Вряд ли в России найдутся люди, не знающие ансамбля «Березка». Красавицы-лебедушки, плывущие в хороводе, давно уже стали символом России, символом женственности. Плавное величие, природная стать, народная удаль и русский характер - все сплелось в этих танцах, все радует глаз и наполняет душу радостью.
История одной песни: "Школа танцев Соломона Шкляра (Пляра... Фляра... Кляра)"
"Танцы — это вертикальное воплощение горизонтального желания"
Популярная в советские времена песня-анекдот донесла до нас неповторимую атмосферу танцулек, которыми наслаждались продвинутые наши земляки еще сто лет назад.
Аркадий Северный - Школа танцев
Наши предки всегда были к танцам неравнодушны. Но языческие танцы у костра не считались чем-то диковинным, поскольку история еще раньше знала о пиррических (военных) танцах, служивших обязательной частью представлений греческого античного театра, религиозных празднествах в Ассирии и Египте, танцах в честь Аполлона, Вакха и других богов.
Пышные балы в Царском (Мариинском) дворце, залах бывшего купеческого собрания и Института благородных девиц в Киеве, как и нынешние, венские балы в оперном театре столицы Украины, тоже вряд ли затмевали и затмевают подобные действа в других столицах мира.
А вот школа танцев Соломона Шкляра, где избавляли от природной неуклюжести и обучали азам пластики, оказались единственной в своем роде.
Одесситы даже тщились доказать, что эта школа существовала не в Киеве, а в их городе. Но архивы опровергали эти попытки приписать сугубо киевскому явлению одесский адрес.
ГЕРОЙ С НОЖНИЦАМИ
Парикмахер Соломон Исаакович Шкляр жил на Большой Васильковской, 10, в доме, принадлежавшем Генриху Генриховичу Пфалеру, а стриг и брил на Бибиковском бульваре, 5. Наводя лоск на кавалеров с помощью ножниц и расчески, а также одеколона, который он закупал у своего приятеля Фридриха Пульса на Подоле. Зоркий Соломон обратил внимание, во-первых, на угловатые манеры киевлян среднего сословия, а во-вторых, на то, что у многих из тех, кому уже по возрасту было неловко слоняться по тому же Бибиковскому, просто негде познакомиться с барышней для серьезных взаимоотношений.
И Шкляр открыл школу танцев по тому же адресу, что и жил, на Большой Васильковской, 10!
Гимн любви и верности Италии от Тото Кутуньо "L’Italiano". История создания. Видео.
Тото Кутуньо (Toto Cutugno)
Итальянский певец и композитор.
Прославился своей песней «L’italiano».
Победитель конкурса «Евровидение 1990» в Загребе.
Есть песни-однодневки, а есть музыка на все времена. Сегодня классикой стал и бессмертный гимн любви и верности Италии «L’Italiano» в исполнении Тото Кутуньо (Toto Cutugno). Те, кому уже за… с удовольствием вспомнят молодость, а молодёжь поднимет настроение, прослушав прекрасную музыку.
"L’italiano" (Итальянец) известная во всём мире итальянская песня, в 1983 году записанная Тото Кутуньо и представленная им на 33-м Фестивале итальянской песни в Сан-Ремо. Официально песня заняла 5-е место, однако по результатам народного голосования L’italiano выиграла конкурс.
22 мая 105 лет назад в Петербурге в семье надворного советника родился тот, кто подарил нам как минимум десяток дивных мелодий на все случаи жизни, массу анекдотов и множество забавных легенд — Никита Богословский. В графе
«происхождение» он писал: «быв. двор.», — что могло означать, по задумке, не
принадлежность к дворянскому сословию, а, к примеру, указание на выходца
из семьи бывшего дворника. Суровый, беспощадный ХХ век к нему был весьма
снисходителен и даже награждал его за находчивость и талант цветами и апло-
дисментами.
Один из самых известных фильмов советского кино — «Цирк» стал зеркалом времени, в котором был создан. Сам выбор сюжета может рассказать многое о положении культуры в 1930-х: из всех популярных видов искусства цирк оставался относительно независимым, тогда как в стране устанавливалось культурное единообразие и шла своеобразная унификация массовых зрелищ. Именно тема цирка подарила Александрову право на создание собственного художественного мира картины. В незамысловатую историю режиссер вложил многое из того, чем жил СССР в конце десятилетия.
Орлы на башнях Кремля
В «Цирке» на башнях Кремля красуются имперские двуглавые орлы, которых к тому времени просто не успели заменить на революционные звезды. Александров оказался одним из последних режиссеров, в чьем фильме можно их увидеть, но также одним из первых, кто показал на экране новый, уже советский вариант украшения башен. В том, когда и какая символика появляется в кадре, можно угадать целую историю изменений, прошедших в Кремле в 30-х годах, а также разгадать, в какой момент создан тот или иной эпизод фильма.
10 отличий между фильмом «Старик Хоттабыч» и книгой
Впервые сказочная повесть Лазаря Лагина «Старик Хоттабыч» была опубликована в 1938 году в газете «Пионерская правда». Повесть публиковалась по частям из номера в номер, а в виде книги была издана только через два года. В 1953 и 1955 годах книгу переиздавали, но уже в отредактированном под новые реалии виде. Сам Лагин редактировать сказку отказался, и «Старика Хоттабыча» без его участия переделали под требования нового времени и идеологического отдела ЦК, которому были нужны «актуальные акценты и правильные персонажи». Фильм про приключения джинна Хоттабыча и пионера Вольки Костылькова был снят в 1956 году и представлял собой сильно сокращённую вторую версию книги с некоторыми сюжетными изменениями.
✿ღ✿«Tic Tic Tac» - бразильский мотив из 1990-х, под который ноги сами идут в пляс✿ღ✿
Бразильский ансамбль «Carrapicho».
«Мальчик хочет в Тамбов», - распевали на просторах бывшего СССР в конце 1990-х. И далеко не все знали, о чём на самом деле поёт в своей зажигательной песне «Tic, Tic Tac» бразильский ансамбль «Carrapicho» («Каррапишу»). Эта мелодия, под которую ноги сами идут в пляс, полюбилась миллионам людей во всём мире.
Как только этот мотивчик зазвучит, очень трудно устоять на месте. Ноги сами просятся в танец. Как же можно устоять перед зажигательными ритмами барабанов.
Бей сильнее в барабан!
… потому что мне хочется (услышать) «тик тик тик тик так»
Бей сильнее в барабан!
… потому что мне хочется (услышать) «тик тик тик тик так»
Каких только собак не навешали на Исаака Дунаевского в пламенные годы перестройки! И в 90-е тоже. Он - и ручная канарейка тирана, и наглый плагиатор, обокравший фольклор мексиканского народа, и вообще - пособник кровавого сталинского режима, заглушавший своими бодрыми "маршами энтузиастов" стоны Гулага.
Но на самом деле, талантливая музыка никогда не врёт, она отражает жизнь с 100% закономерностью. Никакие учебники истории не расскажут о духе эпохи так правдиво, как музыка. Так что этот лучезарный оптимизм Дунаевского тоже выражал какую-то часть сознания эпохи. Если бы это было не так, его бы не пели, не любили и не шагали под него на парадах всей страной. Читать далее
Вот уже почти два с половиной века он стоит над Невой. Официальное открытие памятника Петру Великому работы Фальконе состоялось 7 августа 1782 года.
Когда-то в один из первых дней августа, обычно — первый выходной, рядом с ним обязательно собирались ценители старины, чтобы отметить очередную годовщину установки памятника Петру Великому на Сенатской площади Санкт-Петербурга.
Теперь о традиции вспоминают только в юбилейные годы, но очередного юбилея надо ждать ещё полтора десятка лет. Наверное, это примета времени, что сегодня его уже никто не боится, как боялся пушкинский Евгений.
Иллюстрация А. Бенуа к пушкинскому "Медному всаднику" считается хрестоматийной
Похоже, ленинградцы-питерцы всё своё уже отбоялись в страшные дни Блокады. Зато фальконетовым Петром, как и прежде, восхищаются, чаще — просто любят, ласково называя «Петрушей». После тех самых 900 дней к нему в городе и вовсе относятся как-то теплее, человечнее.
На его фоне теперь регулярно фотографируются невесты, а женихи, открывая шампанское, целятся непременно под хвост царскому коню. Лихие бомбилы на Невском, готовые с любого содрать три шкуры, даже с иностранцев за то, чтобы прокатиться «прямо к Петру», берут не больше пяти сотен.
Колыванская чаша: Царица ваз.Чашу из ревневской яшмы вытёсывали в течение 13 лет!
В одном из залов Нового Эрмитажа можно увидеть огромную каменную чашу. Она установлена на специальном фундаменте — настолько тяжела. У этого музейного экспоната несколько названий — Большая колыванская ваза, Колыванская чаша, царская чаша, чаша из ревневской яшмы, — но в отечественном искусствоведении прижилось первое.
Считается, что роль Гамлета может сыграть лишь тот актёр, который не боится проверить себя на прочность. Иннокентий Смоктуновский сыграл Гамлета дважды — в трагедии Григория Козинцева и в комедии Эльдара Рязанова…
В 1954 году режиссёр Григорий Козинцев поставил «Гамлета» в Ленинградском театре драмы. Спектакли шли с аншлагом, исполнитель главной роли — Бруно Фрейндлих, отец будущей знаменитой актрисы Алисы Фрейндлих — имел огромный успех у публики.
Сразу после премьерного спектакля Козинцев начал писать сценарий для экранизации. Это была не первая попытка наших режиссёров перенести шекспировских героев на киноплёнку, но предыдущие версии снимались ещё во времена немого кино и от них остался только факт, что они были… Фильм Григория Козинцева стал первой советской экранизацией «Гамлета». Можно сказать, что это единственная отечественная экранизация — за классический сюжет никто из наших режиссёров пока не брался. Свою версию «Гамлета» снимал Юрий Кара, но его герои жили в современном мире, ходили в клубы и соревновались в автогонках.
Исполнителем главной роли Козинцев видел Иннокентия Смоктуновского — на тот момент не самого известного актёра. Смоктуновский был не в восторге от сценария и прописанного образа, но всё-таки это был Гамлет — роль, о которой мечтали многие… Ради неё актёр отказался от главной роли в «Андрее Рублёве» и от Болконского в «Войне и мире». Режиссёр со своей стороны приложил массу усилий, чтобы развеять все сомнения Смоктуновского, принимал его правки и соглашался на другое видение героя.
Вокальные эффекты: Йодль. Примеры йодля у звёздных вокалистов. Видео.
Йодль - очень популярный вокальный приём в эстрадной музыке. Он представляет собой очень быстрое переключение звука с грудного регистра, где голос очень плотный, на головной регистр, где голос очень лёгкий воздушный. Обычно йодль делают в том месте, где в мелодии есть один или несколько широких скачков снизу вверх и обратно. Использование йодля делает звук разнообразнее и интереснее, и исполнение - более эмоционально насыщенным.
Камилла Кабелло, Леона Льюис и Долорес О'Риордан.
Своё начало этот вокальный приём берёт от традиционного тирольского пения:
Вот где вы можете слышать этот приём в современных песнях:
Вокальные эффекты: вибрато. Вокалисты с крутым вибрато. Видео.
Вибрато - это колебание голоса на одной ноте ("вибрация"). Голос без вибрато выглядит "прямым", плоским, пустоватым или грубым. Вибрато же придаёт голосу наполненность, насыщенность, душевность. Голос с вибрато становится живым и трепетным. Вибрато используется во всех стилях и жанрах вокала.
Хорошее, качественное вибрато должно удовлетворять нескольким критериям:
1. Быть средним по частоте ( не слишком частым, и не слишком редким). Слишком частое вибрато воспринимается как дрожание голоса или "блеяние" (есть даже такое обидное вокальное слово - "козлетон"). Слишком редкое вибрато воспринимается как раскачанный, плохо управляемый голос. Оно делает голос "старческим" и часто выходит за пределы одной ноты.
2. Быть ровным. Не должно быть ускорения, или замедления, или изменения частоты вибрато в ту или другую сторону.
Все профессиональные артисты используют вибрато, но есть артисты, которые сделали вибрато своей самой узнаваемой "фишкой". Сложно сказать - у них природное или "сделанное" вибрато, но они звучат очень естественно и свободно.
Демис Руссос. У него очень специфическое быстрое вибрато, которое напоминает звучание мандолины.
Demis Roussos - From Souvenirs To Souvenirs 1975 (High Quality)
Вокальные эффекты: фальцет. Певцы с крутым фальцетом. Видео.
Фальцет - очень широко распространённый в эстрадной вокальной музыке эффект. Само слово "фальцет" пришло к нам из итальянского языка, где "falso" означает "ложь". На русский язык "фальцет" переводится как "ненастоящий, ложный голос". Фальцет достигается в мужском голосе путём звукоизвлечения при неполном, частичном смыкании связок. Это даёт дополнительные, очень лёгкие, воздушные ноты, а к общему диапазону вокалиста прибавляется от одной до полутора октав (в некоторых случаях и больше). Таким образом, фальцет расширяет исполнительские возможности певца.
Фальцет очень порицается в оперном вокале. Считается, что тенор должен брать свои высокие ноты "настоящим" голосом, на полном смыкании связок. В отличие от звука на полном смыкании фальцет звучит слабовато и пустовато, в нём мало обертонов. Иногда он напоминает звучание женского голоса.
Но изгнанный из оперы, фальцет занял прочное место в эстраде и стал одним из самых популярных вокальных приёмов. Использование фальцета добавляет в исполнение эстрадных певцов больше эмоциональности, нежности, интимности, душевности. Часто фальцет напоминает нежное нашёптывание на ушко. Также фальцет за счёт своей высоты и звонкости делает голос (а соответственно, и образ певца) моложе. Иногда фальцет в чередовании с полным голосом усиливает драматический контраст в образном ряду песни.
Вот несколько исполнителей с высоким уровнем фальцета:
Сэм Смит. Постоянное перескакивание с полного голоса на фальцет и обратно.
За отдельным маленьким столиком невдалеке от меня сидела уже немолодая красивая женщина, устало опустившая руки на колени. В ее позе было что-то обреченное. Она напряженно смотрела на входную дверь и вздрагивала от ее скрипов.
— Смотри – Владеско! – неожиданно прервав наше молчание, сказал Петя.
Я обернулся. В кафе входил толстый сияющий румын в светло-сером летнем костюме, с гвоздикой в петлице. На мизинце его правой руки сверкал большой желтый бриллиант, какие обыкновенно носят карточные шулера.
8 ИНТЕРЕСНЫХ ФАКТОВ О ФИЛЬМЕ «ТАБОР УХОДИТ В НЕБО»
Сценарий этого фильма Эмиль Лотяну написал по мотивам ранних произведений Максима Горького — «Макар Чудра» и «Старуха Изергиль».
Действие драмы из жизни цыганского табора разворачивалось в начале XX века на окраине Австро-Венгерской империи. На роли в массовке режиссёр пригласил актёров Молдавской киностудии и настоящих цыган из «вольных» таборов и знаменитого театра «Ромен». Именно они исполнили песни, ставшие популярными не меньше фильма.
Филиппинский певец Марселито Помой. Уникальный голос сочетает и тенор и сопрано. Видео.
Филиппинский певец Марселито Помой (Marcelito Pomoy)
Родился 22 сентября 1984 года
На Филиппинах говорят, что голосом Марселито Помоя поют ангелы. Этому парню из народа 35 лет. Он стал знаменитым на Филиппинах после победы в Филиппинском шоу-талантов благодаря уникальному вокалу, способному сочетать в песне голоса тенора и сопрано. Парень, судьба которого складывалась нелегко, даже в мечтах не мог представить, что достигнет таких высот.
Марселито Помой исполняет "The Prayer" (Молитва) - песню, которая известна прежде всего как дуэт Селин Дион и Андреа Бочелли.
Голос Марселито Помой одинаково ярко и чисто звучит и в высоком женском регистре, и в привычном мужском. Если не смотреть на экран, то полное ощущение, что поют двое - мужчина и женщина.
Как вы думаете, сколько существует экранизаций сказки Алексея Толстого «Золотой ключик, или Приключения Буратино»? Ну, во-первых, фильм Леонида Нечаева «Приключения Буратино» (1975) (о фильме можно прочитать здесь), во-вторых, мультфильм «Приключения Буратино» режиссеров Дмитрия Бабиченко и Ивана Иванова-Вано, созданный в 1959 году. Но существует еще одна, сегодня почти забытая экранизация любимой книги нашего детства! Это фильм Александра Птушко «Золотой ключик», вышедший на экраны в далеком 1939 году. И сегодня хотелось бы поговорить именно об этой ленте.
Алексей Николаевич Толстой закончил писать сказку о приключениях деревянного человечка в 1935 году и в этом же году ее стали публиковать в газете «Пионерская правда» (печаталась с ноября 1935 по январь 1936 г.). Вскоре книга вышла отдельным изданием, и тогда же Толстой по просьбе Наталии Сац написал пьесу «Золотой ключик» для Центрального детского театра, которая немного отличалась от оригинальной сказки. На основе этой пьесы и был создан одноименный фильм 1939 года.
Фильм-сказка «Золотой ключик, или Приключения Буратино», без сомнения, принадлежит к золотому фонду отечественного кинематографа. Премьера на телевидении состоялась 1-2 января 1976 года, то есть 42 года назад.
Режиссер картины Леонид Нечаев нашел мальчишку на роль Буратино в минском подземном переходе.
«Смотрю, бежит бабушка с внуком. Под мышкой труба, в руках коньки, — вспоминает Нечаев. — Представляюсь, приглашаю в кино сниматься, а она мне в ответ: “Милый! Какое кино? Видишь, бежим с музыки на фигурное катание!”»
Сам Дима Иосифов, сыгравший деревянного мальчика, говорит, что сниматься не очень-то и хотел. На съемках собрался блестящий актерский состав — Владимир Этуш, Ролан Быков, Рина Зеленая, Николай Гринько, Юрий Катин-Ярцев, Владимир Басов. К каждому из них юные актеры относились по-разному.
На студии Диму пробовали сначала на роль Арлекина. Но стоило ему раздеться, все увидели, что тело у мальчика напоминает кукольное, только шарнирчиков не хватает. Так он и стал деревянным мальчишкой. Для большей убедительности ему сбрили волосы и брови, а вместо них наклеивали бутафорские.
Эта симфоническая пьеса длиной примерно в 16 минут - самое исполняемое сочинение 20 века.
Кто-то подсчитал, что Болеро звучит каждые 15 минут в разных точках планеты: в качестве концертного исполнения, балета, саундтрека к фильмам, в рекламе или ещё в каком-то виде. То есть фактически современный мир уже 90 лет живёт под непрерывное звучание этого Болеро (Равель написал его в 1928 году).
Болеро резко выделяется по стилю из всего, что написал за свою жизнь Равель. Причина этого - в исключительной персоне, для которой написана эта музыка: для Иды Рубинштейн - русской танцовщицы и иконы декаданса.
Напрасно её называют балериной. На пуантах она никогда не стояла, балету не училась, но имела яркую восточного типа внешность, мощную человеческую харизму, прирождённую тягу к актёрству и миллионное состояние.
Это позволило ей войти в знаменитую балетную труппу Сергея Дягилева и иметь огромный успех только благодаря экзотическим ролям, красивым статичным позам, несложным па и эпатажным сценическим нарядам. Потом она основала свою труппу. Читать далее
То, что в Аргентине изобрели шариковую ручку и что там родился Че Гевара - знают немногие. То, что Месси и Марадона тоже аргентинцы - знают многие, но не все, в основном, футбольные болельщики. Но то, что в Аргентине есть аргентинское танго - знают абсолютно все. Нет ничего более аргентинского, чем танго.
И нет другого такого танца, который бы так откровенно выражал роковую власть основного инстинкта. Что там канкан с задиранием юбок выше головы! Это просто детские шалости по сравнению с танго - этим ритуальным танцем страсти. Тут всё серьёзно.
Сто лет назад танго пришло в Европу, прекрасно прижилось и пустило побеги во все стороны. Теперь у всех нас в памяти как минимум три-четыре популярные мелодии танго, ставшие классикой жанра. Кстати, не только аргентинские.
Сценарий фильма «Весна» был написан по мотивам музыкального спектакля «Звезда экрана», который с успехом шёл на сцене московского Мюзик-холла. Режиссёр Григорий Александров и его соавторы Морис Слободской и Александр Раскин закончили его 20 июня 1941 года — за два дня до начала войны…
Вернувшись к работе через шесть лет, режиссёр понял, что за это время сценарий устарел и надо писать всё заново.
Начал с того, что поменял род деятельности главной героини. В первом варианте сценария профессор Никитина занималась условными рефлексами в институте физиологии, но к тому времени рефлексология была признана «ошибочным направлением» в науке. Тогда её сделали физиком и отправили работать на военную промышленность. Потом она стала специалистом по взрывчатым веществам… Профессию меняли восемь раз, пока учёный Пётр Капица не посоветовал режиссёру занять героиню изучением солнечной энергии. Образ учёной дамы списали с доктора химических наук Зинаиды Ершовой, специалиста по атомной промышленности, которую называли «русская мадам Кюри».
Для Института Солнца, где работала Никитина, требовались серьёзные декорации — надо было оборудовать целую лабораторию со сложной, почти фантастической аппаратурой. Снимать на «Мосфильме» не было возможности — студию ещё не восстановили после войны, не было технического персонала. Тогда съёмочная группа поехала в Прагу — работать на базе знаменитой киностудии «Баррандов», а декорации собирали по европейским киностудиям. Часть съёмок прошла в декорациях немецкого музыкального фильма «Девушка моей мечты».
Каверы не так уж редко становятся популярнее оригиналов, и таких песен в любом жанре хоть пруд пруди.
Хрестоматийный пример – молчаливое негодование Дэвида Боуи в ответ на благодарности зрителей за исполнение «песни Nirvana». Гораздо более редки, но очень интересны истории, когда чужая версия песни настолько отдалена от изначальной по времени, что оригинал и вовсе теряется в пучине истории. А иногда бывает и так, что временной промежуток не слишком велик, зато громадна стилевая пропасть, и первое исполнение блекнет на фоне более хитового кавера. Что ж, давайте попробуем вернуться к корням и выяснить, откуда есть пошло несколько известных песен.
1. Cotton-Eyed Joe
Под эту развеселую кантри-композицию танцевали задолго до Rednex, сделавших ее популярной во всем мире. Cotton-Eyed Joe – американская народная песня, которую на протяжении всего XX века исполняли и записывали десятки, если не сотни артистов (в этом списке есть даже легендарная Нина Симон). Как и в случае с большинством народных песен, точно установить время ее возникновения невозможно, однако фольклористы сходятся во мнении, что во время Гражданской войны в США (1861-1865 гг.) она уже была хорошо известна на юге страны. К современному варианту песня пришла через много-много версий, и она настолько стара, что сейчас уже даже никто точно не знает, что подразумевалось под «хлопковыми глазами» того самого Джо – то ли глаукома, то ли алкогольное опьянение, то ли контраст белых глаз на темной коже. Читать далее
Сегодня, 8 февраля, в возрасте 83 лет ушел из жизни гениальный актер, народный артист РСФСР Сергей Юрский. На его счету - более 80 фильмов.Очень грустно, что Сергея Юрского больше нет среди нас. Не будет его новых спектаклей, новых ролей на экране. Но останется с нами его неповторимый голос, его экранные персонажи, которых он так мастерски воплотил. Будем возвращаться к его Чудаку, дяде Мите, Викниксору, Груздеву, Тарталье, мэтру Роше, Импровизатору и, несомненно, Остапу Бендеру, лучшему Остапу всех времён и народов.
1. Человек ниоткуда (1961) – Реж. – Эльдар Рязанов
Смешной, местами просто уморительно смешной с фантастическими элементами фильм. Конечно, он абсолютно о нашем времени бюрократов и проходимцев во власти. И герою Юрского не понятен эзопов язык того общества, куда он попал в результате неожиданной встречи с антропологом Полежаевым, героем Юрия Яковлева. Персонажа Юрского зовут Чудак, он дикарь из племени тапи. Но надо ещё посмотреть, кто в действительности дикарь. Сергей Юрский нежен и наивен в роли Чудака, он большой ребёнок. Незабываемая роль. Обязательно посмотрите «Человека ниоткуда», если ещё не видели. Хорошее настроение гарантировано.
♥ღ♥Любовь и нелюбовь: Детали картин, которые сразу понимали зрители XIX века♥ღ♥
Девятнадцатый век подарил человечеству много живописных полотен в самых разных жанрах и стилях. На них до сих пор приятно или интересно смотреть — недаром по сети продолжают гулять подборки живописи именно девятнадцатого века. Вот только многих намёков, понятных зрителю прошлого, современный зритель без подготовки не считывает.
Немецкий романтизм – направление в литературе 18-19 века, приверженцами которого были Гофман, Гельдерлин, Гейне, Клейст, Тик, братья Шлегели, Шамиссо и другие писатели. Перу этих авторов принадлежат удивительные сказки, которые рассказывали детям прошлых веков. Эти произведения сегодня входят в детские сборники и продолжают свою жизнь благодаря постановкам в театре и мультфильмам, которые в том числе выпускает компания Уолта Диснея.
История создания персонажа
Вильгельм Гауф – представитель немецкого романтизма. Его биография крайне любопытна. Родившись на стыке двух веков, в 1802 году, писатель прожил недолгую, но плодотворную жизнь. Он был сыном чиновника, скоропостижно скончавшегося, когда мальчик был совсем юн.
Детские годы Гауф провел за изучением библиотеки деда по материнской линии. Окончив монастырскую школу, он отличался хорошими результатами в учебе, что помогло в поступлении в университет.
Изображение Якоба в сказке
Теология и философия стали профессией будущего писателя. Чтобы подрабатывать, юноша устроился к чиновнику по фамилии фон Хегель учителем для детей. Начитанный и коммуникабельный парень быстро нашел с ребятами общий язык. Он подружился с домочадцами и путешествовал с семьей Хегелей по Европе в качестве педагога и приятеля.
Гауф начал сочинять сказки, желая развлечь детей, за которыми присматривал. Со временем их скопилось немало, и все произведения автор объединил в сборник. Книгу опубликовали в Германии. Она снискала невероятный успех и на родине, и за рубежом. Так Гауф стал писателем и сказочником.
О музыке не говорят, а ею дышат...Другие вздохами молчат и сердцем что-то слышат. И хочется с ней счастьем насыщаться и с чем-то сокровенным жить.
01. А напоследок я скажу — Рада Рай (00:00) 02. Калитка — Александр Малинин (03:39) 03. Не отрекаются любя — Алла Пугачёва (07:25) 04. Седина — Леонсия Эрденко (11:36) 05. Гори, гори моя звезда — Ансамбль "Русска рома" (15:54) 06. Напрасные слова — Александр Малинин (18:45) 07. Ты едешь, бледная — Елена Ваенга (23:39) 08. Пара гнедых — Вика Цыганова (27:04) 09. Выхожу один я на дорогу —
Александр Малинин (30:12) 10. Я встретил Вас — Дмитрий Хворостовский (33:40) 11. Душа — Рада Рай (38:19) 12. Отцвели хризантемы — Вика Цыганова (42:33) 13. Мы оба лжём — Ансамбль "Русска рома" (45:16) 14. От зари до зари — Татьяна Буланова (48:24) 15. Только раз — Александр Малинин (52:00) 16. Разбросала косы русые берёза — Ансамбль "Балагуры" (56:32) 17. Люли — Леонсия Эрденко (59:59) 18. Ивушки — Елена Ваенга (01:03:00) 19. Ночь светла — Дмитрий Хворостовский (01:06:57) 20. Очи чёрные — Леонсия Эрденко (01:10:08) 21. Жалобно стонет — Александр Малинин (01:13:42) 22. дождик осенний — Раиса Отрадная (01:17:47) 23. Бричка — Ансамбль "Русска рома" (01:22:05) 24. я не прошу тебя вернись — Раиса Отрадная (01:24:16) 25. Жалобно стонет ветер осенний — Дмитрий Хворостовский (01:27:58) 26. Думы окаянные — Марина Девятова (01:30:16) 27. Однозвучно гремит колокольчик — Дмитрий Хворостовский (01:32:54) 28. Не уезжай ты мой голубчик — Вика Цыганова (01:36:11) 29. Я Вас любил — Сергей Пенкин (01:38:19) 30. Тонкая рябина — Юта (01:41:24) 31. Отойди, не гляди — Елена Ваенга (01:45:01) 32. Солнышко — Леонсия Эрденко (01:48:46) 33. Соловьи — Андрей Бандера (01:53:26) 34. Я ехала домой — Пелагея (01:56:45) 35. Я помню вальса звук прелестный — Дмитрий Хворостовский (01:59:08) 36. Цыганочка — Алёна Петровская (02:01:32) 37. Окрасился месяц багрянцем — Жанна Бичевская (02:04:39) 38. Колокольчик — Марина Девятова (02:07:33) 39. Очарована — Александр Малинин (02:10:50) 40. Ручеёк — Леонсия Эрденко (02:14:37) 41. Лодочка — Леонсия Эрденко (02:17:19) 42. Не пробуждай воспоминаний — Дмитрий Хворостовский (02:19:27) 43. Сыпь, Тальянка — Андрей Бандера (02:24:07) 44. Зорька алая — Александр Морозов (02:27:26) 45. Малиновый звон — Иосиф Кобзон и Республика (02:30:48) 46. Маменька — Леонсия Эрденко (02:34:26) 47. Чёрные очи — Елена Ваенга и Антон Яковлев (02:37:28) 48. Мы с тобой два берега... — Рада Рай (02:41:32) 49. Я люблю тебя больше природы — Интарс Бусулис (02:44:45) 50. Не уходи — Пелагея (02:48:59)
В 1975 году греческая песенка под названием "Ola Кala, Оla Оrea" (Всё хорошо, всё замечательно) в исполнении Йоргоса Далараса стала настоящим мировым хитом.
Через 13 лет израильский поэт и композитор Узи Хитман написал свой текст на мелодию "Ola Kala". На ИВРИТЕ она называется "Toda" ("Спасибо"). Наш популярный певец Хаим Моше подарил старому шлягеру второе рождение.
В начале 90-х Ola Кala попадает в могучие руки любителя ремейков Филиппа Киркорова, текст к ней пишет неутомимый поэт Резник и, под псевдонимом "Мне мама тихо говорила", старая песенка опять становится новым хитом.
В 1997 году "Ola Кala" зазвучала на альбоме группы Ялла, которая когда-то обессмертила своё имя легендарным "Уч-Кудуком". Текст песни со страшным названием "Без любимых глаз..." для Ялла написал ташкентский поэт Петр Сулоев.
Римейк, или "кавер-версия" - дело хорошее. Разумеется, если ты это делаешь официально, упоминая настоящего автора и отчисляя ему часть своих гонораров.
Так вот с авторством этой, очень любимой в Израиле, России и Греции песни, происходит прямо-таки анекдотическая история. Большая часть источников указывает, что музыку для Ola Кala написал Йоргос Даларас - её первый исполнитель. Другие считают автором хита трудолюбивый греческий народ. Третьи говорят, что это были не греки, а евреи. Четвертые - вот уж совсем непонятно почему - уверены, что её написал израильтянин Нир Бен Менахем. Пятые заявляют, что автор музыки неизвестен. Шестые упоминают некоего Георгиоса Наталараса. Филипп Киркоров - настоящий Робин Гуд российской попсы - человек, который забирает песни у богатых и поет их бедным, вообще долгое время считал автором музыки нашего певца Хаима Моше.
Когда мы всё-таки выяснили кто настоящий автор "Ola Кala", стала понятна вся эта "суета вокруг дивана".
Всё дело в фамилии! Шлягер написал грек по имени Ставрос с совершенно непроизносимой фамилией Kouyioumtzis. Даже всезнающая Википедия приводит аж три дополнительных варианта написания его фамилии: Kougioumtzis, Kouyoumtzis, и Koujioumtzis. Ну, а уж по-русски, как его только не склоняют. Тут вам и Куйоумцис, и Куюмцис, и Куджиумцис, и Коугиоумтзис, и даже Куйюмджи!
Конечно, проще со сцены произнести "Хаим" и на этом успокоиться. Тут нужно отдать должное г-ну Киркорову. Он все-таки выяснил настоящую фамилию автора. Правда, в итоге, назвал его Кугиумцис, но это уже дело пятое. Главное, что справедливость восторжествовала!
Вот такая длинная история вокруг одной маленькой песенки.
Поёт Хаим Моше. Композитор Ставрос э-э-э... Kouyioumtzis
Автор текста Узи Хитман.
Как первый полнометражный мультфильм «Аленький цветочек» создавали при помощи проектора и токарного станка
Режиссер Лев Атаманов — один из отцов советской мультипликации. Он автор многих шедевров, получивших призы международных кинофестивалей. Одна из самых известных его работ — сказка «Аленький цветочек». Мы решили разобраться, как создавали анимацию докомпьютерной эпохи.
Смотрели диснеевские фильмы и перенимали опыт
Лев Атаманов родился в Москве, окончил Первую киношколу и стал режиссером.
Через несколько лет занялся мультипликацией. Особенно его привлекали народные сказки. Несколько фильмов режиссер поставил до войны, но взлет его творчества пришелся на послевоенные годы.
Живопись под "фанеру".Европейские художники творили при помощи оптических устройств?
Камеры-обскуры (от латинского camera obscura — тёмная комната), способные проецировать изображения на любые поверхности, известны с древних времён. Другое дело, что до появления качественных линз их, как считалось, нельзя было использовать для живописных упражнений. Однако не всё так просто…
Около 1420-х годов мастерство художников Европы резко выросло. В картинах появились свет и объём, изображения стали очень детальными, реалистичными. Качественные линзы, хоть и небольшого диаметра, появились сотней лет позже, а потому никто не подозревал мастеров XV века в использовании оптики.
Зеркала старых мастеров
Но в XX веке за дело взялся английский художник Дэвид Хокни в компании с физиком-оптиком Чарльзом Фалько. Проанализировав работы старых мастеров, они пришли к выводу, что невозможно было создать эти шедевры без особых технических средств.
Ключ к решению загадки дала знаменитая картина фламандского живописца Яна ван Эйка "Портрет четы Арнольфини" (1434).
Она изобилует огромным количеством крупных и мелких деталей, среди которых невероятно сложная люстра-подсвечник с мастерски выведенной перспективой и металлическими бликами.
Надежды маленький оркестрик.Первая бардовская песня была написана в 1937 году.
Человеку свойственна потребность в самовыражении. В Советском Союзе эта потребность регулировалась государством, дабы самобытное творчество граждан оставалось в пределах утверждённой идеологии. Но многим было тесно в этих рамках.
Текст известной песни «Переведи меня через майдан» написана в 1981 году будущим редактором журнала «Огонёк», а тогда ещё молодым поэтом Виталием Коротичемна украинском языке. По некоторым сведениям, создание песни связано с трагической гибелью двенадцатилетнего сына поэта в 1971 году. Первоначально стихотворение называлось просто «Майдан» с подзаголовком «Останнє прохання старого лiрника» («Последняя просьба старого лирника»). Эти стихи прочитала поэтесса Юнна Мориц и выполнила художественный перевод на русский язык, а известный композитор и исполнитель Сергей Никитин написал музыку к стихотворению. Так родилась песня, известная нам в первую очередь в исполнении Татьяны и Сергея Никитиных.
Слепой лирник (бродячий певец, играющий на лире) идёт по майдану (деревенской немощёной площади), где он может случайно встретиться со своей прежней любовью, матерью своего сына, от которой он ушёл, когда ослеп. Он покинул её из-за собственного убожества, но продолжает любить. Он боится случайно встретиться и с сыном, который теперь тоже стал бродячим певцом («спивае на майдане»). Украинская писательница Ольга Чигиринская пишет: «Майдан — деревенская площадь, как минимум с одной стороны ограниченная не домами, а полем. Лирник хочет умереть на поле, в тишине, где пчелы «в гречке стонут глухо» — но он слепой и не знает, что пока он был незрячим, городок вырос в город, поле застроили, и ему некуда идти. Вот в чем трагизм концовки — раньше лирник мог уйти в поле, в тишину, а теперь ему некуда идти даже чтобы умереть, и нет никого, кто отозвался бы на его просьбу — он идет через площадь один, и люди вокруг даже не замечают слепого». В финале стихотворения лирник умирает прямо на площади.
Первая серия мультфильма о Малыше и Карлсоне вышла в 1968 году. По воспоминаниям одного из создателей мультфильма народного артиста России Василия Ливанова, тяжелее всего было найти актера на роль Карлсона. Режиссер мультфильма Борис Степанцев прекрасно осознавал, что Карлсон совсем не прост, а потому озвучить его может лишь очень хороший актер…
Степанцев пробовал на роли прославленных актеров того времени. Так Карлсонами пытались стать и народный артист СССР Михаил Яншин, и народный артист СССР Алексей Грибов. Пытались, но не смогли. Степанцев чувствовал, что, несмотря на всю фактурность их голосов, несмотря на весь талант, быть Карлсонами они не могут.
На ягодицах грешника из «Музыкального ада» Иеронима Босха (триптих «Сад земных наслаждений») можно рассмотреть ноты странной мелодии. Американской студентке удалось расшифровать эту музыку и исполнить её.
«Я решила переписать эту мелодию по правилам современной музыкальной нотации, предположив, что тональность нижнего голоса — до мажор, как это было принято в средневековых хоралах».
Амелия пишет, что вместе с другом Люком они изучали картину Босха, как «внезапно к великому нашему удивлению, обнаружили на попе одного из истязаемых грешников адскую музыку, которой без преувеличения уже более 600 лет» (картина датируется 1490—1510 годами). На запись трека у неё ушло примерно полчаса. После того как пост в Tumblr собрал 50 тысяч лайков, Амелия сообщила, что в её расшифровке содержатся ошибки, и она вместе с музыкальным факультетом университета в Оклахоме работает сейчас над новой, более точной интерпретацией музыки с ягодиц.
Расшифровка нот с ягодиц в соответствии с правилами современной музыкальной нотации, выполненная Амелией. Источник.
Иероним Босх. Триптих «Сад земных наслаждений». Фрагмент правой створки («Музыкальный ад»). Ягодицы грешника с нотами выделены красным овалом. Источник: wikimedia
В 2016 году сложно назвать художника, чье имя звучало бы чаще, чем Иеронима Босха. Он скончался 500 лет назад, оставив после себя три десятка картин, где что ни образ, то загадка. Вместе со Снежаной Петровой прогуляемся по «Саду земных наслаждений» Босха и попробуем разобраться в этом бестиарии.
«Сад земных наслаждений» Босха (картинка увеличивается по клику)
Сюжет
Начнем с того, что ни одно из имеющихся на сегодня толкований работы Босха не признано единственно верным. Все, что мы знает об этом шедевре, — от времени создания до названия — гипотезы исследователей. Названия всех картин Босха придуманы исследователями его творчества
Триптих считается программным для Босха не только из-за смысловой нагрузки, но и за счет многообразия и изощренности персонажей. Название ему дали искусствоведы, предположив, что на центральной части изображен сад земных наслаждений.
Главная мысль, которая соединяет не только части этого триптиха, но, по всей видимости, и все произведения Босха — тема греха. Это вообще был тренд в то время. Простому обывателю ведь фактически невозможно не грешить: тут имя господа всуе скажешь, там выпьешь или съешь лишнего, прелюбодействуешь, соседу позавидуешь, в уныние впадешь — как тут остаться чистеньким?! Поэтому люди грешили и боялись, боялись, но все равно грешили, и жили в страхе Божьего суда и со дня на день ждали конца света. Церковь же подогревала (в переносном смысле на проповедях и в прямом — на кострах) веру людей в неминуемость наказания за нарушение закона божьего.
Иероним Босх. Биография и картины. Описание картин
Не может быть! Глазам своим не верю! Что же это такое нарисовал на картине «САД ЗЕМНЫХ НАСЛАЖДЕНИЙ» этот добропорядочный голландский бюргер, семейный человек, член религиозного Братства Богородицы!
Какие то голые, совершенно обнажённые люди, мужчины и женщины, молодые и не очень, белые и чёрные...
На лоне природы они собирают странные огромные плоды, пьют из необычных, напоминающих, извините, даже не скажу что, сосудов, скачут нагишом на каких то странных животных то ли конях, то ли ослах, и даже на птицах. Но это было бы ещё ничего, если бы они ещё кое-чем не занимались... То по двое с совершенно понятными движениям и недвусмысленными поползновениями и позами, то группками, то прикасаясь, то соединяясь, то лобызаясь...
Хорошо, что я увеличил отдельные фрагменты картины, а то бы так и не увидел, что о подобном, имевшем место в Содоме и Гоморре, в городах, где разврат так возмутил Всевышнего, что он стёр их с лица земли, я уже знал..
Хорошо, что это картина. А представляете этих персонажей или самого художника, если бы они такое вытворяли в жизни, хотя коль скоро он такое мог нарисовать... Ведь сюжеты откуда -то он ведь черпал. Неужели автор всё это выдумал около 500 лет тому назад? Не знаю, право, но давайте успокоимся и узнаем кто он этот «охальник»...
Иероним Босх (нидерл. Jeroen (Hieronymus или Jheronimus) Bosch; -родился в городе Хертогенбос, Брабант (Нидерланды). Точная дата рождения Иеронима Босха неизвестна. Предполагают, что он родился около 1450 года. Скончался 9 августа 1516 г. там же.
Жизненный и творческий путь Иеронима (Иероена) ван Акена неразрывно связан с его родным Хертогенбосом - голландским городом близ бельгийской границы, одного из четырех главных городов герцогства Брабант, который во времена Босха входил в состав Бургундского герцогства, а сейчас является административным центром провинции Северный Брабант в Нидерландах. Окончание его названия и послужило основой для псевдонима Босх (Den Bosch). Начало его творчества относится к середине 70-х годов XV века.
Босх -один из крупнейших мастеров Северного Возрождения. В родном городе Босха Хертогенбосе открыт центр творчества Босха, в котором представлены копии его произведений.
Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio) всегда был плохим учеником, непутевым христианином, ненадежным другом, отвратительным товарищем, скверным учителем – короче говоря, всегда был ужасным человеком. Он умер таким же отверженным, каким жил, в убогой больнице в Порто-Эрколе в малярийной лихорадке. Рядом с ним в момент смерти не было ни друзей, ни врагов. Никого, кроме старого священника, лениво молящегося о спасении души живописца. Перечислять все пороки Караваджо – занятие столь утомительное и трудоемкое, что на это не хватит и шести статей. На его счету убийства, грабежи, изнасилования, пьяные драки, но его картины при этом украшают стены лучших музеев мира. Мальчик и картина с фруктами Его готовы были взять под опеку самые влиятельные люди своего времени. Он должен был стать одним из главных орудий пропаганды католической церкви. Но вместо богатства, роскошной жизни во дворцах и высокого чина художник всегда предпочитал грязные трущобы. Он видел красоту там, где ее по всем канонам не могло быть. А теперь обо всем по порядку. Маленький больной Вакх Ему было только пять лет, когда эпидемия чумы унесла жизни его отца и деда. Осталась только мать – одинокая женщина, пытающаяся прокормить прорву детей в Милане. Об этом периоде жизни Караваджо сохранилось очень мало информации. Мать художника, думающая только о том, как бы прокормить детей, не могла уделять им должного внимания. В итоге большую часть времени юный гений проводил на городских улицах — они стали его первой школой. Милан всегда был центром торговли в северной Италии. Сюда стягивались отбросы общества со всей Европы, мечтавшие поймать удачу за хвост. Наемники, проститутки, воры, убийцы — их девизом была фраза «Нет надежды — нет страха».
Почти всех великих художников объединяет то, что они были несчастными людьми. Прямо по Достоевскому: «Мера страдания определяет меру истины». Отличает их только то, что каждый из живописцев был несчастен по-своему. Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio) был баловнем судьбы, мог иметь все, что пожелал, но сам постоянно стремился к отчаянию и безысходности, которыми пропитаны его поздние произведения.
Неверие Святого Фомы
Как уже говорилось, в возрасте 26 лет Караваджо получил признание и славу, его картины завораживали, о них говорили в самых богатых домах Рима, за ними охотились все ценители искусства. И теперь живописцу предстояло принять новый вызов — стать оружием церковной пропаганды. Это был предел мечтаний любого художника. Это была слава, гремящая на весь мир, это были огромные деньги, это было бессмертие. Вызов был брошен Караваджо очень скоро. 25 июня 1599 года он подписал контракт на написание двух картин, посвященных св. Матфею евангелисту. Уже с самого начала это была победа. Первоначально заказ был отдан сопернику нашего героя, известному римскому художнику Чезари д'Арпино (Cavalier d'Arpino).
Сегодня разберем весьма серьезный вопрос. Действительно ли гимн США это русская народная песня «Хас-Булат удалой»? Прослушивание и того и другого произведения приводит в ступор. Кто у кого украл мелодию?
Давайте разбираться. Начнем с американцев. Их гимн появился в начале 19 века во время войны за независимость от Британской империи. Слова написал Фрэнсис Скотт Ки. Автор стал свидетелем того, как английский флот бомбил американский форт Макгенри.
Бомбежка продолжалась весь день и всю последующую ночь. На мужчину произвело большое впечатление это сражение и сила духа американцев. Ранним утром 14 сентября над фортом был поднят знаменитый звездно-полосатый флаг.
«Портрет Фрэнсиса Скотта Ки». Джон Вуд
Ки был вдохновлен победой США и видом большого полотнища, триумфально развевающегося над фортом. Этот флаг сделали Мэри Янг Пикерсгилл и ее соратницы в доме на Пратт-стрит в Балтиморе.
На следующий день Ки написал стихотворение на обороте письма, которое держал в кармане. Он назвал его «Оборона форта Макгенри». Поэма была написана в четырех стихах и быстро распространилась по городу. Затем ее напечатали в национальном журнале Analectic.
Теперь вернемся в Россию. Романс «Хасбулат удалой», слова к которому сочинил Александр Николаевич Аммосов, в 1858 году был опубликован в газете «Русский инвалид». Стихотворение продолжило начатую М. Ю. Лермонтовым тему героизации кавказских горцев.
Аммосов был офицером русской армии, прошел через Кавказскую войну. Его впечатления от службы нашли свое отражение в песне. На музыку стихи положила Ольга Христофоровна Агренева-Славянская. Существует версия, что она просто немного подкорректировала ноты, а стихи уже исполняли на определенную музыку.
Казалось бы, янки написали свою песню гораздо раньше, чем мы. Тем более мы знаем, как похожи наши шлягеры на иностранные варианты. Но здесь не тот случай. Авторство песни не принадлежит ни нам, ни американцам. Мелодию создал англичанин Джон Стаффорд Смит.
Джон Стаффорд Смит
Она называется «Анакреонтская песнь» и была гимном Анакреонтского общества джентльменов. Оно было известно в Лондоне 18 века. Само общество просуществовало с 1766 по 1792 года и было посвящено древнегреческому поэту Анакреонту, известному своими лирическими одами. Его члены, как правило, относились к английской аристократии и собирались по вечерам в среду, чтобы насладиться музыкой, стихами, вкусной едой и вином.
Общество встречалось двенадцать раз в год и каждое заседание начиналось с исполнения гимна, текст которого носил шуточный характер. Поскольку «некоторые из комических песен точно не были рассчитаны для развлечения дам, это вызвало недовольство многих участников, они подали в отставку один за другим; и на общем собрании общество было распущено».
Мальчик и картина с фруктами 
Маленький больной Вакх 
