Александр Николаевич Скрябин — русский композитор и пианист. В его творчестве воплощены идеи экстатической устремленности к неведомым «космическим» сферам, идея преобразующей силы искусства. Музыке присущи напряженность тонуса, диапазон образов от одухотворенно-идеальных, утонченных до экспрессивно-героических. Яркий новатор музыкальных выразительных средств, главным образом гармонии; развивал идею светомузыки, впервые в музыкальной практике ввел в симфоническую поэму «Прометей» партию света. Профессор Московской консерватории .
Александр Скрябин родился в Москве 25 декабря 1871 года (6 января 1872) в старинном дворянском роде. Отец — дипломат, мать — талантливая пианистка; умерла от туберкулеза, когда сыну не было и полутора лет. Мальчик воспитывался тетей, Л. А. Скрябиной, приохотившей его к фортепиано. В пять лет уверенно воспроизводил на инструменте не только мелодии, но и однажды услышанные несложные пьесы, в восемь начал сочинять музыку, писал также стихи и многоактные трагедии. В 1882-1889 по семейной традиции обучался во 2-м Московском кадетском корпусе. Брал уроки фортепьяно у Георгия Эдуардовича Конюса и Н. С. Зверева, изучал теорию музыки под руководством Сергея Ивановича Танеева, выступал в концертах. В 1888-1892 годах — в Московской консерватории по классу фортепьяно у Василия Ильича Сафонова (окончил с золотой медалью), параллельно занимался композицией у С. И. Танеева и Антона Степановича Аренского
К началу 1890-х годов относятся первые издания и исполнения фортепьянных пьес Александра Скрябина, главным образом авторские. Выдающийся пианист камерного плана, чья игра отличалась тонкостью и одухотворенностью, особым, созвучным эпохе, «нервом», музыкант всю жизнь концертировал, исполняя почти исключительно собственные сочинения. Уже первые выступления принесли ему успех, хотя и сам он, и его музыка вызывали неоднозначное отношение.
При всеобщем признании феерического таланта Александра Николаевича, восхищение одних, недоумение и неприязнь других с годами лишь возрастают, деля аудиторию на «скрябинистов» и «антискрябинистов», шокированных новаторским характером его сочинений. Однако профессиональная карьера композитора складывалась в целом удачно, не только благодаря незаурядной воле и творческой активности самого Скрябина, но и из-за постоянной поддержки почитателей его искусства — Митрофана Петровича Беляева, М. К. Морозовой, Сергея Александровича Кусевицкого, Александра Ильича Зилоти и др. Вскоре после окончания консерватории Скрябин концертировал в Москве, Петербурге и других городах, а в 1896 году совершил турне по Европе (Париж, Брюссель, Берлин, Гаага, Амстердам, Кельн), повсюду вызывая к себе живейший интерес.
 

Музыкальный сайт преподавателя М.С.Толмачевой

Фортепианный концерт. Ор.20

 

 

Во все времена люди искусства стремились наполнить мир красотой и гармонией, искали в них утешение и смысл бытия. Эпоха принимала все, но, обладая переменчивым нравом, то возвеличивала творца, то ниспровергала.

Не сделала она исключение и для Антонио Вивальди. В 1770 году, спустя всего 30 лет после его смерти, имя Вивальди даже не упоминается в списке итальянских композиторов. В XIX веке о нем говорили лишь как о композиторе, чьи ноты переписывал великий Бах. А в начале XX века произошло чудо: с 1912 по 1926 годы была найдена большая часть его произведений, и за короткое время его музыка облетела весь мир, тронула души многих и многих. Она словно ждала подходящего момента, чтобы зазвучать вновь. Может, наше время чем-то сродни той непростой эпохе?

После почти 200-летнего забвения Антонио Вивальди вернулся в мир! Сейчас редкий оркестр не имеет в своем репертуаре знаменитых «Времен года». Любой музыковед скажет вам, что это картины природы, понятные каждому: пение весенних птиц, летняя гроза… Но в руках гения все приобретает иной смысл: знакомые образы вызывают ассоциации с чем-то более тонким и глубоким — не просто с картинами природы, но с ее законами. Владимир Спиваков как-то назвал это произведение «фреской человеческой жизни», ведь человек проходит тот же путь, что и природа — от рождения до смерти.

Какая же она — фреска жизни самого Антонио Вивальди?

Ф. М. Ла Каве. Портрет венецианского музыканта (предположительно Вивальди). 1723

Читать далее...

Павел Пабст (1854-1897) - русский композитор немецкого происхождения, ученик Листа, в 1878 г. приехал в Россию и до самой смерти преподавал в Московской консерватории, с 1881 г. профессор. Среди его учеников - Николай Метнер, Константин Игумнов, Александр Гольденвейзер, Александр Гедике и другие. Пабст также сам выступал как пианист, прославившись исполнением музыки Шумана и Листа. Пабста связывали очень дружеские отношения с Чайковским: считается, что Пабст редактировал некоторые его фортепианные сочинения, в том числе партию солиста в Первом концерте; Чайковский посвятил Пабсту Концертный полонез из Восемнадцати пьес Op. 72 (1893). Пабсту также посвящены Семь фортепианных пьес Op. 10 Сергея Рахманинова (1894). К коронации царя Александра III в феврале 1882 года Пабстом был написан единственный концерт для фортепиано с оркестром, посвящённый Антону Рубинштейну и впервые исполненный автором с оркестром под управлением Рубинштейна.

Павел Пабст (1854-1897)
Концерт для фортепиано с оркестром ми-бемоль мажор, соч. 82 (1882)




I. Allegro maestoso
II. Andante cantabile
III. Allegro assai

После более чем ста лет забвения этот концерт был вновь исполнен в 2005 г. Виртуозная музыка Пабста представляет целый спектр эмоций между драмой и нежными чувствами. Это поздняя романтика в духе Листа - то возвышенная, то очень лирическая, часто элегическая, в финале радостно танцевальная, но всегда живая и мощная.


Читать далее...

  

  Рапсодия на тему Паганини - во многом жанровое "открытие" Рахманинова. Любопытны детали жанрового взаимоотношения творчества Рахманинова с творчеством Гершвина: в 1927 состоялась премьера "Рапсодии в стиле блюз" Гершвина - первого случая трактовки жанра как развёрнутого фортепиано-оркестрового цикла, интонационно синтезирующего джазовые и академические интонационные сферы. Рахманинов присутствовал на этой премьере; известно его одобрение Рапсодии Гершвина и заинтересованность поисками Гершвина в области синтеза джаза с академической музыкальной культурой. Нельзя не отметить, что фортепианный стиль и методы взаимодействия солиста с оркестром Рапсодии Гершвина во многом определены влиянием фортепианного стиля концертов Рахманинова.  

Читать далее...

Чайковский П.И.(1840 - 1893)
Концерт для фортепиано с оркестром № 3 ми-бемоль мажор соч. 75




1.Allegro brillante (ми-бемоль мажор)
2.Andante (си-бемоль мажор)
3.Finale — Allegro maestoso (ми-бемоль мажор)

Одно из последних произведений великого русского композитора .
Концерт написан в 1893 году, многие материалы этого сочинения были взяты из его Неоконченной симфонии ми-бемоль мажор.
После смерти автора концерт был доработан его учеником Сергеем Ивановичем Танеевым.
Однако издан был не трёхчастный концерт, а два отдельные опуса: одночастный Третий концерт для фортепиано с оркестром (Allegro brillante) op. 75 и Andante и финал op. 79. Возможно, что этому способствовала большая длительность концерта. В настоящее время эти два сочинения часто исполняют как одно — Третий концерт для фортепиано с оркестром.
 

Эдвард Хагеруп Григ (норв. Edvard Hagerup Grieg; 15 июня 1843 — 4 сентября 1907) — норвежский композитор периода романтизма, музыкальный деятель, пианист, дирижёр. Творчество Грига формировалось под воздействием норвежской народной культуры.

«В пещере горного короля» является, пожалуй, наиболее популярной и узнаваемой композицией Грига. Она пережила множество обработок эстрадными и рок музыкантами. Кэндис Найт и Ричи Блэкмор даже написали к «Пещере горного короля» текст и обработали её в виде песни «Hall of the Mountain King». Композиция, её фрагменты и обработки часто используются в саундтреках к фильмам, телепередачам, компьютерным играм, рекламным роликам и пр., когда требуется создать загадочную, слегка зловещую или слегка ироничную атмосферу.  Она звучала в фильмах "Демоны" 1985 в обработке Клаудио Симонетти, в "Симпсонах" 1990,  "Сенсация" 2006, "Мёртвый снег" 2009, "Интерны".

«Утро» было любимой пьесой Карла Столлинга, который часто использовал композицию в эпизодах мультфильмов киностудии «Уорнер-бразерс». Эта пьеса теперь связывается с типично  скандинавскими сценами; однако мелодия предназначалась, чтобы изобразить восход солнца в Пустыне Сахара.

Первая часть фортепианного концерта Грига используется в фильме 1997 года Адриана Лайна —" Лолита".

Читать далее...

Для любителей классической музыки предлагаю насладиться Бетховеном. Здесь аж 6 часов лучшей его музыки.

Приятного вам прослушивания! 

Когда Вы подходите к берегу,
и перед Вами водная гладь,
Вы сразу чувствуете нутром,
что это озеро, море или океан.
То ли небо такое глубокое,
то ли это высота волн.
Музыка Рахманинова - это Океан.
Его волны - музыкальные - 
начинаются настолько далеко
за горизонтом, и возносят Вас
так высоко и так медленно
Вас опускают... что Вы чувствуете
эту Мощь и Дыхание.

/А.Кончаловский/

Сергей Васильевич Рахманинов родился 20 марта 1873 года в дворянской семье. Долгое время местом рождения считалось имение его родителей Онег, недалеко от Новгорода; исследования последних лет называют усадьбу Семёново Старорусского уезда Новгородской губернии.

Его родители были музыканты-любители. Проявив интерес к музыке уже в четыре года, он обучался игре на фортепиано, первые уроки дала мать. Осенью 1882 года Рахманинов поступил на младшее отделение Санкт-Петербургской консерватории в класс В. В. Демьянского . Обучение в Петербургской консерватории шло плохо, так как Рахманинов часто прогуливал занятия, поэтому на семейном совете мальчика было решено перевести в Москву и осенью 1885 года он был принят на третий курс младшего отделения Московской консерватории к профессору Н. С. Звереву.

Читать далее...

Николай Заболоцкий

 
ГРОЗА

Содрогаясь от мук, пробежала
  над миром зарница,
Тень от тучи легла, и слилась,
  и смешалась с травой.
Все труднее дышать, в небе облачный вал
  шевелится.
Низко стелется птица, пролетев
  над моей головой.


Я люблю этот сумрак восторга, эту краткую
  ночь вдохновенья,
Человеческий шорох травы, вещий холод
  на темной руке,
Эту молнию мысли и медлительное
  появленье
Первых дальних громов - первых слов
  на родном языке.


Так из темной воды появляется
  в мир светлоокая дева,
И стекает по телу,
  замирая в восторге, вода,
Травы падают в обморок, и направо бегут
  и налево
Увидавшие небо стада.


А она над водой, над просторами
  круга земного,
Удивленная, смотрит в дивном блеске
  своей наготы.
И, играя громами, в белом облаке
  катится слово,
И сияющий дождь на счастливые рвется цветы.

          1946      

         

 

С. В. Рахманинов

Музыка должна идти от сердца

Сочинять музыку для меня такая же насущная потребность, как дышать или есть: это одна из необходимых функций жизни. Постоянное желание писать музыку — это существующая внутри меня жажда выразить свои чувства при помощи звуков, подобно тому как я говорю, чтобы высказать свои мысли. Думаю, что в жизни каждого композитора музыка должна выполнять именно эту функцию. Любая другая сделала бы её чем-то второстепенным.

Читать далее...

Амилькаре Понкьелли (31 августа 1834 — 16 января 1886) — итальянский оперный композитор.

Родился в Падерно-Фазоларо (впоследствии переименованное в Падерно-Понкьелли) близ Кремоны. В возрасте девяти лет он выиграл стипендию на получение музыкального образования в Миланской консерватории. Уже в десять лет он написал свою первую симфонию. Диплом об окончании консерватории он получил 1854 году. Два следующих года он служил органистом в кремонской церкви Сант-Иларио.

В 1856 году Понкьелли написал свою первую оперу I promessi sposi (по роману Алессандро Мандзони «Обручённые»). Первые постановки прошли практически незамеченными, что заставило композитора перебиваться малыми заработками в некрупных городах. Он сочинил более 200 произведений для духового оркестра, праздничные и похоронные марши, вариации на народные песни. Но в 1872 году постановка его первой оперы в Милане, наконец, принесла автору успех и заказы. С ним заключил контракт музыкальный издатель «G. Ricordi & Co.», в знаменитом Ла Скала также для него нашлось место. В 1873 году он упрочил свой успех балетом Le Due Gemelle («Близнецы»).

Слава оперного композитора закрепилась за Понкьелли. Он сочинил такие оперы, как I Lituani («Литовцы», 1874), La Gioconda («Джоконда», 1876), Il figliuol prodigo (1880), Марион Делорм (1885). Его творчество оказало значительное влияние на итальянскую музыкальную культуру, а среди его учеников числились Джакомо Пуччини и Пьетро Масканьи.

Умер Понкьелли в возрасте 51 года в Милане.

Amilcare Ponchielli Sinfonia No 1 " Moderato-Allegro vivo"

Читать далее...

Моцарт. Концерт для скрипки с оркестром № 3

Хилари Хан (Hilary Hahn), скрипка. Дирижёр Густаво Дудамель (Gustavo Dudamel)

Читать далее...

Среди одночастных фортепианных пьес Шуберта выделяется фантазия «Скиталец». Виртуозный облик фантазии и ее грандиозная форма уникальны среди сосредоточенно-лирических миниатюр Шуберта. Композитор придал произведению новое и смелое толкование, которое не имело ничего общего со стилем концертных фантазий-парафраз. В качестве центрального эпизода фантазии Шуберт использовал одну из тем своей песни «Скиталец»:

Скиталец (Der Wanderer)

исп.Георг Отс

Текст песни:
Один я с гор иду тропой, -
Встает туман, шумит прибой.
Я грусти полн, таю мечты,
И сердце стонет: где же ты?

Как хмуро солнце здесь с утра!
Здесь блекнет свет, и жизнь стара;
Людские речи - звук пустой,
Везде и всюду я чужой...

О, где ж ты, мой желанный край?
Мой сон, мечта, безвестный рай!
Страна любви, надежд оплот, -
Там много роз моих цветет,

Там ждут меня мои друзья,
Там милых мертвых встречу я,
Ласкает слух родной язык...
О, край мой, где ты?..

Я грусти полн, таю мечты,
И сердце стонет: где же ты?
Мне тайный голос шепчет вслед:
"Там наше счастье, где нас нет!"

Читать далее...

Доменико Чимароза. Фортепианный концерт.

 

Доменико Чимароза — один из известнейших итальянских композиторов второй половины XVIII века. Он был на 20 лет старше Бетховена и почти на 20 лет моложе Гайдна и всего на 7 лет старше Моцарта. В памяти последующих поколений Чимароза остался автором многочисленных опер- буффа, одним из выдающихся ее творцов. Однако при жизни композитора с успехом исполнялись многие его произведения других жанров, прежде всего, вокальных: кантаты, оратории, мессы, реквием. Привлекали внимание композитора и новые тенденции в инструментальной музыке. Из тех сочинений, которые были изданы или обнаружены в последнее время в рукописях, известны две симфонии, несколько концертов, два секстета, шесть струнных квартетов и др. Среди них достойное место занимают сонаты для клавесина.Пристрастие к бемольным тональностям делает палитру его музыки светлой, переливчато-прозрачной. Чимароза рассматривает одну музыкальную мысль со всех сторон и находит интересные ракурсы и обороты темы. Сумма этих приёмов делает его сонаты лёгкими, доступными ребёнку, как по форме, так и по содержанию. В то же время, это "настоящая" музыка, без досадных примитивных мелодических оборотов и гармонических решений. Важнейшими достоинствами музыки Чимарозы являются ее живость, изобретательность, искрящееся веселье и блестящая инструментовка. В XIX веке скромные творения Чимарозы не смогли пробиться сквозь оперные и симфонические цунами. Но в XX веке, когда обострился интерес к духовному миру наших предшественников, когда несколько изменился вектор художественных пристрастий и исполнителей, и обычных, простых слушателей, музыка Чимарозы вновь привлекла внимание.

 

Удивительно красивая музыка и Прекрасное исполнение!!!
 


 

Соната для фортепиано № 15 ре мажор, op. 28, была написана Бетховеном в 1801 году и посвящена графу Йозефу фон Зонненфельсу. Красивая соната и жаль что не знала ее, ведь у всех на слуху только лунная и патетическая.
 
Про него прочитала, что это был Австрийский государственный и общественный деятель, специалист по камералистике, публицист и театровед.
Соната была издана как «Пасторальная», однако это название не прижилось. В ней нет той эффектности, что присутствует в Лунной и в других, более поздних. Зато есть утонченность гармонии. И она о пробуждении природы. Прослушала многих ее исполнителей, но более всего мне понравилось как ее исполняет Валерий Павлович АФАНАСЬЕВ (Valery Afanassiev) , российско-французской пианист и дирижер.



 О пианисте здесь: Валерий Павлович Афанасьев
 

«Уносит вечность всех под мрачный свод гробов,
Но непорочных душ и мысли и стремленья
Выбрасывает вал сурового забвенья
На берег бытия, как зерна жемчугов».
К.М. Фофанов

Кто из русских композиторов, надев ордена и медали, может встать в один ряд с героями Отечественной войны 1812 года? И есть ли среди них такие, чей всего один «музыкальный шедевр», принес мировую славу? И, наконец, найдем ли мы судьбу более драматичную чем у него: со взлетами и падениями, предательством и унижениями? Какой еще российский композитор прошел через гражданскую казнь, был объявлен государственным преступником, отбыл долгие годы ссылки?

Ответ один: это Александр Александрович Алябьев
БИОГРАФИЯ


 

Имя Александра Александровича Алябьева (15 августа 1787 - 22 февраля 1851) в основном знакомо широкому кругу любителей музыки благодаря романсу "Соловей" - замечательному образцу русского городского романса эпохи романтизма. Романсы, песни, фортепианные танцевальные пьесы Алябьева издавались и были популярны еще при его жизни. Алябьев создал шесть опер, балет, музыку к театральным пьесам, увертюры, симфонии, камерные ансамбли (квартеты, трио и др.), произведения для хора, пьесы для фортепиано и более 160 романсов. Судьба этого богатого наследия сложилась драматично - большая часть его произведений так и осталась в рукописях, многие из которых не окончены или утеряны. Менее всего известны его инструментальные сочинения, до настоящего времени они исполняются и издаются крайне редко. Остается лишь надеяться, что эта незаслуженно забытая часть творческого наследия композитора откроется музыкантам и слушателям и станет столь же любимой, как и широко известные романсы.
 

РОМАНСЫ






Квартеты А.Алябьева

Первый и Третий квартеты написаны соответственно в 1815 и в 1825 году. Они относятся к раннему периоду творчества А. Алябьева и целиком соответствуют принципам классицизма. В них используется типичная четырехчастная структура цикла: подвижное сонатное allegro, медленная часть, менуэт и быстрый финал (в третьем квартете иной вариант: менуэт предшествует медленной части). Правда, алябьевский классицизм - поздний, времен Бетховена и Россини. Это особенно хорошо слышно в менуэтах, которые обретают стремительность и подчеркнутую энергичность.
Отметим некоторые особенности: в первом квартете финал открывается медленным вступлением трагического характера, которое создает резкий контраст бодрому, мажорному настрою финала и всего квартета; в третьем квартете аналогичную роль скорбного лирического высказывания берет на себя медленная третья часть - вариации на собственную, алябьевскую тему Соловья. Автор так и обозначил часть: Adagio на тему русской песни Соловей - дело в том, что русскими песнями в эпоху Алябьева назывались не только собственно народные песни, но и романсы, сочиненные композиторами в фольклорном духе.
Квартеты Алябьева - одни из первых примеров квартетного жанра в русской музыке. По глубине и мастерству они приближаются к квартетному письму Бетховена или Шуберта. В них мы видим талантливое и самобытное преломление русским композитором традиций европейской классики.

Квартет №1, для двух скрипок, альта и виолончели, ми - бемоль мажор
(Запись 1950 года)Квартет имени Бетховена
Allegro con spirito


Adagio


Менуэт. Allegro


Финал. Andante sostenuto. Allegro vivace





Квартет №3, для двух скрипок, альта и виолончели, соль мажор,
(Запись 1948 года)Квартет имени Бетховена
Allegro


Менуэт. Allegro


Adagio (на тему русской песни «Соловей»)


Финал. Allegro




далее...

В своих 3 партитах и 3 сонатах для скрипки соло великий мастер полифонии ставит перед собой почти невыполнимую задачу – написать четырехголосную фугу для сольного струнного инструмента, пренебрегая всеми техническими ограничениями, налагаемыми самой природой инструмента. Вершина баховского величия, прекрасный плод его вдохновения – знаменитая чакона (из партиты № 2), цикл вариаций для скрипки, который биограф Баха Ф.Шпитта характеризует как «торжество духа над материей». Скрипач существует до или после "Чаконы" Баха. Среди его сольных сонат и партит "Чакона" - чудо из чудес.

Из всей инструментальной музыки Баха, может быть, только самые величественные органные прелюдии и фуги сравнимы с Чаконой. Одна из особенностей Чаконы в том, что отправным началом служит не мелодия, ведомая высоким голосом, а басовая тема. Она как бы программирует своим "басовым характером" тридцать вариаций Чаконы. Безмерна глубина содержания Чаконы, безмерны возможности виртуозного исполнения ее скрипачом. О Чаконе написана большая литература. И исследователями, и поэтами. Филипп Шпитта дал одну из первых ярких характеристик баховского скрипичного шедевра: "Произведение это обнаруживает не только подробнейшее знание скрипичной техники, но и полнейшее господство над фантазией, колоссальнее которой едва ли можно встретить у другого художника. Пусть помнят, что все это написано для одной только скрипки!"

Читать далее...

Кавати́на (итал. cavatina, уменьшительное от итал. cavata) — небольшая лирическая оперная ария. Произошла от каваты. С конца XVIII века часто - выходная ария в опере (каватина Фигаро в опере «Севильский цирюльник», каватины Князя, Алеко). Небольшая и несложная песенная форма в небыстром темпе в духе арии с одной нежной темой. В XIX—XX вв. наряду с виртуозной (каватина Розины и др.) распространена каватина созерцательного плана в умеренно-медленном темпе, с песенной мелодикой (две каватины в оратории «Времена года» Й. Гайдна; каватины Агаты, Антониды; каватина Невесты в симфонии-кантате «На поле Куликовом» Шапорина; каватина Тома в опере «Похождения повесы» Стравинского). Некоторые каватины являются развёрнутыми ариями (каватины Людмилы, Кончаковны, Владимира Игоревича). Каватинами иногда называют певучие инструментальные пьесы.

Rossini The Barber of Seville - Rosina's Cavatina

Читать далее...

Симфония № 5 до минор, op. 67, написанная Людвигом ван Бетховеном в 1804—1808 годах, — одно из самых знаменитых и популярных произведений классической музыки и одна из наиболее часто исполняемых симфоний. Впервые исполненная в 1808 в Вене, симфония вскоре приобрела репутацию выдающегося произведения. Э. Т. А. Гофман назвал симфонию «одним из самых значительных произведений эпохи».

Бетховен в 1804 году. Фрагмент портрета работы В. Мэлера.

Главным и легко узнаваемым элементом первой части симфонии является двойной мотив из четырёх тактов:

Симфония, и особенно начинающий её мотив (известный также как «мотив судьбы», «тема судьбы»), стали настолько широко известны, что их элементы проникли во множество произведений, от классических до популярной культуры разных жанров, в кино, телевидение и т. д. Она стала одним из символов классической музыки.

Symphony No. 5 in C minor, Op. 67

Читать далее...

Шопен - один из главных представителей романтизма в музыке. Никогда — ни до, ни после Шопена — на его родине, Польше, не рождался музыкальный гений такого уровня. Его творчество почти целиком является пианистическим. Хотя редкий композиторский дар Шопена мог бы сделать его замечательным симфонистом, его деликатная, замкнутая натура довольствовалась рамками камерного жанра — если не считать, конечно, двух его замечательных фортепианных концертов. Им было написано всего 2 концерта для фортепиано с оркестром (1829, 1830 ). Они (особенно ми-минорный) стали высшим достижением раннего творчества Шопена, отразили все грани художественного мира двадцатилетнего композитора. Элегическая лирика оттеняется блеском виртуозности и по-весеннему светлыми  темами.  Сокровенный лиризм, глубочайшая психологичность, тонкость в передаче настроений, мечтательная созерцательность - важнейшие тенденции музыкального романтизма.

Читать далее...

Одна из красивейших арий, божественная Casta Diva - Ария Нормы из оперы "Норма".
 

Звучит в исполнении Maria Callas.

Эту оперу написал итальянский композитор ВИНЧЕНЦО БЕЛЛИНИ, первое исполнение состоялось 26.12. 1831. в Милане.

Действие происходит в Галлии.

Действие первое.

Священная роща друидов, в центре дубовая статуя бога Ирминсула и жертвенник. Ночь. Под звуки религиозного марша проходят шеренги галлов, затем процессия друидов во главе с верховным жрецом Оровезом. Оровез объявляет о том, что Норма, его дочь, с восходом луны совершит таинственный обряд - жатву священной омелы. Тогда Ирминсул устами Нормы возвестит о грядущем конце чужеземного ига (соло с хором "Ite sul colle, o Druidi"; "Здесь вы, друиды, рассейтесь все по холмам"). Кортеж галлов удаляется, и появляются римский проконсул Поллион и его друг Флавий. Проконсул был любовником Нормы, которая родила ему двух сыновей, но никто из галлов об этом не знает. Однако проконсул уже не любит Норму, увлечённый юной жрицей Адальжизой.

Восходит луна, раздаётся звон священного щита, и появляется Норма в окружении толпы (хор "Norma viene"; "Норма вышла"). Начинается обряд. Норма пророчествует о том, что дни мщения ещё не наступили, что нужно ждать. В её молитве смешаны ненависть к римлянам и желание увидеть проконсула ("Casta diva, che inargenti"; "О богиня, взор твой ясный"). По окончании обряда все уходят, кроме Адальжизы, которая терзается, вспоминая Поллиона. Появившийся проконсул умоляет её бежать с ним в Рим, куда его вызывают. Адальжиза, поколебавшись, обещает Поллиону следовать за ним (дуэт "Va', crudele, e al dio spietato"; "Что ж, пожертвуй моею кровью").

Покои Нормы. Входит друидесса, ведя за руку детей. Обуреваемая противоречивыми чувствами, она подозревает Поллиона в измене: она дрожит при мысли о том, что он намеревается вернуться в Рим без неё и детей. Адальжиза приходит в дом Нормы, чтобы исповедаться в своей преступной любви к римлянину. Взволнованная её признанием Норма обещает помочь Адальжизе, освободив её от обета безбрачия (дуэт "Sola, furtiva al tempio"; "Часто с тех пор украдкой в храме я с ним виделась"), и спрашивает имя её возлюбленного. Адальжиза показывает на входящего в комнату Поллиона. В приступе гнева Норма объвиняет римлянина в том, что он предал её и сыновей (терцет "Oh! di qual sei tu vittima"; "Ты гнусного предателя жертвой несчастной стала"). Поллион пытается увести Адальжизу, но та с презрением отвергает его и указывает ему настоящую жену.

Действие второе.

В покоях Нормы спят её дети. Она заходит со светильником и обнажённым кинжалом. Норма замыслила убить детей, но силы ей изменяют ("Dormono entrambi"; "Оба заснули"). Призвав Адальжизу, она просит взять их с собой в римский лагерь после того, как девушка выйдет замуж за Поллиона (дуэт "Deh! con te, con te li prendi"; "Ах, с собою ты возьми их"). Адальжиза отказывается от брака с Поллионом (дуэт "Mira, o Norma"; "Хоть малюток своих прекрасных"), которого она хочет уговорить вернуться к Норме. В сердце Нормы пробуждается надежда.

Пустынное место близ рощи друидов. Норма в храме ожидает Клотильду. Но та приносит ей плохие вести: молодой жрице не удалось поколебать Поллиона, который грозит похитить её из храма. Норма трижды ударяет в священный щит, призывая галлов к восстанию против римлян. Теперь необходимо принести жертву богу. В этот момент Клотильда сообщает ей о том, что римский воин совершил святотатство, проникнув в храм. Это Поллион. Норма просит оставить их одних. Она предлагает римлянину спасение, если он откажется от Адальжизы. Поллион непоколебим. Норма грозит ему смертью сыновей, Адальжизы и полным истреблением римского войска. Наконец, доведённая до отчаяния, она приказывает развести костёр, на котором будет сожжена преступная, нарушившая обет жрица. Перед всем народом Норма обвиняет себя (соло с хором "Qual cor tradisti"; "Какое сердце, жестокий, предал"), просит прощения у Оровеза и поручает ему детей. Поллион разделяет её участь.

[URL] http://bellini.belcanto.ru/index.html [/ URL]

 

Доменико Чимароза.

Удивительна история композитора неаполитанца. С Венецией его связывает только то, что он там внезапно умирает. Но история отнесла его к венецианцам.
А еще - это первый известный композитор, оставивший свое имя в истории в России. Хотя до него в России был успешен и пребывал в фаворе композитор венецианец Галуппи.
18 век принес много нового в жизнь человека. Это, прежде всего, капитализм и все, что с ним связано. Зазвучало слово «рабочий», пришло активное осознание «бедняк-богач», заговорили о республиканском правлении и начались волны социальных протестов.
Вот в это-то время — в 1749 году 17 декабря, близ Неаполя -и рождается в семье каменщика мальчик Доменико.
Сегодня, в музыкальных школах, его музыку начинают играть уже во 2 классе. На экзамене по окончании года почти все дети играют сонаты Чимарозы.
Это и есть тот самый мальчик Доменико.
Однако имени композитора, которого сравнивают с Моцартом, за которым признают право создания «оперы-буффа», т.е. комической оперы, никто и не знает.

Судьба подарила ему трудное детство– отец умер очень рано, не оставив семье средств на жизнь. Мальчика отдали сначала в монастырскую школу, а затем в сиротский дом Санта Мария ди Лорето, где он пробыл целых одиннадцать лет. В приюте мальчика учили игре на скрипке, органе, клавесине. Здесь юный Чимароза много пел. Понятно, что детей сирот таким образом готовили к служению в церкви. Обучение, как и полагается в таких заведениях, сопровождалось побоями и унижениями.

 Il Maestro di Cappella (1/3) Sinfonia

Читать далее...

Сто лет назад началась Первая мировая война...

Этот фортепианный концерт Равель написал для австрийского пианиста Пауля Витгенштейна, потерявшего на этой войне правую руку.

Сама задача была очень необычной - написать Концерт для левой руки, а ещё - создать полноценное произведение, которое не было бы облегчённым, выставляя пианиста в несколько подчинённой роли. Равель ставил перед собой иную задачу и он её выполнил замечательно. Потому что родилось произведение, которое, по сути, стало не только мистическим в ощущении собственной судьбы композитора, но и очень важным во всей истории ХХ века. И исполнитель, которому это произведение посвящено - Витгенштейн, и сам Равель - оба были на фронтах Первой мировой войны, и каждый из них стал жертвой этой войны. Сама война оставила в них колоссальный след. И в этом Концерте Равель тоже высказался об этой войне. Музыковеды по - разному трактуют это сочинение - одни слышат его, как путь от смерти к жажде жизни, другие считают, что Концерт полностью трагичен. Тем не менее, это произведение - памятник эпохи, который синтезирует в себе ощущение от войны и эта надломленность в нём присутствует...

Чудесная классическая мелодия ожила благодаря волшебному искусству анимации!


"Волшебная флейта" - сборник мультфильмов по произведениям классической музыки
Год выпуска: 2008
Страна: Польша

«Прощание с Петербургом» — единственный вокальный цикл М.И.Глинки(1804 -1857), хотя романсы занимают важное место в его творчестве. Впрочем, и эти 12 романсов не задумывались как цикл. Об их возникновении композитор рассказал в своих «Записках»: «В день моих именин, т. е. 21 мая (1840 года. — А. К.), когда я шел из Ревельского подворья... мне пришла мелодия болеро «О дева чудная моя».
Я попросил Кукольника написать стихи для этой новой мелодии, он согласился, а вместе с тем предложил мне несколько написанных им романсов. По этому, кажется, поводу пришла Платону мысль о двенадцати романсах, изданных потом П. И. Гурскалиным под именем «Прощание с Петербургом». У меня было несколько запасных мелодий, и работа шла весьма успешно».
Это происходило в Петербурге, где Глинка, признанный создатель первой русской классической оперы «Жизнь за царя» (1836), работал над второй — «Руслан и Людмила». Он часто встречался с братьями Кукольниками, Нестором и Платоном, которые с 1839 года поселились в доме Мерца в Фонарном переулке. Там за несколько лет до того жил сам Глинка, туда же он вернулся в сентябре 1840 года. У Кукольников собиралась компания приятелей — литераторов, критиков, любителей музыки, — известная как братия.
Нестор Васильевич Кукольник (1809—1868) пользовался в то время широкой популярностью. Первый успех 29-летнему писателю принесла драматическая фантазия «Торквато Тассо»; в период расцвета за 6 лет (1840—1845) он написал 5 романов, 5 драм, 26 повестей, множество стихотворений. Кукольник называл себя родоначальником школы русских романтиков и признавал гениальную триаду в русской литературе (уже подарившей миру Пушкина!), живописи и музыке: Брюллова, Глинку и себя самого. Глинка написал на стихи Кукольника ряд романсов, в том числе «Сомнение», и музыку к его трагедии «Князь Холмский».
Над «Прощанием с Петербургом» композитор работал в июне-июле 1840 года и закончил «заказанные романсы» 9 августа. На следующий день он уезжал в свое имение Новоспасское, и Кукольник с братией устроил ему проводы, пригласив знакомых артистов и литераторов. Здесь впервые прозвучал заключительный номер «Прощания с Петербургом» — «Прощальная песня» для голоса с мужским хором, слова которой Кукольник посвятил Глинке, а Глинка музыку — друзьям. Композитор вспоминал: «Я пел с необыкновенным одушевлением прощальную песню, хор пела братия наша...» Другие номера также имеют посвящения друзьям: №3 — офицеру А. А. Скалону, №6 — Н. Ф. Немировичу-Данченко, родственнику Кукольников, прозванному рыцарем Коко, №8 — Л. А. Гейденрейху, врачу императорских театров, лечившему Глинку, №10 — А. Н. Струговщикову, известному переводчику и поэту.
Когда Глинка месяц спустя вернулся в столицу, «Прощание с Петербургом» было уже опубликовано (в начале сентября) издателем П. И. Гурскалиным, которому посвящен №5, и пользовалось успехом. Однако сборник не воспринимался в качестве единого целого. Как извещал Кукольник в своем «Художественном журнале», «каждый романс можно покупать отдельно, общей цены не полагается...» И впоследствии «Прощание с Петербургом» редко исполнялось в виде цельного произведения, а отдельные романсы пользовались различной известностью.

"Прощание с Петербургом" (вокальный цикл на стихи Н. Кукольника) «”Прощaние с Петербургом” – кaлейдоскоп кaртин и эмоций, объединенных блaгородной, но экспрессивной мaнерой вокaльного письмa Глинки: он включaет в себя стрaстное признaние в любви, грустные рaзмышления, колыбельную, неповторимый русский пейзaж (популярный в России “Жaворонок”) и зaрисовку петербургской пирушки в кругу восторженных и предaнных друзей. Здесь есть … использовaние итaльянской бaркaролы, испaнского болеро и еврейской песни» 1. Романс ("Кто она и где она") исп.И.Козловский Романс написан в форме песни.Открывается и завершается он кратким необычайно простыми фортепианным проигышем. Все проникнуто нежным чувством. Обаяние этой музыки в ее абсолютной безыскусности. 2. Еврейская песня ("С горных стран пал туман) исп.Г.Нэлепп Следующая запись, песня не песня, романс не романс, но Нестор Кукольник и Михаил Глинка назвали это совместное сочинение «Еврейская песня». К какому поэтическому жанру отнести стихотворение? Пожалуй, к философской лирике. Этот романс был написан М. Глинкой задолго до того, как возникла идея создания цикла «Прощание с Петербургом».

далее...

Читать далее...

"Я — русский композитор, и моя родина наложила отпечаток на мой характер и мои взгляды. Моя музыка — это плод моего характера, и потому это русская музыка... Единственное, что я стараюсь делать, когда сочиняю, — это заставить ее прямо и просто выражать то, что у меня на сердце".

«Музыкальные моменты» ор. 16 написаны в 1896 году, посвящены А.В. Затаевичу( русский и советский музыкант-этнограф, композитор).
Это единый цикл, скрепленный сквозным музыкальным драматическим развитием образов.В нем намечены черты, ставшие характерными для творчества композитора. Многие образы и настроения этого цикла зазвучат в произведениях Рахманинова 900-х годов. Особенно показательны пьесы подвижного, моторного характера — вторая , четвертая, шестая.
Динамические, быстрые пьесы — преимущественно драматические — чередуются с певучими, сдержанными, медленными, сосредоточенными.
Первые 4 пьесы написаны в минорных по колориту тональностях . Особенной драматической напряженностью отличаются третья (монолог для фортепиано) и четвертая, однако цикл завершается в светлых и жизнеутверждающих тонах.
В «Музыкальных моментах» ор.16 прослеживаются жанровые истоки фортепианной миниатюры — элегии, баркаролы, гимна, хотя пьесы не имеют программных заголовков.

«Музыкальные моменты» op.16 No. 1 Andantino in B-flat minor No. 2 Allegretto in E-flat minor No. 3 Andante cantabile in B minor No. 4 Presto in E minor No. 5 Adagio sostenuto in D-flat major No. 6 Maestoso in C major исп.Горовиц,Софроницкий,Рахманинов.

В целом фортепианный цикл «Музыкальные моменты» op.16 явился значительным шагом вперед в творчестве Рахманинова. Ярче и самостоятельнее становится музыкальный материал, богаче и разнообразнее фактура. Композитор находит свой круг образов и настроений, собственную оригинальную манеру изложения. Он свободно трактует традиционные жанровые формы и наполняет их новым, индивидуальным содержанием.
«Музыкальные моменты» op.16 отличаются большой самостоятельностью языка и зрелостью пианистических средств.
Драматизм, интенсивность лирического переживания, тяготение к монументальному, концертно-виртуозному письму приближают этот цикл к более поздним образцам фортепианного творчества Рахманинова – прелюдиям и этюдам-картинам.
Роль «Музыкальных моментов» ор.16 значительна. Созданные композитором в юности, они сопровождали его всю жизнь и были связаны со всеми гранями его творческой деятельности.


источник

Секстет "Воспоминание о Флоренции" для двух скрипок, двух альтов и двух виолончелей ор.70, ре-минор, в четырех частях, сочинен в июне 1890 года.

Секстет принадлежит в творческом наследии Чайковского к той примечательной группе сочинений, которая связана с тем, что композитор писал музыку, посвящая её местам своего пребывания, которые как-то особенно вошли в его жизнь, которые были ему сердечно дороги. Одним из таких мест была Флоренция, место, где Чайковский неоднократно бывал, где он с интересом знакомился с красотами итальянских памятников, итальянских пейзажей, где ему очень хорошо работалось. Последним пребыванием во Флоренции стала весна 1890 года, когда Чайковский в небывало короткие сроки, всего за 44 дня написал в эскизах свое любимое детище - оперу "Пиковая дама". Завершив оперу и перевернув последнюю страницу эскизов, Чайковский делает наброски и помечает: "Секстет".

Со временем выбора жанра сочинения, которое должно было быть посвящено Флоренции, в жизни Чайковского совпали и другие значительные события. Так, в ответ на избрание почетным членом Петербургского общества камерной музыки, Чайковский пишет председателю этого общества К.К.Альбрехту: "Я даю Вам положительнейшее обещание написать и посвятить обществу какое-либо произведение камерной музыки". А в середине июня 1887 года композитор сообщает тому же адресату, что обещанным сочинением будет струнный секстет. В своем письме (от 15 июня 1890 г.) он признается М.И.Чайковскому: "Пишу с невероятной натугой, меня затрудняет не недостаток мыслей, а новость формы. Нужно шесть самостоятельных и притом однородных голосов. Это невероятно трудно".

История написания секстета дает красноречивое представление о том, насколько взыскательным и требовательным был П.И.Чайковский к своему творчеству. Практически закончив уже работу над сочинением, он все еще сомневается в успешной реализации своего замысла. Создав произведение в новом для себя жанре, Чайковский стремится как можно скорее прослушать его. "Печатать я не буду до тех пор, - пишет он К.К.Альбрехту, - пока Вы с Вашей компанией его не выучите и не исправите мне все, что будет неудобно, нехорошо, незвучно... Только тогда, услышавши его в Вашем исполнении и приняв во внимание все Ваши поправки и советы, я подвергну секстет исправлению и отдам его гравировать... Ведь это мой первый опыт выйти из рамок квартета".

В ноябре 1890 года Секстет был исполнен в Петербурге у Чайковского, в номере гостиницы "Россия", в присутствии А.Глазунова, А.Лядова,  и других. После прослушивания Чайковский разочаровался в своем новом сочинении и тут же решил основательно переделать третью и четвертую части. Эта работа велась с большими перерывами и свое намерение автору удалось осуществить лишь в январе 1892 года. Официальная премьера состоялась 24 ноября 1892 года в четвертом собрании Петербургского отделения Русского музыкального общества.

Весьма интересны мысли Чайковского, касающиеся некоторых вопросов, связанных с исполнением Секстета. Так, относительно трактовки медленной части композитор пишет: "Вторая часть хоть и названа мной adagio ,  тянуть ее никоим образом не следует. Средняя часть этого adagio, там, где написано, вероятно, molto piu mosso должна быть исполнена с самым невероятным пианиссимо; она должна промелькнуть, как отдаленная зарница. Первую часть нужно играть с большим огнем и увлечением. Вторую певуче. Третью шутливо. Четвертую весело, задорно".

В первой части (Allegro con spirito) энергично-напористая, радостно оживленная главная тема уже с первых тактов определяет импульс ее развития, эмоциональный тонус. Полный состав ансамбля звучит порой прозрачно и легко, а в динамически напряженных эпизодах достигает поистине оркестральной яркости тона.

Читать далее...

«Ночной соблазн»-так назывался концерт симфонического оркестра Москвы «Русская филармония» п/у С. Кондрашева в программе «Концертный зал радио Орфей» .
Слушала на одном дыхании.Все произведения,прозвучавшие в концерте,знакомы.Но как они гармонично были соединены.
Послушайте и вы.Видео концерта не очень хорошего качества,поэтому в посте будут другие исполнители.
 

"Музыка - как раз то искусство, которое ближе всего к природе... Только музыканты обладают преимуществом уловить всю поэзию ночи и дня, земли и неба, воссоздать их атмосферу и ритмически передать их необъятную пульсацию".
К.Дебюсси

Ночь...
Самая загадочная, таинственная и оттого еще более привлекательная пора…

Космическая бесконечность…
Яркая луна, мириады звезд на небе, свежий ночной ветер....


 

В галантный мир куртуазной любви и утонченных отношений погружает нас невероятно популярная «Маленькая ночная серенада» В.Моцарта

и Концерт для флейты с оркестром «Ночь» А.Вивальди.

Читать далее...

В сознании миллионов людей имя Чайковского ассоциируется с определенным количеством мелодий, сценических образов и музыкальных фрагментов.
Огромная часть его наследия осталась за пределами внимания у любителей музыки.


О ФОРТЕПЬЯННОМ ТВОРЧЕСТВЕ П.И.ЧАЙКОВСКОГО

Михаил Казиник "Неизвестный Чайковский"

«Три пьесы» соч. 9(1870)



1Размышление
2 Полька
3 Мазурка
Исп. Франко Трабукко


Читать далее...

Ференц Лист — венгерский композитор, пианист-виртуоз, педагог, дирижёр, публицист, один из крупнейших представителей музыкального романтизма. Основоположник Веймарской школы в музыке.
Лист был одним из величайших пианистов XIX века. Его эпоха была расцветом концертного пианизма, Лист был в авангарде этого процесса, имея безграничные технические возможности. До сих пор его виртуозность остаётся ориентиром для современных пианистов, а произведения — вершинами фортепианной виртуозности.
Активная концертная деятельность в целом завершилась в 1848 году (последний концерт был дан в Елисаветграде), после чего Лист выступал редко.

Читать далее...

Два дуэта Моцарта (о которых рассказывается здесь- ....дуэт для скрипки и альта! ) часто исполняются и записываются, в то время как дуэты Гайдна широкой публике неизвестны. Лишь в 21-м веке (!) весь цикл из шести дуэтов Гайдна и Моцарта был впервые записан целиком. Как бы исполнители классической музыки ни открещивались от массовой культуры и вкусов мэйнстрима, но этот пример очень хорошо иллюстрирует простой факт: музыканты предпочитают исполнять музыку "раскрученных" композиторов. Моцарт - популярное имя, а кто такой Михаэль Гайдн?.. Поэтому, невзирая на художественные качества произведений и даже несмотря на то, что шесть дуэтов Гайдна-Моцарта составляют единый цикл, исполнителей дуэтов М.Гайдна можно пересчитать по пальцам.

Сходная судьба была уготована соль-мажорной симфонии (Perger 16, Sherman 25, MH 334), которая была включена в старое собрание сочинений Моцарта под номером 37 (KV 444). Стоило музыкальной общественности узнать, что эта симфония в действительности написана Михаэлем Гайдном, а Моцарту принадлежит лишь медленное вступление к первой части, как данное произведение тут же исчезло с музыкальных афиш и практически перестало записываться.

Редкое исключение представляет историческая запись соль-мажорной симфонии Эрихом Лейнсдорфом в рамках полного собрания симфоний Моцарта, осуществлённого в 1955-1956 гг.

Symphony no.37 in G major, KV 444_(1783-1784)





Дирижер- Эрих Лейнсдорф

I. Adagio maestoso - Allegro con spirito
II. Andante sostenuto
III. Allegro molto

Сальери - Талисман. Увертюра

Перед глазами душераздирающая картина: дом умалишенных, крики «Моцарт! Я убил тебя!», окровавленное тело старого Сальери, в припадке безумия пытавшегося покончить с собой. За кадром звучит музыка Моцарта. Фильм Милоша Формана «Амадеус» несомненно войдет в сокровищницу мирового кинематографа как одна из самых пронзительных лент, повествующая о таланте и гении, о борьбе человека с судьбой, о жажде справедливости и непостижимости Божьего замысла. Такие фильмы не устаревают, как, впрочем, и поэтический шедевр Пушкина «Моцарт и Сальери». «Все говорят: нет правды на земле. Но правды нет - и выше», «Гений и злодейство – две вещи несовместные»... Цитаты из пушкинской маленькой трагедии давно стали афоризмами. И всякий раз, произнося их, мы неизменно вспоминаем о композиторе-убийце.

Читать далее...

Неизвестно, что вдохновило Римского-Корсакова на замысел Испанского каприччио: в отличие от Глинки, он никогда не был в Испании. Работа, которой он занимался в это время, была очень далека по тематике. Быть может, он услышал Испанскую симфонию Лало? Во всяком случае первоначально замысел был «сочинить что-нибудь виртуозное для скрипки с оркестром (в 1886—1887 годы композитор подробно познакомился со скрипичной техникой). Взяв две русские темы, я сочинил на них фантазию и посвятил П. А. Краснокутскому, преподавателю скрипки в капелле, которому был обязан многими разъяснениями по части скрипичной техники... оставшись доволен своей пьесой, я задумал написать еще виртуозную скрипичную пьесу с оркестром на испанские темы, но, сделав некоторый набросок ее, оставил эту мысль, предпочитая написать впоследствии на эти же темы пьесу оркестровую с виртуозной инструментовкой», — читаем в «Летописи» Римского-Корсакова.

Спокойное течение жизни было прервано трагическим известием: в феврале 1887 года члены Могучей кучки были потрясены неожиданной смертью своего сотоварища Бородина. «После похорон Александра Порфирьевича на кладбище Невского монастыря я вместе с Глазуновым разобрал рукописи, и мы решили докончить, наинструментовать, привести в порядок все оставшееся после А. П. и приготовить все к изданию, приступить к которому решил М. П. Беляев», — писал Римский-Корсаков в «Летописи». Работа была огромной, в основном — над оперой «Князь Игорь». «На лето 1887 г. мы наняли дачу в Лужском уезде (Петербургской губернии), в имении Никольском на берегу озера Нелай. Я усердно работал все лето над оркестровкой «Князя Игоря» и успел сделать многое. В середине лета эта работа прервалась на некоторое время: я написал Испанское каприччио из набросков предполагавшейся виртуозной скрипичной фантазии на испанские темы. По расчетам моим Каприччио должно было блестеть виртуозностью оркестрового колорита, и я, по-видимому, не ошибся». Эти строки «Летописи» — единственное свидетельство того, как создавалось яркое, блестящее и своеобразное произведение. Основой для него стал сборник «Ecos de Espana. Colleccion de cantos у bailes populares recopilados po Jose Inzenga. Barcelona. D. Andres Vidaly Roger», имевшийся у композитора. Впрочем, возможно именно изучение этого сборника и вдохновило его. Безусловно влияние на это произведение и замечательных Испанских увертюр Глинки.

Читать далее...

Mузыкальный инструмент Леонардо да Винчи

Полтысячи лет назад человек, по имени Леонардо да Винчи, сел и нарисовал дизайн для чего-то, что он явно задумал улучшить. Сейчас мы называем это классической музыкой. Он так никогда и не создал эту вещь. Может быть, он был слишком занят? Живопись, загадки и головоломки, картина какой-то  девушки, изобретение парашюта… да мало ли что там было. Независимо от причины, спустя более чем 500 лет после того, как да Винчи сделал первые наброски  инструмента, он, наконец, был создан.

Читать далее...

 

Судьба Антонины Васильевны Неждановой, так же как и ее искусство, феноменальны. В годы расцвета своей сценической карьеры певица была кумиром слушателей. Однако поклонение Неждановой не имело ничего общего с традиционным обожанием актрис. Имя Неждановой окружал ореол возвышенной недоступности, почти что святости. И сегодня в каждом театральном музее есть отдел, посвященный творчеству Неждановой. Даже ее квартира стала музеем. Более того, в ее честь переименовали старейший переулок в Москве, хотя в нем жили и другие, не менее знаменитые деятели культуры. Неуместно говорить о признании Неждановой и даже о ее славе. Нужно говорить о культе Неждановой, живом по сей день, несмотря на то, что карьера певицы закончилась очень давно, а записи голоса, хотя и сохранились, все же несовершенны.

Искусство Неждановой популярно и сегодня. В отличие от своих современниц и даже певиц следующего, более близкого к нам поколения, чье искусство уже эстетически устарело, пение Неждановой не представляется архаичным, не несет на себе отпечатка прошедшей эпохи. Оно настолько современно и стилистически и технически, что голос Неждановой давно перешагнул границы нашей страны. Домоседку и патриотку Нежданову, выступившую в опере за границей всего лишь однажды (в 1912 году в «Гранд-Опера», в спектакле «Риголетто» вместе с Карузо и Руффо) и после исчезнувшую с мирового оперного небосклона, сегодня знают и в Италии, и в Германии, и в Америке как одну из выдающихся лирико-колоратурных певиц.

Но для отечественной оперной сцены Нежданова все же значит больше, чем совершенная вокалистка. С ее именем связана сама чистота оперного пения, а ее искусство реализует идеальные представления о нем. Манера пения Неждановой признана классической, поэтому искусство Неждановой и ее слава шире границ ее эпохи.

Читать далее...

Симфоническое творчество Гайдна

Гайдном написано 104 симфонии, первая из которых была создана в 1759 году для капеллы графа Морцина, а последняя – в 1795 году в связи с лондонскими гастролями.

Жанр симфонии в творчестве Гайдна эволюционировал от образцов, близких бытовой и камерной музыке, к «Парижским» и «Лондонским» симфониям, в которых утвердились классические закономерности жанра, характерные типы тематизма и приемы развития.

Богатый и сложный мир гайдновских симфоний обладает замечательными качествами открытости, общительности, направленности на слушателя. Основной источник их музыкального языка – жанрово-бытовые, песенные и танцевальные интонации, иногда непосредственно заимствованные из фольклорных источников. Включенные в сложный процесс симфонического развития, они обнаруживают новые образные, динамические возможности.

Читать далее...

Драма «Чародейка. Нижегородское предание» попала в руки Чайковскому случайно. Первоначально первоисточник пьесы показался композитору поверхностным и мелодраматическим, хотя и не лишенным эффектности.

Ни одна из опер Чайковского не создавалась с таким трудом и не имела столь сложной судьбы, как «Чародейка» (Работа над оперой велась в течение почти двух с половиной лет, с января 1885 до мая 1887 года. Первая постановка состоялась в Мариинском театре 20 октября 1887.), написанная по одноименной пьесе популярного в 70 — 80-х годах драматурга И. В. Шпажинского.

Главные герои пьесы — князь Курлятов, родовитая Княгиня, его жена, прославившийся в битве с татарами их сын, Юрий и, с другой стороны, молодая вдова, красавица Настасья, которую люди называли «чародейкой», представляют собой два накладывающихся друг на друга «треугольника»; любовь — ненависть и один шаг между ними – основа страстей, развивающихся в драме.
Чайковский использовал некоторые напевы русских народных песен. Определяя своеобразие жанра «Чародейки», известный русский музыковед Б. В. Асафьев проницательно писал: «…она была первым по своей целеустремленности русским симфоническим и бытовым романом в русском музыкальном театре. Именно рядом с природой, с действием у русской реки, с задушевными признаниями (отсюда песенно-романсный тонус), с русской гульбой в слободке заречной, с суеверными оберегами от жизни, с русской жестокой ревностью и местью, с жуткой страстью сильных суровых характеров… То обстоятельство, что могучая красота женственности скрывается у Настасьи очень долго в оболочке гулящей бабы, скорее усугубляет сценическую привлекательность ее…”

"ЧАРОДЕЙКА "



Чародейка в Большом театре
На сцене Большого театра "Чародейку" ставили всего два раза — в 1916 и в 1958 г.г. Сегодня интерес к русским страстям, как называют их сами артисты, снова пробуждается, ведь герои классической оперы во многом близки современному зрителю.
Трудно поверить, но прежде опера «Чародейка» считалась «неудачей» в творческом наследии Чайковского, однако сам композитор думал иначе. Он признавался, что вложил в нее немало сил, и верил, что «Чародейка» когда-нибудь возьмет свое. Опера наделена глубокой страстью и совершенна в музыкальном отношении.
Недооцененную оперу Чайковского в ГАБТе взялась возродить в 2012году команда, возглавляемая Александром Лазаревым

Опера в 4-хдействиях.
Действие происходит в Нижнем Новгороде и его окрестностях в последней четверти XV века.

Читать далее...

Пётр Ильич Чайковский (25 апреля [7 мая] 1840, Воткинск, Вятская губерния, Российская империя — 25 октября [6 ноября] 1893, Санкт-Петербург) — русский композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель, музыкальный журналист.
Считается одним из величайших композиторов в истории музыки. Автор более 80 произведений, в том числе десяти опер и трёх балетов. Его концерты и другие произведения для фортепиано, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), четыре сюиты, программная симфоническая музыка, балеты «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик», более 100 романсов представляют чрезвычайно ценный вклад в мировую музыкальную культуру.
Родился 25 апреля 1840 года в селении при Камско-Воткинском заводе Вятской губернии (ныне город Воткинск, Удмуртия). Его отец — Илья Петрович Чайковский (1795—1880) — выдающийся русский инженер, был сыном Петра Фёдоровича Чайки, который родился в 1745 году в селе Николаевка Полтавского полка, близ г. Полтавы.
Чайковский происходил от православных шляхтичей Кременчугского уезда и был потомком известного на Украине казачьего рода Чаек.
Семейное предание утверждало, что его прадед Федор Афанасьевич Чайка (1695—1767) участвовал в Полтавской битве, и умер в чине сотника «от ран», хотя фактически он умер уже в старости в екатерининское время.
Дед композитора, Пётр Федорович, был вторым сыном Фёдора Чайки и его жены Анны (1717-?). Он учился в Киево-Могилянской академии, откуда в 1769 г. перевелся в Санкт-Петербургский военно-сухопутный госпиталь; в Киеве он «облагородил» свою фамилию, начав зваться Чайковским. С 1770 года на русско-турецкой войне (ученик лекаря, подлекарь, затем лекарь); в 1776 г. определен городовым лекарем в Кунгур, Пермского наместничества; в 1782 году переведен в Вятку, два года спустя произведен в штаб-лекари и затем пожалован дворянским званием. Впоследствии вышел в отставку, в 1795 г. назначен городничим в город Слободской, вскоре переведен оттуда в Глазов, где и занимал пост до смерти в 1818 году. В 1776 году он женился на 25-летней Анастасии Степановне Посоховой, незадолго перед тем лишившейся отца (ее отец, подпоручик, погиб под Кунгуром в стычке с пугачевцами; семейное предание назвало его комендантом Кунгура, якобы повешенным Пугачевым). У них было 11 детей.

Читать далее...

Одно из наиболее значительных произведений Шостаковича - седьмая симфония, «Ленинградская», написанная им в 1941-м году. Ее большую часть композитор сочинил, как уже было сказано, в блокадном Ленинграде. Вот только один из эпизодов, которые давали бы представление об условиях, в которых писалась музыка.
16-го сентября 1941-го года, утром, Дмитрий Дмитриевич Шостакович выступил на ленинградском радио. Фашистские самолеты бомбили город, и композитор говорил под разрывы бомб и грохот зенитных орудий:
«Час тому назад я закончил партитуру двух частей большого симфонического сочинения. Если это сочинение мне удастся написать хорошо, удастся закончить третью и четвертую части, то тогда можно будет назвать это сочинение Седьмой симфонией.
Для чего я сообщаю об этом? - спросил композитор,- ...для того, чтобы радиослушатели, которые слушают меня сейчас, знали, что жизнь нашего города идет нормально. Все мы несем сейчас свою боевую вахту... Советские музыканты, мои дорогие и многочисленные соратники по оружию, мои друзья! Помните, что нашему искусству грозит великая опасность. Будем же защищать нашу музыку, будем же честно и самоотверженно работать...».
Не менее замечательна и история первых исполнений этой симфонии, как в СССР, так и за рубежом. Среди них есть такой удивительный факт - премьера в Ленинграде состоялась в августе 1942 года. Люди в осажденном городе нашли силы исполнить симфонию. Для этого пришлось рещить несколько проблем. Например, в оркестре Радиокомитета оставалось только пятнадцать человек, а  для исполнения симфонии нужно было не менее ста! Тогда решили созвать всех музыкантов, кто был в городе, и даже тех, кто играл во флотских и армейских фронтовых оркестрах под Ленинградом. Седьмую симфонию Шостаковича сыграли 9 августа в зале Филармонии под управлением Карла Ильича Элиасберга. «Эти люди достойны были исполнять симфонию своего города, и музыка была достойна их самих...» - отзывались тогда в «Комсомольской правде» Георгий Макогоненко и Ольга Берггольц.
На партитуре симфонии была авторская надпись, гласившая: «Посвящается городу Ленинграду».
Седьмую симфонию Шостаковича нередко сравнивают с документальными произведениями о войне, называют «документом», «хроникой», ведь она передает дух событий необычайно точно. Но одновременно эта музыка потрясает и глубиной мысли, а не только непосредственностью впечатлений. Схватку народа с фашизмом Шостакович раскрывает как борьбу двух полюсов:
мира разума, творчества, созидания и - мира жестокости и разрушения;
настоящего Человека и - цивилизованного варвара;
добра и зла.

 

В письмах и дневниках Чайковского почти нет сведений о создании "Вариаций на тему рококо". Единственным свидетельством о времени сочинения Вариаций является в фраза в письме к брату Анатолию Ильичу от 15 декабря 1876 г.: "Пишу варьяции для Cello solo с оркестром".

Что явилось причиной создания Вариаций, все-таки неизвестно. Примечательно, что всего за полтора года до начала работы над этим сочинением - 25 марта 1875 г. - в газете "Русские ведомости" N 66 Чайковский в своей статье высказался, что "виртуозное процветание виолончели так приходит к последнему фазису упадка,... его репертуар в продолжение уж многих лет нисколько не обогащается новыми произведениями".
 

Впервые «Вариации на тему рококо» исполнил профессор Московской консерватории и друг Чайковского Вильгель Фитценгаген, выступивший с оркестром под управлением Н. Рубинштейна в симфоническом собрании Московского отделения Русского Музыкального Общества 18 ноября 1877 года.

Первое исполнение Вариаций имело благоприятные отзывы прессы. Так, в "Музыкальных заметках" газеты "Голос" (1877, N 298) отмечалось, что "Пьеса г.Чайковского, с прелестным аккомпанементом оркестра, кажется, новейшее произведение нашего талантливого композитора, и публика прослушала его с величайшим удовольствием".

Слушаем "Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром"(три варианта)

(авторская версия)Святослав Кнушевицкий (виолончель)
дирижёр Александр Гаук

В оригинальной авторской редакции произведение состоит из вступления, темы, сочинённой композитором, и восьми вариаций на эту тему:
Moderato assai quasi Andante — Tema. Moderato semplice
Var. I: Tempo della Tema
Var. II: Tempo della Tema
Var. III: Andante
Var. IV: Allegro vivo
Var. V: Andante grazioso
Var. VI: Allegro moderato
Var. VII: Andante sostenuto
Var. VIII e Coda: Allegro moderato con anima

еще два варианта

В симфонической буре оркестра
Наступает порой тишина,
И тогда после страстного presto,
Чуть вздыхая, рокочет она.

Длится звук, то далекий, то близкий,
И под плеск задремавших лагун
Лебединые руки арфистки
Бродят в роще серебряных струн.

Затихая и вновь нарастая,
Покидая таинственный грот,
Белокрылая лунная стая
Проплывает в сиянии вод...

Так сплетается струнная фраза,
Вспоминая о чем-то сквозь сон,
С переливчатой тканью рассказа
Из давно отшумевших времен.

Читать далее...

  Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 - 1953) - один из великих творцов XX века, создавших новаторский музыкальный театр. Сюжеты его опер и балетов поразительно контрастны. Наследие Прокофьева впечатляет как разнообразием жанров, так и количеством созданных им произведений.

Мировую известность получили оперы «Игрок», «Любовь к трем апельсинам», «Огненный ангел», «Война и мир», симфонии, фортепианная музыка.

Портрет С. С. Прокофьева кисти П. П. Кончаловского

 Театральный Прокофьев – явление уникальное. С раннего детства и на протяжении всего творчества композитор неуклонно обращался к сценическим опусам, среди которых восемь опер 18, семь балетов 19, музыка к кинофильмам, драматическим спектаклям.

   В 1933 Прокофьев написал музыку к постановке «Египетские ночи» в Московском Камерном театре, показав, что даже в этом жанре, дающем композитору, казалось бы, самые скромные возможности, можно создавать произведения высокого достоинства. 

Читать далее...

Музыка С.В. Рахманинова — «…и душа, захлюпав, вдруг размокла у меня…»   В 2000 году испанский тенор Хосе Каррерас, выздоровевший от лейкемии, специально приехал в Москву для того, чтобы поблагодарить Россию за Рахманинова. Этот случай не единственный. Еще при жизни Рахманинова был известен ряд случаев, когда его музыка приносила исцеление. Вдова одного врача, исцелившаяся от душевного недуга и мыслей о самоубийстве, тайком приносила на каждый его концерт букет душистой сирени.

Читать далее...

Любимая жена Иоганна Себастьяна Баха умерла в июле 1720 года. Цветущей молодой женщине, матери четверых детей, было всего тридцать шесть лет. Тринадцать лет она была верной спутницей трудной жизни композитора…
Прошло время, и его сердечная рана стала затягиваться. Бах начал подумывать о втором браке. Конечно, страшновато было ввести в дом мачеху для четырех осиротевших детей. Но не прошло и года после смерти первой жены придворного капельмейстера, как он объявил о своей свадьбе, немало удивив этим окружающих. Избранницей Баха стала молоденькая двадцатилетняя девушка Анна Магдалена, младшая дочь придворного и войскового трубача Иоганна Вюлькена.Невеста была на шестнадцать лет моложе своего будущего мужа! Как справится она с многотрудными обязанностями хозяйки обширного баховского семейства?

Ко дню свадьбы Бах сочинил приветственную музыку:

Ваш слуга, девушка-невеста,
Желаю счастья в радостный день!
Кто видит Вас в венце
И в прекрасном подвенечном платье,
У того сердце смеется от радости…

Стройная белокурая Анна Магдалена обладала привлекательной внешностью, а главное – веселым, открытым характером. У нее было красивое, хорошо поставленное сопрано. Вскоре после свадьбы жена капельмейстера была зачислена в кетенскую капеллу в качестве певицы.
Ожившее сердце композитора не могло нарадоваться. Ведь Анна Магдалена проявляла живой интерес ко всему, что касалось Иоганна Себастьяна и его детей. Хозяйство, немало запущенное после смерти Марии Барбары, наладилось, занятия детей вошли в норму. Катарине Доротее шел уже четырнадцатый год, и тихая, задумчивая девочка стала прекрасной помощницей своей новой матери.
Впрочем, не только одним хозяйством и детьми занималась Анна Магдалена. Очень скоро к многочисленным ученикам Баха прибавилась еще одна ученица – его молодая жена, прилежная переписчица нот. Пением она занималась с детства, теперь же начались уроки игры на клавире и даже занятия композицией. Судя по пьесам, собранным в «Нотной тетради Анны Магдалены», обучение пришлось начать почти с азов. Но ученица оказалась способной, и занятия шли успешно. Со временем в «Тетради Анны Магдалены» появились довольно длинные и сложные танцевальные сюиты. А рядом с инструментальными пьесами в тетрадь были вписаны задушевные песни о любви и верности – «Подари мне свое сердце», «Если ты рядом».

Нотная тетрадь Анны Магдалены

Читать далее...

"Я русский композитор, и моя родина наложила отпечаток на мой характер и мои взгляды. Моя музыка это плод моего характера, и потому это русская музыка... У меня нет своей страны. Мне пришлось покинуть страну, где я родился, где я боролся и перенёс все огорчения юности и где я, наконец, добился успеха.»

«Что такое музыка?!

Это тихая лунная ночь;

Это шелест живых листьев;

Это отдаленный вечерний звон;

Это то, что родится от сердца

и идет к сердцу;

Это любовь!

Сестра музыки это поэзия,

а мать ее — грусть!»

Рахманинов у рояля, начало 1900-х годов.

С 1892 года по 1911 год Сергей Васильевич Рахманинов написал 83 романса, то есть все они созданы в российский период его жизни. По популярности они соперничают с его фортепианными произведениями. Большинство романсов написано на тексты русских поэтов-лириков второй половины 19 века и рубежа 20 и всего лишь немногим более десятка на стихи поэтов первой половины 19 века – Пушкина, Кольцова, Шевченко в русском переводе.

Рахманинов писал: «Меня очень вдохновляет поэзия. После музыки я больше всего люблю поэзию. … У меня всегда под рукой стихи. Поэзия вдохновляет музыку, ибо в самой поэзии много музыки. Они — как сёстры-близнецы.» 

Читать далее...

«Она является каким-то чудом даже среди произведений Бетховена, — писал Роллан о Третьей симфонии — Если в своем последующем творчестве он и двинулся дальше, то сразу он никогда не делал столь большого шага. Эта симфония являет собою один из великих дней музыки. Она открывает собою эру».

  Бетховен сочинил свою героику в 32 года, он начал работу над ней меньше чем через год после того, как оставил своё горькое и безнадёжное «Хейлигенштадтское завещание». Он писал Третью симфонию несколько недель, писал, ослеплённый ненавистью к своей глухоте, словно стремился изгнать ее своим титаническим трудом. Это и в самом деле титаническое сочинение: самая длинная, самая сложная симфония из всех, созданных Бетховеном на тот момент. 

Читать далее...