаяся проблемами звуколечения. Члены ассоциации встречаются на ежемесячных съездах, куда с докладами и лекциями приезжают и приглашённые специалисты. Гостем одного из съездов ассоциации, проходившего в октябре 1986 г. в Бостоне, стал доктор Харлан Спарер, нью-йоркский хиропрактик, которого пригласили выступить на тему теории резонансного воздействия. В рамках лекции мы с доктором Спарером при помощи нескольких добровольцев провели следующий эксперимент: я производил вокальные гармоники и направлял их в тела испытуемых, а Харлан следил за состоянием костей их черепа. Ему удалось зафиксировать, что под воздействием обертонов, направленных в голову испытуемого, кости черепа смещаются. Тот же эффект наблюдался и когда обертоны производил сам испытуемый. Наш эксперимент основывался на «живом» звуке, но весьма вероятно, что и вокальные гармоники, записанные на плёнку, будут воздействовать на череп подобным образом.
По мнению доктора Спарера, которое впоследствии подтвердил доктор Джон Болё, гармоническое пение оказывает воздействие не только на черепные кости и мозг, но также регулирует дыхательный ритм и циркуляцию спинномозговой жидкости. Спинномозговую жидкость можно назвать физиологическим аналогом кундалини, скрытой энергии, о которой говорят мистические традиции Востока (подробнее о кундалини будет рассказано в главе восьмой). Судя по всему, циркуляция спинномозговой жидкости оказывает влияние на здоровье и жизнеспособность всего организма в целом. Нарушение этого процесса влечет за собой серьёзные заболевания. Методика резонансного воздействия позволяет разрушать блокировки, препятствующие циркуляции спинномозговой жидкости, и тем самым излечивать недуги, поразившие организм.
Хельга Рич. В 1985 г. я выступал с лекцией на четвёртом Международном симпозиуме звукотерапевтов, посвящённом роли музыки в восстановлении физического и психического здоровья. Симпозиум проводился в нью-йоркской клинике «Голдуотер». Сразу после лекции мне предстояло лететь в Новую Англию на заседание Медицинского общества по изучению тонкой энергии. Перед отъездом в аэропорт я решил перекусить в кафетерии, расположенном в том же здании, где проходил симпозиум. Купив сандвич, я уселся за столик, где уже сидела какая-то женщина. Лицо её было мне незнакомо, однако я решил, что она, скорее всего, одна из участниц симпозиума. На мой вопрос она ответила утвердительно. Вскоре я выяснил, что зовут мою новую знакомую Хельга Рич и что она — преподаватель вокальной техники и йоги. Хельга прилетела из Дании только этим утром, к началу своего доклада.
На мой вопрос о направлении ее деятельности мисс Рич ответила, что при помощи особой звукотерапевтической методики она помогает людям излечиваться от таких заболеваний, как афазия19 и синдром Дауна, и от разного рода мышечных нарушений. Я попросил Хельгу подробнее описать ее методику. «Я учу пациентов петь гласные и направлять их вот сюда», — ответила Хельга, прикладывая палец к середине лба. Ее слова потрясли меня.«Вы учите своих пациентов направлять звук в третий глаз!» — в волнении воскликнул я. «Да, — кивнула Хельга. — Но я не могу пользоваться такими терминами!»
Я спросил госпожу Рич, насколько успешные результаты дает ее методика, и она с мудрой улыбкой ответила: Афазия — расстройство речи при сохранности органов речи и слуха. Обусловлено поражением коры больших полушарий головного мозга.«Приходите сегодня на мою лекцию и узнаете».
Я объяснил Хельге, что должен успеть на самолёт, но пообещал непременно связаться с ней в будущем. Однако эта наша встреча оказалась последней. Я больше никогда не видел Хельгу. А недавно один из моих учеников, родом из Дании, сообщил мне, что в 1990 г. она умерла.
Текст лекции, на которую приглашала меня госпожа Рич, я нашёл в сборнике статей, опубликованном по завершении симпозиума. Она называлась «Обучение вокальной технике: теоретический аспект». Приведу небольшой отрывок из этого текста: «Первая фаза работы с людьми, страдающими нарушением речи, — обучение их технике глубокого, размеренного дыхания. На втором этапе они должны научиться делать вдох таким образом, чтобы поток воздуха проходил через голосовые связки вверх, к центральной точке лба. Мышцы гортани должны быть полностью расслаблены, поэтому в данном случае крайне важно правильное размещение языка. В достаточной мере разработав язык и губы, пациент переходит к серии упражнений, основанных на гласных звуках двух различных групп. По прошествии нескольких недель интенсивных тренировок речь и способность к пению практически полностью восстанавливаются». Краткая встреча с госпожой Рич произвела на меня неизгладимое впечатление. Я не сомневаюсь, что её вукотерапевтическая методика чрезвычайно эффективна и заключает в себе ещё одно подтверждение целительной силы гармоник. Ведь гласные звуки, при помощи которых мисс Рич излечивала пациентов с неврологическими нарушениями, содержат в себе вокальные гармоники. Представляется вероятным, что резонанс, вызываемый в мозгу вокальными гармониками, может способствовать образованию новых нервных связей, действующих в обход поражённых зон.
Сьюзен Гэллахер Борг. На Первом международном симпозиуме, посвящённом теории тонкой энергии и связанным с ней терапевтическим методикам, в 1991 г. в Боулдере я познакомился со Сьюзен Гэллахер Борг. Сьюзен, певица и специалистка в области лечебной физкультуры, разработала терапевтическую систему, именуемую «резонансной кинезиологией». На симпозиуме Сьюзен выступала с лекцией «Лечение голосом: пение как средство регуляции мозговых процессов». Главной темой доклада было резонансное воздействие на мозг при помощи вокальных гармоник. Таким образом, в лице Сьюзен я нашёл ещё одного единомышленника.
Сьюзен самостоятельно открыла для себя необычайные свойства вокальных гармоник и посвятила много времени изучению реакций, вызываемых гармониками в человеческом организме и в частности в мозгу. Особый интерес Сьюзен вызвало воздействие резонанса на фасцию. Фасция — соединительная ткань, состоящая из студенистого вещества, — обволакивает органы, сосуды, нервы и мышцы, а также входит в состав синапсов20. Она чрезвычайно восприимчива к звуковому воздействию и реагирует на резонанс быстрыми физиологическими изменениями.
Сьюзен убеждена, что теория резонансного воздействия на мозг вполне осуществима на практике. Более того, она полагает, что вокальные гармоники можно использовать для создания в мозгу новых синаптических связей. Вот что сказала она мне на этот счет в одной из бесед: «Постоянно стимулируя нервные клетки мозга, вы принуждаете их снова и снова откликаться на один и тот же вызов. В результате та часть мозга, которую вы стимулировали, «приучается» к определённой реакции, и в ней возникает новый синапс, приспособленный к этой реакции. Таким образом стимуляция порождает новую соединителную структуру между клетками мозга».
В своей лекции Сьюзен обратилась к присутствующим на симпозиуме врачам и учёным с предложением более детально изучить вопрос о звуковом воздействии на мозг: выяснить, возможно ли это в принципе, и если да, то установить, какие именно гармоники соответствуют определённым участкам мозга. Если исследование принесет положительные результаты, это будет означать, что медицина открыла принципиально новый метод лечения травм головы и других неврологических нарушений.
Между тем уже найдены научные доказательства того, что резкие, дисгармоничные звуки могут оказывать на мозг отрицательное влияние. В 1990 г. нейробиолог Шрекен-берг и физик Бёрд провели серию специфических опытов. Учёные подвергали крыс воздействию разнообразных звуков. Первая группа крыс слушала вальсы Штрауса, второй же группе приходилось без перерыва слушать громкий, беспорядочный грохот барабанов. По прошествии некоторого времени у крыс из второй группы развились нарушения памяти; помимо этого исследователи зафиксировали структурные изменения в мозговых клетках животных. Непрерывный стресс повлек за собой истощение, переутомление нервных клеток. Учёные сделали вывод, что дисгармоничная музыка оказывает на мозг млекопитающих разрушительное воздействие.
Получены научные данные и в поддержку теории выращивания новых мозговых клеток. В начале 90-х гг. Фернандо Ноттебом и его коллеги из университета Рокфеллера сделали удивительное открытие: в мозгу певчих птиц периодически вырастают новые мозговые клетки, хотя прежде считалось, что для взрослых организмов это уже невозможно. Птицы, умеющие издавать два тона одновременно, обладают способностью восстанавливать число нервных клеток и увеличивать объем области мозга, отвечающей за пение. Открытие «нейрогенеза» взволновало медицинское сообщество, вселив во многих исследователей надежду на то, что в будущем человеку также удастся выработать метод стимуляции нервной системы, способствующий её самовосстановлению. Было предпринято немало попыток обнаружить ген, ответственный за процесс регенерации нервных клеток. Можно, однако, предположить, что ключом к нейрогенезу у певчих птиц является не этот пока не найденный ген, а те сами звуки птичьего пения.
Синапсы — области связи нервных клеток (нейронов) друг с другом и с клетками исполнительных органов.
Джудит Хитт. Джудит Хитт, уроженка Вермонта, — дипломированная медсестра и специалист в области реабилитации, — применяет к своим пациентам, страдающим от последствий инсульта и иных неврологических нарушений, технику звукотерапии, основанную на вокальных гармониках. Вместе со Сьюзен Борг Джудит занималась изучением воздействия звука на физиологические механизмы. «Звук позволяет в буквальном смысле «прикоснуться» к мозгу и нервам, — говорит Джудит. — При помощи некоторых гармонических частот я могу вызывать вибрацию в отдельных участках мозга. Эти частоты у каждого человека разные, и даже у одного человека набор таких частот может изменяться изо дня в день. Все вышесказанное относится и к каждому из черепно-мозговых нервов, к спинным нервам и спинному мозгу. К примеру, ритм циркуляции спинномозговой жидкости, который в результате инсульта сильно нарушается, может быть восстановлен при помощи звука: звук разрушает блокировки, препятствующие нормальной циркуляции».
В своей работе с гармониками Джудит сочетает вокализацию с визуализацией, обучая своих пациентов вкладывать в звук нужное намерение посредством зрительного образа: «Если, к примеру, мы разрабатываем правую руку, я прошу пациента представлять, как его правая ладонь сжимается в кулак. Таким образом формируется нужное намерение. Когда это происходит, я направляю звук в соответствующую зону мозга, и он начинает по нервам спускаться к руке. Тогда я прошу пациента постараться почувствовать взаимосвязь между рукой и мозгом, ощутить, как движутся импульсы по нервам от мозга к кулаку, а потом — обратно к мозгу. Пока пациент визуализирует движение импульсов, которое должно привести к движению руки, я направляю звук в соответствующие области нервной системы. Звукотерапия открывает перед нами новые возможности исследования и лечения нервной системы, дает нам способ — через создание новых синапсов — восстанавл
Джузе́ппе Фортуни́но Франче́ско Ве́рди родился 10 октября 1813 в деревне Ле Ронколе, Пармское герцогство, Французская империя. А умер он 27 января 1901 года в Милане.
Очень примечательно, что Джузеппе Верди родился (в 1813 году) в один год вместе со своим главным творческим оппонентом Ричардом Вагнером.
Композитор родился в маленькой деревне Ле Ронколь, которая изначально входила в состав Первой Французской империи. (Удивительно, ведь Верди прославил своим творчеством Италию и считал себя ярым патриотом.)
Джузеппе Верди был дважды женат. Первая жена погибла почти сразу после трагической смерти двух их совместных детей от энцефалита, а со второй супругой музыкант прожил до самой смерти. Она была глубоко предана и верна своему мужу, после замужества оставила карьеру оперной певицы и стала настоящей музой.
Встреча с Верди - всегда праздник. Вот и вчера, 16 февраля 2020 года, состоялась моя встреча с его музыкой. В Мариинский театр приехал Пласидо Доминго. Он спел в опере Верди "Симон Бокканегро". Поговорим о композиторе, об опере и о Пласидо Доминго.
Поговорим о музыке!
Однажды к директору Миланской консерватории Франческо Базили явился молодой человек, по виду простой крестьянин, и заявил, что он родом из местечка Ронколе, близ провинциального городишка Буссето, отец его держит трактир, а сам он музыкант и хотел бы поступить учиться. Поморщившись при виде неотесанного юноши, директор все же согласился послушать его. «Оставьте мысль о консерватории», - вынес Базили свой вердикт. Было это в 1832 году. Юному Верди было сказано, что он на 4 года старше обычного возраста принимаемых, не является гражданином Ломбардо-Венецианского королевства и лишён музыкального таланта.
Прошло несколько десятков лет, и Миланская консерватория не без труда добилась чести называться именем сына трактирщика из Буссето. И имя это - Джузеппе Верди. Не обладай Джузеппе честолюбием и целеустремленностью, не верь он твердо в свою звезду, мир лишился бы величайшего оперного композитора. После сурового приговора Базили Верди не уехал домой, а остался в Милане и начал брать частные уроки у директора театра Ла Скала Лавиньи, под его руководством были написаны первые сочинения Верди. Однако никакого успеха они не имели, и лишь в 1838 году Джузеппе успешно дебютировал на сцене Ла Скала со своей оперой «Оберто, граф Сан-Бонифачо».
1842 год - год первого триумфа композитора. Его опера «Навуходоносор» прошла с блестящим успехом, но это была лишь короткая вспышка, за которой последовали годы забвения. Верди без устали работал, писал по одной, а то и по две оперы в год, но все они проходили незамеченными. И лишь в 1851 году о Верди заговорили как о европейском композиторе. На сцене была поставлена опера «Риголетто», и трагическая история шута, вынесшего беспощадный приговор хозяину-герцогу, похитившему его дочь, никого не оставила равнодушным. Мелодии из этой оперы пели везде. И сейчас вряд ли кто-нибудь не узнает знаменитое «Сердце красавицы».
В 1853 году всю Европу с триумфом обошла опера «Трубадур», а в Венеции была поставлена «Травиата»
Верди подтверждает свою репутацию европейского композитора, его оперы идут во многих столичных театрах. В 1858 году на сцене римского «Аполло» поставлена опера «Бал-маскарад», в 1862 году в Петербурге - «Сила судьбы», в 1867 году в Париже - «Дон Карлос».
Настоящий фурор вызывает новое творение Верди, написанное по заказу египетского хедива Измаил-паши к открытию Суэцкого канала, - опера «Аида». Она обошла все сцены Италии, а после первого представления в Милане в 1872 году автору были устроены грандиозные овации, он выходил на сцену более тридцати раз.
«Аида» - двадцать четвертая опера Верди, а всего он написал двадцать шесть. Причем последние две созданы после 16 лет полного молчания композитора. Трудно сказать, что заставило маэстро бросить рукоплескавший ему Милан и уединенно поселиться в своем имении Сант-Агата, где он вел жизнь простого крестьянина. Всемирно известный композитор часами работал в поле, рыл артезианские колодцы, собирал урожай.
Лишь на восьмом десятке, когда никто уже ничего от него не ждал, Верди вдруг представляет на суд публики свои замечательные оперы «Отелло» и «Фальстаф». Это плод глубоких уединенных размышлений автора. Философская глубина, выразительность и правдивость последних опер Верди ставят их на вершину мирового оперного искусства.
12 марта 1857 в Венеции в театре "ла-Фениче" состоялась премьера оперы Верди "Симон Бокканегро".
Изначально опера «Симон Бокканегра» была написана на основе подлинной истории, на либретто Франческо Марии Пьяве и Джузеппе Монтанелли по мотивам одноименной драмы Антонио Гарсиа Гутьерреса 1843 года. Если бы не настойчивость гениального музыкального менеджера и издателя Джулио Рикорди, эта опера была бы сегодня малоизвестной. Благодаря тому, что Рикорди спустя двадцать три года после премьеры уговорил маэстро вернуться к старому сочинению, обновленный «Симон Бокканегра» стал одной из самых заметных работ великого композитора.
«Симон Бокканегра» – опера, рассказывающая о величии человеческого духа, – принадлежит к шедеврам Джузеппе Верди. Это одна из самых сложных его опер, в которой рассказывается о борьбе за власть, об исключительной судьбе, мощная и трогательная история о предательстве и мести. В этой опере есть что-то шекспировское – интриги и расколы, притворство и разоблачения, яд и смерть от него на троне. А какова одна из последних фраз: «Сердца людей обречены вечно истекать слезами»! Либретто этой оперы читается как настоящий детективный роман – и его стоит изучить перед тем, как идти слушать одну из самых сложных и редких на сцене вердиевских опер, отсылающую зрителя к истории Генуэзской республики XIV века и ее первых дожей.
Тёмной, печальной и мрачной назвали оперу «Симон Бокканегра» не только зрители и критики, но и сам автор, Джузеппе Верди. Если бы не настойчивость гениального музыкального менеджера и издателя Джулио Рикорди, эта опера была бы сегодня малоизвестной и почти неисполняемой. Но благодаря тому, что он уговорил маэстро вернуться к своему старому сочинению, обновленный «Симон Бокканегра» стал одной из самых заметных работ великого композитора.
Данная опера основана на достоверных исторических событиях. Джузеппе Верди наделил главного персонажа мужеством и романтикой. Реальный же Бокканегра был не совсем таковым. Он, в свое время, силой захватил власть в Генуе, установив там режим террора, а позже был убит. Композитор наделил своего героя положительными качествами, показав, что и на вершине власти должно быть благородство и стремление к идеалу.
История основана на реальных событиях. Настоящий Симон Бокканегра, однако, был не корсаром, а моряком, как и его брат, Эгидио. Он был выходцем из народа и представлял интересы простых людей в борьбе против власти аристократии. Бокканегра возглавил Геную в нестабильное и сложное время и правил городом-государством дважды – с 1339 по 1344 и с 1356 по 1364 годы. Его политика прежде всего была направлена на урегулирование внутренних конфликтов, но в годы его власти Генуя укрепилась и в военном плане, уверенно одержав несколько побед и став одной и крупнейших морских держав Аппенин наравне с Венецией. Говорят, что умер он действительно от отравления ядом.
В драме «Симон Бокканегра» Антонио Гарсия Гутьеррес соединил в одну две исторические фигуры. Первой был реально живший Симон Бокканегра, дож Генуи. Он правил с 1339 года, в 1344 году был вынужден уйти, но в 1356 году вернулся к власти и правил до 1364-го, когда, как предполагается, был отравлен. Второй фигурой являлся брат Симона, Эжидио Бокканегра, который в действительности и был корсаром. Можно указать и точную дату начала событий оперы – 24 сентября 1339 года. Именно в этот день Симон Бокканегра стал первым всенародно избранным дожем Генуи. Правда, исторический Бокканегра не был таким романтично-благородным, как герой Верди, но для оперного жанра соответствие историческим фактам никогда не являлось главным требованием.
В конце XIII века Генуя стала сильнейшим городом побережья, отодвинув на второй план Венецию и Пизу. Генуэзская республика была невероятно богата: в ее владении находились территории от Ниццы до Пор-товенере, острова Сардиния, Корсика и Эльба.
В период французской экспансии Генуя была сильно разрушена. В 1805 году Лигурия уже стала частью Франции, а 10 лет спустя вошла в состав королевства Сардинии — Пьемонт.
Светле́йшая Генуэ́зская респу́блика (Республика Святого Георгия) была независимым государством в Лигурии, на северо-западном побережье Апеннинского полуострова.
В начале XI века Генуя стала самоуправляемой коммуной в пределах Итальянского королевства. Уже в ранний период своего существования Генуя стала важным торговым центром и уже могла конкурировать с таким городом как Венеция. Она начала своё расширение во время Крестовых походов, предоставив свой флот для перевозок, и захватила несколько территорий на Ближнем Востоке, развернув там активную торговлю.
В XIII веке Генуэзская республика вступила в союз с Никейской империей и помогла ей вернуть Константинополь в 1261 году. Союз позволял Генуе беспрепятственно торговать на огромной территории Византийской империи. В те же годы были захвачены многие острова на Эгейском море. Самым важным был остров Хиос, который был потерян только в 1566 году.
Вскоре Республика продвинула свои торговые интересы на Чёрное и Азовское моря, где она начала контролировать, в частности, многие поселения в Крыму.
Система управления в Генуэзской республике или, как её ещё называли, Республике Святого Георгия, не была монолитной. В республике постоянно шла борьба за власть между различными группировками. Кроме того, из-за своего расположения Генуя часто оказывалась под управлением оккупационных правительств. Это являлось следствием частой смены руководителей республики. В 1099 году в Генуе было введено правление коллегии консулов, которых избирали на годичный срок.
Венеция была классическим примером аристократической республики. Структура власти была многообразна и довольно запутана. Основную элиту составляли семьи патрициев, из которых выходили представители власти. Кроме патрициев, в Венеции было значительное число граждан, имевших право работать в административном аппарате, не занимая политических постов, при этом за гражданами был зарезервирован ряд важнейших административных постов республики. Большинство населения принадлежало к народу, не имевшему формальных прав, но мнение которого тем не менее внимательно учитывалось по мере возможностей политическим классом.
Политическая система республики опиралась на большое количество гражданских комитетов или Советов, связанных между собой сложной системой сдержек и противовесов.
Эту систему переняла и Генуэзская республика. Возглавлял Республику дож.
Дожем (doge) называли главу Светлейшей Республики Венеции (Serenissima Repubblica di Venezia). Само название титула произошло от латинского слова «dux», в переводе на русский означающего «вождь, повелитель». Почётная государственная должность была выборная и просуществовала в Венеции 1100 лет.
Дож обычно избирался из числа двенадцати прокураторов Сан-Марко, как правило пожизненно. Голосование Большого совета по выборам дожа не было прямым. Большой совет реализовывал процедуру выборов, которая включала в себя одиннадцать этапов. Сначала собирались члены Большого Совета старше 30 лет, которые избирали 30 человек, принадлежавших к различным семьям. Затем эти 30 избирали 9 человек, которые избирали сорок человек. Эти сорок избирали 12 человек, а эти 12 — 25. Двадцать пять человек избирали девять, а девять человек — 45; 45 избирали 11, а эти 11 — избирали окончательный комитет по выборам 41 человека, которые и избирали Дожа.
Власть дожа была очень ограничена — имея право участвовать во всех советах, он не мог навязывать своё мнение. Дож не мог принимать самостоятельные решения, а его контакты, встречи, переписка тщательно контролировалась. Он не мог покидать пределов Венеции и не мог иметь собственности за пределами государства.
Форма правления в Генуэзской Республике была позаимствована у Венеции в 1339 году. Введение было вызвано целью навести порядок среди множества политических сил, существовавших на тот момент в республике. С 1384 до 1515 года наиболее достойные и популярные граждане занимали пост дожа, за исключением периодов иностранных оккупаций. В 1528 институт дожа был восстановлен аристократами, но ограничен сроком правления два года. Титул перестал существовать, как и в Венеции, под давлением французских завоевателей.
Симо́н Боккане́гра (ум. 1363) — первый дож Генуи. Был избран пожизненным дожем 24 сентября 1339 года, как кандидат от популярной политической группировки гибеллинов, противников гвельфов.
Бокканегра был вынужден уйти в отставку 23 декабря 1344 года. Его преемником стал Джованни I де Мурта, умерший в начале января 1350 года, а затем — Джованни II Валенте. Во время правления последнего генуэзские силы потерпели тяжёлое поражение от венецианцев в битве у Лоиеры. Потеряв поддержку, Джованни II в итоге был вынужден оставить должность (8 октября 1353), и она осталась вакантной. В 1356 году Бокканегра вернулся к власти до 1363 года, когда он был отравлен. Его преемником стал Габриэле Адорно.
Вот об этом периоде в истории Италии и повествует драма Антонио Гарсии Гутьерреса, по которой и было написано либретто оперы Верди.
Якопо Фиеско (патриций, бывший дож); Габриэль Адорно (дворянин); Паоло Альбиани (канцлер); Пьетро (сенатор); Капитан лучников; Горничная Амелии.
Второстепенные действующие лица: народ, телохранители, портовые рабочие, сенаторы, плебеи, служащие городского управления.
Происходит действие в Генуе, в XIV веке.
Симон, бывший корсар, влюблен в дочь дожа, Марию. У них рождается дочь. Но патриций Фиеско противится связи Марии с простолюдином. Позже Симона избирают дожем вместо Фиеско, но его начинают преследовать несчастья: умирает Мария, дочь похищают. Единственное, что у него остается – это любовь и доверие народа.
Разобраться в сюжете без подготовки непросто. Простолюдин, но уважаемый человек в городе Симон Бокканегра получает приглашение стать главой города – дожем. Симон вовсе не стремится к власти, но повод есть: он страстно хочет жениться на Марии, от которой у него маленькая дочка,правда кем-то, как назло, похищенная. Мария — дочь патриция Якопо Фиеско (кстати, соперника Симона в борьбе за власть). Будь Симон избран дожем, он получил бы статус принца, и тогда для их брака не будет преград. Давший согласие стать дожем Симон спешит в дом к своей возлюбленной и …находит ее умершей (как, что, почему – нам не объясняют). А тут народ вываливает на площадь и славит только что избранного нового дожа Симона Бокканегро. Беда в том, что Симону это уже совсем не нужно. И сцена, когда он с разбитым сердцем проходит сквозь толпу народа, который поет ему «осанну» – наверное одна из самых сильных в опере!
Проходит несколько лет. Дочку Симона, Амелию, воспитывает семья аристократа Гримальди. У него же скрывается Фиеско, который тайком готовит заговор против дожа. В Амелию влюбляется дворянин Габриэль Адорно, но Гримальди желает выдать ее замуж за Паоло Альбиани. Фиеско желает помочь Габриэлю, но за это требует соучастия в его заговоре. Бокканегра встречается с Амелией и по разговору догадывается, что перед ним его дочь. Амелия просит его не принуждать ее выходить замуж за Паоло. Симон идет ей навстречу, но разгневанный отказом Паоло, замышляет украсть девушку, заручившись помощью своего друга Пьетро. Габриэль пытается помочь девушке и в схватке убивает одного из друзей Паоло, но его арестовывают и ведут к дожу. Габриэль пытается убить Симона, думая, что Амелию похитили по его приказу. Амелия становится между ними и защищает отца. Симон Бокканегра приказывает Паоло разобраться с этой ситуацией. Далее Паоло пытается захватить власть в городе и добавляет яд в воду Симона. Он предлагает патрицию убить дожа. Но Фиеско не желает участвовать в этом, зато соглашается Габриэль, которому Паоло сказал, что Амелия любовница Симона.
Сюжет оперы очень запутан и провоцирует на массу вопросов. Почему умирает Мария? Как она снова оказывается в доме своего отца, из которого сбежала с корсаром? Почему с ней нет их с Симоном дочери? Почему Якопо Фиеско отправляется в изгнание, если Симон при встрече называет его, Якопо, отцом и не желает зла? Почему именно во время арии Фиеско слуги обнаруживают Марию мертвой? Это лишь малое количество вопросов, самые первые, вопросы из пролога, а далее их стало еще больше…
Кто такой Якопо Фиеско? В опере Джузеппе Верди "Симон Бокканегра" он дож Генуи и глава партии гибеллинов-аристократов. Фиеско был дважды обижен заглавным героем: когда его дочь Мария вступила с Бокканегра в любовную связь и когда он проиграл Бокканегра на выборах в дожи.
Фиески (Fieschi) — одно из четырёх аристократических семейств, которые вместе с вассальными им родами правили Генуэзской республикой. В хитросплетениях итальянской политики Фиески традиционно держали гвельфскую сторону. Во внешних отношениях они отстаивали союз Генуи с Анжуйской династией, а позднее и с французскими королями. Из этого рода происходили св. Екатерина Генуэзская, 72 кардинала и два папы римских — Иннокентий IV (один из величайших понтификов) и Адриан V.
Извечная борьба в средние века между гвельфами и гобелинами. Гвельфы - выступали за ограничение власти императора Священной Римской империи в Италии и усиление влияния папы римского. Гибелли́ны - приверженцы императора. Принято считать, что к гибеллинам по большей части принадлежала феодальная знать. Под знаменем гибелинов воевали в ссредние века все : дворянство — с гражданами и между собой, богатые граждане (popolo grasso) с бедными (popolo minuto), община — с тиранами, тираны — друг с другом и с папой. К гибеллинам принадлежала обыкновенно феодальная аристократия, хотя и в этой среде были гвельфские фамилии. Республики чаще всего принадлежали к партии гвельфов; поэтому тираны в большинстве случаев были гибеллинами. Только к XV веку, когда почти во всех итальянских городах установилась тирания, деспотизм положил конец борьбе этих партий. Ярче всего конфликт Гвельфов и Гибеллинов отражён в произведении Шекспира «Ромео и Джульетта». Если интерпретировать сюжет, то можно прийти к выводу, что Ромео Монтекки принадлежит к партии Гибеллинов (на это указывает его дружба с Меркуцио), а Джульета Капулетти к партии Гвельфов, причём к Белым Гвельфам, так как назначено сватовство за герцога.
Две равноуважаемых семьи
В Вероне, где встречают нас события,
Ведут междоусобные бои
И не хотят унять кровопролития.
Друг друга любят дети главарей,
Но им судьба подстраивает козни,
И гибель их у гробовых дверей
Кладет конец непримиримой розни.
В России эта борьба тоже оставила свой след.
Иван III по совету Софьи Палеолог пригласил зодчих из Италии. Перед миланскими зодчими в 1480 году встал важный политический вопрос: какой формы следует делать зубцы стен и башен — прямые или ласточкиным хвостом? Дело в том, что у итальянских гвельфов были замки с прямоугольными зубцами, у гибеллинов — ласточкиным хвостом. Поразмыслив, зодчие сочли, что великий князь Московский уж точно не за папу. Таким образом, московский Кремль повторяет форму зубцов на стенах замков итальянских гибеллинов.
Тито Гобби в своей книге об оперном искусстве подробно описывает всех персонажей оперы Симон Бокканегро.
Итак, поговорим об опере, которую нам удалось послушать в Мариинском театре. И начнем, конечно с Пласидо Доминго.
Знаменитый испанский оперный певец Пласидо Доминго (р. 1941) за свою долгую музыкальную карьеру исполнил более 150 ролей. Он начинал как лирико-драматический тенор и завоевал признание публики, сыграв Каварадосси, Гофмана, Хозе, Канио. Затем перешел к драматическому репертуару, сделав одной из своих коронных партию Отелло в опере Верди. Сегодня он исполняет на сцене баритоновые партии, выступает в качестве дирижера.
16 февраля 2020 года Пласидо Доминго исполнил заглавную партию в опере «Симон Бокканегра» Дж. Верди Вместе с ним на сцене Мариинского-2 пели Татьяна Сержан, Юрий Воробьёв, Мигран Агаджанян, Роман Бурденко, Глеб Перязев. За дирижерским пультом был Валерий Гергиев.
Мы привыкли, что Пласидо Доминго тенор. и собирается исполнять партии, написанные для баритона. В далеком 1959 году, когда 18-летний Пласидо дебютировал как баритон в национальной опере в Мехико, ему объяснили, что он – тенор, причем выдающийся. С тех пор Доминго сделал карьеру именно как тенор. Хотя некоторые язвительные критики называли его «квази-тенором», намекая на постоянные просьбы певца транспонировать партии на тон-другой ниже. За три дня до своего 69-летия, певец вышел на сцену Нью-Йоркской «Метрополитен опера», чтобы спеть партию Симона Бокканегры, написанную Джузеппе Верди для баритона.
Как пишут рецензенты, в целом, Доминго справился с партией венецианского дожа, хотя некоторые ноты в низком регистре брал не так свободно, усиливая грудное звучание.
Возможно, берясь за баритональную партию, Пласидо Доминго хотел исполнить свой каприз, почувствовать себя расковеннее, ибо в реальной жизни, вне сцены, у него сейчас не лучший период. Два коллектива, которые он возглавляет (Вашингтонская национальная опера и оперный театр в Лос-Анджелесе), испытывают серьезные финансовые трудности.
Публика в «Метрополитен опера» приветствовала певца продолжительной овацией. В последнее время, выступая как тенор, Доминго действительно испытывал трудности в верхнем регистре, а в баритональной партии чувствовал себя заметно свободнее.
И все же И все-таки он – тенор. Голос певца определяет не столько регистр, сколько окраска. Да, в отдельные моменты казалось, что поет баритон, но потом все становилось на свои места – тембр голоса Доминго остался прежним, легко узнаваемым. И Симон Бокканегра в таком исполнении стал другим персонажем – пополнив галерею героев-теноров. В сцене с дочерью явно не хватило драматического конфликта. Верди прекрасно понимал, что ему в данном случае нужно контрастное звучание сопрано и баритона, ведь это не любовный дуэт.
Звучание оркестра было великолепно. Хор Мариинского театра звучал уверенно, с хорошей дикцией. Валерий Гергиев дирижировал эмоционально и сердечно, при этом внимательно к певцам, а оркестр под его управлением звучал ясно, тепло и драматично.
Голоса звучали отлично. Понравились декорации, вернее их отсутствие.
Режиссер Андреа де Роза выступил и художником-постановщиком. Он перекрыл значительную часть зеркала сцены прямоугольной черной стеной. В стене в нише — статуя Мадонны с лампадкой, открываются двери, окна, огромные проемы. А позади этой конструкции, на заднике — пейзаж. Как известно, ничего прекраснее пейзажей Италии на свете нет. И видеодизайнер Паскуале Мари это в очередной раз подтверждает: Лигурийский залив, на берегу которого стоит Генуя, море завораживающе серебрится и трепещет под луной, а потом в небе происходит величественное, поистине литургическое таинство рассвета…
Впереди де Роза поставил громадный параллелепипед, за его черной стеной в лунном свете плещутся волны. В стене поочередно открываются двери, окна – и маленькие проемы, и огромное, как в соборе. Сквозь которые мы видим, как на заднике происходит мистерия рассвета – божественной красоты картина, да еще под оркестр Валерия Гергиева с его нежнейшими пианиссимо струнных и грандиозными ударными в кульминациях.
Вторую баритональную партию – злодея Паоло Альбиани превосходно спел Роман Бурденко.
Роман Бурденко - один из самых интересных молодых баритонов . Он является победителем многих престижных конкурсов вокалистов. Нам он очень понравился. Родился Роман в 1984 году в Барнауле. В 2003–2005 гг. учился в Новосибирской консерватории имени М.И. Глинки (класс з.а. РФ В.А. Прудника), в 2005 году перевёлся в Санкт-Петербургскую консерваторию им. Н.А. Римского-Корсакова и окончил её в 2008 (класс н.а. РФ В.Б. Ванеева). В 2006 −2011 гг. — солист Михайловского театра. С 2009 года — приглашённый солист Новосибирского театра оперы и балета. С 2017 года - солист Мариинского театра.
Роман Бурденко играет реального злодея - тяжелая походка, взгляд изподлобья, напряженное коварство в движениях.
Любовная пара: Габриэль Адорно и Амелия Гримальди произвела тоже яркое впечатление.
Татьяне Сержан (Амелия) можно бесконечно петь осанну и провозглашать хвалебные вирши. Амелия у Сержан не наивная юная девушка, а страдающая молодая женщина.Так и должно быть - между прологом и 1 действием проходит 25 лет. Бесподобный голос - хрустальное звучание, множество оттенков, легкость и свобода.
Татьяна Сержан начинала карьеру в Санкт-Петербурге в театре «Зазеркалье», и, кажется, впервые Москва услышала ее в 2002 году в привозной постановке этого театра (в партии Мими в «Богеме» Пуччини). Но рецензент впервые услышал певицу лишь в 2012-м – в партии Тоски в одноименной опере Пуччини на сцене Deutsche Oper Berlin. А в 2013 году она исполнила в Москве партию сопрано в «Реквиеме» Верди. И эти два живых эпизода творчества певицы не оставили тогда никакого сомнения в том, что лирическая фактура ее голоса преобладала над драматической. Но нынешняя встреча с ней в Москве показала, что за пять прошедших лет голос исполнительницы превратился в сочное лирико-драматическое сопрано с удивительно красивым и плотным нижним регистром: сегодня драматическая фактура ее голоса явно преобладает над лирической.
Между тем, партию Амелии в «Симоне Бокканегре», обычно, поют лирические голоса, достигая необходимого вокального драматизма за счет спинтовости. Но насколько ярче и рельефнее звучит эта партия у Татьяны Сержан с опорой на естественную музыкально-драматическую выразительность! Так что Верди – сегодня ее главный репертуарный конек, и вовсе не случайно, что премию «Casta Diva» она получила за партии вердиевских героинь (Леди Макбет в «Макбете» в Цюрихской опере, Амелия в «Симоне Бокканегре» и Леонора «Трубадуре» в Мариинском театре). В партии Амелии Гримальди голос певицы гибок, пластичен, легко идет наверх, выразительно тепло и чувственно звучит на forte, удивительно органично и мягко встраивается в ансамбли. При этом коронной вердиевской партией певицы следует назвать Леди Макбет. С ней в 2002 году она дебютировала в туринском театре «Реджо», а затем исполнила ее на Зальцбургском фестивале (2011) и в Римской опере под управлением Риккардо Мути, а также в миланском театре «Ла Скала» и в Венской государственной опере. Солисткой Мариинского театра певица стала в 2014 году.
Партию Адорно пел Мигран Агадженян, приглашенный солист Мариинского театра.
Мигран Агаджанян – пианист, вокалист, дирижер, лауреат международных фортепианных конкурсов. В 2007 г. был удостоен федеральной премии «Юные дарования России», а также стипендии международного благотворительного фонда Владимира Спивакова. В 2010 году прошел курс обучения в оперной студии при Национальной академии «Santa Cecilia» (Италия) у Ренаты Скотто. Лауреат и финалист престижных всероссийских и международных вокальных конкурсов, победитель конкурса молодых оперных певцов Елены Образцовой. Выступал с оркестром Мариинского театра, Ростовским академическим симфоническим оркестром, Санкт-Петербургским государственным академическим симфоническим оркестром, оркестром Ростовского музыкального театра, симфоническим оркестром имени Артуро Тосканини (Италия). Победитель Всероссийского конкурса молодых дирижеров симфонических оркестров им. И.А.Мусина.
Юрий Воробьев (Фиеско) порадовал своим густым басом с мягкими и глубокими звучными низами! Просто восторг, какие низы!
Верди писал: «Для Фиеско нужен глубокий голос, хорошо озвученный низ до фа, в голосе должно быть нечто непреклонное, пророческое, гробовое».
Юрий Воробьев, Лауреат VI Международного конкурса молодых оперных певцов им. Н.А. Римского-Корсакова (Санкт-Петербург, 2004, II премия).
Юрий Воробьёв родился в Ленинграде. В 1998 году окончил Хоровое училище им. Глинки при Государственной академической капелле Санкт-Петербурга, затем обучался в Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Римского-Корсакова (класс Валерия Лебедя). В 2002 году был принят в Академию молодых певцов Мариинского театра. С 2009 года – солист оперной труппы Мариинского театра.
12 декабря 2017 года в одном из лучших залов мира Музикферайн в Вене пела несравненная
Чечилия Бартоли
Венский Музикферайн был открыт императором Францем Иосифом 6 января 1870 года и до сих пор считается одним из лучших концертных залов в мире.
Помимо благородной красоты, в чистом виде воплощающей венский архитектурный стиль второй половины XIX столетия, Музикферайн славится своей уникальной акустикой. Здесь в Золотом зале выступают только самые выдающиеся музыканты.
Такой является и Чечилия Бартоли.
Ее голос сравнивают со скрипкой Страдивари. Чечилия Бартоли – настоящий самородок, петь и выступать начала с детства. Чечилия Бартоли родилась в Риме 4 июня 1966 года в семье музыкантов, и первые уроки пения получила у своей матери, Сильваны Баццони, которая осталась ее единственным учителем. Она никогда не строила карьерных планов, а лишь следовала страстному желанию исполнять музыку.
Чечилия Бартоли обладает феноменальной техникой. Чтобы убедиться в этом, достаточно прослушать арию из оперы Вивальди «Гризельда», запечатленную на компакт-диске Live in Italy, записанном во время концерта певицы в театре Олимпико в Виченце. Эта ария требует совершенно немыслимой, почти фантастической виртуозности, и Бартоли, может быть, единственная певица в мире, способная исполнить такое количество нот без передышки.
Вот как описывает ее одна из многочисленных статей в New York Times: «Это очень живая личность; много думающая о своей работе, но никогда не бывающая напыщенной. Она любопытна и всегда готова рассмеяться. В двадцатом веке она кажется дома, но не нужно большого воображения, чтобы представить ее в блестящем Париже 1860-х годов: женственная фигура, кремовые плечи, волна падающих темных волос заставляют вспомнить о мерцании свечей и очаровании соблазнительниц минувших времен». Много лет встречалась со швейцарским оперным певцом Чечилия Бартоли. Личная жизнь певицы претерпела изменения в 2011 году. Она и её бойфренд официально поженились. Супруг Чечилии – бас-баритон Оливер Видмер. Он лауреат конкурсов в Штутгарте, Мюнхене и Люцерне.
Долгое время Чечилия жила со своей семьей в Риме, но несколько лет назад официально «прописалась» в Монте-Карло (подобно многим vip, остановившим свой выбор на столице княжества Монако по причине слишком сильного налогового давления на родине). Вместе с ней проживает собака по кличке Фигаро. Когда Чечилию спрашивают о ее карьере, она отвечает: «Моменты красоты и счастья — вот то, что я хочу дать людям. Всевышний даровал мне возможность делать это благодаря моему инструменту. Направляясь в театр, я хочу, чтобы мы оставили привычный мир позади и устремились в мир новый».
Чечилия Бартоли(Cecilia Bartoli) выделяется из всех известных оперных исполнителей. Она обладает поистине уникальным голосом, колоратурным меццо-сопрано. Оперная дива поражает всех своим необыкновенно чистым голосом. Он настолько пластичен и гибок, что дает возможность исполнить сложнейшие произведения в полной мере, передав все настроения и интонации пьесы.
На концерте в Музикферайн Чечилия пела в сопровождении виолончелистки Соль Габетта, которая входит в десятку самых популярных музыкантов Германии и, наверное, всей Европы. Причина популярности Габеты - не только внешность очаровательной кареглазой и золотоволосой аргентинки с русскими корнями, но, прежде всего, талант, усердие и удача: Соль Габетта играет до 170 концертов в год, преподает и дает мастер-классы, выступает с лекциями для детей и взрослых и охотно принимает приглашения на ток-шоу. И при всем этом у Габетты остается время для музыкальных изысканий и экспериментов с ее ансамблем Cappella Gabetta.
Соль Габетта – выдающаяся виолончелистка аргентинского происхождения. Ее необычайные музыкальные способности проявились еще в глубоком детстве. В три года она научилась играть на скрипке, а в четыре – на виолончели.
Соль Габетта – лауреат конкурса имени Чайковского, который проходит в Москве. Виолончелистка выступает с ведущими оркестрами и дирижерами мира. Благодаря швейцарской стипендии Rahn Kulturfonds Соль Габетта играет на уникальном инструменте, сделанном самим Джованни Батистой в 1759 году.
Вот такой концерт мне удалось послушать в прекрасном Золотом зале Музикферайн в Вене 12 декабря 2017 года
Чечилия Бартоли выходит на оперную сцену гораздо реже большинства своих коллег, зато ее страсть к перевоплощениям давно бушует в альбомах и сопряженных с ними концертных программах. C 2007 года она успела примерить на себя роли и даже внешний облик романтической дивы Марии Малибран, барочной звезды Фаринелли, композитора-шпиона Агостино Стеффани, воплотить собирательные образы певца-кастрата («Sacrificium») и европейской примадонны, гастролирующей в столице Российской империи («St. Petersburg»).
И вот, кажется, делу венец: Бартоли снимает маски и предстает в главной роли своей жизни, называя новый альбом «Queen of Baroque». На обложке — ослепительно красивая самодержица в седом парике, внутри — ключи от покоренных ею городов, то есть компиляция записей прошлых лет, в которых Чечилия открывала миру забытые композиторские имена и партитуры, попутно ведя жатву наград и ставя рекорды продаж.
При этом Decca и Бартоли сделали крайне удачный продюсерский ход: они дополнили коллекцию старых треков двумя мировыми премьерами арий Агостино Стеффани и Леонардо Винчи, тем самым принудив приобрести диск не только поверхностных любителей, но и фанатское ядро бартолиевской публики. Из уважения к верным поклонникам новинки честно поставлены в самое начало альбома — если вы помните все прежние треки наизусть, дальше слушать не обязательно.
По иронии судьбы большинству слушателей свойственно относится к ранним опусам знаменитых композиторов с известной долей пренебрежения. И все же цикл из трех симфоний "Утро", "Полдень", "Вечер" известен лучше всего среди первых 44-х симфоний Йозефа Гайдна. И это не удивительно, потому что каждая из них - маленький шедевр.
Symphony No. 6 in D major ('Le Matin')(Утро)- 0:00
Symphony No. 7 in C major ('Le midi')(Полдень)- 17:36
Symphony No. 8 in G major (Le soir)(Вечер)- 39:27
Karl Ristenpart Conducting The Orchestra Of The Sarre
13 апреля 1742 года в Дублине, в Грэйт Мюзик-холле во время пасхального благотворительного концерта была впервые исполнена оратория Георга Фридриха Генделя «Мессия». Подготовка премьеры не была безоблачной. И дело не только в том, что автор постоянно вносил изменения в партитуру. В то время деканом Дублинского собора Святого Патрика был Джонатан Свифт. Человек, придумавший Гулливера, наложил временный запрет на исполнение «Мессии». Он добивался переименования произведения в «Священную ораторию» и требовал передать всю выручку от концерта местной больнице для умалишенных.
В Лондоне это сочинение также встретило сопротивление со стороны служителей церкви, и, несмотря на библейское содержание, оно практически не исполнялось в храмах. Хотя оратория впервые прозвучала на Пасху, после смерти Генделя устоялась традиция исполнять «Мессию» зимой, в предрождественские дни.
Партитуры не горят
цикл передач Артема Варгафтика
75я серия- Гендель. Мессия
Джованни Перголези. Stabat Mater dolorosa — «Мать скорбящая стояла»
История создания
В 1735 году Перголези, едва достигший двадцати пяти лет, но уже широко известный, главным образом своими операми, резко меняет образ жизни. Из Неаполя, где проходила, в основном, его деятельность, он переезжает в небольшое местечко Поццуоли, расположенное неподалеку. Причина тому — начинающаяся чахотка. Перголези обращается к духовной музыке. Среди других его сочинений этого года — Stabat Mater.
Stabat Mater dolorosa — «Мать скорбящая стояла» — одна из средневековых секвенций (песнопений, исполнявшихся во время католической мессы после Аллилуйи, перед чтением Евангелия). Автором латинских терцин, повествующих о страданиях Богоматери у подножия креста на Голгофе, считается Якопоне да Тоди, родился между 1228 и 1236 годами, умер предположительно в 1306 году), адвокат, по другим сведениям францисканский монах, из итальянского города Тоди.
Стиви Уандер — американский соул-певец, композитор, пианист, барабанщик, харпер, музыкальный продюсер и общественный деятель, оказавший огромное влияние на развитие музыки XX века.
Стиви Уандер — один из величайших музыкантов прошлого столетия…
Стиви Уандер родился в небольшом городке Сагино, штат Мичиган, 13 мая 1950 года. Ещё ребёнком он был совершенно слеп… Но это не помешало его успешной карьере музыканта, которую он начал уже в 12 лет! Его первой звукозаписывающей студией стала «Motown Records». Читать далее
Микаэл Таривердиев, 15 августа 1931, Тифлис — 25 июля 1996, Сочи — советский и российский композитор. Народный артист РСФСР. Лауреат Государственной премии СССР.
В музыку он пришел случайно: увидел у соседей рояль и бегал играть на нем. Хозяевам частый гость вскоре надоел, и они убедили Леона Таривердиева купить сыну пианино. Так в семье появился инструмент, а юный музыкант поступил в школу-десятилетку при Тбилисской консерватории. Музицировать Таривердиеву быстро наскучило. В школе требовали играть гаммы и нелюбимую пьесу Чайковского «Похороны куклы». «Какая кукла! Никакой куклы у меня не было! Само название унижало мое достоинство», — вспоминал свои детские ощущения композитор. Однако мать едва ли не силой усаживала его за инструмент. И вскоре Микаэл не только мастерски заиграл, но и начал сочинять. Записывать собственные мелодии оказалось непросто. Одним из первых произведений композитора стал гимн школы в Тбилиси. А уже в тринадцать лет он написал первые балеты — «На берегу» и «Допрос» — на либретто друга-сверстника Георгия Геловани. Спектакли ставил Вахтанг Чабукиани — солист и балетмейстер Ленинградского театра оперы и балета имени С.М. Кирова, который в те годы жил в Грузии.
"Маленький принц", сл. Н.Добронравов. Поет Эдуард Хиль
День рождения «огненного и мечтательного» Луиджи Боккерини
«Пожалуй, не существует инструментальной музыки более вдохновенной, элегантной и милой, нежели квинтеты Боккерини… Это лакомство для наиболее утончённых слушателей и строгих ценителей искусства музыкальной композиции» - так писал музыковед и путешественник Чарльз Бёрни в 1776 году.
*****
Неизвестный художник
Итальянский виолончелист и композитор Луиджи Боккерини
Около 1764-1767 годов
Имя и творческий образ итальянского композитора и виолончелиста Луиджи Родольфо Боккерини (19 февраля 1743 — 28 мая 1805) у многих меломанов неизменно ассоциируется с его знаменитым менуэтом.
Менуэт из Струнного квартета E-dur
Cuarteto Europeo
«Виртуозы Москвы»
Но были ли жизнь и творчество музыканта также легки и грациозны, как его самое известное сочинение, и что кроме менуэта мы сегодня знаем о Боккерини?
Эту песню не забыть... Немногие гитаристы способны передать чувства через игру столь же ярко, как это делал Гэри Мур. Сегодняшний юбиляр — уроженец Белфаста, которому могло бы исполниться 70. Он выступал в составе Thin Lizzy и развивал сольную карьеру. Но его истинной страстью на протяжении всей жизни был блюз.
Весна 1989 года. Гэри Мур гастролировал по Европе в поддержку альбома «After The War». К этому времени ирландский гитарист слегка потерялся во времени и пространстве. Он устал от бесконечного круговорота рока 1980-х с его упором на гитарную пиротехнику, длинные волосы и глуповатые клипы. Ему требовалось пойти на риск, если он собирался двигаться дальше. Но в какую сторону повернуть? Читать далее
«Великий аристократ музыки, перфекционист во всем, человек феноменального интеллекта, сочетавший образцовый музыкальный вкус с суперутонченной техникой и восхитительной чистотой интонации», — вот так писала пресса о Генрике Шеринге, выдающемся польском и мексиканском скрипаче.
А публика?
Публика просто таяла, стоило зазвучать первым звукам его скрипки. Генрик Шеринг (1918 - 1988) принадлежит к числу исполнителей, которые считают одной из важнейших обязанностей пропаганду новой музыки разных стран и направлений.
Он не только «универсален» в охвате явлений современности, но не менее универсален и в охвате эпох.
Его интерпретации сонат и партит Баха для скрипки соло, поражали слушателей филигранностью голосоведения, классической строгостью образного выражения.
И.С.Бах
Фуга из Сонаты № 1
И наряду с Бахом — изящный Мендельсон и порывистый Шуман, скрипичный концерт которого Шеринг буквально возродил к жизни.
Stabat mater – это первые слова анонимного средневекового стихотворения о Богородице, стоящей у креста с распятым Иисусом. Первая строфа этого довольно длинного текста в переводе на русский звучит так:
Стояла мать скорбящая
Возле креста, исполненная слёз,
Где распят Сын.
Этот текст использовался для песнопений в католическом обряде, чаще всего на Страстной неделе. А примерно с 17 века стал использоваться и вне церкви. Это самый лирический жанр на религиозную тему. Чувства матери понятны любому сердцу, поэтому многие композиторы написали на эти слова самые проникновенные и вдохновенные мелодии.
Вот три образца Stabat mater разных композиторов. Читать далее
Если подумать, у какого музыкального инструмента есть душа, то легче всего поверить, что она есть у скрипки. Есть душа, характер, капризы, плохое настроение, ревность одной скрипки к другой. Я это чувствую на профессиональном, подсознательном и на энергетическом уровне.
Утром мне достаточно взять инструмент в руки, и я понимаю, в каком он настроении. Скрипка никогда не звучит два дня одинаково — каждый день по-разному. Не всегда наши настроения совпадают: у меня важный концерт, а скрипка «ушла в себя», а в другой день нет выступлений, а инструмент звучит потрясающе. Это непредсказуемо. Это как отношения с женщиной: это два полюса, и надо найти какую-то ниточку, лучик, который связывает сердце исполнителя с душой инструмента. Вот только тогда сердце, руки исполнителя находят связь с душой, с тембром инструмента.
История знала большое количество примеров, когда выдающийся исполнитель играл на гениальном инструменте, а он не звучал. Исполнитель не подходил инструменту, инструмент не подходил исполнителю по абсолютно непонятным причинам.
Бывает безумно красивая девушка, бывает высокий красивый мужчина, казалось бы, почему они не вместе, почему не счастливы, а они не подходят друг другу. Инструмент — это сложная вещь, ты не можешь сразу сказать, подходит он тебе или нет. Нужны месяцы, а то и годы, чтобы понять. Но, почувствовав, что этот инструмент твой, ты уже связан с ним навсегда. Поэтому проект «Пять великих скрипок» — это в определенном смысле вызов для меня как для исполнителя.
Большой поклонник французской музыки Пётр Ильич Чайковский писал в 1878 году: "Массне я оцениваю ниже, чем Бизе, Делиба и даже Сен-Санса".
Правда, это мнение несколько раз подвергалось пересмотру. Чайковский то приходил в полный восторг от музыки Массне (и даже проливал над ней "целые потоки слез"), то называл её "приторной" и скучной.
Примерно такой же диапазон в оценках музыки этого композитора наблюдается в высказываниях других композиторов и критиков: от восторга (Дебюсси) до упрёков в эклектичности, однообразии, потакании вкусам широкой публики и отсутствии всякой оригинальности. Читать далее
Старая танцплощадка - Золотые шлягеры 30-40-х годов
Это было недавно.. Это было давно..
А завтра взревел набат
Пронзительно и тревожно,
Тревога была не ложной -
Здесь каждый теперь солдат.
А завтра проснулась смерть,
Далёкая и чужая,
Стремительно приближаясь,
Пробила надежды твердь.
А завтра без лишних слов
Горячая и живая,
С грудным молоком мешаясь,
Рекой проливалась кровь.
А завтра была война...
Печатью на сердце дата...
За счастье.. За жизнь.. За брата..
За мирную жизнь для нас. Мехнина Татьяна Буржуйские годы НЭПа 1920х годов - плейлист
Музыкальный гений нашего времени! Мишель Легран – французский композитор, пианист, аранжировщик, дирижёр и певец. Трёхкратный обладатель кинопремии "Оскар", лауреат пяти премий "Грэмми", обладатель премии "Золотой глобус". Написал более 200 песен к кино- и телефильмам. В России, в первую очередь, известен музыкой к французскому кинофильму "Шербурские зонтики". Его фамилия по-французски буквально означает "Великий" - Le Grand ! Колоритный французский шансон, музыка кино, джаз, мюзикл - всё, к чему прикасался Мастер, приобретало большую известность! Сегодня мы услышим и вокал самого Маэстро. 26 января 2019 года его не стало. Леграну было 86 лет.
Лучано Паваротти — выдающийся итальянский оперный певец
Луча́но Паваро́тти — итальянский оперный певец (тенор), один из самых выдающихся оперных певцов второй половины XX века.
Детство и годы обучения
Лучано Паваротти родился 12 октября 1935 года на окраине города Модена на севере Италии в семье Фернандо Паваротти — пекаря и певца, и Адель Вентури — рабочей на фабрике по производству сигар. Несмотря на то что семья имела мало денег, певец всегда отзывался с любовью о своём детстве. Четверо членов семьи жили в двухкомнатном жилище. Вторая мировая война вынудила семью уйти из города в 1943 году. В течение последующего года они снимали одну комнату на ферме в соседней деревне, где Паваротти заинтересовался фермерством.
На этой неделе оставил мир армянский музыкант Дживан Гаспарян, благодаря которому весь мир услышал традиционную музыку дудука.
Дудук – один из самых древних музыкальных инструментов. Есть гипотезы, что он звучал еще в древнем царстве Урарту, территория которого частично принадлежит современной Армении. Об инструменте, похожем на дудук, упоминают расшифрованные письмена Урарту. Можно предположить, что история этого инструмента насчитывает уже более трех тысяч лет.
Дудук -душа абрикосового дерева. Если вдруг станет плохо, послушайте дудук. И плохое станет маленьким и неважным
Страсти по Матфею Иоганна Себастьяна Баха – это такая гора Джомолунгма в классической музыке по всем параметрам: масштабности, глубины и красоты.
“Страсти по Матфею” означает, что это изложение истории страстей (страданий) Христа в версии евангелиста Матфея. В музыке у разных композиторов есть ещё Страсти по версии других евангелистов: Иоанна, Луки, Марка. У Баха известны три таких произведения: Страсти по Матфею, Иоанну и Марку.
Самый монументальный и масштабный шедевр Иоганна Себастьяна Баха и сегодня собирает большие концертные залы. Прекрасная музыка проникает в глубины сердца и пробуждает самые возвышенные мысли и устремления в человеке. Поразительно, насколько сильное влияние может оказывать творение сына человеческого на других людей.
Высокая Месса Си Минор.История создания Почти все композиторы в той или иной мере обращались к духовной музыке. Были и те, кто писал исключительно для церковного богослужения. Они малоизвестны широкой публике. Великие же авторы, вошедшие в историю мировой музыкальной культуры, чаще писали на канонический текст концертные варианты богослужебных песнопений. Тема взаимоотношений человека и бога одна из самых глубоких, философских, позволяющих выразить очень сложную гамму человеческих чувств и помыслов.
Месса как музыкальный жанр сложилась примерно к XIV-XV веку. Традиционно она включала в себя наиболее значимые части литургической службы в католицизме:
Kyrie eleison (Господи, помилуй);
Gloria (Слава);
Credo (Символ Веры «Верую»);
Sanctus (Свят);
Agnus Dei (Агнец Божий).
Есть такая расхожая фраза: «Талантливый человек талантлив во всем!». Одной из самых замечательных особенностей советского кинематографа было наличие большого количества талантливых поющих артистов. При этом наличие голоса у киноактера или киноактрисы – не являлось обязательным условием для того, чтобы песня «пошла в массы» и стала всенародно любимой.
О чём поётся в песне "Хафанана", без которой не обходились советские дискотеки 70-90-х годов. Видео.
Песня, о которой пойдёт речь, знаменита на весь мир и почти всегда становилась «гвоздем программы» дискотек, происходивших в советское время. Пик её популярности и использования пришёлся на 70-90-е годы.
Советские любители мелодий и ритмов зарубежной эстрады узнали новое имя — Африк Симон. Этот жизнерадостный чернокожий парень из Мозамбика исполнял разудалые песни, при этом выступления его больше походили на цирковые номера. Так, он посередине концерта мог сесть на шпагат или сделать колесо.
Главным шлягером Симона стала песня «Хафанана», текст которой в то время многим казался лишь набором звуков.
Afric Simone - Hafanana 1975
Но на самом деле эта композиция несла серьёзное социальное послание и стала впоследствии своеобразном гимном о равноправии рас. В своей песне Симон на языке тсонга, который распространён на юге Африки, поёт о том, что как белые, так и чёрные — все одинаково равны перед Богом. И поэтому им следует не враждовать, а просто заняться хафанана. Точного эквивалента этого африканского понятия в русском языке не существует. Наиболее близкий по смыслу перевод — «расслабься и не отвлекайся на ерунду». Иными словами, Симон призывает своих слушателей смотреть на вещи проще и позитивнее, а также не создавать лишних проблем ни себе, ни другим.
20 марта (по старому стилю) 1873 года родился Сергей Васильевич Рахманинов.
Для стран, где в XIX веке был принят григорианский календарь, 20 марта 1873 года по юлианскому календарю соответствует 1 апреля по григорианскому. Для тех же, кто и в ХХ веке продолжал жить по юлианскому календарю (среди них многие русские эмигранты, семья Рахманинова, русская православная церковь), эта дата приходится на 2 апреля.
Cемья Рахманиновых отмечала день рождения Сергея Васильевича 2 апреля. В паспорте у него тоже стояло 2 апреля. На могиле в Кенсико тоже 2 апреля. источник
10 марта свой 95-летний юбилей отметил выдающийся композитор современности, Лауреат многих советских премий, народный артист РФ - Александр Сергеевич Зацепин. Рассказать о всех его произведениях невозможно. Только по неофициальным данным их больше трёхсот. Но некоторые из них памятны и любимы по замечательным советским фильмам.
К сожалению, видео-отрывки из фильмов, где исполняются песни, запрещены для просмотра на Ли.Ру, поэтому для их просмотра надо нажать надпись: Посмотреть на YouTube и там посмотреть видео
"Песенка про медведей" была написана для фильма "Кавказкая пленница, или Новые приключения Шурика" (1966). Сначала Гайдай не одобрил мелодию будущей песни, сказав, что она слишком заумная. Тогда Зацепин, обидевшись на режиссера, написал ему письмо, что больше с ним сотрудничать не собирается. Руководство киностудии пошло на радикальные меры, уговорив Зацепина и Дербенёва, отправиться в Алушту, где проходили сьёмки. Увидев перед собою автора мелодии, знаменитые Никулин, Вицин, Моргунов, пропели её хором. "Лед был растоплен", также актерам удалось уговорить Гайдая задействовать эту композицию в фильме, где она и прозвучала в исполнении Аиды Ведищевой.
Демис Руссос - один из самых известных исполнителей Греции, обладатель необычного тенора завоевал сердца многочисленных поклонников талантом и умением красочно оформлять свои шоу-выступления. Певец оставил после себя уникальное музыкальное наследие, которое будет жить, пока среди людей звучит его голос.
_5.jpg)
Вот как описывает ее одна из многочисленных статей в New York Times: «Это очень живая личность; много думающая о своей работе, но никогда не бывающая напыщенной. Она любопытна и всегда готова рассмеяться. В двадцатом веке она кажется дома, но не нужно большого воображения, чтобы представить ее в блестящем Париже 1860-х годов: женственная фигура, кремовые плечи, волна падающих темных волос заставляют вспомнить о мерцании свечей и очаровании соблазнительниц минувших времен». 
Соль Габетта – выдающаяся виолончелистка аргентинского происхождения. Ее необычайные музыкальные способности проявились еще в глубоком детстве. В три года она научилась играть на скрипке, а в четыре – на виолончели. 
