Если у вас нет возможности потратить минимум несколько лет на тщательное и кропотливое обучение рисованию, а затем подробнейшее освоение возможностей редактора, и рисовать все равно хочется... Возможно, эти советы для начинающих помогут вам хотя бы избежать выносящих мозг картинок и сэкономить немало времени в наступании на грабли.

Основы рисования в Photoshop. Часть 1.

СОВЕТ 6 – Ваша работа должна быть единым целым от наброска и до самого конца.

Еще одна из распространенных проблем начинающих художников, но которая имеет привычку перерождаться и мутировать настолько, что избавиться от нее становится иногда просто невозможно – это привычка рисовать все по отдельности. Не знаю откуда именно растут ноги у этой проблемы, но мне видятся два варианта: многочисленные уроки, в которых уделяется внимание какому-то одному аспекту, и человек не понимает, что во время этих шагов автор так же рисует и все остальное, и незнание того, как будет выглядеть конечная работа и чего хочет вообще автор от рисунка. Второй вариант самый грустный и при этом самый распространенный. Я и сама сейчас со скрипом переучиваюсь, так как начинала точно так же.

Так чем же это плохо? Проблема заключается в том, что на выходе мы получаем, обычно, разбитую на куски картинку, у которой элементы не взаимосвязаны вообще никак. И если проблему с рефлексами от соседних объектов, иногда, еще можно решить, то проблему с сочетанием цветов, порой, решить не так легко. Особенно, когда рисовалось сначала лицо, а потом рука, нога и через неделю дорисовалось тело.

Чтобы такого не происходило – продумывайте работу сразу. Если вы сомневаетесь в фоне – задайте ему какой-то определенный цвет. Не так уж и страшно, если фон буде однородным или градиентным, но цветным. Это поможет вам подобрать подходящие цвета и для вашего рисунка. Такие, которые будут находиться в гармонии с фоном. Ну а там, глядишь, и для него что-то придумается.

Так же следует помнить, что рисунок необходимо прорисовывать равномерно. Не зацикливайтесь на какой-то одной части тела, а ели замечаете это за собой – срочно бросайте и принимайтесь за остальные части картины, «догоняя» их до убежавшего вперед места. Все мы рисуем обычно по наитию, пользуясь секундными порывами и знаниями. Использовав в одном месте один цвет, мы можем в другом месте через пару часов уже забыть и не добавить его, и в результате у нас получаются разные по цветам, пусть и незначительно, куски рисунка. И вроде бы все прекрасно, но смотрящий со стороны человек, который не пялился по сто часов на рисунок, тут же увидит эту дробность и не забудет о ней сообщить. Да и это не так уж и важно. Важно то, что дробность есть, а быть ее не должно.

Ну и третий немаловажный факт, связанный с данным вопросом – это детализация. Здесь мнения расходятся. Кто-то считает, что на первых парах не стоит детализировать вообще. Кто-то наоборот радеет за то, что нужно. Причем это говорят не начинающие или посредственные художники. Оба мнения я слышала от более, чем профессионалов в цифровой, да и вообще живописи. Поэтому решить вопрос с детализацией вам придётся самим. Конечно же, для набросков нет смысла возиться часами над ними, но если вы хотите сделать полноценную картинку, то лично я считаю, что детализация в небольшом количестве не помешает. Но здесь есть одно но. Помните, что детализацией нельзя увлекаться. Детализация в какой-то мере связана с композицией, о которой нужно хотя бы хоть раз почитать и не уснуть в процессе. Главные объекты должны привлекать к себе внимание. Поэтому их делают более контрастными и детализированными. В то время как все остальное должно содержать меньше деталей и меньше контраста. То есть как бы отступать на «задний план». При этом, кстати, главный «персонаж» картины не обязательно должен находиться на переднем плане. Просто он должен привлекать к себе внимание, а если вы равномерно заполните детализацией весь рисунок, то ваш главный объект начнет теряться. Конечно, существуют и другие способы выделить главное и увести от глаза второстепенное, но что касается детализации – стоит помнить, что чем больше деталей и четкости – тем сильнее к этому на фоне остального будет притягиваться взгляд смотрящего. Определитесь, кто главнее на вашем рисунке? Девушка, стоящая у дерева или играющие вдали дети?

Подводя итоги, еще раз повторюсь:
1. Работу стоит продумывать хотя бы в общих деталях еще на стадии наброска и ни в коем случае не оставлять фон «на потом».
2. Работу стоит прорабатывать всю сразу и постепенно. Не нужно уделять внимание чему-то одному, забывая об остальном.
3. Детализация хороша, но в меру. Детализируйте только в самом конце, когда работа уже готова и только те места, на которые вы хотите обратить внимание смотрящего.

СОВЕТ 7 – Не забывайте о рефлексах и учитывайте их с самого начала, не откладывая напоследок! 

Последнее время я довольно часто сталкиваюсь с работами, в которых, как факт, отсутствуют рефлексы. Нередко авторы рисунков даже и не знают, что под этим понимают в искусстве, и что именно необходимо сделать с работой, чтобы работа приобрела эти самые рефлексы. А, поэтому, для начала мы поставим определение этому слову. Итак, рефлекс – это оптический эффект отражённого света, изменение тона или увеличение силы окраски предмета, возникающие при отражении света, падающего от окружающих его предметов.

Как не трудно догадаться из определения, рефлексы являются неотъемлемой частью окружения, и когда художник забывает их уточнить на своем рисунке, результат получается неестественным, картонным, плоским, дробным. Рефлексы помогают передать не только богатство цветов и оттенков изображаемой натуры, но и усилить ощущение объема, которого так обычно не хватает, когда мы только учимся рисовать.

Если не сильно углубляться в теорию о рефлексах, то их можно поделить на два типа: свет, отражающийся от соседних с данным предметом освещенных объектов и свет от источника света. В первом случае мы имеем дело с отсветом цвета. В качестве примера можно привести зеленый рефлекс, который может возникнуть на поставленном вами натюрморте перед зеленой драпировкой. Во втором случае самым очевидным примером будет свет от неба.

Хочется так же еще обратить внимание и на то, что если отсвет падает на затемненную часть предмета, то он становится элементом светотени и в том месте, куда попадает отсвет, образуется слабое светлое пятно, что мы прекрасно наблюдаем каждый раз, когда просматриваем литературные пособия по основам рисования, где нам раз за разом показывают шар, с распределенными по его форме светом, полутонами, тенью и рефлкесом. И, заметьте, что, казалось бы, такая маленькая полоса рефлекса, а шарик тут же приобретает объем.

Я очень долго думала, как показать наглядно разницу между рисунком лишенным рефлексов и имеющих их. На шарах очень удобно показывать базу, но как это выглядит вживую - тут нужно уже что-то иное. Можно, конечно, было взять просто два разных рисунка, но тогда был бы немного не тот визуальный эффект. Тогда я вспомнила об одной своей работе, в которой я впервые наконец-то осознанно решила начать использовать рефлексы. Да, я довольно долго оставалась жуткой невеждой, и все мои знания о рефлексах сводились к шару из учебника и отсвету стола на поверхности моей кружки. Работа, конечно, не ахти, но суть не в том насколько она плохая, а в том, что разница между первым вариантом и вторым все же существенная.
Итак, на первом рисунке вы видите один из промежуточных, но уже близящихся к своему завершению, этапов моего рисунка «Клубника со сливками».



Здесь еще не прорисованы цельные клубники, но уже нарисовано все остальное. Для меня на этом этапе казалось все, что нужно – это дорисовать клубнику и усилить светотень. О теории цвета я вообще как о факте почти не знала и не задумывалась. Что мы можем сказать по этому рисунку? Да, все элементы нарисованы довольно четко и в меру аккуратно, нарисованы своими базовыми цветами, но из-за отсутствия рефлексов, весь этот натюрморт кажется просто собранным коллажем из маленьких кусочков, что совсем с собой не взаимодействуют. К счастью, на это обратили внимание другие, и я принялась исправлять рисунок. Надо сказать, что рисовать рефлексы уже по почти готовой работе не очень удачная идея. Это разводит грязь, когда вы пытаетесь аккуратно добавить новые цвета поверх старых. Плюс то, что вы уже прорисовали, придётся перерисовывать заново, учитывая наложенные рефлексы, что тоже не является самым приятным занятием.

После того, как я плодотворно поработала с рисунком и добавила цветовые отсветы, работа стала выглядеть более цельно. Конечно, она лишь отчасти утратила свои ошибки, но исправить все последними штрихами невозможно. Проще перерисовать определенный кусок, а для начинающего художника это хуже ядерной войны и он в лучшем случае добавит рефлексы поверх, а в худшем – просто оставит без них и будет потом тихо страдать, что о его работе выражаются как о лишенной целостности, слишком плоской и забытой рефлексами.

Возвращаясь к натюрморту с клубниками, я бегло обращу внимание на основные моменты, которые, по моему мнению, сделали работу чуть более живой.



Во-первых, крем. Сам по себе крем имеет белый цвет. Но если вы пройдетесь пипеткой по нему, то поймете, что это далеко не так. За основу я взяла кремовый цвет, но там, где крем соприкасается с ягодами, он взял немного их цвета – от ежевики один, а от клубники – другой. То же самое произошло с ним и возле листьев, где на крем довольно сильно влияет зеленый цвет от листьев, ну и, конечно же, тень. Но мы сейчас беседуем о рефлексах. Свою долю цветов получили так же и цветы клубники. Белый цвет приобрёл красновато-зеленые оттенки, а листья и стебли окрасились в красный цвет клубники. На ежевике добавились кремовые и красные рефлексы от крема и клубники, ну а на клубниках с точностью да наоборот. И так далее и тому подобное.

Вроде бы ничего сложного, но в то же время и не все так уж и просто. Немалую роль в рефлексах, да и не только, играет тип поверхности. Отражение света (простого или отраженного) может быть зеркальным или диффузным. То есть буквально от зеркального отражения расположенного рядом объекта и до слабого размытого пятна. Более подробно с этим вам придётся разобраться уже самим или читая физику, или просто приходя ко всему этому путем изучения чужих работ, методом проб и ошибок. Хотя, последнего вам все равно не избежать. Могу лишь еще добавить, что чем ближе находится предмет, отбрасывающий отсвет на другой предмет, тем цветнее и ярче становится рефлекс. На светлых поверхностях, а тем более белых, рефлексы будут видны лучше. Мнение о том, что на черной поверхности рефлексов не будет – ошибочно. Это связано с тем, что чисто черный цвет существует отчасти лишь в теории, а, значит, на большинстве черных предметов рефлексы все же будут, но только очень и очень слабые и приглушенные.

Итак, когда вы начинаете свою работу, вам стоит позаботиться не только о композиции, цветовой гамме, светотени, но и о рефлексах. Они являются неотъемлемой частью окружения, и без них ваши работы будут выглядеть вырезанными, плоскими и неестественными. Не верите? Попробуйте нарисовать самый обычный шарик со светом и тенью, но без рефлексов в цвете. А рядом нарисуйте еще один, но с рефлексами. И вы сами убедитесь, как сильно они отличаются. Ну, а для ленивых, я просто приведу эти самые шарики с пояснениями.

Давайте нарисуем самый простой белый шар на столе. На заднем фоне у нас пусть будет небо. Если вспомнить о теории цвета, то мы уже знаем, что небо при наличии источника света в виде солнца, будет является источником света в тенях и поэтому цвет там приобретёт легкий голубой оттенок. Так же мы можем сказать, что небо является упрощенно очень большим объектом, которое находится довольно далеко, но дает отсвет на совершенно все предметы, до которых может дотянуться. Итак, мы нарисовали поверхность стола, небо и наш шар. Добавили тени с небольшой примесью голубого и… Странно, но наш шар все еще плоский, да и поверхность слипается с небом. Как же так! Ведь мы наложили тени. Создали объем. Ага. Конечно.



Ну а теперь займемся делом.

На этом рисунке я показала, куда были добавлены рефлексы, а так же немного воздушной перспективны (но об этом мы поговорим как-нибудь в следующий раз).



Разберем более подробно. На дальнюю часть стола я добавила голубого, показывая тем самым, что та часть стола удалена от нас. Удаляясь, цвет стола должен посветлеть и потерять насыщенность. Благодаря голубому небу это как раз и произошло. Добавив голубое, мы не только осветлили цвет, но и понизили насыщенность. То есть создали воздушную перспективу. Ну, точнее, жалкое ее подобие. Теперь обратим внимание на стол. Так как поверхность стола не очень светлая и, допустим, отражающая способность у него не очень высокая, то и рефлекс на нем будет от белого шара не очень сильным и при некоторых случаях им можно либо пренебречь, либо наметить, но едва-едва. А вот в области тени, как я уже писала ранее, рефлекс даст небольшое осветление и мы можем заметить слабо различимое пятно света. Многие начинающие художники выражаются по этому поводу очень просто «тень вокруг светлого пятна». Возможно, вы слышали о таком мнении. Так вот знайте, что это не тень вокруг светлого пятна. Это рефлекс в тени. Ну а далее все очень просто. На границы шара мы добавляем цвет от стола и от неба. Буквально несколько мазков и наш шарик тут же заиграл объемом и вжился в окружающую его среду.



Он, конечно же, не идеален в технике исполнения и над ним еще не мешало бы поработать, но разве это нам сейчас важно? Важно то, что разница просто разительная. И я очень надеюсь на то, что все наглядные примеры в этом уроке помогут вам понять, что пренебрегать рефлексами нельзя.

СОВЕТ 8 – Если у вас есть проблемы с объемом - переводите в процессе свой рисунок в черно-белый вариант. Лучше подсказки для ваших глаз без эксплуатации других людей вам не найти. 

Почему довольно часто начинающим художникам советуют рисовать в ч/б? Почему краски в художественных школах дают не сразу, а по началу учат рисовать примитивные фигуры карандашом? Все дело в том, что нашим глазам куда проще воспринимать форму в пределах одного цвета, а так как черный самый доступный цвет (в графических редакторах быстро можно перевести в ч/б; карандаши можно купить за копейки) да и глаза от него не устают, то и советуют использовать именно его.

Многообразие цветов мешает нетренированному глазу внятно определить объем предмета. Но что делать, если рисовать в цвете очень хочется? В таком случае я советую вам, как некогда советовали и мне – иногда менять режим рисунка на черно-белый вариант. Сделать это проще простого. В слоях есть заветная иконка в виде круга, разделенного на белую и черную половинки. Нажав на нее, достаточно выбрать опцию Black & White и расположить созданный слой самым первым. Ваш рисунок тут же превратится в черно-белый вариант, но что самое главное – скрыв этот слой одним кликом мышки по глазику скрытия/отображения слоя, вы вернетесь к своему основному цветному варианту. И никаких лишних телодвижений.



Второй вариант еще более простой. Достаточно создать новый слой выше всех других, залить его черным цветом и выставить слою режим Color. Режимы расположены слева от настройки непрозрачности слоя (Opacity). В какой то мере этот вариант даже более правдив.

Приведу пример для наглядности. Как обычно, я использую свои рисунки, поэтому будьте снисходительны и помните, что я их использую для того, чтобы показать ошибки, связанные именно с данным обсуждаемым вопросом.

В процессе рисования «Кицунэ» мне не однократно говорили про плечи. Чисто визуально для меня они оставались в цвете нормальными, но я прекрасно понимала, что если видят другие, а я нет – значит у меня уже устали глаза от рисунка. Можно, конечно, было отложить его на неделю-другую, но, во-первых, я хоть и терпеливая, но не на столько, чтобы откладывать рисунок на неделю и потом иметь силы снова к нему вернуться. Ну, а во-вторых, что если, найдя одну ошибку, я могу не заметить вторую и ждать еще неделю как-то не охота. Поэтому я создала для себя такой вот черно-белый слой и, периодически на него поглядывая, принялась за исправления.

Итак, исправив левую руку (ранее она была в другом положении), я набросала ее базовый контур и немного прошлась по нему, намечая объем. Понимая, что объема на руке не достаточно, я включила ч/б слой для того, чтобы найти и другие провалы в объеме, и убедилась, что я была более чем права, и объема недостаточно еще во многих местах. И, если на руке и лице я это видела, то в области плеч и ее левой груди – нет. Если открыть теперь цветовую палитру и пройтись пипеткой по проблемным зонам, то мы увидим, что серый цвет практически идентичен везде. На ч/б варианте это заметно сильнее, но со временем вы сможете спокойно видеть провалы в объеме и на цветном варианте, но все равно просматривайте рисунок в ч/б – это поможет вам найти то, что вы могли пропустить.



Для этого примера я поработала только с рукой, не трогая все остальное и не сильно увлекаясь прорисовкой.



Как видите, добавив объем на руку, я снова перевела ее в ч/б, включив свой слой с фильтром, и убедилась, что теперь рука стала значительно лучше.



Но ей, как и всему рисунку, все еще не хватает глубоких теней и более светлых пятен, однако их я решила добавить позже, когда исправлю ошибки в объеме и в других обозначенных мною местах. Главное, не забывать об этом, иначе объем будет, но недостаточно читаемый.

Совет переводить работу в ч/б вариант очень стар, но, к сожалению, его можно услышать далеко не сразу, а ведь он, помимо всего прочего, еще и помогает понимать светлоту самих цветов. Как я уже говорила раньше – чистые цвета не одинаково светлые и незнание этого отпугивает многих начинающих художников от тренировок в ч/б варианте. Очень полезно иногда рисовать исключительно оттенками серого - так намного удобнее изучать лепку формы, так как вы не отвлекаетесь на цвета. Но тут возникает одна небольшая проблема, о которой я уже слышала неоднократно. Тем, кто любит цвета, порой очень сложно в ч/б подобрать верный по светлоте серый цвет для показа разных цветов. Например, какого серого цвета должна быть темно-зеленая трава, и какого серого цвета должен быть светло-синий мяч, лежащий в ней? В большинстве случаев люди идут по простому пути. Темно-зеленая – значит темно-серый, светло-голубой – значит светло-серый. Но если потом они пытаются наложить поверх цвет (например, при помощи свойства Цветность), то к своему глубочайшему сожалению, видят, что цвета получаются совершенно другими. А все дело в том, что цвета в своем чистом виде имеют разную светлость относительно друг-друга, а, значит, если мы переводим их в серое (уменьшаем насыщенность до нуля) то и серые цвета будут разными по светлоте, ну и, конечно же, производные от них цвета тоже. То есть, возвращаясь к нашему мячу на траве, может оказаться, что светло-синий будет темнее, чем темно-зеленый, хотя, конечно, все относительно и зависит от того, какой именно светло-синий мы имеем в виду. Но, в любом случае, синий мяч будет темнее желтого мяча в сером эквиваленте. Показать это очень просто.

Вот перед вами чистые желтый (#ffff00) и зеленый (#00ff00) цвета.



Теперь отобразим их в сером.



Казалось бы, все очевидно, но почему-то многие об этих простых вещах даже и не задумываются и впадают в ступор, когда им предлагают потренироваться в ч/б. В книгах по теории цвета этому моменту уделяется мало внимания и, порой, его просто пропускают, не замечая. Запоминать тут особо ничего не нужно. К примеру, я последнее время пользуюсь цветовым кругом Иттена Иоханнеса из его книги о Теории цвета.



Самым светлым цветом является желтый. Самым темным – фиолетовый. Как пользоваться кругом, думаю, вы уже разберетесь сами. Для молчаливой наглядности я просто представлю вам вариант в сером цвете.



Так как цветовой круг был взят из книги, то после сканирования рисунка, цвета исказились. Но, опять же, нам важно лишь понять какие цвета светлее и темнее относительно друг-друга, и пользоваться этим кругом как подсказкой. Кстати говоря, этот же круг идеально показывает первичные, вторичные и третичные цвета, их образование при смешивании, а так же какие в действительности цвета являются дополнительными друг для друга.

В дополнение ко всему вышесказанному хочу так же заметить, что еще одним хорошим трюком для устранения ошибок в вашей работе, но уже в плане построения является отзеркаливание работы по горизонтали или вертикали. Казалось бы, что в этом такого, но вы только попробуйте изменить ориентацию канвы документа (Image->Image Rotation->Flip Canvas Horizontal) и вы сразу же увидите большинство ваших ошибок. А что может быть приятнее, когда вы сами видите свои ошибки и искореняете их, не дожидаясь, когда вам подскажут другие. Да и порой, когда работа уже готова, исправлять уже ничего не хочется и думаешь о том, что если бы я только мог увидеть ошибки раньше, то обязательно их исправил, но не сейчас...

Замечайте свои ошибки и исправляйте, учитесь надеяться в первую очередь на себя, а не на других. Оверы – это прекрасно и наглядно, но нужно еще учиться и самим. Графические редакторы имеют достаточно возможностей для того, чтобы показать вам куда больше, чем вы предполагаете, в считанные секунды.

Совет 9 – Если вы рисуете при большом разрешении – всегда следите за тем, как выглядит ваш рисунок в уменьшенном виде, иначе вы рискуете сделать много лишней работы и получить тонну разочарования. 

Многие начинающие художники, рисуя на большом полотне, забывают о том, что свою работу они будут показывать в уменьшенном варианте. Любовь к мелким деталям может завести в этом случае на очень долгую и извилистую тропинку в работе и то, что можно было бы реализовать за пару часов, они рисуют месяцами. Именно по этой причине всегда необходимо рассматривать свою работу в том варианте, в котором она будет преподнесена зрителю. Тогда сразу становится понятно, нужна ли детальная прорисовка всех завитушек на кружеве или можно обойтись общими линиями, которые при увеличении смотрятся не так уж и хорошо, но в нужном формате прекрасно воспринимаются за кружево. Для себя я уяснила следующее – последнее время я всегда рисую при таком увеличении (не размере), когда мой рисунок целиком умещается на экран. Обычно это 25% от полного размера. И только если мне необходимо поработать над деталями, я приближаю холст и начинаю работу над нужным куском, но при этом все время возвращаюсь к общему варианту и смотрю, достаточно ли прорисовано место или можно еще доработать. Раньше я поступала совсем иначе и затем довольно сильно расстраивалась, когда всяких мелких деталей просто не было видно и что более важно – они превращались в непонятную массу из-за уменьшения, а времени на них потрачено было очень и очень много. Хотелось как-то оправдать затраченные усилия и тогда появлялись фрагменты с увеличением и что удивительно – фрагменты нравились чуть больше, чем итоговый результат. Вот тогда-то я и задалась вопросом – почему? А ответ-то совсем простой – потому что я рисовала не под тот формат, который планировала показать людям и, поэтому ужатый рисунок терял акценты там, где я их расставляла и работа получалась смазанной.

Из первого рассуждения неминуемо вытекает второе. Нередко можно встретить работы начинающих художников, которые или слишком маленькие или настолько огромные, что не влазят даже на 21-дюймовый экран. Многие форумы, имея ограничение на размер загружаемой работы по ширине и длине, приучают людей выкладывать работы вменяемого формата, но такое ограничение есть не везде. Логика людей, которые выкладывают очень большие рисунки, довольно понятна и проста – им хочется показать работу в оригинальном формате. Почему? Да потому что происходит то, о чем я говорила выше – человек рисует, уделяет внимание деталям, а уменьшение убивает их, и ему становится жаль своих сил, и он хочет показать размер побольше. Практически все этим страдают в начале своего пути и с этим нужно обязательно бороться. Нужно помнить, что если ваша работа не предназначена для печати на холсте или вообще не выполняется под определенные размеры для клиентов или полиграфии, то она будет представлена зрителям в интернете в размерах, обычно, не превышающих размер их экрана. Если картинка не будет вмещаться – смотрящие просто уменьшат ее при помощи браузера, и в итоге получат еще худший вариант. Так что лучше самому сразу выставлять такой размер, который бы мог с легкостью просматриваться на большинстве мониторов. Не смотря на то, что сейчас очень популярно делать рисунки по высоте 1024, так как они помещаются на стандартных сейчас разрешениях, такой рисунок все равно не смотрится. Глаз человека, сидящего за монитором, обычно, не дальше 40-70 см, с трудом может охватить такую область одним взглядом. Его зрение будет расползаться, он не сможет ухватить всю картину целиком. Я очень много времени наблюдала за тем, какого размера работы выкладывают зарубежные, да и наши тоже проф. художники. И пришла к выводу, что большинство картин показываются зрителю в рамках 600-800 пикселей. Казалось бы – так мало! Но зато тогда рисунок прекрасно охватывается взглядом. А мелкие детали? Ну, если они присутствуют и вам так не терпится их показать – можете нарезать несколько фрагментов. Но, как я уже поняла для себя - делать это стоит лишь тогда, когда вас действительно попросят показать поближе.

Итак, подводя черту под всем вышесказанным, можно сократить сей крошечный совет в несколько предложений.

Рисуйте на размере (желательно при 300 dpi и не менее формата A4), превышающем вариант, который вы покажете зрителям, но при этом всегда, слышите, всегда, смотрите на вашу работу в том размере, в котором она будет в итоге, и этот размер не должен быть очень большим. Мелкие детали – это прекрасно, но порой их проще прорисовать простыми формами, чем вырисовывать каждый завиток, который потом ужмется и превратится в неясную массу. И вам будет жаль не только времени, но и результатов.

СОВЕТ 10 – Следите за тем, чтобы на вашем рисунке не появлялась «грязь» 

Грязь, грязь, грязь – очень часто это слово слышно в комментариях к многочисленным работам. Но если опытные художники понимают, что это такое и как с нею бороться, то начинающим слово грязь, кроме его прямого смысла ровным счетом ничего не говорит. Хотя уже и этого вполне достаточно. Грязь в рисовании обозначает именно то, о чем вы и подумали – большое количество серых, черных и ненасыщенных цветов.

Не смотря на то, что темные цвета образуются добавлением черного, в цифровой, да и простой живописи не советуют добавлять чисто черный в тени, а чисто белый в свет. За исключением особых случаев, когда мы показываем черный рефлекс или выбеленный блик. Почему же многие цифровые художники советуют в большинстве своем добавлять в тени не чисто черный цвет, а в смешении с каким-нибудь цветом? Ну, здесь все просто – как вы помните, тень и свет отличаются по цветности от основного цвета объекта и поэтому, если вы добавите чисто-черный – вы просто понизите светлоту и только. Давайте посмотрим на примере с двумя вариантами, где справа мы воспользуемся двумя цветами для света и тени, а слева используем черный и белый цвета для попытки достичь того же самого эффекта.

Итак, у нас есть глаза. Вроде бы и ничего так, если не обращать внимание на некоторые анатомические нарушения, но им панически не хватает объема, особенно в уголках глаз возле переносицы и у волос.



Вооружившись цветами чуть холоднее и теплее относительно базового, я очень быстро набросала общие пятна света и тени. А теперь то же самое, справа, я повторила черными и белыми цветами. Ну и немного сгладили переходы. И, о ужас, почему справа все такое грязное? Ну, а что вы еще хотели получить, добавив в цвета черного, а потом еще и смешав полученные темные оттенки с соседними? Если с чистыми, яркими красками, добавление черного еще работает нормально, то стоит нам связаться с красками менее насыщенными и то, что некогда имело вроде бы приятный цвет, теперь кажется еще более блеклым и серым, грязным, особенно на общем монотонном фоне.



Несмотря на то, что многие рекомендуют вообще никогда использовать чисто черный цвет – с ним все же работать можно. Но делать это нужно очень осторожно, так как черный цвет придает некую темноту, грязноту и, порой, бледность, работам. Иногда такой эффект вполне может пригодиться, например, для придания трагизма работе, пасмурности или если вы рисуете в стиле гризайль и вам нужно иметь дело только с одним цветом и его оттенками. Но если с гризайль все понятно, то для трагизма и всего прочего все равно лучше не использовать чисто-черный цвет. Возьмите чуть выше и чуть правее, добавьте в него капельку цвета и вы увидите, что ваши тени, ваша ночь станет уже куда более живой и вам не скажут, что здесь разведена грязь.

Второй случай, когда может возникнуть грязь, как я уже некогда писала – это все тот же инструмент Burn (Затемнитель). Хотя он скорее делает работу зажаренной (но и об этом не грех еще раз повторить для надежности), но при должной «сноровке», а точнее полном незнании инструмента и понимании того, что тени и свет должны отличаться по цвету, и им можно развести некоторое подобие грязи. Многие хвалятся тем, что если отключить галочку в новых версиях Фотошопа «защиты тонов», то можно прекрасно делать тени. Действительно? Вы точно-точно в этом уверены? Ну, так давайте проверим на практике на самом обычном топорном рисунке, который был сделан не специально для этого урока. Чего уж попросту выдвигать теории.



И как оказалось, толком снятие галочки не особо-то и работает. В цвет добавилось чуть больше черного и произошло очень слабое сдвижение по цвету. Причем все равно с насыщением тени. А что, если мы рисуем девушку в пасмурный день и тени нужно сделать чуть менее ненасыщенными? Я особенно долго не продолжала, но уже на этой стадии видно, как зажаренная корочка нашей зеленоглазой незнакомки начинает превращаться в черный цвет в самых темных местах и при этом сам цвет остается неизменным. Все б ничего, но если начинающий экспериментатор решит добавить потом других цветов и снова повторить процесс – за результаты уже можно даже и не ручаться. Вот что точно удачно получилось при помощи бурна – так это затемнить глаза на данном рисунке. А почему? Неужели не догадались? А потому, что там отсвет от ресниц, то есть рефлекс, черный, что само собой подразумевает, что изменения цвета не будет – только светлота. Так что вот вам небольшой пример, когда черный точно можно использовать – если ваш отсвет на другой предмет происходит от черного предмета. Но и здесь может быть сто тысяч но. Ведь в самой природе практически невозможно встретить идеально черный цвет, который присутствует в нашей палитре в Фотошопе. А поэтому лучше всего будет, если вы забудете о нем на ближайшее время, а если уж и экспериментируете, то делайте это осторожно. НО не стоит путать осторожность с нанесением глубоких теней и осторожность с использованием чистого черного цвета.

Вернемся снова к настоящей грязи. К той самой, которая чаще всего выходит из под пера большинства художников, причем, она довольно часто встречается и у тех, кто рисует достаточно хорошо. Причина возникновения серых областей довольно проста и лежит она в физике. Да-да, в самой настоящей и всеми любимой. При смешении трех основных цветов (желтого, красного и синего) мы получаем серый цвет. Точно так же при смешении двух дополнительных цветов – мы так же получаем серый цвет. Не трудно догадаться, что когда художник пытается следовать тому правилу, что на одном объекте может существовать множество различных цветов, и делает это не совсем правильно, в результате смешения цветов (того самого, когда мы берем пипеткой цвет и накладываем на соседний, создавая переходы) и наложения новых, в этом месте может образоваться серое, ненасыщенное по цвету пятно. Приблизительно вот так.



А казалось бы! Мы старались добавить разные цвета, следуя советам художников. Что же мы делаем не так? А мы смешиваем, и вот и получается у нас грязный цвет. Но как же тогда рисовать, если техника у нас смешивания, а смешивать нельзя??? Нет, я не противоречу самой себе – просто следите за теми цветами, которые вы берете и тем, что получается. Многие художники советуют накладывать более чистые цвета, чем вы хотите получить в итоге, не забывать о промежуточных цветах, чтобы не происходило провала в серое (вспомните второй совет), и по ходу работы всегда разбавлять цвета новыми чистыми цветами. Для этого обязательно храните палитру основных цветов хотя бы до тех пор, пока не научитесь уверенно работать с цветами и при смешивании цветов то и дело обращаться к этой палитре и беря цвета с нее, а не пипеткой с вашей работы. Тем самым вы не допустите появления серости и бледности в вашей работе. Этот процесс очень тонкий и очень сложный. Если бы он не был столь сложным, то, наверняка, не было бы и так много работ, страдающих низким контрастом и преобладанием серого.

Еще один случай, когда возникает грязь - это наложение цвета поверх черно-белого рисунка. Так как лично я не осваивала подобную технику, то объяснять причины я не буду. Могу лишь заметить, что такие работы наиболее сильно страдают одноцветностью теней и просвечиванием серого, так как при такой технике цвет, который вы берете и который получается довольно сильно отличаются, и человек начинает путаться в том, что он делает и правильно ли он это делает. Одним из способов понять принцип нанесения цветов поверх ч/б рисунка - это разобраться с каким оттенком серого можно ассоциировать тот или иной цвет и что с ним случится, если он станет немного темнее или светлее. А так же как работают наиболее часто используемые опции Color, Overley, Multiply и др.

Подводя черту под вышесказанным, я хочу еще раз заметить, что не существует четких правил того, как избежать грязи в рисунках. Единственный верный способ – следить за тем, что вы рисуете. Если ваш взгляд еще не достаточно наметан – обращайтесь к цветовой палитре. Но так же и помните, что слишком яркие цвета могут тоже убить реалистичность и интересность работы, как и грязь, и бледность. Здесь нужно всегда искать свою золотую середину. Ну, а пока что, стоит помнить, что для теней следует исключить использование черного, инструмента бурн, а так же при введении новых цветов, помнить какие из них образуют вместе серое (вспомните цветовой круг из совета 4) и если уж вам так сильно нужен именно этот цвет – наносить его более чистым, чтобы он не провалился в серый неинтересный оттенок при смешивании еще сильнее. В общем – экспериментируйте, пробуйте, но держите ухо востро!

Ну, вот и закончились вторые пять советов. 

Подводя итоги, хочется еще сказать, что, читая все эти советы, вы можете подумать о том, что во время рисования нужно удерживать в голове такое большое, нет, даже огромное число нюансов. И да, вы окажетесь совершенно правы. Но! Не стоит бояться этого. Все приходит со временем. И если сначала вам придётся помнить о многих вещах, то со временем они просто станут частью ваших работ, и вы даже не будете о них задумываться. Главное – не отступаться и усердно работать над собой и своими работами. Помните, что само ничто не нарисуется. Нужно учиться, учиться и еще раз учиться, как завещал сами знаете кто 

Автор: Мельниченко Антонина (Vakhara)

 

Источник

 

............