Имя Екатерины Билокур, самобытной художницы из народа, запечатлевшей в своих картинах неувядаемую красоту и богатство украинской природы, щедрое плодородие ее земли – навсегда вошло в историю украинского народного искусства. Ее произведения завораживают зрителя щедростью радужных красок, увлекают радостным мировосприятием.
Жизненный и творческий путь Е. Билокур был не из легких. Родилась она 7 декабря 1900 года в с. Богдановке Киевской области в бедной крестьянской семье. Учиться в школе в детские годы ей не пришлось. Но тяга к знаниям, к книге помогла ей позднее восполнить пробелы в образовании. Пристрастие к рисованию, любовь к искусству постепенно вытеснили другие интересы. Родители напрасно старались отвлечь дочь от «непутевого занятия», которое стало смыслом всей ее жизни. Она внимательно изучает живую природу, строение каждого цветочка, каждого стебелька. Так постепенно художница обогащается впечатлениями, проникая в сложный творческий процесс, открывая для себя секреты техники живописи, композиции, рисунка.
Вторая половина 30-х годов – важный период в творчестве Е. Билокур. Художница находит себя в жанре натюрморта, овладевает техникой живописи, композиционным мастерством. Уже первые работы – «Березка» (1934), «Цветы за плетнем» (1935), «Цветы» (1936) свидетельствовали о необыкновенном ее даровании, больших творческих возможностях. Они определили своеобразный, только ей присущий, стиль. Непосредственность в выборе темы, жизнерадостность, сказочная фантастичность композиций, гармоничность цвета становятся основой творческой индивидуальности Екатерины Билокур. Впервые картины Е. Билокур экспонировались в 1940 году на областной выставке в Полтаве, а затем – на республиканской – в Киеве. Они были с восторгом встречены зрителями и получили высокую оценку художников-профессионалов. Успех окрылил и укрепил веру художницы в свои творческие возможности. Она едет в Киев и Москву, чтобы «увидеть настоящие картины настоящих художников». Вдохновленная увиденным, Билокур создает целую серию великолепных композиций. К сожалению, все произведения, экспонировавшиеся на персональной выставке в Полтавском краеведческом музее в 1941 году, погибли во время войны. Уцелели лишь работы, не попавшие на выставку («Цветы и березки вечером», «Цветы в тумане», «Георгины», «Полевые цветы»). Два года, проведенных на оккупированной фашистами территории, были самыми тяжелыми в жизни Екатерины Билокур. Творчески она почти не работала. За это время выполнила только несколько полотен – «Цветы» и «Цветы вечером» (1942), а «Цветы» («Лилии»), начатые в 1942, закончила в конце 1943 года. После освобождения родной Богдановки Билокур снова принимается за любимое дело и создает композиции «Буйная», «Декоративные цветы» (1945), «Привет урожаю» (1946) и «Царь-колос».
50-е годы в творчестве Екатерины Билокур – самые плодотворные. Она пишет такие оригинальные и яркие натюрморты, как «Цветы, яблоки, помидоры», «Завтрак» (1950), «Арбуз, морковь, цветы» (1951), «В Шрамковском районе на Черкасской земле» (1955-1956), «Цветы, виноград» (1953-1958). Натюрморты Билокур захватывают философским осмыслением жизни. Изображенные на них цветы, овощи, предметы быта благодаря фантазии, образному языку художницы превращаются в величальные песни природе, человеку и его деяниям, в символы красоты. На ее картинах все выписано удивительно скрупулезно и материально. Мы как будто вбираем в себя запах горячего пара, подымающегося из разваренной картофелины, нас пьянит аромат мягкой пористой поверхности срезанного ржаного куска хлеба, только что испеченного, физически ощущаем прозрачность виноградных гроздьев, нежные запахи цветов, вкус сочного арбуза.
Реальному воспроизведению действительности помогает тонкое чувство цвета. В ее произведениях преобладают мягкие тональные переходы. Ей чужды резкие контрасты света и тени. Эффекта она достигает за счет чистых красок, что вообще присуще народному декоративному искусству.
Со средины 50-х годов Билокур пробует свои силы в технике акварели. Лучшие ее работы – «Сентябрь в селе Богдановке», «За селом» (1956), «Ранней весной» (1958), «Осень» (1960). Художница в них достигает правдивой передачи богатства красок окружающего мира, а также предельной эмоциональной выразительности. В последние годы, уже тяжело больная, Екатерина Билокур создает ряд значительных живописных полотен («Георгины», 1958; «Пионы», 1958; «Богдановские яблоки», 1959; «Букет цветов», 1960 и др.). 9 июня 1961 года талантливой художницы не стало.
В селе Богдановке, на площади перед школой стоит гранитный памятник. У подножия его всегда цветы, которые так любила и так поэтично воспела в своих произведениях художница. Екатерина Билокур по праву заняла ведущее место в истории украинского народного искусства как непревзойденный мастер-певец природы и совершеннейшего из ее созданий- цветов. Такого соседства разнообразных цветов, которое мы видим на полотнах Билокур, в природе нет. В букеты и венки их соединила неуемная фантазия художницы. «Может вы недовольны моей работой, – писала она в одном из писем, – поскольку я рисую лишь одни цветы? Но как же их не рисовать, если они такие красивые! Я и сама, когда начинаю рисовать очередную картину с цветами, иногда думаю: вот когда эту закончу, тогда уже буду рисовать что-нибудь из жизни людей. Но пока закончу, в голове уже возникает целый ряд новых картин, и одна другой чудеснее и одна другой краше – и все цветы. Вот вам и весь сказ. А придет весна, зазеленеют травы, а потом и цветы зацветут... И боже мой! Как глянешь кругом – те хороши, а те еще лучше, а те еще чудесней... И я забываю все на свете, и снова рисую цветы. Не гневайтесь на меня, мои близкие и далекие друзья, что я рисую цветы, ведь из цветов картины красивые». Наполненные светом и солнцем, играющие жизнерадостными красками, картины Билокур продолжают очаровывать зрителей, порождать в них благодарное чувство к художнице.

Из альбома
«Екатерина Билокур»
(с сокращениями)

"Огородные цветы" (1952)
"Мальвы и розы" (1954-1958)

Виртуальные галереи:
http://www.ukrop.com/ua/encyclopaedia/100names/6170.html
http://www.bilokur.iatp.org.ua/seredina_2.html
http://svit.ukrinform.com:8101/bilokur.shtml
http://www.everyday.com.ua/arts/bilokur/

Рембрандт Ван Рейн. Автопортрет


Рембрандт Харменс ван Рейн родился в июле 1606 г. К первым годам его творчества относится небольшая картина, изображающая пророчицу Анну. Моделью для евангельской героини послужила престарелая мать художника. Одетая в бархатный глухо-красный плащ и причудливый головной убор с золотой каймой, она читает большую Библию.
Рембрандт умело передает строение, характер поверхности, живописную красоту предмета, который обретает у него «одухотворенность», своеобразную человеческую значимость. Так, большая тяжелая книга с красиво загибающимися страницами воспринимается как воплощение знания, мудрости – прежде всего, мудрости этой согбенной старушки, которая погружена в чтение. Вместо портрета перед нами собирательный образ мудрой, просветленной старости.
В творчестве Рембрандта большое место занимают сюжеты, заимствованные из библейских и евангельских легенд. В отличие от католических стран, в протестантской Голландии подобные картины не были предметом религиозного поклонения, они служили пищей для морального поучения, философского размышления о человеческих судьбах. Поэтому Рембрандт имел возможность выбирать в священном писании такие эпизоды, которые не имели значения для церковной службы, однако полны глубокого психологического смысла.
Портрет матери Рембрандта

Одна из таких работ – маленькая картина «Иосиф рассказывает сны». Библейский герой, юноша Иосиф, с увлечением рассказывает своим родным вещий сон, который сулит, что он возвысится над всеми. Старик-отец и больная мачеха в глубоком раздумье стараются понять, какое будущее ожидает мальчика. Слева – шумные, грубые, насмешливые, полные зависти и недоверия старшие братья Иосифа; они будут преследовать его своей враждой. В древней легенде Рембрандт видит острый психологический конфликт. Он выбирает тот многозначительный момент повествования, когда решается будущее.
1630-е годы – время необычной популярности Рембрандта-портретиста. В бесконечном потоке заказных портретов этих лет к числу самых выразительных относится портрет Марии Трип. Он очень красив и богат в живописном отношении. Рембрандт не выписывает деталей. Черный шелк платья, золотое шитье, очень дорогое кружево... Возможно, это представительница одного из богатейших амстердамских семейств.
Возвращение блудного сына


Вместе с «Ночным дозором» и «Синдиками» к числу крупнейших произведений Рембрандта относится «Отречение св. Петра». Оно написано в 1660 г., в поздний период творчества мастера, отмеченный самыми высокими достижениями. Сюжет из евангельской легенды: когда Христос был взят по стражу, апостол Петр ночью забрел в солдатский лагерь. Узнавшая его служанка спросила, не был ли он среди последователей схваченного Христа, но он ответил отрицательно, отрекшись тем самым от своего учителя и своей веры. Изображая ночную сцену, Рембрандт использует выразительные возможности освещения.
Служанка прикрывает рукой пламя свечи. Свет от пламени падает на ее стройную фигуру, белую рубашку и красный корсаж. Ее взгляд с наивностью обращен на св. Петра. Но его печальный и тревожный взгляд скользит мимо нее. Черты его лица лишены определенности, их формы растворяются в игре неясных отсветов и бликов. Он полон волнения, неуверенности, тревоги, готов вернуть слова, сорвавшиеся с языка. Психология этого образа, казалось бы, выходит за рамки возможностей живописи, однако Рембрандт достигает духовного богатства именно средствами изобразительного искусства: свет, цвет, объем, мазок – все работает на необычайно глубокое и сложное переживание св. Петра.
Отречение апостола Петра

Петр, закутанный в широкий плащ из белой шерсти, противопоставлен не только служанке, но и воину, сидящему на переднем плане. Тревожная одухотворенность Петра сопоставлена с грубой силой воина, мягкость белого плаща – с таинственно и угрожающе поблескивающими доспехами. В глубине виднеется еще одна группа, окружающая высокую фигуру со связанными руками. Это Христос, который молча прислушивается к словам отречения, произнесенным его учеником.
Поздние произведения Рембрандта обладают огромной силой, выразительностью и определенностью содержания, несмотря на всю свою сложность. Всякая попытка облечь в слова психологическую сущность портрета или этический пафос библейской картины останавливается на полпути. Словесная речь оказывается лишь приблизительным, поверхностным отчетом о смысле речи живописной.
Картина «Синдики цеха суконщиков» внешне не отступает от традиций подобного группового портрета, выработанных голландскими живописцами: перед нами группа сидящих за столом мужчин в обычных черных костюмах и шляпах, позади них стоит слуга с непокрытой головой. Каждое из этих лиц – тончайший психологический портрет, и в каждом так или иначе преломился тип дальновидного, энергичного, но внешне сдержанного голландского дельца, т.е некий идеал их сословия. По традиции все они смотрят на зрителя, и один из них держит речь, перелистывая фолиант корпорации. Чтобы избежать однообразия, художник чередует сидящие фигуры с привставшим синдиком и стоящим слугой.
Рентгеновские снимки показали, что Рембрандт долго искал окончательный, наиболее гармоничный вариант композиции, сдвигал фигуры, несколько раз менял их позы и трижды переставлял на другое место фигуру слуги. Однако в законченной картине ничто не говорит об этих долгих, трудных поисках. Кажется, что роскошный красный ковер, покрывающий стол, внимательные, полные внутренней жизни, лица, книга одного, шитые золотом перчатки другого – все это написано в каком-то вдохновенном порыве.
В Амстердаме находится старинный дом, который стоит на границе бывшего еврейского квартала, недалеко от современного рынка. Это дом Рембрандта. Художник купил его в 1639 г., он жил и работал здесь 20 лет, но в 1658 г. дом был продан с аукциона за долги. За прошедшие с тех пор 350 лет он сменил много хозяев, которые перестроили его внутри. Теперь это музей – «Дом Рембрандта». На стенах работы его учителей и учеников, гравюры его эпохи.
Кроме офортов, музей располагает всего одним произведением Рембрандта. Это рисунок самого художника во время работы. Решительным жестом, уперев руки в бока, он зорко смотрит вперед, как бы вглядываясь в находящуюся перед ним, но не показанную на рисунке картину на мольберте, чтобы на века запечатлеть еще одну психологическую сцену, которую будут разгадывать последующие поколения...

Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression – впечатление), направление в искусстве последней трети 19 – начала 20 века, мастера которого, фиксируя свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Импрессионизм зародился во французской живописи в конце 1860-х годов:
Э. Мане (формально не входивший в группу импрессионистов), О.Ренуар, Э. Дега внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, обратились к изображению мгновенных, выхваченных из потока реальности ситуаций, духовной жизни человека, изображение сильных страстей, одухотворение природы, интерес
к национальному прошлому, стремление к синтетическим формам искусства сочетаются с мотивами мировой скорби, тягой к исследованию и воссозданию "теневой", "ночной" стороны человеческой души, со знаменитой "романтической иронией", позволявшей романтикам смело сопоставлять и уравнивать высокое и низменное, трагическое и комическое, реальное и фантастическое. использовали фрагментарные, реальности ситуаций, использовали фрагментарные, на первый взгляд неуравновешенные композиционные построения, неожиданные ракурсы, точки зрения, срезы фигур. В 1870–1880-е годы формируется пейзаж французского импрессионизма: К. Моне, К. Писсарро, А. Сислей выработали последовательную систему пленэра, создавали в своих картинах ощущение сверкающего солнечного света, богатства красок природы, растворения форм в вибрации света и воздуха. Название направления произошло от наименования картины К. Моне "Впечатление. Восходящее солнце" ("Impression. Soleil levant"; экспонировалась в 1874, ныне в Музее Мармоттан, Париж). Разложение сложных цветов на чистые составляющие, которые накладывались на холст отдельными мазками, цветные тени, рефлексы и валёры породили беспримерно светлую, трепетную живопись Импрессионизма. Отдельные стороны и приемы импрессионизма использовались живописцами Германии (М. Либерман, Л. Коринт), США (Дж. Уистлер), Швеции (А.Л. Цорн), России (К.А. Коровин, И.Э. Грабарь) и многих других национальных художественных школ. Понятие импрессионизм применяется также к скульптуре 1880–1910-х годов, обладающей некоторыми импрессионистическими чертами – стремлением к передаче мгновенного движения, текучестью и мягкостью формы, пластической эскизностью (произведения О. Родена, бронзовые статуэтки Дега и др.). Импрессионизм в изобразительном искусстве оказал влияние на развитие выразительных средств современной ему литературы, музыки, театра. Во взаимодействии и в полемике с живописной системой импрессионизма в художественной культуре Франции возникли течения неоимпрессионизма и постимпрессионизма.

Неоимпрессионизм (франц. neo-impressionnisme) - течение в живописи, возникшее во Франции около 1885, когда его главные мастера, Ж. Сера и П. Синьяк, разработали новую живописную технику дивизионизма. Французские неоимпрессионисты и их последователи (Т. ван Рейселберге в Бельгии, Дж. Сегантини в Италии и др.), развивая тенденции позднего импрессионизма, стремились приложить к искусству современные открытия в области оптики, придав методичный характер приемам разложения тонов на чистые цвета; одновременно они преодолевали случайность, фрагментарность импрессионистической композиции, прибегали в своих пейзажах и многофигурных картинах-панно к плоскостно-декоративным решениям.

Постимпрессионизм (от лат. post -после и импрессионизм) - собирательное название основных течений французской живописи конца 19 – начала 20 веков. Мастера постимпрессионизма, многие из которых примыкали к импрессионизму, с середины 1880-х годов искали новые выразительные средства, способные преодолеть эмпиризм художественного мышления и позволить перейти от импрессионистической фиксации отдельных мгновений жизни к воплощению ее длительных состояний, материальных и духовных констант. Для периода постимпрессионизма характерно активное взаимодействие отдельных направлений и индивидуальных творческих систем. К постимпрессионизму обычно причисляют творчество мастеров неоимпрессионизма, группы "Наби", а также В. ван Гога, П. Сезанна, П. Гогена.
(Галерея живописи Small Bay)

К.Моне, Впечатление. Восход солнца

Для создания музея, где должна была разместиться коллекция работ Ван Гога, был приглашен ведущий голландский архитектор.
Спустя всего шесть месяцев после смерти Винсента Ван Гога скончался его любимый брат Тео, которому было тогда 33 года и который умер, по заключению врача, от «перенапряжения и горя». Вдова Тео, Иоанна, осталась с новорожденным сыном на руках и огромным количеством полотен Винсента, с его рисунками, письмами к ее покойному супругу (разрозненными и часто не датированными). Иоанна почти не знала своего шурина, и друзья советовали ей избавиться от этого не имеющего никакой ценности наследства. Однако она обратилась к письмам, «не ради Винсента, но только ради Тео, чтобы узнать каждую мелочь, волновавшую его при жизни». Вскоре Иоанна оказалась захваченной жизнью и творчеством Винсента. Ее призванием (а позже и призванием ее сына) стало увековечение памяти великого художника, что позволило Иоанне сохранить в неприкосновенности почти все доставшееся ей наследство. Сегодня это собрание составляет ядро коллекции Национального музея Ван Гога в Амстердаме, где представлено большинство знаменитых работ художника. Подвиг Иоанны, сумевшей сохранить эти кар-гины, позволил посмертно восстановить доброе имя художника. Она также считала, что лучшей памятью о нем будут его письма, и начала публиковать их в журналах, а в 1914 году смогла выпустить в свет трехтомник писем Ван Гога. Благодаря этим письмам жизнь Ван Гога стала известна всему миру лучше, чем жизнь любого другого художника.

СОХРАНЕННАЯ КОЛЛЕКЦИЯ

Хотя переживаемые Иоанной финансовые затруднения и вынудили ее продать несколько картин своего шурина, большая часть коллекции сохранилась и после смерти Иоанны в 1927 году перешла по наследству к ее сыну, док-гору Винсенту Виллему Ван Гогу, который был талантливым инженером. Доктор Ван Гог жил в Ларене, неподалеку от Амстердама, и искусствовед Джон Ревальд, впервые посетивший его в 1930-х годах, писал, что весь его дом был памятником Ван Гory: «Здесь я не увидел никаких признаков богатства. Привычки и образ жизни хозяина оказались как нельзя более простыми."
Картины Ван Гога размещены в хронологическом порядке, что позволяет посетителям проследить, как развивался стиль художника, начиная от ранних мрачных рисунков до ярких, наполненных светом картин позднего периода его творчества.
Внешний вид музея, построенного по проекту Геррита Ритвельда.
Однако весь дом оказался заполненным картинами и рисунками дяди хозяина, а так как он едва мог вместить все холсты художника... то на протяжении ряда лет работы Ван Гога арендовал Городской музей Амстердама, где они выставлялись и были доступны широкой публике». Доктор Ван Гог всегда охотно предоставлял картины для выставок и помогал всем, изучающим творчество его дяди, а после Второй мировой войны начал задумываться над дальнейшим размещением своей коллекции. Ее можно было передать детям, но в этом случае коллекция оказалась бы разделенной между ними. Вместо этого он добился специального разрешения от городских властей Амстердама и правительства Голландии на создание специального музея. Земля под строительство музея была предоставлена городским муниципалитетом, неподалеку от двух главных музеев Амстердама — Городского и Государственного. Государство согласилось оплатить строительство здания и взяло на себя затраты, связанные с его эксплуатацией.

ДОСТОЙНОЕ МЕСТО

Работы по строительству музея начались в 1963 году, и доктор Ван Гог, как опытный инженер, тоже принял участие в его проектировании. Он был озабочен тем, чтобы работы его дяди были представлены как можно удачнее и чтобы сам музей стал удобным и уютным для посетителей.
Окончательно открытый в 1973 году, музей Ван Гога быстро превратился в одну из достопримечательностей Амстердама и стал местом, которое посещается многочисленными туристами. Здание музея отличается простотой, оно построено в современном стиле, в нем много воздуха, а работы художника развешены в открытых галереях, обеспечивающих свободный доступ к картинам. Начиная с 1998-1999 годов музей стал пополняться новыми поступлениями за счет денежных пожертвований, предоставляемых японской страховой компанией «Ясуда Файр эпд Мэрии Иншуранс».

ПОСЛЕДНЯЯ НАГРАДА.

Всю свою жизнь доктор Ван Гог посвятил этому музею. Он умер в 1978 году, не дожив нескольких дней до своего 88-летия. Его друг, Джон Ревальд, писал, что «в доме доктора Ван Гога в Ларене, в котором тот жил на протяжении 40 лет, не осталось ни одной картины Винсента Ван Гога... однако сам хозяин дома выглядит умиротворенным и счастливым, так, словно сбросил, наконец, тяжелый груз, давивший на его плечи в течение такого долгого времени».
Четыре этажа музея соединены удивительными открытыми лестничными пролетами и площадками, которые кажутся подвешенными в пустоте.
На ранней картине «Пшеничное поле с жаворонком» (1887), выставленной в музее, один из излюбленных сюжетов Ван Гога. Здесь поле изображено в гораздо более спокойных тонах, чем на полотнах, созданных художником в последние, мучительные месяцы жизни.
Коллекция музея
В музее Ван Гога находится более 200 картин Винсента (около четверти от их общего числа), более 500 рисунков (более половины его наследия, включая ранние и даже детские рисунки) и свыше 700 писем (большинство которых адресовано его брату, Тео). Здесь же хранится коллекция любимых Ван Гогом японских эстампов. Часть работ (в первую очередь рисунков) была приобретена после открытия музея, однако основу его коллекции по-прежнему составляет собрание, сохраненное родственниками художника. В музее также имеется библиотека и научные лаборатории, что превращает его в центр по изучению творчества Ван Гога. Помимо работ самого Ван Гога, здесь представлены картины его друзей и некоторых ведущих художников того времени, а также регулярно проводятся выставки.
Ранняя акварель Ван Гога «Государственная лотерея» написана в 1882 году.

Сейчас, пожалуй, трудно найти человека, которому было бы незнакомо имя Винсента Ван Гога, голландского художника, творившего в конце XIX века во Франции. Он, не признанный современниками, у потомков снискал невиданную популярность. Полотна его кисти, спустя сто лет после появления на свет, стали не только одними из самых дорогих произведений современного искусства, они, наконец, были по достоинству оценены знатоками и ценителями подлинных шедевров. Сейчас его произведения украшают собрания самых знаменитых галерей и музеев мира (Музей Метрополитен, Нью-Йорк; Художественный институт, Чикаго; галерея Тейт, Лондон). Судьба картин Ван Гога становится объектом пристального внимания почитателей живописи со всего мира. Ван Гог, чье творчество сейчас искусствоведы называют характерным примером постимпрессионистической живописи, в свое время не получил систематического академического образования и вообще творить начал довольно поздно. Однако, несмотря на это, благодаря дару, постоянным усилиям, труду и собственному неповторимому взгляду на мир, он сумел создать подлинные шедевры.

Любовь к прекрасному, вероятно, зародилась еще в юности, когда будущий мастер работал продавцом полотен в салонах фирмы Гупиль. Однако перипетии личной жизни, опыт, накопленный за столь небольшой период, и, что немаловажно, пример отца привели его к мысли о том, что необходимо нести слово Господа миру и людям. Так, молодой проповедник Винсент Ван Гог попадает в бельгийский шахтерский поселок под названием Боринаж. Как человек, тонко чувствующий, он не мог оставаться равнодушным к тому, что здесь видел - к нищете и бесправию. Осознание того, что он сам не в силах как-либо облегчить жизнь обитателей Боринажа, заставляет Ван Гога задуматься о смысле и пользе его профессии, а скорее, о ее бессмысленности. Так, постепенно он отходит от деятельности проповедника и начинает заниматься набросками с натуры.

Первые работы 27-летнего Ван Гога были во многом неуклюжими и не очень удачными, но именно они стали первым шагом на пути осознания истинного жизненного призвания. Первыми героями его произведений становятся шахтеры. Именно их фигурки, согнутые вековой усталостью, запечатлевал бывший проповедник. Большую поддержку в эти нелегкие для художника годы оказал его брат Тео, который не просто материально помогал Ван Гогу, но и был ему близким по духу человеком, высоко ценил его творчество. На начальном творческом этапе невероятной удачей для начинающего живописца стала встреча с голландским мастером Мауве, который помог Ван Гогу постичь азы живописи и открыть некоторые законы искусства. Но все же основной путь художнику пришлось проделать самостоятельно, постоянно пребывая в процессе творческого поиска, в изучении натуры.

На протяжении всего творческого пути неизменным оставался интерес Ван Гога к человеку. Поэтому именно человек, венец мироздания, становится главным героем его первых произведений. Художника не могла не волновать жизнь людей, с которыми он прожил бок о бок несколько лет и был свидетелем их мук и бед. В 1885 году появляется полотно "Едоки картофеля". Оно выдержано в темной гамме, словно напоминающей о цвете земли, которую возделывают крестьяне. Создавая картину в сдержанном колорите, художник в этот период все больше внимания уделяет формальной стороне полотна.

После поездки в Париж и знакомства с импрессионистами в 1886 году манера Ван Гога несколько меняется. Его полотна становятся более эмоциональными. Они будто наполняются светом. Палитра обогащается, она становится более красочной, картины словно преображаются. В полной мере раскрыться творческому потенциалу художника помогает путешествие на юг Франции, в Арль, где он, будто на одном дыхании, создает ряд прекраснейших и вдохновенных произведений. Здесь Винсент Ван Гог думает воплотить свой грандиозный замысел. В этом благословенном месте, наполненном древними архитектурными памятниками, он мечтал организовать колонию художников. И не случайно то, что именно здесь он создает полотно под чарующим названием "Сад поэтов". Сам Ван Гог воспринимал городской сад как особое пространство, где можно, предаваясь своим мыслям, освободиться от тяжести забот повседневной жизни. Такой сад, по мысли Ван Гога, способен разбудить воображение и творческую фантазию. Сад, словно живой организм, его буйная зелень, листва и трава переживают постоянное обновление и таят в себе законы вечности. Пытаясь постичь непреходящие законы мироздания и отразить этот процесс в своих работах, Ван Гог мастерски использует символику цвета, он играет его "созвучиями" и "контрастами", благодаря чему полотна приобретают свой собственный ритм и звучание. Так, нетрудно заметить, что желтые, солнечные тона становятся едва ли не главными в полотнах живописца. Желтый - символ жизни, зрелого и полноценного урожая, выращенного руками тружеников-крестьян (особенно ярко проявляется в полотнах "Подсолнечники" и "Сеятель").

Природа на картинах Ван Гога живет собственной полноценной жизнью, она динамична, постоянно пребывает в движении, преобразуется и видоизменяется. Она может быть источником жизни для человека, рождая злаки и вскармливая виноградники, а может отвернуться от него, следуя собственному пути. Так, в полотне "Красные виноградники в Арле" художник воспевает торжество жизненных сил, благодаря символике динамичных пурпурных, буро-красных, оранжевых сочных оттенков. Картина словно звучит, она превращается в гимн природе.

Как в природе художник пытается найти духовное начало, так и в окружающих людях его привлекает богатство внутреннего мира. Ван Гог нередко запечатлевает симпатичных ему людей, зачастую своих друзей. Портреты "Арлезианка", "Почтальон Рулен", "Зуав" будто излучают любовь и уважение, чувства, которые живописец испытывает по отношению к портретируемым. Контрастная палитра этих полотен становится символическим воплощением жизненных трудностей и радостей, воли к жизни, несмотря на трудности, выпавшие на долю этих людей.

Буквально во всем Ван Гог пытался найти человеческое, поэтому столь трудно ему было жить и работать в мире, где человек отождествлялся с машиной и его значимость оценивалась лишь с точки зрения его полезности. Духовная жизнь все меньше становится востребованной, а прежние связи в процессе развития цивилизации и прогресса рушатся. Эта причина и субъективные пессимистические настроения приводят художника к болезни (психическому расстройству).

В 1889 году он становится пациентом лечебницы Сен-Реми. Однако эти годы не проходят для мастера бесследно, после кризиса он продолжает творить. В это время он создает множество портретов, пейзажей с кипарисами, этюдов, копий полотен Милле.

В числе наиболее интересных - натюрморты с ирисами, на основе которых художник продолжает исследовать возможности цветовых сочетаний. На тему "ирисы в провансальском кувшине" появляется четыре вариации. Ван Гог так писал о работе над этими натюрмортами: "Один из них - на розовом фоне, где эффект гармоничен и мягок, благодаря сочетанию зеленых, розовых и лиловых тонов. Второй… совершенно противоположен первому. Помещенный на сверкающем лимонно-желтом фоне с другими тонами желтого в вазе и подставке, на которой он стоит, он создает эффект контрастных дополнительных цветов, которые усиливают друг друга."

Последние произведения художника, среди которых - "Пейзаж в Овере после дождя", восхищающий чистотой и словно первозданной красотой мира, были созданы в Овере, небольшой деревушке под Парижем. Именно здесь один из самых почитаемых в ХХ веке художников уходит из жизни. Так и не понятый своими современниками, он оставляет потомкам множество шедевров и удивительных писем, обращенных к брату Тео. Эти письма стали одними из самых интересных размышлений о творчестве и жизни художников XIX века.

Подсолнухи, 1888. Новая Пинакотека, Мюнхен


Портрет доктора Гаше, 1890 Лувр, Париж


Звездная ночь, 1889. Музей современного искусства, Нью-Йорк

Творчество Франсиско Гойи многообразно и охватывает самые разные жанры. Однако ничто так не поражает воображение зрителя, как мрачные, тревожные, навечно западающие в память «Черные картины», написанные художником на закате жизни.

Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес родился 30 марта 1746 года в Фуэндетодо-се, небольшой деревушке, затерявшейся среди арагонских скал на севере Испании. В семье мастера-позолотчика Хосе Гойи росло трое сыновей: Франсиско был младшим. Один его брат, Камилло, стал священником; второй, Томас, пошел по стопам отца. Образование братьям Гойя удалось получить весьма поверхностное, и потому Франсиско всю жизнь писал с ошибками. К концу 1750-х годов семья переехала в Сарагосу. Около 1759 года (то есть в возрасте 13 лет) Франсиско поступил в ученики к местному художнику Хосе Лу-сан-и-Мартинесу. Учение продлилось около трех лет. Большую часть времени Гойя копировал гравюры, что вряд ли могло ему помочь постигнуть азы живописи. Правда, свой первый официальный заказ Франсиско получил именно в эти годы — от местной приходской церкви. Это была рака для хранения мощей.
В 1763 году Гойя перебрался в Мадрид, где пытался поступить в Королевскую академию Сан-Фернандо. Потерпев неудачу, молодой художник не опустил руки и вскоре стал учеником придворного живописца Франсиско Бай-еу.
В 1773 году он женился на Хосефе Байеу. Это поспособствовало его утверждению в художественном мире того времени. Хосефа приходилась сестрой упомянутому Франсиско Байеу, пользовавшемуся немалым влиянием.
У Гойи и Хосефы родилось несколько детей, но все они, за исключением Хавьера (1784—1854), умерли в младенческом возрасте. Этот брак продолжался до самой смерти Хосефы, наступившей в 1812 году.
В 1780 году Гойю наконец-то приняли в Королевскую академию Сан-Фернандо.
Зимой 1792—93 годов безоблачной жизни преуспевающего художника пришел конец. Гойя отправился в Кадис навестить своего друга, Себастьяна Мартинеса. Там он перенес неожиданную и загадочную болезнь. Некоторые исследователи полагают, что причиной этой болезни могли стать сифилис или отравление ядом. Как бы то ни было, художника постиг паралич и частичная потеря зрения. Следующие несколько месяцев он провел на грани между жизнью и смертью.
В 1795 году, после смерти Байеу Гойя стал директором живописного отделения Королевской академии Сан-Фернандо.
Этот период отмечен обращением к более свободной технике рисунка и гравюры и серьезными занятиями офортом. Первая серия из 80 офортов, объединенных названием «Капричос», была опубликована в 1799 году и поразила всех острой социальной сатирой, соединением гротеска и реальности и новизной художественного языка. К религиозным работам Гойи этого периода относится оформление церкви Сан-Антонио де ла Флорида в Мадриде (1798), выполненное им всего за три месяца. В эти же годы художник создал целый ряд портретов. Среди них — портрет герцогини Альбы, с которой в 1796-97 годах у художника была связь. Считается, что именно она позировала Гойе для знаменитой «Махи обнаженной».
Последние годы своей жизни Гойя провел во Франции в Бордо, где и умер 16 апреля 1828 года, в возрасте 82 лет. Его прах был перевезен на родину и захоронен в мадридской церкви Сан-Антонио де ла Флорида. Той самой церкви, стены и потолок которой когда-то расписал художник.

Маха обнажённая

МАРИЯ-ЛУИЗА (1789)


Семья короля Карла IV