Утреннее фортепиано:АНДРАШ ШИФФ ИГРАЕТ БАХА!

Опера Жюля Массне «Манон»

Опера Массне «Манон»

 

Опера в пяти действиях Жюля Массне на либретто (по-французски) Анри Мельяка и Филиппа Жилля, основанное на романе Антуана Франсуа Прево «История кавалера Де Грие и Манон Леско».

 Действующие лица:

МАНОН ЛЕСКО (сопрано)
ЛЕСКО, ее кузен (баритон)
ГРАФ ДЕ ГРИЕ (бас)
КАВАЛЕР ДЕ ГРИЕ, его сын (тенор)
ГИЛЬО ДЕ МОРФОНТЕН, старый арендатор (бас или баритон)
ДЕ БРЕТИНЬИ, аристократ (баритон)

актрисы:

ПУССЕТТА (сопрано)
ЖАВОТТА (сопрано)
РОЗЕТТА (сопрано)

Время действия: XVIII век.
Место действия: Амьен, Париж, Гавр.
Первое исполнение: Париж, «Опера комик», 19 января 1884 года.

Полуавтобиографический роман аббата Антуана Франсуа Прево «История кавалера де Грие и Манон Леско» вдохновил на создание сценических произведений многих выдающихся композиторов. До Массне оперу по этому роману написал Обер, а балет Галеви. После оперы Массне свою оперу на этот сюжет написал Пуччини, а еще позже сам Массне вернулся к этому сюжету и написал «Портрет Манон» — одноактное продолжение, которое никогда не было особенно популярным.

Однако нет проблемы с популярностью «Манон» (название которое Массне отстаивал и защищал как свое авторское - другие оперы назывались «Манон Леско»). После «Фауста» и «Кармен» это наиболее популярная французская опера как в самой Франции, так и за ее пределами. Это также одно из самых продолжительных произведений Массне и такое, к которому он испытывал особую привязанность. Возможно, одна из причин в том, что композитор, по-видимому, испытывал особую личную симпатию к характеру привлекательной и несчастной героини.

Читать далее...

К 260-летию В.А.Моцарта."Гений проявляется во всём"




Почти 200 танцев написал великий композитор и каждый его танец – жемчужина.

6 Менуэтов, K 61 7 Менуэтов, K 65a/61b 4 Contredanses, K 101/250a 20 Менуэтов, K 103 6 Менуэтов, K 104/61e 6 Менуэтов, K 105/61f Менуэт в Ми-бемоле, K 122 Contredanse в Си-бемоле, K 123 6 Менуэтов, K 164 16 Менуэтов, K 176 4 Contredanses, K 267/271c Гавот в Си-бемоле, K 300 3 Менуэта, K 363 5 Менуэтов, K 461 6 Contredanses, K 462/448b 2 Кадрили, K 463/448c 6 немецких Танцев, K 509 Contredanse в D, K 534

Contredanse в C, K 535 6 немецких Танцев, K 536 6 немецких Танцев, K 567 12 Менуэтов, K 568 6 немецких Танцев, K 571 12 Менуэтов, K 585 12 немецких Танцев, K 586 Contredanse в C, K 587 6 Менуэтов, K 599 6 немецких Танцев, K 600 4 Менуэта, K 601 4 немецких Танца, K 602 2 Contredanses, K 603 2 Менуэта, K 604 3 немецких Танца, K 605 6 немецких Танцев, K 606 5 немецких Танцев, K 609 Contredanse в Г, K 610

Послушаем некоторые из них.

12 German Dances for orchestra KV 586



- No. 1 in C major (0:00)
- No. 2 in G major (1:47)
- No. 3 in B flat major (3:22)
- No. 4 in F major (5:11)
- No. 5 in A major (7:02)
- No. 6 in D major (8:41)
- No. 7 in G major (10:12)
- No. 8 in E flat major (12:04)
- No. 9 in B flat major (13:52)
- No. 10 in F major (15:36)
- No. 11 in A major (17:18)
- No. 12 in C major (19:04)
Читать далее...

Беседы о музыке. Моцарт, или О счастье

Хочу начать сразу с того, что не согласна с утверждением, что музыка не нуждается в словах и говорить о ней не нужно. В общем-то музыка наверное действительно не нуждается, а вот человек - да. Это вполне естественная его потребность в общении, в желании высказаться, поделиться своими мыслями. Музыка тоже в какой-то степени средство коммуникации, но её одной человеку  не достаточно... 

Недавно мне посчастливилось прочитать книгу замечательного итальянского театрального режиссёра и актёра, театрального деятеля Джорджо Стрелера "Театр для людей". Почему посчастливилось? Потому что в этой книге оказалось много близкого мне в понимании музыки и искусства вообще.  Автор доступно и понятно сформулировал то, что ещё не до конца оформилось в моих мыслях, витало где-то в воздухе. В ней нашлись ответы на некоторые вопросы.

Наиболее понравившиеся  отрывки из книги, посвященные музыке, хочется процитировать здесь. Умение красиво, грамотно, понятно и, что важно, очень доброжелательно излагать свои мысли - редкий дар, которому стоит поучиться. 

Добавлю только, что Джорджо Стрелер не только драматический режиссёр-постановщик, он много работал в опере, ставил спектакли в «Ла Скала» и других оперных театрах. Его постановки были поэтичными и изысканными, ни в чем не уступали низкому вкусу и массовому сознанию, но книгу он свою назвал - "Театр для людей"...

Итак, первая часть: Моцарт, или О счастье

Говорят, что Моцарт - музыкант счастья, что его музыка дарует радость. Что она и есть радость. Это привычное, широко распространённое суждение, хотя с точки зрения эстетической оно не выдерживает критики. Однако даже в самой поверхности этого мнения есть, на мой взгляд, какая-то правда. Я хочу сказать, что в каком-то смысле всякое великое искусство счастливое. Оно призывает человека быть счастливым, помнить о невероятности и неповторимости его судьбы, верить в возможность радости, в свою активную способность изменять мир, быть верным и дружественным самому себе и другим людям. Настоящее произведение искусства всегда активно и всегда солнечно, оно спроецировано в то измерение человеческой жизни, которое "влечет историю вперёд", а не тащит её вспять. И в этом смысле Моцарт, как никто, музыкант счастья. Но, будучи музыкантом счастья, он ещё и музыкант "сдержанного", я бы даже сказал - "целомудренного" чувства. Обе эти его особенности мне чрезвычайно близки. В его музыке сокрыты и ужасающие пропасти одиночества, холода, страха (он сам об этом говорил). Но страдание всегда рассматривается у него в самом широком измерении, с той божественной широтой, которая не даёт человеку сосредоточиться только на самом себе. Никогда музыка Моцарта не воспроизводит его "личный дневник" в деталях. Всегда лишь в его общечеловеческой сущности. В Моцарте нет и следа "дневника", а если и есть, то он всегда поднят до уровня дневника всех.

Читать далее...

И. Ф. Стравинский. «Поцелуй феи» Аллегорический балет в четырех картинах, навеянный музыкой П. И. Чайковского





В книге "Хроника моей жизни" Стравинский вспоминает о единственной встрече с Чайковским: "...мне посчастливилось увидеть в фойе Петра Ильича Чайковского, кумира русской публики, которого я никогда до этого не встречал и которого мне не суждено было больше увидеть.. .Я не мог, конечно, себе представить, что эта, хотя и мимолетная, встреча с живым Чайковским сделается одним из самых дорогих для меня воспоминаний".

Забегая вперед, укажем на музыкальное, творческое выражение любви Стравинского к Чайковскому, на его балет "Поцелуй феи", написанный в 1928 году и названный автором "Аллегорическим балетом, навеянным музыкой Чайковского". В самом балете Стравинский использовал в качестве тематического материала ряд произведений Чайковского: "Колыбельную в бурю", "Юмореску", "Ната-вальс", "Ноктюрн", "Скерцо", "Листок из альбома", романс "Нет, только тот, кто знал". Либретто написано самим композитором, положившим в его основу cказку Г. Андерсена "Ледяная дева".

Есть художники, у которых нет национальности в лучшем смысле этого слова. Их мышление мирового масштаба и творчество принадлежит всему миру. Такой мировой личностью был Игорь Стравинский, музыковеды его называют «композитором тысяча и одного стиля». Но, при таком разнообразии музыкального языка в его музыке всегда узнаваемо собственное «лицо».
Композитор сознательно менял стили и манеру письма. Таким образом он расширял диапазон средств для выражения своих идей и образов. Его творчество можно условно разделить на разные «периоды», и в частности, балет «Поцелуй феи» относится к периоду неоклассицизма.

В самом слове «неоклассицизм» - новая классика – кроется подход композитора к музыкальному материалу. Стравинский считал, что его музыка – это часть всей мировой музыки, что она существует не сама по себе, а течет в огромной реке традиции, расширяет ее, обогащает и в то же время пользуется всеми ее достижениями.

В заглавии к балету «Поцелуй феи» автор пометил: аллегорический балет в четырех картинах, навеянный музыкой П. И. Чайковского. Это значит, что музыка сочинена в традиции Чайковского, но не просто стилизована, а переосмыслена композитором с современной ему точки зрения. Стравинский выразил этой музыкой свое отношение к творчеству Чайковского. Это его «музыкальное приношение» великому русскому мелодисту и симфонисту. В балете «Поцелуй феи» Стравинский не только по-русски «мелодизирует» свой язык, что ранее не было ему свойственно, но и в прямую цитирует романс «Нет, только тот, кто знал» и развивает эту мелодию в традиции симфоний Петра Ильича. Выбор сказочного сюжета по сказке Андерсена тоже намекает на всем известные его балеты, давно ставшие классическими и не сходившие со сцен театров уже десятки лет. Остается только добавить, что постановка балета по заказу Иды Рубинштейн приурочивалась к 35-летней годовщине со дня смерти Чайковского.

«Поцелуй феи», балет-аллегория в четырех картинах на темы П.И. Чайковского


Читать далее...

Шарль-Огюст Берио. Концерт для скрипки с оркестром №8 ре мажор.

Берио не был великим исполнителем, но он был великим педагогом, намного опередившим свою эпоху во взглядах на музыкальное преподавание. Недаром среди его учеников были великие скрипачи. До сих пор ученики музыкальных школ играют фантазии, вариации, концерты Берио. Певуче-мелодичные, они являются благодарнейшим педагогическим материалом.

Берио происходил из старинной дворянской семьи. Родился он 20 февраля 1802 года и в раннем детстве потерял обоих родителей. К счастью, его необычайные музыкальные способности обратили на себя внимание окружающих. В первоначальном обучении маленького Шарля принял участие учитель музыки Тиби. Берио занимался очень прилежно и уже в 9-летнем возрасте впервые выступил публично, сыграв один из концертов Виотти.
На духовное развитие Берио большое влияние оказали теории профессора французского языка и литературы, ученого гуманиста Жакото, разработавшего «универсальный» педагогический метод, в основе которого лежали принципы самообучения и духовной самоорганизации. Увлекшись его методом, Берио до 19 лет занимался самостоятельно. В начале 1821 года он направился в Париж к Виотти, который в это время занимал должность директора Гранд-Опера. Виотти отнесся к молодому скрипачу благожелательно и по его рекомендации Берио стал посещать занятия класса Байо, виднейшего в то время профессора Парижской консерватории. 
Первое же выступление Берио в Париже принесло ему широкую известность. Его своеобразная, мягкая, лиричная игра очень понравилась публике. 

Читать далее...

Неподвластная времени

Чем больше узнаёшь музыку, тем больше удивляешься - сколько в ней тем, сюжетов, образов. Как в жизни отдельного человека, так и в жизни всего человечества не бывает ничего лишнего, устаревшего, изжившего себя.

Читать далее...

«Забытые мотивы» Н.К.Метнера


Николай Карлович Метнер(1880-1951) - необычное явление на горизонте русской музыки, не имеющее связи ни с ее прошлым, ни с настоящим.



"Едва ли можно назвать другого композитора, занимающего в семье русских музыкантов более обособленное место", - писал музыкальный критик В.Г. Каратыгин.



Художник самобытной индивидуальности, замечательный композитор, пианист и педагог, Метнер не примыкал ни к одному из музыкальных направлений, характерных для первой половины XX века.







Три цикла фортепианных пьес

Forgotten Melodies

В основу пьес он положил темы, сочинявшиеся им на протяжении всей его предшествующей композиторской деятельности, но оставшиеся неиспользованными.

Музыка эта - русская интеллигентская... ностальгия по прошлому...все немного старомодно,но не в плохом смысле..
Святослав Рихтер

Первый цикл открывается сонатой «Воспоминание» (Reminiszenza), после которой следует ряд «Канцон» и «Танцев».

«Забытые мотивы», ор. 38 (1919-1922) No. 1 Sonata Reminiscenza Соната-воспоминание No.2 - Danza Graziosa Грациозный танец No.3 - Danza Festiva Праздничный танец No.4 - Canzona Fluviala Речная песня No.5 - Danza Rustica Сельский танец No.6 - Canzona Serenata Вечерняя песня No.7 - Danza Silvestra Рождественский танец No.8 - Alla Reminiscenza В духе воспоминаний

Читать далее...

Сергей Ляпунов. Восточная симфоническая поэма

Сергей Михайлович Ляпунов (1859 - 1924) принадлежит к поколению русских музыкантов, начинавших свой путь в последние десятилетия XIX столетия. Он уже мог освоить творческий опыт композиторов "Могучей кучки" и Чайковского, являлся наследником их традиций. Деятельность Ляпунова была многогранной: он вошел в историю русской музыки как композитор, пианист и педагог. Воспитанник Московской консерватории, ученик Танеева, он прожил большую часть жизни в Петербурге, сблизился с кругом Римского-Корсакова и Стасова и, в особенности, с Балакиревым, ставшим для него другом и наставником.
Глубокие корни в творчестве Ляпунова пустило увлечение романтикой музыкального Востока. Еще во время обучения в Московской консерватории, начав работу над дипломным заданием - фантазией для симфонического оркестра, хора и альта на текст М. Ю. Лермонтова «Дары Терека», композитор в поисках восточной тематики обратился к известному музыкальному критику С. Н. Кругликову. В письме от 14 апреля 1883 г. последний попросил Балакирева «рекомендовать какой-либо сборник восточных напевов <...>. В нем нуждается один кончающий в здешней консерватории некто Ляпунов, увлекающийся страстно произведениями новой русской школы и ненавидящий консерваторскую сушь. Он - очень живой и кажется талантливый юноша; ему бы не следовало дать заглохнуть».
После окончания консерватории Ляпунов даже вынашивал планы путешествия на Кавказ, в Индию и Палестину. Но мешали материальные затруднения и неразрешенный вопрос воинской повинности: поездка несколько раз откладывалась и, в конце концов, так и не состоялась. Однако восточные интонации глубоко проникли в музыкальный язык Ляпунова. В дальнейшем композитор неоднократно использовал восточную тематику в своем творчестве: примером могут служить такие сочинения Ляпунова, как этюды для фортепиано «Терек», «Лезгинка» и Восточная  симфоническая поэма «Гашиш». В этом смысле Ляпунов продолжил традиции русских композиторов в плане создания живописных программных произведений, основанных на характерных темах восточного склада и отличающихся красочным гармоническим языком, богатством ритмики и восточного колорита.

Симфоническая поэма «Гашиш» (1912—1913; по одноимённой поэме А. А. Голенищева-Кутузова)

Conductor: Evgeny Svetlanov

 

Приглашаю в музыкальный салон

 Немного о салонах.

 Салоны бывают разные: литературные, музыкальные, философские. Однако в деятельности многих салонов трудно выделить одну какую-либо направленность. Большая их часть носит разноплановый характер: литературно-музыкальный, художественно-философский и пр. Салонная культура в современном культурном наследовании выступает как память о культуре дворянства на историческом отрезке XVIII-XIX вв. Любая культура, в том числе и салонная, в конечном итоге отражает запросы, интересы, ценностные ориентиры людей определенного времени. И задача нынешнего дня - перенять все самое лучшее, что было в салонной культуре того периода.

Салонная культура - это форма организации культурной жизни, имеющая свои  особенности: место проведения - гостиная частного дома влиятельного лица; особая роль хозяина (хозяйки) салона в организации его деятельности, декор гостиной, подбор гостей; соответствующие правила поведения, общения, речи и специфические занятия, главные из которых - общение на темы, связанные, в первую очередь, с искусством, занятие искусствами, камерность.

 Именно в салонах  общество знакомилось с культурой других стран, со знаменитыми исполнителями и композиторами, отечественные композиторы часто именно в музыкальных салонах начинали свою деятельность, черпали вдохновение, представляли свои сочинения.

Поменялись столетия и нравы, на смену балам пришли шумные дискотеки, и салонность потерялась в пропасти веков. Возрождение и продолжение традиций русских музыкальных салонов и салонного музицирования, возвращение слушателям забытых страниц отечественной музыки – такую цель ставят перед собой обычно организаторы новых салонов.
По сравнению с концертным залом, здесь нет сцены, отделяющей исполнителей от слушателей, а представляется возможность проводить вечера-встречи, общения, где угощения – это также атрибут салона – подчёркивает эстетическое начало мероприятия. Цель похода – не только насладиться концертом, но и найти круг общения, завести новые знакомства.

В салоне психологически комфортная атмосфера, которая способствует раскрытию творческих возможностей.

 Сегодня прозвучат старинные вальсы, песни и Чардаш Монти в фортепианной аранжировке пианиста Александра Златковского. Он же и исполнитель этих произведений.

Вальс "На сопках Маньчжурии".

Читать далее...

"Искатели жемчуга" и одна из самых красивых арий мировой оперной классики

«Искатели жемчуга» (Les pêcheurs de perles) — опера Жоржа Бизе в трех актах, по либретто Э. Кормона и Мишеля Карре. Не столь популярная, как более поздняя опера Бизе «Кармен», тем не менее, очень хороша мелодически и пользуется популярностью.

Читать далее...

Квартеты Джузеппе Верди. К юбилею композитора

У меня под руками оказался жалкий спинет*:
и вскоре я начал писать ноты, вот и всё.
Дж. Верди
*Спине́т (от итал. spina — «колючка») — небольшой домашний клавишный струнный музыкальный инструмент, разновидность клавесина
 

Джузеппе Фортунино Франческо Верди
10 октября 1813 г.- 27 января 1901 г.

Творчество Джузеппе Верди – кульминация в развитии итальянской музыки XIX века. Его творческая деятельность, связанная, в первую очередь, с жанром оперы, охватила более полувека: первая опера («Оберто, граф Бонифачо») была написана им в 26-летнем возрасте, предпоследняя («Отелло») – в 74 года, последняя («Фальстаф») – в 80 (!) лет. Всего, с учетом шести новых редакций ранее написанных произведений, он создал 32 оперы, которые и поныне составляют основной репертуарный фонд театров всего мира.
 

Струнный квартет ми минор - это единственное сочинение в жанре камерной музыки в каталоге композитора.

Композитор сочинил его в 1873 году в Неаполе между постановками «Дона Карлоса» и «Аиды». Из-за болезни примадонны у Верди неожиданно оказалось немного свободного времени – все еще крайне редкое явление в его жизни!

Верди прокомментировал работу так: "Я написал этот квартет в моё свободное время в Неаполе, ожидая постановки "Аиды", которая была отложена из-за болезни сопрано Терезы Штольц. Я сочинил его за несколько вечеров в моем доме в присутствии 7-8 обычных моих гостей. Не знаю, хороший это квартет или плохой, но я знаю, что это квартет!"

Три года композитор не соглашался печатать ноты, пока издатель Джулио Рикорди не настоял на этом.

В его квартете безукоризненно строгая форма сочетается с живостью и оригинальностью материала. Главная тема первой части напоминает тему ревности Амнерис. Вопреки квартетным традициям вторая часть – прелестная мазурка, третья – стремительное скерцо в духе Бетховена и Вебера.
 

Струнный квартет ми минор
– Струнный квартет e-moll



String Quartet in E minor (1873)
0:00 / I. Allegro
7:22 / II. Andantino (con eleganza)
14:18 / III. Prestissimo (brillante)
17:24 / IV. Scherzo Fuga. Allegro assai mosso

Читать далее...

Йозеф Гайдн. Оратория "Сотворение мира"

Гайдн написал ораторию "Сотворение мира" в годы, когда его уже считали живым классиком, и ему, как "бессмертному мастеру музыкального искусства", даже был воздвигнут памятник. 

В основе Оратории «Сотворение мира» - библейский сюжет. Две первые части повествуют о возникновении мира по воле Бога. Третья и последняя – о райской жизни Адама и Евы до грехопадения. По признанию самого Гайдна, никогда он не был так благочестив, как во время работы над «Сотворением мира». «Когда ощущал я упадок духа и тела, - писал композитор, - и мне становилось тяжело, какое-то удивительное чувство шептало мне: «В этом мире так мало довольных и счастливых людей, отовсюду их преследуют заботы и горе; возможно, когда-то твой труд послужит источником, из которого обремененная бедами, утомленная душа будет черпать успокоение и бодрость».

Читать далее...

К 150-летию со дня рождения классика финской музыки-Яна Сибелиуса(продолжение)

3 декабря из Концертного зала им.Чайковского была прямая трансляция концерта норвежского писниста Лейфа Ове Андснеса. Среди многих произведений в программе прозвучали и произведения Яна Сибелиуса.
Их можно послушать здесь-http://meloman.ru/concert/lejf-ove-anedsnes/#webcast

Сегодняшний пост посвящен фортепианной музыке композитора.




ЯН СИБЕЛИУС
8 декабря 1865 — 20 сентября 1957

Сибелиус написал более 150 фортепианных произведений, около 115 из которых были опубликованы. Сам Сибелиус опрометчиво говорил, что он пишет, мелочи для фортепиано в свободные моменты, в качестве отдыха от больших оркестровых вещей, и на самом деле, фортепиано его особенно не интересует. Тем не менее, уже на склоне лет, он шутя предрекал: "Я знаю, что мои фортепианные пьесы ждёт безопасное будущее, несмотря на то, что они полностью попали в забвение - в один прекрасный день они станут такими же популярным, как пьесы Шумана". И действительно, многие пианисты, взяли на себя труд изучить фортепианную музыку Сибелиуса, признав её оригинальность и пригодность для инструмента. Гленн Гульд, подчёркивая мастерство композитора, говорил, что "в фортепианных произведениях Сибелиуса - всё музыка, всё поет... а, главное - это существенное дополнение к слишком ограниченному фортепианному репертуару позднего романтизма".

Финский пианист Эрик Тавастшерна : "Многие из фортепианных вещей Сибелиуса весьма замечательны как по своей форме, так в смысле музыкального материала и стиля, который хорошо подходит к характеру инструмента. В его сочинениях есть значительные технические трудности, интересные для исполнителя, текстура в целом мелодичная и красочная, что интересно слушателю..."



Десять пьес для фортепиано соч. 24 (1895-1903) - довольно популярный и часто исполняемый опус Сибелиуса. Здесь композитор развивает в основном традиционные романтические традиции, а не своеобразный национальный карельский стиль, хотя несомненно фольклорные находки наложили отпечаток и на это сочинение. Открывающий цикл
№1 - Экспромт навевает мысли о Шуберте, некоторые моменты напоминают будущие мотивы "Грустного вальса".
№ 2 - Романс, драматическая любовная сцена с оркестровыми кульминциями в стиле Вагнера.
№3 -Каприс - виртуозная пьеса со скрипичными приёмами явно подслушанными у Паганини.




№ 4 - снова драматичный любовный Романс,
№ 5 - Вальс ми-бемоль мажор в духе Шопена,
№ 6 - Идиллия, которая напоминает балладу Шопена фа мажор (в середине пьесы впечатляет отрывок изображающий бурю чувств и имитация солирующей скрипки).
№ 7 - броское мелодичное Андантино,




№ 8 - Ноктюрн с виолончельной мелодией,
№ 9 - очень любимый финскими пианистами Романс в духе Листа,
№ 10 - Баркаролла.





Читать далее...

Великие концерты Великого Иоганна Себастьяна Баха

Иоганн Себастьян Бах (Johann Sebastian Bach)
Годы жизни: 1685-1750
Бах был гением такого масштаба, что даже сегодня кажется явлением непревзойденным, исключительным. Его творчество поистине неисчерпаемо: после «открытия» баховской музыки в XIX столетии интерес к ней неуклонно возрастает, произведения Баха завоевывают аудиторию даже среди слушателей, которые обычно не проявляют интереса к «серьезному» искусству.

 

В своей музыке композитор опирался на все то, что было достигнуто и открыто в музыкальном искусстве до него. Бах превосходно знал немецкую органную музыку, хоровую полифонию эпохи Возрождения, особенности немецкого и итальянского скрипичного стиля. Он не только знакомился, но и переписывал сочинения современных ему французских клавесинистов  итальянских скрипачей, крупнейших представителей итальянской оперы. Обладая удивительной восприимчивостью ко всему новому, Бах разрабатывал и обобщал накопленный творческий опыт.
Вместе с тем, он был гениальным новатором, открывшим для развития мировой музыкальной культуры новые перспективы.
Творческое наследие Баха почти необозримо, оно включает более 1000 произведений самых разных жанров. Произведения Баха можно разделить на три основные жанровые группы:
вокально-инструментальная музыка;
органная музыка,
музыка для других инструментов (клавира, скрипки, флейты и т.д.) и инструментальных ансамблей (в т.ч. оркестровая).
Произведения каждой группы связаны, в основном, с определенным периодом творческой биографии Баха. 
Основные жанры, в которых работал Бах, традиционны: это мессы и пассионы, кантаты и оратории, хоральные обработки, прелюдии и фуги, танцевальные сюиты и концерты. Унаследовав эти жанры от своих предшественников, Бах придал им такой размах, которого они прежде не знали. Он обновил их новыми средствами выразительности, обогатил чертами, заимствованными из других жанров музыкального творчества. 
Баховское творчество, при всей своей универсальности и всеохватности, «обошло стороной» один из ведущих жанров своего времени – оперу. Вместе с тем, мало что отличает некоторые светские кантаты Баха от комедийной интермедии, уже перерождавшейся в то время в Италии в оперу-buffa. Композитор нередко называл их, подобно первым итальянским операм, «драмами на музыке».

Концерт для органа in G minor.

Читать далее...

Жизнь, посвященная музыке. Клара Шуман

Клара Жозефина Вик Шуман (13 сентября 1819, Лейпциг — 20 мая 1896, Франкфурт-на-Майне) немецкая пианистка, композитор и педагог. Считается одной из самых выдающихся пианисток эпохи романтизма, влиятельным учителем и композитором. Начиная с 1840 года — жена и первая исполнительница сочинений Роберта Шумана. Также была первой исполнительницей сочинений Иоганнеса Брамса.

 

Отец Клары Шуман, Фридрих Вик был по образованию богословом. Он окончил университет, после чего поселился в Лейпциге, где стал преподавать фортепиано. Мать Клары — Марианна Тромлиц была концертирующей певицей и пианисткой. После замужества она преподавала фортепиано и за восемь лет брака родила пятерых детей. Клара была вторым ребёнком. После развода родителей Клара и её братья остались с отцом.
Все внимание уделялось Кларе, о которой он намеревался, из-за её музыкального таланта, заявить, как о вундеркинде и пианистке-виртуозе.
С раннего возраста карьера и жизнь Клары были распланирована её отцом до мельчайших деталей. Он давал ей ежедневные часовые уроки на фортепиано, скрипке, обучал её пению, теории, гармонии, композиции и контрапункту.Клара Вик играла в Лейпциге в концертном зале, когда ей было девять, а её сольный официальный дебют состоялся там же в возрасте 11 лет. Вик видел себя в качестве импресарио Клары, который организовывал её гастроли, нередко связанные с трудностями.

Читать далее...

Музыка, принесшая славу великому композитору

 Ф.Шуберт. Музыка к пьесе Г.фон Шези "Розамунда." 

В юности Шуберт возглавлял студенческий оркестр и дирижировал им. Тогда же он овладел мастерством инструментовки, но жизнь редко предоставляла ему поводы писать для оркестра.

Среди прочих оркестровых сочинений, которые он написал для оркестра, выделяется музыка к пьесе Г. фон Шези «Розамунда». Пьеса не долго просуществовала, однако музыка Шуберта (она включает увертюру, антракты, балетные номера, романс и хоры) уже более 150 лет исполняется как самостоятельное концертное произведение. Музыка к «Розамунде» восхитительна по своей благоуханной свежести, поэтичности и вдохновенной красоте. «Розамунда» проникнута духом народности. Ее мелодии вобрали в себя все лучшее, что создано величайшим композитором мира — народом. Здесь слышны отголоски народных песен и танцев. Созданное народом, преломившись сквозь призму гения, вернулось к народу. И стало во сто крат прекраснее прежнего. Даже случайная публика Театра ан дер Вин, привыкшая к эффектным зрелищам и алчущая их, не могла остаться равнодушной к тому, что написал Шуберт. Единственное, что было встречено аплодисментами в день премьеры, была его музыка. Увертюра  по дружному требованию зрителей была исполнена на бис. Однако успех «Розамунды», каким бы значительным он ни был, особенно для неизбалованного овациями Шуберта, был кратковременным. Пьеса прошла лишь два раза и затем безвозвратно исчезла с афиши. А вместе с ней была забыта и музыка. Написанная к случаю, она ушла вместе с ним. Лишь много-много лет спустя «Розамунда» вновь и навсегда покорила людей. Но на сей раз как произведение, ничем не связанное с театром.

Говоря о «Розамунде», немецкий музыкальный писатель Гарри Гольдшмидт, автор интересной, богатой фактами и размышлениями книги о Шуберте, правильно пишет, что «эта музыка принесла ему славу, пожалуй, даже большую, чем его знаменитые песни. Для миллионов и миллионов людей, мало или ничего не знающих о Шуберте, его имя известно как имя автора неувядаемой музыки к «Розамунде».

 

Избранные произведения Михаила Глинки

Народно-реалистическое по своей устремленности творчество Глинки оказало влияние на дальнейшее развитие русской музыки.
Оперы Глинки утвердили мировое значение русской музыки. В 1844-1848 гг. композитор проводит во Франции и Испании. Эта поездка утвердила европейскую популярность русского гения. Большим почитателем его таланта становится Берлиоз, исполнивший весной 1845 г. произведения Глинки на своем концерте.

С успехом прошёл авторский концерт Глинки в Париже. Там же в 1848 году он написал симфоническую фантазию "Камаринская" с русскими народными темами. Это необычайно жизнерадостная, полная юмора фантазия, наслаждаясь которой возникают ассоциации с русскими народными праздниками, народными инструментами и народным хоровым пением. "Камаринская" - это ещё и блестящая мастерская оркестровка. В Испании Михаил Иванович изучал культуру, нравы, язык испанского народа, записывал испанские фольклорные мелодии, наблюдал народные празднества и традиции. Итогом этих впечатлений были 2 симфонические увертюры: "Арагонская хота" и "Воспоминание о летней ночи в Мадриде". 
Музыкальное искусство Глинки характеризуют полнота и разносторонность охвата жизненных явлений. Его оркестровое письмо, сочетающее прозрачность и внушительность звучания, обладает яркой образностью, блеском и богатством красок. Мастерское владение оркестром разносторонне выявилось в сценической музыке (увертюра "Руслана и Людмилы") и в симфонических пьесах. "Вальс-фантазия" для оркестра - первый классический образец русского симфонического вальса. "Испанские увертюры" - "Арагонская хота" и "Ночь в Мадриде"- положили начало разработке испанского музыкального фольклора в мировой симфонической музыке. В скерцо для оркестра "Камаринская" синтезированы богатства русской народной музыки и высочайшие достижения профессионального мастерства.
Основным творческим принципам Глинки сохраняли верность последующие поколения русских композиторов, обогащавшие национальный музыкальный стиль новым содержанием и новыми выразительными средствами. Под непосредственным влиянием Глинки - композитора и вокального педагога - сложилась русская вокальная школа. У Глинки брали уроки пения и готовили с ним оперные партии и камерный репертуар певцы Н. К. Иванов, О. А. Петров др.

В программе:

1. Арагонская хота.

2. Увертюра "Ночь в Мадриде".

3. Камаринская.

4. Вальс-фантазия.

5.Марш Черномора из оперы "Руслан и Людмила".

6. Восточные тацы: Турецкий, Арабский. Лезгинка.

 

Красота, свобода и яркость музыки фортепианных концертов Карла Вебера

  189 ЛЕТ СО ДНЯ РОЖДЕНИЯ КАРЛА МАРИА ВЕБЕРА 

 — выдающегося немецкого композитора - романтика.

Вебер - многосторонне одаренная личность — дирижер, пианист, литератор, музыкально-общественный деятель. Он был активным борцом за немецкое национальное искусство. Его творческое наследие включает сонаты, концерты, программные пьесы для фортепиано, камерные произведения, песни, но ведущая роль принадлежит опере. Произведения Вебера связаны с поэтическим миром народных легенд, преданий, сказок. Музыка их пленяет неподдельной искренностью, она темпераментна, романтически порывиста.

Карл Мариа Вебер родился 18 ноября 1786 года в северо-немецком городе Эйтине, в семье странствующего антрепренера и дирижера. Детство будущего композитора протекало в атмосфере кочующего провинциального театра. Прекрасное знание сцены, приобретенное в детские годы, впоследствии оказалось плодотворным для оперного творчества композитора. Постоянные разъезды препятствовали систематическому обучению музыке, однако к семнадцати годам одаренный юноша был уже выдающимся пианистом и автором многих сочинений, в том числе оперы «Петер Шмоль и его соседи» .
В 1804 году Вебер стал дирижером оперного театра в Бреславле, но ненадолго. В жизни композитора наступила тяжелая пора: не имея постоянного пристанища, испытывая нужду, он переезжал из города в город, был дирижером, домашним учителем музыки, пианистом. В этот период он писал многочисленные инструментальные и вокальные произведения. Патриотический подъем, охвативший передовую немецкую интеллигенцию во втором десятилетии XIX века после краха наполеоновской империи, нашел у Вебера активный отклик. Он создал сборник патриотических песен — «Лира и меч» на слова поэта Т. Кернера, получивший широкое народное признание.
С 1813 по 1816 год Вебер был оперным дирижером в Праге; затем переселился в Дрезден, где последние десять лет жизни руководил театром немецкой оперы. Дрезденский период ознаменован созданием лучших фортепианных сочинений Вебера — «Приглашения к танцу», «Концертштюка» для фортепиано с оркестром и др. 

Читать далее...

"Музыка для королевского фейерверка" Георга Фридриха Генделя

Сюита была создана Генделем в 1749 г. по заказу короля Георга II для праздника по случаю заключения Ахенского мира в войне за Австрийское наследство.
Торжество с фейерверком готовилось для знати, дипломатов и приглашённых гостей, но было решено провести генеральную репетицию без фейерверка, на которой музыку мог послушать народ. О месте репетиции (состоялась она в лондонском Грин-парке или в Воксхолл-гарденз) Гендель долго препирался с устроителями праздника.
Ещё бо́льшие споры вызвало стремление Генделя использовать в сюите струнные инструменты, в то время как король желал, чтобы играла только «военная музыка», то есть оркестр, состоящий из деревянных и медных духовых и литавр (оркестр должен был состоять из 16 гобоев, 15 фаготов, 20 валторн, 40 труб, 1 контрафагота, 8 пар литавр, 12 барабанов). Возникли трудности и с назначением даты генеральной репетиции, поскольку её хотел посетить герцог Камберлендский и потребовалось выбрать удобное для него время.
Генеральная репетиция состоялась 21 апреля 1749 г., в пятницу, в 11 часов утра. Входная плата составила два с половиной шиллинга. Сообщалось, что в репетиции участвовали 100 музыкантов, а слушателей собралось 12 тысяч. Конные экипажи и пешеходы, спешащие на представление, создали огромную пробку, и даже возникла драка.
Основное торжество прошло 27 апреля 1749 г. в Грин-парке в Лондоне. Музыка Генделя сопровождала грандиозный праздничный фейерверк. Режиссёром зрелища был известный архитектор и театральный декоратор Дж. Сервандони. Для музыкантов он возвёл громадное, напоминающее дорический храм деревянное здание высотой около 30 м и длиной около 117 м. После того как прозвучала музыка Генделя, дали знак к началу фейерверка. Был произведён салют из 101 медной пушки. Фейерверк оказался менее удачным, чем музыка. Построенное здание загорелось, когда на него упал барельеф Георга II. К счастью, никто не пострадал.

Читать далее...