Судьба творческого наследия Жюля Массне необычна. В сорок с неболь­шим лет, Массне был одним из наиболее известных оперных композиторов своего времени. Стремительное восхож­дение к успеху, почестям и наградам импони­ровало современникам и вызывало зависть претенден­тов. Уникальные творческие способности Массне порождали регулярные поводы к обсуждению в прессе и аплодисменты в дни премьер.
Музыканты-профессионалы (композиторы, крити­ки, исполнители) также признавали выдающееся ма­стерство Массне — композитора.

Жюль Эмиль Фредерик Массне́ ( 12 мая 1842, — 13 августа 1912) — французский композитор, получивший известность благодаря своим операм, которых насчитывается более тридцати.Чаще других ставились две оперы – «Манон» и «Вертер.»
Будучи еще школьником, Жюль был принят в главное музыкальное учебное заведение Франции – Парижскую консерваторию. После получения Римской премии в 1863 году, Массне много писал в разных жанрах, но именно благодаря операм он быстро приобрел известность. В период с 1867 и до конца жизни он написал более 40 сценических произведений в самых разнообразных жанрах: комические оперы, инсценировки классических мифов, романтические комедии, лирические драмы, писал оратории, кантаты и балеты. Массне прекрасно чувствовал театр, что и стало причиной его успеха у парижской публики. Несмотря на некоторые просчеты, он написал ряд успешных произведений, сделавших его ведущим оперным композитором во Франции с конца XIX в. и до начала XX в.

В 1861 году музыка Массне впервые вышла в свет. Это было виртуозное произведение для фортепиано в девяти разделах «Большая фантазия на концерт Мейербера». Закончив класс композиции под руководством Амбруаза Тома, Массне был удостоен самой высокой консерваторской награды – Римской премии, среди прежних обладателей которой были Берлиоз, Тома, Гуно и Бизе. Двое первых присутствовали в качестве жюри на конкурсе в 1863 году. Всем конкурсантам было предложено написать кантату на один и тот же текст Гюстава Шоке о жизни Давида Риццио. После того как все композиции были исполнены, Массне оказался лицом к лицу перед судьями. По его словам:

«Амбруаз Тома, мой любимый учитель, вышел вперед ко мне и сказал, «Обними Берлиоза, это ему ты во многом обязан своей награде». «Награда», – воскликнул я в растерянности, мое лицо сияло от радости, – «я получил приз!!!». Я был глубоко тронут, и заключил в объятья Берлиоза, затем своего учителя и, наконец, месье Обера. Месье Обер успокаивал меня. А нужно ли было, чтобы меня успокаивали? А затем он сказал Берлиозу, указывая на меня: «Этот молодой негодник далеко пойдет, если у него будет меньше опыта!»

Балетная сюита "Сид"

18 августа исполняется 75 лет выдающемуся дирижеру современности Дмитрию Георгиевичу Китаенко.

Дирижер Дмитрий Китаенко – личность колоссального масштаба. В любом из жанров он проявил себя великим музыкантом. Свой творческий путь он начал с Театра Станиславского и Немировича-Данченко, затем была Московская филармония и, наконец, лучшие симфонические оркестры Европы…

«Это русский дирижер, но с европейской школой и европейской культурой. Эта европейскость в русскости всегда для меня была очень ценной и в определенном смысле образцом. Собственно говоря, европейцами были и Чайковский, и Стравинский, и многие другие русские композиторы. Циклы Чайковского, Прокофьева и Шостаковича, записанные Дмитрием Георгиевичем – это в каком-то смысле итог его творческого пути. Хотя итоги подводить еще рано – он очень активно работает, много ездит и выступает, как прежде» (Дмитрий Лисс).
 

*****

«...он, несомненно, может считаться одним из пяти-шести лучших дирижеров мира. Это явление из ряда вон выходящее…», – так писал о Китаенко Герберт фон Караян, после того как молодой советский дирижер блестяще выступил на Международном конкурсе дирижеров в Вене, получив II премию и завоевав симпатии венской публики и прессы.

  С именем Бетховена  связано рождение нового симфонического жанра - программной увертюры, которая в свою очередь дала жизнь большой разветвленной семье одночастных программных произведений, получивших в дальнейшем наименование поэм, фантазий, картин и т.п. Созданные первоначально как музыкальные вступления к театральным спектаклям, увертюры Бетховена превратились в самостоятельные симфонические произведения, своего рода лаконичные инструментальные драмы.

  Увертюра "Кориолан" была написана Бетховеном в 1807 году под впечатлением одноимённой трагедии австрийского драматурга Генриха-Иозефа Коллина (1772-1811). В её основу была положена история жившего в V веке до н.э. римского полководца Гая Марция, прозванного Кориоланом. Она была изложена знаменитым греческим историком Плутархом в  "Сравнительных жизнеописаниях" - книге, которой Бетховен восхищался.

   Бетховен был, бесспорно, увлечён трагической фигурой Кориолана, этого изгоя, заставившего трепетать перед собой родной Рим. Изгнанный из города и охваченный жаждой мести, он приводит под римские стены огромное войско. Кориолан непреклонен к мольбам сограждан, но не в силах противостоять просьбам матери и жены. Гордый и непримиримый, Кориолан не находит иного выхода, кроме самоубийства. Эта острая психологическая коллизия стала исходным моментом инструментальной "драмы".

   Противоречия, раздирающие душу Кориолана, нашли выражение в первой же теме, сочетающей порывистое движение вперед и пересекающие его резкие, как сабельный удар, аккорды оркестра. Стремление и непреодолимая преграда - таков смысл этого музыкального образа. Начало увертюры вводит слушателя в мир мучительных противоречий, полных драматизма переживаний. Их острота оттенена второй темой, певучей и женственной, содержащей интонацию мольбы, мягкой, но настойчивой просьбы. Строение увертюры отмечено особой слитностью разделов. Вся она пронизана единой линией музыкального развития, колеблющегося между смятением и вспышками гнева, отчаяния. Эмоциональная напряженность музыки достигает высшего предела в репризе. Вновь возникают могучие звучания начала увертюры, но постепенно они утихают. Порывистый лейтмотив героя замедляет свой "бег" и словно обессиленный "умирает". Увертюра заканчивается едва слышным pizzicato струнных...

Увертюра "Кориолан" до минор, соч. 62

Vienna Philharmonic Orchestra
Christian Thielemann, conductor

26 марта - День памяти великого композитора

    Торжественный коронационный марш был сочинен в марте 1883 года. Чайковский в это время находился в Париже и усиленно работал над инструментовкой оперы "Мазепа". Одновременно он получил срочные заказы из России. В письме композитора к Н.Ф. фон Мекк от 9/21 марта 1883 года читаем: "На меня низверглись два неожиданных труда. Город Москва заказал мне торжественный марш для исполнения на празднике, который будет дан государю в Сокольниках, а коронационная комиссия прислала мне текст большой кантаты... Я уже начал сегодня писать то и другое". Через несколько дней Петр Ильич сообщает брату Анатолию : "Эта неделя ознаменовалась учетверенной сочинительской деятельностью, ибо разом пишу кантату и марш; и то и другое нужно делать поскорее, и я работаю на всех парах. И опять-таки имею основание быть довольным собой. Работы эти берут у меня много времени, но не стоили никакой натуги и напряжения: все идет у меня легко, скоро, хорошо,- и я совершенно доволен как тем, так и другим". 26 марта партитуры Коронационного марша и кантаты "Москва" были высланы в Москву.

Александр III Александрович

13-й император всероссийский

История создания

19 октября 1854 года Лист закончил свою первую симфонию — «Фауст». Она была написана в городе Гёте — Веймаре, столице маленького княжества, которую Лист на протяжении семи лет стремился превра­ ётить в один из крупнейших культурных центров Германии, каким он был на рубеже XVIII—XIX веков. Отказавшись от карьеры пианиста-вирту­оза, потрясавшего своими выступлениями всю Европу, он развернул просветительскую деятельность колоссальных масштабов: руководил театром, дирижировал симфоническими концертами, пропагандировал композиторов-новаторов, осуществил премьеру «Лоэнгрина», провел недели Вагнера и Берлиоза, воскрешал забытые произведения прошло­го, давал уроки пианистам из многих стран, сочинял музыку в самых различных жанрах. Наиболее значительный из них — симфоническая поэма, новый, созданный им программный жанр.
Первая же симфония заставила автора сомневаться в ее достоинствах. Через два месяца после ее окончания он иронически писал другу: «Эта вещь или, может быть, вздор получилась очень длинной, и я постараюсь издать и исполнить 9 симфонических поэм, прежде чем открою дорогу «Фаусту», на что может потребоваться еще более года». Потребовалось три, и 5 сентября 1857 года на праздничном концерте в честь открытия в Веймаре памятников Гёте, Шиллеру и Виланду «Фауст-симфония» впервые прозвучала под управлением автора. Тогда же был дописан заключительный хор, исполнение которого композитор не считал, однако, обязательным.
Посвящением «Фауст-симфонии» Берлиозу Лист отдал дань создателю романтического симфонизма, но оно еще сильнее подчеркнуло их различия в понимании программности. Особенно подходящими для программной музыки он считал «философские эпопеи», среди которых величайшая, по его мнению, — «Фауст» Гёте. Характеризуя подобные произведения, Лист утверждал, что целью их является не показ «деяний героя, но изображение аффектов, страстей, властвующих над его душой. Гораздо важнее показать, как герой думает, чем каковы его поступки».

В «Фауст-симфонии» три части, каждая носит имя одного из главных персонажей трагедии.
Первая часть — «Фауст» — открывается медленным вступлением. Лист нашел уникальную для XIX века, поразительную по точности музыкальную тему для выражения неразрешимых сомнений, разъедающих душу героя. Это мелодическая цепь нисходящих увеличенных трезвучий — лишенных тяготений, возможности разрешения в какой бы то ни было тональности.
Поиски, колебания бесконечны и бесплодны. Глухое звучание альтов и виолончелей с сурдинами усиливает ощущение безысходности. . Устремляется вверх быстрая тема, перекликаются струнные и духовые, и уже весь оркестр энергично и решительно повторяет начальный мотив вступления. Однако в кульминационный момент все обрывается, и снова воцаряется безнадежность. Мрачный монолог солирующего фагота в медленном темпе объединяет оба мотива вопроса, завершая вступление.
В широко развернутом сонатном аллегро — пять тем, которые воплощают разные стороны противоречивой натуры героя, в трактовке Листа — несомненно романтика. Беспокойная, вихревая главная передает поиски ускользающей истины, стремление к бесконечному знанию. Страстная, пылкая связующая — жажду неизведанного счастья. Певучая побочная, нежная и интимная — упоение любовью. Горделивая заключительная в маршевом ритме — героический порыв, готовность к борьбе. Завершается кода, подобно вступлению, мрачной басовой репликой: роковой круг замкнулся.
Трудно представить более резкий контраст, чем начало медленной второй части — «Гретхен». Вместо трагических метаний — умиротворенный покой, вместо грозных аккордов мощного оркестра — скромные мелодии в прозрачном звучании камерного ансамбля с выделением солирующих инструментов. И так невозмутим, ничем не замутнен мир чувств медленной части, что рождается сомнение: действительно ли это — портрет Гретхен с ее земной судьбой? Скорее — еще одна сторона души Фауста, продолжение многогранного мира первой части: идеальный женский образ, о котором грезит каждый романтический герой. Дальнейшее музыкальное развитие подтверждает такую трактовку. Возникают лирические образы первой части — мечты о счастье, о любви — в новых, экспрессивных вариантах и, наконец, появляется главная тема Фауста. Герой, ищущий истину, кажется, нашел ее в любви. Теперь беспокойная тема первой части становится более умиротворенной, звучит тихо, «нежно и с любовью», по ремарке композитора.
Третья часть — «Мефистофель» — взрывает этот мир тишины раскатом издевательского хохота. Финал удивителен по мастерству и оригинальности трактовки. Огромный по размерам, он не имеет ни одной новой темы. Мефистофель — не самостоятельный персонаж. Не он соблазняет героя или издевается над его благими порывами. Это — ироническая изнанка самого Фауста, его внутренний вечно сомневающийся саркастический голос. Издевке подвергается все, все предстает в кривом зеркале иронии: и роковой вопрос о судьбах мира и смысле жизни, и поиски истины, и мечты о любви, и жажда подвига. Приплясывающее, насмешливое фугато строится на теме любви. Лишь на миг возвращается идеальный, неискаженный образ Гретхен, но и эта светлая мелодия бессильна перед издевкой — теперь она разбита на отдельные короткие мотивы, лишена развития. Однако именно она служит окончательным выводом симфонии, венчая сочинение и в небольшой инструментальной коде первого варианта, и в заключительном хоре.
 

Источник: сайт "Бельканто".

Мужской хор с солистом тенором, звучащий, по авторской ремарке, спокойно, серьезно и празднично, написан на многократно повторяемое заключительное четверостишие гетевского «Фауста». Солист вступает с ключевой фразой «Вечно женственное влечет нас ввысь» — и светлая, не замутненная никакими страстями лирическая тема второй части окончательно проясняет свой идеальный смысл.

   Вся жизнь одного из величайших дирижеров современности связана с музыкой, которой он начал серьезно заниматься с 6 лет.

  Евгений Федорович Светланов принадлежит к числу гениальных творцов не только XX века, но и всей истории мирового музыкального искусства. Музыкант редкой одаренности, он стал олицетворением всей российской культуры, выразителем общечеловеческих духовных ценностей. Встречи с его искусством воочию или по аудио- и видеозаписи стали насущной потребностью людей, вдохновляющим источником, дарящим радость и жизненную силу. Личность и творчество Евгения Светланова охватывают многие сферы жизнедеятельности. Он был талантлив во всем: как дирижер, композитор, пианист, публицист, теоретик, критик, общественный деятель, просветитель, рецензент. Им написано более 150 статей, очерков, эссе. Он глубоко и тонко рассматривал и анализировал творчество классиков, современников, музыкантов-коллег.

  Евгений Федорович Светланов родился 6 сентября 1928 года в семье солистов оперы Большого театра. Отец — Светланов Федор Петрович. Мать — Светланова Татьяна Петровна. Все детство Евгения Светланова было связано с главным театром страны. Постоянное присутствие на спектаклях и репетициях, занятия в детском хоре и участие в операх, затем работа в мимическом ансамбле театра, безусловно, повлияли на его дальнейшую судьбу. "С той поры, как помню себя, мне было совершенно ясно, что дирижером я не мог бы не быть", — вспоминал позднее Светланов. Однажды, находясь, по обыкновению, в театре и заслышав музыку, он взобрался на стул и принялся размахивать руками, воображая себя за дирижерским пультом. Рядом оказались Антонина Васильевна Нежданова и Николай Семенович Голованов. Они от души рассмеялись при виде этого зрелища, и Голованов, ласково потрепав мальчика по плечу, пророчески заметил: "Ну из этого, видать, будет дирижер". 

Серия сообщений "оркестры мира":
Часть 1 - Лёгкая музыка - Оркестр Каравелли
Часть 2 - Легкая музыка - Оркестр Франка Пурселя
Часть 3 - "Миранда" трёх гениев

Неизвестно, что вдохновило Римского-Корсакова на замысел Испанского каприччио: в отличие от Глинки, он никогда не был в Испании. Работа, которой он занимался в это время, была очень далека по тематике. Быть может, он услышал Испанскую симфонию Лало? Во всяком случае первоначально замысел был «сочинить что-нибудь виртуозное для скрипки с оркестром (в 1886—1887 годы композитор подробно познакомился со скрипичной техникой). Взяв две русские темы, я сочинил на них фантазию и посвятил П. А. Краснокутскому, преподавателю скрипки в капелле, которому был обязан многими разъяснениями по части скрипичной техники... оставшись доволен своей пьесой, я задумал написать еще виртуозную скрипичную пьесу с оркестром на испанские темы, но, сделав некоторый набросок ее, оставил эту мысль, предпочитая написать впоследствии на эти же темы пьесу оркестровую с виртуозной инструментовкой», — читаем в «Летописи» Римского-Корсакова.

Спокойное течение жизни было прервано трагическим известием: в феврале 1887 года члены Могучей кучки были потрясены неожиданной смертью своего сотоварища Бородина. «После похорон Александра Порфирьевича на кладбище Невского монастыря я вместе с Глазуновым разобрал рукописи, и мы решили докончить, наинструментовать, привести в порядок все оставшееся после А. П. и приготовить все к изданию, приступить к которому решил М. П. Беляев», — писал Римский-Корсаков в «Летописи». Работа была огромной, в основном — над оперой «Князь Игорь». «На лето 1887 г. мы наняли дачу в Лужском уезде (Петербургской губернии), в имении Никольском на берегу озера Нелай. Я усердно работал все лето над оркестровкой «Князя Игоря» и успел сделать многое. В середине лета эта работа прервалась на некоторое время: я написал Испанское каприччио из набросков предполагавшейся виртуозной скрипичной фантазии на испанские темы. По расчетам моим Каприччио должно было блестеть виртуозностью оркестрового колорита, и я, по-видимому, не ошибся». Эти строки «Летописи» — единственное свидетельство того, как создавалось яркое, блестящее и своеобразное произведение. Основой для него стал сборник «Ecos de Espana. Colleccion de cantos у bailes populares recopilados po Jose Inzenga. Barcelona. D. Andres Vidaly Roger», имевшийся у композитора. Впрочем, возможно именно изучение этого сборника и вдохновило его. Безусловно влияние на это произведение и замечательных Испанских увертюр Глинки.

  Эдвард Григ - норвежский композитор, пианист, дирижёр, музыкальный деятель. Учился в Лейпцигской консерватории (1858—62), в том числе у Мошелеса по классу фортепьяно, у Рейнеке по композиции, в 1863 продолжил занятия композицией у Гаде в Копенгагене. Там же познакомился с композитором Нурдроком, оказавшем большое влияние на творчество Грига. Вместе с Нурдроком,  Хорнеманом они организовали межскандинавское музыкальное общество «Евтерпа». С 1866 Эдвард Григ жил в Кристиании (Осло), там в 70-е он сблизился с кругами передовой норвежской интеллигенции.

  Большое значение для Грига имела дружба с поэтом и драматургом Бьёрнсоном, по его произведениям он создал музыкально- сценические сочинения: неоконченная опера «Улаф Трюгвасон», музыка к пьесе «Сигурд Юрсальфар», эскизы к опере «Арнльут Геллине», мелодраме для чтеца и оркестра «Берглиот», романсы и песни.

В 1871 Григ основал концертно музыкальное общество (ныне Филармоническое общество).

  В 80— 90-е Эдвард Григ достиг мировой славы как композитор, дирижёр, пианист. В 1888 в Лейпциге состоялось его знакомство с Чайковским. В 1898 в Бергене Григом был учрежден 1-й фестиваль норвежской музыки (проводятся поныне). Выступал он и как музыкальный критик: автобиографический очерк «Мой первый успех», 1905; статья «Моцарт и его значение для современности», 1906.

  Эдварда Григ проявил себя как мастер фортепьянной («Лирические пьесы») и камерно-вокальной музыки. Он обрабатывал норвежские народные мелодии. Под воздействием норвежского фольклора сложились характерные для Грига стилистические приёмы и особенности гармонии и ритмики (широкое использование лидийского и дорийского ладов, органных пунктов, народных танцевальных ритмов).

  Творчество Грига составило эпоху в развитии норвежского искусства. Традиции Грига продолжили Синдинг, Хальворсен, Боргстрём, Эгген, Эллинг, Шельдеруп,  Альнес и современные музыканты Норвегии Эгге, Северуд, Твейтт.  

Всем и каждому известно имя короля вальса Иоганна Штрауса. Однако есть композиторы, чьё творчество также посвящено этому замечательному танцевальному жанру, но имена их почему-то оказались забыты. Хорошо, что музыка этих прекрасных вальсов продолжает жить и надеюсь, будет ещё очень долго радовать сердца слушателей.

На мой взгляд, произведения этого французского композитора нисколько не уступают общепризнанным шедеврам.

Эмиль Вальдтейфель (фр. Émile Waldteufel) — французский композитор, дирижёр и пианист, автор многих известных вальсов.

Вальс "Сирены" 

Этот уникальный концерт представляет собой  невероятный поток гениальной музыки, когда воображаемый звуковой мир заменяет его творцу уходящий от него мир реальных звучаний. Это было победоносное самоутверждение, отражение напряженной работы мысли, свидетельство богатой внутренней жизни музыканта. Сейчас, спустя многие годы, анализируя всю жизнь великого композитора, можно утверждать, что спастись, сохранить свою жизнь и здравый рассудок, ему удалось благодаря всё той же музыке. Умирать Бетховену было просто некогда. Жизнь для него всегда была борьбой, со своими победами и поражениями, и он продолжал бороться, иначе он не мог.

  Кумир публики, красавец маэстро с пышной шевелюрой, голубыми глазами и отточенными жестами, Герберт фон Караян входит, пожалуй, в десятку лучших дирижёров всех времён и народов.

  Герберт фон Караян родился в Зальцбурге 5 апреля 1908 года, в семье врача. Вопреки ходившим разговорам, что по происхождению он армянин, греческие предки музыканта когда-то жили в Македонии. Звучное «фон» появилось в XVIII веке, когда его деду, богатому торговцу Георгию Караяннису, присвоили в Саксонии рыцарский титул «риттер». Фамилию урезали до Караяна, украсив её благородной приставкой, так что полное имя будущего дирижёра поначалу звучало как Хериберт Риттер фон Караян.

Ах, эти вечера в моей обители!
В мой тихий дом - студенческую келью
Входили мы - великие любители
Предаться вдохновенному безделью.

Нам нравилось - мы в этом были родственны, -
Чтоб был свечи оплывшей тёплый слепок,
И на стене - причудливые отсветы,
И ясен ум, и чай - горяч и крепок.



Сливала юность воедино души нам,
Переполняя трепетом священным,
И было лаконичное "послушаем?.."
Почти что неминуемым рефреном.

И ставили мы с сердцем замирающим,
В любви своей чисты и постоянны,
Один и тот же диск долгоиграющий:
Рахманинов. Второй фортепианный.



Проигрыватель стар, плоха акустика -
Но всё неважно. Нервы оголялись.
Мы знали: будет большее, чем музыка.
Мы ждали чуда. И оно являлось.

…О чём вы, звуки? Жжёте ли? Скорбите ли?
Над домиком, приземисто-горбатым,
Над скромностью студенческой обители
Гудела вечность медленным набатом.

И наэлектризованными душами,
Их доводя до высшего накала,
Мы слушали, мы слушали, мы слушали,
Как эта вечность в нас перетекала…

Любовь С

Музыкальная гармония построена на противоположности светлого и тёмного, печального и радостного. Такое понимание гармонии как единства противоположных начал заложено ещё в мифологии. В одном из древнегреческих мифов рассказывается, что Гармония была дочерью Ареса - бога войны и раздора и Афродиты - богини любви и красоты. Соединение разрушительной силы и силы вечной жизни и любви - такова основа равновесия и покоя, олицетворяемых Гармонией. 

Серия сообщений "русский голос":
Часть 1 - Георгий Виноградов - Русский голос - А Вы помните?
Часть 2 - Русский голос - Владимир Маторин
Часть 3 - Голос русский - Георгий Свиридов

ПРИХОД ВЕСНЫ

Зелень нивы, рощи лепет,
В небе жаворонка трепет,
Теплый дождь, сверканье вод,-
Вас назвавши, что прибавить?
Чем иным тебя прославить,
Жизнь души, весны приход?
Василий Жуковский

  La Primavera - Allegro (март) 

 Шуман. Симфония № 1, си-бемоль мажор, Op. 38 («Весенняя»)

Symphony № 1 in B flat major, Op. 38, «Frühlingssinfonie»

Первая симфония появилась в счастливую пору жизни Шумана. 12 сентября 1840 года композитор обвенчался с Кларой Вик, и после многолетней борьбы и страданий началась ничем не омраченная семейная жизнь. Они познакомились в 1828 году, когда 18-летний Шуман, подающий надежды пианист, стал брать уроки у ее отца, знаменитого лейпцигского педагога Фридриха Вика, и поселился в их квартире. Он разучивал фортепианный концерт, а 9-летняя Клара рядом за столом учила уроки. Он сочинял для нее и ее младших братьев волшебные сказки и разбойничьи истории, играл в шарады, загадывал загадки. Клара была вундеркиндом — в 11 лет она уже выступала с самостоятельными концертами и быстро завоевывала славу. А Шуман должен был расстаться с мечтой о карьере пианиста-виртуоза: от чрезмерных упражнений он растянул сухожилие, что привело к параличу пальца и неизлечимой болезни кисти правой руки. В те годы и возникла их любовь; в 1837 году они тайно обручились. «Борьба за Клару» была долгой и мучительной: отец не брезговал никакими средствами, чтобы разлучить влюбленных. Больше года длился суд. Счастье, охватившее композитора после женитьбы, вызвало огромный прилив творческих сил. 

В январе 1841 года за четыре дня Шуман набрасывает Первую симфонию. В его письмах читаем: «Я закончил на днях работу,., которая сделала меня вполне счастливым». Сочинение шло «в том весеннем порыве, который способен охватывать человека вплоть до глубокой старости и всякий раз по-новому». «Если бы вы могли внушить вашему оркестру при исполнении [симфонии] некоторое томление по весне! Именно это я главным образом и испытывал, когда писал ее». Каждая часть также имела заголовок, и в их чередовании рисовались картины весны — от робкого прихода до полного расцвета. Однако все эти пояснения Шуман снял при издании партитуры, и программность, достаточно обобщенная уже в первоначальном замысле симфонии, сохранилась лишь в письмах и воспоминаниях. Симфония посвящена королю Саксонии Фридриху Августу; ее первое исполнение состоялось 31 марта 1841 года в Лейпциге оркестром Гевандхауза под управлением Мендельсона.

НАЧАЛО ВЕСНЫ

Венский филармонический оркестр, дирижёр Леонард Бернстайн. Вена, 1984 год