Владимир Евграфович Татлин (1885-1953). Макет «Памятника III Интернационала» (Дерево, металл. Высота 5 м.), реконструированного преподавателями и студентами Пензенского художественного училища им. К.А. Савицкого Дмитрием Димаковым, Игорем Федотовым и Еленой Лапшиной. Макет установлен в Государственной Третьяковской галерее на Крымском валу в 1994 году.

Продолжаю рассказ о книгах и альбомах по искусству из моей библиотеки. На этот раз речь пойдет о художниках русского авангарда. К ним условно можно отнести русских художников, родившихся в 1861-1898 годах в Российской империи и принимавших активное участие в объединениях «Бубновый валет», «Ослиный хвост», «Союз молодежи», «Венок-Стефанос», «Мастера аналитического искусства», УНОВИС, выставках салона «Золотое Руно», Салона Издебского и многих других группировок начала ХХ века. Все художники будут расположены строго по их годам рождения (по старшинству) независимо от роли и значения в мировом искусстве. Сегодня мой рассказ о книгах про художников Г.Б. Якулова, З.Я. Матвееву-Мостову, В.Е. Татлина, О.В. Розанову, Н.А. Удальцову и Б.Д. Григорьева.
Для справки: указаны цены на некоторые книги на момент издания или покупки.




Георгий Якулов в кругу московской богемы. Фотография 1920-х гг.

«Эпоха - это я», так говорил Георгий Якулов. При всей дерзости высказывания, в этом есть доля истины. Остро чувствуя дух времени, художник облекал его в невиданные формы. В кругу московской богемы он получил прозвище «Жорж Великолепный».
Девятый ребенок в большой армянской семье, Георгий родился 2 февраля 1884 года в Тифлисе. Мать не чаяла в сыне души, а братья и сестры с детства звали его Жоржем, уж больно мальчишка был шустрым и озорным. После смерти отца забота о семье легла на плечи матери, которую Якулов боготворил. Уже повзрослев и хлебнув невзгод, он писал ей: «Нет человека… которому я был обязан так, как Тебе! Нет ночи, утра и дня, чтоб не вспомнил Тебя, будь то на войне, среди друзей или работы... Знай, моя единственная и бесконечно милая моему сердцу, что я всегда с Тобой и за Тебя. Живи, потому что это поддерживает меня. Люблю и целую Тебя. Твой сын Жорж».


Семен Аладжалов «Георгий Якулов». (Монография). Предисловие Рубена Симонова. Ереван, Армянское театральное общество, Институт искусств Академии наук Армянской ССР, 1971 г. – 320 стр., около 80 цветных и тоновых иллюстраций. Тираж 2.000 экз. Цена 1 руб. 74 коп. На суперобложке: Г.Б. Якулов «Принцесса Брамбилла». Эскиз костюма капитана. 1920 г.
Автор Семён Иванович Аладжалов (1902-1987) знал Георгия Якулова лично и находился рядом с ним в последние годы творчества художника.


Г.Б. Якулов (1884-1928). Скачки. 1905 г. Бумага, наклеенная на картон, гуашь, акварель,
графит, кисть, перо. 102,5х69 см. Государственная Третьяковская галерея.


Г.Б. Якулов (1884-1928). Кафешантан (Гуляние в парке). 1905-1906 гг. Холст, масло. 96х64 см.
Государственная Третьяковская галерея.

Удивительно, что живописец, не получивший систематического научного образования, выработал свое видение и свою теорию. Может, потому и не примыкал ни к одной из артистических группировок, коих в начале прошлого века в России дореволюционной, а потом и советской было пруд пруди. Но Якулов часто выставлялся, много публиковался, поскольку был удивительно работоспособен. Теория разноцветных солнц была обнародована в 1906 г. в Обществе свободной эстетики.


Г.Б. Якулов (1884-1928). Улица. 1909 г. Картон, масло, бронза. 48,2х30,6 см.
Национальная картинная галерея Армении, Ереван.


Г.Б. Якулов (1884-1928). Тверская улица. 1909 г. Картон, масло. 110х81,5 см.
Национальная картинная галерея Армении, Ереван.

В 1911-1912 гг. Якулов жил в Париже, где помимо прочего познакомился с Пабло Пикассо, Робером и Соней Делоне, в лице которых нашел не только друзей, но и единомышленников: чета Делоне также развивала собственную теорию света, супруги были, как и Якулов, «цветописцами». На первый взгляд некоторые работы этого периода действительно кажутся преломленными в лучах солнечного света. Живопись Якулова яркая, иногда декоративная, она удивительно ритмична, мазки динамичны, краски не средство изображения, они играют на холсте собственную драматическую роль.


Г.Б. Якулов (1884-1928). Декоративный эскиз. 1909 г. Бумага, картон, гуашь, акварель, золото. 54х75 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


Г.Б. Якулов (1884-1928). Монте-Карло. 1913 г. Картон, масло. 53,3х75,5 см.
Национальная картинная галерея Армении, Ереван.


Георгий Якулов. Каталог выставки в Музее искусства народов Востока. Москва, Издательство «Советский художник», 1975 г. - 76 стр., илл. Тираж 5.000 экз. В издании принимали участие: Министерство культуры Армянской ССР, Государственная картинная галерея Армении и Государственный музей искусства народов Востока (ныне Государственный музей Востока). На обложке фрагмент картины Г.Б. Якулова «Улица». 1909 г. Национальная картинная галерея Армении, Ереван (см. выше).


Г.Б. Якулов (1884-1928). Бар. 1910 г. Холст, масло. 66х101 см. Государственная Третьяковская галерея.

В 1920-е гг. в жизнь Якулова врывается театр. И тут снова Великолепному Жоржу нет равных. Он не только создавал эскизы костюмов и декораций, он думал над реформированием театра, модернизацией сценографии. Якулов работал с театрами Евгения Вахтангова, Александра Таирова, Рубена Симонова. Сергей Дягилев специально пригласил его для работы над оформлением балета Сергея Прокофьева «Стальной скок». Постановка имела оглушительный успех в Париже, нарком Луначарский позднее вспоминал, что «аплодисменты тянулись в течение всего спектакля», а Якулов «несомненно придавший всей постановке наиболее оригинальный, по-нашему пахнущий характер, был вызван публикой 8 раз».


Г.Б. Якулов (1884-1928). Карусель. Эскиз театральной декорации. Бумага, акварель, гуашь, бронза. 22,5х28,2 см.
Национальная картинная галерея Армении, Ереван.


Е.М. Костина «Георгий Якулов. 1884-1928». Альбом. Москва, Издательство «Советский художник», 1979 г. - 208 стр., более 160 цветных и тоновых иллюстраций. Тираж 20.000 экз. Цена 4 руб. 70 коп. На обложке картина Г.Б. Якулова «Эскиз декорации с набросками планировки сцены трагедии В. Шекспира «Гамлет». 1920 г. Бумага, акварель. Государственный центральный театральный музей им. А.А. Бахрушина, Москва.

Неурядицы в творческой и семейной жизни (в 1927 году жена Наталья Шиф была арестована) плюс тлетворная богемная жизнь подорвали здоровье Георгия Богдановича – открылся старый воспалительный процесс в легких, силы его ослабевали. Беда не приходит одна: заказов тоже не было. Якулов начал потихоньку распродавать обстановку. Он отправился в родную Армению, в город Дилижан, чтобы подправить здоровье.


На снимке (слева направо): неустановленное лицо, Георгий Якулов, Александр Таиров, неустановленное лицо, жена Якулова Наталья Шиф (за рулем). Фотография – Париж, 1925 г.

Якулов не дожил до своего юбилея. 28 декабря 1928 года, незадолго до 45-летия, он скончался от хронического туберкулеза. Юбилейный комитет вынужден был организовать не праздник, а пышные похороны художника. Луначарский распорядился доставить тело из Еревана в Тифлис, а оттуда – в Москву. Великолепного Жоржа провожали, как и положено последнему королю богемы, устроив поистине театральное представление. Якулова похоронили на Новодевичьем кладбище в Москве.

Более подробно о Г.Б. Якулове см. мой пост:
https://www.liveinternet.ru/users/6318384/post435658830/page1.html
и
https://www.culture.ru/persons/8997/georgii-yakulov


Н.Н. Фомина «Зоя Матвеева-Мостова (1884-1972)». Живопись. Альбом. Москва, Издательство «Советский художник», 1981 г. – 128 стр., 58 цветных и тоновых иллюстраций + 19 документальных фотографий. (Серия «Мастера советского искусства»). Тираж 20.000 экз. Цена 3 руб. 30 коп. На обложке картина З.Я. Матвеевой-Мостовой «Цветы в бокале». 1960-е гг. (?) Картон, масло. 34х25 см.
В альбоме также публикуются дневники З.Я. Матвеевой-Мостовой, которые она вела во время поездок в Италию в 1910 г. и Грецию в 1913 г.

Зоя Яковлевна Мостова родилась 29 января (10 февраля) 1884 г. в Перми.
Училась в Киевском художественном училище (до 1905), Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при Академии художеств (1905–1907), петроградских Государственных свободных художественных мастерских (конец 1910-х – начало 1920-х).
Мостова Жила в Москве. Была замужем за скульптором А.Т. Матвеевым. Писала пейзажи, портреты, натюрморты, небольшие жанровые композиции. Участница выставок с 1909 г. Член и экспонент объединений «Союз молодежи» (1913), «Мир искусства» (1913-1924), «4 искусства» (1926–1928). Участвовала в юбилейной выставке «Художники РСФСР за XV лет» в Ленинграде, Москве (1932–1934), всесоюзных выставках.


З.Я. Матвеева-Мостова (1884-1972). Пейзаж. Деревья. 1906 г. Холст, масло. 55х62 см.
Музей-мастерская А.Т. Матвеева, Москва.


З.Я. Матвеева-Мостова (1884-1972). Девочка с миской. 1924-1925 гг. Холст, масло. 86х68 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


З.Я. Матвеева-Мостова (1884-1972). Портрет мужа скульптора А.Т. Матвеева. 1920-1930-е гг.
Бумага, акварель, белила. 29х26 см. Музей-мастерская А.Т. Матвеева, Москва.

Живописец и график Зоя Яковлевна Матвеева-Мостова принадлежала к той категории художников, которые занимали при жизни своей весьма скромное место в деятельности различных объединений и союзов. Она не стремилась в лидеры, но внимательно следила за противоречивыми явлениями современного ей искусства;пытливр на протяжении всей жизни изучала культуру прошлого, увлекаясь то одним, то другим периодом развития мирового искусства, и никогда в течение долгих лет творчества не подчиняла себя определенным программам и декларациям. Не случайно поэтому творчество Матвеевой-Мостовой долгое время было «отодвинуто» как бы на второй план, скрыто от глаз критиков и зрителей работами ведущих советских живописцев, определявших, как принято говорить, «магистральную линию» развития нашего искусства. Но с каждым годом очевиднее - понять процесс становления отечественной культуры невозможно вне изучения различных ее проявлений, и ведущих, и, на первый взгляд, второплановых, на какое-то время оказавшихся «в тени».


З.Я. Матвеева-Мостова (1884-1972). Абитуриентка из села. 1950 г. Картон, масло. 72х50 см.
Аукцион Совком, Москва, 2007 г.


З.Я. Матвеева-Мостова (1884-1972). Натура на диване. 1960-е гг. Холст, масло. 35х50 см.
Галерея искусств СССР – Собрание Михаила Арефьева.


З.Я. Матвеева-Мостова (1884-1972). Обнаженная. 1960-е гг. Бумага, масло. 30х26,5 см.
Галерея искусств СССР – Собрание Михаила Арефьева.

Единственную статью с упоминанием ее имени в прессе, появившуюся за пять лет до ее смерти, она бережно хранила в своем архиве. Но сразу после кончины Матвеевой-Мостовой была открыта художественная ценность ее творческого наследия. Произошло это благодаря деятельности первых его исследователей и почитателей - искусствоведов М.В. Алпатова, Е.Б. Муриной, Е.Е. Тагер, Г.В. Маревичевой; живописцев и скульпторов - Н.И. Андронова, И.Н. Бассиновой А.В. Дюкова, С.М. Миренской и др.


З.Я. Матвеева-Мостова (1884-1972). Застолье. Поминки по Павлу Кузнецову. 1968 г.
Холст, масло. 62х55 см. Собственность Н.И. Андронова, Москва.


З.Я. Матвеева-Мостова (1884-1972). Автопортрет. За мольбертом. 1970 г. Холст, масло. 63х57 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Зоя Яковлевна Матвеева-Мостова умерла 4 января 1972 года в Москве, пережив своего мужа на 12 лет.
Произведения З. Я. Матвеевой-Мостовой находятся в ряде музейных собраний, в том числе в Государственном Русском музее, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Саратовском государственном художественном музее им. А.Н. Радищева и др.


Владимир Евграфович Татлин (1885-1953). Фотография – Париж, 1914 г.

Владимир Евграфович Татлин (1885–1953) – живописец, график и художник театра. Один из крупнейших представителей русского авангарда, родоначальник конструктивизма. Проект Памятника III Интернационала (1919–1920) Татлина с вынесенной наружу несущей конструкцией стал одним из важнейших символов мирового авангарда и своеобразной визитной карточкой конструктивизма.


В.Е. Татлин. Заслуженный деятель искусств РСФСР. 1885-1953. Каталог выставки произведений. Авторы статей Лариса Жадова, Анатолий Стригалев, Константин Симонов, Владимир Костин, Флора Сыркина, Исай Рахтанов. Составители каталога Л. Жадова и З. Мелит. Москва, Издательство «Советский художник», 1977 г. - 68 стр., илл. Формат 11,5 х 30 см. Тираж 5.000 экз. Цена 52 коп.

Владимир Евграфович Татлин родился в Москве 16 (28) декабря 1885 г. в семье инженера. В 1899–1900 гг., убежав из дома, устроился юнгой на пароход, совершив плавание по маршруту Одесса – Варна – Стамбул – Батум и обратно. В 1902 г. поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, в следующем году был отчислен «за неуспеваемость и неодобрительное поведение». Снова плавал матросом по Черному морю в 1904 г.


В.Е. Татлин (1885-1953). Крестьянка. 1911 г. Холст, масло.
Пермская государственная художественная галерея.


В.Е. Татлин (1885-1953). Продавец рыб. 1911 г. Холст, клеевые краски. 77х99 см.
Государственная Третьяковская галерея.


В.Е. Татлин (1885-1953). Лежащая натурщица. 1912 г. Холст, масло. 106х142 см.
Российский государственный архив литературы и искусства (РГАЛИ), Москва.

В 1905-1910 гг. Татлин проходит полный курс обучения в Пензенском художественном училище. Его учителями были И.С. Горюшкин-Сорокопудов, А.И. Вахрамеев и А.Ф. Афанасьев, знаток русского фольклора, иллюстратор сказок. Во время каникул посещает Москву и Санккт-Петербург, где знакомится с М.Ф.Ларионовым, братьями Д.Д. и В.Д.Бурлюком, В.В.Хлебниковым и другими авангардистами. В 1909 г. дебютирует на 3-м Салоне журнала «Золотое Руно» в Москве, участвует в выставках «Мира искусства» и «Союза молодежи», а также в выставках «Бубновый валет» и «Ослиный хвост». В 1911 г. поселяется в Москве и в 1912 г. открывает свою собственную мастерскую. В 1914 г. побывал в Германии и Франции, где в Париже познакомился с Пабло Пикассо.


Szerkesztette: Larisza Alekszejevna Zsadova. Vlagyimir Jevgrafovics Tatlin. Corvina Kiado, Budapest, 1983. - 536 l. 1 sztl. lev. 426 egészoldalas. 370, - Ft
Лариса Алексеевна Жадова «Владимир Евграфович Татлин». Монография (на венгерском языке). Издательство Корвина, Будапешт, 1983 г. – 536 стр., 426 иллюстраций (из них 76 цветных и 350 черно-белых). Цена 370 венгерских форинтов или 17 руб. 02 коп. На суперобложке картина В.Е. Татлина «Эскиз декорации к поэме Велимира Хлебникова «Зангези». 1923 г. Бумага, уголь. 55х76 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


В.Е. Татлин (1885-1953). Матрос (Автопортрет). 1911 г. Холст, темпера. 71,5х71,5 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


В.Е. Татлин (1885-1953). Автопортрет (Портрет художника). 1913 г. Холст, масло. 104х88 см.
Костромской государственный объединенный художественный музей.


В.Е. Татлин (1885-1953). Град Антон. Эскиз декорации к народной драме «Царь Максемьян». 1911 г. Бумага, акварель, карандаш, бронза, наклейки. 48,5х66,6 см. Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства.

В ранней живописи Татлина аналитически выделяются крупные, ритмически соподчиненные плоскости («Матрос (Автопортрет)», 1911, Русский музей, Петербург). В своей сценографии, совмещая черты модерна и футуризма, он экспрессивно воплощает всеобщий, «мировой» ритм (оформление «народной драмы» Царь Максемьян в московском «Литературно-художественном кружке», 1911; циклы эскизов к неосуществленным оперным спектаклям – Жизнь за царя М.И. Глинки, 1913, и Летучий голландец Р. Вагнера, 1915).


В.Е. Татлин (1885-1953). Натурщица (Композиция из обнаженной натуры. Натурщица 1ая). 1913 г.
Холст, масло. 143х108 см. Государственная Третьяковская галерея.


В.Е. Татлин (1885-1953). Натурщица (Натурщица 2ая). 1913 г. Холст, масло. 104,5х130,5 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Наконец, в 1914 г. Татлин изобретает новую разновидность искусства – «живописный рельеф» или «контррельеф» (среди сохранившихся работ такого рода – композиция из цинка, палисандра и ели, 1916; Третьяковская галерея, Москва); искусство здесь, прервав процесс пассивного отражения натуры, само выходит (буквально «выпирает») в мир, превратившись в конструирование реальных трехмерных вещей.
Активно участвуя в процессе революционных преобразований культуры, Татлин в 1918–1919 гг. руководил московским отделом ИЗО (Коллегия по делам изобразительных искусств) Наркомпроса. В 1919–1920 гг. он создал главное свое произведение, модель грандиозного здания-памятника Октябрьской революции или «башни III Интернационала» (металл, стекло, дерево; модель не сохранилась, известна по фото и нескольким реконструкциям), задуманное как гигантский комплекс вращающихся с разной скоростью цилиндров, объединенных вокруг общей наклонной оси.


В.Е. Татлин (1885-1953). Контр-рельеф. 1913-1914 гг. Дерево, масло, металл. 63х53 см.
Государственная Третьяковская галерея – Дар Г.Д. Костаки.


В.Е. Татлин (1885-1953). Угловой контр-рельеф. 1914-1915 гг. Железо листовое, медь, дерево, тросы.
71х118 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


ТАТЛИН (TATLIN). Каталог выставки в Дюссельдорфе 11 сентября – 21 ноября 1993 г. и Государственной Третьяковской галерее, 1994 г. (на немецком и русском языках). Составители Анатолий Стригалев и Юрген Хартен. Издательство ДЮМОН (DuMont Buchverlag Koln), Кёльн, 1993 г. – 416 стр., 187 цветных и черно-белых иллюстраций. Отпечатано в Германии. На обложке модель проекта «Памятника III Интернационала». Реконструкция 1992-1993 гг., арх. Д.Н. Димаков и др. Высота 4 м. 96 см. Электропривод с мотором вращает четыре внутренних тела (куб, пирамида, цилиндр и полусфера) с разной скоростью и во встречных направлениях. После выставки в Дюссельдорфе макет пензенских умельцев демонстрировался в Баден-Бадене, Москве, Петербурге, Барселоне, после чего наконец водворился в Третьяковской галерее.

Венцом проектной деятельности Татлина явился «Летатлин», 1930–1931, Музей истории авиации, Москва), летающий аппарат (орнитоптер), который оказался технически непрактичным (он так и не взлетел), но остроумно предвосхитил принципы биодизайна, учитывающего внутренние законы живой природы.


В.Е. Татлин (1885-1953). «Летатлин». Аппарат без обтяжки. 1929-1932 гг. Центральный государственный музей
авиации и космонавтики им. Н.Е. Жуковского, г. Монино, Московской обл.


«Бесконечная ТАТЛИН чаша великого». Буклет выставки к 125-летию художника в Государственной Третьяковской галерее совместно с SEPHEROT Foundation (Лихтенштейн) 5 октября 2011 г. - 26 февраля 2012 г. Живопись, графика, театр, конструкции, реконструкции. Куратор проекта и составитель каталога Татьяна Ермакова. Москва, Государственная Третьяковская галерея, 20011 г. - 12 стр., илл.
На обложке фотография В.Е. Татлина, 1916 г.


В.Е. Татлин (1885-1953). Обнаженная. 1930-е гг. Холст, масло. 80х53,5 см.
Российский государственный архив литературы и искусства (РГАЛИ), Москва.

В постреволюционные годы Татлин активно занимался преподаванием: в московских Высших художественно-технических мастерских – Высшем художественно-техническом институте (Вхутемас – Вхутеин) и в Киевском художественном институте (1918–1930). В 1930–1940-е гг. Татлин активно работал как художник книги и сценограф. Однако развернувшаяся критика «формализма» все энергичнее вытесняет его как одного из лидеров этого «формализма» с художественной сцены. С середины 1930-х гг. Татлин увлеченно занимался станковой живописью, создавая натюрморты и пейзажи, реже портреты – простые по композиции, но сложные по игре живописных фактур и сдержанных, мерцающе-приглушенных тонов (цикл цветочных букетов; обнаженная натура; «Череп на раскрытой книге», 1948–1953, Центральный государственный архив литературы и искусства, Москва); эти вещи примыкают уже к сугубо неофициальному «тихому искусству» тех лет.

Умер Владимир Евграфович Татлин в Москве 31 мая 1953 года в один год с И.В. Сталиным. Урна с прахом Татлина захоронена на Новодевичьем кладбище.


Ольга Владимировна Розанова (1886-1918). Фотография 1900 г.


OLGA ROZANOVA. Ольга Розанова 1886-1918. Каталог выставки в Финляндии (на финском и русском языках). Авторы статей Вера Терехина, Нина Гурьянова, Иван Клюн, Абрам Эфрос и др. Москва, Художественно-производственное объединение им. Е.В. Вучетича, АО Арт Консултинг Арс Балтика, Хельсинки, 1992 г. – 128 стр., более 50 цветных и черно-белых иллюстраций. Отпечатано в Финляндии. На обложке картина О.В. Розановой «Метроном». 1915 г. 46х33 см. Государственная Третьяковская галерея.

Ольга Владимировна Розанова родилась 22 июня (4 июля) 1886 г. в городе Меленки Владимирской губернии в семье уездного исправника. С 1897 г. жила во Владимире. Окончила в 1904 г. гимназию. В 1906 г. поступила в Училище живописи и скульптуры А.П. Большакова, с 1907 по 1910 гг. занималась в Школе рисования и живописи К.Ф. Юона и Н.П. Ульянова. В 1911 г. переехала в Петербург и там поступила в художественную школу Е.Н. Званцевой. Среди ее преподавателей были Мстислав Добужинский, Леон Бакст и Кузьма Петров-Водкин. Тогда же произошло ее знакомство с художниками объединения «Союз молодежи» Николаем Кульбиным, Михаилом Матюшиным, Еленой Гуро.

О.В. Розанова (1886-1918). Угол дома и снегири на дереве. Зима. 1906-1907 гг.
Бумага, масло. 63х51 см. Государственная Третьяковская галерея.


О.В. Розанова (1886-1918). Женский портрет. 1906-1907 гг. Холст, масло. 67х63 см.
Ивановский областной художественный музей.

Примкнув к «Союзу молодежи», Розанова активно включилась в работу - участвовала в многочисленных выставках объединения, в том числе «Левые течения», «Трамвай», «0,10», а в 1913 г. опубликовала в теоретическую статью «Основы Нового Творчества и причины его непонимания» в третьем сборнике «Союза молодежи», где также были напечатаны несколько ее литографических гравюр. Вскоре она познакомилась с поэтами-футуристами Давидом Бурлюком, Владимиром Маяковским и Алексеем Крученых, высоко ценившими ее талант. Вместе с Павлом Филоновым и Иосифом Школьником работала над оформлением театральной постановки трагедии Маяковского «Владимир Маяковский».


О.В. Розанова (1886-1918). Автопортрет. 1911 г. Холст, масло. 52х62 см.
Ивановский областной художественный музей.


О.В. Розанова (1886-1918). Кузница. 1912 г. Холст, масло. 90х98 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


Алексей Крученых, Алягров (Роман Якобсон). Заумная книга. Цветные гравюры Ольги Розановой. 1915 г. Обложка (на обложке ошибочно указана дата 1916 г.)

Особенно тесные личные и творческие отношения связывали Ольгу Розанову с Алексеем Крученых, который в 1913 г. выпустил книгу своих стихов «Возропщем» с посвящением «Первой художнице Петербурга О. Розановой». В дальнейшем она оформила немало книг Крученых, написанных им как в соавторстве с Велимиром Хлебниковым, так и самостоятельно. Также ее работы печатались во многих других изданиях футуристов, в том числе в сборнике «Рыкающий Парнас» (1914) и альманахе «Стрелец» (1915). Под влиянием «заумной поэзии» Крученых и Хлебникова, Розанова начал писать стихи, которые впоследствии публиковались в некоторых сборниках.


О.В. Розанова (1886-1918). Письменный стол. 1915 г. Холст, масло. 66х49 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


О.В. Розанова (1886-1918). Примус (Керосинка). 1915 г. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.


О.В. Розанова (1886-1918). На улице (Театр модерн). 1915 г. Холст, масло.
Слободской краеведческий музей, Кировский обл.

Работавшая на протяжении нескольких лет в жанре кубизма, Розанова со временем пришла к супрематизму Казимира Малевича и в 1916 г. вступила в образованное им общество «Супремус», в которое также вошли Любовь Попова, Иван Клюн, Михаил Матюшин, Иван Пуни, Ксения Богуславская и ряд других художников. В 1916 и 1917 гг. участвовала в выставках объединения «Бубновый валет». В 1917 г. наряду с другими художниками была представителем Временного совета Профессионального союза художников, работала над разработкой его устава. В последние годы жизни Розанова создала свой индивидуальный вариант беспредметного искусства – «цветопись», в котором основной акцент делался на декоративный, цветовой аспект живописи, зачастую отделяя цвет не только от предмета, но и от плоскости.


О.В. Розанова (1886-1918). Супрематизм. 1916 г. Холст, масло. 71х49 см.
Слободской краеведческий музей, Кировской обл.


О.В. Розанова (1886-1918). Супрематизм. 1916 г. Холст, масло. 102x94 см.
Екатеринбургский музей изобразительных искусств.


Ольга Розанова «Лефанта чиол...». Вступительная статья, публикация писем и комментарии к ним Веры Терёхиной. Составители «Хроники жизни и творчества» Андрей Сарабьянов и Вера Терёхина. Москва, Издательство «RA» (Русский авангард), 2002 г. – 390 стр., более 200 цветных и черно-белых иллюстраций. Тираж 2.000 экз. На суперобложке картина О.В. Розановой «Бубновая дама». 1914-1915 г. Нижегородский государственный художественный музей.
Эта книга - первая публикуемая на русском языке монография о творчестве замечательной русской художницы Ольги Владимировны Розановой. Впервые во всем многообразии представлены многочисленные произведения художницы - живопись, графика, книжная иллюстрация, произведения прикладного искусства.


О.В. Розанова (1886-1918). Беспредметная композиция. Цветопись. 1917 г. Холст, масло. 62,5х40,5 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Использование О.В. Розановой тональных контрастов в цветной живописи стало явной прелюдией к творчеству Марка Ротко.

В 1918 г. О.В. Розанова вошла в состав московского отдела ИЗО Наркомпроса, под председательством Владимира Татлина, позднее заведовала учебной мастерской по текстилю в Первых Государственных Свободных мастерских. При ее участии были созданы Свободные художественно-промышленные мастерские в подмосковных Абрамцево и Сергиевом Посаде, а также в нескольких других городах - Богородске, Мстере и Ивано-Вознесенске. Летом того же года вместе с другими художниками, объединенными в так называмую "Молодую федерацию", объединявшую представителей левых течений в искусстве и вышла из состава Профессионального союза художников. В самом конце октября Розанова тяжело заболела дифтерией и неделю спустя, 7 ноября 1918 года скончалась в Солдатенковской (ныне - Боткинской) больнице. Похоронена на кладбище Новодевичего монастыря в Москве.


Ольга Розанова на смертном одре. Фотография А.М. Родченко. 1918 год.

Источник http://www.laidinen.ru/women.php?part=1830&letter=%D0


Амазонки авангарда. Каталог выставки: Экстер, Гончарова, Попова, Розанова, Степанова, Удальцова. Под редакцией Джона Э. Боулта, Мэтью Дратта и Зельфиры Трегуловой. Нью-Йорк, Фонд Соломона Р. Гуггенхайма; Москва, Государственная Третьяковская галерея, 2000 г. – 368 стр., 90 цветных и тоновых иллюстраций. Отпечатано в Германии. На обложке картина Л.С. Поповой (1880-1924) «Композиция с фигурами». 1913 г. Холст, масло. 160х124,3 см. Государственная Третьяковская галерея - Дар Г.Д. Костаки.


Надежда Андреевна Удальцова (1885-1961) на фоне одного из вариантов картины «Ресторан». 1915 г., Москва.

Надежда Андреевна Удальцова (в девичестве Прудковская) родилась 29 декабря 1885 г. (10 января 1886 г.) в Орле. Сначала Удальцова хотела учиться в Московском училище, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), но так как из-за революционных беспорядков подготовительные курсы в училище были закрыты, в сентябре 1905 г. начала заниматься в частной художественной школе К.Ф. Юона, где преподавали И.О. Дудин и Н.П. Ульянов. Там познакомилась с Л.С. Поповой, В.И. Мухиной, А.А. Весниным. Зимой 1909 г. прекратила занятия в школе К.Ф. Юона. Интерес к современному искусству появляется после посещения посмертной выставки В.Э. Борисова-Мусатова в 1907 г., а в 1908 г. Удальцова увлекается новой французской живописью, которую видела в коллекции С.И. Щукина, изучает
творчество Винсента Ван Гога и Поля Сезанна.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Эскиз театральной декорации. 1910-е гг. Бумага, акварель.
31,5х41,5 см. Галерея Гмуржинской, Кёльн.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Швея. 1912-1913 гг. Холст, масло. 70,5х70 см.
Государственная Третьяковская галерея - Дар Г.Д. Костаки.


Екатерина Древина. Надежда Удальцова. 1885-1961. Монография. Москва, Издательство «Трилистник», 1997 г. – 80 стр., 86 цветных и тоновых иллюстраций. (Серия «Мой музей»). Отпечатано в Италии. На обложке фрагмент картины Н.А. Удальцовой «Композиция №3». 1916 г. Бумага, гуашь. 24х37 см. Галерея Кулинг, Лондон.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Натурщица. Кубистическая композиция. 1914 г. Холст, масло. 106x71 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Красная фигура. 1914-1915 гг. Холст, масло. 70х70 см.
Ростово-Ярославский музей-заповедник, Ростов.


Н. Удальцова. Жизнь русской кубистки. Дневники, статьи, воспоминания. Составление и комментарии Е.А. Древиной и В.И. Ракитина. Редактор А.Д. Сарабьянов. Москва, Литературно-художественное агентство «RA» (Русский авангард), 1994 г. – 208 стр., более 60 черно-белых иллюстраций и фотографий. (Серия «Архив русского авангарда»). Тираж 1000 экз.
В книге собраны статьи, написанные Надеждой Удальцовой в 1910-1920-е гг., а также доклады этого времени, посвященные борьбе за новое искусство. Сюда же включены различные материалы по преподавательской деятельности Удальцовой в 1920-е гг. Особый интерес представляют дневники художницы, которые она вела всю свою сознательную жизнь. Большинство текстов, снабженных подробными комментариями, публикуется впервые. Иллюстративный материал составлен из кубистических работ Удальцовой, как несохранившихся, так и находящихся в различных музейных и частных собраниях. В состав книги также включены хроника жизни и творчества художницы, перечень выставок с ее участием и основная библиография посвященных ей работ.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Натюрморт. 1914-1915 гг. Холст, масло. 67х89 см.
Нижегородский государственный художественный музей.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Натюрморт. 1916 г. Холст, масло. 35,5х44,5 см.
Нижегородский государственный художественный музей.

После поездки в Германию летом 1908 г. Удальцова (посетила Берлин и Дрезден) делает ещё одну неудачную попытку поступления в МУЖВЗ. В октябре 1908 г. выходит замуж за А.Д. Удальцова.
С января 1910 по осень 1911 г. посещала мастерскую Кароя Киша, где познакомилась с А.В. Грищенко, К.Н. Истоминым, В.Е. Пестель, Б.Н. Терновцом, В.А. Фаворским. В 1911 г. часто работала в московской «Башне» – свободной мастерской, где бывали М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, Л.С. Попова и др.
В ноябре 1912 г. Удальцова поехала в Париж с Поповой, Пестель и С.К. Каретниковой. После некоторых поисков подходящей мастерской для обучения современному искусству их выбор остановился на академии «Ла Палет». Удальцова проучилась там под руководством Анри Ле Фоконье, Жана Метценже и Андре Дюнуайе де Сегонзака до весны 1913 г.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Композиция. 1913 г. Холст, масло. 111,5х133 см.
Переславль-Залесский историко-архитектурный и художественный музей-заповедник.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Две абстрактные композиции. 1916-1918 гг. Частное собрание.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Натюрморт. 1919 г. Холст, масло. 92х108 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Весной 1913 г. Удальцова возвращается в Москву и усиленно работает, в частности в мастерской В.Е. Татлина на Остоженке (вместе с Поповой). В 1914 г. Удальцова участвует в экспозиции «Бубнового валета». В 1916-1917 гг. входит в общество «Супремус», пишет супрематические композиции. Позже возвращается к кубизму.
Брак с А.Д. Древиным в 1919 г. знаменует для Удальцовой новый этап в творчестве.
В 1918 г. она становится членом секции Отдела ИЗО Наркомпроса. В 1930 г. – преподаватель ВХУТЕМАСа – ВХУТЕИНа. До 1921 г. была членом ИНХУКа. Уходит после провозглашения производственного искусства.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Автопортрет. 1923 г. Холст, масло. 99,5x79 см.
Государственная Третьяковская галерея.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Обнаженная. 1930-е гг. Холст, масло. 108,5х83,5 см. Частное собрание.

В 1938 году ее муж, художник Александр Древин был арестован и через полтора месяца расстрелян (Удальцова узнала об этом только в 1956 г.). Она спасла его творческое наследие, представив его картины как свои. От этого брака остался сын, известный скульптор Андрей Древин.

Во время Великой Отечественной войны Н. Удальцова писала портреты военных летчиков на аэродромах, в 1946 г. была награждена медалью «За доблестный труд в Великую Отечественную войну». Однако вскоре снова появились обвинения в формализме
Позднее творчество Удальцовой – между редкими заказами она работала «для себя» – вписывается в рамки традиционного реализма, однако некоторые натюрморты отдалённо напоминают об её парижских уроках.


Н.А. Удальцова (1885-1961). Портрет певицы Клавдии Ивановны Шульженко. 1946 г. Холст, масло. 64,5х49,3 см.

Надежда Андреевна Удальцова скончалась 25 января 1961 г. в Москве, дописывая картину «Кухонный стол».


Борис Дмитриевич Григорьев (1886-1939). Фотография 1930-х гг.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Вечерние мечты. 1912 г.
Николаевский областной художественный музей им. В.В. Верещагина, Украина.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Новичок. 1911 г. Картон, темпера. К-Галерея, Санкт-Петербург.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Детский маскарад. 1912 г. Картон, карандаш, акварель, гуашь, тушь. 35х47 см.
Аукцион MacDougall's, Лондон, 2017 г.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). На балу. 1912 г. Картон, гуашь, темпера. 45,5х52,5 см.
Аукцион MacDougall's, Лондон, 2018 г.


Карусель. Бумага, акварель. 26x33 см. Частное собрание.


Тамара Галеева «Борис Григорьев». Альбом. Москва, Издательство «Галарт», 1995 г. – 80 стр., 41 цветная и 15 черно-белых иллюстраций. (Серия «Новая галерея. ХХ век»). Тираж 5.000 экз. На обложке картина Б.Д. Григорьева «Деревня. Из цикла «Расея». 1916 г.

Не случайно много лет спустя в тексте к альбому «Расея» (1918) Григорьев вспоминал о «божественной линии» своего первого учителя Д.А. Щербиновского - именно стремление к безупречности линейного очерка сделалось основой его собственной манеры, его индивидуального стиля. Сочетание гибкой, нарочито непредсказуемой в своем движении - и слегка кокетничающей этой непредсказуемостью - линии с неожиданно возникающими серебристыми пятнами карандашной растушевки, намекающей на объем, - признак, по которому безошибочно узнаются графические листы Григорьева. Слегка бравирующий артистизм, отточенное мастерство приема, прихотливая свобода линейных хитросплетений, оборачивающаяся абсолютной завершенностью и логической выверенностью целого, - эти черты свойственны как парижским работам 1912-1914 гг., вызывавшими восхищение А.Н. Бенуа («У зебр. Зоологический сад», «Гарсоны», «В ресторане», «Модный танец», «Музыканты»), так и листам более поздних серий «Расея» и «Женщина» (последние были изданы в альбоме «Intimite», 1918).


Б.Д. Григорьев (1886-1939). У зебр. Зоологический сад. 1913 г. Картон, темпера, графит, гуашь.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Кафе-шантан. Париж. 1913 г. Собрание Петра Авена.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). В кабаре. 1913 г. Картон, темпера. К-Галерея, Санкт-Петербург.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Музыкальные эксцентрики. 1913 г. Картон, масло, темпера. К-Галерея, Санкт-Петербург.

Внимание к рисунку, рациональность композиционных построений выдают в Григорьеве ученика Кардовского, культивировавшего в своей педагогической системе уверенное владение прежде всего линейной формой, - правда, академическим штудиям, столь популярным среди учеников Кардовского, Григорьев предпочитал натуральный рисунок, привлекающий его раскрепощенностью возможностей, свободой варьирования образных средств. Будучи графиком, рисовальщиком по самому способу быстрого «схватывающего» восприятия мира, Григорьев с одинаковой свободой и раскованностью владел всеми техниками - маслом, темперой, акварелью; его живописные портреты, пейзажи и композиции не уступают в остроте и качестве произведениям графическим.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Мертвый сезон в Париже (Модный танец). 1913 г. Картон, темпера. 45,5х63,6 см.
Собрание семьи Чудновских, Санкт-Петербург.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Антре! (Entrez!). 1913 г. Картон, темпера, гуашь. 65х52 см.
ГМИИ им. А.С. Пушкина – Отдел личных коллекций.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). В танцевальном зале (At the Dance Hall). 1913-1914 гг. Холст, масло. 64,7x79,3 см.
Аукцион Shapiro Auctions LLC, Нью-Йорк, 2016 г.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Маскарад. 1913-1914 гг. Шелк, гуашь. 105х140 см.
Херсонский областной художественный музей им. А.А. Шовкуненко, Украина.


Сцена на бале-маскараде. Бумага, гуашь. 24х33 см. Частное собрание


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Кабачок. Париж. Кабаре. 1914 г. Государственная Третьяковская галерея.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Комедианты. 1918 г. Картон, темпера.
Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск.


Г.Г. Поспелов. «Лики России» Бориса Григорьева. Москва, Издательство «Искусство», 1999 г. – 200 стр., 145 цветных и тоновых иллюстраций. Формат 32,5х24 см. Тираж не указан. На суперобложке фрагмент картины Б.Д. Григорьева «Девочка с бидоном. Из цикла «Расея». 1918 г. на фоне обложки к книге «Расея» (Берлин-Потсдам, 1923 г.)


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Девочка с бидоном. Из цикла «Расея». 1917 г. Холст, масло. 71х62 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

В 1909-1913 гг. Григорьев много путешествовал и жил в Европе (в Париже, Австрии, Скандинавии).
В 1913 году Григорьев становится членом творческого объединения «Мир искусства». На мирискуснической выставке 1918 г., устроенной в античных залах Академии художеств, им было представлено 95 произведений живописи и графики, среди которых портреты М. Ясной, Д. Толстого, М. Добужинского, Б. Кустодиева, рисунки из циклов «Расея» и «Женщина». Однако творчество Григорьева далеко от мирискуснического «канона»: опережая время оно уже связано со следующим этапом развития русского искусства. В работах Григорьева романтическая ирония и романтическое прекраснодушие, столь свойственные мирискусникам «первого этапа», сменяются откровенным гротеском, нередко окрашивающим как сцены российского быта («Расея»), так и лики Парижа в тона мрачной безысходности.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Земля народная. Из цикла «Расея». 1918 г. Холст, масло. 90х215 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Клюев-пастырь (Портрет поэта Н.А.Клюева). Из книги «Расея». Берлин, 1923 г.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Женщина из цикла «Intimite». 1916-1917 гг.
Московский музей современного искусства на Петровке.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Консьержка. 1918 г. Холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.

Особую страницу творчества Григорьева составляют его многочисленные портреты. Борис Григорьев был одним из самых дорогих и престижных портретистов России 1910-х гг. и в двадцатые годы сохранил это звание, уже работая в Америке. Немалая часть портретов Григорьева хранится в советских собраниях: портрет Ф.И. Шаляпина (1918, Музей-квартира И. Бродского), портрет А.М. Горького (музей А.М. Горького, Москва), портреты А.А. Коровина и В.Э. Мейерхольда (оба 1916, ГРМ). Им свойственны зоркость и острота видения, а одновременно с тем - чуть позирующая эффектность пластических решений. Черный гротескный силуэт Мейерхольда на багровом фоне причудливых декораций впрямую связывает портрет с театрально-мистериальной поэтикой - перед нами актер, лицедей в плену собственной маски.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Лики мира. Действующие лица: английский епископ Wedgwort, Морис Гест (США), В.Э. Мейерхольд, И.В. Сталин, митрополит Платон, Клод Фаррер, Клара Шеридан, Pere Papa, Ванда Ландовская и др. В центре лик Брешко-Брешковской (одна из лидеров и создателей партии эсеров, участницы «хождения в народ»). 1929-1930 гг. Национальная галерея, Прага.

Григорьев оказался на Западе в 1919 г. Для западно¬го зрителя он стал воплощением истинно русского худож¬ника, создавшего авторский миф о своем наро¬де. Теперь, из перспективы исторического времени, мы ви¬дим, что искусство Григорьева принадлежит русской куль¬туре и при всей индивидуальной неповторимости и остроте связано с Россией.
И всех, у кого в России оставались какие-то связи, художник просил: похлопочите перед правительством, попросите Луначарского, обратитесь к Калинину, я хочу вернуться... Но в СССР его объявили предателем и отщепенцем. И все же лет десять художник жил в иллюзиях, что вот-вот вернется на родину. Правду он осознавал медленно. И наверное, этот внутренний душевный разлад давал новые импульсы его творчеству - 54 иллюстрации к «Братьям Карамазовым» имели фантастический успех в Нью-Йорке на выставке Общества библиофилов.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Сидящая обнаженная. Холст, масло. 69х39 см.
Аукцион Sotheby's, Лондон, 2005 г.

В 1938 г. Борис Дмитриевич Григорьев тяжело заболел, перенёс сложную операцию.
Умер художник в своём доме в Кань-сюр-Мер 7 февраля 1939 года и похоронен на местном кладбище.


Б.Д. Григорьев (1886-1939). Автопортрет. 1938 г. Холст, масло. 61х46 см.
Аукцион Sotheby's, Лондон, 2007 г.

В СССР в 1938 г. в небольшой биографической справке о художнике, помещенной в 19-м томе Большой советской энциклопедии, в частности, было написано: «Основная тематика его рисунков – сцены и типы трущобного Парижа, подчеркнуто полураздетые женщины и т.п. – определена упадочными настроениями предреволюционного и военного периодов: эротикой, мистицизмом и культом опоэтизированного мещанства. Попробовав под влиянием народнически-славянофильских настроений Февральской революции изобразить «Расею», он дал ее в искажении садистической, звериной гримасы». Последствия негативной оценки творчества Григорьева давали о себе знать вплоть до начала 1980-х гг., когда, наконец, имя художника освободилось от ореола запретности и творчество его свободно вошло в контекст русского Серебряного века.
В 2011 г. в Русском музее и Третьяковской галерее состоялась большая ретроспективная выставка Б.Д. Григорьева, на которой было представлено более 150 произведений художника.

(Продолжение следует)